Anda di halaman 1dari 42

1.

0 LUKISAN

1.1 Pengenalan

Lukisan ialah salah satu aktiviti penghasilan karya dalam bidang seni
halus. Lukisan menyediakan landasan asas untuk berkomunikasi
dalam pelbagai cara dan bidang. Biasanya lukisan menggunakan
media kering untuk menghasilkan karya.Penghasilan lukisan bertujuan
untuk mengkaji struktur bentuk subjek atau imej yang dilukis secara
teliti. Lukisan akan mengikatkan kita dengan emosi, keintelektualan
dan juga spiritual.
Lukisan juga boleh menyatakan luahan emosi, intelektual dan spiritual
manusia. Lukisan dapat mengembangkan kedua-dua minda dan
semangat (spirit). Justeru, lukisan dilakukan sebagai satu cara
menghargai penglihatan dan pemikiran manusia.
Lukisan awal telah ditemui di dinding-dinding gua yang dihasilkan oleh
manusia purba. Lukisan tersebut berkisar tentang aktiviti kehidupan
seharian seperti perburuan dan pengembaraan. Di Malaysia lukisan
gua telah dijumpai di Gua Niah, Sarawak dan Gua tambun, Perak.
Kebanyakan karya lukisan di dinding gua menggunakan gaya yang
sama, iaitu imej binatang digambarkan dengan pelbagai kualiti garisan
ringkas dengan komposisi yang hampir sama, iaitu memanjang dan
berkumpulan serta menggambarkan pelbagai binatang yang mungkin
menjadi hasil buruan untuk makanan mereka pada zaman dulu.

Media

• Media dominan ialah media kering seperti pensel dan arang untuk
mendapatkan kesan rupa dan bentuk ilusi pada sesuatu permukaan.
• Penghasilan mestilah memperlihatkan struktur sesuatu benda. Lukisan
juga boleh dihasilkan melalui campuran media kering dan media
basah. Contohnya, warna pensel dan warna air.
• Penggunaan media basah seperti warna air juga boleh digunakan
tetapi penggunaannya adalah secara terhad dan minimum.
• Lukisan menitikberatkan kepada penghasilan struktur bentuk sesuatu
benda dengan penggunaan pelbagai jenis garisan.

Tujuan Penghasilan

• Mengkaji struktur sesuatu benda dengan lebih terperinci menggunakan


aplikasi unsur dan prinsip seni reka. Contohnya, memasukkan jalinan
dan imbangan pada bentuk yang dilukis.
• Gambaran awal atau gambaran ringkas sebelum penghasilan imej
akhir. Contohnya, lukisan sesuatu imej dihasilkan sebelum penghasilan
imej sebenar pada catan.
• Menerusi lukisan juga boleh dijadikan sebagai sindiran atau komentar
sosial dalam sesebuah masyarakat dan ia dapat mempengaruhi
psikologi manusia. Contohnya, lukisan kartun yang menyindir sistem
sosial dalam sesebuah masyarakat.
• Lukisan juga dapat dijadikan sebagai luahan emosi dan ekspresi
pengkarya melalui tema yang disampaikan melalui imej-mej tertentu.
Jenis Lukisan

i. Lukisan Figuratif

Lukisan figuratif adalah sejenis lukisan yang memberi penumpuan


kepada tubuh badan dan anatomi manusia.
ii. Lukisan Fantasi
Lukisan imaginasi di alam nyata atau khayalan.
iii. Lukisan Ilustrasi
Lukisan yang mempunyai tema atau keterangan tertentu yang ingin
disampaikan kepada audiens.
iv. Lukisan Kajian

Merakamkan ketelitian pada subjek yang dikaji.


Contoh,memasukkan unsur jalinan, cahaya dan struktur bentuk yang
terperinci.
v. Lukisan Kontour
vi. Lukisan Gesture

a.Menggunakan seluruh pergerakan tangan dan tidak terhad pada


pergelangan tangan.
b.Dihasilkan sebelum penghasilan catan, arca atau seni grafik.
c.Dihasilkan dalam masa yang singkat dan digunakan untuk
menyelaras antara kerja mata, minda dan tangan pada objek yang
dilukis.
vii. Lukisan Teknikal

Menggunakan skala tertentu untuk memastikan sudut pandangan dan


kadar banding yang tepat.
viii. Lukisan Kartun

a. Menggunakan pelbagai kualiti garisan dan garisan ringkas untuk


menggambarkan watak-watak kartun
b. b. Digambarkan melalui tema jenaka
Bahan dan Media

Penggunaan bahan dan media adalah penting dalam menghasilkan


lukisan. Tetapi ini tidak bermakna bahan dan media yang mahal sahaja
mampu menghasilkan lukisan yang bermutu dan menarik. Lukisan yang
bermutu dan kreatif boleh dihasilkan dengan menggunakan bahan yang
biasa sahaja. Tidak dinafikan juga, penggunaan bahan yang mahal dan
berkualiti merupakan satu rangsangan dalam penghasilkan lukisan.

Bahan dan media yang digunakan untuk menghasilkan sebuah lukisan ;


i. pensel
ii. pen dakwat
iii. pen mata bola
iv. arang
v. pastel
vi. krayon

1.2 Lukisan Tamadun Melayu

Seni tampak atau seni visual telah lama berkembang di Malaysia. Adalah
dipercayai lebih dari 200 tahun dulu. Namun kewujudan seni ini hanya
menjadi satu kepentingan pada negara mulai tahun 1930-an saja.

Dunia Seni Lukis di Malaysia

Di negara ini terdapat sekolah senilukis peringkat tinggi yang menawarkan


ijazah seni halus kepada sesiapa yang layak untuk mengikuti pengajarannya.
Melalui institusi inilah ramai pelukis berkelulusan tinggi dihasilkan dari tahun
ke setahun. Ianya menyumbang kepada perkembangan dunia senilukis
Malaysia.
Di samping itu ramai juga pelukis yang tidak mempunyai pendidikan formal.
Mereka ini samada belajar sendiri ataupun belajar melalui individu yang
berpengalaman. Kelompok ini juga turut sama menyumbang kepada
perkembangan dunia senilukis Malaysia.

Dalam aliran senilukis formal di Malaysia, kita mengambil sukatan pelajaran


daripada barat kerana kita tidak mempunyai sukatan pelajaran sendiri. Oleh
kerana itu aliran senilukis formal di Malaysia dianggap sebagai ranting
daripada aliran dari barat. Walaupun terdapat aliran daripada Asia seperti
aliran senilukis Cina, India dan Islam, biasanya ia hanya diamalkan oleh
kelompok etnik tertentu atau pengamal sesuatu fahaman. Tiada pendidikan
formal untuk aliran sebegini yang diiktiraf berbanding aliran senilukis barat.

Bagi kelompok pelukis tanpa pendidikan formal pula pendidikan senilukis


mereka lebih kepada pemerhatian, minat mendalam dan bakat semulajadi.
Terdapat juga individu yang berpengalaman menurunkan pengalaman dan
kebolehan mereka kepada generasi baru yang belajar daripadanya. Maka
kebanyakkan pelukis tanpa pendidikan formal berkarya tanpa dibelengu oleh
mana-mana aliran dan penghasilan karya mereka bercampur-baur dengan
pelbagai gaya dan aliran.

Kepelbagaian etnik di Malaysia juga telah memecahkan dunia senilukis


Malaysia kepada beberapa kelompok:

Kelompok pertama adalah senilukis aliran dunia yang diiktiraf yang mana
kebanyakkan pengamalnya terdiri daripada mereka yang diiktiraf oleh
sekolah-sekolah senilukis kebangsaan dan mempunyai jaringan dengan
pendidikan tinggi peringkat antarabangsa. Pengamalnya terdiri daripada
semua etnik di Malaysia.

Kelompok kedua ialah senilukis aliran Asia, antaranya aliran Cina yang mana
mereka mempunyai system pendidikan sendiri dan diamalkan oleh kaum Cina
sahaja. Namun begitu terdapat juga kaum-kaum lain yang belajar seterusnya
menjadi pengamal. Bagi kaum India terdapat juga pengamal aliran senilukis
kuno mereka tetapi jumlahnya terlalu sedikit dan biasanya tertumpu kepada
senilukis yang bersifat ritual.
Terdapat juga kaum Melayu yang beragama Islam mempelajari aliran
senilukis Islam. Walaupun mendapat sokongan penuh pemerintah,
perkembangannya amat perlahan dan agak terpencil. Kekurangan pengamal
dan popularity menjadikan aliran ini tidak berkembang dengan pesat serta
tidak banyak perubahan yang ketara sejak dahulu lagi. Akibatnya aliran ini
terkurung dalam lingkungan agama dan kepercayaan sahaja.

Kelompok ketiga adalah pengamal yang tidak melalui pendidikan formal.


Kelompok ini biasanya menumpukan kepada penguasaan kemahiran semata-
mata. Kebanyakkan daripada mereka menumpukan kepada perkhidmatan
senilukis seperti melukis potret atau tempahan lukisan hiasan. Mereka tidak
ghairah mengambil tahu perkembangan dan gaya semasa senilukis
antarabangsa. Ada juga yang kekal dalam gaya senilukis yang tipikal untuk
satu tempoh yang panjang.

Kesemua kelompok pengiat ini telah mewujudkan dunia senilukis di Malaysia


dan berkembang dengan pesat mengikut arus dunia. Walaupun masih dalam
proses pembinaan dan perubahan senilukis di Malaysia telah menempatkan
dirinya sebagai salah satu ikon budaya negara. Penglibatan pemerintah
dalam menyediakan infrastruktur, sokongan dan galakkan banyak membantu
pertumbuhan bidang ini.

Perkembangan Seni Halus di malaysia

Perkembangan Seni Lukis Tahun 1930-an

Minat pelukis dipengaruhi oleh aliran naturalis dari barat dengan cara
mengamati alam sekeliling melalui karya-karya landskap, alam benda dan
potret. Pada peringkat awal, karya-karya yang dihasilkan lebih condong
kepada gambaran bersifat sentimental terhadap perkara yang indah dan
permai. Pendidikan seni mula dimasukkan dalam kursus perguruan di Maktab
Perguruan Sultan Idris, Tanjung Malim. Maktab ini melatih guru-guru sekolah
rendah yang mengajar lukisan dan kerja tangan. Pelukis semasa seperti
Abdullah Ariff dan Yong Mun Seng yang dikaitkan dengan seni halus
menumpukan pada karya bertemakan tempatan.

Perkembangan Seni Lukis Tahun 1950-an

Peter Harris menubuhkan Wednesday Art Group pada tahun 1952 dengan
ahli yang terdiri daripada berbilang kaum dan berpendidikan Inggeris. Aktiviti
kumpulan ini dijalankan pada hari rabu dan sabtu. Antara ahlinya ialah Patrick
Ng, Cheong Lai Tong dan Ho Kai Peng. Penang Art Teachers Council
ditubuhkan pada tahun 1952 oleh Tay Hooi Keat. Antara ahlinya ialah Tan Tin
Kok, Abdullah Ariff dan Chee Wee Sun. majlis kesenian Melayu diasaskan
oleh Mohd Hoessein Enas dan Idris Salam pada tahun 1956, tetapi kemudian
diubah namanya kepada Angkatan Pelukis semenanjung pada tahun 1957.
kumpulan ini dikaitkan dengan identiti dan imej figura melayu. Thursday Art
Group ditubuhkan pada tahun 1957 di Pulau Pinang dan menhjalankan aktiviti
pada hari khamis. Ahli-ahlinya terdiri daripada Abdullah Ariff, Tay Hooi Keat,
Lee Joo For dan Willian K.K. Lau. Pada tahun 1958, Balai Seni Lukis Negara
ditubuhkan sebagai pengiktirafan rasmi pihak kerajaan terhadap bidang seni
lukis. Dua orang pelukis iaitu Tay Hooi Keat dan Syed Ahmad Jamal telah
mendapat latihan formal di London. Mereka pulang dengan membawa
pendekatan dan aliran seni dari barat. Gaya karya mereka telah menjadi
ikutan dan meluaskan pandangan artis tempatan terhadap perkembangan-
perkembangan seni di Barat.

Perkembangan Seni Lukis Tahun 1960-an

Maktab Perguruan Ilmu Khas di Kuala Lumpur yang ditubuhkan pada tahun
1960 menawarkan kursus dalam bidang pendidikan seni. Ini memberi peluang
kepada guru-guru untuk menambah pengalaman dalam bidang seni secara
sepenuh masa selama setahun. Kursus seni lukis dan Seni Reka di institut
Teknlogi Mara telah diperkenalkan pada tahun 1967. kursus ini telah dapat
melahirkan golongan bumiputra sebagai pendidik, pelukis dan pereka bentuk
yang lebih peka serta terlatih dalam bidang dan cabang tertentu pendidikan
seni di negara ini. Pelukis-pelukis abstrak mula mendapat tempat untuk
mempamerkan karya-karya mereka di luar negara. Munculnya pelukis-pelukis
New Scene pada tahun 1969 yang mempunyai manifesto asas menyarankan
new habit of seeing (kebiasaan-kebiasaan yang baharu apabila melihat),
berkreatif dan pendekatan yang perlu bersifat intelektual, impersonal, dan
non-symbolic.

Perkembangan Seni Lukis Tahun 1970-an

Penubuhan Kogres Kebudayaan Kebangsaan pada tahun 1971 yang


membincangkan isu-isu berhubung dengan masyarakat mula mempengaruhi
pemikiran dalam bidang seni secara terus. Kumpulan Anak Alam telah
ditubuhkan oleh Latiff Mohidin pada tahun 1974. kumpulan Utara ditubuhkan
pada tahun 1977, yang terdiri daripada pelukis-pelukis yang berasal dari utara
semenanjung Malaysia.

Perkembangan Seni Lukis Tahun 1980-an

Penubuhan persatuan Pelukis Malaysia pada tahun 1980 telah memberikan


sumbangan kepada perkembangan seni lukis dan kerjasama yang lebih erat
dengan kerajaan dalam hal-hal seni lukis. Pusat seni di Universiti Sains
Malaysia telah ditubuhkan pada tahun 1984 bagi melahirkan guru-guru
sebagai tenaga pengajar yang mahir dalam bidang seni halus. Penubuhan
institusi dan akademi seni swasta seperti Malaysian Institute of Art (MIA) telah
melahirkan generasi muda pelukis berbangsa cina yang lebih muda.

1.3 Lukisan Tamadun Islam

Dalam budaya islam, penghasilan hasil seni yang bermotifkan haiwan atau
sebarang motif lain adalah dibenarkan. Tetapi hasil seni yang bermotifkan
agama adalah amat dilarang. Gambaran yang melibatkan penghasilan
lakaran berunsur geometri yang abstrak atau motif bunga-bungaan sering
digunakan. Penghasilan motif ini digunakan dalam bidang pembinaan dan
kaligrafi yang terdapat pada binaan masjid dan buku-buku agama termasuk
kitab suci al-Quran. Lakaran-lakaran abstrak ini bukanlah suatu yang
dianggap baru, tetapi ianya sudah lama digunapakai sejak zaman Pra-Klasik
dan juga zaman Barbarian. Seorang illustrator, M. C. Escher telah
memperkenalkan lukisan geogmetri islam ini ke dalam dunia barat yang
bermotifkan bunga-bungaan.

Seni lukis pada zaman ini turut dikenali sebagai seni halus. Seni lukis bermula
pada zaman Khalifah Muawiyah di Damsyik dan ia biasanya tertera pada
helaian safhah al-Quran ygn dihisai dgn corak lukisan bunga dan gambar
berbentuk Arabesque dgn pilihan warna emas. Dalam seni islam, pelukis
diharamkan membentuk dan melukis makhluk yang bernyawa, namun lukisan
ini dibolehkan hanya dengan bertujuan kerana keperluan yang diiktiraf seperti
untuk kegunaan pendidikan. Seni lukis ula bermula pada zaman khalifah
Muawiyah di Damsyik dan ia biasnya tertera pada helaian-helaian safhah a-
Quran yang dihiasi dengan corak lukisan bunga dan gambar berbentuk
araesque dengan pilihan warna emas, buku-buku sejarah yang dihiasi
dengan gambar-gambar warna yang cantik seperti kitab al-Tarikh Syahnama
dan buku hikayat alfun alLaial dan buku-buku cerita. Seni lukis Islam biasanya
terhad kepada lukisan keindahan alam dan tidak termasuk benda-benda
bernyawa yan boleh menjadi pujaan seperti haiwan, dewa atau patung.

Di tengah pro dan kontra itu seni lukis berkembang di dunia Islam. Meski
begitu, para arkeolog dan sejarawan tak menemukan adanya bukti adanya
sisa peninggalan lukisan Islam asli di atas kanvas serta panel kayu. Hasil
penggalian yang dilakukan arkeolog justru menemukan adanya lukisan
dinding, lukisan kecil di atas kertas yang berfungsi sebagai gambar ilustrasi
pada buku.

Salah satu bukti bahwa umat Islam mulai terbiasa dengan gambar makhluk
hidup paling tidak terjadi pada masa pemerintahan Dinasti Umayyah (661 M
-750 M) di Damaskus, Suriah. Hal itu dapat disaksikan dalam lukisan yang
terdapat pada Istana keci Qusair Amrah yang dibangun pada 724 M hingga
748 M.

Selain itu, serambi istana Musyatta yang dibangun penguasa Umayyah di


akhir kekuasaannya tahun 750 M, juga dipenuhi lukisan manusia dan
binatang. Pada era kekuasaan Abbasiyah, penggunaan gambar makhluk
hidup dalam lukisan dinding juga digunakan pada istana Juasaq Al-Kharqani
yang dibangun oleh Khalifah Al-Mu'tasim pada 836 M-839 M.

Makhluk hidup juga menjadi objek lukisan di istana Dinasti Abbasiyah di era
pemerintahan Al-Muqtadir (908 M-932 M). Dalam dinding istana itu,
tergambar lima belas penunggang kuda. Lukisan ini dipengaruhi gaya
Mesopotamia. Lukisan manusia juga terdapat dalam dinding istana Sultan
Mahmud Gazna (wafat 1030 M).

Gambar prajurit serta perburuan gajah yang terlukis di dinding istana Sultan
itu lebih banyak dipengaruhi seni dari India. Lukisan manusia dan makhluk
hidup mulai berkembang pesat di era Dinasti Fatimiyah dan Seljuk antara
abad ke-12 dan 13 M. Seabad kemudian, seni lukis miniatur berkembang
pesat di era kekuasaan Dinasti Il-Khans--dinasti keturunan Hulagu Khan yang
sudah masuk Islam.

Penguasa Il-Khans, seperti Mahmud Ghazan (1295 M-1304 M), Muhammad


Khodabandeh (Oljeitu) (1304 M-1316 M), dan Abu Sa'id Bahadur (1316 M-
1335 M) sangat menaruh perhatian pada perkembangan seni. Mereka
memperbaiki kerusakan-kerusakan yang diakibatkan oleh invasi yang
dilakukan leluhurnya terhadap dunia Islam.

Dinasti ini pun memperkenalkan gaya lukis Cina terhadap seni lukis miniatur
Persia di zaman itu. Seni lukis miniatur Persia berkembang makin pesat di era
kekuasaan Dinasti Timurid di wilayah Iran. Dipengaruhi gaya lukis Cina dan
India, seni lukis miniatur Persia itu tampil dengan gaya yang unik. Seni lukis
tradisi berkualitas tinggi juga berlangsung di era kekuasaan Dinasti
Safawiyah.
Lantaran negara-negara Islam saat itu berbentuk monarki, seni lukis di setiap
kota Islam sangat ditentukan pemimpinnya. Para penguasa Dinasti Safawiyah
sebenarnya sangat mendukung para seniman. Salah seorang pemimpin
Safawiyah yang mendukung kegiatan para seniman itu adalah Shah Ismail I
Safav. Bahkan, dia mengangkat Kamaludin Behzad--pelukis kenamaan
Persia--sebagai direktur studio lukis istana.

Lukisan Persia memiliki ciri khas tersendiri. Kebanyakan berisi sanjungan


kepada raja dan penguasa. Selain itu, ada pula lukisan keagamaan yang
menggambarkan interpretasi orang Persia terhadap Islam-- agama yang
mereka anut. Lukisan Persia pun sangat termasyhur dengan penggunaan
geometri dan warna-warna penuh semangat.

Yang lebih penting lagi, lukisan Persia dikenal mata ilustratif. Lukisannya
mampu memadukan antara puisi dengan seni lukis. Bila kita melihat lukisan
Persia, seakan-akan kita diajak untuk membaca sebuah kisah puitis yang
mampu menumbuhkan rasa kepahlawanan. Hal itu terjadi, karena lukisan-
lukisan itu diciptakan dan terinspirasi oleh syair-syair yang begitu luar biasa.

Penguasa Safawiyah mulai mencabut dukungannya kepada para seniman di


era kekuasaan Shah Tahmasp I tahun 1540-an. Akibatnya, para seniman
yang bekerja di istana Shah pergi meninggalkan Tabriz, Iran. Mereka ada
yang hijrah ke Bukhara kawasan utara India. Tak heran, jika seni lukis
berkembang di Kesultanan Mughal, India. Di wilayah ini, seni lukis
dikembangkan oleh para seniman imigran.

Salah satu ciri khas seni lukis Mughal adalah lebih bernilai humanistik
dibandingkan hiasan. Gambar yang dilukiskan lebih ke dalam bentuk realistik,
dibandingkan dalam bentuk fantasi. Pada era kekuasaan Turki Usmani, seni
lukis juga berkembang pesat dengan sokongan dari istana Sultan. Para
penguasa Usmani memerintahkan para senimannya menggambar beragam
bentuk peristiwa tentang kiprah Sultan, seperti pertempuran dan festival.

Di era kepemimpinan Sultan Sulaeman Al-Qanuni ada pelukis miniatur


terkemuka bernama Nasuh Al-Matraki. Hampir semua karya lukis pada
zaman ini tersimpan di Perpustakaan Istana di Istanbul. Begitulah seni lukis
berkembang dari masa ke masa di era kejayaan Islam. Seni lukis yang khas
dari setiap dinasti membuktikan bahwa umat Islam pada waktu itu mampu
mencapai peradaban yang sangat tinggi di dunia.

Mehmet II, from the Sarai


Albums of Istanbul, Turkey, 15th
century AD.

1.4 Lukisan Tamadun China

Fahaman Daoisme mempunyai pengaruh kuat terhadap bentuk-bentuk


seni Cina terutama seni catan dan kaligrafi dan ia menentukan sifat-
sifat yang dianggap penting dalam kesenian tersebut.Ini jelas kerana
seorang seniman Cina bertujuan menyelaraskan kegiatan penghasilan
sesebuah hasil seni catan dengan prinsip-prinsip atau proses alam
semesta.

Menurut fahaman ini, manusia boleh melakukan perbuatan dan


kegiatan yang bersifat semulajadi dan spontan melalui proses
pelukisan gambar kerana ianya satu cara bagi mengharmonikan diri
dengan proses alam semesta.

Dalam catan lanskap Cina tradisional, elemen-elemen yang dilukis


untuk mewakili alam semesta seperti gunung tinggi yang dipenuhi
pokok-pokok , bukit-bukit dan air terjun, pokok-pokok kecil yang rimbun
,air sungai dan tasik dan lain-lain lagi.

Manusia boleh timbul dalam catan lanskap tersebut tetapi merupakan


bentuk-bentuk yang kecil kerana menurut Daoisme, manusia cuma
sebagai elemen yang kecil dalam dunia alam semesta yang amat luas
dan besar ini.

Manakala kemahiran-kemahiran yang digunakan dalam tulisan kaligrafi


atau huruf Cina, diaplikasikan oleh seniman-seniman Cina kepada
penghasilan gerakan -gerakan berus yang terdapat dalam kaligrafi
atau huruf Cina yang terdapat dalam sebuah lukisan ( catan) yang
berjaya.

Kebolehan untuk menghasilkan imej-imej yang mempunyai ”


imbangan, gerakan dan bentuk-bentuk yang betul” boleh diperolehi
melalui latihan-latihan kaligrafi atau tulisan huruf Cina.
Lukisan dilukis pada kain sutera, tembikar dan sampang. Ia biasanya
terdiri daripada potret manusia, gambar-gambar yang
berlatarbelakangkan cerita-cerita metos dan peristiwa-peristiwa yang
benar-benar berlaku. Seni lukis yang mula-mula sekali dihasilkan
adalah dari orang-
orang Buddha yang
kemudian
berkembang ke
arah keduniaan.
Pada zaman Dinasti
Tang muncul pelukis
teragung iaitu Wu
Tao Yuan yang juga
merupakan seorang sami Buddha. Dengan beberapa garis, dia telah
dapat meletakkan satu lukisan yang bermutu tinggi di kanvas
lukisannya. Seni lukis mencapai kemajuan sebenar pada zaman Sung.
Dua orang pelukis terkenal zaman ini ialah Kuo His dan Mi Fei. Pada
zaman Dinasti Han, banyak lukisan potret dihasilkan. Tembok dihiasi
dengan catan fresco menggambarkan tokoh terkemuka seperti ahli
falsafah, raja-raja, negarawan. Kedatangan agama Buddha memberi
motif baru dalam seni lukis. Corak lukisan lebih kepada gambar
pemandangan seperti sungai, gunung ganang. Batu-batu dan salji.

1.5 Lukisan Tamadun Jepun

Jepun merupakan sebuah negara kepulauan yang mempunyai keadaan


semula jadi yang amat sesuai untuk perkembangan sebuah tamadun
sehingga mampu dikenali sebagai suatu bangsa yang kuat dan negara yang
hebat sama ada dari aspek politik, ekonomi, kebudayaan dan sosial.
Masyarakat Jepun amat menyedari kepentingan warisan tinggalan nenek
moyang mereka dan ikatan atau hubungan mereka dengan tanah besar Asia
walaupun secara realitinya mereka menjalani kehidupan yang berasingan
iaitu sebagai masyarakat kepulauan. Selain itu, aspek lain yang amat penting
dengan masyarakat awal Jepun ialah kepekaan mereka terhadap sifat-sifat
kedewaan. Misalnya, keindahan alam semula jadi yang terdapat di Jepun
dianggap sebagai satu anugerah daripada dewa kepada kepulauan Jepun.
Hal ini demikian kerana secara lagendanya, masyarakat Jepun mempercayai
mereka berasal daripada Dewi Matahari iaitu bukan sahaja keturunan, tetapi
meliputi asal-usul tanah dan negara Jepun itu sendiri. Kepercayaan asal-usul
ini juga boleh dibuktikan melalui makna Nihon (Nippon) dalam bahasa Jepun
yang membawa maksud asal matahari iaitu matahari terbit.
Hiroshige yang terlahir bernama Ando
Juemon adalah dari keluarga biasa yang
hidup dalam bersederhana. Namun pada
umur 13 tahun, ia bersama kedua adiknya
telah menjadi yatim-piatu dan harus
menghadapi dunia fana yang tiada menentu.
Setelah mengalami kegagalan akhirnya ia
diterima disebuah sanggar seni seorang
seniman ternama bernama Toyohiro, waktu
itu ia berumur 15 tahun. Gurunya dapat
mengetahui bakat si anak yang luar biasa
dan wataknya yang lurus, sehingga ia diberi
gelaran sebuah nama iaitu Hiroshige.
Hiroshige yang terdiri dari dua huruf Kanji (aksara Han Tiongkok), huruf
pertamanya diambil dari namanya sendiri dan yang kedua dari nama si anak.
Tak lama kemudian, si anak menerbitkan hasil karya seni perdananya. Waktu
itu ia baru berumur 16 tahun.
Dari tahun 1780 sampai dengan tahun 1800 merupakan zaman keemasan
kesenian Ukiyo-e dimana banyak seniman terkenal seperti Hokusai, Utamaro
dan gurunya sendiri saling bersaing menyempurnakan seni aliran ini. Seni
lukisan Ukiyo-e (genre paintings) adalah lukisan berdasarkan kejadian sehari-
hari. Namun seperti yang terjadi di negara Eropah, seni hanya disajikan untuk
dan dinikmati oleh kalangan elit dari masyarakat Edo. Oleh kerana itu, tema
lukisan berkisar kehidupan para bangsawan atau figure wanita selebriti
sedangkan lukisan pemandangan dengan kehidupan rakyat kurang diminati.
Namun di zaman Edo berikutnya yang disebut zaman kemunduran terjadi
populerisasi-an seni ke masyarakat luas sehingga terjadi lonjakan permintaan
atas barang seni. zaman kemunduran yang berkaitan dengan kejatuhan
ekonomi menyebabkan segala percetakan harus dilakukan dalam jumlah
besar untuk mencapai "economic of scale". Sehingga satu-satunya cara
adalah memasarkan hasil seni kepada masyarakat luas dengan harga tinggi.
Hiroshige yang berkarya di zaman ini mendapat keuntungan tambahan
kerana bukan saja ia berbakat lebih dari itu tema lukisannya mengenai
rakyatt. Dalam lukisan-lukisan 53-Tahapan Tokaido misalnya ia
menggambarkan aktiviti masyarakat Edo yang gemar mengembara
mengunjungi tempat-tempat termasyhur dan tempat suci untuk beribadah
walaupun harus menempuh perjalanan yang jauh. Oleh karena itu, Hiroshige
juga dikenang sebagai seniman yang banyak berpenat lelah dalam
merakyatkan seni ke masyarakat Jepun.
Menurut perputaran kehidupan kosmik yang menggariskan kehidupan
manusia atas dasar perputaran 60 tahun (sexagenary cycle), mencapai umur
60 tahun adalah waktu bagi seseorang memikirkan apa yang telah ia capai
dan menatap kehidupan berikutnya. Dan kiranya itupun yang mungkin
terlewat dalam benak si anak genius. Setelah berkarya seni sepenuhnya,
Hiroshige meninggal dengan tenang di umur 62. Ia dikebumikan di vihara
Togakuji yang terkenal di kota Edo (sekarang Tokyo).

Antara koleksi lukisan yang menggambarkan aktiviti


masyarakat dan juga sebagai hiburan kepada orang
atasan.
Gadis atau selebriti cantik yang sentiasa menjadi motif kepada lukisan

1.6 Lukisan Tamadun India

Sekitar 40 tahun lalu, lukisan 'maniture' telah menjadi popular di India dan
Barat iaitu dikalangan pengumpul lukisan dan artis. Ini berdasarkan mutu
dan hasil kerja yang bagus dimana adunan warna yang menarik selain
dari aspek kepelbagaian gaya dan
tema yang unik. Sebahagian kecil
pakar seni lukisan 'maniture' ini
telah menjadi ikutan dan telah
berjaya menghasilkan lakaran
yang bermutu. Antara penggiat
seni India yang terkenal sekitar
awal 1900 iaitu Coomaraswamy
yang menghasilkan seni monograf
diantara tahun 1910 hingga 1912
yang diharapkan dapat memberi pendedahan tentang nilai keindahan
seni. Pada awal 1950, lukisan maniture ini semakin tenggelam kerana
tiada penggiat seni yang berminat untuk meneruskannya.

Lewat 1950-an, dua orang pakar seni iaitu Ramgopal Vijaiwargiya dari
Jaipur dan P.R Kapoor dari Delhi berjaya menjumpai ribuan lakaran dan
ada diantaranya dihasilkan dengan kualiti yang amat mengkagumkan.
Vijaiwargiya telah membeli hasil seni daripada Rajasthan di Kotah dan
Jaipur. Manakala, Kapoor berjaya mengembalikan semula karya seni yang
dikumpul kepada waris pelukis di Guler, Sangra dan Basohli. Hasil seni
yang dimiliki oleh Vijaimargiya dan Kapoor juga merupakan antara karya
yang dihasilkan oleh orang-orang Chamba di Himachal Pradesh. Ianya
telah dipamerkankan pada 1976 oleh Stuart Cary Weich di Asia House
Galeri di New York. Pameran ini telah mendapat sambutan yang amat
menggalakkan.

Lukisan atau lakaran dapat menggambarkan keperibadian pelukis dan


boleh menterjemahkan apa yang terdapat didalam minda dan imaginasi
pelukis. Lukisan India tidak menggambarkan emosi pelukis melalui lukisan
wajah atau muka, tetapi ia amat menitik beratkan postur dan gesture
subjek tersebut.

2.6.1 Penggunaan alat dan bahan

Penggunaan pensel dan krayon tidak diketahui dikalangan pelukis di India.


Kebayakkan mereka menggunakan pen mata pena untuk melukis namun
dikalangan masyarakat lama, mereka lebih selesa menggunakan pen
yang diperbuat daripada buluh. Seperti pelukis cina dan Jepun, pelukis
India juga pakar dalam menggunakan berus. Berus-berus ini diperbuat
daripada bulu ekor tupai. Pelukis India juga kerapkali mengaplikasikan
penggunaan arang batu dalam hasil seni mereka. Ada juga yang
menggunakan warna merah terangbagi memulakan lakaran idea. Lakaran
ini dimulakan dengan lapisan warna yang nipis menggunakan arang batu
sebagai asas, sebelum diikuti dengan lakaran penuh dengan
menggunakan berus berdakwat hitam. Lakaran dihasilkan dengan
menggunakan sehelai kertas dan adakalanya menggunakan 3 helai kertas
yang dicantumkan bersama dan diperkemaskan dengan warna putih dan
dikilatkan dengan agat/akik iaitu sejenis batu keras dengan tompok
berwarna. Biasanya, pelukis ini akan menggunakan kertas lukisan pada
dua-dua belah muka surat.

2.6.2 Motif dan subjek lukisan

The artist
rarely drew
directly
from
nature, for
he was
trained to
work in a
highly
conceptual
manner;
the human figures, animals, birds, trees, motifs or any other elements of a
composition were readily drawn from memory. The artist observed and
retained in his memory, the salient features, characteristics and moods of
both animate and inanimate subjects and he could, when the need arose,
draw from this internalized accumulation. Fluctuations certainly occurred in
the style and themes of drawings; these depended on the region and
period in which the artist was working, as well as the atelier he received
his training from. But irrespective of whether he served Hindu, Muslim or
British patrons, he strove genuinely to maintain his ancestral legacy of
sensitivity and acute observation. As in most countries, the artist did not
usually belong to the upper classes. Like the work of masons and other
artisans in India, the creations of painters are also, almost always,
nameless.

Indian painters of all periods and schools first made a drawing and then
filled in the colours in order to make a painting. However, the painters of
the Mughal, Deccani, Rajasthani and the Punjab Hill (Pahari) schools,
between the 16th and the 19th centuries, were particularly fond of drawing
for its own sake. Portraits of rulers, chiefs and common folk, portrayals of
elephants, horses, lions, other animals and birds, depictions of
processions, baffle and court scenes, illustrations to mythological,
romantic and literary narratives, compositions based on the Ragamala
(series of musical modes), the Barahmasa (twelve months) and erotic
themes were drawn and used for preparing either individual paintings or a
series of paintings for patrons. They also prepared designs for decorative
art objects. For maturing his own work, the artist constantly made a
number of rapid sketches, being studies of people, animals and objects.
He drew with almost devotional intent, for he was deeply in love with all
manifestations of life and nature. Some drawings were made only for the
sheer pleasure of the artist.

2.6.3 Lukisan Mughal

Mughal artists, commissioned to paint specific events and portraits,


needed to constantly invent new compositions and to set down immediate
observations for future reference. While the Mughal pointers endeavored
to develop the means to record accurately what they perceived around
them, the painters in the Deccan, on the contrary, made conscious efforts
at refining the expressive beauty of line and colour. Drawings by artists of
the Mughal and Deccani schools, and works made under their influence by
Bikaner and Jaipur artists, show astonishing accuracy of detail,
meticulousness and technical finesse.

The attributes of pointers from the Rajasthani schools are their subtlety,
boldness and economy. Through line, and only sometimes with colour, the
artists express extraordinary nuances of feeling. Particularly, the Kotah
and Bundi artists, from at least the late seventeenth century onwards,
used drawings with greater abandon than most of their other Rajasthani
colleagues. They have been found in sizeable numbers, are freer, more
playful and preciser observations of the forms they drew. These Kotoh-
Bundi artists used broad and decisive brush strokes. Sometimes, instead
of executing a planned sketch, they simply doodled; even their random
scrawls on small pieces of paper show their delight in working the variants
of form and movement in an abstracted idiom of their own. Even late into
the nineteenth century, an element of exuberant creativity survives in the
work of the Kotah-Bundi artists. From the seventeenth century onwards,
these
artists

began to work in unusually large formats, for they were commissioned to


execute wall paintings on palaces and shrines. Kotah artists wondered
freely, sketching all aspects of life, and made penetrating and dashing
sketches. Sometimes they accompanied their patrons on their hunts and
several such sketches, made on the spot, survive. Perhaps the great
portrayals of hunting scenes, and lions and elephants locked in combat,
where the animals are often more important than the patrons themselves,
are a result of these excursions. From the modest Devgarh thikana of
Mewar come comparatively fluid, yet extremely , sensitive drawings by two
stylistically distinct painters, Bagata and Chokha who were active during
the late eighteenth and early nineteenth centuries.
2.6.4 Lukisan Pahari

Pahari drawings, done between the seventeenth and nineteenth centuries,


are comparatively calmer, refined, finely
drawn and lyrical. These drawings are
among the most graceful and appealing in
Indian painting. Work of the artist families of
Guler and Chamba, chiefly from the
eighteenth century, is remarkable and
displays all the best qualifies of Pahari
painting, While the style of these two
schools is derived from the late Mughal
paintings, the mood is not; they are gentle,
spontaneous and more lyrical. The work
from Guler, and its offshoot Kangra, leans
towards tender idealization. There are
Pahari examples where the artists intention
was to caricature an assembly of people. such as the saints and musicians
he saw in his region. Such examples, though rare, are invariably based on
shrewd but sympathetic observation. From the nineteenth century, we
have Indian drawings of the 'Company School', painted for the British
residents in India and other visiting Western patrons. Most of them are
fully painted sketches rather than drawings in their own right. Also
deserving mention, are the drawings on the palm leaf manuscripts of
Orissa, which exist in fairly large numbers. These were drawn by incising
lines with a pointed stylus, rubbing black pigment into the incisions, and
sometimes painting in areas. Although their quality is superb, in intent they
are as finished as any painting.

2.6.5 Lukisan Rajpur

Rajput painting, a style of Indian painting, evolved and flourished during


the 18th century in the royal courts of Rajputana, India, flowing from the
style of Mughal painting, itself derived from the Persian miniature. Each
Rajput kingdom evolved a distinct style, but with certain common features.
Rajput paintings depict a number of themes, events of epics like the
Ramayana and the Mahabharata, Krishna’s life, beautiful landscapes, and
humans. Miniatures in manuscripts or single sheets to be kept in albums
were the preferred medium of Rajput painting, but many paintings were
done on the walls of palaces, inner chambers of the forts, havelis,
particularly, the havelis of Shekhawati, the forts and palaces built by
Shekhawat Rajputs.

The colours extracted from certain minerals, plant sources, conch shells,
and were even derived by processing precious stones. Gold and silver
were used. The preparation of desired colours was a lengthy process,
sometimes taking weeks. Brushes used were very fine.

1.7 Lukisan Tamadun Barat

2.7.1 Zaman prasejarah

Secara historis, seni lukis sangat terkait dengan gambar. Peninggalan-


peninggalan prasejarah memperlihatkan bahwa sejak ribuan tahun yang lalu,
nenek moyang manusia telah mulai membuat gambar pada dinding-dinding
gua untuk mencitrakan bagian-bagian penting dari kehidupan mereka.

Semua kebudayaan di dunia mengenal seni lukis. Ini disebabkan karena


lukisan atau gambar sangat mudah dibuat. Sebuah lukisan atau gambar bisa
dibuat hanya dengan menggunakan materi yang sederhana seperti arang,
kapur, atau bahan lainnya. Salah satu teknik terkenal gambar prasejarah yang
dilakukan orang-orang gua adalah dengan menempelkan tangan di dinding
gua, lalu menyemburnya dengan kunyahan daun-daunan atau batu mineral
berwarna.
Hasilnya adalah jiplakan tangan berwana-warni di dinding-dinding gua yang
masih bisa dilihat hingga saat ini. Kemudahan ini memungkinkan gambar
(dan selanjutnya lukisan) untuk berkembang lebih cepat daripada cabang seni
rupa lain seperti seni patung dan seni keramik.

Seperti gambar, lukisan kebanyakan dibuat di atas bidang datar seperti


dinding, lantai, kertas, atau kanvas. Dalam pendidikan seni rupa modern, sifat
ini disebut juga dengan dwi-matra (dua dimensi, dimensi datar). Seiring
dengan perkembangan peradaban, nenek moyang manusia semakin mahir
membuat bentuk dan menyusunnya dalam gambar, maka secara otomatis
karya-karya mereka mulai membentuk semacam komposisi rupa dan narasi
(kisah/cerita) dalam karya-karyanya.

Objek yang sering muncul dalam karya-karya purbakala adalah manusia,


binatang, dan obyek-obyek alam lain seperti pohon, bukit, gunung, sungai,
dan laut. Bentuk dari obyek yang digambar tidak selalu serupa dengan
aslinya. Ini disebut citra dan itu sangat dipengaruhi oleh pemahaman si
pelukis terhadap obyeknya. Misalnya, gambar seekor banteng dibuat dengan
proporsi tanduk yang luar biasa besar dibandingkan dengan ukuran tanduk
asli. Pencitraan ini dipengaruhi oleh pemahaman si pelukis yang menganggap
tanduk adalah bagian paling mengesankan dari seekor binatang. Karena itu,
citra mengenai sejenis objek menjadi berbeza0beza bergantung dari
pemahaman budaya masyarakat di daerahnya. Pencitraan ini menjadi sangat
penting karena juga dipengaruhi oleh imaginasi. Dalam perkembangan seni
lukis, imaginasi memegang peranan penting hingga kini.

Pada
mulanya,
perkembangan seni lukis sangat terkait dengan perkembangan peradaban
manusia. Sistem bahasa, cara bertahan hidup (memulung, berburu dan
memasang perangkap, bercocok-tanam), dan kepercayaan (sebagai cikal
bakal agama) adalah hal-hal yang mempengaruhi perkembangan seni lukis.
Pengaruh ini terlihat dalam jenis objek, pencitraan dan narasi di dalamnya.
Pada masa-masa ini, seni lukis memiliki kegunaan khusus, misalnya sebagai
media pencatat (dalam bentuk rupa) untuk diulangkisahkan. Saat-saat
senggang pada masa prasejarah salah satunya diisi dengan menggambar
dan melukis. Cara komunikasi dengan menggunakan gambar pada akhirnya
merangsang pembentukan sistem tulisan karena huruf sebenarnya berasal
dari simbol-simbol gambar yang kemudian disederhanakan dan dibakukan.

Pada satu titik, ada orang-orang tertentu dalam satu kelompok masyarakat
prasejarah yang lebih banyak menghabiskan waktu untuk menggambar
daripada mencari makanan. Mereka mulai mahir membuat gambar dan mulai
menemukan bahwa bentuk dan susunan rupa tertentu, bila diatur sedemikian
rupa, akan nampak lebih menarik untuk dilihat daripada biasanya. Mereka
mulai menemukan semacam cita-rasa keindahan dalam kegiatannya dan
terus melakukan hal itu sehingga mereka menjadi semakin ahli. Mereka
adalah seniman-seniman yang pertama di muka bumi dan pada saat itulah
kegiatan menggambar dan melukis mulai condong menjadi kegiatan seni.

2.7.2 Seni lukis zaman klasik

Seni lukis zaman klasik kebanyakan dimaksudkan untuk tujuan:

• Mistisme (sebagai akibat belum berkembangnya agama)


• Propaganda (sebagai contoh grafiti di reruntuhan kota Pompeii),

Di zaman ini lukisan dimaksudkan untuk meniru semirip mungkin bentuk-


bentuk yang ada di alam. Hal ini sebagai akibat berkembangnya ilmu
pengetahuan dan dimulainya kesadaran bahwa seni lukis mampu
berkomunikasi lebih baik daripada kata-kata dalam banyak hal. Selain itu,
kemampuan manusia untuk menetap secara sempurna telah memberikan
kesadaran pentingnya keindahan di dalam perkembangan peradaban.
2.7.3 Seni lukis zaman pertengahan

Sebagai akibat terlalu kuatnya pengaruh agama di zaman pertengahan, seni


lukis mengalami penjauhan dari ilmu pengetahuan. Ilmu pengetahuan
dianggap sebagai sihir yang bisa menjauhkan manusia dari pengabdian
kepada Tuhan. Akibatnya, seni lukis pun tidak lagi bisa sejalan dengan
realitas.

Kebanyakan lukisan di zaman ini lebih berupa simbolisme, bukan realisme.


Sehingga sulit sekali untuk menemukan lukisan yang bisa dikategorikan
"bagus".

Lukisan pada masa ini digunakan untuk alat propaganda dan religi. Beberapa
agama yang melarang penggambaran hewan dan manusia mendorong
perkembangan abstrakisme (pemisahan unsur bentuk yang "benar" dari
benda).

Namun sebagai akibat pemisahan ilmu pengetahuan dari kebudayaan


manusia, perkembangan seni pada masa ini mengalami perlambatan hingga
dimulainya masa renaissance

2.7.4 Seni lukis zaman Renaissance

Berawal dari kota Firenze. Setelah kekalahan dari Turki, banyak sekali ahli
sains dan kebudayaan (termasuk
pelukis) yang menyingkir dari Bizantium
menuju daerah semenanjung Italia
sekarang.

Dukungan dari keluarga deMedici yang


menguasai kota Firenze terhadap ilmu
pengetahuan modern dan seni membuat
sinergi keduanya menghasilkan banyak sumbangan terhadap kebudayaan
baru Eropa.

Seni Rupa menemukan jiwa barunya dalam kelahiran kembali seni zaman
klasik. Sains di kota ini tidak lagi dianggap sihir, namun sebagai alat baru
untuk merebut kembali kekuasaan yang dirampas oleh Turki.

Pada akhirnya, pengaruh seni di kota Firenze menyebar ke seluruh Eropa


hingga Eropa Timur.

Tokoh yang banyak dikenal dari masa ini adalah:

• Tomassi
• Donatello
• Leonardo da Vinci
• Michaelangelo
• Raphael

Antonie Pollaiuolo (1429-1498 ; Italian)


" Adam" pen atas kapur hitam dengan
basuhan bistre
9 " X 7". The Uffizi Gallery, Florence.
2.7.5 Aliran seni lukis

2.7.5.1 Surrealisme

Lukisan dengan aliran ini kebanyakan menyerupai bentuk-bentuk yang sering


ditemui di dalam mimpi. Pelukis berusaha untuk mengabaikan bentuk secara
keseluruhan kemudian mengolah setiap bagian tertentu dari objek untuk
menghasilkan sensasi tertentu yang bisa dirasakan manusia tanpa harus
mengerti bentuk aslinya.

2.7.5.2 Kubisme

Adalah aliran yang cenderung melakukan usaha abstraksi terhadap objek ke


dalam bentuk-bentuk geometri untuk mendapatkan sensasi tertentu. Salah
satu tokoh terkenal dari aliran ini adalah Pablo Picasso.

2.7.5.3 Realisme/ zaman pembaharuan

Realisme di dalam seni rupa berarti usaha menampilkan subjek dalam suatu
karya sebagaimana tampil dalam kehidupan sehari-hari tanpa tambahan
embel-embel atau interpretasi tertentu. Maknanya bisa pula mengacu kepada
usaha dalam seni rupa unruk memperlihatkan kebenaran, bahkan tanpa
menyembunyikan hal yang buruk sekalipun.

Realisme menjadi terkenal sebagai gerakan kebudayaan di Perancis sebagai


reaksi terhadap paham Romantisme yang telah mapan di pertengahan abad
19. Gerakan ini biasanya berhubungan erat dengan perjuangan sosial,
reformasi politik, dan demokrasi.

Realisme kemudian mendominasi dunia seni rupa dan sastra di Perancis,


Inggris, dan Amerika Serikat di sekitar tahun 1840 hingga 1880. Penganut
sastra realisme dari Perancis meliputi nama Honoré de Balzac dan Stendhal.
Sementara seniman realis yang terkenal adalah Gustave Courbet dan Jean
François Millet.

Perupa realis selalu berusaha menampilkan kehidupan sehari-hari dari


karakter, suasana, dilema, dan objek, untuk mencapai tujuan Verisimilitude
(sangat hidup). Perupa realis cenderung mengabaikan drama-drama teatrikal,
subjek-subjek yang tampil dalam ruang yang terlalu luas, dan bentuk-bentuk
klasik lainnya yang telah lebih dahulu populer saat itu.

Dalam pengertian lebih luas, usaha realisme akan selalu terjadi setiap kali
perupa berusaha mengamati dan meniru bentuk-bentuk di alam secara
akurat. Sebagai contoh, pelukis foto di zaman renaisans, Giotto bisa
dikategorikan sebagai perupa dengan karya realis, karena karyanya telah
dengan lebih baik meniru penampilan fisik dan volume benda lebih baik
daripada yang telah diusahakan sejak zaman Gothic.

Kejujuran dalam menampilkan setiap detail objek terlihat pula dari karya-
karya Rembrandt yang dikenal sebagai salah satu perupa realis terbaik.
Kemudian pada abad 19, sebuah kelompok di Perancis yang dikenal dengan
nama Barbizon School memusatkan pengamatan lebih dekat kepada alam,
yag kemudian membuka jalan bagi berkembangnya impresionisme. Di
Inggris, kelompok Pre-Raphaelite Brotherhood menolak idealisme pengikut
Raphael yang kemudian membawa kepada pendekatan yang lebih intens
terhadap realisme.
Teknik Trompe l'oeil, adalah teknik seni rupa yang secara ekstrim
memperlihatkan usaha perupa untuk menghadirkan konsep realisme.

2..7.5.4 Naturalisme

Naturalisme di dalam seni rupa adalah usaha menampilkan objek realistis


dengan penekanan seting alam. Hal ini merupakan pendalaman labih lanjut
dari gerakan realisme pada abad 19 sebagai reaksi atas kemapanan
romantisme.

Salah satu perupa naturalisme di Amerika adalah William Bliss Baker, yang
lukisan pemandangannya dianggap lukisan realis terbaik dari gerakan ini.
Salah satu bagian penting dari gerakan naturalis adalah pandangan
Darwinisme mengenai hidup dan kerosakan yang telah ditimbulkan manusia
terhadap alam.

2.7.5.5 Favisme

Fauvisme adalah suatu aliran dalam seni lukis yang berumur cukup pendek
menjelang dimulainya era seni rupa modern. Nama fauvisme berasal dari
kata sindiran "fauve" (binatang liar) oleh Louis Vauxcelles saat mengomentari
pameran Salon d'Automne dalam artikelnya untuk suplemen Gil Blas edisi 17
Oktober 1905, halaman 2.

Kepopuleran aliran ini dimulai dari Le Havre, Paris, hingga Bordeaux.


Kematangan konsepnya dicapai pada tahun 1906 Fauvisme adalah aliran
yang menghargai ekspresi dalam menangkap suasana yang hendak dilukis.
Tidak seperti karya impresionisme, pelukis fauvis berpendapat bahwa
harmoni warna yang tidak terpaut dengan kenyataan di alam justru akan lebih
memperlihatkan hubungan pribadi seniman dengan alam tersebut.

Konsep dasar fauvisme bisa terlacak pertama kali pada 1888 dari komentar
Paul Gauguin kepada Paul Sérusier:

"How do you see these trees? They are yellow. So, put in yellow; this
shadow, rather blue, paint it with pure ultramarine; these red leaves?
Put in vermilion."
"Bagaimana kau menginterpretasikan pepohonan itu? Kuning, karena
itu tambahkan kuning. Lalu bayangannya terlihat agak biru, karena itu
tambahkan ultramarine. Daun yang kemerahan? Tambahkan saja
vermillion."

Segala hal yang berhubungan dengan pengamatan secara objektif dan


realistis, seperti yang terjadi dalam lukisan naturalis, digantikan oleh
pemahaman secara emosional dan imajinatif. Sebagai hasilnya warna dan
konsep ruang akan terasa bernuansa puitis. Warna-warna yang dipakai jelas
tidak lagi disesuaikan dengan warna di lapangan, tetapi mengikuti keinginan
pribadi pelukis.

Penggunaan garis dalam fauvisme disederhanakan sehingga pemirsa lukisan


bisa mendeteksi keberadaan garis yang jelas dan kuat. Akibatnya bentuk
benda mudah dikenali tanpa harus mempertimbangkan banyak detail.

Pelukis fauvis menyerukan pemberontakan terhadap kemapanan seni lukis


yang telah lama terbantu oleh objektivitas ilmu pengetahuan seperti yang
terjadi dalam aliran impresionisme, meskipun ilmu-ilmu dari pelukis terdahulu
yang mereka tentang tetap dipakai sebagai dasar dalam melukis. Hal ini
terutama terjadi pada masa awal populernya aliran ini pada periode 1904
hingga 1907.

1.8 Perbandingan seni lukisan antara Tamadun


Tamadun
bil perbandingan
Tamadun india Tamadun china Tamadun Barat

1. sejarah lukisan dihasilkan lukisan dihasilkan mulai membuat


untuk golongan untuk tujuan gambar pada dinding-
pemerintah dan keagamaan dinding gua untuk
pembesar. Lukisan berdasarkan mencitrakan bagian-
miniatur paling sering beberapa prinsip dan bahagian penting dari
dilakukan. Lukisan proses alam semesta. kehidupan mereka
menggambarkan Corak lukisan lebih
keperibadian kepada gambar
pelukisa dan apa pemandangan seperti
yang tergambar di gunung-ganang,
fikiran. batu-batuan dan salji.
2. aliran perkembangan daripada fahaman aliran lukisan dalam
lukisan mengikut Daoisme dengan tiga zaman terdiri
empayar melakukan seni daripada aliran
pemerintahan. melalui proses alam surealisme, kubisme,
aliran lukisan seperti semesta. realisme, naturalisme
lukisan Mughal, dan Dikembangkan oleh dan favisme
Lukisan Pahari, orang Buddha.
lukisan Rajpur. Pelukis terkenal
muncul dalam Dinasti
Han.
3. motif dan motif lukisan elemen-elemen yang - motif asal biasanya
subjek berdasarkan situasi dilukis untuk mewakili banyak berkaitan
sekeliling. Biasanya alam semesta seperti dengan figure
seperti burung, gunung tinggi yang manusia dan
pokok,haiwan, dan dipenuhi pokok-pokok berkaitan dengan
potret pembesar, , bukit-bukit dan air pengaruh
serta apa sahaja terjun, pokok-pokok keagamaan.
yang terlintas di kecil yang rimbun ,air - amat
fikiran sungai dan tasik mengagunggkan
manusia dalam seni.
5. penggunaan - masyarakat awal lukisan menggunakan - penggunaan alat
alatan lebih selesa berus sepenuhnya. agak meluas.
menggunakan mata Berus buluh dicelup - merangkumi semua
pena dan pen kedalam dakwat cina alatan dalam media
daripada buluh. yang cair untuk kering seperti pen,
- lukisan dilakar melukis. krayon, arang, dan
1.9 Kesimpulan

Setelan meneliti dan memahami sejarah serta perkemban seni lukisan

dalam setipa tamadun, apa yang boleh disimpulkan adalah, lukisan

dijadikan salah satu medium untuk meluahkan perasaan dan ekspresi

diri. Walaupun ada setengah tamadun dimana seni lukisannya bermula

daripada kegunaan keagamanaan namun lama-kelamaan, lukisan

tetap menjadi medium pengantaraan ekspresi diri. Lukisan juga

dijadikan alat untuk menghargai sesuatu seperti khazanah alam,

individu dan sebagainya.

Seperti lukisan tamadun islam, pelukis dilarang melukis subjek atau

motif benda benyawa melainkan atas tujuan tertentu misalnya


pengajian. Namun begitu, lukisan tetap menjadi satu alat dalam

menyampaikan maksud tertentu.

Bagi lukisan Jepun pula, lukisan tentang gadis dan selebriti wanita

lebih mendapat perhatian. Ini kerana pelacuran amat terkenal ketika

itu. Namun, selepas jepun mengalami zaman kejatuhan ekonomi,

lukisan berkisar kehidupan rakyat pula semakin mendapat nama.

Begitu juga seperti lukisa China dan Barat yang bermula daripada

lukisan keagamaan. Lukisan di India juga dijadikan sebagai medium

luahan emosi yang menggantikan perkataan.

Di Malaysia, perkembangan lukisan bergantung kepada pengaruh

lukisan luar dan taraf pendidikan pelukis tersebut. Dari segi

penggunaan alatan dan bahan, kebanyakkan tamadun menggunakan

alat dan bahan yang sama iaitu penggunaan media kering untuk

lukisan.