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The Beatles

Os Beatles em 1964
Topo:John Lennon e Paul McCartney
Abaixo:George Harrison e Ringo Starr.

Informação geral
Origem Liverpool, Inglaterra
País Reino Unido
Gêneros Rock, pop
Período em atividade 1960-1970
Gravadora(s) EMI, Parlophone, Capitol, Odeon,
Apple, Vee-Jay, Polydor, Swan, Tollie,
UA
Afiliações The Quarrymen
Página oficial www.beatles.com
Integrantes
John Lennon
Paul McCartney
Ringo Starr
George Harrison
Ex-integrantes
Stu Sutcliffe
Pete Best
The Beatles foi uma banda de rock britânica, formada em Liverpool em 1960 e
um dos atos mais comercialmente bem-sucedidos e aclamados da história da
música popular.1 A partir de 1962, o grupo era formado por John Lennon
(guitarra rítmica e vocal), Paul McCartney (baixo e vocal), George Harrison
(guitarra solo e vocal) e Ringo Starr (bateria e vocal). Enraizada do skiffle e do
rock and roll da década de 1950, a banda veio mais tarde a assumir diversos
gêneros que vão do folk rock ao rock psicodélico, muitas vezes incorporando
elementos da música clássica e outros em formas inovadoras e criativas. Sua
crescente popularidade, que a imprensa britânica chamava de "Beatlemania",
fizeram com que eles crescessem em sofisticação. Os Beatles vieram a ser
percebidos como a encarnação de ideais progressistas e sua influência se
estendeu até as revoluções sociais e culturais da década de 1960.

1
Unterberger 2009a.
Com a formação inicial de Lennon, McCartney, Harrison, Stuart Sutcliffe
(baixo) e Pete Best (bateria), os Beatles construíram sua reputação nos pubs
de Liverpool e Hamburgo durante um período de três anos a partir de 1960.
Sutcliffe deixou o grupo em 61, e Best foi substituído por Starr no ano
seguinte. Abastecida de equipamentos profissionais moldados por Brian
Epstein, que depois se ofereceu para gerenciar a banda, e com seu potencial
reforçado pela criatividade do produtor George Martin, os Beatles alcançaram
um sucesso imediato no Reino Unido com seu primeiro single "Love Me Do".
Ganhando popularidade internacional a partir do ano seguinte, excursionaram
extensivamente até 1966, quando retiraram-se para trabalhar em estúdio até
sua dissolução definitiva em 1970. Cada músico então seguiu para uma
carreira independente. McCartney e Starr continuam ativos; Lennon foi
baleado e morto em 1980, e Harrison morreu de câncer em 2001.
Durante seus anos de estúdio, os Beatles produziram o que a crítica considera
um dos seus melhores materiais, incluindo o albúm Sgt. Pepper's Lonely
Hearts Club Band (1967), amplamente visto como uma obra-prima. Quatro
décadas após sua dissolução, a música do grupo continua a ser muito popular.
Os Beatles tiveram mais álbuns em número 1 nas paradas britânicas do que
qualquer outro ato musical.2 De acordo com a RIAA, eles venderam mais
álbuns nos Estados Unidos do que qualquer outro artista.3 Em 2008, a
Billboard divulgou uma lista dos top-selling de todos os tempos dos artistas
Hot 100 para celebrar o cinquentenário das paradas de singles dos EUA, e a
banda permaneceu em primeiro lugar.4 Eles já foram honrados com 7 Grammy
Awards,5 e 15 Ivor Novello Awards da BASCA.6. Já venderam mais de um
bilhão de discos. Os Beatles foram coletivamente incluídos na compilação da
revista Time das 100 pessoas mais importantes e influentes do século 20.7

Membros
•John Lennon (John Winston Lennon nascido em Liverpool, 9 de outubro de
1940, tornado John Winston Ono Lennon quando casado com a artista plástica
Yoko Ono em 1969.8 Foi assassinado em Nova Iorque, em 8 de dezembro de
1980, no Central Park): fundador do grupo e integrante dele de 1957 - quando
ainda era o The Quarrymen - até 1970 (quando os integrantes se separaram
antes da dissolução legal da justiça), compositor, cantor, multi-instrumentista
tocando piano, guitarra, gaita, instrumentos de percussão, teclados (como
clavioline, cravo, mellotron e órgão), baixo (ocasionalmente), violão, maracas,
pandeiro (em canções dos álbuns Revolver e Magical Mystery Tour) e tape
loops. Compôs muitos dos maiores sucessos dos Beatles, inclusive a canção All
You Need Is Love, apresentada na primeira transmissão por satélite ao vivo do
mundo e que ainda hoje é um hino para várias gerações.

2
everyHit.com 2009.
3
RIAA 2009a.
4
Billboard 2008.
5
Grammy.com.
6
Harry, 2000a, pp. 559–60.
7
Loder 1998.
8
James Button (2 de junho de 2007). Sergeant Pepper's wild trip (em inglês). The Age. Página
visitada em 13 de agosto de 2009.
•Paul McCartney (nascido James Paul McCartney em Liverpool, 18 de junho
de 1942, tornado Sir James Paul McCartney quando condecorado com o OIB
em 1997): compositor, baixista, pianista, cantor, percussionista, guitarrista
(ocasionalmente) e baterista (ocasionalmente), membro de 1957 a 1970.
McCartney é autor de músicas muito aclamadas dos Beatles. Desde a primeira
música do primeiro disco Please Please Me, I Saw Her Standing There,
passando por hinos históricos como Hey Jude, Let It Be, Eleanor Rigby,
Yesterday, entre outras, até a última música do último álbum dos Beatles, Let
It Be, "Get Back", além de idealizar muitas criações conceituais da banda
como o álbum Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band. Formou, com Lennon, a
dupla mais celebrada do rock and roll.
•George Harrison (nascido George Harold Harrison em Liverpool, 25 de
fevereiro de 1943, e morto de câncer em Los Angeles, a 29 de novembro de
2001): compositor, guitarrista solo, cantor, tocava sitar e outros instrumentos
da Índia, percussionista, tocava teclado e sintetizador, membro de 1958 a
1970. Harrison tornou-se célebre por introduzir a música indiana no rock and
roll, e produziu canções que com o tempo tornaram-se muito famosas: While
My Guitar Gently Weeps, Here Comes the Sun, a balada Something e outras.
Na década de 1970, Harrison desenvolveu uma carreira solo de grande
sucesso, lançando álbuns aclamados pelo público e pela crítica.
•Ringo Starr (nascido Richard Starkey em Liverpool, 7 de julho de 1940):
baterista, percussionista, cantor, compositor (ocasionalmente), membro de
1962 à 1970. Starr foi o último músico a entrar na banda. Depois de sair dela,
ainda nos anos 1970, construiu uma carreira solo de sucesso considerável.

"Quinto Beatle"
"Quinto Beatle" é um termo informal usado pelos fãs da banda e por vários
comentaristas da imprensa ou de entretenimento, relacionado a pessoas que
tiveram uma forte associação com o "quarteto de Liverpool", com exceção de
John Lennon, Paul McCartney, George Harrison e Ringo Starr. Foi e ainda é
atribuído a:
•Stuart Sutcliffe, pelo seu papel no início do grupo como baixista;
•Pete Best, baterista do grupo de 1960 a 1962; substituído por Ringo Starr;
•Neil Aspinall, gerente dos Beatles de sua criação até 1963 e, em seguida, seu
assistente pessoal. Foi ao leme da empresa Apple Corps de quase quarenta
anos antes de aposentar em fevereiro de 2007, um ano antes da sua morte em
março de 2008;
•Klaus Voormann, artista, amigo dos Beatles e designer das capas do Revolver
e do The Beatles Anthology;
•Brian Epstein, descobridor do grupo e, em seguida, empresário dos Beatles
até a sua morte em 1967;
•George Martin, patrono da gravadora Parlophone, uma divisão da EMI, que
contrata os Beatles em 1962. Neste ano em diante, ele produziu quase todos
os álbuns do grupo, e escreveu a maior parte dos acordos e instrumentação
com os Beatles, tocando teclados com frequência. Ele continua, até hoje,
produzindo álbuns póstumos, como a série The Beatles Anthology e a
compilação Love;
•Jimmy Nicol, baterista que substituiu Ringo Starr quando ficou doente, para
uma dezena de concertos durante a turnê australiana dos Beatles em junho de
1964;
•Derek Taylor, assessor de imprensa e confidente dos Beatles. George
Harrison disse em 1988: "Só havia dois 'quinto beatle': Neil Aspinall, e Derek
Taylor";
•Billy Preston, tecladista que participou da gravação do álbum Let It Be, e
também em algumas faixas de Abbey Road (1969).

História

1957-62: Formação
Em Março de 1957, empolgado com o skiffle que Lonnie Donegan popularizou
com seus sons improvisados, John Lennon criou uma banda composta por
colegas da escola Quarry Bank School — que incluía seu melhor amigo na
época, Pete Shotton — primeiramente chamada de The Black Jacks, mas logo
definida como The Quarrymen (em homenagem à escola).9 Inicialmente, além
dos dois, a banda era composta por Eric Griffths (violão), Bill Smith (baixo
improvisado) e Rod Davis (banjo). Em 6 de julho de 1957, Paul McCartney
havia assistido uma apresentação da banda em uma festa na Igreja St. Peter, e
Ivan Vaughan, amigo de John Lennon e colega de classe de Paul, apresentou-
lhe a Lennon; Paul foi convidado a ingressar na banda e, no mesmo ano,
mostrou a Lennon a composição "I've Lost My Little Girl".10 Em 6 de fevereiro
de 1958, o jovem guitarrista George Harrison juntou-se à banda,11
apresentado por Paul que o teria conhecido por acaso num ônibus.12 Apesar da
relutância inicial de Lennon pelo fato de Harrison ser três anos mais novo que
ele (na época, com quinze anos),13 McCartney insistiu depois de uma
demonstração de George e este terminou ingressando no grupo. Lennon e
McCartney desempenharam a guitarra rítmica durante esse período e, após o
baterista oficial do Quarrymen, Colin Hanton deixar a banda, em 1959, depois
de uma discussão com os outros membros, teve uma alta rotatividade de
bateristas. Stuart Sutcliffe, colega de Lennon numa escola de arte de
Liverpool, aderiu ao baixo em janeiro de 1960, a pedido do amigo.14

9
John Lennon Biografia. VH1 Brasil.
10

11
Carreira e Morte de George Harrison. Beatles HomePage.
12
Decurtis. = 59 Entrevista com Paul MacCartney. Rolling Stones.
13

14
Como Paul e George estudavam no Instituto de Liverpool, não seria mais
apropriado chamar a banda por "Quarrymen" e, então, o grupo passou por
uma progressão de nomes, incluindo "Johnny and The Moondogs"[b]' e "Long
John and The Beatles"[c]'. Sutcliffe sugeriu o nome "The Beetles" como
homenagem a Buddy Holly e "The Crickets"[d]. Após uma turnê com Johnny
Gentle na Escócia, a banda mudou definitivamente seu nome para "The
Beatles". A primeira esposa de John, Cynthia Lennon, argumenta que o título
"The Beatles" veio a John no Renshaw Hall bar, depois de ele beber cerveja.15
Lennon, que era conhecido por dar diversas versões da história, ironizou num
artigo da revista Mersey Beat de 1971 que teve uma visão onde "um homem,
numa torta flamejante, disse: 'Vocês são Beatles com A'."16 Durante uma
entrevista em 2001, McCartney atribuiu a si o nome definitivo da banda,
afirmando que "John tivera a ideia de nos chamar de 'The Beetles'; eu disse:
'por que não Beatles?; você sabe, como a batida do tambor'."[e]'17
Em maio de 1960, os então Silver Beetles[f] realizaram uma turnê no norte da
Escócia, com o cantor Johnny Gentle, a quem a banda havia conhecido uma
hora antes de sua primeira apresentação.18 McCartney refere-se à viagem
como uma grande experiência para a banda.19 Naquela época os Beatles não
tinham um baterista fixo, assim, profissionais desse gênero tocavam para eles
apenas em determinadas ocasiões.

15
Lennon (2006), p.65
16
Davies (1985), p.42
17
O'Brien (2001), p.22
18
Coleman (1984), p.212
19
Spitz (2005), pp.188–193
1960-62: Hamburgo, o Cavern Club e Brian Epstein
Encontrando-se sem um baterista antes de seu próximo compromisso, em
Hamburgo, Alemanha, o grupo convidou Pete Best para assumir a posição em
12 de agosto de 1960. Best tinha até então tocado com o grupo "The
Blackjacks" no The Casbah Coffee Club — uma adega em Derby, Liverpool,
onde os Beatles tocavam e visitavam algumas vezes — que pertencia à sua
mãe, Mona Best.20 Quatro dias após a entrada de Best, o grupo partiu para
Hamburgo; Lá, eram obrigados a se apresentarem seis ou sete horas por noite
durante sete dias por semana e provavelmente estimulavam-se com bebidas e
drogas.21 O repertório era de covers de rock'n'roll dos anos 1950, basicamente
americanos. Em 21 de novembro de 1960, Harrison foi deportado por ter
mentido às autoridades alemãs sobre sua idade.22 Após um incêndio acidental
— envolvendo Paul e Pete — no quarto onde dormiam, a polícia os prendeu e
os deportou em dezembro.23 John retornou para Liverpool com eles em
meados de dezembro, sem dinheiro e triste.24 O grupo reuniu-se para uma
performance em 17 de dezembro de 1960 no Casbah Club, com Chas Newby,
músico que substituía Sutcliffe.25 Ele havia ficado em Hamburgo, com sua
nova paixão – Astrid Kirchherr – que conheceu por lá; Embora Sutcliffe tenha
voltado a Liverpool no ano seguinte, em fevereiro, para visitar amigos e a
família, retornou novamente para o território alemão duas semanas depois.26
Astrid mudou o corte de cabelo de Stuart e logo John, Paul e George adotaram
penteados semelhantes, o que mais tarde se tornaria uma marca registrada da
banda.27
Os Beatles retornaram a Hamburgo em abril de 1961, com apresentações no
"Top Ten Club". Enquanto tocavam nesse local, foram recrutados pelo músico
Tony Sheridan a agirem como sua banda de apoio em suas apresentações na
Alemanha e numa série de gravações para a Polydor Records Alemã,
produzidas pelo famoso Bert Kaempfert.28 Paul afirmou posteriormente que o
grupo chamava Sheridan de "o professor"; foram as primeiras gravações dos
Beatles.29 Mais tarde, Tony foi premiado com o disco de ouro pela vendagem
acima de um milhão de cópias do LP Tony Sheridan and The Beatles.30 Quando
o grupo retornou a Liverpool, Sutcliffe permaneceu em Hamburgo, mais uma
vez, com Kirchherr. McCartney assumiu as funções de baixista.3132

20
(em inglês) De Blackjacks à Beatles: Como Ocorreu a Evolução
21
Farias, Sérgio. Stu Sutclife, o primeiro ex-beatle. BEATLES BRASIL.
22

23

24

25
Spitz (2005), pp.4–5
26

27
= beatles The Beatles. Mix FM - 91.7.
28
Lennon, Ze. Tony Sheridan: Com ele, os Beatles gravaram pela primeira vez. THE BEATLES
FAN CLUB.
29

30

31

32
Miles (1998), p.74
Retornando a Liverpool, o grupo realizou sua primeira aparição no famoso The
Cavern Club, numa terça-feira de 21 de fevereiro de 1961.33 A banda se
apresentou 292 vezes no Cavern Club entre 1961 e 1963.34 Em 9 de novembro
de 1961, Brian Epstein, dono da loja de música North End Music Store
(NEMS) na Great Charlotte Street, viu o grupo pela primeira vez no clube.
Intrigado com o som da banda, e maravilhado com seu carisma (sobretudo o
de John), Epstein decidiu empresariá-los.35
Em uma reunião com os Beatles na NEMS, em 10 de dezembro de 1961,
Epstein propôs a ideia de gestão da banda.36 Os Beatles assinaram um
contrato de cinco anos com Epstein em 24 de janeiro de 1962 e ele se tornou o
empresário oficial deles.37 Com Brian Epstein como empresário do grupo, o
primeiro passo foi mudar a imagem dos integrantes, substituindo as roupas de
couro por algo mais formal.38 Epstein conduziu a procura dos Beatles na
Inglaterra em encontrar um contrato de gravação. Ele era gerente do
departamento de gravações da NEMS, ramo que seu avô deixou de herança,
uma loja de instrumentos musicais, discos de música, entre outras coisas.
Nessa época, ele apostou no status da NEMS como uma importante
distribuidora para obter acesso a empresas de gravações e a produtores
executivos. O executivo Dick Rowe, da agora famosa troca Decca Records
A&R, respondeu-lhe na época que "bandas com guitarras estão fora de moda,
Sr. Epstein".3940
Enquanto Epstein negociava com a Decca, ele também abordou o executivo de
marketing Ron White, da EMI.41 White, que não desempenhava a função de
produtor musical na gravadora, por sua vez, contatou os produtores Norrie
Paramor, Walter Ridley e Norman Newell (todos da EMI) e todos os três
negaram produzirem gravações dos Beatles. Contudo, White não havia
abordado o quarto produtor da EMI, e também administrador — George
Martin — que estava de férias na época.42 Os Beatles voltaram a Hamburgo a
partir de 13 de abril a 31 de maio de 1962, onde fizeram uma apresentação de
abertura no The Star Club.43 Após a chegada, foram informados que Stuart
Sutcliffe estava morto devido a uma hemorragia cerebral.44

33
G1. "THE CAVERN CLUB", ONDE OS BEATLES ESTREARAM, CELEBRA 50 ANOS. G1
Notícias.
34
Silveira, Luciana. = 13922 Cavern Club, palco dos Beatles, comemora 50 anos. MTV.
35
The Compleat Beatles Video Documentary (1981)
36
Miles (1998), p.85
37
24/01/1962: Brian Epstein assina contrato com os Beatles.
38
Pete Best. Beatles Brasil.
39
The Beatles (2000), p.68
40
Beatles Brasil. Beatles de A a Z. Acessado: 07-08-2008.
41
Coleman (1989), pp.88–89
42
Coleman (1989), pp.93–94
43
Lewisohn (1996), p.69
44
Lennon (2006), p.109
1962: Contrato de gravação e Ringo Starr
Ainda abalados com a morte de Stuart e sem perspectivas de progresso
profissional, os Beatles continuaram a fazer shows em Hamburgo e Liverpool,
mas visivelmente desanimados..45 Enquanto isso, depois de não conseguir
impressionar a Decca Records, Epstein foi para a loja HMV na Rua Oxford, em
Londres, e transformou os teipes que havia utilizado na Decca em um disco.
Epstein conseguiu encontrar com George Martin da Parlophone (subsidiária
da EMI) e levou o material. Martin, interessado no som da banda e, segundo o
próprio, "considerado um produtor rebelde e independente à época",46 aceitou
uma audição. A banda então assinou um contrato de um ano, renovável, com a
EMI.47 A primeira sessão de gravação dos Beatles na EMI com Martin foi
marcada no dia 6 de junho de 1962, no famoso Abbey Road Studios, no norte
de Londres.48 Musicalmente, George Martin não se impressionou com os
Beatles, mas a personalidade dos integrantes lhe agradou.49 Ele concluiu que
a banda tinha um talento cru e muito humor, e que poderia melhorar
musicalmente.50
Martin resolveu contratá-los, mas teve um problema com Pete Best,
considerando-o, à época, "fraco".51 Martin sugeriu a Epstein, particularmente,
que utilizassem outro baterista nos estúdios no lugar do atual. Assim, a
conclusão foi de que Martin contrataria um baterista para as gravações,
enquanto Brian poderia usar Pete Best nas apresentações.52 Isso ocorreu,
principalmente, pelo fato de que os fãs dos Beatles na época não poderiam
suportar vê-los sem Best.5354 Os três membros-fundadores da banda – George,
Paul e John – pediram a Brian que ele demitisse Pete Best, e foram
atendidos.55 No dia 16 de agosto de 1962, Pete chega ao escritório de Brian, e
esse lhe diz: "George [Martin] não quer você no grupo", o que deixa Neil
Aspinall – motorista nas excursões da banda – furioso.56 A partir disso, o grupo
começou a cogitar alguns nomes para assumir a função de baterista. Entre
esses nomes, estavam o de Johnny Hutchinson, que recusou por ser amigo de
Pete.57 A grande esperança deles foi convidar Richard Starkey – conhecido
como Ringo Starr – que já era baterista da famosa "Rory Storm and the
Hurricanes", e que também já havia tocado com os Beatles em algumas
apresentações de Hamburgo.58 Em 19 de agosto, três dias após a demissão de
Pete, Ringo, definitivamente como baterista, tocou com os Beatles no Cavern;
a apresentação gerou confusão, pois o público repudiou a nova formação, e
chegaram a gritar "Pete para sempre, Ringo nunca!", e "queremos o Pete!";
Harrison teria sido agredido nessa apresentação.59
45
SPITZ, Bob. The Beatles Biography. 2008
46

47
Miles (1997), p.90
48
Davies (1985), p.178
49
Spitz (2005), p.318
50
Spitz (2005), pp.318–319
51

52

53

54
Spitz (2005), p.322
55
Spitz (2005), p.330
56

57

58
Spitz (2005), p.328
59
A primeira gravação dos Beatles com Lennon, McCartney, Harrison e Starr
juntos aconteceu em 15 de outubro de 1960, na demonstração de uma série de
gravações registradas particularmente em Hamburgo, onde atuaram
simultaneamente como grupo de apoio da cantora Lu Walter.60 Starr tocou
com os Beatles em sua segunda sessão de gravação na EMI, em 4 de setembro
de 1962, e Martin "alugou" o baterista Andy White – que já havia tocado com
Bill Halley em 1957, apresentação que Paul assistiu em Liverpool61–para tocar
na próxima sessão, no dia 11 de setembro.62 A única apresentação realizada
por White foi nas canções "Love Me Do" e "P.S. I Love You", incluídas no
primeiro álbum da banda.63 Nessa sessão, produzida por Ron Richards, Ringo
tocou pandeiro ou outro instrumento de percussão quando a função de
baterista era desenvolvida por Andy.64
A primeira sessão dos Beatles na EMI de Londres, em 6 de junho de 1962, não
rendeu uma gravação digna de lançamento, mas as sessões de setembro
produziram o hit "Love Me Do", compacto que, no mesmo ano, alcançou o
primeiro lugar na lista dos vinte melhores da revista Mersey Beat (em 18 de
outubro) e entrou na lista dos vinte compactos mais vendidos da revista
Billboard (em 1 de dezembro).

1962–63: Fama no Reino Unido


Em 26 de novembro de 1962, a banda gravou seu segundo som, "Please
Please Me" (não confundir com o álbum homônimo), que atingiu o primeiro
lugar na Inglaterra no início de 1963. Com o lançamento da canção "Love Me
Do" em outubro de 1962, os Beatles apareceram pela primeira vez na
televisão, no programa People and Places, transmitida ao vivo em Manchester,
na TV Granada, em 17 de outubro de 1962.6566 A crescente histeria que a
banda começou a criar nesta época, principalmente em jovens do sexo
feminino, ficou conhecida como "Beatlemania".
Em 4 de novembro de 1963, os Beatles apresentaram-se no Royal Variety
Performance, em Londres, na presença da família real britânica e,
consequentemente, da rainha Isabel II do Reino Unido.67 Nessa apresentação,
John teria dito: "Para a próxima música vamos pedir ajuda da plateia. As
pessoas que estão nos lugares baratos, aplaudam. O resto pode chacoalhar as
joias."68 Mais tarde, gravaram seu segundo álbum, With the Beatles, que
acabou com a hegemonia de trinta semanas de "Please Please Me" no
primeiro lugar das paradas britânicas.69

60
Lu Walters' recording session Acessado: 29 de janeiro 2007
61
Discoteca Beatle: Please Please Me. Beatles Brasil.
62
Spitz (2005), p.353
63

64
65
Harry (2000), p.516
66
17/10/1962: Beatles se apresentam pela primeira vez na TV. whiplash.
67

68

69
A banda também começou a ser notada por críticos musicais sérios. Em 23 de
dezembro de 1963, o crítico musical William Mann, do The Times, publicou
uma resenha descrevendo algumas teorias musicais a respeito de canções
como "Till There Was You" e "I Want to Hold Your Hand".70 A respeito do
álbum With the Beatles, Mann, em 27 de dezembro de 1963, destacou a
estrutura harmônica da canção "Not a Second Time", como sendo "também
típica nas canções de andamento mais rápido dos Beatles, e ficamos com a
impressão que pensam simultaneamente em harmonia e melodia, tal a firmeza
com que as sétimas e nonas maiores e sobredominantes estão incorporadas
nas canções, tal a naturalidade da cadência eóliano no fim de "Not a Second
Time" (a sequência que conclui a Das Lied von der Erde, de Gustav Mahler".71
Contudo, os Beatles não tinham conhecimento profundo de teoria musical na
época e a resenha de Mann tranformou-se em parte do mito da banda,
principalmente pelo termo "cadências eólicas" que Lennon, em 1980,
comentou: "Até hoje não sei o que elas são. Parecem aves exóticas."72

1963–64: Sucesso americano


Embora a banda experimentasse uma popularidade enorme nas paradas
britânicas no início de 1963, a gravadora norte-americana Capitol Records,
subsidiária da EMI (em que o grupo estava contratado), negou produzir os
compactos "Please Please Me" e "From Me to You", primeiro sucesso do grupo
que alcançou primeiro lugar no Reino Unido.73 Se a produção acontecesse de
primeiro momento, o grupo inglês arriscaria, na mesma época, sucesso nos
EUA. A Vee-Jay Records, uma pequena gravadora de Chicago, Estados Unidos,
lançou esses singles como parte de um negócio para os direitos de outro
intérprete. Art Roberts, diretor musical da estação de rádio World's Largest
Store (WLS) de Chicago, incluiu "Please Please Me" na rádio em fevereiro de
1963, provavelmente a primeira vez que foi ouvida uma canção dos Beatles no
território americano, embora isso seja discutido; os direitos do Vee-Jay aos
Beatles foram cancelados mais tarde por não-pagamento de royalty.7475

70
(em inglês) Ensaio de William Mann
71
Curiosidades e dados sobre With The Beatles.
72
73
Bruce Spizer. The Beatles Are Coming! The Birth of Beatlemania in America. New
Orleans: 498 Productions, 2004. pag. 14. ISBN 0-9662649-9-1
74
Whiplash! 29/12/1963: A Rádio WMCA transmite pela primeira vez nos EUA uma canção dos
Beatles. Acessado: 7 de agosto de 2008.
75
The Beatles on Vee Jay Records. Página visitada em August 19 de {{{acessoano}}}.
Em agosto de 1963, a Swan Records lançou "She Loves You", que também não
foi executada nas rádios. Em 3 de janeiro de 1964, Jack Paar mostrou em seu
programa uma apresentação de "She Loves You" gravada ao vivo na
Inglaterra: foi a primeira aparição dos Beatles na televisão americana.
Embora tivessem feito sucesso rapidamente na Inglaterra e sido igualmente
bem sucedidos em alguns países europeus, os Beatles ainda não tinham
conquistado o mercado norte-americano. Pensando em conquistar os Estados
Unidos, Brian Epstein, no começo de novembro de 1963, procurou o
presidente da gravadora Capitol Records para lançar um single com a canção
"I Want To Hold Your Hand", e conseguiu firmar um contrato com um popular
apresentador de televisão americano, Ed Sullivan, para que os Beatles fossem
até lá se apresentarem em seu programa. Antes da Capitol, como já foi citado,
algumas gravadoras já haviam lançado discos dos Beatles naquele país, como
a Vee-Jay e a Swan, mas nenhum sucesso tinha sido obtido. Embora não
houvesse grandes expectativas pela Capitol em relação aos Beatles, a CBS
(canal de televisão americano) apresentou um documentário de cinco minutos
sobre o fenômeno da beatlemania na Inglaterra, no programa CBS Evening
News. A primeira demonstração desse pequeno documentário seria mostrada
de manhã no CBS Morning News em 22 de novembro e uma reprise passaria
na tarde do mesmo dia no CBS Evening News, mas a transmissão foi
cancelada por conta do assassinato de John F. Kennedy naquele dia.
Diversas estações de rádio nova-iorquinas já começavam a tocar "I Want to
Hold Your Hand" na sua programação. A resposta positiva para a gravação
que havia começado em Washington duplicou em Nova Iorque e rapidamente
se espalhou a outros mercados. A gravação vendeu um milhão de cópias em
apenas dez dias, e a revista Cashbox certificou-a como número um. Era o
momento dos Beatles irem aos Estados Unidos.
No começo de 1964, a Capitol decidiu fazer valer a pena os direitos que
detinha do grupo nos Estados Unidos para coincidir com a primeira excursão
da banda à América. Brian Epstein foi um dos grandes responsáveis pela data
marcante. Indo a Nova Iorque, elaborou com a Capitol uma mídia enorme:
foram colocados seis milhões de cartazes pelas ruas dos EUA com mensagens
do tipo "Os Beatles Vem Aí"; todos os discotecários das rádios receberam
discos dos Beatles; e foram distribuídos um milhão de jornais com quatro
páginas contando a carreira do grupo.76 Essa elaboração de expectativa de
que um grande grupo estaria vindo em direção foi a mais importante viagem
na carreira dos quatro integrantes, como veremos a seguir.

76
1964-66: A Beatlemania atravessa o Atlântico
Em 7 de fevereiro de 1964, uma multidão de quatro mil fãs ingleses no
Aeroporto Heathrow acenou para os "garotos de Liverpool", que partiam pela
primeira vez aos Estados Unidos como um grupo.77 Estavam acompanhados
por fotógrafos, jornalistas (incluindo Maureen Cleave, que realizou entrevistas
com diversas personalidades famosas), e pelo produtor musical Phil Spector,
que se tinha registrado no mesmo voo.78 Quando o voo 101 da PanAm tocou o
solo do recém-nomeado Aeroporto JFK em Nova York, às 13h20 da tarde do
dia 7 de fevereiro de 1964, uma grande multidão de pessoas se aglomeraram
no local.79 Os Beatles foram saudados por cerca de três mil pessoas (estima-se
que o aeroporto nunca tenha experimentado tal número).80 Após uma coletiva
de imprensa, os Beatles partiram em limusines para a Nova Iorque. No
caminho, McCartney ouviu o seguinte comentário corrente numa rádio local:
"Eles [The Beatles] acabaram de deixar o aeroporto e estão próximos de Nova
Iorque…"81 Quando alcançaram o Plaza Hotel, foram recepcionados por
diversos fãs – a maioria garotas – e repórteres. Harrison teve uma febre de 39
℃ no dia seguinte e teve que permanecer em repouso, de modo que Neil
Aspinall o substituiu no primeiro ensaio da banda para a aparição deles no
The Ed Sullivan Show.82 A persuasão de Epstein havia dado certo.[g]
Os Beatles fizeram sua primeira aparição ao vivo na televisão americana no
The Ed Sullivan Show, em 9 de fevereiro de 1964.83[h] Aproximadamente 74
milhões de telespectadores – cerca da metade da população americana –
assistiu o grupo tocar no programa.84 Na manhã seguinte, muitos jornais
escreveram que The Beatles não era nada mais do que uma "moda
passageira",[i] e que não levariam sua música por todo o Atlântico.85 Em 11 de
fevereiro de 1964, fizeram seu primeiro concerto ao vivo nos Estados Unidos,
no Washington Coliseum, em Washington, D.C.. Se a apresentação no London
Palladium é considerada como o início da histeria em torno dos Beatles na
Inglaterra, nos Estados Unidos esta beatlemania tomou proporções ainda
maiores desde a primeira ida do conjunto em terras estado-unidenses.

77
Spitz (2005), p.457
78
Spitz (2005), p.458
79
Lentz, Guilherme. A Primeira visita aos EUA. Introdução.. Beatles Brasil..
80
Spitz (2005), p.459
81
Spitz (2005), p.462
82
Spitz (2005), p.464
83
Teran, Claudio. The Ed Sullivan Show. Beatles Brasil..
84
Kozinn, Alan. " Critic's Notebook; They Came, They Sang, They Conquered". The New York
Times. 6 de fevereiro de 2004. Acessado em 4 de junho de 2008.
85
Spitz (2005), p.473
Acredita-se que essa primeira visita dos Beatles aos Estados Unidos é um dos
momentos fundamentais da história da banda e, mais amplamente, do rock
mundial.86 A importância dessa visita é analisada por diversos ângulos através
de muitos fatores, como, por exemplo, o fato de que, desde a década de 1960,
os Estados Unidos já eram o maior mercado consumidor de discos do mundo;
para Epstein e para o grupo, seria um prestígio começar a ser conhecido e
bem vendido por lá, como era e ainda é natural nos dias de hoje.87 O sucesso
de diversas bandas inglesas e europeias – U2, Oasis, Cranberries – é tido
como resultado em grande parte devido à carreira dos Beatles e,
particularmente, à sua estadia nos EUA.88
Depois do sucesso de 1964, as gravadoras Vee-Jay e Swan aproveitaram os
direitos que detinham das primeiras gravações do grupo e decidiram reeditá-
las; todas as canções atingiram o top dez desta vez (a MGM e a Atco também
garantiram os direitos das primeiras gravações dos Beatles com o já citado
Tony Sheridan e também tiveram hits menores, como "My Bonnie Lies over
the Ocean" e "Ain't She Sweet", esta última com a voz de Lennon). Além de
Introducing… The Beatles, primeiro LP da banda no mercado americano,[j] 89 a
Vee-Jay também editou, em 1 de outubro de 1964, o The Beatles Versus The
Four Seasons, um relançamento duplo do Introducing… The Beatles com
outra capa, sendo que o lado B continha canções do grupo americano The
Four Seasons.90 Através da sofreguidão da Vee-Jay em faturar em cima da
recém-iniciada beatlemania na América, lançou-se outros discos, como o
Songs, pictures and stories of the fabulous Beatles, que foi lançado duas
semanas após o disco duplo com The Four Seasons, e que nada mais era do
que o quarto reingresso de Introducing The Beatles no mercado americano. "I
Saw Her Standing There" foi editada como o lado B do disco da América "I
Want to Hold Your Hand" , e também foi incluída no álbum Meet The Beatles,
da Capitol. As faixas "She Loves You" e "I'll Get You" da Swan foram editados
em 10 de abril de 1964, no LP The Beatles' Second Album, da Capitol. O
Second Album vendeu 250 mil cópias no primeiro dia de lançamento nos
EUA.91 A Swan também editou uma versão alemã da "febre" "She Loves You",
chamada "Sie Liebt Dich" e que está presente em estéreo no álbum Rarities,
da Capitol.

86

87
Lentz, Guilherme: " A Primeira visita aos EUA". Beatles Brasil. Acessado em: 10 de agosto de
2008.
88

89
Teran, Claudio. A Primeira visita aos EUA. Discografia Americana Comentada.. Beatles
Brasil..
90

91
Em meados de 1964 a banda, em todo seu auge, iniciou suas primeiras
aparições fora da Europa e da América do Norte, viajando para a Austrália,
Escandinávia e Holanda; Ringo foi vítima de uma faringite e, hospitalizado,
não pôde partir para o primeiro destino deles, o território australiano. Starr
foi substituído temporariamente pelo baterista Jimmy Nicol, a convite de
George Martin que, inclusive, estava lucrando juntamente com a banda desde
o primeiro momento em que assinaram contrato na distante Liverpool. A
estranha reação do público diante de uma figura diferente assumindo a
bateria durou pouco, pois Ringo regressou com o tempo e eles partiram para a
Nova Zelândia em 21 de junho de 1964.92 Antes da volta do baterista, em
Adelaide, Austrália Meridional, os Beatles foram recepcionados por cerca de
trezentas mil pessoas no Adelaide Town Hall (isso evidencia o estrondo que a
banda já vinha fazendo por diversos países).93
Em 6 de junho de 1964, o filme que se tornaria um clássico cult, sendo
considerado por alguns como o grande precursor da ideia dos vídeos
musicais94 – A Hard Day's Night (Os Reis do Iê, Iê, Iê no Brasil) – foi lançado
no Reino Unido, sendo o primeiro a estrelar a banda. Dirigido por Richard
Lester, o filme é sobre os quatro membros que tentam, em território londrino,
tocar em um programa de televisão. Lançado no auge da beatlemania,
inclusive focando-a na maior parte das cenas, embora sem transformá-las em
um documentário, o filme foi bem recebido pela crítica e continua a ser um
dos mais influentes no que se diz respeito à música.9596 Em paralelo, o álbum A
Hard Day's Night, lançado no mesmo ano, foi o primeiro do grupo a trazer só
composições de Lennon/McCartney e serviu como trilha sonora para o filme.
Em novembro, lançaram o compacto "I Feel Fine" e no mês seguinte o grupo
lançou seu quarto álbum: Beatles for Sale.

92
Beatles in New Zealand. Acesso: 11 de julho de 2007.
93
Ficher, P. and Seamark, K. H. (2005). Vintage Adelaide. East Street Publications, 70–71.
ISBN 1-921037-06-7.
94
Beatles HomePage Curiosidades dos Beatles. Acesso: 11 de agosto de 2007.
95
Sarris, Andrew (2004). "A Hard Day's Night", in Elizabeth Thomson, David Gutman: The
Lennon Companion. New York: Da Capo Press. ISBN 0-306-81270-3.
96
Schickel, Richard, Corliss, Richard (19-02-2007). " ALL-TIME 100 MOVIES". TIME TIME.
Acesso: 27-02-2007.
Em junho de 1965, Sua Majestade Elizabeth II do Reino Unido condecorou os
Beatles como Membros da Ordem do Império Britânico.9798 O grupo foi
nomeado pelo primeiro-ministro Harold Wilson, que também havia sido
deputado em Huyton, Liverpool.99 A nomeação estimulou alguns
conservadores do MBE – primeiramente militares veteranos e líderes cívicos –
à devolverem suas próprias insignias como protesto.100 Em julho do mesmo
ano, o segundo filme estrelando os Beatles, Help!, foi lançado. O filme
acompanhou o lançamento do álbum homônimo, que serviu como trilha
sonora. Em 15 de agosto de 1965, os Beatles fizeram o primeiro concerto da
história do rock and roll num estádio aberto, ao se apresentarem no estádio de
beisebol Shea Stadium, Nova Iorque, para uma multidão formada por 55.600
pessoas.101 O evento obteve uma grande notoriedade e contou com os
requintes de mídia disponíveis à época e a disposição de Epstein era fazer um
evento grandioso, digno de filmagens e especiais de televisão nos EUA e
Inglaterra.102 Chamados ao palco pelo já conhecido Ed Sullivan, o quarteto
ampliou ainda mais seu sucesso nacional e internacional e o evento é tido
como percursor: Cláudio Teran, articulista da Internet sobre os Beatles, diz o
seguinte num texto sobre a data: "Sempre que um garoto for a um estádio de
futebol, ou beisebol para assistir ao show de uma grande banda de rock and
roll, precisará saber que aquilo um dia começou com a ousadia dos Beatles em
encarar um desafio que modificaria para sempre até o padrão técnico de
sonorização de grandes ambientes pelo mundo afora."103 Quanto à ousadia e à
técnica de sonorização, Teran quer dizer sobre o fato de que os conjuntos de
equipamentos que seriam necessários para o concerto acontecer e para a
mídia filmar eram muito pesados e exigiriam grande esforço.104 Além disso, o
sistema de iluminação, assim como o de áudio, favorecia menos facilidade do
que os de hoje em dia; no entanto, as imagens que se tem registradas foram
bem realizadas.105
O sexto álbum da banda, Rubber Soul, realizado no começo de dezembro de
1965, foi recepcionado como um grande salto do grupo para a complexidade e
maturidade em sua estrutura musical,106 por conter em suas canções letras e
melodias mais elaboradas.107 O lançamento dos compactos "Day Tripper" e
"We Can Work It Out" juntamente com o sexto álbum repetiram o sucesso
grandioso que o grupo mantinha desde 1963: foram aos primeiros lugares nas
paradas britânicas e americanas; segundo estimativas, venderam cinco
milhões do álbum e quatro milhões do compacto.108

97
Uol Música. " Cronologia Beatles: acompanhe como tudo aconteceu." (30/11/2001 - 16h41).
Acesso: 11 de agosto, 2008.
98
Jovem Pam Fm. " Curiosidades na Música." Acesso:11 de agosto, 2008.
99
Spitz (2005), p.556
100
Spitz (2005), p.557
101
The Beatles Off The Record. London: Omnibus Press, p.193. ISBN 0-7119-7985-5
102
Teran, Claudio. The Beatles live at Shea Stadium (em português).. Beatles Brasil..
103
Teran, Cláudio. Pop Go To The Beatles. " Apoteose, ineditismo, histórias e estórias no Shea
Stadium, Showtime".
104

105

106
Allmusic Rubber Soul review.
107
Farias, Sergio. 1966: O ano em que tudo mudou.. Beatles Brasil..
108
1966: Chicotadas e controvérsia
O ano de 1966 é visto como a data em que a banda determinou o que seria até
seu final, em 1970.109 Nessa época, o mundo já não era mais o mesmo e o
grande responsável por essa mudança foram os Beatles. Entre os
acontecimentos mais destacados, estão a recepção dos anglicanos frente ao
Papa em Roma, a liderança de Martin Luther King na marcha pelos direitos
civis nos Estados Unidos, e o bombardeio da Força Aérea Americana em
Hanói, capital do Vietnam do Norte.110 Pelo outro lado do planeta, a ciência se
desenvolvia na chegada da espaçonave soviética a Vênus (primeira nave
terrestre a pousar noutro planeta) e, na China, a proclamação da "Revolução
Cultural", que promoveu expurgos e perseguiu intelectuais.111 Há quarenta
anos, essa agitação pelo mundo não se apresentou de forma menor nos quatro
membros dos Beatles: Lennon, McCartney, Harrison e Starr.
•Férias, casamento e prêmios: Nos três primeiros meses de 1966 a banda
tirou férias, após desistirem da ideia de lançar um novo filme em cima de A
Talent For Loving, cujo roteiro seria de Richard Condon.112 Nesses meses,
tiveram encontros em festas com os músicos Mick Jagger e Brian Jones dos
Rolling Stones, e compareceram na estreia do filme Alfie, cuja estrela era Jane
Asher, namorada, na época, de Paul.113 John e Ringo não compareceram ao
casamento de George em 21 de janeiro porque viajavam para fins de semana
no Caribe e na Suíça; George e a modelo Patricia Anne Boyd embarcaram
para uma lua de mel em Barbados, nas Bahamas.114 Enquanto isso, os Beatles
obtiveram naquele ano dez indicações ao Grammy e, embora existissem
restrições do regime político na Polônia, as canções da banda começavam a
ingressar intensamente nas rádios daquele país.115

109

110
111

112

113

114

115
•Entrevista com Cleave, e a "Capa do Açougue": Em março, os Beatles
foram convidados a uma entrevista com a jornalista Maureen Cleave, do jornal
britânico "London Evening Standart". Nesta entrevista, John declarou com
tom crítico a seguinte frase: "O cristianismo vai acabar. Vai se dissipar e
depois sucumbir. Nem preciso discutir isso. Estou certo, e o tempo vai provar.
Atualmente somos mais populares que Jesus Cristo".116 A declaração não
causou nenhuma polêmica na Inglaterra. Depois, a banda posou para uma
sessão com o fotógrafo Bob Whitaker, que produziu fotos com matizes
surrealistas. Uma dessas fotografias foi utilizada na capa do próximo álbum
Yesterday and Today, que ficou cinco semanas em primeiro lugar vendendo
um milhão e meio de discos117 e só editado nos EUA, onde o quarteto está
vestido com jalecos brancos e segura bonecas despedaçadas junto a pedaços
de carne. O disco, referido frequentemente como "a capa do açougue" gerou
polêmica nos Estados Unidos: algumas pessoas atribuíram à foto uma
mensagem cifrada ou algo contra a Guerra do Vietnam, outros acharam que
era uma crítica ao desmembramento dos álbuns originais dos Beatles na
América.118 A Capitol recolheu os discos e substituiu as 750 mil capas
prensadas.
Após estes problemas com a "capa do açougue", o grupo iniciu sua turnê
mundial de 1966 por cinco países, entre eles Alemanha, Japão, Filipinas,
Estados Unidos e Canadá.[k]

116

117

118
•Humilhação nas Filipinas e prêmios na Inglaterra: Embora as Filipinas
estivessem sob a ditadura de Ferdinando Marcos, na capital Manilha os
Beatles foram recepcionados por cinquenta mil fãs que se aglomeraram no
aeroporto. A polícia filipina os separaram de Epstein e apreendeu sua
bagagem, que continha maconha: isto provocou problemas com as autoridades
locais.119 Epstein obteve controle e, no dia seguinte, deram dois concertos no
estádio superlotado Rizal Memorial Football Stadium. Após as apresentações,
a primeira-dama Imelda Marcos organizou uma recepção no palácio
presidencial para trezentos filhos de oficiais da alta patente do exército
daquele país e gostaria de apresentá-los ao grupo.120 O não comparecimento à
recepção promoveu consequências inesquecíveis. No dia seguinte, jornais
filipinos traziam manchetes com expressões do tipo "Imelda plantada" (The
Manila Times), destacando que os Beatles haviam esnobado a primeira-
dama.121 Por causa desses acontecimentos, Epstein tentou esclarecer o mal-
entendido numa coletiva, mas a transmissão sofreu interrupções técnicas.
Starr lembraria anos mais tarde que o tratamento dos empregados no hotel
tornaram-se mais frios depois do ocorrido e que havia ameaças de
bombardeios onde os Beatles estavam hospedados.122 O grupo foi abordado
pelo responsável do Escritório de Rendas Internas que disse que os Beatles
não deixariam o país até pagarem os impostos que não haviam dado desde a
chegada; Epstein pagou dezoito mil dólares.123 Os quatro membros fizeram a
pé a caminhada até o avião e aproximadamente trezentos pessoas
aguardavam a banda no aeroporto; na despedida, foram cuspidos, empurrados
e agredidos; a renda que conseguiram nos dois concertos foi confiscada; após
quarenta minutos de confusão, decolaram.124
De volta à Inglaterra, eufórica pela conquista da Copa do Mundo de Futebol
de 1966, o grupo presenciou boas notícias, como os três troféus Ivor Novello –
premiação máxima da música inglesa – que receberam por "We Can Work It
Out" e "Help!" como primeiro e segundo compacto mais vendido na Inglaterra
em 1965, e por "Yesterday" como a canção mais executada do ano. Artistas
como Connie Francis, Johnny Mathis, Bob Goldsboro, Cliff Richard, David
McCallum, as duplas Jan and Dean e Peter and Gordon interpretavam diversas
canções da dupla Lennon/McCartney. Contudo, as notícias da América eram
preocupantes.

119
120
Spitz (2005), p.619
121
Há 40 anos, Beatles sofriam sua maior humilhação. Terra Música..
122

123

124
Terra Música. A Maior Humilhação dos Beatles.
•Presley, Dylan e o "Somos mais populares que Jesus Cristo": A revista
DateBook divulgava a entrevista que Lennon concedeu a Cleave destacando a
frase "Somos mais populares que Jesus".125 Fundamentalistas cristãos se
indignaram com a frase de Lennon e protestaram. Uma rádio em Birmingham,
Alabama, organizou um boicote a execução das canções dos Beatles, e um ato
onde os discos da banda foram queimados publicamente em uma fogueira.
Rapidamente diversas estações de rádio americanas recusavam-se a tocar
canções dos Beatles em suas programações e, na África do Sul, houve o
banimento de canções do grupo em suas estaçõs de rádio por cinco anos.
Houve inclusive a manifestação do Papa Paulo VI e do governo fascista de
Francisco Franco, da Espanha, que criticaram a postura do grupo.126
Elvis Presley desaprovou o ativismo antiguerra e a legalização das drogas que
os Beatles vinham afirmando e mais tarde pediu ao então presidente Richard
Nixon que ele proibisse a entrada dos quatro membros nos Estados Unidos.127
Peter Guralnick escreve que "Os Beatles, segundo Elvis, […] eram
antiamericanos. Eles vinham para os EUA, faziam fortuna, e voltavam para a
Inglaterra. E diziam coisas antiamericanas quando se encontravam por lá."128
Guralnick adiciona: "Elvis acreditava que os Beatles lançaram bases para
muitos dos problemas que estávamos tendo com os jovens e suas aparências
imundas, bases essas encontradas na música sugestiva deles que ao mesmo
tempo divertia o país durante o início dos anos 1960 e meados."129 Apesar das
observações de Presley, em geral os Beatles o admiravam; Lennon, por
exemplo, tinha sentimentos positivos para com ele: "Antes de Elvis, nada
existia."130 Em contraste, o renomado cantor folk Bob Dylan reconhecia a
contribuição dos Beatles, e afirmou: "A América deve construir estátuas dos
Beatles. Eles ajudaram a trazer de volta o orgulho do país."131

125
Cleave, Maureen (1966). "How Does a Beatle Live? John Lennon Lives Like This". London
Evening Standard 4 March 1966.
126
Spitz (2005), p.625
127
Arnaldo, João. = 11&t = 1084&start = 0&st = 0&sk = t&sd = a&view = print Até tu, Elvis?.
Beatles Brasil..
128
Peter Guralnick, Careless Love: The Unmaking of Elvis Presley, p.420
129
Guralnick, Careless Love, p.426
130
CNN.com Elvis is still everywhere August 16
131
Sounes, Howard, Down the Highway: The Life of Bob Dylan (Doubleday 2001; ISBN 0-552-
99929-6) p203
1966–69: Anos de estúdio e espiritualidade
Mais maduros, musical e pessoalmente, os Beatles dedicaram-se na gravação
do Revolver, em que, em cada gravador – num total cinco equipamentos
pesados que haviam sido levados ao estúdio 3 da Abbey Road Studios – um
técnico operava e o outro segurava com um lápis a extremidade de laço feito
pelas pontas das fitas emendadas; o resultado foi uma mistura de rock
psicodélico, balada, R&B, soul e world music. Os Beatles haviam realizado seu
último concerto no Monster Park, São Francisco, em 29 de agosto de 1966.132
Este foi o último concerto da banda onde o público pagava ingresso. Sua
última apresentação foi nos telhados da Apple, onde o público não pagou
nada; leia sobre na próxima sub-seção. A partir de então, a banda concentrou-
se apenas em gravações. Foram os momentos mais criativos do grupo. Menos
de sete meses após o Revolver, os Beatles voltaram ao Abbey Road em 24 de
novembro para começar a produzir seu oitavo e mais aclamado álbum,133 Sgt.
Pepper's Lonely Hearts Club Band, que os ocupou durante 129 sessões e foi
lançado em 1 de junho de 1967.134 O álbum os popularizou ainda mais.
Outro feito que popularizou o grupo – que caminhava rumo ao seu final –
surgiu em um segmento no programa Our World, o primeiro programa do
mundo ao vivo a transmitir, via satélite, imagens para o mundo inteiro. Os
Beatles foram transmitidos diretamente do Abbey Road Studios e a nova
canção, "All You Need Is Love", escrita por Lennon, foi gravada ao vivo
durante a apresentação, embora eles tivessem preparado antecipadamente –
num período de cinco dias – as gravações e a mixagem antes da
transmissão.135 A canção trazia uma mensagem de paz nos tempos da Guerra
do Vietnã. Os Beatles convidaram vários amigos para participarem do evento,
cantando o coro da canção – Mick Jagger, Eric Clapton, Marianne Faithfull,
Keith Moon e Graham Nash. O programa foi visto por cerca de 350 milhões de
pessoas em 26 países.

132
Miles (1998), pp.293-295
133
Montenegro, Gustavo. E continuamos curtindo o show. Beatles Brasil. Acessado: 15 de
agosto de 2008.
134
Almeira, Luís Pinheiro de. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band Uma revolução que
continua!. Beatles Brasil..
135
Miles (1998), p.54
Em novembro e dezembro de 1966, e até janeiro de 1967, os Beatles
gravaram dois compactos durante as sessões do Sgt. Pepper: "Strawberry
Fields Forever" e "Penny Lane", mas elas acabaram não entrando no álbum. A
"Strawberry…", escrita por Lennon, – embora creditada à Lennon/McCartney
– diz respeito a um orfanato patrocinado pelo Exército de Salvação Inglês,
chamado "Strawberry Field Children's home", que se localizava perto da casa
de John em Woolton, Liverpool, número 25 da Avenida Beaconsfield, e onde
ele pulava o muro e brincava durante a infância no espaço arborizado, com os
amigos Pete Shotton, Nigel Whalley, e Ivan Vaughan.136 Ele começou a
escrevê-la em finais de 1966, em Almeria, Espanha, durante as filmagens de
How I Won the War, de Richard Lester, o mesmo diretor de A Hard Day's
Night.137 A Tia Mimi sempre levava John a festivais de verão que aconteciam
no orfanato de Strawberry Field.138 O orfanato original, contruído nos anos
1950, acabou sendo demolido e, depois, reconstruído: o que sobrou do original
foi o portão vermelho de aço, ponto bem famoso de Liverpool.139 Além dos
festivais de verão continuarem acontecendo anualmente, em 1984 Yoko Ono e
Sean Lennon visitaram o local e desde então contribuem para sua melhoria.140
Tecnicamente, a estrutura desta canção é escrita com uma chave de Si bemol
maior. Ela começa com uma introdução de mellotron – escrita e
desempenhada por McCartney – e depois continua no refrão. Depois de um
curto silêncio dos instrumentos, a canção volta para "tenebrosos" sons
distintos com notas dissonantes, espalhadas com a bateria, e depois Lennon
diz: "cranberry sauce", ou seja, doce de oxicoco.141 Nessa mesma canção, John
diz: "Eu enterrei Paul" e a canção foi incluída na lista de itens que reúnem
fatos onde os Beatles queriam mostrar que Paul estava morto e que outro
cantor o substituía.142143 (Para mais informações, veja Boato da morte de Paul
McCartney.) A recepção da canção foi satisfatória: atingiu o oitavo lugar na
parada dos EUA, onde numerosos críticos a consideraram a melhor canção do
grupo e, em 2004, foi posta em 74ª na Lista dos 500 Maiores Sons de Todos os
Tempos, da Rolling Stone americana.144

136
Spitz (2005), p. 642
137
Sheff (2000) p153
138
Copping, Audrey. Curiosidades sobre Strawberry Fields (Forever). Beatles Brasil..
139

140

141
Unterberger, Richie. ""Strawberry Fields Forever"". Allmusic. Retrieved on 2007-12-16.
142
Beatles Home Page. Boatos da morte de Paul nos anos 1960. Acessado em 16 de agosto,
2008.
143
Toropov (2002) p37
144
" The Rolling Stone 500 Greatest Songs of All Time". Rolling Stone. Acessado em 2007-17-
12.
Em contraste com "Strawberry…", onde Lennon inspirou-se em recordações
do passado, "Penny Lane", escrita por Paul – embora igualmente creditada à
Lennon/McCartney –, que traz melodia e ritmo menos "tenebrosos" que a
anterior, também faz menção à recordações de McCartney: o cruzamento de
cinco ruas formando uma rótula de trânsito – roundabout, como dizem os
ingleses – em Liverpool, chamado "Penny Lane Roundabout", é uma área, hoje
muito famosa por causa da canção, onde John e George nasceram perto e,
consecutivamente, onde os Beatles frequentavam muito.145 A primeira mulher
de John, Cynthia Lennon, tinha um apartamento em Penny Lane e trabalhava
na loja Woolworth, a uma quadra dali.146 Durante muito tempo, quase
diariamente, a prefeitura local precisava trocar as placas da rua, pois, por
virar ponto turístico, os fãs da banda a retiravam e levavam consigo ou, em
outros casos, rabiscavam; agora as placas de Penny Lane foram abolidas e o
nome passou a ser pintado diretamente nas paredes dos prédios da rua.147 Na
letra da canção, é como se Paul fosse o guia-turístico de uma excursão para o
local: ele refere-se, por exemplo, a um "barbeiro mostrando fotografias de
cada cabeça que teve o prazer de conhecer" – há um edifício branco numa das
esquinas da rua, chamado Tony Slavin, que era o local onde Mr. Bioletti, o
barbeiro, trabalhava e onde a barbearia funcionava – e a outros pontos da
cidade; Paul diz na canção: "Penny Lane está em meus ouvidos e em meus
olhos". Ao contrário do vídeo promocional de "Strawberry…", o qual o grupo
gravou em outro local que não o orfanato, o vídeo musical de "Penny Lane" foi
filmado na própria Penny Lane. Entre os instrumentos usados no som,
destacam-se a conga, o flautim e os pianos, ao todo quatro. A canção também
obteve uma recepção satisfatória: alcançou o primeiro lugar na Billboard Hot
100 por uma semana e, em 2004, foi incluída pela Rolling Stone americana na
Lista dos 500 Maiores Sons de Todos os Tempos, permanecendo em 449ª
lugar.
Em 24 de agosto de 1967, os Beatles encontraram-se com o Maharishi
Mahesh Yogi no Hotel Hilton de Londres. Poucos dias depois, foram para
Bangor, norte do País de Gales, para assistirem uma conferência "inicial" de
fim de semana. Lá, o Maharishi deu a cada um deles um mantra.148149 Embora
estivessem em Bangor, os Beatles ficaram sabendo que Brian Epstein, o
empresário da banda, aquele cujo nome foi muito responsável pelo sucesso do
grupo, estava morto, aos 32 anos, devido, segundo o laudo, "morte acidental
por overdose de Carbitol", medicamento para insônia. Em finais de 1967,
receberam sua grande primeira crítica da imprensa britânica, crítica essa que
era um conjunto de opiniões depreciativas sobre o filme de televisão
surrealista Magical Mistery Tour.150 A trilha sonora de Magical Mistery Tour
foi lançada no Reino Unido em um EP duplo, e nos EUA em um LP completo
(atualmente, a versão oficial é esse LP).

145
Sem, Autor. Liverpool.
146

147

148
Miles (1998), p.396
149
The Beatles Anthology DVD (2003) (Episódio 7 - 0:10:33) Harrison fala sobre o mantra.
150
Magical Mystery Tour Acessado: 2 Julho 2007
Os quatro músicos passaram os primeiros meses de 1968 em Rishikesh, Uttar
Pradesh, na Índia, estudando meditação transcendental com o Maharishi
Mahesh Yogi.151 O ashram de Mahesh Yogi inspirou a criatividade do quarteto
e devido à suas estadias nele, produziram algumas canções com referências à
espiritualidade que a Índia tanto afirmava; canções essas que podem ser
encontradas no White Album e em Abbey Road com composições de Lennon,
McCartney e Harrison.152 Regressando, John Lennon e Paul foram para Nova
Iorque anunciar a formação da Apple Records, uma corporação multimédia
fundada em janeiro de 1968 pela banda com o intuito de substituir a sua
empresa anterior (Beatles Ltd.), e de modo a formar um conglomerado.153 Em
meados de 1968 a banda manteve-se ocupada no processo de gravação do
álbum duplo The Beatles, conhecido popularmente como "Álbum Branco" por
conta da capa ter cobertura branca. Essas sessões foram o cenário de
desentendimentos entre os integrantes, com Starr deixando temporariamente
a banda. Sem Starr, Paul assumiu a bateria e instrumentos de percussão nas
faixas "Martha My Dear", "Wild Honey Pie", "Dear Prudence" e "Back in the
USSR". As dissensões tiveram diversos motivos, sempre muito debatidos: a
excessiva presença da nova namorada de Lennon, Yoko Ono, nas gravações; a
arrogância de McCartney, que passava a querer ser o líder do grupo; ficou
ainda mais difícil o grupo aceitar novas canções de Harrison para serem
incluídas em seus álbuns.154
Com a morte de Epstein, o grupo necessitava de um novo empresário: em
relação ao lado empresarial, Lennon, Harrison e Starr queriam o gerente
nova-iorquino Allen Klein para gerir os Beatles, mas McCartney queria o
empresário Lee Eastman, pelo motivo dele ser até então o pai da então-
namorada de Paul, e futura esposa, Linda. Os outros três membros viam em
Eastman um empresário que colocaria os interesses de Paul antes das do
grupo (durante uma entrevista no Anthology, McCartney disse: "Olhando para
trás, posso entender porque eles sentiam que Eastman tinha interesses
tendenciosos a mim e contra eles.") Em 1971, descobriu-se que Klein, que
havia sido nomeado gestor, roubou cinco milhões de libras esterlinas das
explorações dos Beatles.

151
Miles (1998), p.397
152

153
Roberts, Dave. " The Beatles". Intent Media. Acesso em 2008-15-08.
154
Spitz (2005), pp.777–779
Retomando: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band
Retomando a época de criação do Sgt. Pepper's…, como é comumente tratado,
"foi um momento decisivo na história da civilização ocidental", segundo a
descrição de um crítico do The Times.155 Semanas depois do lançamento do
disco, Jimi Hendrix já tocava a faixa-título em seus concertos, o que deixou
McCartney particularmente emocionado.156157 Além de ter sido o primeiro
álbum de rock a ganhar os Grammys de "melhor álbum do ano", "melhor
álbum contemporâneo", a "melhor capa" e a "melhor engenharia de som",158 o
Sgt. Pepper's…, quando colocado no mercado, bateu todos os recordes de
venda: vendeu um quarto de milhão de exemplares na Grã-Bretanha (somente
na primeira semana), permaneceu durante quase meio ano consecutivo no
primeiro lugar do topo de vendas – feito praticamente impensável hoje em dia
– e é tido como vanguarda, principalmente pela originalidade da capa que,
inclusive, inspirou artistas do mundo inteiro.159 McCartney é tido como o
responsável pela ideia da capa.160 Ele havia esboçado um desenho onde uma
multidão assistia a banda Sgt. Pepper e recebia do prefeito uma copa ou
troféu. Robert Frazer, comerciante de arte e conhecido do grupo, levou Paul à
conhecer Peter Blake, um dos artistas pioneiros e fundadores da Pop Art;
Blake desenhou toda a capa, adicionando pessoas influentes de todo o mundo
– escolhidas por Lennon, Harrison, Starr e, claro, Paul – caracterizadas como
bonecos de papelão, sem contar os bonecos de cera dos Beatles.161

1969-70: Último concerto e fim


Em janeiro de 1969, os Beatles iniciaram um projeto cinematográfico que
documentaria a realização de sua próxima gravação, originalmente intitulado
Get Back. Durante as sessões de gravação, a banda realizou sua última
apresentação ao vivo no último andar do edifício da Apple, em Londres, na
tarde fria de 30 de janeiro de 1969. A maior parte da apresentação foi filmada
e, posteriormente, incluída no filme Let It Be. A ideia de tocar no telhado do
prédio foi de Lennon. O concerto parou a rua inteira do prédio e, rapidamente,
o lugar ficou lotado de pessoas; inclusive, os vizinhos da região logo
espreitavam das sacadas o concerto. Os Beatles tocaram durante quarenta
minutos até a polícia local interferir pedindo que abaixassem o volume dos
instrumentos; Mal Evans explicou que não era qualquer pessoa que estava
tocando, e sim os Beatles. A apresentação terminou antes do previsto, e
tornou-se famosa. Com o projeto Let It Be temporariamente suspenso, os
Beatles gravaram seu penúltimo álbum, Abbey Road, no verão de 1969. A
conclusão da canção "I Want You (She's So Heavy)" para o álbum em 20 de
agosto de 1969 foi a última vez que o quarteto reuniu-se em mesmo estúdio.
Lennon anunciou sua saída para o resto do grupo em 20 de setembro, 1969,
embora tenha concordado em não anunciar isso publicamente até que
determinadas questões jurídicas fossem resolvidas.
155
Fonte:, BBC. 15 Fatos a respeito do Sgt. Pepper's.. Sunrise Musics..
156

157
158

159

160
Ribeiro, Márcio. Quais as outras curiosidades sobre a capa, contracapa e encarte do Sgt.
Pepper. Whiplash!.
161
Em março de 1970, a sessão de teipes do "Get Back" foram entregues ao
produtor americano Phil Spector, que tinha produzido o compacto solo de
Lennon – "Instant Karma!". McCartney anunciou publicamente a dissolução
em 10 de abril de 1970, uma semana antes do lançamento de seu primeiro
álbum solo, McCartney162. As cópias de pré-lançamento incluíram um
comunicado à imprensa onde McCartney realizava uma entrevista consigo
mesmo, explicando o fim dos Beatles e suas esperanças para o futuro.163 Em 8
de maio de 1970, a versão de "Get Back" produzida por Spector foi lançada
como Let It Be, seguido com o documentário de mesmo nome. Legalmente, a
parceria dos Beatles não foi dissolvida até 1975,164 embora Paul tenha
apresentado uma ação para a dissolução em 31 de dezembro de 1970,
efetivamente terminando a carreira em conjunto da banda.165
O motivo do fim da banda ainda é muito discutido e pode ser descrito como
uma série de eventos166 que, resumidamente, os itens abaixo pretendem
desenvolver.
•Morte de Epstein: Brian Epstein foi indiscutivelmente o homem mais
influente no lançamento e na promoção da popularidade do grupo no mundo
inteiro. Por ser o empresário da banda, ele pôde manter o grupo reunido e
mediar determinados conflitos que o quarteto viesse a desenvolver entre si,
mantendo-se na postura de ser a última palavra, a última decisão. Quando
morreu em 1967, deixou um vazio na banda. McCartney provavelmente sentiu
a situação precária e procurou iniciar projetos que estimulassem a banda. Em
última instância, a discórdia sobre liderança gerencial seria um dos fatores
precipitantes para a banda se dissolver.167
•George Harrison como compositor: Nos primeiros anos, Paul e John eram
os únicos compositores da banda, enquanto que Ringo e George
desempenhavam suas funções como baterista e guitarrista, respectivamente.
No entanto, de 1965 adiante, as composições de Harrison ganharam
maturidade e tornaram-se mais atraentes em suas qualidades.168169
Gradualmente os outros membros reconheciam seu talento como
compositor,170 mas cada vez mais George começou a se frustrar pelo fato da
maioria de suas ideias e canções terem como fim a rejeição. Isso gerou
confusão e, consecutivamente, desavenças, principalmente entre Lennon e
McCartney.171

162
GazetaWeb. 10 de abril: O fim da banda The Beatles. 10/04/2010. Página visitada em
10/04/2010.
163
Spitz (2005), p.853
164
The Beatles' partnership was legally dissolved in 1975 bbc.co.uk Acessado em 26 January
2007
165
Straight Dope Staff Report: Why did the Beatles break up? The Straight Dope, Acesso: 1 de
agosto 2008
166
Mark Hertsgaard: A Day in the Life: The Music and Artistry of The Beatles (Reprint edition),
Delta, 1996
167
Peter McCabe: Apple to the Core: The Unmaking of The Beatles, Martin Brian e O'Keeffe
Ltd, 1972
168
Mark Lewisohn: Beatles Recording Sessions, Gardners Books, 2005
169
George Harrison:I Me Mine, Simon & Schuster, 1980
170
Jan Wenner: Lennon Remembers: The Rolling Stone Interviews, Popular Library, 1971
171
"George Harrison Interview", Crawdaddy magazine, Fevereiro 1977
•Dificuldade em colaboração: De uma forma ou de outra, após o grupo
parar de excursionar, cada um dos integrantes começaram a seguir
comportamentos autônomos: enquanto McCartney via interesse no estilo pop
e nas tendências da Grã-Bretanha e dos EUA, Lennon tendia à música
introspectiva e experimental, enquanto que Harrison, por sua vez, estava cada
vez mais entusiasmado com a música indiana.172173174 Por conseguinte, Paul
começou a assumir o papel de líder dos projetos artísticos dos Beatles.175 Além
de cada membro ter começado a desenvolver uma agenda cujos eventos
exigiam cada vez mais individualidade – o que acabou comprometendo o grau
de entusiasmo em conjunto – outro fator que contribuiu para a fragilidade da
banda foi a evidente falta de acordo já exitente na época de produção do
"Álbum Branco".176
•Yoko Ono: Lennon estava em um frágil estado de espírito após o regresso da
banda a partir de suas estadias na Índia, no início de 1968. Ficou ressentido e
desiludido com o fato do Maharishi não ter preenchido suas expectativas.
Lennon começou a desenvolver um imenso interesse numa artista nipo-
americana, Yoko Ono, que reuniu o músico britânico em uma de suas
exposições em 1966. Tiveram uma relação platônica até a primavera de 1968.
Enquanto a esposa Cynthia de Lennon estava afastade de férias, ele e Yoko
lançaram uma fita que mais tarde seria lançada como a famosa (e polêmica)
"Unfinished Music No.1: Two Virgins". Até esse momento, os dois não estavam
completamente entretidos entre si, pois o acordo da banda era que suas
namoradas ou esposas não interferissem nos estúdios. Contudo, como a
produção artística de Lennon cresceu sob influência de Yoko Ono, cada vez
mais ele quis que ela entrasse nos processos de produção dos Beatles e,
consecutivamente, ela passou a frequentar os estúdios de gravação.177
Frequentemente, Ono não comentava nem dava sugestões no estúdio de
gravação, o que parece ter aumentado as confusões entre ela e os três
companheiros de Lennon.178 Ono tem sido acusada por muitos fãs de ter
"dividido os Beatles", enquanto que outros argumentam que a sua presença
não era nenhum problema, e que os Beatles realmente se separaram pelos
outros itens aqui citados (acima e abaixo).
•Situação empresarial: Outra coisa que agravou a situação da banda foi o
fato de que, sem Epstein, eles procuraram empresários para geri-la, mas a
tentativa desses empresários de estabelecerem um controle na banda The
Beatles falhou e, antes disso, houve confusão entre os integrantes, pois não
conseguiram entraram em acordo na escolha de um novo empresário.

172

173
Ian MacDonald : Revolution in the Head,PIMLICO ,2005
174
Ray Coleman: Lennon: The Definitive Biography 3ª edition, Pan Publications, 2000
175
Philip Norman: Shout!: The Beatles in Their Generation (segunda edição), Fireside, 2003
176
Geoff Emerick & Howard Massey: Here, There and Everywhere: My Life Recording the
Music of the Beatles, Gotham, 2006
177
Andy Peebles and John Lennon: The Last Lennon Tapes, Dell, 1982
178
"John Lennon and Yoko Ono Interview", Playboy, Janeiro 1981
A formação da Plastic Ono Band, grupo formado por Yoko e Lennon, foi uma
saída que Lennon encontrou para largar de vez os Beatles. E,
verdadeiramente, a ideia de sair da banda cristalizou-se quando, em setembro
de 1969, Yoko e Lennon foram recepcionados entusiasticamente como artistas
no Concerto de Rock and Roll de Toronto. Lennon informou a sua decisão para
Allan Klein – até então empresário do grupo – e para McCartney em 20 de
setembro de 1969.179 Ironicamente, no outono do mesmo ano, a banda assinou
um contrato negociando com a maior taxa de royalities. Esta foi a última
demonstração de unidade do grupo, embora de natureza transitória. Outra
divulgação revelou que o contrato de dissolução dos membros da banda foi até
1976 coletivamente e separadamente. Assim, este contrato renegociado
precipitou o final das ações legais que revogou a parceria em 1972.180
Apesar de seus esforços em estimular a banda, McCartney admitiu numa
entrevista na revista americana Life que a banda estava desestruturada, em
novembro de 1969.181 Paul viu um conflito entre seu álbum solo, "McCartney",
e o projeto do álbum e do filme dos Beatles, Let It Be. "McCartney" foi lançado
e a amargura de Paul por conta de alguns incidentes – como, por exemplo, o
fato dele ter ficado insatisfeito com determinadas atitudes dos gerentes da
banda – foi um fator contribuinte para sua declaração pública de que havia
saído dos Beatles.182 No começo de 1971, McCartney abriu uma ação judicial
para a dissolução da relação contratual dos Beatles e, posteriormente, foi
decretado.183

1970-Presente: Pós-fim
Pouco antes do fim dos Beatles, um tanto tímidos, e, posteriormente, de forma
definitiva, todos os quatro membros lançaram álbuns solos. Alguns destes
álbuns destacaram contribuições por outros ex-Beatles; o álbum Ringo (1973),
de Starr, foi o único a incluir composições e apresentações do quarteto,
embora em canções separadas. Harrison mostrou sua consciência socio-
política e ganhou respeito por sua contribuição como arranjador do Concerto
para Bangladesh em Agosto de 1971, em Nova Iorque, com o maestro de sitar
Ravi Shankar. Com excepção de uma sessão não-editada em 1974 (produzida
mais tarde como A Toot and a Snore in '74), Lennon e McCartney nunca mais
gravaram juntos.

179
Anthony Fawcett: John Lennon: One Day at a Time : A Personal Biography of the Seventies
(Edição Revisada), Grove Pr., 1980
180

181
"Paul McCartney: 'I Want to Live in Peace'", Life, 7 de novembro, 1969
182
Barry Miles: Paul McCartney: Many Years From Now, Owl Books, 1998
183
Como já foi citado, em 1975 expiraram-se, legalmente, os direitos que a EMI-
Capitol mantinha em cima do trabalho dos Beatles. Por causa desse expiração
do contrato que os Beatles tinham com a gravadora, a Capitol americana
apressou determinadas produções com o intuito de receber dinheiro em cima
da carreira do grupo, lançando cinco LPs: Rock 'n' Roll Music (compilação de
trilhas consideradas por muitos como "quintessencial" do rock), The Beatles at
the Hollywood Bowl (contendo canções gravadas ao vivo no Hollywood Bowl
em Los Angeles durante a turnê de 1964 e 1965), Love Songs (compilação de
cançõs gravadas entre 1962 e 1970), Rarities (compilação de faixas que nunca
haviam sido realizadas nos EUA) e Reel Music (compilação de faixas
apresentadas em seus filmes). Houve também um não-lançamento intitulado
Live! at the Star-Club in Hamburg, Germany; 1962, uma gravação de uma
antiga apresentação do grupo no Star Club, em Hamburgo, Alemanha,
capturada em uma fita de má qualidade. De todas essas realizações póstumas,
somente The Beatles at the Hollywood Bowl teve a aprovação dos quatro
membros. Após o lançamento americano dos álbuns britânicos originais em
1986, todas essas compilações póstumas americanas foram suprimidas do
catálogo da Capitol.
John Lennon foi morto a tiros em 8 de dezembro de 1980 por Mark David
Chapman em Nova Iorque. Em maio de 1981, George Harrison lança All Those
Years Ago, compacto que fala sobre seu tempo com os Beatles e homenageia
Lennon. Conta com a participação de McCartney, Ringo e Linda McCartney.
Em abril de 1982, Paul lança o álbum Tug of War, que inclui um som em
tributo à John, chamado "Here Today".
Em 1988, os Beatles foram incluídos no Hall da Fama do Rock and Roll
durante seu primeiro ano de eligibilidade.184 Na noite de sua indução, George
e Starr apareceram para aceitar sua adjudicação, juntamente com a viúva
Yoko Ono Lennon e seus dois filhos. McCartney permaneceu longe,
comunicando à imprensa que estava "resolvendo dificuldades" com Harrison,
Starr e com as propriedades de Lennon.
Em fevereiro de 1994, os três Beatles ainda vivos se reuniram para
produzirem e gravarem canções adicionais para algumas gravações que eram
de Lennon. Uma dessas canções, "Free as a Bird" estreou como parte da série
de documentários The Beatles Anthology e lançada como compacto em
dezembro de 1995, seguida de "Real Love" em março de 1996. Essas canções
também foram incluídas nas três coleções de álbuns da Anthology, lançados
em 1995 e 1996, cada uma composta por dois CDs de um material inédito dos
Beatles, nunca lançado antes. Klaus Voormann, que tinha conhecido os
Beatles desde a excursão em Hamburgo, e que tinha anteriormente ilustrado a
capa do Revolver, dirigiu a concepção da capa do Anthology. Cerca de 45 mil
exemplares do Anthology 1 foram vendidos em seu primeiro dia de
lançamento. Em 2000, surgiu a compilação One, contendo as 27 canções de
maior sucesso da banda de 1962 a 1970. A coleção vendeu 3,6 milhões de
cópias em sua primeira semana e mais de 12 milhões de euros em três
semanas em todo o mundo. A coleção também chegou ao primeiro lugar nos
Estados Unidos e em outros 33 países, e tinha vendido 25 milhões de cópias
em 2005 (tornando-se o nono álbum mais vendido de todos os tempos).

184
Hall of Fame Acesso: Janeiro 29 2007
Em finais de 1990, Harrison foi diagnosticado com câncer de pulmão e, desde
então, lutou contra a doença, porém sucumbiu a ela em 29 de novembro de
2001. Em 2006, George Martin e seu filho Giles Martin remixaram algumas
gravações originais dos Beatles com o objeto de criar uma trilha sonora na
produção teatral do Cirque du Soleil, intitulada LOVE. Em 2007, McCartney e
Starr uniram-se para uma entrevista no Larry King Live e falaram sobre seus
pensamentos em relação a essa apresentação e a outros momentos da carreira
de ambos; as viúvas Yoko Ono e Olivia Harrison também apareceram com os
dois únicos ex-Beatles restantes em Las Vegas, para a comemoração de um
ano da apresentação.

Legado

Evolução musical
Considera-se o hit She Loves You (1963), composto pela dupla
Lennon/McCartney e baseado na ideia original de Paul, a primeira grande
revolução musical protagonizada pela banda. Se até então, o rock era
composto basicamente por 3 acordes simples, batida forte, insistente e uma
melodia de fácil memorização, nesta canção, são utilizados acordes
dissonantes de sexta maior e sétima maior, até então, possíveis apenas no
jazz: Mi menor → La Maior com 7º → Do Maior → Sol Maior (adicionando à 6º).
A incorporação da dissonância ao rock, foi o primeiro grande legado do grupo
à música popular do século XX. A letra, embora romântica, foge da dicotomia
"menino-menina", para a incorporação de um terceiro elemento: O
protagonista, um rapaz que avisa ao amigo que a namorada o ama, e que,
"com um amor assim, deveria sentir-se feliz". Embora simples, "She Loves
You" torna-se o embrião do espírito "paz e amor", que viria a desenvolver-se
na segunda metade dos anos 1960. Destaque também para o uso do "Yeah",
que viria a tornar-se marca registrada do Rock. A constante busca dos Beatles
em criar novos sons a cada gravação, combinada com as habilidades
presentes nos arranjos de George Martin e, particularmente, com os
conhecimentos técnicos da equipe do estúdio da EMI - como os produtores
Norman Smith, Ken Townsend e Geoff Emeric - fez com que a banda
influenciasse a forma como a música passou a ser gravada em vários sentidos.
O conjunto dessas produções são apresentados em álbuns como Rubber Soul
(1965), Revolver (1966) e Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967).
Os Beatles continuaram a absorver influências mesmo depois de seus
primeiros sucessos, encontrando frequentemente novas avenidas musicais e
líricas escutando seus contemporâneos. As influências musicais incluem The
Byrds e The Beach Boys, cujo álbum Pet Sounds foi um dos preferidos de
McCartney.185 George certa vez comentou que "Sem Pet Sounds, Sgt. Pepper
não teria existido… Pepper foi uma tentativa de igualar Pet Sounds."186 Outra
influência da banda foi Presley, que Lennon chamou de faísca porque ele o fez
se interessar pela música:

185
Miles (1998), pp.280–281
186
Brian Wilson :: Official Web Site
Utilizando técnicas de estúdio como efeitos sonoros, colocações não-
convencionais de microfone e outros instrumentos, loops em teipes, técnicas
de double tracking e variações de velocidade em áudios, os Beatles
começaram a aumentar as gravações onde seus intrumentos eram utilizados
de maneiras que não as convencionais e suas músicas inovaram o rock da
época e das outras gerações. Isso inclui naipes de metais e corda, assim como
instrumentos indianos como a cítara em "Norwegian Wood (This Bird Has
Flown)" e o swarmandel em "Strawberry Fields Forever".187 Eles também
utilizaram precocemente instrumentos eletrônicos, como o mellotron, que
McCartney implentou junto com as vozes de flauta na introdução de
"Strawberry Fields Forever",188 e o clavioline, teclado eletrônico que criou um
som não-usual em "Baby You're a Rich Man".189

Foi Elvis quem realmente me levou a comprar discos. Eu achava seus primeiros materiais ótimos. A
era de Bill Haley passou perto de mim, de certa forma, pois quando suas gravações apareceram nas
rádios, minha mãe começou a ouvi-los, mas não senti nada de especial por eles. Foi Elvis quem me
fez ficar viciado no gênero de música beat. Quando ouvi seu 'Heartbreak Hotel', pensei: ‘isso é o
que é’ "190

Começando com a utilização de um quarteto de cordas - organizada por


Martin com a ajuda de McCartney - em "Yesterday" (1965), os Beatles foram
pioneiros em atualizar o gênero art music e mostrá-lo de forma moderna,
exemplificados em duplo-quarteto de cordas em "Eleanor Rigby" (1966),
"Here, There and Everywhere" (1966) e em "She's Leaving Home" (1967).
Uma apresentação de Concertos de Brandenburgo, de Bach, mostrada na
televisão britânica na época, inspirou McCartney a usar o flautim no arranjo
de "Penny Lane".191 Os Beatles desenvolveram o rock psicodélico com "Rain" e
"Tomorrow Never Knows" de 1966, e "Lucy in the Sky with Diamonds",
"Strawberry Fields Forever" e "I Am the Walrus" de 1967.

187
MacDonald, Ian (2005). Revolution in the Head:The Beatles' Records and the Sixties (2ª
Edição Revisada). Pimlico. ISBN 1-84413-828-3.
188
MacDonald (2005), p.219
189
MacDonald (2005), p.259
190
Ze King and I: John Lennon and Elvis Presley (em English).
191
MacDonald (2005), p.223
A reunião de música pop com música erudita, presente em "Yesterday", em
que os Beatles gravaram rock and roll com acompanhamento de uma
orquestra de câmara foi pioneira. Um fator com maior e melhor prestígio
ainda está presente em "A Day in the Life", a primeira canção de rock a ser
acompanhada por uma orquestra sinfônica. Presente em Sgt.Pepper, a faixa
impressionou pelos barulhos e sons estranhos no meio da canção, porque, até
então, nada havia de parecido na história do rock and roll. No ano seguinte,
em 1968, direcionando o trabalho para o folk e hard rock, em composições
como "Rocky Raccoon" ou "Revolution", o grupo voltaria a inovar, com o que
para muitos seria o primeiro "Heavy Metal" da história192 (embora existam
outras candidatas ao pódio, como "Summertime Blues", pela banda "Blue
Cheer", composição original de "Eddie Cochran"193): A canção "Helter
Skelter", contida no álbum duplo "The Beatles", popularmente conhecido
como "álbum branco". McCartney, inspirou-se no guitarrista "Pete
Townshend", da banda "The Who", em 1967, quando afirmou ter sido o último
single da banda, "I Can See For Miles", a música mais "alta, suja e barulhenta"
que haviam feito até então. Ao ouvi-la, tratou de criar sua própria ópera
barulhenta e suja.

Influência na cultura popular


A chegada dos Beatles na rádio é vista como um marco na música que sinaliza
um fim à era do rock and roll da década de 1950: diretores de programas
radiofônicos, como Rick Sklar da WABC (AM) de Nova Iorque, proibiam DJs de
lançarem na programação qualquer música "pré-Beatle".194
Alguns lançamentos dos Beatles, como seus álbuns, foram imitados por
diversos artistas, inclusive brasileiros. Por exemplo, a capa do Abbey Road é
muito parodiada por diversos lugares, desde capas de outras bandas, como
fotos de usuários da Internet, que, em Londres, passam pelas faixas brancas
imitando os Beatles, ou fazem montagens em cima do original. Na televisão
americana, foram muitos os desenhos animados que se referiram aos Beatles,
a maioria apresentando um tom cômico. Talvez o mais visível seja Os
Simpsons, embora a banda tenha sido citada também em episódios do Bob
Esponja, meninas superpoderosas e em outros desenhos-animados do canal
Nickelodeon.

Pioneirismo
George Harrison, quando nos Beatles, tornou-se o primeiro músico a fundir
instrumentos e, respectivamente, sons orientais com a música do rock;
embora famoso, no entanto, este feito - demonstrado em "Norwegian Wood",
onde há o uso da sitar (instrumento musical da família do alaúde e
instrumento símbolo da música da Índia) - não foi o único que colocou a banda
no patamar de pioneira.195
192
http://mercurie.blogspot.com/2006/02/history-of-heavy-metal-part-one.html
193
McCleary (2004), pp. 240, 506.
194
Fisher, Marc. Something in the Air. Random House, 198. ISBN 978-0-375-50907-0.
195
Para todas as informações dessa sub-seção, utilizou-se unicamente as seguintes fontes:
Rommel, Celso. " De Leonardo Da Vinci aos Quatro de Liverpool". Beatles Brasil. Acesso: 17
de agosto de 2008 - Almeida, Luís Pinheiro de; Charles Paul. " Os Beatles fizeram primeiro…".
Com "Twist and Shout", "Can't Buy Me Love", "She Loves You", "I Want To
Hold Your Hand" e "Please Please Me", lançados em março de 1964,
tornaram-se iniciantes em ocupar os primeiros cinco lugares no topo norte-
americano. Rubber Soul, de 1965, foi o primeiro álbum onde não havia o nome
do artista em sua capa. Na época dos Beatles, os compactos eram curtos, mas
"Hey Jude", com mais de sete minutos, mudou esse conceito. Foram a primeira
banda britânica a fazer sucesso fora de seu país e a primeira de rock a fazer
sucesso mundial. Com "Yellow Submarine", foram os primeiros roqueiros a
escreverem canções com temáticas infantis. Em suas peregrinações à Índia,
tornaram-se os primeiros a misturarem rock e misticismo. A primeira
distorção de violão divulgada em gravação foi em "I Feel Fine".
O concerto no Shea Stadium tornou-os pioneiros na produção e realização de
apresentações em estádios a céu aberto e participaram da primeira
transmissão mundial via satélite cantando "All You Need Is Love", no projeto
Our World. Foram a primeira banda de rock a fazer carreira no cinema e a
primeira a produzir um disco conceitual de rock: Sgt. Pepper Lonely Hearts
Club Band. Este mesmo disco fez com que eles fossem os primeiros a
gravarem em quatro canais. Curiosamente, os Beatles foram o primeiro grupo
a se separar.

Influência nos países falantes do português

Brasil
Nomes de brasileiros como Arnaldo Baptista, Belchior, Roupa Nova, Caetano
Veloso, Carlos Drummond de Andrade, Cassia Eller, Erasmo Carlos, Fernanda
Takai, Gilberto Gil, Lulu Santos, Mauricio de Sousa, Milton Nascimento, Paulo
Leminski, Pedro Bial, Raul Seixas, Renato Russo, Serginho Groisman, Rita
Lee, Ronnie Von, Sávio Rangel, Zé Ramalho e muitos outros estão, de alguma
forma, relacionados aos Beatles.196
No início em que a banda causava um estrondo, e que o termo "beatlemania"
já era lançada aos quatro ventos, a mídia brasileira os intitulou de "Reis do Iê
iê iê", por causa da letra da canção "She Loves You".197 A primeira aparição do
grupo em território brasileiro foi pelo cinema, com A Hard Day's Night.198
Passando pelos terríveis momentos da política a partir da implantação da
ditadura militar, o Brasil via surgir, pouco a pouco, os Beatles em suas
maiores cidades. Na mesma década, o carioca Newton Duarte, entusiasmado
em músicas estrangeiras, passava por rádios do Rio de Janeiro levando discos
piratas do quarteto, que adquiria com o americano Douglar Robert.199 Esses
discos não tinham sido lançados no Brasil e Duarte conseguiu arrecadar
dinheiro com o negócio pirata.

Beatles Brasil. Acesso: 23 de agosto, 2008.


196
Quem é Quem na Beatlemania Nacional. Beatles Brasil..
197
Abdo, Clara. O Impacto da Era Beatles no Brasil.. Beatles Brasil..
198

199
A revista nacional Fatos e Fotos tinha empregado o jornalista Janos Lengyel
que, em 1966, realizou a primeira entrevista dos Beatles para a imprensa
brasileira.200 Big Boy, como agora Newton Duarte era conhecido, começou a
introduzir os Beatles nas rádios e a transmitir ao Jornal Hoje, da Rede Globo,
informações sobre o quarteto: com a banda um tanto mais popularizada, a
recepção brasileira assistiu seus ritmos tropicais sendo misturados com os
ritmos que começavam a serem introduzidos do exterior.201
Enquanto os Beatles faziam sucesso nos Estados Unidos e na Inglaterra, o
Brasil passava pelo Golpe militar de 1964, que mudou a concepção do país.
Embora tenha sido empregado no país uma política controlada e censurada, o
Brasil não estancou, nem cultural ou economicamente e foi nessa época que a
música do brasil desenvolveu-se com intensidade.202 Em 1967, nasce um
movimento no país, tendo como precursores Caetano Veloso e Gilberto Gil,
denominado Tropicália, que possuía o intuito de modificação cultural.203
Apoiando-se na ideia da antropofagia promovida pelo modernista Oswald de
Andrade, a Tropicália começou a popularizar a guitarra e o rock and roll no
Brasil, sob forte influência dos Beatles.204 Antes do movimento, o baiano Raul
Seixas foi o pioneiro do rock brasileiro, feito que lhe conferiu o título de "pai
do rock brasileiro"; Seixas frequentemente citava Lennon, que era um de seus
maiores ídolos, ao lado de Elvis Presley.205
A articulista Clara Abdo resume a influência dos Beatles na Tropicália dizendo
que o sistema, "[…]como movimento que abrangia vários recursos externos
para a formação de uma nova música brasileira, acarreta em sua formação
ícones culturais de várias épocas. Dentre eles, Carmen Miranda, Roberto
Carlos, representando a Jovem Guarda, o escritor José de Alencar, o corte de
cabelo e as vestimentas da contracultura hippie nos Estados Unidos e os
Beatles."206 Na prática, a canção Senhor F, do grupo Os Mutantes, teve seu
arranjo inspirado no álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band; a última
faixa do disco lançado em 1968 pelos tropicalistas, "Ave Gencis Khan",
modelou o estilo que Harrison tocava intrumentos orientais.207
Rogério Duprat, que se envolveu no movimento e desenvolveu carreira
musical com grande parte dos artistas citados nessa sub-seção, ficou
conhecido como o "George Martin" da Tropicália e relatou o seguinte em
2002:

Não é que eu fiquei dando aula para eles [os músicos da Tropicália]; ao contrário, eu que aprendi
pra burro com os Mutantes, com o Gil, com o Caetano, com todo mundo, como fazer uma coisa,
que pode ser ao mesmo tempo com certa correção, com uma correção que a gente já conhecia, de
músicos, e fazer isso, de uma coisa popular e avançada, uma coisa na frente dos Beatles.208
200

201

202
Duarte, 1987
203
Abdo, Clara. O Impacto da Era Beatles no Brasil: Tropicália.. Beatles Brasil..
204
NETO, 1968
205
Passos, Sylvio. Livro-clipping Raul Seixas por ele mesmo, Martin Claret, (Edição ilustrada),
2007.
206
Abdo, Clara. O Impacto da Era Beatles no Brasil: Beatles na Tropicália.. Beatles Brasil..
207

208
Rogério Duprat em entrevista cedida a Fernando Rosa e Alexandre Matias. Fonte: Abdo,
Portugal
Por estar em território europeu, mesmo continente de origem dos Beatles,
Portugal teve estreitas relações com os Beatles, particularmente com Paul
McCartney já desejou ter uma propriedade em território português, em
1989.209 A casa é uma mansão do século XVII, com vista pro mar, e situada em
uma estrada, um dos motivos pelos quais fez com que Paul desistisse da
compra, pois sua privacidade estaria em jogo.210 Em 9 de dezembro de 1987,
McCartney concedeu a sua primeira entrevista a um jornalista português,
onde, entre outras coisas, relatou: "O que faço ao dinheiro? Ponho-o no
banco… Não, faço imensas coisas: obras de beneficência, tenho uma família
para sustentar, tenho a minha mulher e, como tu sabes, as mulheres gastam
muito dinheiro!"211
Segundo o articulista Luís Pinheiro de Almeida, a letra de "Yesterday" foi
escrita em Portugal, dentro de um carro, numa trajetória entre Lisboa e
Faro.212 "Sempre detestei perder tempo e a viagem era muito longa", relatou
Paul McCartney sobre a inspiração para a letra.213 Paul havia escrito outras
canções em território português. Em 1968, por exemplo, produziu "Penina",
em Algarve, quando estava de férias com Linda McCartney no sul do país.214 A
letra foi entregue para o grupo português Jotta Herre.215 Embora Paul tenha
afirmado que não gravaria "Penina" ela aparece gravada pelos Beatles no
álbum pirata Unheard Melodies, The Songs The Beatles Gave Away,
juntamente com a versão dos Jotta Herre e de Carlos Mendes.216

Angola
Sempre foi difícil ouvir Beatles nas rádios angolanas, devido o inicial balanço
comunista que a República da Angola estava reforçando. 217 Contudo, a banda
exerceu forte popularidade em Angola: "And I Love Her" e "Girl" foram as
duas canções que mais podiam ser encontradas na indústria radiofônica
angolana. Sem falar da influência que exerceu em algumas bandas angolanas
de rock.218

Clara. "Os Beatles na Tropicália". Beatles Brasil. 17 de agosto de 2008


209
de Almeida, Luis Pinheiro. Paul quis comprar uma casa em Portugal.. Beatles Brasil..
210

211
de Almeida, Luis Pinheiro. Entrevista com o Paul McCartney em 1987.. Beatles Brasil..
212
de Almeida, Luis Pinheiro. Letra de "Yesterday" foi escrita em Portugal.. Beatles Brasil..
213
214
de Almeida, Luis Pinheiro. A canção portuguesa dos Beatles.. Beatles Brasil..
215

216

217
da Costa, Coimbra. A cena Beatle em Angola.. Beatles Brasil..
218
Filmografia
Os Beatles estrelaram cinco filmes, todos os quais relacionados à trilha sonora
de seus álbuns. A banda participou de dois filmes filmados por Richard Lester,
A Hard Day's Night (1964) e Help! (1965). O grupo produziu, dirigiu e atuou
no filme de televisão Magical Mystery Tour (1967), e no filme de animação
psicodélico Yellow Submarine (1968). Seu último filme, o documentário Let It
Be, lançado em 1970, mostrou as sessões de ensaios e gravações para o
projeto Get Back de 1969, e ganhou o Oscar de Melhor Canção Original.
Recentemente foi lançado um musical somente com as músicas dos Beatles, o
Across the Universe, porém, este foi lançado depois do fim da banda, sendo
somente inspirado em suas músicas, e não com participação de nenhum deles.
Existe também um espetáculo em DVD do Cirque du Soleil, inspirado nas
músicas da banda, e também com a trilha sonora original.

Discografia

1. Informação complementar: Canções dos Beatles, Beatles Bootlegs

Discografia brasileira
A discografia brasileira começa com capas e seleções de música diferente das
versões inglesa e americana. Os álbuns também possuíam nomes diferentes
dos LPs ingleses e americanos. Os rêis do Iê-Iê-Iê, por exemplo, substituiu o
título A Hard Day's Night, troca que ocorreu também no filme. A partir de
Help!, a discografia brasileira seguiu os lançamentos ingleses. Outros
compactos brasileiros podem ser conferidos em Discografia dos Beatles.
•Beatlemania (Odeon, 1964)
•Beatles Again (Odeon, 1964)
•Os rêis do Iê-Iê-Iê (Odeon, 1964)
•Beatles 65 (Odeon, 1965)

Álbuns de estúdio
•Please Please Me (Parlophone, 1963)
•With the Beatles (Parlophone, 1963)
•A Hard Day's Night (Parlophone, 1964)
•Beatles for Sale (Parlophone, 1964)
•Help! (Parlophone, 1965)
•Rubber Soul (Parlophone, 1965)
•Revolver (Parlophone, 1966)
•Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Parlophone, 1967)
•Magical Mystery Tour (Capitol, 1967)
•The Beatles ("The White Album") (Apple, 1968)
•Yellow Submarine (Apple, 1969)
•Abbey Road (Apple, 1969)
•Let It Be (Apple, 1970)

Relançamentos em CD
Em 1987, a EMI lançou todos os álbuns de estúdio dos Beatles em formato de
CD por todo o mundo. A Apple Corps decidiu uniformizar as gravações dos
Beatles em todo o planeta. Elas escolheram a versão original dos doze álbuns
de estúdio (acima) para lançamento no Reino Unido, bem como o álbum
americano Magical Mystery Tour, que havia sido lançado como um curto
duplo EP no Reino Unido. Todo o material restante dos Beatles e os compactos
de 1962-1970 que não tinham sido emitidos nos álbuns britânicos originais
foram recolhidos para o duplo Past Master, com dois volumes:

•Past Masters, Volume One (Parlophone, 1988)


•Past Masters, Volume Two (Parlophone, 1988)
•Anthology 1 (Apple, 1995)
•Anthology 2 (Apple, 1996)
•Anthology 3 (Apple, 1996)
Ano: 1995 As configurações dos álbuns americanos de 1964-65 foram
realizados em boxes nos anos 2004 e 2006 (The Capitol Albums Volume 1 e
Volume 2 respectivamente); esses volumes incluíram duas versões em mono e
em estéreo baseadas na mistura de vinil que foram preparadas no momento
de seus lançamentos originais nos Estados Unidos, em 1960.

Notas
•a. ^ Rock melódico e Rock Psicodélico: No caso dos Beatles, a estrutura
do rock melódico pode ser encontrada em canções mais românticas, como
"She Loves You" e em baladas, como "Something". A estrutura do rock
psicodélico é encontrada em algumas canções do álbum Sgt. Pepper's Lonely
Hearts Club Band, e particularmente em "Lucy in the Sky with Diamonds".
•b. ^ Johnny and The Moondogs: Johnny seria um apelido para o nome de
Lennon (John); The Moondogs: pode ser uma junção das palavras inglesas
Moon (substantivo: lua, fase lunar) (verbo: vaguear, andar sem destino); e
Dog (cão, cachorro).
•c. ^ Long John and The Beatles: Literalmente, Grande John e os Besouros
•d. ^ The Crickets: em português, Os Grilos. A homenagem seria trocando o
título "The Quarryman", por "Os Besouros" ("The Beetles").
•e. ^ Segundo Paul, ele sugeriu Beatles pela associação da palavra Beat (em
Português, "batida") e que não passa de um trocadilho entre "beetles" e
"beat".
•f. ^ Silver Beetles: O nome do grupo estava, até então, definido com esse
título.
•g. ^ A persuasão de Epstein havia dado certo: Ver subseção 1963–64:
Sucesso americano, segundo parágrafo.
•h. ^ Primeira aparição ao vivo na televisão americana: Lembrando que
os Beatles já tinham sido antes apresentados na televisão americana, no curto
documentário de cinco minutos (ver 1963–64: Sucesso americano, seg.
parágrafo), mas a produção era sobre a histeria que a banda causava na
Inglaterra, e não tinha muito a ver com a relação do grupo àos Estados
Unidos. Até então, a banda nunca havia se apresentado ao vivo num canal
americano. No The Ed Sullivan Show este feito se realizou.
•i. ^ Moda passageira: Em inglês, "fad".219
•j. ^ Introducing The Beatles: Acredita-se que tenha sido a produção mais
relançada do mercado fonográfico: quatro vezes em quinze meses. Estas
reedições devem-se ao "estouro" que os Beatles causavam na América a partir
de 1964. A Vee Jay, para atrair os fãs, apenas mudava a capa, mas o som era o
mesmo.220
•k. ^ Turnê Mundial de 1966: O repertório dos Beatles foi: "Rock´n´Roll
Music", "She's a Woman", "If I Needed Someone", "Day Tripper", "Baby´s In
Black", "I Feel Fine", "Yesterday", "I Wanna Be Your Man", "Nowhere Man",
"Paperback Writer" e "I'm Down" (as vezes substituída por "Long Tall
Sally").221

Bibliografia
Em português

•Ricardo Pugialli. Beatlemania. Ediouro, 2008. ISBN 9788500019913

•Bob Spitz. The Beatles A Biografia. Larousse. ISBN 9788576352648

•Pugialli, Ricardo & Froés, Marcelo (1992). Os Anos da Beatlemania. Editora


Jornal do Brasil, RJ.

Em inglês
219

220

221
•Ray Coleman. Brian Epstein: The Man Who Made The Beatles. Viking, 1989.
ISBN 0-670-81474-1

•Ray Coleman. Lennon: The Definitive Biography. New York: Pan Books,
1984. ISBN 0-060-98608-5
•Hunter Davies. The Beatles. McGraw-Hill, 1985. ISBN 0-070-15463-5

•Bill Harry. The Ultimate Beatles Encyclopedia. MJF Books, 2000. ISBN 1-567-
31403-1

•Cynthia Lennon. John. Hodder & Stoughton, 2006. ISBN 0-340-89828-3

•Mark Lewisohn. The Complete Beatles Recording Sessions: The Official Story
of the Abbey Road Years. Hamlyn, 1992. ISBN 0-681-03189-1
•Mark Lewisohn. The Complete Beatles Chronicle. Chronicle Press, 1996.
ISBN 1-85152-975-6

•Barry Miles. Many Years from Now. Vintage-Random House, 1998. ISBN 0-749-
38658-4

•Ray O'Brien. There are Places I'll Remember. London: Ray O'Brien,
2001. vol. 1. ISBN 0-954-44730-1
•Dominic Pedler. The Songwriting Secrets of The Beatles. Omnibus Press,
2003. ISBN 0-7119-8167-1
•Bob Spitz. The Beatles: The Biography. Little Brown, 2005. ISBN 0-316-80352-9

Ver também

•Anexo:Lista de recordistas de vendas de discos


•Lista de recordistas de vendas de discos no Brasil
•Anexo:Listas de canções creditadas à Lennon/McCartney

1. Lennon/McCartney

•The Beatles: The First U.S. Visit


•LOVE
•Apple Rooftop Concert
•Brian Wilson
•Bee Gees
•Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (film)
•All This and World War II

Ligações externas
•Sítio oficial (em inglês)
•Rock Online: Biografia "The Beatles"
•Website with Photos from the Hamburger Star-Club

The Rolling Stones

The Rolling Stones

Informação geral
Origem Londres, Inglaterra
País Reino Unido
Gêneros rock and roll, rhythm and blues, blues-
rock, rock psicodélico
Período em atividade 1962 - atualmente
Gravadora(s) Decca, London, Rolling Stones, Virgin,
ABKCO, Interscope, Polydor
Página oficial www.RollingStones.com
Integrantes
Mick Jagger
Keith Richards
Ron Wood
Charlie Watts
Ex-integrantes
Brian Jones, Mick Taylor, Bill Wyman
The Rolling Stones é uma banda de rock inglesa formada em 25 de maio de
1962, e que está entre as bandas mais antigas ainda em atividade. Ao lado dos
Beatles, foram considerados a banda mais importante da chamada Invasão
Britânica ocorrida nos anos 1960, que adicionou diversos artistas ingleses nas
paradas norte-americanas.
Formado por Brian Jones, Keith Richards, Mick Jagger, Bill Wyman e Charlie
Watts, o grupo calcava sua sonoridade no blues. Em mais de quarenta anos de
carreira, hits como Wild Horses, (I Can't Get No) Satisfaction, Start Me Up,
Sympathy For The Devil, Jumping Jack Flash, Miss You e Angie fizeram dos
Stones uma das mais conhecidas bandas do rock mundial, levando-a a
enfrentar todos os grandes clichês do gênero, desde recepções efusivas da
crítica até problemas com drogas e conflito de egos, principalmente entre
Jagger e Richards. Os Rolling Stones já venderam mais de 200 milhões de
álbuns no mundo inteiro em sua carreira.222

História

1960-1970
Tudo começou em 1960, quando os dois amigos de infância, Mick e Keith, se
reencontraram em um trem na estação de Dartford, Inglaterra, 223e
descobriram um interesse em comum por blues e rock and roll. Foram
convidados pelo guitarrista Brian Jones em 1962 a montar a definitiva banda
de R&B branca, que se chamaria The Rolling Stones, inspirado no nome de
uma canção de Muddy Waters, Rollin' Stone, cujo nome foi utilizado
oficialmente, pela primeira vez, em sua apresentação no Marquee Club de
Londres em 12 de julho de 1962.224
O pianista Ian Stewart, amigo de Brian, seria o co-fundador da banda, mas
porque sua imagem pessoal não tinha o devido sex-appeal, ele seria rebaixado
a gerente de palco, com direito a gravar com a banda mas não de posar como
membro. Bill Wyman, que embora já vivesse da noite há muito mais tempo que
os demais, seria acrescentado à banda por um motivo fútil: possuía mais de
um amplificador. Em janeiro de 1963, Charlie Watts assumiria definitivamente
a bateria. A boa repercussão nas apresentações ao vivo somadas à habilidade
promocional de seu empresário, levou a banda a um contrato com a Decca
Records (então a piada do ano por ter recusado um contrato com os Beatles).
Seu empresário promove a banda com uma imagem de rebeldes e cria a
pergunta: Você deixaria sua filha se casar com um Rolling Stone?.

222
Holton, Kate. " Rolling Stones sign Universal album deal" (em inglês). Reuters. Thomson
Reuters. 17 de janeiro de 2008. (página da notícia visitada em 17/12/2009)
223
Keith Richards and Mick Jagger are streets ahead as Rolling Stones songs inspire road
names in their hometown
224
Wyman, Bill. Rolling With the Stones. DK Publishing, 2002. pag. 36–37.
Os primeiros singles, um cover de uma canção de Chuck Berry e Muddy
Waters de cada lado, Come On/I Want To Be Loved, e uma gravação para uma
composição da dupla John Lennon e Paul McCartney, I Wanna Be Your Man,
foram bem aceitos. O primeiro álbum, chamado simplesmente The Rolling
Stones, saiu em abril de 1964, contendo apenas uma composição de Jagger e
Richards. Apenas com Tell Me (You're Coming Back), lançado em junho de
1964, é que uma composição da dupla seria lançada como lado A de um
compacto. A partir daí, pouco a pouco o material próprio começou a ser
valorizado, tendo em Out Of Our Heads, de 1965, o primeiro de uma série de
discos basicamente de composições da dupla Jagger-Richards. É nesse ano
que a banda lança seu maior hit em todos os tempos, (I Can't Get No)
Satisfaction.
Com o álbum Aftermath, de 1966, a banda começaria uma fase de músicas
mais longas e de arranjos mais elaborados. O flerte com o rock psicodélico e
experimental teria seu ápice em Their Satanic Majesties Request, de 1967.
Com Beggar's Banquet (1968) haveria a volta ao estilo mais próximo ao R&B
que os fizeram famosos. São desta época dois dos maiores hits da banda,
Jumpin' Jack Flash, que só saiu como compacto e a controversa Sympathy For
The Devil - que Mick disse ter se inspirado em uma visita a um centro de
candomblé na Bahia - música responsável pela maior parte das acusações de
satanismo que a banda iria sofrer desde então.
Em 1969 Brian Jones oficialmente abandona os Stones, sendo substituído por
Mick Taylor (que havia tocado com o John Mayall's Bluesbreakers). Poucos
dias depois de sua saída, Brian Jones seria encontrado morto afogado na
piscina de sua casa em Sussex, em circunstâncias até hoje pouco esclarecidas.
Existem duas versões: que ele se afogou sob influência de drogas e álcool, ou
que ele foi afogado propositalmente por um dos empreteiros contratados para
fazer obras na propriedade. Entretanto, em 1993, um empreteiro conhecido
como Frank, assumiu em seu leito de morte ter assassinado Brian Jones
através de afogamento. Embora houvesse sido planejado muito tempo antes,
dias depois a banda realizou um concerto memorável no Hyde Park, em
Londres, diante de um público de 300 mil pessoas, que acabou tendo um
significado especial além da apresentação do pouco conhecido novo
guitarrista, Mick Taylor. O show aconteceu num palco decorado com uma
enorme foto colorida e estourada de Jones. Jagger, vestido de branco,
interrompeu a apresentação para ler uma passagem do poema Adonais de
Percy Bysshe Shelley, em memória do amigo problemático. Enquanto mais de
3.000 borboletas brancas eram soltas do palco para a platéia emocionada. Os
Stones pareciam ter chegado ao fim de uma era. Sem imaginar que a próxima
tragédia estava bem próxima.
Em 6 de dezembro de 1969, o grupo chegou a Altamont, na Califórnia, para
uma grande apresentação ao ar livre - com uma platéia pelo menos duas vezes
maior do que a do Hyde Park. Bem antes dos Stones subirem no palco já havia
problemas. A segurança do espetáculo estava sob a responsabilidade de um
bando de Hell`s Angels de São Francisco, uma gangue de motoqueiros
grossos e arrogantes que não sentiam nada a não ser desprezo pela multidão
de mais de 500 mil hippies. Qualquer um que tentasse subir no palco era
agredido e escorraçado de volta para a platéia por Angels que portavam tacos
de sinuca. Durante a apresentação da banda Jefferson Airplane, que
antecedeu a atração principal, fãs estavam sendo carregados para as cabanas
da Cruz Vermelha em maior quantidade do que os médicos de plantão podiam
dar conta. Quando os Rolling Stones finalmente foram se apresentar, a
multidão ficou histérica, e os Hell`s Angels reagiram ficando ainda mais
selvagens. Durante a execução de Under My Thumb no momento em que Mick
finalizava a canção, um jovem hippie Meredith Hunter negro,ataca os
seguranças (hells angels) que desde muito antes tratavam o público com
hostilidade e violência, em contrapartida, um hell angel apunhala o jovem
pelas costas, matando-o . Os Stones tinham noção de que alguma coisa havia
acontecido, embora do palco fosse difícil dizer exatamente o quê. No dia
seguinte é que os Rolling Stones descobriram que quatro pessoas (incluindo
Meredith Hunter) haviam morrido naquele dia. Há versões de que Meredith
foi agredido pelos Hell`s Angels por estar acompanhado de uma linda loira,
mas ele estava armado com um revolver e o assassino, Alan Passaro, foi
julgado alguns anos depois e inocentado por legítima defesa. O que aconteceu
naquele dia fatídico está registrado no filme Gimme Shelter, de 1970. Ainda
em 1969 os Stones lançaram Let It Bleed (título geralmente visto como sátira
a Let It Be, dos Beatles, disco que de fato só seria lançado seis meses depois).
Em 1970 sai Get Your Ya-Ya's Out, o primeiro disco ao vivo, com estéreo
autêntico e alta fidelidade, gravado de sua apresentação no Madison Square
Garden, em Nova York.

1971-1980
Em 1971 a banda passa para a Atlantic Records, que lhes permite estrear o
selo próprio, Rolling Stones Records. Nesse ano a banda lança um dos seus
álbuns mais curiosos, Sticky Fingers, cuja capa foi idealizada por Andy Warhol
com uma foto de uma pélvis atribuída a Jagger e cujo LP original possuía um
zíper que podia ser aberto e mostrava uma figura de uma cueca (a despeito da
banana do álbum Velvet Underground and Nico). Esse álbum também foi o
primeiro a mostrar o famoso logotipo da boca que apesar de ter sido sempre
atribuído a Andy Warhol na verdade foi produzido por John Pasche.
Keith Richards encontra-se no sul da França, na mansão utilizada pelos
nazistas Villa Nellecote, pelo fato de todos os Stones estarem devendo uma
fortuna de imposto de renda na Inglaterra. Esse período foi considerado como
o exílio dos Rolling Stones. A intenção da banda, é compor todo o novo álbum
(que viria a ser Exile on Main St) para, na sequência, promover uma grande
turnê pelos Estados Unidos. O faturamento da tour serviria para quitar os
impostos dos Stones na terra da Rainha. Entretanto, os problemas de Keith e
sua esposa, Anita Pallemberg, com as drogas acaba por atravancar os
trabalhos de composição. Após várias semanas pontuadas por incidentes e
trabalhos infrutíferos, Keith e Anita são acusados de tráfico de drogas e
obrigados a fugir da França às pressas. A maior parte do disco é composta e
gravada em Los Angeles (EUA). Antes da conclusão do trabalho, no entanto,
Keith Ricards passa por um severo programa de desintoxicação na Suíça. Após
a mixagem lançam, em 1972, o álbum duplo Exile on Main Street, considerado
por muitos, e pelo próprio Jagger, como o melhor álbum da banda pela sua
consistência, plasticidade e versatilidade dos músicos, o qual produz, entre
outras, a música Tumblind Dice, obrigatória em qualquer show dos Stones até
os dias de hoje.
Com a excelente repercusão do disco anterior e embalados pela sua turnê de
1972/1973, os Stones entram mais uma vez no estúdio e lançam em 1973 o
álbum Goats Head Soup, amplamente conhecido pelo hit Angie e pela
polêmica Star Star. Interessante que a balada Waiting on a Friend foi
composta e gravada durante as sessões deste álbum e lançada apenas oito
anos depois no álbum Tattoo You (1981), a qual, devidamente remixada
tornou-se um hit da banda, assim como a música Tops.
Em 1974 os Rolling Stones gravam o clássico It's Only Rock'n'Roll no estúdio
do guitarrista Ronnie Wood (que tocava com a banda inglesa The Faces,
liderada por Rod Stewart). Com a saída repentina de Mick Taylor para seguir
carreira solo, Wood assume a segunda guitarra, embora só será oficialmente
um membro efetivo dos Stones a partir da turne de 1975, cuja primeira
apresentação com a banda ocorre em 1º de junho do mesmo ano em Baton
Rouge, Lousiana, Estados Unidos, através dos acordes de Honky Tonk
Women.
Embora a turnê de 1975 tenha sido batizada de Tour Of The Americas pois
previa, além dos Estados Unidos e Canadá, shows no Brasil - Rio de Janeiro
(14 e 17/08) e São Paulo (19 e 21/08) -, México (7 e 10/08) e Venezuela (28 e
31/08), estes não ocorreram por restrições políticas dos governantes desses
países, preocupados com a imagem de desordeiros e drogados que a banda
poderia passar além de desagradar os respectivos regimes de governo.
Lançam, então, Black & Blue (1976), um disco mais intimista com forte
participações de convidados como Billy Preston, que já havia gravado Let It
Be, dos Beatles e vinha participando de todos os álbuns dos Stones desde
Sticky Fingers de 1971, e Ron Wood confirmado no comando da segunda
guitarra, que obtém razoável sucesso. O álbum seguinte é Love You Live
(1977), um duplo ao vivo gravado na turnê européia de 1976, bastante
heterogêneo e com a formação básica da banda no palco. Em (1978) lançam
Some Girls que é bem mais pesado do que os últimos trabalhos. Este disco é
fortemente influenciado pelo movimento punk surgido na Inglaterra no ano
anterior, com temas rápidos e agressivos como Respectable e When The Whip
Comes Down, embora o disco seja mais lembrado pelo seu hit à la discoteque
Miss You. Mostrando a vitalidade característica até os dias de hoje, ainda no
mesmo ano saem, novamente, em turnê pelos Estados Unidos e já dão mostras
da tendência que por eles será magistralmente explorada nos próximos anos:
enormes palcos e infra-estrutura dos shows, jamais vistas até então. Em 1980
lançam um disco mais linear, Emotional Rescue, com o hit do mesmo nome do
disco.

1981-1990
Em 1981 a banda larga Atlantic Records e assina com a EMI. O álbum de
estreia é Tatoo You, tido por muitos como o melhor álbum da banda de todos
os tempos e talvez o seu único grande triunfo para esta gravadora, visto ser o
de maior sucesso comercial da banda até os dias de hoje. Destacam-se
inúmeros hits da banda, como a explosiva Start Me Up, obrigatória em todos
os shows, e a balada Waiting On A Friend, composta inicialmente em 1973 e
não lançada no disco do mesmo ano.
Com a excursão americana no mesmo ano, os Rolling Stones definitivamente
inauguram a moda de shows gigantescos de duração de três horas, palcos
móveis e desmontáveis e toneladas de equipamentos de som e luz. Resumindo
a turnê em solo americano lançam em (1982) o álbum ao vivo Still Life
(American Concert 1981) e o filme Let's Spend the Night Together, que, sob a
direção do renomado Hal Ashby, mostra o vigor juvenil de Jagger e a
reabilitação de Richards das drogas, além do novo formato de apresentações
ao vivo.
Em meio a especulações da mídia de possível separação da banda, no final de
1983 os Stones lançam o álbum Undercover, e, alimentando ainda mais estes
rumores, a banda não sai em turnê e tampouco os músicos se pronunciam a
respeito, cada um elaborando trabalhos individuais e não sendo vistos juntos
em nenhuma ocasião.
Ian Stewart, pianista, gerente de palco e um dos fundadores da banda,
acompanhando em todos os álbuns e shows, morre em 1985 em virtude de um
ataque cardíaco. Tido como o sexto Stone, é homenageado com uma faixa no
álbum da banda de 1986, Dirty Work, cujo álbum também não é acompanhado
de turnê.
O relacionamento entre os membros restantes da banda não era dos melhores,
com desentendimentos frequentes entre Jagger e Richards. Mick Jagger
envereda em uma carreira solo gravando músicas dentro do estilo Rolling
Stones e causa um desentendimento sério entre ele e seu sócio Keith
Richards. Especulações sobre o fim da banda duram por seis anos, embora o
clima ruim não impedisse que continuassem sendo lançados álbuns de
repercussão cada vez maior. Jagger, Richards, Wood, Wyman e Watts
lançaram vários álbuns solo durante a década de 80 e 90.
Os Stones adentraram a década de 90 com uma nova gravadora, a CBS, em
meio a rumores de que Mick Jagger e Keith Richards não podiam nem mesmo
dividir uma mesma sala sem se engalfinharem. Os constantes boatos sobre a
dissolução da banda ajudaram a catapultar o interesse e a expectativa da
turnê e as vendas do álbum Steel Wheels (1989), tornando-a a maior da banda
em todos os tempos até então. Os problemas pessoais foram colocados de lado
e a banda se apresentou como nos velhos tempos, auxiliada pela habitual
parafernália de palco tendo participação durante a turne,do Guns N' Roses
que estava explodindo no cenário musical,como banda de abertura. Reflexo
disso é o álbum Flashpoint de 1990 que traz os Stones de volta aos palcos
depois de sete anos.
Foi também a partir dessa turnê que os Stones tornaram-se experts nos
negócios, transformando-se em uma banda multimilionária, com
administração autônoma e profissional, alcançando espaços na mídia até
então nunca vistos, tendência que permitiu as sucessivas bem-sucedidas
turnês seguintes e um exemplo de exposição e fixação da "marca" The Rolling
Stones.

1991-2000
O outro membro original, Bill Wyman, que deixa o grupo em 1993, ainda
mantém fortes ligações com a banda, à exemplo de seu pub em Londres, o
Sticky Fingers, totalmente decorado com inúmeras fotos, instrumentos e
discos de ouro, entre outras lembranças dos Stones. Para o seu lugar é
escalado o baixista Darryl Jones, que é apenas músico contratado, não sendo
considerado membro oficial.
Em 1994, após um longo período de inatividade, é lançado com grande
estardalhaço o álbum Voodoo Lounge, seguido pela turnê de mesmo nome
(que passou pelo Brasil). A turnê que se iniciou em 19 de julho de 1994 em
Toronto, Canadá, e foi encerrada em 30 de agosto de 1995 em Rotterdam,
Holanda, arrecadou em torno de US$ 400 milhões. Aproveitando a
repercussão, todas as gravações da banda são relançadas em CD. O álbum de
1995, Stripped, foi mais intimista, com versões acústicas de vários de seus
maiores sucessos e uma regravação gloriosa para "Like a Rolling Stone",
clássico de Bob Dylan.
No ano seguinte lançam The Rock And Roll Circus, trilha sonora de um filme
arquivado desde 1968. O CD inclui uma apresentação de diversos artistas,
como Jethro Tull, The Who, Marianne Faithfull, então esposa de Jagger e The
Dirty Mac que nada mais é que uma pré-versão da Plastic Ono Band. Essa
formação incluiu, além de John Lennon e Yoko Ono, Eric Clapton, Keith
Richards (no baixo) e Mitch Mitchell, baterista do The Jimi Hendrix
Experience.
Ainda em 1997 sai Bridges of Babylon, com uma capa luxuosa e uma excursão
mundial igualmente cara, completa, com dois palcos, um maior e outro menor
instalado no meio do público. Inclui também uma ponte para a banda
atravessar do palco principal para o menor, sendo que neste executam
basicamente clássicos sem o acompanhamento de metais e backing vocals
voltando às raízes da banda nos anos 60 e, assim, inauguram um novo estilo
de apresentações que se seguiram nas turnês seguintes. Com dois shows no
Brasil, um em São Paulo e o outro no Rio de Janeiro (com participação mais
que especial de Bob Dylan, inclusive abrindo os shows para a banda),
confirmaram o país com status de rota obrigatória. Retrato dessa turnê foi o
lançamento do álbum ao vivo No Security, em 1998.

A partir de 2001
Para comemorar os 40 anos do grupo, em 2002 lançam o álbum duplo Forty
Licks (1962-2002) que traz, além de 36 sucessos da banda, 4 novos hits (Don't
Stop, Keys To Your Love, Stealing My Heart e Losing My Touch), sendo o
primeiro uma espécie de resumo da perseverança característica da banda,
atingindo bastante sucesso. Em 16 de agosto do mesmo ano com um show em
Toronto (Canadá) os Stones lançam uma de suas maiores turnês - a Licks Tour
(detalhe para a música Heart of Stone, não tocada ao vivo desde 5 de
dezembro de 1965). Esta longa turnê passou por todos os continentes do
planeta, tendo sido encerrada em 9 de novembro de 2003, em Hong Kong.
Mantendo o status de maior banda de rock & roll do mundo e a tradição de
suas espetaculares apresentações, montam estruturas distintas e específicas
para shows em arenas, estádios e teatros, além de private shows. Ao final do
mesmo ano lançam o esplêndido DVD quádruplo Four Flicks, mostrando cada
um dos formatos de suas apresentações e toda a vitalidade dos músicos
sessentões.
Quando todos imaginavam o fim da banda, devido a um câncer na garganta do
baterista Charlie Watts diagnosticado em junho de 2004 e curado em
fevereiro de 2005, o vigor incansável do quarteto com ênfase às belas letras
de Jagger e Richards (conhecidos como The Glimmer Twins desde os anos 70,
pela ligação existente entre eles, além das lendárias histórias que
protagonizaram) produz um de seus melhores álbuns de estúdio de todos os
tempos. Lançado em 2005 A Bigger Bang traz uma sonoridade crua e voltada
às raízes da banda: rock and roll, blues e rhythm and blues, além das pegadas
das guitarras da dupla Richards/Wood, bem como para a harmônica melodiosa
de Jagger, as 16 fortes canções do álbum mostram a excelência e competência
de Jagger/Richards/Watts/Wood. Para a divulgação do álbum, mais uma vez
iniciando em Toronto (em 10 de agosto de 2005), a banda se lança na estrada
com a turnê do mesmo nome.
Em 18 de fevereiro de 2006, os Rolling Stones voltaram ao Brasil para o show
da turnê A Bigger Bang. O show, gratuito, foi realizado nas areias da praia de
Copacabana, no Rio de Janeiro, para um público estimado em 1,5 milhão de
pessoas, entrando para a história como o maior show da banda e um dos
maiores concertos de rock de todos os tempos.
Após dois anos do lançamento da turnê A Bigger Bang, que passou pela
América do Norte - em duas oportunidades (2005 e 2006) -, América do Sul
(2006) e Europa (2006), e arrecadara, até novembro de 2006, em torno de
US$ 437 milhões (recorde na história da música), os Stones anunciaram, em
22 de março de 2007, uma lista de novos shows pelo velho continente, que se
iniciou em 5 de junho de 2007, com uma apresentação em Werchter, Bélgica e
se encerrou em 26 de agosto de 2007 em Londres, apesar de rumores de que
novos shows serão realizados em 2008. Com seu encerramento, os Stones
realizaram a mais longa de suas turnês mundiais, com arrecadação de US$
560 milhões (novo recorde), e, apresentando-se para quase 6 milhões de
espectadores, mostraram a inesgotável energia que os move por mais de 45
anos de estrada. Ainda em 2006, a banda teve sua música "Can't You Hear Me
Knockin'" presente no game Guitar Hero 2, em versão cover, o que
desapontou muitos fãs pois a voz do cantor que faz esse cover no GH2 não é
nada parecida com a de Mick Jagger. Em 12 de junho de 2007, foi lançado o
DVD The Biggest Bang, que contém 4 discos com mais de sete horas de
shows, incluindo a integra do realizado no Rio de Janeiro, no ano anterior,
bem como em Austin, Texas, e materiais dos shows de Japão, Buenos Aires e
Shangai, além de entrevistas exclusivas e reveladoras com os membros da
banda. Nesse mesmo ano, os Stones voltariam a ter outra música de sucesso
na série Guitar Hero, desta vez a música era "Paint it, Black", presente no
Guitar Hero 3 Legends of rock. Em 04 abril de 2008, estreou nos cinemais
mundiais o filme The Rolling Stones Shine a Light (distribuído no Brasil pela
Imagem Filmes), concebido e dirigido pelo premiado diretor Martin Scorsese -
um declarado fã da banda - que, em duas apresentações no Beacon Theatre de
Nova York, em novembro de 2006, com dezesseis câmeras focadas
diretamente nos músicos, registrou com profundidade a bela performance da
banda em um repertório levemente diferenciado das apresentações normais.
Conta, ainda, com a presença de Jack White, do grupo White Stripes, da
cantora Christina Aguilera e do bluesman Buddy Guy. Ainda, de forma genial
mescla imagens de arquivo desde o início da banda, nos anos 60,
confrontando com declarações atuais, como a pretensão de Mick Jagger em
manter-se ativo aos sessenta.

Integrantes
Integrantes do The Rolling Stones ao longo do tempo

Atuais
•Mick Jagger - vocal, guitarra e gaita (desde 1962)
•Keith Richards - guitarra e vocal (desde 1962)
•Ron Wood - guitarra (desde 1974)
•Charlie Watts - bateria e percussão (desde 1963)

Antigos
•Brian Jones - guitarra (1962–1969)
•Mick Taylor - guitarra (1969–1974)
•Bill Wyman - baixo (1962–1993)

Videografia
•1966 - Charlie Is My Darling
•1968 - Sympathy For The Devil
•1968 - The Rolling Stones Rock And Roll Circus
•1969 - The Stones In The Park
•1974 - Ladies and Gentlemen: The Rolling Stones
•1975 - Cocksucker Blues
•1982 - Let's Spend the Night Together
•1984 - Video Rewind
•1989 - 25 x 5: The Continuing Adventures of The Rolling Stones
•1991 - Live At The Max
•1994 - Live Voodoo Lounge Souvenir Video (Giants Stadium)
•1995 - Voodoo Lounge
•1998 - One Plus One
•1998 - Bridges To Babylon Tour 97-98
•2003 - Four Flicks
•2004 - Toronto Rocks
•2007 - The Biggest Bang
•2008 - The Rolling Stones Shine a Light

Turnês
Segue abaixo uma lista de todas as turnês realizadas pelos The Rolling Stones,
e os shows realizados no Brasil:
•1962 - Inglaterra
•1963 - Inglaterra
•1964 - Europa
•1964 - Estados Unidos
•1965 - Europa
•1965 - Estados Unidos
•1965 - Oceania
•1966 - Europa
•1966 - Estados Unidos
•1966 - Oceania
•1967 - Europa
•1969 - Estados Unidos
•1970 - Europa
•1971 - Inglaterra (Goodbye Britain)
•1972 - Estados Unidos e Canadá
•1973 - Europa
•1973 - Estados Unidos (Winter Tour)
•1973 - Oceania (Winter Tour)
•1975 - Estados Unidos e Canadá (Tour of The Americas)
•1976 - Europa
•1978 - Estados Unidos
•1981 - Estados Unidos
•1982 - Europa
•1989 - Estados Unidos e Canadá
•1990 - Europa
•1990 - Japão
•1994 - Estados Unidos (Voodoo Lounge Tour)
•1995 - América do Sul e África (Voodoo Lounge Tour)
1. 27 de janeiro - Estádio do Pacaembu, São Paulo
2. 28 de janeiro - Estádio do Pacaembu, São Paulo
3. 30 de janeiro - Estádio do Pacaembu, São Paulo
4. 2 de fevereiro - Estádio do Maracanã, Rio de Janeiro
5. 4 de fevereiro - Estádio do Maracanã, Rio de Janeiro

•1995 - Europa, Ásia e Oceania (Voodoo Lounge Tour)


•1997 - Estados Unidos (Bridges To Babylon Tour)
•1998 - América do Sul e África (Bridges To Babylon Tour)
1. 11 de abril - Sambódromo, Rio de Janeiro
2. 13 de abril - Ibirapuera (pista de atletismo), São Paulo

•1998 - Europa, Ásia e Oceania (Bridges To Babylon Tour)


•1999 - Estados Unidos (No Security Tour)
•1999 - Europa, Ásia e Oceania (Bridges To Babylon Tour)
•2002 - Estados Unidos (Licks Tour)
•2003 - Estados Unidos (Licks Tour)
•2003 - Austrália (Licks Tour)
•2003 - Ásia (Licks Tour)
•2003 - Europa e Oceania (Licks Tour)
•2005 - Estados Unidos (A Bigger Bang Tour)
•2006 - América do Sul (A Bigger Bang Tour)
1. 18 de fevereiro - Praia de Copacabana, Rio de Janeiro (para
aproximadamente 1,5 milhão de espectadores)

•2006 - Europa, Ásia e Oceania (A Bigger Bang Tour)


•2006 - América do Norte (A Bigger Bang Tour)
•2007 - Europa (A Bigger Bang Tour)

Ver também
•Lista de recordistas de vendas de discos
•Invasão Britânica
Ligações externas
•Welcome ROLLING STONES 'Good Guys' (em inglês)
•Página Oficial da banda (em inglês)
•Pesquisa sobre a banda (em inglês)
•Pesquisa sobre Rolling Stones (em castelhano)
•The Rolling Stones discografia completa (em inglês)
•Rolling Stones (em inglês) no Internet Movie Database

Led Zeppelin
Led Zeppelin

Led Zeppelin, da esquerda para direita:


John Bonham, Robert Plant, Jimmy Page, John Paul Jones
Informação geral
Origem Londres, Inglaterra
País Reino Unido
Gêneros Heavy metal225226227228
Hard rock229230231
Blues-rock
Folk rock
Período em atividade 1968–1980
(reuniões: 1985, 1988 , 1995 e 2007)

Gravadora(s) Atlantic Records


Swan Song Records
Afiliações Page and Plant, The Honeydrippers,
The Yardbirds

225
New Musical Express (em ingles).
226
Linha do tempo do Heavy Metal (em inglês).
227
Allmusic (em inglês).
228
Blabbermouth (em inglês).
229

230
Rock and Roll Hall of Fame and Museum (em inglês).
231
VH1 - The 100 Greatest Artists of Hard Rock (em inglês).
Página oficial ledzeppelin.com
Integrantes
Robert Plant
Jimmy Page
John Paul Jones
John Bonham †
Led Zeppelin foi uma banda britânica de rock, formada em setembro de 1968,
por Jimmy Page (guitarra), John Bonham (bateria e percussão), John Paul
Jones (baixo e teclado) e Robert Plant (vocalista e gaita).
O grupo foi um dos mais populares na década de 1970 e da história do rock.
Célebre pela sua inovação e por ser um dos criadores do heavy metal,232233234 a
banda também incorporou elementos de gêneros como rockabilly, reggae,
soul, folk, jazz, entre outros.
Led Zeppelin foi uma das bandas de rock a vender mais álbuns em toda a
história (vide Anexo:Lista de recordistas de vendas de discos), com mais de
200 milhões cópias em todo o mundo,235 (incluindo 109 milhões de vendas nos
Estados Unidos236). Foram também os únicos a colocar todos seus álbuns no
Top 10 da parada norte-americana Billboard.
Desde a morte do baterista John Bonham, em 1980, que colocou fim da banda,
o Led Zeppelin reuniu-se apenas em ocasiões especiais. A primeira delas foi
em 1985 quando participaram do concerto beneficente Live Aid - com Phil
Collins e Tony Thompson (Chic) na bateria. Três anos depois, com Jason
Bonham na bateria, tocaram no aniversário de 40 anos da gravadora Atlantic.
Em 10 de dezembro de 2007, os três membros originais do Led Zeppelin e
Jason Bonham reuniram-se para um tributo a Ahmet Ertegün, fundador do
selo Atlantic (morto em 2006), na O2 Arena, em Londres.237238239

História

232

233

234

235
title=Press-Release do "The Third Annual UK Music Hall of Fame Induction Ceremony", da
VH1 - 14 de setembro de 2006 (em inglês)
236
Lista dos Álbuns Mais Vendidos da RIAA (em inglês)
237
Led Zeppelin toca para 20 mil fãs em Londres - G1, 11 de dezembro de 2007
238
Led Zeppelin eletriza 20 mil roqueiros em Londres - O Estado de S.Paulo, 11 de dezembro
de 2007
239
Led Zeppelin do século 21 triunfa em show - Folha de S.Paulo, 12 de dezembro de 2007
Princípio
Originalmente a banda foi formada pelo guitarrista Jimmy Page e pelo baixista
Chris Dreja em Julho de 1968 com o nome de "The New Yardbirds" de modo a
conseguirem cumprir um contrato feito para a realização de concertos na
Escandinávia, assinado antes do último concerto dos Yardbirds. Terry Reid
recusou a oferta de Page para ser o vocalista, mas sugeriu Robert Plant240,
conhecido pelo seu trabalho no grupo "The Band of Joy". Junto com ele veio o
baterista John Bonham. Quando Dreja saiu para se tornar fotógrafo, John Paul
Jones, estimulado pela esposa, procurou Jimmy Page, a quem conhecia por
terem atuado juntos como músicos de estúdio, e se ofereceu para tocar baixo
na nova banda. Oferta aceita, estava formado o quarteto que viria a se
transformar em uma das mais bem sucedidas bandas de rock dos anos 70.
Após alguns concertos como "The New Yardbirds", a banda mudou o nome
para Led Zeppelin. Esse nome surgiu depois que Keith Moon e John Entwistle
comentaram que um "supergrupo" contendo eles dois, Jimmy Page e Jeff Beck
(que era a ideia original de Page) cairia como um "balão de chumbo" (do
inglês "lead zeppelin"). A palavra "lead" é propositadamente mal escrita para
que a pronúncia correta seja usada (também poderia ser lida como "lid", que
lhe daria outro significado).241242
Pouco tempo após a sua primeira apresentação (na Universidade de Surrey,
Guildford, em 15 de Outubro de 1968) o grupo editou o seu primeiro álbum
Led Zeppelin em 1969. Esse álbum resultava de uma combinação entre o
blues, o rock e influências orientais com amplificações distorcidas, o que o
levou a tornar-se um dos pivôs do surgimento do heavy metal,243244 embora
Plant tenha declarado injusta a taxação do grupo como heavy metal, já que
aproximadamente um terço de sua música era acústica. No final dos anos 60 e
ínicio dos anos 70 a palavra heavy metal tinha uma conotação pejorativa, o
que fez com que os artistas rotulados como heavy metal preferissem outros
nomes como heavy rock, ou simplesmente rock and roll. O imediato sucesso
do primeiro disco foi o pontapé de saída para a carreira da banda,
especialmente no EUA, onde eles haveriam de actuar frequentemente, e onde
as suas vendas de discos apenas foram suplantadas pelos Beatles. O segundo
álbum, chamado simplesmente Led Zeppelin II, editado ainda no mesmo ano,
seguiu o mesmo estilo, e incluía o sucesso "Whole Lotta Love", que, conduzido
pela secção rítmica, definia o som da banda.

240
= 5047&cr = artist&or = ASCENDING&sf = length&kw = Led%20Zeppelin Led Zeppelin
Biography.
241
Hammer of the Gods (LPC). pag. 32, 44, 64, 190, 225, 277 ISBN 0330438591.
242
Jimmy Page Online
243

244
Page e Plant, como outros músicos de rock do cenário inglês, tinham uma
formação fortemente enraizada no blues. Assim, o primeiro álbum do Led
Zeppelin continha muitas releituras de músicas de blues. Porém, os créditos
vinham para os músicos da banda. A história se repete com "Whole Lotta
Love", que apresenta grandes semelhanças com "You need Love", de Willie
Dixon. A banda foi depois acusada de ter usado as letras sem as creditarem a
Dixon, e só 15 anos depois, devido a um processo posto pela "Chess Records",
foi feito um acordo e efectuado o pagamento devido, com Willie Dixon sendo
creditado nas devidas músicas. Por fim, Dixon acabou se tornando amigo de
Page e Plant.
A banda também gostava do rock and roll americano e tocava músicas de Elvis
Presley e Eddie Cochran em seus shows. As performances ao vivo do Led
Zeppelin com frequencia alcançavam 2 horas ou mais de duração, e em alguns
casos, como no "Texas Pop Festival" de 1969, a banda chegou a tocar por 4
horas seguidas.
Para a gravação do seu terceiro álbum, Led Zeppelin III, a banda retirou-se
para "Bron-Yr-Aur", uma cabana remota em Snowdonia, no País de Gales, sem
electricidade ou água encanada. Isto resultou num som mais acústico
(fortemente influenciado pela música celta e a música folk, e que revelou uma
face diferente do talento prodigioso de Jimmy Page). Em Novembro de 1970 a
"Atlantic Records" editou "Immigrant Song" em single, sem a autorização da
banda e contra a sua vontade. Incluía no lado B "Hey Hey What Can I Do".
Foram editados mais nove singles, sempre sem a autorização da banda, que
via os seus álbuns como indivisíveis. Curiosamente, "Stairway to Heaven"
nunca foi editado em single, apesar do seu grande êxito nas rádios. A
frustração da banda em relação aos singles provinha do seu empresário Peter
Grant, que era um acérrimo defensor dos álbuns, e também devido ao facto da
Atlantic ter feito uma reedição de "Whole Lotta Love", que foi cortada de 5:43
para 3:10 minutos. Para além disso a banda sempre evitou aparecer na
televisão, preferindo que os seus fãs os vissem ao vivo.

Auge
As várias tendências musicais do grupo foram fundidas no seu quarto álbum,
sem título, que é usualmente chamado de Zoso, Four Symbols ou
simplesmente Led Zeppelin IV. Não apenas o álbum não tinha nome, mas o
nome da banda também não aparecia em sua capa. O álbum incluía temas
como "Black Dog", o misticismo folk de "The Battle of Evermore" (cuja letra foi
inspirada em "O Senhor dos Anéis") e a combinação dos dois estilos em
"Stairway to Heaven", um sucesso estrondoso nas rádios, aclamada por muitos
como sendo o maior clássico do rock de todos os tempos. O álbum contém
ainda uma memorável regravação de "When the Levee Breaks" de Memphis
Minnie.
O álbum seguinte, Houses of the Holy, lançado em 1973, continha músicas
mais longas e experimentais, com o uso de sintetizadores e arranjos de cordas
feitos por Jones em músicas como "The Song Remains the Same", "No
Quarter" e "D'yer Mak'er". Esse álbum bateu os recordes de audiência, tendo
chegado ser ouvido por mais de 50 mil pessoas. Três concertos no Madison
Square Garden foram filmados para a realização de um filme, mas o projecto
foi adiado por vários anos.
Em 1974 o quarteto lançou seu próprio selo, a Swan Song Records. Swan
Song era o título de uma música do Led Zeppelin que nunca foi lançada, tendo
sido gravada posteriormente com o nome "Midnight Moonlight" no primeiro
álbum dos "The Firm", banda criada por Page após o fim do Led Zeppelin.
Além dos álbuns do próprio Led Zeppelin a "Swan Song" editou álbuns de Bad
Company, Pretty Things, Maggie Bell, Detective, Dave Edmunds, Midnight
Flyer, Sad Café e Wildlife.
Em 1975 foi lançado Physical Graffiti, o primeiro álbum duplo para a "Swan
Song". Este álbum incluía músicas que sobraram dos 3 álbuns anteriores e
mais algumas novas. Mais uma vez a banda mostrou a sua enorme diversidade
de estilos, que iam do folk e rock progressivo ao heavy metal.
Pouco tempo depois do lançamento de Physical Graffiti toda a produção
anterior do Led Zeppelin atingiu a lista dos 200 mais vendidos, o que nunca
tinha sido visto anteriormente. A banda embarcou para mais uma turnê pelos
EUA, batendo novos recordes de audiência. No fim do ano, tocaram 5 noites
seguidas no Earl’s Court (esses concertos foram gravados em vídeo e editados
apenas 28 anos depois em DVD). Nessa altura, no pico da sua carreira, eram
considerados por muitos como a "A Maior Banda De Rock Do Mundo".
Se a popularidade da banda em palco era impressionante, a sua fama pelos
excessos era ainda maior. Eles viajavam num jato particular, alugavam pisos
inteiros de hotéis, e tornaram-se objecto de algumas das histórias mais
famosas, envolvendo danos materiais a quartos de hotel, aventuras sexuais,
abuso de drogas e culto à magia negra.

Últimos anos
Plant e Page em 2007
Em 1976 a banda fez um intervalo nas turnês e começou a filmar segmentos
fantásticos para o filme ainda não editado. Durante esse intervalo Robert
Plant quebrou um tornozelo num acidente de carro; impedidos de fazer
concertos, a banda entrou em estúdio para gravar o seu sétimo álbum,
Presence. O álbum conquistou disco de platina antes de chegar às lojas, algo
inédito para a época, e marcou mais uma guinada no estilo da banda, que
abandonou os arranjos complexos dos álbuns anteriores se afastando
gradativamente do heavy metal por eles criados. Mas o pior para Plant estaria
por vir: durante a turnê do álbum nos EUA, seu filho Karac morreu de uma
infecção estomacal.
No final de 1976 sai finalmente o filme The Song Remains the Same e a sua
trilha sonora. Embora a gravação do concerto datasse de 1973, esse seria o
único documento filmado do grupo lançado oficialmente durante os 20 anos
seguintes. Uma curiosidade sobre a trilha sonora desse filme é que o "setlist"
do concerto do filme não coincidia com as músicas no álbum: algumas músicas
do filme não apareceram no álbum e vice-versa. Esse álbum seria o único
disco ao vivo oficial disponível, até a edição de BBC Sessions em 1997.
Em 1978, a banda voltou ao estúdio para as gravações de In Through the Out
Door, álbum lançado em 20 de agosto, aniversário de Robert Plant. Esse
álbum continha "All My Love", dedicada a Karac, seu filho. Agora eram 8
discos no Top 200 da Billboard e shows com ingressos esgotados por todos os
lados, provando que o Led Zeppelin ainda era uma banda forte. Embora o Led
Zeppelin nessa época já fosse considerada uma banda antiga, eles ainda
arregimentavam uma enorme legião de fãs, tendo esse álbum chegado ao topo
da lista dos mais vendidos, tanto no Reino Unido como nos EUA. No entanto
há que se notar que o Led Zeppelin desde o álbum Presence e então com In
Through the Out Door começava uma série de experimentações que estavam
deixando meio de lado o heavy metal que eles ajudaram a criar, seus riffs já
não eram tão pesados e marcantes. In Through the Out Door foi um disco
onde John Paul Jones e Robert Plant assumiram muito do controle criativo da
banda. Jones maravilhado com a aquisição de novos teclados Yamaha acabou
por levar a banda para um lado mais progressivo. Nessa época o Reino Unido
vivia a ascensão do Punk Rock e o Led Zeppelin cada vez mais distante de seu
som avassalador inicial era chamado pejorativamente de dinossauro pelos
punks ingleses. Esse tipo de referência pejorativa que os garotos punks faziam
ao Zeppelin, somados aos excessos de Jones e Plant nas gravações levaram
John Bonham a demonstrar seu descontentamento com o referido disco. Em
um pub inglês ele chegou a comentar com Jimmy Page que eles dois (Bonham
e Page) deveriam assumir o controle da banda após In Through the Out Door e
lançarem um disco pesado para dar combate ao então punk rock inglês,
contudo esse fato nunca chegou a se concretizar devido a morte de Bonham
em 1980.
Em 25 de setembro de 1980 John Bonham morreu asfixiado pelo próprio
vômito em um quarto da mansão de Jimmy Page, dando fim à carreira do Led
Zeppelin. Depois disso a banda foi desfeita, pois não haveria mais condições
de continuar com o nome Led Zeppelin.

Depois do Fim
Dois anos após a morte de John Bonham a banda editou Coda, uma coleção de
músicas não-editadas.
Em 13 de Julho de 1985, o Led Zeppelin reuniu-se para o concerto Live Aid,
com Tony Thompson e Phil Collins na bateria. Um ano depois Page, Plant e
Jones voltam a reunir-se com Tony Thompson, com o intuito de voltarem a
tocar como Led Zeppelin, mas um grave acidente de carro envolvendo
Thompson, pôs fim a esta intenção[carece de fontes?]. Eles voltaram a se
reunir 1988, com Jason Bonham no lugar que foi de seu pai, para o 40º
aniversário da Atlantic Records. Esta formação ainda voltou a tocar no 21º
aniversário da filha de Bonham, Cármen, e no casamento de Jason[carece de
fontes?].
Page e Plant, sem Jones, voltaram a reunir-se em 1994 para contribuir para a
série "Unplugged", da MTV, intitulado "No Quarter". Jones não gostou de não
ter sido chamado para essa gravação, especialmente porque o título do álbum,
"No Quarter", vem de uma música de mesmo nome, que contém muito de seu
trabalho. O estresse entre ele e Page e Plant foi ainda mais agravado quando,
em uma entrevista coletiva Plant disse que ele estava "estacionando o
carro"245 .
Em 1997 foi lançado o primeiro álbum do Led Zeppelin em 15 anos, BBC
Sessions. Esse álbum duplo incluía a quase totalidade das gravações que a
banda tinha feito para a BBC, embora alguns fãs tenham notado a falta de
uma sessão de 1969 que incluía a música nunca editada "Sugar Mama". A essa
altura, a "Atlantic" editou um single de "Whole Lotta Love", que se tornou o
único single da banda.
Em 2003 foi lançado o álbum How the West Was Won e o DVD Led Zeppelin.
No fim do ano o DVD tinha vendido mais de 520 000 cópias.
Em 2006 a banda recebeu o Prêmio Polar de Música, um dos mais prestigiosos
do mundo, como melhor banda de rock de todos os tempos.246247
No dia 10 de setembro de 2007, Jimmy Page, Robert Plant e John Paul Jones
se reuniram em Londres e anunciaram seu retorno aos palcos em uma única
apresentação para vinte mil pessoas em um show em homenagem a Ahmet
Ertegun, fundador da Atlantic Records, morto em 2006248 a renda da
apresentação será destinada a uma instituição que concede bolsas. Eles
anunciaram ainda que, no dia 13 de novembro de 2007, seria lançado um novo
CD intitulado Mothership, uma coletânea de canções escolhidas pela própria
banda e com nova remasterização, para substituir as coletâneas Early Days e
Latter Days lançadas anteriormente e que não foram consideradas com o
"padrão de qualidade" do Led Zeppelin. O concerto foi realizado em 10 de
dezembro de 2007, em Londres, e contou com a presença de Jason Bonham na
bateria.249250251
Em 7 de janeiro de 2009 o manager de Jimmy Page, Robert Mensch, declarou
que planos de reviver a banda foram abandonados.252253
245
Led Zeppelin.org, accessed 2nd August 2006
246
Led Zeppelin reunido recebe prêmio na Suécia - Whiplash!, 24 de maio de 2006
247
Award for 'pioneers' Led Zeppelin - BBC News, 23 de maio de 2006
248
Led Zeppelin anuncia show de retorno
249
250

251

252
“Led Zeppelin Are Over,” Jimmy Page’s Manager Declares : Rolling Stone : Rock and Roll
Daily. www.rollingstone.com. Página visitada em 2009-01-17.
253
"Led Zeppelin are over!" says Jimmy Page's manager. www.musicradar.com. Página visitada
Amostras e versões
As canções da banda foram, ao longo dos anos, alvo de muitas versões; os
americanos Dread Zeppelin fizeram a carreira à custa de versões e paródias
das músicas do Led Zeppelin; Alexis Korner fez uma versão de "Whole Lotta
Love", que foi durante muitos anos o tema do "BBC Chart Show"; Tina Turner
também fez uma versão da mesma música; e a London Philharmonic
Orchestra fez um tributo que incluía "Stairway to Heaven", "When the Levee
Breaks" e "Kashmir".
O guitarrista Stanley Jordan fez um boa interpretação instrumental de
"Stairway to Heaven", canção cujos solos eram frequentes em uma montagem
cinematográfica dos anos 80 do livro de Marcelo Rubens Paiva, Feliz Ano
Velho. Frank Zappa também gravou "Stairway to Heaven". Mais inusitada foi
a versão axé music que a banda baiana Babado Novo fez em 2003 do clássico
"D'yer Mak'er", peculiarmente misturando rock e reggae, mas despertando a
ira de alguns dos fãs mais puristas do Led Zeppelin[carece de fontes?]. Outra
banda brasileira fez uso de uma canção do Led Zeppelin foram os cariocas do
Planet Hemp, que adicionaram à parte instrumental de "The Ocean" uma letra
de autoria deles e o som foi batizado de "Adoled", que foi editado no disco Os
Cães Ladram, Mas a Caravana Não Pára de 1997.
Em 1995 foi editado Encomium, um disco tributo ao Led Zeppelin com vários
artistas modernos dos mais diversos estilos. Destacam-se no disco a versão
notável de "Dancing Days" interpretada pelo grunge Stone Temple Pilots e as
versões pesadissímas de bandas modernas de metal influenciadas pelo Led
Zeppelin como Helmet em Custard Pie e Rollins Band com Four Sticks.
A influência do Led Zeppelin se mostrou poderosa em bandas de heavy metal,
trash metal e metal alternativo dos anos 90 que regravaram em estúdio ou ao
vivo diversas covers da banda. Muitas destas assumiram publicamente ter o
Led Zeppelin como sua maior influência. Dentre as bandas influenciadas
tivemos regravações diversas como Tool gravando "No Quarter" no CD/DVD
Salival de 2000, Korn com "Whole Lotta Love" e "Immigrant Song" nos ensaios
de seu acústico para MTV, os já citados Helmet com "Custard Pie" e Rollins
Band com "Four Sticks" no disco Encomium, Crowbar ao vivo com "No
Quarter", Down ao vivo com "Dazed and Confused" em 2007, Megadeth com
"Out on Tiles" nas edições especiais do disco United Abominations de 2007254,
Soundgarden com diversos covers ao vivo como "Whole Lotta Love",
"Communication Breakdown" e "Stairway to Heaven" 255. O grupo brasileiro
Angra regravou "Kashmir" para um CD tributo ao Led Zeppelin em 2002. O
Oasis costumava tocar o riff de "Whole Lotta Love" após o encerramento da
música "Cigarettes & Alcohol" em seus shows, performance que pode ser
encontrada no CD e DVD ao vivo Familiar to Millions, editado em 2001. A
banda Cachorro Grande já interpretou duas vezes a música D'yer Mak'er no
programa Altas Horas (uma com a banda Chimarrutis e a outra com Claudia
Leitte) e também cita o Led Zeppelin como uma das influências para o seu
disco Cinema.

em 2009-01-17.
254
http://territorio.terra.com.br/canais/rockonline/noticias/ultimas.asp?noticiaID=10856
255
http://www.guitars101.com/forums/f90/soundgarden-crown-of-thorns-march-12nd-1992-
london-uk-62321.html
Ao contrário de muitos dos seus contemporâneos, a banda sempre foi muito
protetora das suas músicas, e raramente autorizava que elas fossem usadas
para outros fins. Mais recentemente foram-se tornando mais flexíveis,
podendo-se ouvir música dos Zeppelin em filmes como Almost Famous e
Escola de Rock.
Nos extras do filme Escola de Rock, Jack Black manda um recado aos
integrantes do Led Zeppelin, para autorização da música "Immigrant Song"
ser tocada no filme, e se refere a eles como "Deuses do Rock" e a maior banda
de rock de todos os tempos, fato já apresentado pela revista Rolling Stone.

Formação

•Jimmy Page - guitarra


•Robert Plant - vocais, harmônica, gaita
•John Bonham - bateria
•John Paul Jones - baixo, bandolim, teclados
A banda chamava ao seu empresário, Peter Grant, de o "quinto elemento".

Discografia

Álbuns
•1969 - Led Zeppelin #6 RU, #10 EUA, Vendas nos EUA: 11,000,000
•1969 - Led Zeppelin II #1 RU, #1 EUA, Vendas nos EUA: 12,000,000
•1970 - Led Zeppelin III #1 RU, #1 EUA, Vendas nos EUA: 6,000,000
•1971 - Led Zeppelin IV (sem título: chamado também: "Four Symbols",
"ZoSo") #1 RU, #2 USA, Vendas nos EUA: 22,000,000
•1973 - Houses of the Holy #1 RU, #1 EUA, Vendas nos EUA: 11,000,000
•1975 - Physical Graffiti #1 RU, #1 EUA, Vendas nos EUA: 15,000,000
•1976 - Presence #1 RU, #1 EUA, Vendas nos EUA: 3,000,000
•1976 - The Song Remains the Same live performances from 1973 tour) #1
RU, #2 EUA, Vendas nos EUA: 4,000,000
•1979 - In Through the Out Door #1 RU, #1 EUA, Vendas nos EUA: 6,000,000
Antes da gravação de Led Zeppelin, todos os elementos participaram em
sessões para o álbum Three week hero de P.J. Proby em 1969. A única faixa
em que tocam todos juntos é "Jim's Blues".
Após a banda ter deixado de gravar foram editados os seguinte álbuns:
•1982 - Coda #4 RU, #6 EUA, Vendas nos EUA: 1,000,000
•1990 - Remasters
•1990 - Profiled (Este "álbum" consta apenas de entrevistas, mais tarde
empacotado com Remasters).
•1990 - Boxed Set ) #18 EUA, Vendas nos EUA: 7,000,000
•1993 - Boxed Set 2 #87 EUA, Vendas nos EUA: 500,000
•1993 - Complete Studio Recordings , Vendas nos EUA: 2,000,000
•1997 - BBC Sessions #23 RU, #12 EUA, Vendas nos EUA: 2,000,000
•1999 - Early Days: Best of Led Zeppelin Volume One #71 RU, Vendas nos
EUA: 1,000,000
•2000 - Latter Days: Best of Led Zeppelin Volume Two #40 RU, #81 EUA
•2002 - Early Days & Latter Days: The Best of Led Zeppelin Volumes One and
Two Nova edição dos dois álbums anteriores. #11 RU, #114 EUA, Vendas nos
EUA: 1,000,000
•2003 - How the West Was Won #5 RU, #1 EUA, Vendas nos EUA: 1,000,000
•2007 - Mothership #4RU, #7EUA, Vendas nos EUA: 1,350,000. Vendas no
Mundo: 4,000,000

Singles
O Led Zeppelin nunca lançou muitos singles, o que mais tarde não seria
necessário visto que alguns de seus maiores sucessos comercias não foram
lançados em singles, como "Stairway to Heaven", "Kashmir" e "All My Love".
•1969 "Good Times Bad Times" / "Communication Breakdown"
•1969 "Whole Lotta Love" / "Living Loving Maid (She's Just a Woman)"
•1970 "Immigrant Song" / "Hey Hey What Can I Do"
•1971 "Black Dog" / "Misty Mountain Hop"
•1972 "Rock and Roll" / "Four Sticks"
•1973 "Over the Hills and Far Away" / "Dancing Days"
•1973 "D'yer Mak'er" / "The Crunge"
•1975 "Trampled Under Foot" / "Black Country Woman"
•1976 "Candy Store Rock" / "Royal Orleans"
•1979 "Fool in the Rain" / "Hot Dog"
Videografia

Filmes e DVDs
•1976 - The Song Remains the Same
•2003 - Led Zeppelin DVD

•Lewis, Dave (1991). Led Zeppelin: A Celebration. London & New York:
Omnibus Press. ISBN 0-7119-2416-3
•Lewis, Dave & Pallett, Simon (1997). Led Zeppelin: The Concert File. London
& New York: Omnibus Press. ISBN 0-7119-5307-4
•Welch, Chris (1985). Led Zeppelin: The Book. London: Proteus Pub Co. ISBN
0-86276-113-1

Ver também
•Lista de recordistas de vendas de discos

Ligações externas
•Página oficial do Led Zeppelin (em inglês)
•Biografia de Rolling Stone (em inglês)
•BBC Entrevista com Robert Plant sobre o Led Zeppelin (em inglês)
•Biografia do Led Zeppelin no AllMusic.com (em inglês)
•História do Heavy Metal (em inglês)
•BBC.com (em inglês)

Guns N' Roses


Guns N' Roses durante a turne Chinese Democracy
em 2010

Informação geral
Origem Los Angeles, Califórnia 256

País Estados Unidos


Gêneros Hard rock, heavy metal257
Período em atividade 1985 - 1993
2001 - Presente
Gravadora(s) Geffen Records
UZI Suicide
Página oficial www.gunsnroses.com
Integrantes
Axl Rose
Dizzy Reed
Tommy Stinson
Chris Pitman
Richard Fortus
Ron "Bumblefoot" Thal
Frank Ferrer
DJ Ashba
Ex-integrantes

256
Guns N' Roses at Starpulse. StarPulse.com.
257
http://heavymetal.about.com/od/toppicks/a/1980sbestalbums.htm
Ole Beich (falecido)
Markws Gosbon
Rob Gardner
Tracii Guns
Steven Adler
Izzy Stradlin
Gilby Clarke
Saul "Slash" Hudson
Matt Sorum
Duff McKagan
Josh Freese
Paul Tobias
Buckethead
Bryan "Brain" Mantia
Robin Finck
Guns N' Roses é uma banda de hard rock norte-americana formada em Los
Angeles, Califórnia em 1985. A banda, liderada pelo vocalista e co-fundador
Axl Rose, passou por várias mudanças de formação e controvérsias desde a
sua criação. O Guns N' Roses lançou sete álbuns de estúdio, dois EPs, um
álbum ao vivo e três DVDs musicais ao longo da sua carreira. O álbum mais
recente da banda é Chinese Democracy, lançado em 2008 e o primeiro
trabalho com novas faixas desde o The Spaghetti Incident?, de 1993.
Suas canções de maior sucesso são "Welcome to the Jungle", "Paradise City",
"Don't Cry", "Sweet Child O' Mine", "Patience", "November Rain" que
alcançaram o top 10 da Billboard. Na sua fase nova destacam-se as canções
"Chinese Democracy"," Street Of Dreams","This I Love" e "Better", singles do
álbum Chinese Democracy, e "Shackler's Revenge", que saiu no jogo Rock
Band 2.
A banda já vendeu mais de 100 milhões de cópias em todo o mundo,258 sendo
cerca de 43 milhões somente nos Estados Unidos.259 O seu álbum de estréia
em 1987, Appetite for Destruction260 vendeu cerca de 40 milhões de cópias no
mundo todo, 23 milhões apenas nos Estados Unidos, sendo certificado 23
vezes platina pela RIAA (Associação da Indústria de Gravação da América).
O estilo musical, a presença em palco e a imagem de bad boy da banda
contribuíram para o sucesso do grupo durante uma nova era de dominação do
hard rock no final dos anos 1980 e início dos anos 1990. Enquanto o glam
metal liderava nas vendas de discos, tabelas de vídeos e rádio, os Guns N'
Roses ofereciam um som mais tradicional do rock, e conquistaram muitos fãs,
impressionados pela autenticidade entusiasmante.261
A banda teve grande sucesso mundial entre 1988 e 1993, mas devido a
conflitos de personalidade entre os membros do grupo levou ao fim do
alinhamento original. Atualmente, Axl Rose e Dizzy Reed são os únicos
membros originais no alinhamento do Guns N' Roses, sendo o vocalista desde
1985 e tecladista desde 1990, respectivamente.
258
Guns N' Roses' 'Chinese Democracy': Appetite for excess. Chicago Tribune. Página visitada
em 5 de outubro de 2010.
259
RIAA. RIAA - Gold And Platnium Best Sellers.
260
All Music - Appetite for Destruction - Charts and Awards. Página visitada em 19 de Julho de
2007.
261
Review - Guns N' Roses. Max albums.com. Página visitada em 2007-11-22.
Seu novo trabalho, Chinese Democracy foi lançado no dia 23 Novembro (EUA)
e 25 de novembro 2008 no Brasil e já vendeu (10 de junho de 2010) cerca de 7
milhões de cópias em todo o mundo, atingindo a certificado de platina nos
EUA por chegar a marca de 1 milhão de cópias.

História

O começo
A história do Guns N' Roses começa nos meados de 1985 quando o vocalista
Axl Rose funde as bandas de qual participava para montar uma nova banda
com seu amigo de infância Izzy Stradlin. A banda antes formada pela dupla se
chamava Rose, que logo é renomeada para Hollywood Rose. Contava com W.
Axl Rose (vocais), Izzy Stradlin (guitarra), Markws Gosbon (guitarra), Rick
Holland (baixo) e Johnny Kreiss (bateria). A nova banda consegue algum
destaque nos subúrbios de Los Angeles, com muitas composições próprias
(que futuramente seriam tocadas pelo Guns N' Roses) como "My Way, Your
Way" (Anything Goes), "Wreckless" (Reckless Life) e "Shadow Of Your Love".
O último show do Hollywood Rose aconteceu na virada do ano de 1984/1985.
Após isso a banda se dissolveu.
Assim, ao início de 1985, os ex-membros do Hollywood Rose, Axl Rose e Izzy
Stradlin (Guitarra Base), se juntam a três ex-membros de outra banda recém
dissolvida: Tracii Guns (Guitarra Solo), Ole Beich (Baixo) e Robbie Gardner
(Bateria) da banda L.A. Guns. Com a junção dos membros e dos nomes das
duas bandas, surge o Guns n' Roses. Essa formação porém se apresentou
apenas uma única vez, em março de 1985. Após esse show, Ole Beich foi
substituído por Duff McKagan.
Com essa formação (Axl, Tracii, Izzy Stradlin, Duff e Robbie), a banda fez mais
alguns shows até a metade de 1985, quando a banda sofreu novas alterações:
Tracii Guns e Robbie Gardner saíram da banda. Duff McKagan convidou seus
antigos parceiros de Road Crew, o guitarrista Slash e o baterista Steven Adler
para seus lugares. Nascia assim a formação mais conhecida da banda Guns
N' Roses.
As armas são para dizer
que lutamos e as rosas
para dizer que vencemos.

— Axl Rose
A estréia nos palcos da nova formação aconteceu em 6 de Junho de 1986, no
conhecido Troubador em Hollywood, para cerca de 150 pessoas . Após isso, a
banda seguiu para Seattle onde teve a sua turnê de estreia, conhecida por
Hell Tour. Sobre esta turnê do Guns, pode-se afirmar que foi um fracasso, pois
no caminho entre Los Angeles e Seatle, a Van onde os gunners viajavam
quebrou, não restando alternativa a não ser abandonar o veículo e pedir
carona. E esta carona, demora mais de dois dias para chegar, atrasando seu
primeiro compromisso em Seattle, causando, como consequência, o
cancelamento da turnê inicial do Guns N' Roses pelos EUA, fazendo com que
Axl e cia vendessem parte do equipamento para voltar para casa.

A Escalada para a Fama


Em 1986, lançaram um EP independente, Live ?!*@ Like a Suicide. Uma das
poucas cópias desse EP acabou na gravadora Geffen Records, que decidiu
assinar um contrato com a banda.

Appetite for Destruction


Em 1987, com a Geffen na retaguarda da banda, o Guns começa a editar seu
primeiro álbum. Nos primeiros meses de 1987, a banda passava por aquela
árdua rotina (sexo, drogas, e muito hard rock em suas veias). Axl inclusive
gravou sons pornográficos para colocar na música "Rocket Queen". Hoje
conhece-se que os gemidos nessa música provém do ápice de uma gravação
real de uma tarde de sexo entre Axl Rose e a namorada na época de Steven
Adler. No dia 21 de Julho de 1987, Appetite for Destruction foi lançado. Foi
aclamado pela crítica, mas o álbum e seu primeiro single, "Welcome to the
Jungle", ficaram um bom tempo sem muita exposição, quase um ano, - até que
David Geffen pediu a MTV para transmitir o videoclipe da música. Apesar de
inicialmente passar apenas de madrugada, logo o vídeo se tornou um dos mais
requisitados da emissora. O segundo single, "Sweet Child O' Mine", foi ainda
mais bem-sucedido, e quando o terceiro, "Paradise City", foi lançado, o álbum
já tinha alcançado o topo das paradas.
O Guns começou então a abrir shows para grandes bandas como o Iron
Maiden, Rolling Stones e Aerosmith, mas à medida que as vendas de Appetite
cresciam, partiram para uma turnê mundial sendo eles os cabeças-de-cartaz
de muitos concertos. Na turnê o comportamento dos membros atraía a mídia:
Duff, Slash e Steven entravam no palco frequentemente sob efeito de drogas
ou álcool, e o guitarrista muitas vezes entrava no palco amparado e desmaiava
ao final dos shows. Um show em Donnington, Inglaterra, no festival Monsters
of Rock, teve um acontecimento trágico, quando dois fãs morreram
acidentalmente pisoteados. Todos os acontecimentos nos seus concertos
deram ao grupo o apelido de "A banda mais perigosa do planeta".
G N' R Lies
O lançamento seguinte foi G N' R Lies, em 1988, que incluía as quatro
músicas de Live ?!*@ Like a Suicide e mais 4 canções acústicas. O álbum fez
sucesso, chegando ao #2 da Billboard, vendendo até hoje 7 milhões de cópias
nos EUA e outras 16 milhões mundialmente, e teve dois hits: "Patience" e
"Used to Love Her". Porém uma das músicas, "One in a Million", que
mencionava "niggers" (negros) e "faggots" (bichas), causou polêmica, e Axl
Rose foi acusado de racismo e homofobia. Rose negou, dizendo que era fã de
homossexuais como Freddie Mercury (Queen) e Elton John e, além disso,
Slash era filho de uma negra. Há um pedido de desculpa pelos mal-entendidos
que essa música pudesse causar no encarte do álbum.
O mau comportamento de alguns membros levou a gravadora a pedir
imediatamente mudanças de comportamento. Os membros começaram a
tratar-se dos seus vícios após Axl Rose ameaçar sair da banda ou demitir
membros se estes continuassem à abusar do álcool e das drogas.

Use Your Illusion


Em 1990, a banda começou a gravação de seu próximo álbum. Durante a
gravação de "Civil War", Steven Adler não conseguia tocar bateria de tão
viciado que se encontrava com cocaína e heroína, com mais de 30 takes sendo
necessários.262 Em julho daquele ano, Adler foi demitido e substituído por Matt
Sorum dos ingleses The Cult. O tecladista Dizzy Reed (que passava por
dificuldades financeiras na época e foi colocado na banda por indicação de Axl
Rose) também se uniu à banda e o empresário foi trocado.
Em janeiro de 1991, a banda tocou para o público que até então conseguiu
reunir: 140 mil pessoas no dia 20 de janeiro e 120 mil no dia 23, no festival
Rock in Rio 2 realizado no estádio Maracanã, Rio de Janeiro. Foram os
concertos que marcaram as estreias de Matt Sorum e Dizzy Reed na banda, o
Guns N' Roses já encabeçava uns dos maiores shows e festivais da época. Em
maio do mesmo ano, teve início a turnê mundial dos álbuns Use Your Illusion
(que seriam lançados meses depois), começando pela cidade americana de
East Troy, Wisconsin, com a turnê durando 26 meses, com 192 shows em 32
países. A banda Skid Row abriu os shows.
Em 1991, depois de um grande período de gravação, finalmente em setembro,
foram lançados os álbuns duplos Use Your Illusion I e Use Your Illusion II. As
vendas no dia 17 de setembro foram de quase 1 milhão de cópias, e os dois
álbuns conseguiram a primeira e segunda posição na parada da Billboard.
Acompanhados de muitos singles, alguns com videoclipes superproduzidos
como "Don't Cry", "Estranged" e "November Rain". Estes três clipes formam
uma trilogia, baseada no conto "Without You" de Del James, jornalista e amigo
de Axl Rose.

262
"Steven Adler interview", Classic Rock
Tudo deu certo para Slash, que passou um ano fora tocando com grandes
nomes como Bob Dylan, Michael Jackson, Iggy Pop e Lenny Kravitz. Mas longe
de se tornar uma estrela menor do cenário, ele preferiu a química do Guns.
"Se não fosse Axl, eu poderia estar ainda procurando um cantor", ressaltou.
"Sair do nada e chegar a tal ponto foi uma grande virada na minha cabeça.
Agora que aconteceu, e nós conseguimos nos manter juntos, eu não acredito
que teremos esse tipo de problema de novo".
Em 7 de novembro de 1991, Izzy Stradlin saiu da banda, alegando que não
queria mais assistir aos seus amigos se auto-destruindo nas drogas. Axl e
Slash elegeram o guitarrista Gilby Clarke (ex-Kill For Thrills) como seu
substituto (no entanto Izzy Stradlin' acabaria por voltar em alguns espetáculos
após Clarke sofrer um acidente de moto e quebrar o pulso).
A banda continuou causando tumultos, como num show em St. Louis,
Minnesota, em que Axl abandonou o palco após brigar com um espectador
com uma câmera, que tirava fotos ajustando o flash diretamente para seus
olhos. Acabou por gerar centenas de feridos e um processo de milhões de
dólares e alguns dias de cadeia para Axl Rose. Outro acontecimento em
Montreal, em que a banda abandonou o palco após apenas 9 músicas por
problemas de áudio, a atitude gerou revolta - carros quebrados e incêndios.
Axl também arrumou atritos generalizados com a imprensa musical dos EUA e
Inglaterra, chegando a citar na música "Get in the Ring" os nomes de vários
jornalistas (e as revistas em que eles trabalhavam) com quem ele gostaria de
acertar as contas.
A turnê Use Your Illusion World Tour passou no Brasil em Dezembro de 1992
com 2 shows em São Paulo e um no Rio de Janeiro, e terminou em Julho de
1993 em Buenos Aires, Argentina. Foi o último show da banda com Slash,
Duff, Sorum, Dizzy e Clarke.

The Spaghetti Incident?


Em 1993, a banda lançou The Spaghetti Incident?, um álbum de covers
(principalmente de punk rock), com recepção "boa" do público e ruim da
crítica para época. Uma canção escondida de autoria do conhecido serial killer
Charles Manson, "Look at Your Game Girl" fora incluída a pedido de Axl,
causando polêmica tanto pública quanto interna. The Spaghetti Incident? e o
single "Since I Don't Have You" (cover da banda The Skyliners) foi sucesso em
todo o mundo.
The Spaghetti Incident vendeu até hoje cerca de 1,4 milhões nos EUA, sendo
considerado um desempenho fraco. 263

263
http://www.axlrose1.com/guns_n_roses/best_selling_compact_discs_albums.html
O hiato
Em 1994, Axl é processado por agressão pela sua ex-esposa e pela sua ex-
namorada Stephanie Seymour. Também em 1994, Axl Rose demite Gilby
Clarke sem informar a Slash, quem o havia contratado. Paul Tobias entrou
para o seu lugar, ficando claro o descontentamento de Slash sobre o novo
guitarrista. A última música com o guitarrista foi um cover de "Sympathy For
The Devil", dos Rolling Stones, para o filme Entrevista com o Vampiro. Em
1996,Nessa música Axl Rose não gostou do solo executado por Slash e pediu
para que um amigo seu gravasse o solo da musica por cima do solo de
Slash.Slash percebeu e por esse e mais motivos se demitiu e começou um
projeto chamado Slash's Snakepit, com as músicas rejeitadas por Axl para o
álbum que sucederia The Spaghetti Incident?.
Em 1997, Matt Sorum saiu e no ano seguinte, Duff McKagan saiu da banda,
tornando Axl o único integrante original.

Tentativas de Retorno
Slash foi substituído pelo guitarrista de turnê do Nine Inch Nails Robin Finck,
o ex-baixista do The Replacements, Tommy Stinson entrou no lugar de
McKagan, e Josh Freese se tornou baterista. O multi-instrumentista Chris
Pitman também se juntou, primariamente para tocar teclados. Essa formação
começou a gravar um novo álbum de estúdio em 1998.
Em 1999, o Guns N' Roses lançou sua primeira música desde 94, "Oh My God"
(que também teve a participação dos guitarristas Dave Navarro, ex-Red Hot
Chilli Peppers e Jane's Addiction, e Gary Sunshine) especialmente para a
trilha sonora do filme Fim dos Dias. A Geffen também lançou um álbum ao
vivo, Live Era: '87-'93, e uma compilação de videoclipes, Welcome to the
Videos, vendendo até hoje cerca de 2.3 milhões de cópias.
Em 2000, Robin Finck voltou ao Nine Inch Nails, sendo substituído pelo
guitarrista avant-garde Buckethead, e o baterista da banda Primus Bryan
"Brain" Mantia entrou no lugar de Josh Freese.
Em 2001, voltaram a fazer shows, três em Las Vegas, e enfim se apresentando
no Rock in Rio 3, marcado como o de maior público na história da banda, com
cerca de 250 mil pessoas, misturando sucessos com músicas novas. A
promessa do novo álbum se dissolveu juntamente com a World Tour 2002,
com a turnê cancelada e o álbum adiado.
Em 2002, Paul Tobias abandonou a banda. Foi substituído por Richard Fortus,
ex-Love Spit Love. O grupo seguiu com shows em Agosto na Europa e Ásia,
seguidos por uma aparição surpresa no MTV Video Music Awards. Em
Novembro, começaram nova turnê americana, mas o primeiro show, em
Vancouver, foi cancelado pelo fato de Axl não conseguir ir para o Canadá (o
descontentamento do público foi grande). Dezesseis shows se seguiram,
esgotando-se em mercados como Nova York e não vendendo bem em
mercados menores. Então, um show em Filadélfia fora cancelado porque Axl
supostamente tivera problemas repentinos de saúde. Os 15 mil fãs presentes
se revoltaram e destruíram o local, e o resto da turnê foi cancelada.
Buckethead saiu em Março de 2004, forçando o cancelamento do show no
Rock in Rio Lisboa. Nenhum guitarrista substituto fora anunciado. No mesmo
mês, a Geffen lançou a coletânea Greatest Hits, já que o novo álbum de
estúdio Chinese Democracy não saía há 11 anos. Rose demonstrou seu
desprazer com o álbum, já que a lista de faixas fora feita sem seu
consentimento, e tentou impedir seu lançamento. Falhou, e o álbum foi
sucesso de vendas. Em 2006, o guitarrista Ron "Bumblefoot" Thal foi
contratado, e a banda fez uma turnê com shows em Europa (inclusive no Rock
in Rio Lisboa) e América do Norte, estendida para México, Ásia e Oceania em
2007. Foram convidados a tocar no Live Earth - mas no Brasil, sendo que a
banda estava em turnê na Ásia, levando-os a recusar.264 Dois shows em um
festival na África do Sul foram cancelados após o baixista Tommy Stinson
machucar o pulso.265

Chinese Democracy
No dia 23 de novembro de 2008, depois de 13 anos de espera, o Chinese
Democracy é lançado em todo o planeta. O disco já conseguiu a marca de 5,1
milhões de cópias no mundo e adquiriu um disco de platina nos Estados
Unidos. Mesmo com o lançamento, os fãs tem mais um desgosto com Axl Rose
já que a banda simplesmente não fez nada para promover o disco: nada de
clipes, entrevistas e muito menos shows. A única coisa significativa foi o
lançamento do disco no Rock Band. A banda anunciou em Janeiro de 2009 o
guitarrista DJ Ashba para substituir o guitarrista e compositor Robin Finck,
que deixou o grupo para entrar em turnê com sua ex-banda, o Nine Inch Nails.
Até agora não se sabe ao certo o motivo de sua saída.

Chinese Democracy World Tour 2009/2010


No dia 11 de dezembro de 2009 foi dado o início à Chinese Democracy
World Tour (oficial, já que a "Chinese Democracy World Tour" começou
em 2001, mas o album a ser promovido não havia sido lançado ainda)
Essa turnê promete ser a maior turnê da banda, pois de seus quatro primeiros
shows, em Taipei, Seul, e Japão, o ultimo teve mais de três horas de duração.
Para a surpresa de muitos fãs, o Guns N' Roses voltou a tocar covers que não
entravam mais no repertório, como "Whole Lotta Rosie" do AC/DC e "Nice
Boys" do Rose Tattoo. A turnê também marca o novo visual de Axl Rose, agora
com cabelo liso e curto, e uma bandana, sempre de calça jeans e camiseta de
cores variadas.
No show em Osaka, o álbum Chinese Democracy quase foi tocado na íntegra,
faltando apenas a faixa "Riad N' The Bedouins".

264
http://web.gunsnroses.com/news/article.jsp?
ymd=20070706&content_id=a1&vkey=news&fext=.jsp
265
The Power of 5FM | Studio Number 089 11 00 505
Em 2010, houve uma série de shows pelo Canadá,13 ao todo, além disso, a
banda fez dois shows acústicos nos Estados Unidos. A ultima passagem da
banda foi pela América do Sul, fazendo uma série de shows, onde cinco desses
shows foram no Brasil - Brasília, dia 7; Belo Horizonte, dia 10; São Paulo, dia
13; Porto Alegre, dia 16 e no Rio de Janeiro, dia 04 de abril (remarcado devido
às chuvas que destruíram a estrutura do show, dia 14 de março, data em que
o show se realizaria).
Os shows no Brasil foram abertos por Sebastian Bach. Agora a banda passa a
sua turnê Europeia, onde passará por vários países, logo depois, será a vez da
Oceania, onde por fim encerrará a grande Chinese Democracy World Tour.
Países por onde a banda tocou/tocará
Ásia
•Taiwan
•Coréia do Sul
•Japão

América do Norte
•Canadá
•EUA

América do Sul
•Brasil
•Uruguai
•Argentina
•Chile
•Peru
•Venezuela
•Colombia
•Equador

América Central
•Panama
•El Salvador
•Porto Rico

Europa
•Noruega
•Finlandia
•Russia
•Suécia
•Dinamarca
•Inglaterra
•Irlanda do Norte
•Irlanda
•Italia
•Suiça
•França
•Austria
•Romenia
•Sérvia
•Croacia
•República Checa
•Bélgica
•Holanda
•Portugal
•Espanha
•Inglaterra

Oceania
•Austrália

Formações
Formações do Guns N' Roses
1985
•Axl Rose - Vocais
•Markws Gosbon - guitarra
•Tracii Guns - guitarra
•Ole Beich - baixo
•Rob Gardner - bateria
1985
•Axl Rose - Vocais
•Izzy Stradlin - guitarra
•Tracii Guns - guitarra
•Ole Beich - baixo
•Rob Gardner - bateria

1985 - 1990
•Axl Rose - Vocais
•Izzy Stradlin - guitarra rítmica
•Slash - Guitarra solo
•Duff McKagan - baixo
•Steven Adler - bateria

1990-1991
•Axl Rose - Vocais
•Izzy Stradlin - guitarra rítmica
•Slash - Guitarra solo
•Duff McKagan - baixo
•Matt Sorum - bateria
•Dizzy Reed - teclados

1991-1996
•Axl Rose - Vocais
•Gilby Clarke - guitarra rítmica
•Slash - Guitarra solo
•Duff McKagan - baixo
•Matt Sorum - bateria
•Dizzy Reed - teclados

2001
•Axl Rose - Vocais
•Robin Finck - guitarra
•Paul Tobias - Guitarra
•Buckethead - Guitarra
•Tommy Stinson - baixo
•Brian Mantia - bateria
•Dizzy Reed - teclados
•Chris Pitman - teclados e efeitos

2002
•Axl Rose - Vocais
•Robin Finck - guitarra
•Richard Fortus - Guitarra
•Buckethead - Guitarra
•Tommy Stinson - baixo
•Brian Mantia - bateria
•Dizzy Reed - teclados
•Chris Pitman - teclados e efeitos

2006-2007
•Axl Rose - Vocais
•Robin Finck - guitarra
•Richard Fortus - Guitarra
•Ron "Bumblefoot" Thal - Guitarra
•Tommy Stinson - baixo
•Brian Mantia e Frank Ferrer - bateria
•Dizzy Reed - teclados
•Chris Pitman - teclados e efeitos

2009-Atualmente
•Axl Rose - Vocais
•DJ Ashba - guitarra
•Richard Fortus - Guitarra
•Ron "Bumblefoot" Thal - Guitarra
•Tommy Stinson - baixo
•Frank Ferrer - bateria
•Dizzy Reed - teclados
•Chris Pitman - teclados e efeitos

Ex-integrantes
Guitarristas

•Tracii Guns - (1985)


•Izzy Stradlin - (1985-1991)
•Gilby Clarke - (1991-1995)
•Slash - (1985-1996)
•Paul Tobias - (1994-2001)
•Buckethead - (1999-2004)
•Robin Finck - (1996-1999, 2000-2008)

Baixistas

•Ole Beich - (1985)


•Duff McKagan - (1985-1997)

Bateristas

•Robbie Gardner - (1985)


•Steven Adler - (1985-1990)
•Matt Sorum - (1990-1997)
•Josh Freese - (1997-1999)
•Bryan "Brain" Mantia - Bateria (2000-2006)

Discografia

Tabela de discos (em ordem cronológica)

Nome do álbum Gravadora Ano de Formação


lançamento
Live ?!*@ Like a Geffen
Suicide 1986 Rose,Slash,Adler,M
cKagan,Stradlin

Appetite For Geffen


Destruction 1987 Rose,Slash,Adler,M
cKagan,Stradlin

G N' R Lies Geffen


1988 Rose,Slash,Adler,M
cKagan,Stradlin

Use Your Illusion I Geffen


1991 Rose,Slash,Sorum,
McKagan,Stradlin

Use Your Illusion II Geffen


1991 Rose,Slash,Sorum,
McKagan,Stradlin

The Spaghetti Geffen


Incident? 1993 Rose,Slash,Sorum,
McKagan,Clarke,R
eed

Use Your Illusion Geffen


1998 Rose,Slash,Matt
Sorum,McKagan,St
radlin

Live Era: '87-'93 Geffen


1999 Rose,Slash,Sorum,
McKagan,Clarke,R
eed,Stradlin

Greatest Hits Geffen


2004 Rose,Slash,Sorum,
McKagan,Clarke,R
eed,Stradlin

Chinese Geffen
Democracy 2008 Rose,Thal,Fortus,S
tinson,Ferrer,Reed,
Pitman
Videografia

Tabela de Vídeos (em ordem cronológica)

Nome do álbum Gravadora Ano de Tipo


lançamento
Don’t Cry - Makin’ Geffen
Of Videos Part I 1993 VHS

November Rain - Geffen


Makin’ F@*!king 1993 VHS
Videos Part II

The Making Of Geffen


Estranged Part IV 1994 VHS
Of The Trilogy

Welcome to the Geffen


Videos 1998 VHS

Use Your Illusion Geffen


World Tour I 1998 VHS

Use Your Illusion Geffen


World Tour II 1998 VHS

Maximium Guns Geffen


N`Roses 2000 VHS

Use Your Illusion Geffen


World Tour I 2002 DVD

Use Your Illusion Geffen


World Tour II 2002 DVD

Welcome To The Geffen


Videos 2002 DVD

Maximium Guns Geffen


N`Roses 2003 DVD

Prêmios e nomeações ReferênciasVer também


Aerosmith
Aerosmith

Aerosmith em perfomance ao vivo no Quilmes Rock,


Argentina, 15 de abril de 2007.
Informação geral
Origem Boston, Massachusetts
País Estados Unidos
Gêneros Hard rock
Heavy metal266
Blues-rock267
Período em atividade 1970 - atualmente
Gravadora(s) Columbia Records
Geffen Records
Sony Music
Afiliações The Joe Perry Project
Página oficial www.aerosmith.com
Integrantes
Joe Perry
Tom Hamilton
Brad Whitford
Joey Kramer
Steven Tyler
Ex-integrantes
Ray Tabano
Jimmy Crespo
Rick Dufay

266
AllMusic.com
267
AllMusic.com
Aerosmith é uma banda de hard rock dos Estados Unidos da América, formada
em Boston, Massachusetts no ano de 1970, tendo desfrutado de grande
popularidade durante meados da década, final dos anos 1980 e início dos anos
1990. É a banda americana de rock que mais vendeu discos na história,268 com
vendas estimadas em mais de 150 milhões de cópias no mundo inteiro
incluindo 66.5 milhões de cópias nos Estados Unidos 269 A banda também tem
o recorde de mais álbuns ouro/multi platina por uma banda americana.

História
O Aerosmith surgiu em 1969, da junção de duas bandas: Chain Reaction, do
vocalista Steven Tyler, e Jam Band, do guitarrista Joe Perry e do baixista Tom
Hamilton. Joe Perry trabalhava em uma lanchonete de Sunapee, New
Hampshire. Lá ele conheceu o cliente Steven Tyler. Quando Steven viu a Jam
Band tocando Rattlesnake Shake, surgiu o embrião do Aerosmith.
A formação da banda se completou com a entrada do guitarrista Ray Tabano e
do baterista Joey Kramer. Ray era um velho amigo de Steven e Joey vinha da
mesma cidade dos dois, tendo, inclusive, estudado na mesma escola que
Steven. Pouco tempo depois, Ray foi substituído por Brad Whitford, e assim
surgiu a formação clássica do Aerosmith. Joey sugeriu o nome "Aerosmith",
que, segundo ele, não tem nenhum significado especial: era apenas uma
palavra que ele gostava de escrever nos seus cadernos da escola.
Após alguns espectáculos ao vivo nos bares de Boston, que lhes
proporcionaram fama imediata, o Aerosmith assinou um contrato com a
editora Columbia Records em 1972 e gravou o seu álbum de estréia Aerosmith
em duas semanas; dele se extraiu o single "Dream On" e clássicos como
"Mama kin", "Somebody", "Movin' Out" e "One Way Street". O álbum, na
estréia, foi um fracasso de vendas (posteriormente, alcançou platina dupla - 2
milhões de cópias).
Após uma primeira turnê, a banda lançou Get Your Wings (1974), que também
não gozou de grande sucesso nas tabelas de vendas - com o tempo, atingiu
quatro vezes platina (quatro milhões de cópias); trazia os clássicos "Same Old
Song And Dance", "Train Kept A Rollin'", "Lord Of The Thigs" e a super balada
"Seasons Of Wither".
Em 1975, a edição de Toys in the Attic fez deles definitivamente estrelas do
rock n' roll internacional: nessa época, o Aerosmith começava a lotar seus
shows. O álbum, uma mistura bem sucedida de heavy metal, hard rock e
toques de punk, constituiu um êxito imediato, tendo canções que marcaram
época e jamais serão esquecidas, como "Adam's Apple" e "Walk This Way",
que representam bem o hard rock, além de clásicos como "Toys in The Attic",
"No More, No More" e "Big Ten Inch Record" e o mega sucesso "Sweet
Emotion". O álbum já alcançou as 11 platinas (11 milhões de cópias).

268
New Aerosmith 'Guitar Hero' game. Larry McShane. New York Daily News. Página visitada
em 2008-03-31.
269
Searchable Database. Recording Industry Association of America (RIAA.com).
O álbum seguinte, Rocks, influência de toda uma geração do hard rock
americano, foi o primeiro disco de platina do Aerosmith, iniciando uma série
de discos que alcançariam esta vendagem por vários anos seguidos; Rocks já
atingiu 4 platinas (4 milhões de cópias) e foi o primeiro disco sem nenhuma
cover. Joe Perry faz a guitarra cavalgar em "Back In The Saddle" (que foi
recentemente regravada por Sebastian Bach no álbum Angel Down e contou
com a participação especial de Axl Rose, também fã declarado do Aerosmith -
a versão ficou "ok"); Brad Whitford arrasa com o riff inicial e os solos de "Last
Child", que provam que ele não merece ser chamado de "guitarrista base"; há
canções rápidas como "Rats In The Cellar" e pesadas como "Nobody's Fault"
(outra composição de Brad em parceria com Steven) e experimentais como
"Sick As A Dog" (de Tom Hamilton e Steven), em que os membros chegam a
trocar de instrumentos: Tom toca guitarra-base enquanto Joe Perry toca baixo;
depois, no meio da música, Steven assume o baixo e Joe volta para a guitarra,
tudo em apenas 1 take! O disco fecha com a linda balada "Home Tonight",
uma rock-ballad suja com destaque para o piano de Steven e os solos do Joe.
Há ainda "Combination", quarta música do álbum e escrita por Perry, que
cantaria sozinho a canção - idéia abandonada devido ao fato de considerarem
Rocks um álbum crucial para a banda (Joe então dividiu os vocais com
Steven). Em qualquer lista de hard rock e heavy metal não pode faltar o
Rocks, um dos clássicos absolutos do Rock.
Após o estardalhaço de Toys In The Attic e Rocks, é lançado Draw the Line em
1977, que atingiu disco de platina mais rápido que os primeiros e alcançou
dupla platina (2 milhões de cópias). Não foi tão bem recebido pela crítica
quanto seus anteriores, mas não deixou a desejar. "Draw The Line" é a faixa
título e tem um riff inesquecível, pode considerado um dos maiores clássicos
do Aero, e "Kings And Queens" é um tipo de rock um pouco "épico", que fala
do governo, da igreja e da anarquia. E vale a pena lembrar de "I Wanna Know
Why" e a blues-rock "Milk Cow Blues". É um disco com canções dançantes
como "Get It Up" e "Sight For Sore Eyes", e traz a primeira música apenas
com Joe Perry nos vocais, a ótima "Bright Light Fight".
Em 1978, o Aero canta para mais de 400 mil pessoas em Boston e lança seu
primeiro álbum ao vivo, Live! Bootleg, com os seus sucessos e duas canções
retiradas de um bootleg de um show de 1973: "I Ain't Got You" e "Mother
Popcorn" - "Draw The Line" está "escondida" depois de "Mother Popcorn" e
não é listada na contra-capa do disco. No mesmo ano, o grupo participou do
filme Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, para o qual regravaram "Come
Together" dos Beatles.
Em 1979, durante as gravações de Night in the Ruts, Joe Perry deixou a banda
após mais uma briga com Steven, que começou por causa de um copo de leite;
formou o The Joe Perry Project, que lançou três discos. Após um acidente de
moto sofrido por Steven Tyler, que o deixou "fora de ação" por alguns meses,
foi lançada a coletânea Greatest Hits", um verdadeiro estouro de vendas (mais
de 10 milhões de cópias).
Night in the Ruts é lançado em 1979, e apresenta três covers: "Remember
(Walking in the Sand)", "Think about it" e "Reefer Head Woman"; foram feitos
vídeos de "Chiquita" e "No Surprize". O álbum não foi bom de vendas,
alcançando apenas 1 disco de platina após vários anos de seu lançamento.
Substituto de Joe Perry, Jimmy Crespo toca apenas um solo em "Reefer Head
Woman" (Joe tocou na maioria das outras canções).
Brad Whitford deixou a banda em 1981 e se uniu a Derek St. Holmes,
vocalista da banda de Ted Nugent, para dar origem ao projeto Whitford/St.
Holmes, que lançou um disco auto-intitulado.
Com a parceria Perry-Tyler desfeita, Rock in a Hard Place é lançado em 1982
e que teve como destaque o single e o vídeo de "Lightning Strikes", que ainda
contava com Brad Whitford (a música foi gravada antes de sua saída). O disco
foi um fracasso de venda e de crítica, apesar de ter grandes canções como
"Bitch's Brew", "Bolivian Ragamuffin" e "Cry Me A River".
O Aerosmith havia se tornado uma paródia de si mesmo. A história da banda
era repleta de excessos, com todos os ingredientes absurdos: esposas que não
se bicavam, integrantes que caíam do palco, contas de serviço de quarto no
valor de US$ 100 mil, membros da equipe que pegavam mais groupies que
seus chefes drogados e dinheiro que ia sabe-se lá para onde.
"Paramos de conduzir nossa banda", Perry disse. "Paramos de dar a mínima."
Após esta fase conturbada, Perry e Whitford regressaram à banda, em 1984 –
teve então lugar uma turnê para comemorar a reunião dos membros do grupo,
a "Back In The Saddle Tour". Joe Perry, em entrevista à revista Rolling Stone
na época: "Eu sei que todo mundo pergunta se nós voltamos a tocar juntos
pelo dinheiro, e claro que não é verdade. Não, é legal ter dinheiro, mas a
razão [pela qual voltaram a se reunir] é que temos prazer em tocar juntos
outra vez". Contudo, durante essa mesma turnê, Tyler chegaria a desmaiar em
palco devido à dependência de drogas, afetando negativamente a imagem do
grupo.
No ano seguinte, a banda lança Done With Mirrors, um dos melhores álbuns
do Aerosmith desde o final durante toda a carreira, porém um fracasso de
vendas, idem ao anterior.
Em 1986, sai o 2° álbum ao vivo Classics Live! Vol. 1, ao mesmo tempo em
que Steven e Joe apareceram no bem sucedido cover dos rappers do Run D.
M. C. de "Walk This Way", combinando rock n' roll e rap e se tornando um
clássico, marcando o início do regresso do Aerosmith aos grandes êxitos.
Em 1987, sai o 3° ao vivo Classics Live! Vol. 2, seguido do disco Permanent
Vacation, que incluía hits como "Dude (Looks Like a Lady)", "Rag Doll" e
"Angel", reestabelecendo o Aerosmith nas paradas americanas novamente e
vendendo 5 milhões de cópias só nos EUA.
Nessa mesma época, a banda finalmente se livrou das drogas. O último a
largar foi Tom Hamilton, que deu sua última "cheirada" nas gravações de
Permanent Vacation.
Contudo, o verdadeiro álbum de regresso aos topos de vendas foi Pump, de
1989, que fez a banda entrar na década de 1990 com força total, no que viria
a ser o auge da carreira da banda; desse disco se extraíram três êxitos que
chegaram ao Top 10 nos Estados Unidos: "Janie's Got a Gun" (que vence o 1°
Grammy do Aero), "What It Takes" e "Love in an Elevator". Pump foi ao topo
das paradas americanas, chegando a marca dos 9 milhões de cópias.
Get a Grip (1993) foi igualmente um sucesso de vendas, chegando a casa dos
doze milhões de cópias, tendo restabelecido definitivamente os Aerosmith
como uma potência musical. Com singles como "Livin' On The Edge" (que
vence o segundo Grammy do Aero), "Eat The Rich", "Crazy" (vencedora do seu
terceiro Grammy) e "Cryin'", o Aero explode na década de 1990.
Nine Lives, de 1997, foi um álbum marcado por inúmeros problemas (mesmo
alcançando o topo das paradas e vendendo três milhões de cópias), como a
demissão do produtor do grupo, Tim Collins. O disco continha singles de
sucesso como "Falling In Love (Is Hard On The Knees)" e "Pink" (que vence o
quarto Grammy do Aero). Em 1998, a banda lança o disco duplo ao vivo A
Little South Of Sanity e, no ano seguinte, seu primeiro single a alcançar o
primeiro lugar da Billboard, o tema romântico da trilha sonora do filme
Armageddon, I Don't Want To Miss A Thing (escrito por Joe Perry e Diane
Warren, ainda que Perry não seja creditado como tal).
Em 2000, o Aerosmith vai para a Calçada da Fama do Rock 'n' Roll, ou melhor,
o "Rock 'N' Roll Hall Of Fame". Em 2001, é lançado Just Push Play, que vai aos
topos das paradas dos EUA com singles como "Jaded".
Em 30 de Março de 2004, o seu há muito prometido álbum de blues, Honkin'
on Bobo, foi finalmente lançado, um regresso às raízes; o álbum nasceu no
final de 2003 durante a turnê em conjunto com os Kiss e a jam especial de
blues que acontecia nas apresentações. No mesmo ano, sai o DVD "You Gotta
Move"
Em 2005, a gravadora lançou Rockin' the Joint, uma compilação de uma
apresentação ao vivo realizada em 2002 durante a turnê de Just Push Play.
Mais recentemente, em 2006, com o fim do contrato com a Sony BMG
iminente, a mesma lançou outra coletânea, Devil's Got a New Disguise: The
Very Best of Aerosmith, com grandes sucessos da banda em toda sua história,
além de duas canções inéditas, "Devil's Got A New Disguise" e "Sedona
Sunrise", outtake do álbum Pump.
Em 2007, a banda voltou ao Brasil para uma única apresentação no dia 12 de
abril, abrindo a Aerosmith World Tour 2007. Para o delírio dos mais de
setenta mil fãs que lotaram o estádio do Morumbi numa quinta-feira, a banda
tocou seus clássicos por quase duas horas, com destaque para a abertura com
"Love In An Elevator", a blueseira "Baby Please Don't Go" e "Draw The Line" -
esta última com Joe Perry batendo na guitarra com sua camisa e se jogando
na bateria em seguida, um dos pontos altos do show. A banda mostrou que
ainda tem energia de sobra para fazer uma grande apresentação, com
destaque para a dupla Steven e Joe.
Em 2008, o Aerosmith tira umas férias e Joe Perry aproveita para fazer alguns
shows com a banda de seus filhos, TAB The Band. Enquanto Steven e Joe se
recuperam de cirurgias (o primeiro realizou uma no pé; o segundo, uma no
joelho), é lançado o jogo Guitar Hero: Aerosmith, o primeiro da franquia com
apenas uma banda em destaque.
Em 2010, o Aerosmith volta para a estrada mais uma vez na turnê Cocked,
Locked, Ready to Rock, vindo a se apresentar no Brasil em Porto Alegre e São
Paulo nos dias 27 e 29 de Maio, em que tocaram os vários clássicos da banda
como Livin' on the Edge, Eat the Rich, Back in the Saddle e muitos outros. E
mais uma vez surpreenderam os fãs com Joe duelando contra ele próprio no
Guitar Hero, Joey usando uma camisa do Brasil e tocando um solo de bateria
em que no final Steven tocava com ele e fazendo cover de dois blues.

Futuro
Em novembro de 2009, de acordo com o jornal americano Las Vegas Sun,
Steven Tyler rompeu seu vínculo com a banda Aerosmith. As relações entre
Tyler e o resto do grupo começaram a ter problemas após um acidente em
agosto de 2009, quando o vocalista caiu de um palco durante um show nos
EUA. Tyler quebrou o ombro e teve que dar pontos na cabeça, cancelando
parte dos shows do Aerosmith. A última apresentação do grupo foi no dia 1º
de novembro, antes do Grande Prêmio de Fórmula 1 de Abu Dhabi, nos
Emirados Árabes.
"Ele não falou comigo ou com os outros membros da banda. Eu desci do avião
dois dias atrás e vi na internet que ele estava dizendo que sairia da banda. Eu
não sei por quanto tempo, indefinidamente ou qualquer coisa", completa
Perry.
O guitarrista também reclama que Tyler teria perdido o interesse na banda.
"Obviamente, ele não estava dando 100% de si havia um bom tempo. (…) Eu
não queria que ele cancelasse mais shows. Nós realmente queríamos fazer
essas últimas apresentações".
Ele diz ainda que a banda deve continuar com um novo vocalista. "Nós
provavelmente vamos achar outra pessoa e vamos seguir com o Aerosmith",
termina.270 Lenny Kravitz teria sido contatado para substituir Tyler, mas
negou.271
Porém, segundo a revista Rolling Stone, na noite de terça, 10 de Novembro de
2009, Steven Tyler fez uma aparição-supresa em um show de Joe Perry e
declarou: "Nova York, quero que você saiba que não estou deixando o
Aerosmith." E depois, falando com Joe Perry: "Você é um homem de muitas
cores, mas eu sou o Senhor Arco-Íris." 272273
Mesmo com essa aparição, ainda há rumores de uma saída de "férias" para
Steven Tyler de aproximadamente dois anos para escrever um livro e gravar
um disco solo.274

270
http://news.bbc.co.uk/2/hi/entertainment/8355485.stm
271
http://entertainment.oneindia.in/music/international/2009/lenny-tyler-aerosmith-
091209.html
272
http://www.roadrunnerrecords.com/blabbermouth.net/news.aspx?
mode=Article&newsitemID=130178
273
http://stereokill.net/2009/11/11/steven-tyler-is-not-leaving-aerosmith/
274
http://www.classicrockmagazine.com/news/are-aerosmith-headed-for-a-permanent-vacation/
Em 23 de dezembro de 2009 Steven Tyler entrou em uma clínica de
reabilitação para se tratar no seu vício por analgésicos, desenvolvido após dez
anos tomando remédios para lidar com a dor causada por sua performance e
acidentes sobre o palco (na turnê do álbum Nine Lives o microfone caiu em
seu joelho rompendo um ligamento e foi aí que tudo começou, ou até mesmo
mais recentemente com sua queda do palco). O cantor declarou que estaria
ansioso para voltar a trabalhar com seus colegas de banda.275 Mas, atualmente
o guitarrista Joe Perry confirmou a procura de um novo vocalista que virá a
substituir Steven Tyler. Afirmou também que será algum cantor com
características próprias e não um clone do atual. Porém o que acima é dito,
não passa de boatos, pois no dia 29 de maio de 2010 a banda fez um show no
parque Antartica de forma completamente integrada.
De acordo com o jornal canadense The Globe And Mail, o guitarrista Joe
Perry, do AEROSMITH, derrubou o vocalista da banda, Steven Tyler, de uma
passarela durante o show da banda no Air Canada Centre, em Toronto,
Ontario.O incidente ocorreu no início da performance cheia de hits, durante
'Love In An Elevator'. Tyler havia esbarrado levemente com o quadril em
Perry, que, após completar o lick de guitarra, olhou por cima do ombro antes
de andar para trás sobre o frontman desprevenido. Tyler, de 62 anos, vacilou
brevemente na beirada da plataforma antes de cair na multidão.
Eventualmente, com a ajuda de Perry, Tyler subiu de volta ao palco.

Integrantes

•Steven Tyler - vocal


•Joe Perry - guitarra solo
•Brad Whitford - guitarra rítmica
•Tom Hamilton - contra-baixo
•Joey Kramer - bateria

Discografia
Álbuns de estúdio

•Aerosmith (1973)
•Get Your Wings' (1974)
•Toys in the Attic (1975)
•Rocks (1976)
275
à desintoxicação, Steven Tyler volta; Luís Figueiredo Silva com agências. " Steven Tyler
volta à desintoxicação" (Internet) (em Português). Web site. Correio da Manhã. 24 de
dezembro, 00h30. (página da notícia visitada em 24/12/2009)
•Draw the Line (1977)
•Night in the Ruts (1979)
•Rock in a Hard Place (1982)
•Done with Mirrors (1985)
•Permanent Vacation (1987)
•Pump (1989)
•Get a Grip (1993)
•Nine Lives (1997)
•Just Push Play (2001)
•Honkin' on Bobo (2004)

Ver também
•Lista de recordistas de vendas de discos
•Lista de recordistas de vendas de discos no Brasil
•Lista de membros de Aerosmith
•Discografia de singles de Aerosmith

Ligações externas
•Página oficial da banda (em inglês)

Red Hot Chili Peppers


Red Hot Chili Peppers

Red Hot Chili Peppers no Festival Pinkpop, em 2006.Da


esquerda para a direita: Flea, Anthony Kiedis, Chad Smith, John Frusciante.

Informação geral
Origem Los Angeles, Califórnia
País Estados Unidos
Gêneros Funk rock, rap rock, rock alternativo276
Período em atividade 1983 – atualmente
Gravadora(s) EMI, Warner Bros.
Afiliações John Frusciante, Ataxia, Atoms for
Peace, Chickenfoot, Chad Smith's
Bombastic Meatbats, Dot Hacker,
Jane's Addiction, The Mars Volta, What
Is This?, Thelonious Monster,
Fishbone, Eleven, Pearl Jam
Página oficial www.redhotchilipeppers.com
Integrantes
Anthony Kiedis
Michael "Flea" Balzary
Chad Smith
Josh Klinghoffer
Ex-integrantes
John Frusciante
Hillel Slovak
Jack Irons
Arik Marshall
Cliff Martinez
Jack Sherman
DeWayne "Blackbyrd" McKnight
D.H. Peligro
Jesse Tobias
Dave Navarro
Red Hot Chili Peppers é uma banda de rock dos Estados Unidos formada em
Los Angeles, Califórnia, em 1983. A banda, vencedora de seis Grammys, é
composta por quatro membros: o vocalista Anthony Kiedis, o baixista Michael
"Flea" Balzary, o baterista Chad Smith e o guitarrista Josh Klinghoffer, que
está atualmente substituindo John Frusciante. Assistindo a várias mudanças e
a problemas pessoais de membros, o estilo da banda é variado, conseguindo
juntar elementos do funk tradicional com elementos de outros gêneros como
punk rock e rock psicodélico.

276
Red Hot Chili Peppers Biography (em inglês). NME. Página visitada em 13 de março de
2010.
História
Eles eram garotos de Hollywood que descobriram um som diferente. Em
retrospecto eles estavam fora do contexto, fora do que havia na época. Eram
diferentes. Os Chili Peppers causaram polêmica desde o início, com suas
famosas "Socks on Cocks", mas, por trás da fachada extravagante há uma
amizade inabalável. O grupo passou pela morte de um dos integrantes por
overdose de heroína (Hillel Slovak), e testemunho do quase declínio total de
outro (John Frusciante). Após a recuperação, com a "nova" formação, o Red
Hot Chili Peppers abriu novas trilhas e atingiu seu maior sucesso,
ultrapassando muitos grupos rock atuais.

A formação e o The Red Hot Chili Peppers (1983–


1984)
O Red Hot Chili Peppers tem seu embrião desde 1979, nos intervalos entre
aulas da Fairfax High School, em Hollywood, Los Angeles. Os garotos de 15
anos, Michael Balzary, Hillel Slovak e Jack Irons eram três amigos que tinham
algumas ambições musicais formando a banda chamada Anthym. Um dos
grandes admiradores dessa banda era Anthony Kiedis, também amigo de
infância de Michael (Flea), Hillel e Irons. No verão de 1981 Flea sai do
"Anthym" e vai para o Fear, uma banda punk de Los Angeles. Hillel e Irons
permanecem no "Anthym", agora conhecida como What Is This?, com Anthony
fazendo parte do conjunto.
Em abril de 1983 nasce o Red Hot Chili Peppers, ainda com o nome de "Tony
Flow and the Miraculousy Majestic Masters of Mayhem", a partir de uma idéia
súbita de Anthony Kiedis, e com ele Flea, Hillel Slovak, Jack Irons se
apresentam em um clube de Los Angeles. A princípio seria só uma
brincadeira, mas os integrantes gostaram do resultado e passaram a fazer
shows, agora batizando a banda de Red Hot Chili Peppers*, onde tinham
apenas duas músicas "Out in LA" e "Get up and Jump". Misturando punk e
funk eles começaram a ser conhecidos por Los Angeles. A explicação para o
nome Red Hot Chili Peppers vem de um improviso de Anthony Kiedis que
conta: "Eu estava caminhando em Hollywood Hills e vi esse nome piscando
num arbusto psicodélico" (o arbusto era em formato de pimenta), mas essa
história parece muito mais uma lenda ou piada de Anthony, do que a
verdadeira história. O que parece ser mais próximo da realidade é que eles
adoravam comida mexicana com bastante pimenta (chili), Flea era fã da banda
de apoio de Louis Armstrong "Red Hot Peppers" e Anthony Kiedis não poderia
esquecer o nome da banda que tocou num pub em Londres, a "Chili Willy and
the Red Hot Peppers".
Três meses depois eles recebem uma oferta da Run DMC num mini festival.
No mesmo tempo que Hillel e Irons ainda tocavam no What Is This?, enquanto
Flea continuava tocando com o Fear. No entanto, algo fazia com que o Red
Hot Chili Peppers tivesse algo a mais. Mark Richardson conhecido como
"Roaster", um descobridor de talentos, procurou a banda e no verão de 1983,
os Peppers já tinham uma programação completa. Eles fizeram shows por
toda a cidade e no Kit-Kat Club, onde os garçons andavam quase sem roupa,
eles apareceram totalmente pelados, apenas vestindo meias sobre o pênis
(Socks on Cocks).
E em outubro de 1983, o Red Hot Chili Peppers assina o seu primeiro contrato
com uma gravadora. A banda tinha apenas seis meses, quando eles assinaram
um contrato com a EMI, o que gerou problema, pois o grupo não pôde contar
com Hillel Slovak e Jack Irons, que tinham compromissos com o What Is This?,
que fazia parte do elenco da MCA Records. Além do que Hillel e Jack
acreditavam mais na sua banda que no RHCP, sabiam que tudo não passava
de hobby e preferiam investir no seu antigo sonho de adolescência. Não teve
outra, Anthony e Flea ficaram arrasados com a notícia e com a postura dos
outros dois. Kiedis e Flea seriam obrigados a gravar no início do próximo ano,
para contornar a situação chamaram então, o guitarrista Jack Sherman e o
baterista Cliff Martinez. Porém, a química não era a mesma. Para tentar
contornar o problema, a EMI sugeriu Andy Gill para ser o produtor do álbum,
sendo bastante aceito por Anthony e Flea. Todavia, surgiu um conflito musical
entre eles, pois Andy Gill não dava liberdade para a banda criar melodias
próprias além de querer fazer com que suas músicas soassem modernas e
mecânicas. O primeiro álbum foi chamado de The Red Hot Chili Peppers, e foi
uma grande decepção para a banda. O disco saiu em agosto de 1984 e não
teve grandes atenções. No verão do mesmo ano, a MTV apresenta o RHCP no
MTV News.
O clipe de "True Men Don't Kill Coyotes" faz um sucesso rápido e logo é
esquecido, porém os Peppers continuam a estender a lista de shows e
começam a tocar na costa oeste e médio oeste dos Estados Unidos. Durante
estas viagens o consumo de drogas é intensificado, além disso, o contato
pessoal durante todo o dia começou a criar atritos entre Sherman e Kiedis que
não o suportava porque acreditava que ele era politicamente correto demais
para a banda e não tinha a mesma habilidade de Hillel, então, no começo de
1985, Kiedis e Flea expulsam Sherman da banda, que é substituído por Hillel
Slovak. Anthony e Hillel começam a usar heroína com mais freqüência. A
maior obsessão de Hillel era encontrar os ruídos de Hendrix.
Freaky Styley e The Uplift Mofo Party Plan (1985–
1988)
Em 1985, os Peppers completamente perdidos, batem na porta de George
Clinton para que ele produzisse o novo álbum, e então obrigam a gravadora a
aceitá-lo como o novo produtor da banda. Clinton fica impressionado com o
conhecimento musical deles. Então vem o novo álbum da banda, o Freaky
Styley, com sua gravação feita em Detroit, na fazenda de Clinton, sai em
setembro de 1985 e recebe várias críticas positivas. O Red Hot Chili Peppers
revive novamente, após o relativo fracasso do álbum anterior. Eles fizeram
shows por todo os Estados Unidos e, no início de 1986, pisam pela primeira
vez nos palcos europeus. Cliff Martinez deixa a banda e Jack Irons volta para
os Peppers. Eles continuavam com toda a força para que tivessem o
verdadeiro reconhecimento do público. Nesse ano eles apareceram no filme
Tough Guys. Um fato curioso durante a turnê do Freaky Styley é que, em
1986, Kiedis toca em Grand Rapids, sua cidade natal pela primeira vez, e tem
a "brilhante idéia" de usar as meias (Socks on Cocks), o que acaba sendo um
escândalo na sua cidade, e ele vira a "ovelha-negra" do público de lá.
No final do ano de 1986, um grande problema entrou na banda, drogas. Kiedis
tinha perdido qualquer noção da realidade e se entregara às drogas
totalmente. Ele andava em becos e tinha contato com algumas gangues. Ele
chegou ao ponto mais baixo de sua vida e passou a consumir drogas embaixo
de uma ponte no centro de Los Angeles, porém a heroína não fazia o mesmo
efeito de antes. Nesta época eles fizeram a pior turnê da história da banda e
Kiedis foi convidado a se retirar pelo seu vício, e Flea o aconselha a se tratar,
aí então ele percebe que as drogas não eram mais diversão e estavam
invadindo sua vida. Kiedis vai se tratar e tem a ajuda de seu pai. Durante sua
passagem na clínica ele conhece a acupuntura que acaba sendo um meio
alternativo de aliviar a tensão dele. Sai limpo da clínica, escreve "Fight Like a
Brave" e retorna ao RHCP. No verão de 1986, Flea se casa e logo começaria
as preparações para o terceiro álbum. A banda ainda não tinha nenhuma
música pronta e Rick Rubin se recusa a produzí-los. Entretanto, Michael
Beinhorn aceita a tarefa e, em 4 de maio de 1987, os Peppers estão de volta
na Capitol Studios, onde eles gravaram uma versão funk para a música de Bob
Dylan, "Subteranean Homesick Blues" e outras músicas como "Special Secret
Song Inside". O terceiro ábum fica acima de suas expectativas. The Uplift
Mofo Party Plan sai em setembro de 1987 e fica no 143º lugar nas paradas,
uma pequena vitória.
No começo de 1988, ao passo que o Red Hot Chili Peppers vinha ascendendo
a cada trabalho e no caminho certo do sucesso, Hillel usava drogas cada vez
mais. Flea já estava preocupado. Em maio, a banda vai para Inglaterra e numa
manhã eles tiram a roupa e com apenas as famosas meias, fazem uma paródia
da foto dos Beatles na Abbey Road. Logo após, a EMI lança The Abbey Road
E.P., um álbum com apenas cinco músicas, incluíndo a cover "Fire" de Jimi
Hendrix. Em junho, os Peppers estão de volta a Los Angeles, onde Michael
Beinhorn está esperando por eles para começar o novo álbum. Kiedis e Hillel
começam a usar drogas novamente. E no meio de uma noite o telefone de Flea
toca, ele pensara que estavam ligando para dizer que Kiedis havia morrido
devido ao abuso das drogas, porém a vitima era outra. E em 27 de junho,
Hillel é encontrado morto por overdose de heroína. Ele tinha apenas 26 anos.
Kiedis então vai para um pequeno vilarejo no México, ele queria um lugar
onde ninguém o conhecesse, para tentar se livrar das drogas. Irons sai da
banda sumindo por um tempo no mundo. Flea mergulha em projetos
paralelos. Parecia que era o fim do Red Hot Chili Peppers.

Mother's Milk (1988–1990)


Anthony voltou para casa e Flea tornou-se pai de uma pequena menina
chamada Clara, ocasião em que decidem reconstruir a banda em memória de
seu grande amigo Hillel. Durante este tempo houve várias mudanças de
guitarristas e bateristas nos Peppers, até que finalmente acham um novo
guitarrista, John Frusciante de apenas 18 anos, que era um grande fã dos
Peppers e de Hendrix. Quando aconteceu o primeiro show com a banda os fãs
não acreditaram que ele nunca tivesse tocado com os Peppers antes. "John era
absolutamente um clone de Hillel. Ele não toca somente igual ao Hillel, ele se
move como o Hillel…", disse Alain Johannes. Coincidência ou não, John tinha
realmente todo o estilo de Hillel pois era o seu ídolo. Depois de muito
procurar, os Peppers também encontram um novo baterista, Chad Smith que
veio de Detroit.
Em fevereiro de 1989 os Peppers, com sua nova formação, começam
novamente. Em abril Kiedis tira toda sua roupa em frente a uma mulher no
backstage. Um ano depois ele tem que se justificar com um juiz na Virgínia.
Houve outro incidente com Flea e Chad durante o MTV Spring Break Party e
uma fã. Ultrapassadas as polêmicas, a banda começou a se dar muito bem.
Anthony Kiedis e John Frusciante tornaram-se grandes amigos. Mother's Milk
foi lançado em agosto de 1989 a partir de um trabalho longo e doloroso,
principalmente porque Frusciante e Michael Beinhorn, o novo produtor, não
se davam nada bem. O título do novo trabalho reflete a nova mentalidade do
conjunto: "O leite materno nutre e desintoxica. Quando você o bebe, você se
sente bem e saudável. E isso é o que a gente quer que nossa música
represente", disse Kiedis sobre o recém lançado álbum.
O disco Mother's Milk contém onze músicas e a cover de "Higher Ground" de
Stevie Wonder e "Fire" de Jimi Hendrix, na qual Hillel participa. O primeiro
single, "Knock me Down", foi lançado em memória de Hillel. Flea ainda toca
trompete em "Subway to Venus", "Taste The Pain" e "Pretty Little Ditty".
Finalmente os Peppers fizeram um álbum que fez sucesso nas paradas e
vendeu 2 milhões de cópias em todo o mundo. Começaram uma turnê na
Europa e deixaram os britânicos de cabelos em pé. Os RHCP, que tinham uma
certa implicância com a Inglaterra e não escondiam isso de ninguém, fizeram
um show completamente alucinante. Flea tocou baixo de cabeça para baixo,
sendo amarrado pelos pés. Frusciante dava ótimas idéias para a banda. Kiedis
e Flea começaram a considerar a idéia de lançar um álbum duplo porém não
achavam que a EMI estivesse fazendo um bom trabalho de divulgação.
Precisavam mudar de gravadora. Conseguiram se livrar do contrato e
receberam inúmeras propostas de outras gravadoras, até fecharem com a
Warner em 1991.

Blood Sugar Sex Magik (1990–1992)


O verdadeiro sucesso estava por vir. Com o novo contrato, também muda o
produtor, Rick Rubin era o novo. As gravações aconteceram numa mansão que
pertenceu a Rudolph Valentino, em Laurel Canyon. Durante oito semanas Rick
usou sua estratégia para gravação: os músicos tocaram frente a frente, no
mesmo quarto, usando menos tecnologia possível. O genial Blood Sugar Sex
Magik foi lançado no final de setembro de 1991. O álbum teve vários Hits,
como: "Give It Away", "Under the Bridge" e "Suck My Kiss" que atingem o
topo das paradas no mundo inteiro. Resultado, o disco torna-se sucesso
mundial, vendendo nada menos que 12 milhões de cópias, apesar de haver
uma grande concorrência naquela época, as bandas grunges, que para Kiedis
não era problema algum porque primeiramente simpatizava com elas e tinha
amigos como Nirvana, Pearl Jam, Alice in Chains e depois porque sabia que o
estilo dessas bandas não tinha nada a ver com o som que eles faziam.
Eles gravaram o primeiro clipe do álbum, "Give It Away", onde foram levados
para o Deserto de Mojave e foram pintados de prata. Em seguida "Under the
Bridge" estourou no mundo todo e as pessoas queriam conhecer a tal ponte
citada na música, viviam lhe perguntando a localização e ele respondia: "No
centro da cidade, mas eu não queria falar mais nada sobre isso. As pessoas
estão tentando encontrá-la, não é? Fuck! Não é uma atração turística, pelo
amor de Deus. É o território das gangues, vocês estão procurando uma bala
nos seus miolos?". Uma curiosidade, durante uma apresentação na Europa, os
Chili Peppers foram avisados para não se comportarem de forma muito sexual
no palco e muito menos usarem meias, porem como já era de costume da
banda contestar, eles fingiram concordar com as exigências, mas quando
subiram ao palco estavam vestidos de damas da idade média, imediatamente
foram expulsos do palco e tiveram que se explicar para toda a imprensa
européia.
A turnê foi enorme e muito cansativa. Em conseqüência, John Frusciante não
suporta toda essa pressão e constantes viagens e resolve deixar a banda,
ficando um outro problema nas mãos dos Peppers, faltavam apenas poucos
dias para o Lollapalooza, onde eram uma da atrações principais. Com a
correria interna, pois tiveram que arrumar, rapidamente um substituto para
John. A vaga foi ocupada por Arik Marshall que praticava até cinco horas por
dia durante três semanas. A banda estava esgotada, não agüentava mais o
ritmo dos shows, muitas coisas passavam pelas cabeças dos Peppers,
principalmente na de Anthony Kiedis, ele gostava de Arik, achava que era um
bom músico, mas não tinha a mesma criatividade de Frusciante, do qual sentia
falta, mas sua raiva e decepção eram maiores, ele tinha certeza que precisava
arranjar um outro guitarrista. Logo depois da saída de Arik Marshall, Jesse
Tobias entrou em seu lugar, mas não permaneceu por muito tempo.

One Hot Minute (1993–1998)


Os problemas não pararam por aí. Em 1993, Flea foi diagnosticado com fadiga
crônica e teve que descansar durante doze meses para que se recuperasse.
Em 31 de outubro, os Peppers perdem um dos seus melhores amigos: River
Phoenix. Quando isto aconteceu, Flea ficou muito doente com a perda de uma
importante pessoa de sua vida. Dave Navarro (ex-guitarrista do Jane's
Addiction), que estava com o "Deconstruction" foi solicitado novamente para
entrar no Red Hot Chili Peppers, para substituir definitivamente John
Frusciante. E em 5 de setembro, Dave Navarro é anunciado como novo
guitarrista do Red Hot Chili Peppers.
Ao contrário do Blood Sugar Sex Magik, a banda foi para o Hawaii buscar
inspiração, eles trocaram o silêncio da mansão por uma viagem descontraída e
"barulhenta". Em abril de 1994, Flea fica sabendo do suicídio de Kurt Cobain
através da televisão, ele fica chocado e conta para Kiedis, que começa a fazer
uma reflexão sobre sua vida, ele escreveu a letra de "Tearjerker" pensando na
morte de Kurt, afinal eles eram amigos e Kiedis tinha uma admiração
profunda por tudo que Kurt representava. Após o Woodstock, eles começam a
trabalhar no novo álbum e chamam novamente Rick Rubin para produzi-lo. O
nome do novo álbum passou por muitas alterações, assim como também a lista
de faixas, o que causou muitas dúvidas na banda. Os títulos considerados
naquela época para o novo álbum eram: "Hypersensitive", "Turtlehead",
"Black Fish Ferris Wheel", "The Blight Album" e "The Good and The Bad
Moods of The Red Hot Chili Peppers", até chegar ao nome definitivo. One Hot
Minute foi lançado em 8 de setembro de 1995.
O disco reflete o momento difícil pelo qual passava os integrantes, tendo um
clima bastante melancólico nas músicas que compõe o trabalho,
principalmente em baladas como "Aeroplane", "My Friends" e "Warped".
Kiedis tinha problemas com os pais de Jamie, sua namorada na época, eles
não aceitavam que sua filha de 17 anos se envolvesse com um rockstar de 31
(e é dessa história nasceu a letra da canção "Let's Make Evil"). One Hot
Minute obtém boa repercussão, mais fraca se comparada à do trabalho
anterior. Após a turnê mundial, o Red Hot Chili Peppers retorna para casa e
agora planeja o novo álbum sem data para o lançamento. Enquanto isso, John
Frusciante se afundava nas drogas, chegando a beirar a morte. E no dia 4 de
abril de 1998, Dave Navarro anuncia a sua saída do Red Hot Chili Peppers
para dar uma maior atenção ao seu projeto "Spread". Dave diz que mesmo não
estando com os Peppers eles serão amigos eternamente.

Californication (1999–2001)
Kiedis visita John Frusciante no hospital. Ele poderia esperar por todo mundo,
menos por Kiedis e fica extremamente feliz com a visita. Então, num
determinado dia, Flea estava em casa e alguém bate à porta. Era Kiedis e
Frusciante, já recuperado do vício e da depressão pela qual passava. Flea se
sentiu como se tivesse voltado sete anos no tempo. A banda precisava de uma
decisão sobre o seu futuro, mas faltava um guitarrista. O primeiro nome a ser
cogitado era Tom Morello, que na época tocava no Rage Against the Machine,
e que estava trabalhando na trilha sonora do filme Small Soldiers com o Flea.
"Peppers e Rage sempre tiveram uma ligação. Somos amigos e gostamos do
trabalho um do outro. Mas Tom não vai se juntar a nós." Disse Flea.
Para Flea e Chad Smith só havia um guitarrista que poderia tocar no Red Hot.
Assim, John Frusciante volta para a banda depois de seis anos. A sua volta é
confirmada por Anthony Kiedis numa entrevista para MTV no dia 29 de abril
de 1998. Somente em 1999 o grupo volta a gravar, lançando, em setembro,
Californication que foi um grande sucesso, apesar de soar um pouco pop. A
faixa-título, além de "Scar Tissue" e "Around the World" entre outras, são
executadas à exaustão nas rádios e na MTV.
O título tem a ver com
uma viagem que eu fiz ao
redor do mundo há uns
dois anos. Eu fui para
Índia, Tibet e outros — Anthony Kiedis sobre o nome
lugares e notei que a do álbum
minha cidade tem uma
grande influência no
resto de mundo. Mesmo
sendo tão longe
Rick Rubin decidiu quais faixas iria cortar. "Bunker Hill", "Gong Li", "Phat
Dance" e "How Strong" foram algumas. Ele escolheu canções que dessem ao
álbum uma nova direção. Esse álbum era para mostrar a nova fase dos Chili
Peppers, uma fase sóbria e madura. Por isso o elemento funk teve que ser
reduzido a: "Around the World", "Right on Time", "Get on Top" e "Purple
Stain".
By the Way (2002-2005)
Em julho de 2002, a banda lança o seu oitavo disco da carreira, intitulado By
the Way. Todos os integrantes se livraram de vez das drogas. E assim
começava uma série de sucessos. O álbum vendeu mais de um milhão de
cópias só na primeira semana do lançamento, recebendo muitas críticas dos
fãs, pois praticamente só tem baladas românticas. Muito provavelmente por
ter sido o primeiro álbum em anos que a banda fez sem usar nenhum tipo de
droga. Mas, mesmo deixando o funk rock um pouco apagado, o álbum tinha
algumas canções de destaque, como "Dosed", "The Zephyr Song", "By the
Way" e "Can't Stop". Também foi nesse álbum que surgiu uma das primeiras
críticas à mídia vinda dos Peppers, com a canção "Throw Away Your
Television". (Jogue fora sua televisão).
Em novembro de 2003, a banda lança o Greatest Hits, álbum com algumas das
músicas que fizeram mais sucesso durante toda a carreira dos Chili Peppers.
Teve também duas músicas inéditas: "Fortune Faded" e "Save the Population".
Dentre as faixas do álbum By the Way, as canções "Universally Speaking" e
"By the Way" foram inclusos na coletânea. Também nesse mesmo ano, a
banda faz um show que virou DVD, o Live at Slane Castle. O show foi na
Irlanda, em 23 de agosto de 2003.
Em 2004, a banda lança seu primeiro álbum ao vivo, o Live in Hyde Park, na
Inglaterra, no qual foi feito dois CDs do show. Também foram tocadas duas
músicas inéditas da banda; "Rolling Sly Stone" e "Leverage of Space". Em
2005, a banda faz poucos shows, pois estavam todos cansados com a turnê
mundial do álbum By the Way. Nesse mesmo ano, a banda participou de um
evento beneficente no "React Now" no dia 9 de setembro de 2005, em
Hollywood, Califórnia.

Stadium Arcadium (2006–2007)


Em 2006 foi lançado o álbum duplo Stadium Arcadium, nono álbum de estúdio
da banda, lançado em 5 de maio através da Warner Bros. Records. O álbum
vendeu 442 mil cópias nos Estados Unidos na primeira semana e estreou em
primeiro lugar na Billboard 200. Os singles "Snow ((Hey Oh))", "Tell Me Baby"
e "Dani California" emplacam. O álbum duplo possui dois CDs intitulados
"Mars" e "Júpiter". Destaque para "Dani California" que é a primeira canção
do álbum duplo. Planejado inicialmente para ser lançado como uma trilogia
em partes separadas, o álbum, duplo, compila as 28 melhores músicas
gravadas pela banda em parceria com o produtor Rick Rubin. Com mais de
seis milhões de cópias comercializadas ao redor do mundo, o álbum se tornou
o mais vendido de 2006. No clipe de "Dani California" algumas bandas são
homenageadas, como Sex Pistols, Nirvana e The Beatles. Dani California é
uma personagem da cabeça de Anthony. Ela também aparece em outras duas
músicas da banda; "By the Way"e "Californication".
Em fevereiro de 2007, a banda concorreu na 49ª edição do Grammy Awards
em Staples Center, Los Angeles. O álbum Stadium Arcadium foi indicado em
sete categorias e ganhou quatro grandes prêmios; "Melhor Performance de
Rock em Dupla ou Grupo" (Dani California), "Melhor Música Rock" (Dani
California), "Melhor Álbum de Rock" (Stadium Arcadium), "Melhor Disco em
Edição Especial (Box)" (Stadium Arcadium) e "Produtor do Ano" (Rick Rubin).

Hiato e planos futuros (2008–2009)


Anthony Kiedis disse em entrevista à Rolling Stone publicada no dia 20 de
maio de 2008, que o Red Hot Chili Peppers estarão dando pausa no momento.
Kiedis disse que banda está desgastada a partir de seus anos de trabalho sem
interrupções desde Californication. Kiedis explicou que ele está atualmente
preocupado com questões de cuidar de seu novo filho, enquanto que Flea está
experimentando novas idéias musicais, Frusciante está continuando a sua
carreira solo, e Chad Smith está com vários projetos com sua nova
'superbanda'. A banda tem planos de permanecer no hiato de "no mínimo um
ano." No entanto, Kiedis afirmou que ele está ansioso para começar a pensar
em novo projeto. Em entrevista à Rhythm Magazine, Chad Smith disse: "Nós
estivemos em turnê por um ano e meio, então dissemos 'vamos tirar um ano
de férias.' Nós não tiramos férias desde que o John voltou para banda, há
quase dez anos atrás. Nós escrevemos músicas, gravamos, daí saímos em
turnês de um ano e meio, depois escrevemos mais, e já fizemos esse ciclo três
vezes seguidas. Hora de dar uma paradinha. Anthony estava para ser pai, John
quer fazer um disco solo, Flea tem as coisas dele para cuidar. Todos
precisavam de uma pausa de ser os Chili Peppers." No entanto, Chad disse
que a banda não se separou e que terá planos junto com outros membros.
Chad Smith, no entanto, tem projetos com Sammy Hagar, Joe Satriani e
Michael Anthony com a superbanda Chickenfoot.
Em outubro de 2008, o baixista Flea anunciou que o RHCP fará uma pausa por
estarem "emocionalmente esgotados"."Trabalhamos arduamente durante
muito tempo", explicou o baixista Flea ao Los Angeles Times. "Estávamos
precisando ficar longe de tudo para olhar as coisas sob uma nova
perspectiva." Flea disse também que se matriculou na University of Southern
California para estudar música. "Estou grato que minha educação musical
tenha evoluído, mas é divertido aprender coisas que eu nunca havia estudado
antes."
John Frusciante lançou mais um novo álbum na carreira solo, aproveitando o
período de férias do Red Hot Chili Peppers, o guitarrista preparou o
lançamento de um novo álbum solo. O trabalho foi batizado de The Empyrean,
e o lançamento foi em 20 de janeiro de 2009, pelo selo americano Record
Collection. O disco trouxe dois convidados especiais, um deles é o ex-
guitarrista da banda inglesa The Smiths, Johnny Marr. O outro convidado é o
baixista Flea, parceiro de Frusciante no RHCP. The Empyrean é o décimo
álbum solo do guitarrista e o sétimo desde que ele voltou ao Red Hot Chili
Peppers em 1998.
John Frusciante deu uma entrevista à revista online The Horse Chronicles
onde afirma que não deixou a banda e que sempre que os Red Hot Chili
Peppers faziam uma pausa ele saía da banda. Mas em 16 de dezembro de
2009, John escreveu em seu site um breve esclarecimento sobre os boatos que
corriam na época. De acordo com a postagem, ele teria deixado a banda há
um ano. "Quando eu saí da banda, há mais ou menos um ano, estávamos num
hiato de tempo indefinido. Não houve drama ou raiva, e os outros caras foram
muito compreensivos. Eles apóiam eu fazer qualquer coisa que me faça feliz e
eu também os apóio."
A banda é uma das indicadas para o Rock and Roll Hall of Fame 2010, prêmio
que imortaliza os artistas mais importantes e influentes mundialmente.

Décimo álbum (2009–presente)


Os Red Hot Chili Peppers voltaram a um trabalho de estúdio em um novo
álbum desde 12 de outubro de 2009, com o guitarrista Josh Klinghoffer que
substituirá John Frusciante como guitarrista após sua segunda saída da
banda.277 O próximo album deverá ser lançado no final de 2010, de acordo
com Chad Smith.278 A banda fez seu retorno ao vivo em um tributo a Neil
Young em 29 de janeiro de 2010 no MusiCares.279

Membros
Vocal

•Anthony Kiedis que sempre esteve na banda desde que foi criada; no início
como amigo acompanhante da banda, depois como integrante oficial.

Baixo

•Michael Balzary, conhecido como "Flea", também desde o início da banda.

Guitarra

•Hillel Slovak - Primeiro guitarrista do Red Hot Chili Peppers. Morreu em


junho de 1988, com uma overdose de heroína. Foi substituído por John
Frusciante;
•Jack Sherman - Foi o guitarrista do primeiro álbum, quando Slovak tinha um
contrato com outra gravadora.
•DeWayne "Blackbyrd" McKnight.
277
Red Hot Chili Peppers To Begin Work On New Album
278
Spin.com
279
Red Hot Chili Peppers announce first gig since they disbanded. NME]] (12 de novembro de
2009). Página visitada em 2009-11-12.
•John Frusciante - Era um fã da banda, com 18 anos, que os impressionou com
seu estilo e técnica. Saiu temporariamente durante a turnê do álbum Blood
Sugar Sex Magik, voltando em 1999, no álbum Californication. No final do ano
de 2009, deixou novamente a banda, alegando ter vontade de seguir carreira
solo. Foi substituído por Josh Klinghoffer.
•Arik Marshall.
•Jesse Tobias.
•Dave Navarro - Ex-guitarrista da banda Jane's Addiction, gravou o álbum One
Hot Minute, de 1995. Atualmente toca no The Panic Channel.
•Josh Klinghoffer - ex-integrante da Bicycle Thief entra no grupo no inicio de
2010 para substituir o Frusciante que anunciou sua saida no final de 2009.
Josh havia participado da turne do albúm Stadium Arcadium juntamente com
os Peppers, fazendo a guitarra base. Klinghoffer também participou de alguns
trabalhos solo de John Fruciante.

Bateria

•Jack Irons - Saiu quando Hillel faleceu. Em 1994 foi tocar no Pearl Jam, onde
permaneceu até 1998. E recentemente lançou um disco solo chamado
Attention Dimension.
•Cliff Martinez - Tocou nos 2 primeiros álbuns, pois Irons tinha um contrato
com outra gravadora.
•D.H. Peligro - Ex-baterista dos Dead Kennedys. Guitarrista e vocalista de sua
banda própria: Peligro.
•Chad Smith, atual baterista desde 1989.

Discografia

Álbuns de estúdio
•1984 - The Red Hot Chili Peppers
•1985 - Freaky Styley
•1987 - The Uplift Mofo Party Plan
•1989 - Mother's Milk
•1991 - Blood Sugar Sex Magik
•1995 - One Hot Minute
•1999 - Californication
•2002 - By the Way
•2006 - Stadium Arcadium

Prêmios e indicações
O Red Hot Chili Peppers venceu seis vezes o Grammy Awards:280
•1993: Melhor Performance de Hard Rock - "Give It Away"
•2000: Melhor Canção de Rock - "Scar Tissue"
•2007: Melhor Álbum de Rock e Melhor Disco em Edição Especial - Stadium
Arcadium; Melhor Performance de Rock em Dupla ou Grupo e Melhor Canção
de Rock: "Dani California"
MTV Video Music Awards

•1992: Breakthrough Video - "Give It Away", Viewer's Choice - "Under the


Bridge"

American Music Awards

•2000: Artista Alternativo Favorito


•2006: Pop/Banda de Rock/Dupla/Grupo Favorito, Artista Alternativo Favorito

Billboard Muse Awards

•2000: Melhor Grupo Alternativo

A banda também recebeu uma estrela na Calçada da Fama de Hollywood em


2008.281

Ligações externas
•Página oficial da banda (em inglês)

Velvet Revolver
Velvet Revolver

280
Grammy Awards Vencidos por Red Hot Chili Peppers. Grammy.com. Página visitada em
2008-02-02.
281
Calçada da Fama das Estrelas de Hollywood de 2008.. Câmara do Comércio de Hollywood.
Página visitada em 2008-01-21.
A banda, em 2007

Informação geral
Origem Los Angeles, Califórnia
País Estados Unidos
Gêneros Hard rock
Período em atividade 2002 – 2008 (em hiato)
Gravadora(s) Sony BMG Music Entertainment
RCA Records
Afiliações Guns N' Roses
Stone Temple Pilots
Wasted Youth
Página oficial www.velvetrevolver.com
Integrantes
Slash
Dave Kushner
Duff McKagan
Matt Sorum
Ex-integrantes
Scott Weiland
Velvet Revolver é uma banda americana de hard rock, que surgiu a partir dos
ex-membros da banda Guns N' Roses, Slash, Duff McKagan e Matt Sorum.
Izzy Stradlin, ex-membro dos Guns N' Roses, recusou um convite para
ingressar na banda, e rapidamente foi recrutado um segundo guitarrista: Dave
Kushner, ex-Wasted Youth.

História

A entrada de Scott Weiland


O VH1 criou então um programa para descobrir o vocalista para a banda.
Após um processo longo e doloroso, apareceu Scott Weiland, que tinha
deixado os Stone Temple Pilots havia pouco tempo. Imediatamente a seguir, a
banda começou a trabalhar na música Set Me Free, que integrou a trilha
sonora oficial do filme "Hulk".
Filmes e o Álbum
O cd "The Italian Job" também contou com a participação do Velvet Revolver
com uma versão de "Money", originalmente do Pink Floyd.
O álbum surgiu: Contraband, lançado em 2004. O que surpreende é o fato de
não haver tantos solos como em álbuns anteriores dos membros. Destaques do
álbum são: "Slither", "Sucker Train Blues", "Fall To Pieces", "Set Me Free",
"Superhuman", "Dirty Little Thing" e "You Got No Right". Ainda que a
produção do álbum pudesse ter sido bem melhor, de acordo com o potencial e
currículo de cada membro da banda, contrasta a qualidade de som das
guitarras, baixo e bateria e a voz de Scott Weiland, que encaixa perfeitamente
no som da banda.

A Turnê
A banda pegou em quase todo o álbum, adicionou-lhe entre uma ou duas
músicas dos Guns N' Roses e do Stone Temple Pilots ("It's So Easy" e "Sex
Type Thing" marcam sempre presença, podendo outras ser adicionadas) e
ainda um cover do Nirvana, "Negative Creep", formando assim uma lista de 60
músicas. Scott Weiland conseguiu ultrapassar os seus graves problemas com
drogas e álcool com a ajuda dos outros membros.
A banda se apresentou no Estádio Palestra Itália lotado em São Paulo no dia
12 de abril de 2007, abrindo o show do Aerosmith.

Libertad
Após três anos do álbum anterior, Velvet Revolver lançou o seu segundo
álbum, Libertad. Lançaram Três singles: "She Builds Quick Machines", "The
Last Fight" e "Get Out The Door".
Demissão de Scott Weiland
No dia 1 de abril de 2008 a banda lançou um comunicado oficial anunciando a
saída do vocalista Scott Weiland. O fato ocorre às vésperas da turnê de
reunião do Stone Temple Pilots, e poucos dias após agressões entre o
vocalista e outros integrantes da banda em seus blogs na internet. Na
verdade, desde que foi escolhido para assumir os vocais da banda, Scott
Weiland sofreu com as comparações feitas entre ele e Axl Rose. Tanto no que
se refere à sua voz quanto no que se refere à sua performance de palco, sendo
que inúmeras vezes esta situação gerava incômodos. Os fãs de Slash, Duff e
Matt nunca digeriram bem a escolha de Weiland e faziam questão de
manifestar isso, embora sempre mantivessem um clima respeitoso nos shows,
que nunca contaram com maiores incidentes. Essa situação, somada a uma
possível reunião da antiga banda de Scott e ao mau relacionamento que o
mesmo mantinha com os outros integrantes da banda resultaram na inevitável
ruptura, sendo que hoje enquanto o Velvet procura um novo vocalista,
Weiland cuida da reunião de sua antiga banda. Após sua saída, em uma
entrevista concedida a um programa norte-americano, Scott disse que o ex-
vocalista da banda Skid Row, Sebastian Bach, se associa bem ao estilo do
Velvet Revolver.

Discografia
•2004 - Contraband
•2007 - Libertad

Galeria

Ligações externas
•Página oficial da banda (em inglês)
•Velvet Revolver rompe com o Vocalista Scott Weiland (em português)
Este artigo é um esboço sobre uma
banda ou grupo musical dos Estados
Unidos,
integrado ao Projeto Música. Você
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expandindo-o.

Nirvana (banda)

Nirvana
Dave Grohl, Kurt Cobain e Krist Novoselic, no
VMA em 9 de setembro de 1992.
Informação geral
Origem Aberdeen, Washington
País Estados Unidos
Gêneros Rock alternativo, grunge
Período em atividade 1987 – 1994
Gravadora(s) Sub Pop, Geffen Records
Integrantes
Kurt Cobain(falecido)
Krist Novoselic
Dave Grohl
Ex-integrantes
Aaron Burckhard
Chad Channing
Dale Crover
Jason Everman
Dave Foster
Dan Peters
Nirvana foi uma banda de grunge fundada no ano de 1986 em Aberdeen
(Washington), nos Estados Unidos da América. O grupo se desfez em 1994
com a morte de seu líder e vocalista, Kurt Cobain. Foram considerados como a
maior banda grunge da história e uma das maiores da história do rock.
Sua canção mais famosa, "Smells Like Teen Spirit" está entre as 20 melhores
músicas da história, além de ser considerada a segunda melhor música dos
últimos 20 anos. O álbum Nevermind (1991) vendeu até 2009 cerca de 26
milhões de cópias e teve a melhor capa de disco da história da música,
conforme pesquisa promovida pela revista eletrônica "Gigwise". O Nirvana
vendeu aproximadamente 75 milhões de álbuns no mundo todo até hoje.

História
Começo (1984 - 1988)
Em 1984, Kurt Donald Cobain fortalece a amizade com um rapaz muito alto
chamado Krist Anthony Novoselic, descendente de croatas. Os dois se
conheciam de vista da escola e de ensaios dos Melvins (banda muito
conhecida no cenário local). Mas começam a se entrosar quando tocam juntos
em alguns ensaios sem compromisso. Mesmo assim, Novoselic não se
empolgou imensamente com a ideia de participar de uma banda com Kurt.
Em maio de 1985, Kurt abandona a escola um mês antes de se formar. Em
dezembro, Kurt finalmente leva em frente sua primeira banda e lhe dá o nome
de Fecal Matter. Tocam com ele Dale Crover no baixo e Greg Hokanson na
bateria. A primeira fita do Fecal Matter é registrada ainda naquele mês. Kurt
e Crover viajam de Aberdeen a Seattle para usar o gravador de quatro canais
de Mari, tia de Kurt. A banda iniciante também faz um pequeno show em
Aberdeen, abrindo para os Melvins.
Em 1986, o Fecal Matter se desintegrava. Kurt continua brincando de rock em
jams com vários colegas. Novoselic passa a ser um companheiro mais
freqüente de ensaios, tocando seu baixo. O primeiro nome da banda é Stiff
Woodies. Depois, para ganhar uns trocados em bares, eles atuam com o nome
de The Sellouts, fazendo covers de Creedence Clearwater Revival. Kurt toca
bateria, Novoselic toca guitarra e canta, e um certo Steve Newman assume o
baixo.
Em janeiro de 1987, Aaron Burckhardt passa a ser o baterista fixo do trio que
seguirá mudando de nome até 1988: Bliss, Throat Oyster, Pen Cap Chew e
Windowpane. Em 17 de abril, com o nome de Skid Row, o trio toca ao vivo na
rádio comunitária KAOS, na Evergreen State College, em Olympia. A
apresentação se transforma na primeira fita demo da banda. Em outubro,
Aaron sai da banda, que passa a ensaiar com Dale Crover, que integrava os
Melvins. É uma solução breve, apenas para a gravação de uma fita demo
decente em um verdadeiro estúdio. Em setembro, Kurt começa seu primeiro
namoro firme com Tracy Marander. Ele vai morar com ela. De paixão, iam
bem. Mas a falta de asseio e a ociosidade de Kurt começam a criar atritos.
Em 23 de janeiro de 1988, Cobain, Novoselic e Crover gravam no Reciprocal
Studios, em Seattle, com o produtor Jack Endino, que abriu o local em 1986. O
trio sem nome definido grava dez músicas em seis horas. Naquela noite, a
banda se apresentaria com o nome de Ted Ed Fred em Tacoma, cidade
vizinha. Em Fevereiro, Jonathan Poneman, da Sub Pop, ouve a fita demo
depois de um toque de Jack Endino e gosta. Marca uma conversa com Kurt
Cobain em um café em Seattle. Os dois acertam a gravação de um compacto.
Em março, a banda escolhe seu nome definitivo, Nirvana, que é usado pela
primeira vez num show em Tacoma, com Dave Foster na bateria. Ele logo
seria dispensado. Em maio, Chad Channing assume o posto de baterista
definitivo. Em junho, a banda grava músicas para o seu primeiro compacto
pela Sub Pop. "Love Buzz/Big Cheese" saiu em novembro.
Bleach (1989 - 1990)
O interesse por um álbum crescia, não só na banda, mas também nos
funcionários da Sub Pop. As sessões finais de gravação para o disco de estréia
da banda aconteceram em dezembro de 1988. Em fevereiro de 1989, Jason
Everman é escalado como segundo guitarrista da banda e faz sua estréia em
um show na Universidade de Washington. Amigo de Chad Channing, Everman
emprestou 600 dólares para pagar o tempo de estúdio das gravações de
Bleach - a título de curiosidade, Jason nunca chegou a ser reembolsado.
Embora não tocasse no disco, seu nome foi impresso na capa como membro
da banda e segundo guitarrista. Em 15 de junho, o trabalho é finalmente
lançado pela Sub Pop.
Com o lançamento de Bleach, a banda realiza a sua primeira turnê pelos
Estados Unidos - toca em cidades como Chicago, Filadélfia, Cincinnati, Nova
York, e faz o último concerto da excursão em Denver, em 11 de Outubro.
Durante a turnê, em Agosto, grava duas novas canções para seu EP Blew no
Music Source Studios, em Seattle, com o produtor Steve Fisk. Naquela época,
Jason Everman foi dispensado da banda.
De outubro a dezembro, o grupo voa em direção à Europa e faz aí a primeira
turnê junto com a banda Tad, também da Sub Pop. O interesse do continente
pelo som de Seattle foi tanto, que antes mesmo do Nirvana lançar seu
primeiro álbum, a Sub Pop lançava a coletânea Sub Pop 200, em dezembro de
1988, que contava com gravações das principais bandas do selo independente.
O Nirvana contribuiu com a faixa "Spank Thru". Sub Pop 200 lançou o rótulo
grunge e atraiu a atenção da imprensa musical britânica, que tratou de
espalhar para o resto do mundo que uma cidade chuvosa dos Estados Unidos
era a nova "salvação" do rock. Naquela turnê, o Nirvana tocou em lugares
importantes como Alemanha, Holanda, Áustria, Suíça, Reino Unido, França e
Itália. Ainda em dezembro, finalmente o EP Blew sai no Reino Unido pela
gravadora Tupelo. Ao regressar para os EUA, Krist Novoselic se casa no dia
30 com Shelli, sua namorada desde março de 1985.
1990 chega e muita coisa foi feita naquele ano. Nos dias 2 e 3 de janeiro a
banda entra nos Reciprocal Studios com Jack Endino, para gravar e mixar
apenas uma música: "Sappy". A gravação nunca foi lançada oficialmente - ela
só seria refeita em 1993 e lançada como faixa secreta na coletânea de vários
artistas No Alternative, sob o título mais conhecido de "Verse, Chorus, Verse".
De 2 a 6 de abril de 1990, a banda grava com o produtor Butch Vig nos Smart
Studios em Madison, Wisconsin. Pelos planos, seria o começo do segundo
álbum da banda para a Sub Pop. Quem indicou Vig e seu estúdio foi um dos
donos da Sub Pop, Jonathan Poneman. Ainda em abril, Kurt e Tracy terminam
o namoro. De maio a novembro, Kurt namora Tobi Vail, da banda Bikini Kill,
após um ano de amizade. Ainda em maio, Chad Channing é dispensado da
banda. Insatisfação e falta de empolgação por parte do baterista se juntaram à
falta de pegada que os outros dois vinham sentindo.
Em 11 de julho, com a ajuda de Dan Peters, baterista do Mudhoney, a banda
grava "Sliver" em um intervalo da banda Tad, nos Reciprocal Studios. Em
menos de uma hora, o Nirvana liga seus instrumentos nos amplificadores do
Tad, passa a música duas vezes, desliga tudo e libera o estúdio, antes da volta
da outra banda. Cobain gravaria os vocais no dia 24 de julho.
De julho a setembro, Kurt e Novoselic estavam tão insatisfeitos com a falta de
atenção e os métodos pouco cuidados da Sub Pop que enviam a fita demo feita
em abril para várias gravadoras grandes. Muitas demonstram interesse, e a
banda passa a estudar propostas.Em setembro, o baterista David Eric Grohl
fica sem banda com o fim do Scream, um grupo de hardcore punk baseado em
Washington D.C., a capital dos EUA, do qual fazia parte. Como Cobain e Krist
Novoselic já tinham arregalado os olhos com Grohl em um show do Scream e
conversado com ele, nada mais adequado que ele fizesse um "teste" para a
vaga aberta. Grohl passa com louvor - com tanto louvor, que Cobain comenta
com Krist Novoselic que haviam acabado de encontrar "o melhor baterista do
mundo".
Um novo compacto - "Sliver/Dive" é lançado em Setembro pela Sub Pop. Em
11 de outubro, Dave Grohl realiza seu primeiro show com o Nirvana, no Noth
Shore Surf Club, em Olympia, Washington. Naquele ano e até aquele
concerto, a banda havia realizado cerca de trinta espectáculos pelos EUA. O
dia 20 marca o retorno da banda à Europa para a realização de mais cinco
shows, todos no Reino Unido. Chegando à Londres, a banda faz nova sessão
para o programa do famoso radialista John Peel. O último concerto realizado
no Reino Unido foi dia 27 de Outubro. Em Novembro, a banda já estava de
volta à Seattle e assina contrato para ser empresariada pela firma Gold
Mountain, que também administra a carreira do Sonic Youth e de outras
grandes bandas mais comerciais.

Nevermind (1991 - 1992)


1991 chega para entrar definitivamente na história da música como início de
uma nova era do rock and roll. Em Janeiro, Kurt faz os primeiros esboços de
sua canção mais famosa, "Smells Like Teen Spirit", que é tocada pela primeira
vez em 17 de Abril em um concerto no OK Hotel, em Seattle.
Em 30 de Abril, após meses de negociação, a banda por fim assina contrato
com o selo DGC, da gravadora Geffen, e recebe um adiantamento de 290 mil
dólares. A Sub Pop leva uma indenização de 75 mil e garante para si uma
pequena percentagem sobre as vendas dos dois primeiros álbuns dos Nirvana
pela Geffen.
Entre Maio e Junho, a banda grava o segundo álbum de sua carreira (e o
primeiro por uma gravadora grande), Nevermind. As sessões são nos Sound
City Studios, em Van Nuys, Califórnia. O produtor é Butch Vig, baterista da
banda Garbage, e o mesmo produtor das gravações feitas em Abril de 1990,
que seriam para a Sub Pop. A mixagem final do disco fica com Andy Wallace.
Apenas a faixa "Polly" não foi gravada nos Sound City Studios - foi gravada
naquele Abril de 1990 no Smart Studios, em Wisconsin.
Entre Agosto e Setembro, a banda viaja novamente para a Europa para a
realização de uma nova turnê europeia abrindo para o Sonic Youth, e participa
até do Reading Festival. Em 3 de Setembro, mais uma sessão é gravada no
programa do radialista John Peel. No dia 10 do mesmo mês, o single de
"Smells Like Teen Spirit" é lançado. E finalmente no dia 24, sai Nevermind,
com primeira prensagem de 50 mil cópias.
Em 12 de Outubro, o vocalista Kurt Cobain e Courtney Love iniciam uma
relação amorosa, após um show do Nirvana em Chicago. Ainda em Outubro,
depois de um mês de lançamento, Nevermind chega a 500 mil cópias vendidas
(um número que a Geffen previa atingir, com muita sorte, em um ano ou até
mais) e alcançara a marca de disco de ouro (de acordo com os padrões da
indústria musical dos Estados Unidos). Notando um aumento de pedidos, a
emissora musical MTV decide exibir com maior frequência o clipe de "Smells
Like Teen Spirit" ao longo de cada dia. Estima-se que esse single tenha
vendido até hoje cerca de 5 milhões de cópias no mundo todo.
Em Novembro, após dois meses subindo, Nevermind se coloca entre os dez
primeiros na parada de álbuns da revista Billboard. Em 16 de novembro, é o
nono. Na semana seguinte, pula para quarto lugar. Em dois meses nas lojas, o
álbum chega a 1,2 milhões de cópias vendidas. De Novembro a Dezembro,
mais uma turnê europeia é realizada.
Em 11 de Janeiro de 1992, depois do impulso das vendas de Natal, Nevermind
conseguiu tirar Dangerous, de Michael Jackson, do topo das paradas. Após
pouco mais de três meses, o álbum vendeu 2 milhões de cópias (o equivalente
a dois discos de platina). No mesmo dia em que tem a confirmação de que
chegou ao topo dos tops, o Nirvana se apresenta ao vivo no mais famoso
programa humorístico da TV norte-americana, o Saturday Night Live.
Em Março, Kurt exige renegociação da divisão de direitos autorais, alegando
que compõe quase tudo de cada música da banda. Os outros membros do
grupo ficam bastante contrariados e ressentidos e a banda fica bem perto de
acabar. Mas o novo acordo acaba saindo. O que era dividido em três partes
iguais passa a ser fracionado em 70% para Cobain e os 30% restantes para os
outros dois.
Na primeira quinzena de Agosto o vocalista da banda Kurt Cobain é internado
no hospital Cedars-Sinai de Los Angeles, para tratamento de desintoxicação,
numa tentativa de se livrar do vício em heroína que o atormentava.
Em 18 de Agosto, nasce Frances Bean Cobain, filha de Kurt. Courtney Love dá
à luz no mesmo hospital em que Kurt estava internado desde o começo do mês
para se desintoxicar.
Em 9 de Setembro, a banda se apresenta ao vivo na cerimónia de entrega dos
MTV Awards em Los Angeles. A emissora proíbe a banda de tocar uma música
nova, "Rape Me", por conter a palavra "estupro". Já no palco, Kurt chega a
tocar os primeiros acordes dela, no entanto acaba por mudar para "Lithium".
Em 11 de Setembro, sem ver o pai pessoalmente desde meados da década de
80, Kurt se encontra com Don Cobain nos camarins de um concerto dos
Nirvana, no Coliseum de Seattle. Uma reunião fria e tensa. Kurt diz ao pai que
não o odeia mais, e coloca isso na música "Serve the Servants", gravada no
ano seguinte.
Em 04 de Outubro fazem um show surpresa em Seatlle, no Crocodile Cafe, no
melhor estilo "volta as origens", tocando apenas músicas antigas, sem um set-
list, com destaque para aquela velha energia que a banda sempre
demonstrava em suas apresentações.
Nos dias 24 e 25 de Outubro, no estúdio Word of Mouth (novo nome dos
Reciprocal Studios), em Seattle, a banda grava com o produtor Jack Endino as
bases de músicas para o próximo álbum. Em 30 de Outubro, visita a América
do Sul pela primeira vez e faz um show na Argentina, no estádio do Vélez
Sarsfield, em Buenos Aires. A plateia de 50 mil pessoas, ansiosa por ver o
Nirvana, vaiam e atiram objetos no palco durante o concerto de abertura da
banda americana feminina Calamity Jane, convidada para a viagem. Quase
como pequena vingança a banda na sua apresentação toca várias músicas
desconhecidas e provoca o público tocando apenas os primeiros acordes de
"Smells Like Teen Spirit". Apesar do bom show, esse concerto foi classificado
por Novoselic como um "eterno ensaio".
Em 15 de Dezembro, é lançado o disco "Incesticide" pela DGC/Geffen, para
encobrir a ausência de um álbum com músicas inéditas em 1992. O disco é
uma coletânea de faixas lançadas em compacto ou registradas em fitas demo,
desde os tempos da Sub Pop. Alcançou boas vendas, atingindo a posição 39 da
Billboard 200 e recebendo na segunda metade de 93 o disco de ouro nos EUA.
O release do disco para a imprensa foi escrito pelo próprio Kurt Cobain.
In Utero (1993)
Em Janeiro de 1993 a banda visita o Brasil. A banda faz dois shows no festival
Hollywood Rock, o primeiro em São Paulo, no estádio do Morumbi no dia 16.
Depois de uma apresentação totalmente inusitada para um público de mais de
100 mil pessoas, o maior da história da banda, o que se presenciou foi um
Cobain com uma guitarra desafinada e que não conseguia acompanhar a
velocidade dos outros instrumentos. 30 minutos de apresentação, Novoselic
larga seu instrumento e abandona o palco. Como o contrato com os
organizadores previa um minimo de 45 minutos de show, ele foi convencido a
voltar. Músicas atravessadas ou tocadas pela metade, incluindo diversos
covers como "We Will Rock You", do Queen, "Rio", do Duran Duran, "Seasons
in the Sun", de Terry Jecks, a introdução de "Run to the Hills" do Iron Maiden
entre outras, precedido do quebra-quebra de instrumentos marcaram essa
apresentação como a pior de sua carreira. Existem relatos de que uma das
guitarras destruídas havia sido um presente de estimação da esposa. Durante
o auge da destruição, Novoselic se dirigiu até o cantor para dar um beijo
carinhoso e um abraço. Após o show, Cobain e Courtney Love decidem curtir
as loucuras da noite de São Paulo juntamente com o cantor punk brasileiro
João Gordo e outros amigos. Gordo havia conhecido Dave Grohl anteriormente
em um festival de música na Holanda e essa foi a chave para o cantor se
enturmar com toda a banda. No dia 22, o Nirvana já estava no Rio de Janeiro,
ensaia e grava algumas demos nos estúdios da BMG. O improviso "Gallons of
Rubbing Alcohol Flow Through the Strip" acabaria lançado como faixa-bônus
nas versões não-americanas do álbum In Utero.Dia 23 foi o dia do show na
Praça da Apoteose do Sambódromo do Rio. Com um set-list imenso, o concerto
começou bem, com "School", "Drain You", "Breed" e "Sliver" na sequência,
mas no meio da apresentação Kurt entusiasmou-se e durante a até então
inédita Scentless Apprentice desceu do palco, cuspiu nas câmeras da Rede
Globo que transmitia o evento ao vivo e simulou masturbação diante delas.
Atônita, a emissora cortou a transmissão do evento logo após o fim do 1º set e
reprisou algumas músicas do Dr. Sin, Engenheiros do Hawaii e L7, as bandas
de abertura do dia. Contou ainda a participação de Flea, do Red Hot Chilli
Peppers no trumpete em "Smells Like Teen Spirit". No fim do show, Cobain,
visivelmente esgotado, saiu do palco engatinhando. Bandas como Alice in
Chains, L7 e Red Hot Chili Peppers também tocaram no Hollywood Rock.
De volta aos Estados Unidos, entre os dias 14 e 24 de Fevereiro sessões do
álbum In Utero foram gravadas nos Pachyderm Studios, montados pelo
produtor e músico Steve Albini em uma casa em Cannon Falls, um lugarejo de
cerca de 3000 habitantes ao norte de Minneapolis, Minnesota.
Em 23 de Março, Cobain e sua esposa ganham o litigio que tinha com a
justiça, que lhes restabelece a guarda da filha e libera o casal da obrigação de
fazer testes de detecção de droga no sangue. De Abril a Maio, a partir de
reportagens do jornal Chicago Tribune e da revista Newsweek, cria-se a
polêmica de que a gravadora Geffen achou péssimo e pouco comercial o
material de In Utero, gravado em Fevereiro com Albini. O próprio Albini faz
afirmações de que a gravadora pressiona a banda a refazer as músicas ou,
pelo menos, deixá-las mais "apresentáveis" ou profissionais. A banda faz um
comunicado garantido que não sofre interferência artística da Geffen. Mesmo
assim, "Heart-Shaped Box" e "All Apologies" são remixadas por Scott Litt,
produtor que trabalhou com os R.E.M.Entre Maio e Julho, Kurt e Courtney
enfrentam alguns problemas de ordem pessoal. Em 2 de Maio Kurt sofre de
uma overdose de heroína em sua casa em Seattle. Uma medicação de
emergência aplicada por Courtney impede sua morte. Em 4 de Junho, Kurt é
detido por três horas pela polícia de Seattle após uma briga caseira com a
esposa. O pivô da discussão: as armas que Cobain tinha em casa. A discussão
alerta a vizinhança, que chama a polícia. Kurt é acusado de agressão física a
Courtney. Em 23 de Julho, Kurt sofre outra overdose, desta vez em um hotel
em Nova York. Novamente os primeiros socorros de Courtney salvam a sua
vida. Finalmente, em Setembro, o álbum In Utero é lançado. No dia 14 o vinil
estava nas lojas. A versão em CD só chegaria no dia 21. As cadeias de
supermercados Wal-Mart e Kmart ameaçam não vender o disco por causa da
música "Rape-Me" (Estupre-Me) e pelos fetos que aparecem na ilustração da
contracapa. A banda e a Geffen providenciam uma versão mais "suavizada".
Kurt concorda, e diz que faria as alterações sem maiores crises - "Quando
criança, um dos poucos lugares que eu podia freqüentar era o Wal-Mart.
Acredito que ainda hoje existem crianças que crescem assim. Quero que elas
possam comprar meu disco", argumentou Cobain.Com toda a expectativa dos
fãs por um material novo do Nirvana, In Utero entra diretamente em primeiro
lugar na parada de álbuns da Billboard. Alcança um milhão de cópias vendidas
em dois meses nas lojas.Em 25 de Setembro, Pat Smear (nascido em 1959, Pat
foi ex-membro da banda de hardcore The Germs durante o final da década de
70) estréia oficialmente como segundo guitarrista do Nirvana na apresentação
ao vivo no programa de TV Saturday Night Live. Kurt e Courtney haviam
desenvolvido grande amizade por Pat. Contudo, o principal motivo de Smear
ter sido escalado como segundo guitarrista, foi devido a uma decisão do
próprio Kurt, que àquela altura estava bastante focado em aprimorar seus
vocais e se livrar um pouco do peso (nos dois sentidos) da guitarra em
performances ao vivo. Em alguns shows, Kurt literalmente jogava a guitarra
no chão e se mostrava um verdadeiro cantor - Cobain visivelmente gostava
daquele diferente jeito de se apresentar.
A abertura da turnê de In Utero pela Europa se dá em Portugal no dia 6 de
Fevereiro de 1994 com um concerto no Pavilhão Dramático na vila de
Cascais .
MTV Unplugged in New York (1993)
Em Novembro de 1993, a banda é convidada pela MTV para a realização de
uma de suas principais apresentações, o famoso concerto acústico Unplugged.
Alex Coletti, o idealizador do programa, realiza o convite, que é aceito pela
banda sem fazer muito charme nem dificultar as negociações. O programa
Unplugged surgiu em 1989 com uma ideia simples: artistas de renome que
usam instrumentos elétricos tocando músicas com instrumentos acústicos,
principalmente o violão. Com sua tempestuosa relação com a fama e o sucesso
em grandes proporções, Kurt determinou um limite: nada de "grandes
sucessos do Nirvana" no repertório. Nem mesmo usar a oportunidade para
promover o recém-lançado In Utero. Cobain também fez questão de incluir
covers que a banda nunca gravara antes. E não convidou nenhum astro, antes
membros da banda anônima Meat Puppets, ao contrário do que se especulava
na época - muitos acreditavam que Eddie Vedder, cantor do Pearl Jam,
dividiria o palco com Kurt. Para a decoração do ambiente, Kurt quis algo
simples e aconchegante. Pediu flores e velas. Coletti perguntou, meio
brincando: "Como um velório?" - Kurt respondeu que sim.Gostar, a MTV não
gostou. Mas engoliu as "excentricidades de Kurt". Na noite de 18 de
Novembro de 1993, depois de muito ensaiar, a banda entrou no palco
montado nos estúdios da Sony, em Nova York, para gravar o "MTV Unplugged
in New York". Pat Smear, estava como segundo guitarrista, e os irmãos Curt e
Chris Kirkwood, da banda Meat Puppets, subiram ao palco e tocaram três
músicas ("Plateau", "Oh, Me" e "Lake Of Fire") para Kurt cantar. Destaque
para "Jesus Doesn´t Want Me For A Sunbeam" dos Vaselines, com Novoselic
no acordeon, "The Man Who Sold the World", de David Bowie e as versões de
"Come As You Are" e "About a Girl".
O MTV Unplugged in New York foi um grande sucesso. Sendo exibido até a
exaustão pela emissora, e sendo o "Unplugged" mais conhecido, a
apresentação se tornou um clássico eternizado no mundo do rock, com ótimas
vendas após seu lançamento, em novembro de 1994. Recebeu em 1996 um
Grammy Award de Melhor Álbum Musica Alternativa.
Apenas em 2007 foi lançada a versão em DVD do concerto sem cortes, com
imagens dos ensaios e entrevistas inéditas.
Morte e Fim (1994)
Em 1994 a banda faz nova turnê pela Europa. Em 1º de março ocorre o último
show do Nirvana no Terminal Einz em Munique, Alemanha. Cobain parece
estafado, visivelmente com a voz desgastada, e ainda determina férias
instantâneas. Shows marcados para os dias 2 e 3 são cancelados e, depois,
adiados para abril, quando a turnê européia teria sua segunda parte. Cobain
vai para Roma, Itália, para descansar e se encontrar com Courtney Love.
Courtney chega a Roma no dia 3 e encontra Kurt no Hotel Excelsior. O casal
passou várias semanas sem se ver. As expectativas de Kurt pelo reencontro
levam um banho de água gelada quando Courtney diz que está exausta e quer
dormir. Quando acorda na manhã do dia 4, Kurt está no chão, com o nariz
sangrando. Ele havia tomado champanhe e cerca de 50 pílulas do
tranqüilizante Rohypnol. Kurt deixa uma carta de despedida com três folhas,
caracterizando a tentativa de suicídio. Mas, oficialmente, o fato é divulgado
como uma dose excessiva e acidental de medicamentos. Na carta, Kurt diz que
Courtney não o ama mais, e que ele preferia morrer a passar por mais um
divórcio (o primeiro foi o de seus pais). Internado no hospital Umberto I, Kurt
sai do coma no dia 5 e é transferido para o American Hospital, também em
Roma. Recebe alta no dia 8 e volta para os EUA no dia 12.
Em 18 de março, Courtney chama a polícia de Seattle porque Kurt se trancou
em um quarto da casa com um revólver. Os policiais conversam com ele, que
afirma querer apenas ficar longe da esposa. Quatro armas que Cobain tem na
casa são confiscadas. No final do mês, o consumo de heroína de Cobain estava
nitidamente descontrolado. Ele perambula pela cidade para comprar droga e
se injetar. Traficantes começam a mandar Kurt se aplicar em outra freguesia,
com medo que ele morra de overdose e cause suas prisões. Familiares e
amigos de Kurt fazem uma reunião para pressioná-lo a deixar seu vício. A
reação de Kurt é achar que todos passaram a ser seus inimigos e ele não tem
mais ninguém no mundo. Mesmo assim, ele acaba concordando em se internar
na Exodus, uma clínica de desintoxicação em Los Angeles. No dia 30 daquele
mesmo mês, Kurt pede que seu amigo Dylan Carlson compre um revólver para
ele, dizendo que a polícia confiscou suas armas e ele queria ter uma proteção
contra invasores. Depois da compra, Cobain viaja de Seattle para Los Angeles
e se interna na clínica.
Em 1º de abril, depois de dar um telefonema para Courtney Love, Cobain foge
da clínica no começo da noite, escalando o muro. Pega um avião e volta para
Seattle. Nos dias seguintes, circula sorrateiramente pela cidade comprando e
usando heroína, principalmente na casa de amigos ou traficantes. Ninguém
que tenta encontrá-lo consegue descobrir seu paradeiro. O dia 5 de abril,
pelos exames dos legistas, é a data de suicídio de Kurt Cobain. Kurt injeta
uma dose tão grande de heroína que já bastaria para causar sua morte. Mas
completa o seu intento com a arma que Dylan Carlson comprara uma semana
antes. Cobain se mata com um tiro na cabeça no sótão de sua casa em Seattle.
No dia 8 de abril, o corpo de Kurt é achado por um eletricista que faria uns
serviços na casa, e o mundo toma conhecimento de sua morte. Naquele
momento Kurt Cobain, 27 anos, já cultuado em vida, tornou-se mito. Um
bilhete de adeus, mais curto que o escrito em Roma um mês antes, é
encontrado ao lado do cadáver, e marca o fim de uma vida talentosa - porém
problemática - como marca o desfecho de uma das maiores bandas de rock de
todos os tempos.

Pós-Nirvana (1995 - presente)


Com o fim do Nirvana, cada um seguiu seu caminho. Mas Krist Novoselic e
Dave Grohl seguiram próximos para defender os interesses do material
gravado pela banda. Deram trato final à coletânea de vídeos Live! Tonight!
Sold Out! (que Kurt já vinha preparando em seu último ano de vida) e
organizaram em 1996 o álbum ao vivo From the Muddy Banks of the Wishkah.
No ano de 2002, os músicos também participaram da concepção da coletânea
Nirvana, que reúne a faixa até então inédita "You Know You're Right" e outras
de sucesso da banda.
Uma caixa de CDs e DVD com uma grande seleção de músicas raras e inéditas
acabou saindo em 2004 - With the Lights Out foi organizada pela facção
Novoselic-Grohl depois de anos emperrada por Courtney Love.
Sobre carreiras, Dave Grohl gravou suas composições em 1995 para um
projeto solo que virou a banda Foo Fighters, em que é guitarrista e vocalista.
Pat Smear se juntou a Grohl nos primeiros anos da banda e retornou
recentemente para a realização de alguns shows. O Foo Fighters não toca
músicas do Nirvana, com exceção de "Marigold", de autoria do próprio Grohl,
que canta e toca guitarra gravada pelo Nirvana e lançada em 1993 no single
de "Heart-Shaped Box".
Krist Novoselic demorou mais para sair da reclusão artística. Em 1997, lançou
o álbum Sweet 75. O Sweet 75 era a dupla que Krist formara com a exótica
cantora venezuelana Yva Las Vegas. Yva conseguiu a proeza de animar a festa
de aniversário de Novoselic em maio de 1994, um mês depois da morte de
Cobain. Mas o Sweet 75 acabou em 1998, por atritos pessoais. Krist passou a
se dedicar mais a causas que envolvessem política e música. Em 2002 formou
a banda Eyes Adrift, juntamente com o ex-baterista do Sublime, Bud Gaugh, e
o guitarrista do Meat Puppets, Curt Kirkwood. A banda lançou um disco Eyes
Adrif no mesmo ano e desintegrou-se pouco depois. Em 2004, Krist lançou o
livro "Of Grunge and Government: Let's Fix this Broken Democracy!". Desde
2006, Krist voltou como baixista da banda Flipper. Realizou novas turnês com
o grupo e atualmente a banda se prepara para o lançamento de um novo
álbum. Em 2007, a MTV lança o DVD da série Unplugged, com as cenas do
show acústico, mais cenas inéditas, cenas de ensaios e depoimentos de
algumas pessoas que estiveram lá…
No meio do ano de 2009, a Activision lançou o jogo Guitar Hero 5, o qual, com
a ajuda de Courtney, teve como um dos personagens Kurt Cobain. Mas logo
após o lançamento, tanto Courtney, como Krist e Dave se decepcionaram, pois
o personagem pode jogar em todas as músicas, cantando até músicas de Bon
Jovi e dando passos de dança.

Membros

Formação final
•Kurt Cobain - vocal e guitarra (1987-1994)
•Krist Novoselic - baixo (1987-1994)
•Dave Grohl - bateria e voz secundária (1990-1994)
•Pat Smear - guitarra (1993-1994)

Membros de formações anteriores


•Aaron Burckhard - bateria (1987-1988)
•Dale Crover - bateria (1988 a Agosto 1990)
•Dave Foster — bateria (1988)
•Snoogle Pums - bateria (1988-1990)
•Jason Everman - guitarra (1989) - Participou de alguns shows logo após o
lançamento do Bleach. Embora o nome dele apareça no Bleach como segundo
guitarrista, Jason não tocou nenhuma música. O único registro em estúdio que
Jason Everman participou com o Nirvana foi na gravação de um cover dos
Kiss, "Do You Love Me?", lançada em 1990. Após saída do Nirvana, Jason
tocou no Soundgarden por um tempo como baixista.
•Dan Peters - bateria (1990) - apenas tocou num concerto (22 de Setembro de
1990) e gravou Sliver do álbum Incesticide.

Membros de digressão
•Pat Smear - guitarra (1993-1994)
•Lori Goldston — violoncelo (1993-1994)
•Melora Creager — violoncelo (1994)

Discografia
Principais álbuns
•Bleach (1989)
•Nevermind (1991)
•Incesticide (1992)
•In Utero (1993)

Bibliografia
•Come As You Are - The Story of Nirvana, de Michael Azerrad, Virgin Books,
Reino Unido, 1996.
•Heavier Than Heaven - A Biography of Kurt Cobain, de Charles R. Cross,
Hyperion, EUA, 2001; Mais Pesado Que O Céu - Uma Biografia de Kurt
Cobain, Editora Globo, Brasil, 2001.
•On The Road to Nirvana, de Gina Arnold, Pan Books, Reino Unido, 1995.
•Fragmentos de uma Autobiografia, de Marcelo Orozco, Editora Conrad,
Brasil, 2002.
•Cobain Unseen, de Charles R. Cross, Little, Brown and Company, EUA, 2008.
•Cobain dos Editores da ROLLING STONE (BRASIL ,2009)

Trechos
•Trecho de Come As You Are
•Trecho de Dumb
Ver também
•Lista de recordistas de vendas de discos no Brasil
•Lista de recordistas de vendas de discos

Ligações externas
•Rare concert photos (em inglês)
•Várias informações sobre a banda, downloads (em português)

Pearl Jam

Pearl Jam em 2006, da esquerda para a direita: Mike McCready, Stone Gossard, Jeff
Ament, Matt Cameron, Eddie Vedder e Boom Gaspar
Informação geral
Origem Seattle, Washington
País Estados Unidos
Gêneros Rock alternativo, grunge
Período em atividade 1990 - Atualmente
Gravadora(s) Monkeywrench
Universal Music Group
J Records
Epic Records
Afiliações Green River, Soundgarden, Bad Radio,
Mother Love Bone, Temple of the Dog,
Brad, Hovercraft, Wellwater
Conspiracy, Mad Season, Three Fish,
The Rockfords, Neil Young, Red Hot
Chili Peppers
Página oficial PearlJam.com
Integrantes
Eddie Vedder
Stone Gossard
Jeff Ament
Mike McCready
Matt Cameron
Ex-integrantes
Dave Krusen
Matt Chamberlain
Dave Abbruzzese
Jack Irons
Pearl Jam é uma banda de rock oriunda da cidade de Seattle, nos Estados
Unidos da América, no auge do período do movimento grunge local, e é
considerada uma das mais populares e influentes da década de 1990. Eles,
junto com Nirvana, Soundgarden, Mother Love Bone, Alice in Chains e
Mudhoney, ajudaram a popularizar o movimento grunge no início dos anos 90.
Pearl Jam é uma das poucas bandas grunges que continuaram ativas até hoje,
mesmo após o fim das suas outras bandas contemporâneas.
A banda detém uma marca inusitada: durante a turnê de Binaural, lançou
nada menos que 72 CDs duplos, que traziam na íntegra cada um dos
concertos da turnê. Suas atitudes em defesa dos fãs, tais como um processo
movido contra a empresa Ticketmaster (que monopoliza o mercado de venda
de ingressos em território americano) tornaram-se marcos. No caso contra a
distribuidora de ingressos, a banda exigiu na justiça que a empresa reduzisse
seus lucros, a fim de diminuir o preço dos ingressos de seus concertos, para
que os fãs fossem beneficiados. Somando-se isso ao engajamento político e em
causas de ajuda humanitária, o Pearl Jam tornou-se uma das mais idolatradas
e respeitadas bandas da história do rock vendendo ate a data cerca de 30
Milhões de discos nos Estados Unidos282, e 60 Milhões em todo o mundo.283284,
e sendo a banda recordista de álbuns ao vivo285

História

Outras Bandas (década de 80)


O embrião do Pearl Jam foram outras pequenas bandas de Seattle. Na época a
cidade ainda não era reconhecida como grande pólo do Rock 'n roll
americano, sendo lembrada apenas por ser a terra natal de Jimi Hendrix.
O guitarrista Stone Gossard e o baixista Jeff Ament eram amigos e formaram
uma banda de hard rock chamada Green River, ao lado do guitarrista Steve
Turner e do vocalista Mark Arm, em 1984.286 Chegaram a gravar e lançar um
disco, chamado Rehad Doll, além de um EP, pelo selo local Sub Pop.
Mas em 1988, a banda resolve se separar, sendo que Arm e Turner formariam
logo depois o Mudhoney, uma das bandas primordiais do grunge. Jeff e Stone
continuam juntos e, juntamente com o baterista Jeff Turner e o vocalista
Andrew Wood, formam uma nova banda, chamada Mother Love Bone.
Assinam um contrato com a Geffen Records e lançam em 1989 o EP Shine e,
em 1990, um álbum chamado Apple. A banda começa a fazer sucesso nos
EUA, quando, logo depois do lançamento de Apple, em 16 de março de 1990,
morre o vocalista Wood, vítima de uma overdose de heroína.

282
http://riaa.com/goldandplatinumdata.php?table=tblTopArt
283
http://creativecommons.org/press-releases/entry/5912
284
http://www.chartattack.com/damn/2006/03/0208.cfm
285
http://dn.sapo.pt/2008/06/13/artes/a_banda_mais_discos_vivo_sempre.html
286
Kim Neely, Five Against One — The Pearl Jam Story, Penguin Books, 1998, pág. 13
Chris Cornell, amigo de Andrew Wood, sugeriu um disco tributo para Wood.
Nascia então o Temple of the Dog, projeto que reuniu integrantes do Mother
Love Bone e do Soundgarden. Para a guitarra solo, convocaram o ainda
iniciante Mike McCready, que já tocava, nesse meio-tempo, com Jeff e Stone
os instrumentais que Stone havia composto mas que ainda não haviam sido
gravados. Stone, Jeff e Mike haviam, na época do Temple, recentemente
encontrado um vocalista para os instrumentais que tocavam: Eddie Vedder,
vocalista de Evanston, indicado por um amigo comum: Jack Irons, baterista da
primeira formação do grupo californiano Red Hot Chili Peppers. Devido ao
grande talento de Eddie Vedder, este fora convidado a gravar vocais de fundo
para o Temple of the Dog. Este supergrupo de Seattle lançou seu disco
homônimo em 1991 e emplacou a música Hunger Strike nas paradas. Porém,
Stone, Jeff e Mike estavam agora mais centrados no conjunto que formaram
com Vedder.

Surge o Pearl Jam (1990)

Formação da Banda
Conforme citado acima, Eddie Vedder juntou-se a Stone, Jeff e Mike por meio
de Jack Irons, que posteriormente viria a ser o baterista do Pearl Jam no
período entre 1994 e 1998. Irons enviou, após audição dos intrumentais de
Stone e grupo (tocados com a ajuda de Matt Cameron, baterista do
Soundgarden e do Temple of the Dog), um fita demo para Eddie Vedder. Os
grooves cheios de energia e dinamismo de Stone inspiraram Eddie a compor
as letras (todas no mesmo dia) para os três instrumentais contidos na fita
(Eddie tinha as três letras na cabeça depois de uma tarde surfando).
Tornaram-se assim as músicas que futuramente fariam-se sucesso na banda
sendo duas do álbum "Ten": Alive, Once e Footsteps287, esta lançada no single
Jeremy. O que mais impressionou Stone e os outros foi o fato de que as letras
que retornaram cantadas no canal sobressalente da fita eram marcantes,
fortes e instigantes. E extremamente pessoais, cantadas por Eddie com
extrema paixão, convicção, num modo tocantemente ligado ao cantar das
letras; em ocasiões sussurando; por vezes cantando-as como se saíssem das
visceras, do fundo de seu coração. Falavam de temas psicológicos envolvendo
traumas familiares, conseqüências desses conflitos e a ausência da figura
paterna. Alive fala do garoto que descobre, pela sua mãe, que seu pai
verdadeiro não era o que conhecia. Que toda a sua vida o homem que
acreditara ser seu pai (e há razões para acreditar que esse pai não o tratava
muito bem) não era seu verdadeiro pai. A perturbação psicológica e o
comportamento homicida manifestaram-se em Once, sua continuação. Em
Footsteps temos o rapaz, já mais crescido, na cela de uma cadeia,
completando a mini-ópera de Vedder. O tema é todo tocante e as
interpretações as mais diversas. Fato é que essas canções permitiram que os
rapazes montassem uma das mais importantes bandas do Rock and roll. A
essas três canções, Eddie Vedder deu o título de Mamasan Trilogy.

287
Kim Neely, Five Against One — The Pearl Jam Story, Penguin Books, 1998, págs. 60-61
De onde surgiu esse nome?
No outono de 1990, surgiu o Mookie Blaylock que em novembro do mesmo
ano viria a chamar-se Pearl Jam, nome sugerido por Vedder, que, numa
brincadeira, disse ser uma homenagem a uma suposta geleia com poderes
alucinógenos que sua avó (chamada Pearl) fazia. O significado mais provável,
entretanto, é vindo do baixista da banda, Jeff Ament, segundo ele esse nome
teria surgido depois dele assistir uma apresentação das bandas Sonic Youth e
Crazy Horse, sem nenhuma relação com geléias ou coisas do tipo.
No DVD Immagine In Cornice, Eddie Vedder diz a um italiano para o qual
discursava sobre o tipo de música que tocavam que não sabe o que o nome
Pearl Jam significa ("I don't know what it means", em suas próprias palavras.).

Ten e sua repercussão (1991)


O primeiro álbum do grupo, Ten (número da camisa de Mookie Blaylock no
time de basquete New Jersey Nets), saiu em 23 de agosto de 1991 e é
considerado um dos melhores álbuns do grunge, e do rock em geral nos
últimos tempos.288 Possui canções belas e inesquecíveis como Alive (o grande
sucesso radiofônico do disco, que levou o Pearl Jam a ser conhecido nos
quatro cantos do mundo), Oceans, Black e Release, outras pesadas e raivosas
típicas do grunge, como Once e Why Go, além de outras excelentes por si só,
como Jeremy (outro grande sucesso radiofônico, cuja letra trata de um garoto
de que Vedder tinha ouvido falar, que havia cometido suicidio numa sala de
aulas de uma escola americana289), Porch e Even Flow. Com a excessiva
execução desse disco nas rádios e MTVs, a banda vai ficando bastante
conhecida — logo Vedder começaria a sentir o peso desse sucesso —, e o
álbum chega assim ao Top Ten americano. A banda ganha o prêmio de
Video of the Year da MTV, com o clipe de Jeremy, que muitos consideravam
apelativo, além de vários outros prêmios. O destaque final fica por conta das
emotivas letras escritas por Vedder, responsáveis em parte pela sintonia
imediata do público com a banda. Ele costuma dizer que suas letras são para
serem interpretadas por cada um como bem entender, podendo até gerar
interpretações distintas dependendo do ouvinte.
Em 16 de outubro de 1991, o baterista Dave Abbruzzese substituiu Dave
Krusen, que, segundo consta, preferiu juntar-se à banda do programa
"Saturday Night Live" (mal sabia ele que o Pearl Jam se tornaria um caso sério
de sucesso).
Em 1992, a banda participa do filme Singles (Vida de Solteiro no Brasil), do
diretor americano Cameron Crowe. Nesse filme, é feito um retrato da geração
grunge de Seattle e várias bandas da cidade aparecem tocando, como por
exemplo, o Alice in Chains. Alguns dos membros do Pearl Jam fazem parte da
banda de Matt Dillon, chamada Citizen Dick, sendo que Vedder é o baterista.

288
Rolling Stone número 937, Rolling Stone LLC, 11/12/2003
289
http://www.fivehorizons.com/songs/aug99/index.shtml
A banda participa ainda de um mini-acústico para a MTV, em que eles tocam
algumas canções do primeiro disco, além de uma música que saiu na trilha
sonora do filme Singles (chamada State of Love and Trust, e que tinha o estilo
de Ten) e uma música cover de Neil Young, chamada Rockin’ in the Free
World (que a banda também tocou e toca até hoje em vários concertos).
Nessa apresentação, Vedder protagoniza um show particular ao final, quando
sobe no banquinho em que estava sentado e com uma caneta escreve vários
slogans em seu corpo, em particular, alguns a favor de um instituição
ambiental chamada Earth First (ele possui uma tatuagem em sua perna com o
logotipo dessa instituição, de que é sócio).

Vs. (1993)
O grupo volta ao estúdio para gravar o seu segundo disco. Vs. foi lançado em
8 de outubro de 1993 e chegou ao primeiro lugar de vendagens em tempo
recorde: 24 horas. Só na primeira semana, o disco vendeu mais de 950 mil
unidades, quebrando com folga um recorde que antes era do Guns n' Roses.290
A principio, ele iria se chamar 5 Against 1, mas, na última hora, a banda
resolveu chamá-lo simplesmente de Vs. (aliás, esse título não está escrito em
nenhum lugar do CD, a exemplo do que fez o Led Zeppelin em seu quarto
disco).
A banda mostra definitivamente que pode ir além do que faz a maioria das
bandas grunges, que nessa época já estavam fazendo muito sucesso. Possui
excelentes canções como Animal, Daughter, Elderly Woman Behind a Counter
in a Small Town, Rearviewmirror, WMA, Leash e Indifference. Cada canção
transborda de sentimento e garra, mostrando uma banda bem entrosada.
Mas nem tudo são flores: Vedder experimenta cada vez mais o que é ser um
rock star, e isso o incomoda. Mas a banda não diminui o ritmo intenso. Ainda
em 1993, Eddie participa de um show no Rock and Roll Hall of Fame ao
lado dos ex-membros do The Doors, Ray Manzarek, John Densmore e Robby
Krieger. Lá, eles cantam três músicas do inesquecível grupo de Los Angeles:
Roadhouse Blues, Break on Through e Light My Fire. Para fechar o ano, a
banda aparece numa apresentação para o MTV Music Video Awards, para
tocar a nova música Animal e com Neil Young no palco para a última música,
Rockin’ in the Free World.
Em março de 1994, o grupo começou uma dura batalha com a Ticketmaster, a
maior empresa de ingressos dos EUA. A banda pretendia baratear o preço das
entradas dos seus shows de verão, já que os preços eram estipulados pela
empresa, que ficava com a maior parte dos lucros. Sem conseguir encontrar
lugares que não tivessem contratos exclusivos com a Ticketmaster e sem
apoio efectivo dos outros grupos musicais, o Pearl Jam foi obrigado a cancelar
a excursão.

290
Kim Neely, Five Against One — The Pearl Jam Story, Penguin Books, 1998, pág. 259
Vitalogy (1994)
O terceiro álbum do Pearl Jam, Vitalogy, foi lançado em 6 de dezembro de
1994. O álbum saiu primeiramente numa edição especial de vinil, passando a
ser comercializado também em CD e cassete apenas duas semanas depois.
Esse disco mostra um Pearl Jam ainda criativo e contagiante, com Vedder
escrevendo ótimas letras e criando excelentes melodias e os instrumentistas
bem afiados e mostrando muita garra (além de uma boa dose de
experimentalismos, como nas faixas Bugs, Pry To, Aye Davanita e a
estranhíssima última faixa, Stupid Mop). Algumas músicas que se destacam
são Last Exit, Spin the Black Circle (uma das músicas com maior sonoridade
punk do Pearl Jam – o título é uma referência ao fato de Vitalogy ter sido
também lançado em vinil), Whipping (composta originalmente para sair no
disco Vs), Better Man (que Vedder compôs nos tempos de Bad Radio), a
belíssima Corduroy e a balada Immortality (que a banda insiste em afirmar
que não é uma homenagem a Kurt Cobain).
Dave Abbruzzese é demitido, segundo consta, por ter um modo diferente de
encarar a fama e o sucesso em relação aos outros integrantes da banda291 e,
em janeiro do ano seguinte, a banda anuncia oficialmente que Jack Irons (ex
Red Hot Chili Peppers e Eleven) assume as baquetas no Pearl Jam, durante a
transmissão do Monkey Wrench Radio Special. O programa de rádio contou
ainda com Dave Grohl, Krist Novoselic, Soundgarden e Mudhoney.
A essa altura, Vs. já tinha seis discos de platina, Ten, nove e Vitalogy, cinco.
No mesmo ano, o Pearl Jam excursiona com Neil Young. A turnê rende
Mirrorball, disco solo do roqueiro, mas também Merkinball, composto pelas
músicas I Got ID e Long Road. Em fevereiro de 1996, o Pearl Jam ganha seu
primeiro Grammy, na categoria Melhor Performance de Hard Rock por
Spin the Black Circle.

Mirrorball (1995)
Na metade de 1995, a situação entre os membros da banda volta a ficar
delicada, após um show em San Francisco, em que Eddie deixa o palco após a
sétima música, alegando estar debilitado fisicamente por causa de algo que
comera no hotel. Neil Young, que estava com a banda se preparando para
divulgar Mirrorball, gentilmente termina o show no lugar de Eddie, mas sem
evitar que a banda ficasse incomodada com seu vocalista. Eles decidem se
separar por algum tempo, para descansar e tentar temporariamente levar
uma vida normal, cancelando assim os próximos shows agendados.
Isso não ocorre. Os membros da banda aparentemente não conseguiram ficar
longe da música e do Pearl Jam em si. Eles voltaram a se reunir uma semana
após a separação e, depois de fazer as pazes e traçar novos objetivos, voltam à
turnê que fora brevemente interrompida.

291
Kim Neely, Five Against One — The Pearl Jam Story, Penguin Books, 1998, págs. 252-254
No Code (1996)
Em 1996, voltam ao estúdio e, em agosto do mesmo ano, lançam No Code, que
pode ser considerado um marco na carreira da banda. É o disco mais eclético
e variado do quinteto, no que diz respeito a influências, sonoridades e estilos.
Possui excelentes músicas, como In My Tree (com uma batida tribal
empolgante, parecida com a música WMA, do disco Vs., que já mostrava como
a banda podia variar em suas músicas), Hail, Hail, Red Mosquito, Lukin
(homenagem a Matt Lukin, então baixista do Mudhoney), a magnífica Present
Tense (segundo algumas pessoas, o nome seria uma homenagem ao
guitarrista Pete Townshend, da banda The Who), Smile, Who You Are.
A banda continua com sua política de não divulgar o álbum comercialmente
pelos meios normais, nem lançando vídeos pela MTV (a banda só os fez para o
disco Ten) nem dando entrevistas e nem se apresentando em programas de
TV. A imprensa em geral, naturalmente, continua a boicotá-los, mas a banda
não se comove e continua a fazer aquilo em que acredita. Enquanto a
imprensa detona o quinteto (e principalmente Eddie Vedder), vários artistas
os defendem, entre eles Michael Stipe, do REM, e Courtney Love, do Hole,
dando assim mais credibilidade à banda e fazendo com que os fiéis e
verdadeiros fãs do Pearl Jam continuem a segui-los.
Obviamente, No Code não foi um retumbante sucesso comercial, mas mesmo
assim vendeu bem, e a banda parte para um nova turnê de quase dois anos,
sempre com bons públicos. É importante dizer também que o grupo perdeu
um pequena parcela de fãs antigos, que gostavam mais da época grunge do
quinteto, com suas músicas raivosas e pesadas, mas mesmo assim o Pearl Jam
continuou a ser uma das bandas mais conhecidas do mundo.

Yield e Live on Two Legs (1998)


Depois da extensa turnê de divulgação, o Pearl Jam volta ao estúdio e passa o
resto de 1997 trabalhando em novo material. O resultado, lançado em
fevereiro de 1998, é chamado de Yield. Boas críticas e vendagens
relativamente boas também marcam esse lançamento, mas sem a euforia que
marcou os dois primeiros discos da banda, na época em que eles eram os
principais destaques da MTV e do rádio.
Esse disco é bem parecido com No Code: mostra a banda mais madura e
competente nas suas composições e arranjos instrumentais, com músicas mais
voltadas ao Rock 'n roll normal, livrando-se definitivamente do estigma de
banda grunge. São vários os destaques do disco, como Brain of J, Do the
Evolution, Faithfull, Given to Fly (que tem uma levada muito parecida com
Going to California do Led Zeppelin), In Hiding e MFC. Nesse disco, a banda
volta atrás em uma das atitudes da postura anticomercial levada a cabo por
eles, aquela mais afetou os fãs (e por isso mesmo eles acabaram cedendo): a
não produção de clipes. Eles fazem um vídeo para a faixa Do the Evolution.
Todo feito em desenho animado, produzido por Todd McFarlane, criador do
personagem de revistas em quadrinhos e cinema Spawn, o clipe é transmitido
exaustivamente pela MTV ao redor do mundo.
Depois do lançamento do álbum, Irons sai da banda por problemas de saúde, e
Matt Cameron (que havia ficado sem banda depois do fim do Soundgarden)
assume as baquetas. Ainda em 1998, dois novos lançamentos da banda: o
vídeo Single Video Theory, onde a banda aparece tocando músicas do último
álbum, e o primeiro disco ao vivo do grupo, Live On Two Legs (o título é uma
referência a Death On Two Legs, primeira música do clássico álbum A Night
at the Opera, do Queen). Nesse álbum, a banda aparece tocando músicas de
todos os seus cinco discos e fecha com mais um cover de Neil Young, Fuckin’
Up.

Postura solidária e single Last Kiss (1999)


No ano de 1999, o Pearl Jam participou de um disco em benefício das vítimas
da guerra de Kosovo, chamado No Boundaries (no Brasil, Sem Fronteiras). O
grupo aparece com as músicas Last Kiss e Soldier of Love. Ambas, na verdade,
não são do Pearl Jam. A primeira é uma balada de um cantor dos anos 60,
Wayne Cochran; o Pearl Jam apenas regravou a música quase quatro décadas
depois, e ela sem querer se transformou no single de maior sucesso da banda.
A segunda, é uma composição de Buzz Cason e Tony Moon, mais conhecida
por ter sido executada pelo grupo inglês The Beatles no álbum Live at the
BBC,

Binaural (2000)
Ainda em 1999, o Pearl Jam volta a trabalhar na gravação de um novo disco, o
sexto de estúdio. O resultado é lançado em maio de 2000 e chama-se Binaural.
Produzido por Tchad Blake e mixado por Brendan O 'Brian, Binaural pode ser
comparado com Yield e No Code, por mostrar a banda mais contida, sem o
peso e a agressividade de antigamente, mas ainda com muita criatividade e
competência, sendo visível a maturidade das composições e melodias criadas
pelo quinteto. Destaque para as músicas God's Dice, Nothing As It Seems
(primeiro single do álbum, considerada por Mike a melhor composição da
banda), Light Years, Soon Forget (apenas Eddie na voz e ukelele), Sleight of
Hand e Grievance. A produção de Binaural realça em algumas músicas uma
atmosfera meio depressiva e pesada, como em Nothing As It Seems e Sleight
of Hand. As letras foram feitas por Stone Gossard, Eddie Vedder e Jeff Ament,
diferente de antigamente, quando Vedder era o letrista quase que exclusivo.
Vale destacar que o grupo continua a distribuir os seus álbuns em caixinhas
especiais (isso acontece desde o terceiro disco, Vitalogy), para evitar que o
trabalho chegue mais caro às lojas devido à tradicional caixinha de plástico
que é produzida por uma única empresa nos EUA. Outra novidade é o
lançamento de diversos "bootlegs oficiais": são discos contendo gravações de
concertos da banda ao redor do mundo, por preços mais acessíveis.
No mesmo ano, uma tragédia marcou o grupo: durante sua apresentação no
Roskilde, na Dinamarca, nove pessoas morreram esmagadas. Abalada, a
banda decidiu que não tocaria em festivais ou em frente de grandes platéias
por um período. Entre os concertos da banda naquele ano, este foi o único que
não constou dos 72 "bootlegs oficiais".
Riot Act (2002)
Em 2002, a banda volta ao estúdio para gravar seu sétimo disco, ao lado do
produtor de Adam Kasper. Em outubro sai o primeiro single, para a música I
am Mine, e no mês seguinte é lançado Riot Act. A banda volta a apresentar
também um clipe, para a canção I am Mine (o último tinha sido para Do the
Evolution do disco Yield), além de anunciar que pretende novamente lançar os
"bootlegs oficiais", a exemplo da turnê do disco anterior.

Lost Dogs e Live at the Garden (2003)


Em 2003, os lançamentos da banda foram a coletânea de b-sides Lost Dogs e o
DVD Pearl Jam at the Garden, que traz uma apresentação do quinteto em
Nova York (sexteto, se contarmos o tecladista Boom Gaspar), com
participações especiais de Ben Harper, Steve Diggle e Tony Barber. Até
aquele momento, o grupo já havia lançado dois vídeos: Touring Band, que traz
a banda em ação durante a turnê de Binaural, além do já citado Single Video
Theory, que traz os bastidores das gravações do disco Yield. Outro fato
importante de 2003 foi o fim do contrato com a Epic, que lançara todos os
discos do grupo até então.

Live at Benaroya Hall (2004):


Em 2004, a banda lança o disco duplo Live at Benaroya Hall, que traz uma
performance acústica da banda realizada em outubro de 2003, em prol da
organização beneficente Youth Care. No show, a banda apresenta uma música
inédita, Man of the Hour, da trilha sonora do então recém-lançado filme Big
Fish, do diretor Tim Burton. O show ainda conta com interpretações de dois
grandes sucessos da banda, Immortality e Crazy Mary, esta com destaque
para o solo de teclados de Boom Gaspar.

Pearl Jam (2006)


Em 2 de maio de 2006, a banda lançou Pearl Jam. O álbum, auto-intitulado,
traz como destaque o excelente trabalho de guitarras de Gossard e McCready.
O discurso do álbum, ao longo de suas 13 faixas, é na sua maioria antiguerra,
criticando severamente, à semelhança de Riot Act, o governo de George W.
Bush. O single World Wide Suicide foi disponibilizado meses antes do
lançamento oficial do álbum de forma gratuita no site oficial da banda.
Pearl Jam foi o primeiro trabalho da banda fora da Epic. Quando perguntado
sobre a simplicidade do nome do álbum, Eddie respondeu: "Há tanta
informação nas canções e nas letras, que dá a sensação que mais um título
seria pretensão demais." O primeiro single do álbum foi World Wide Suicide, e
Inside Job foi a primeira letra de McCready a entrar em um álbum da banda.
Como forma de divulgação do álbum, a banda tocou duas músicas do novo
álbum (World Wide Suicide e Severed Hand) no humorístico Saturday Night
Live. Fazia doze anos desde a última apresentação da banda no programa.
Entre 2006 e 2007 a banda realizou várias turnês pelos Estados Unidos e
Europa para promover o álbum Pearl Jam. Em 2007 lançou o DVD Live in
Cornice, relativo aos espectáculos da banda em 2006 na Itália. No inicio de
2008 Eddie Vedder realizou uma turné pelos Estados Unidos dando a
conhecer o seu trabalho no projecto Into the Wild. No mesmo ano a banda
começou também a sua turnê em solo norte-americano com doze concertos
marcados, acabando por dar treze. Foi anunciado antes do inicio da turnê que
todos os concertos iriam ser colocados a venda fazendo da banda recordista
em discos ao vivo292, sendo que algumas músicas de cada concerto seriam
também disponibilizadas para telemóvel.293 Também em 2008 foi confirmado
por Mike McCready que a banda está a preparar um novo álbum, voltando a
ter Brendan O'Brien como produtor.294

Backspacer (2009)
Em setembro de 2009 a banda lançou o seu nono álbum de originais,
intitulado Backspacer, que alcançou o 1º lugar na Billboard Top 200 vendendo
aproximadamente 350 mil cópias na primeira semana de vendas (sendo que
nos dois primeiros dias vendeu 275 mil cópias), produzido por Brendan
O'Brien, que já havia produzido Yield, de 1998. O primeiro single deste álbum
teve o nome de The Fixer e foi lançado em agosto. No entanto, a primeira
música a ser apresentada em público foi Got Some, tocada em directo no
Tonight Show de Conan O'Brien. O álbum será lançado sem editora nos
Estados Unidos, sendo distribuído no resto do mundo pela Universal Music
Group.

A "Pausa" (2010)
No dia 10 de julho, a banda se apresentava em Oeiras, Portugal, quando o
vocalista Eddie Vedder leu uma mensagem, em português que dizia:
“Obrigado por vim (sic) ao nosso último show. Não será o último para sempre,
mas o último por muito tempo”295. No seu site oficial, a banda ainda não
divulgou nada sobre o assunto. Logo após o show, na segunda feira dia 12 de
Julho, a empresária da banda confirmou que houve um erro na tradução
inglês/português e que o que Eddie queria dizer era que o final da turne, mas
que eles não estão entrando em hiatus.

Membros

•Eddie Vedder - Vocal, guitarra (1990 - presente)


•Jeff Ament - Baixo (1990 - presente)

292

293
http://cotonete.clix.pt/quiosque/noticias/body.aspx?id=39614
294
http://www.spinner.com/2008/05/05/pearl-jam-working-on-new-album/
295
http://g1.globo.com/pop-arte/noticia/2010/07/pearl-jam-anuncia-pausa-indefinida-durante-
apresentacao-em-portugal.html
•Stone Gossard - Guitarra base (1990 - presente)
•Mike McCready - Guitarra solo (1990 - presente)
•Matt Cameron - Bateria (1998 - presente)

Integrante adicional

•Boom Gaspar - Teclado, piano (2002 - presente)

Concertos

Brasil
•28 de novembro de 2005, em Porto Alegre
•30 de novembro de 2005, na Pedreira, em Curitiba
•2 e 3 de dezembro de 2005, no Pacaembu, em São Paulo
•4 de dezembro de 2005, na Praça da Apoteose, no Rio de Janeiro

Portugal
•24 e 25 de novembro de 1996, em Cascais
•23 de maio de 2000, no Estádio do Restelo, em Lisboa
•4 e 5 de setembro de 2006, no Pavilhão Atlântico em Lisboa
•8 de junho de 2007, no Optimus Alive!, em Oeiras.
•10 de Julho de 2010, no Optimus Alive!, em Oeiras.

Discografia

Álbuns de estúdio
•1991 - Ten
•1993 - Vs.
•1994 - Vitalogy
•1996 - No Code
•1998 - Yield
•2000 - Binaural
•2002 - Riot Act
•2006 - Pearl Jam
•2009 - Backspacer

Ligações externas
•PearlJam.com Sítio oficial da banda (em inglês)

Foo Fighters
Foo Fighters

Foo Fighters em 2009.


Informação geral
Origem Seattle, Washington
País Estados Unidos
Gêneros Rock alternativo
Post-grunge
Hard rock
Período em atividade 1995 - atualmente
Gravadora(s) RCA
Capitol Records
Afiliações Nirvana
Sunny Day Real Estate
Scream
Them Crooked Vultures
Página oficial www.FooFighters.com
Integrantes
Dave Grohl
Nate Mendel
Taylor Hawkins
Chris Shiflett
Pat Smear (ao vivo)
Ex-integrantes
William Goldsmith
Franz Stahl
Foo Fighters é uma banda de rock alternativo dos Estados Unidos formada
por Dave Grohl em 1995296. Seu nome é uma referência ao termo "foo fighter",
usado por aviadores na Segunda Guerra Mundial para descrever fenômenos
aéreos misteriosos, considerados OVNIs. A banda atingiu sucesso
internacional, lançando vários hits incluindo "This Is a Call", "Everlong",
"Learn to Fly", "All My Life", "Times Like These", "Best of You", "DOA" e "The
Pretender". Três de seus álbuns, There Is Nothing Left to Lose, One by One e
Echoes, Silence, Patience & Grace ganharam o Grammy por "melhor álbum de
rock".

História

Formação e álbum de estreia (1994–1995)


Dave Grohl passou quatro anos como baterista da banda grunge Nirvana.
Nesse período desenvolveu uma série de composições não divulgadas, uma
forma de preservar a interação do grupo. Em contrapartida Dave gravou
algumas demos em estúdio, sendo que algumas canções foram compiladas no
álbum Pocketwatch, lançado com o pseudônimo "Late!", em 1992.
Após a morte de Kurt Cobain em 1994, Grohl entrou no Robert Lang's Studio
em Seattle com o amigo e produtor musical Barrett Jones. Com exceção da
parte de guitarra de "X-Static" por Greg Dulli do grupo americano Afghan
Whigs, Grohl tocou todos os instrumentos das faixas. Atrelado à gravadora
Capitol Records pelo descobridor de talentos Gary Gersh (que havia
trabalhado com o Nirvana), Grohl teve suas faixas mixadas, sendo que o
resultado tornou-se posteriormente o primeiro álbum do Foo Fighters,
também intitulado Foo Fighters.
Grohl não queria que a banda fosse um projeto de estúdio de somente um
integrante, então trabalhou para formar uma banda de suporte ao álbum.
Inicialmente o antigo colega Krist Novoselic era o principal candidato, mas
ambos preocuparam-se que poderia-se estar formando somente uma
reencarnação no Nirvana. Após tomar conhecimento sobre o fim da banda
conterrânea de emocore Sunny Day Real Estate, Grohl convidou o baixista
Nate Mendel e o baterista William Goldsmith. Pat Smear, que era um membro
não oficial do Nirvana após o lançamento de In Utero, foi adicionado como
segundo guitarrista, completando assim a banda. A banda realizou sua
primeira turnê ainda em 1995 abrindo concertos para Mike Watt.
Seu primeiro single "This Is a Call" foi lançado em junho de 1995, e o álbum
de estréia no mês seguinte. "I'll Stick Around" e "Big Me" foram os singles
lançados nos meses seguintes.

296
(em inglês) Erlewine, Stephen Thomas (2005). Biografia da banda no AllMusicGuide.com
(acessada em 28 de abril de 2006)
The Colour and the Shape (1996–1997)
Nesse álbum, Dave Grohl com sua cara e coragem fez todas as músicas do
álbum tocando a guitarra, o baixo, a bateria, o vocal e o compôs em uma
semana, um feito considerado por muitos músicos quase impossível. Mas o
álbum está aí para provar. Após turnês em 1996, a banda agora completa
entrou em estúdio em Seattle com o produtor Gil Norton para gravar o
segundo álbum. Após conflitos entre Grohl e Goldsmith o segundo deixou a
banda, sendo que a banda foi re-agrupada em Los Angeles para que Grohl
regravasse quase que completamente a parte de bateria do álbum. The Colour
and the Shape foi lançado em 20 de maio de 1997.
Precisando de um baterista, Grohl contatou o baterista de turnê de Alanis
Morissette, Taylor Hawkins, sobre a possibilidade de indicação de algum
músico; para sua surpresa Hawkins voluntariou-se para a banda. Em setembro
de 1997, em frente a uma multidão de pessoas no MTV Video Music Awards,
Pat Smear anunciou sua saída da banda e introduziu seu substituto, o ex-
companheiro de banda de Grohl no Scream Franz Stahl. Ainda antes da
gravação do terceiro álbum There Is Nothing Left to Lose, Stahl saiu da banda
alegando divergências musicais. Após audição foi escolhido como substituto
Chris Shiflett, ex-integrante do No Use for a Name. Primeiramente como
músico de turnê, Shiflett tornou-se membro integral antes da gravação do
álbum.

There Is Nothing Left to Lose (1998–2001)


Antes do lançamento de There Is Nothing Left to Lose o então presidente da
Capitol Gary Gersh foi forçado a sair da gravadora. Dada a longa história de
Grohl com Gersh, a banda também saiu da gravadora para entrar na RCA.
Posteriormente Gersh uniu-se ao ex-empresário do Nirvana John Silva para
formar a GAS Entertainment, uma empresa que gerencia o Foo Fighters e
outros artistas como Jimmy Eat World, Beck e Beastie Boys.
Em 2000, a banda gerou controvérsia na mídia por seu apoio ao Alive and
Well, uma organização que combate a crença médica da relação entre a SIDA
e o HIV; a organização também questiona a validade de testes de HIV e a
segurança das medicações usadas no tratamento da SIDA. Em janeiro a banda
tocou em um concerto beneficente para a organização. A comunidade médica
tomou partido oposto, questionando os argumentos da Alive and Well e a
responsabilidade da banda ao levar assuntos não provados para seu público.
297
. Com o tempo a banda diminiu significativamente seu apoio a organização.
Em fevereiro do mesmo ano, o apresentador David Letterman convidou a
banda para seu programa para se apresentar. Letterman havia recém voltado
a condução do programa após uma cirurgia cardiovascular. Ao apresentar o
Foo Fighters, Letterman proclamou: "Minha banda favorita, tocando minha
canção favorita", e seguiu-se a apresentação de "Everlong".

297
(em inglês) Talvi, Silja J. A. " Foo Fighters, HIV Deniers". Mother Jones. 25 de fevereiro de
2000
O grupo estabeleceu contato com a banda de rock Queen. No começo do ano o
guitarrista Brian May participou da guitarra de "Have a Cigar", segundo cover
do Pink Floyd gravado pela banda, que apareceu na trilha sonora do filme
Mission Impossible 2. Quando o Queen foi incluído no Hall da Fama do Rock
and Roll em março de 2001 Grohl e Hawkins foram convidados para reunir-se
à banda em "Tie Your Mother Down", com Grohl preenchendo o papel de
Freddie Mercury. Em 2002 May contribuiu com "Tired of You" e
"Knucklehead".

One by One (2001–2004)


No final de 2001, a banda gravou o quarto álbum. Após quatro meses em Los
Angeles para completar as gravações Grohl passou um tempo no Queens of
the Stone Age para completar o álbum Songs for the Deaf (2002). Assim que
seu trabalho estava terminado, Dave, inspirado com as sessões de estúdio,
decidiu adicionar novas faixas ao então terminado álbum do Foo Fighters. Ao
invés disso, o álbum foi completamente regravado em dez dias no estúdio
pessoal de Grohl em Virginia. One by One foi lançado em outubro de 2002.
Desde sempre a banda evitou posicionar-se politicamente. Apesar disso, em
2004, ao saber que a campanha presidencial de George W. Bush, sem a
permissão da banda, estava a usar a canção "Times Like These", Grohl decidiu
apoiar publicamente a campanha de John Kerry.

In Your Honor e Skin and Bones (2005–2006)


Em 14 de junho de 2005, foi lançado o álbum duplo de estúdio In Your Honor.
Grohl citou que o álbum duplo (um com faixas elétricas e outro acústicas) era
uma comemoração do décimo aniversário da banda. Durante a promoção do
álbum, Dave Grohl, fascinado por OVNIs, teve a chance de apresentar-se no
Roswell International Air Center in Roswell, Novo México. O local foi
supostamente palco da queda de uma aeronave alienígena em 1947.
A banda decidiu organizar pequenas turnês acústicas em 2006, incluindo o ex-
guitarrista Pat Smear, Petra Haden no violino e Rami Jaffee do The
Wallflowers no piano e teclado. Em novembro a banda lançou seu primeiro
álbum ao vivo, Skin and Bones, com quinze faixas selecionadas de três
concertos acústicos em Los Angeles. Um DVD foi lançado logo depois, e
apresenta faixas não disponíveis no CD.

Echoes, Silence, Patience and Grace e Greatest Hits


(2007–2009)
Em 25 de setembro de 2007, a banda lançou seu mais recente álbum, Echoes,
Silence, Patience and Grace, o álbum é lançado pela RCA Records. Nesse novo
trabalho eles voltam a trabalhar com o produtor Gil Norton, que não produzia
um disco do Foo Fighters desde The Colour and the Shape de 1997. O álbum
teve quatro singles lançados, "The Pretender", "Long Road to Ruin", "Cheer
Up, Boys (Your Make Up Is Running)" e "Let It Die".
Em 3 de novembro de 2009, o Foo Fighters lançou a coletânea Greatest Hits,
que inclui as músicas de maior sucesso da banda e duas canções inéditas,
"Wheels" e "Word Forward", além de uma versão acústica de "Everlong".

Próximo álbum e o futuro (2010–presente)


A banda prevê começar a gravação de seu sétimo álbum de estúdio em
setembro de 2010. Dave Grohl disse em uma entrevista a revista Rolling Stone
que este deve ser gravado em sua garagem e deverá ser mais barulhento do
que os últimos lançamentos298. O álbum foi chamado de Frontline Noise e irá
contar com dez faixas com rock elétrico e uma faixa acústica. Butch Vig será o
produtor, depois de ter produzido as últimas duas faixas do último álbum
Greatest Hits.299

Linha do Tempo

(*) Musicos de Apoio

Discografia

Álbuns de estúdio
•1995 - Foo Fighters
•1997 - The Colour and the Shape
•1999 - There Is Nothing Left to Lose
•2002 - One by One
•2005 - In Your Honor
•2007 - Echoes, Silence, Patience and Grace

Ligações externas
•Página oficial (em inglês)
•Página oficial BRASIL (em inglês)
•Perfil da banda na Rolling Stone (em inglês)
•Foo Fighters (no MySpace)

298
http://rawkpit.com/2010/03/07/foo-fighters-begin-work-on-new-album/
299
Foo Fighters Promise Heavier New Album. idiomag. Página visitada em 2010-03-10.
Creedence Clearwater Revival
Creedence Clearwater Revival
Informação geral
Origem El Cerrito, Califórnia
País Estados Unidos
Gêneros Roots rock, country rock, swamp rock,
rock and roll, southern rock
Período em atividade 1967–1972
Gravadora(s) Fantasy Records
Afiliações The Blue Velvets
The Golliwogs
Creedence Clearwater Revisited
Página oficial www.Creedence-Online.net
Integrantes
John Fogerty
Tom Fogerty
Stu Cook
Doug Clifford
Creedence Clearwater Revival foi uma banda de rock and roll americana
formada por John Fogerty (guitarra e vocais principais), Tom Fogerty
(guitarra), Stu Cook (baixo) e Doug Clifford (bateria), que, sob outras
denominações, tocavam juntos desde 1959. Adotaram o nome Creedence
Clearwater Revival em 1967, com o qual lançaram as primeiras gravações em
1968. O nome C.C.R. surgiu pela junção do nome de um amigo do Tom
Fogerty chamado "Creedence Nubal" e por um comercial de cerveja
"Clearwater". Já naquele ano obtiveram disco de ouro com o álbum Creedence
Clearwater Revival. Ao longo da carreira, entre singles e álbuns, conquistaram
nove discos de ouro e sete discos de platina. Separaram-se em julho de 1972.
John Fogerty foi quem teve mais êxito na carreira solo. Seu irmão Tom faleceu
em 6 de setembro de 1990. Em 1993 o Creedence Clearwater Revival foi
introduzido no Rock and Roll Hall of Fame. Recentemente, Stu Cook e Doug
Clifford formaram o genérico Creedence Clearwater Revisited, e passaram a
excursionar pelo mundo, tocando antigos sucessos da banda original.

História
Em setembro de 1959, John Fogerty (vocalista e guitarrista), Doug Clifford
(bateria) e Stu Cook (baixo) formam The Blue Velvets. Dois meses mais
tarde, Tom Fogerty (guitarrista), irmão mais velho de John, entra no grupo
como cantor, mudando o nome da banda para Tommy Fogerty and The
Blue Velvets.
O nome do grupo muda para The Golliwogs em 1964 após eles assinarem
contrato com a gravadora Fantasy Records, onde John trabalhava. Nos três
anos seguintes alguns compactos foram lançados, fazendo grande sucesso
local.
Em 24 de dezembro de 1967, sob a influência de Saul Zaentez, novo manda-
chuva da Fantasy Records, eles decidem então começar com algo totalmente
novo, tornando-se profissionais. Começando pelo nome que faria história no
mundo do rock: um amigo de Tom chamado Creedence Nuball e um comercial
de cerveja (Clear water Beer) serviram de inspiração.
A banda vem então com um novo estilo de canção, definido por John Fogerty
que como cantor e compositor passou a ser o centro da banda.
Em junho de 1968 é lançado o primeiro disco, que leva o nome da banda e já
dá ao grupo um disco de ouro. Também foram lançados os compactos "Suzie
Q" (partes 1 e 2) e "I Put a Spell On You/Walk On the Water".
Em janeiro do ano seguinte é lançado o segundo álbum, Bayou Country, disco
de platina. Lançados também o compacto "Proud Mary/Born on the Bayou",
que além de ganhar disco de ouro lança o grupo para uma carreira mundial de
sucesso
Em abril, são lançados os compactos "Bad Moon Rising/Lodi" e "Green
River/Commotion" (do terceiro álbum), ambos recebem disco de ouro. O
terceiro disco Green River, também recebe disco de platina
O compacto "Down On the Corner/Fortunate Son" é lançado, quarto disco de
ouro… No final do ano é lançado o quarto disco, Willy and The Poorboys, que
para variar recebe disco de platina.
A banda, logicamente, esteve presente no festival de Woodstock, fazendo
grande apresentação.
O compacto "Travellin' Band/Who'll Stop the Rain" dá a banda o quinto disco
de ouro, lançado em 1970. A banda começa sua primeira turnê pela Europa,
fazendo também um enorme sucesso neste continente.
O compacto "Up Around the Bend/Run Through the Jungle" também é disco de
ouro. É lançado o disco de maior sucesso da banda, Cosmo's Factory, que
vende mais de três milhões de cópias, disco de platina portanto. O
compacto"Lookin'Out My Back Door/Long as I Can See the Light" é lançado e
também é disco de ouro.
Ainda neste ano é lançado o sexto disco Pendulum, que também foi disco de
platina, o quinto do grupo. O ambiente no grupo porém já não é dos melhores:
dizem que Tom, Doug e Stu não concordam em serem apenas uma banda para
John Fogerty.
Em 1971 é lançado o oitavo compacto disco de ouro: "Have You Ever Seen the
Rain/Hey Tonight".
Em fevereiro Tom Fogerty abandona o grupo para seguir carreira solo. Os
outros decidem continuar como um trio, começando uma grande turnê pelos
EUA e logo em seguidauma pela Europa. É lançado o décimo primeiro
compacto, "Sweet Hitch-Hicker / Door to Door", que ainda atinge o topo das
paradas.
Em 1972 perfeita turnê pela Austrália, Nova Zelândia e Japão. O compacto
"Someday Never Comes / Tearin' Up the Country" é lançado, mas não faz o
mesmo sucesso dos anteriores, sendo o único que não ganhou disco de ouro.
É lançado o último álbum, Mardi Gras, que também ganha disco de ouro. A
obra mostra que o grupo está próximo da divisão, com Stu Cook e Doug
Clifford compondo algumas das canções (até então John Fogerty era quem
compunha todas as canções da banda)
Em 16 de outubro a gravadora Fantasy Records anuncia oficialmente o fim de
Creedence Clearwater Revival .
Todos os membros da banda participaram das gravações do álbum solo de
Tom Fogerty lançado em 1974, Zephyr National. Tom Fogerty morreu em
1990 vítima de AIDS adquirida por meio de uma transfusão de sangue durante
uma cirurgia nas costas.

Reuniões
Desde então reuniram-se eventualmente em 1995 para aparições em festivais
diversos. Stu Cook e Doug Clifford chegaram a montar uma banda chamada
Creedence Clearwater Revisited e se apresentaram tocando canções de seu
grupo antigo.
Em 2006 fizeram uma turnê pelo Brasil com a formação Revisited onde
tocaram por uma semana, passando pelas cidades do Rio de Janeiro, Curitiba,
Belo Horizonte, Bauru, São Paulo, Jaguariúna e Tubarão. Passaram também
por Porto Alegre alguns anos antes.

Discografia

Álbuns de estúdio
•Creedence Clearwater Revival (1968) (1x Platinum - US)
•Bayou Country (1969) (2x Platinum - US)
•Green River (1969) (3x Platinum - US)
•Willy and the Poor Boys (1969) (2x Platinum - US)
•Cosmo's Factory (1970) (4x Platinum - US)
•Pendulum (1970) (1x Platinum - US)
•Mardi Gras (1972) (Gold - US)

Coletâneas
•Chronicle, Vol. 1 (coletânea, 1976)
•Chronicle, Vol. 2 (coletânea, 1986)
Álbuns ao vivo
•Live in Europe (ao vivo, 1973)
•The Concert (ao vivo, 1980)

Compactos
•"I put a spell on you/Walk on the water" (Junho de 1968)
•"Proud Mary/Born on the Bayou" (Janeiro de 1969)
•"Bad Moon Rising/Lodi" (Abril de 1969)
•"Green River/Commotion" (Julho de 1969)
•"Down on the corner/Fortunate son" (Outubro de 1969)
•"Traveling Band/Who'll stop the rain" (Janeiro de 1970)
•"Up around the Bend/Run Through the jungle" (Abril de 1970)
•"Lookin' out my back door/Long as I can see the light" (Julho de 1970)
•"Have you ever seen the rain/Hey tonight" (Janeiro de 1971)
•"Sweet hitch-hiker/Door to door" (Julho de 1971)
•"Someday never comes/Tearin' up the country" (Março de 1971)

Black Sabbath
Black Sabbath

Black Sabbath no ano de 1999

Black Sabbath

Informação geral
Origem Birmingham, Inglaterra
País Reino Unido
Gêneros Heavy metal
Período em atividade 1968 — 2006 hiato
Gravadora(s) Vertigo, Warner Bros., Sanctuary,
I.R.S., Reprise, Epic, Fontana, Castle
Afiliações Heaven and Hell, GZR, Dio, Rainbow,
Deep Purple, Electric Light Orchestra
Página oficial www.blacksabbath.com
Integrantes
Ozzy Osbourne
Bill Ward
Tony Iommi
Geezer Butler
Ex-integrantes
Ver: Lista de formações do Black Sabbath
Black Sabbath é uma banda de heavy metal formada no ano de 1968 em
Birmingham, Reino Unido.300 Sua formação "histórica" é composta por Ozzy
Osbourne (vocais), Tony Iommi (guitarra), Geezer Butler (baixo) e Bill Ward
(bateria). Posteriormente, houve numerosas mudanças na banda, e Iommi era
o único componente fixo. Embora às vezes, sejam classificados como uma
banda de hard rock (Butler define o estilo uma vez blues pesado e
distorcido),301 Black Sabbath é considerado um dos primeiros grupos de heavy
metal da história ao lado de Led Zeppelin, UFO e Deep Purple e também
contribuíram muito para o desenvolvimento deste tipo de gênero.302303 De 1970
a 2000, foram vendidos mais de cem milhões de cópias dos álbuns, tornando o
Black Sabbath uma das mais bem sucedidas bandas de heavy metal, ao lado
do Led Zeppelin, Deep Purple e Judas Priest, Iron Maiden, Motorhead,
Megadeth, Metallica e KISS.304305

História

Origens à estreia (1966-1970)


O embrião do Black Sabbath surgiu no ano de 1966 em Aston, uma localidade
de Birmingham, Inglaterra. A história começou quando o guitarrista Anthony
"Tony" Iommi e o baterista William "Bill" Ward (ambos do grupo Mithology)306
leram em uma loja, o anúncio de um cantor que foi à procura de músicos para
formar uma banda. O cantor era John "Ozzy" Osbourne que estudou na mesma
escola que Iommi.307 Iommi e Ward foram para casa de Ozzy e decidiram
formar um complexo musical.308 Osbourne levou ao grupo, outros dois músicos
que tinham tocado com ele na banda Rare Breed: os guitarristas Terence
"Geezer" Butler e Jimmy Phillips.
300
Cronologia do grupo. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
301
Entrevista com Geezer Butler no sítio oficial. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
302
O Black Sabbath na Vh1. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
303
História do heavy metal no metalstorm.ee. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
304
My Village - Ozzy Osbourne. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
305
Ozzy Osbourne: Prince of Darkness. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
306
Entrevista com Bill Ward no classicrockrevisited.com. Página visitada em 1 de setembro de
2008.
307
Biografia de Ozzy no xtrememusician.com. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
308
Entrevista com Tony Iommi no sítio da CNN. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
Mais tarde, Butler assumiu o papel de baixista, e foi também assoldato pelo
saxofonista Alan "Aker" Clarke. A banda escolheu o nome inicialmente de
Polka Tulk Blues Band e encurtado depois para Polka Tulk, e começou a
construir um repertório, principalmente blues. Mais tarde, Clarke e Phillips
saem do grupo e o restante dos membros decidiram alterar a denominação
para Earth. A formação exibe em vários locais, tocando covers de Jimi
Hendrix, Blue Cheer, Cream e The Beatles,309 e esculpiu o primeiro demo em
1968. É recolhido algum êxito no espaço de "pubs" britânicos e permitiu que o
grupo a fazer o nome no exterior, graças a gerente Jim Simpson.
Após um curto período, o nome da banda foi mudado porque havia outro
grupo denominado Earth.310 A escolha do nome, mais tarde, veio à ideia de
Butler, um grande fã dos romances de "magia negra" e "terror" de autores
como Dennis Wheatley. Butler tinha visto o filme de terror italiano do diretor
Mario Bava, I Tre Volti Della Paura (As Três Faces do Medo) de 1963, mas
exibido com o nome de Black Sabbath na Inglaterra e EUA,311 e escreveu uma
canção que incorpora o título do filme. Isto se tornou o novo nome do grupo.312
O novo nome é acompanhado por uma transição para um novo som blues, em
primeiro lugar com elementos do folk e, em seguida, com cada vez mais fortes
e tons escuros até que uma nova solução para a qual o grupo tornou famosa e
teria sido numerada para muitos críticos, como os principais pioneiros do
heavy metal. O primeiro registro que a banda assinou foi com a Fontana
Records e, mais tarde, com o Vertigo. No dia 13 de fevereiro de 1970, foi
publicado o álbum de estreia da banda, intitulado simplesmente de Black
Sabbath.

O período "clássico" (1971)


O primeiro trabalho, Black Sabbath, foi um grande sucesso (oitavo lugar nas
classificações inglesas)313 devido, em grande parte, à atmosfera histórica de
composições como "Black Sabbath", "The Wizard" e "N.I.B.". O disco, para
muitos, foi a inauguração de um rock mais original, tanto no sentido sonoro,
mais pesado, denso e distorcido; quanto no que se refere às letras. Deep
Purple e Led Zeppelin, outras bandas influentes do heavy metal da época,
tinham um som mais melódico e mais próximo a outros estilos como o blues,
folk e o rock n' roll. A música do Sabbath a princípio tinha características
semelhantes, mas com o tempo a banda investiu em um som mais pesado e
com temáticas mais obscuras, com referências explícitas a "demônios" e
temas envolvendo ocultismo, que era uma novidade e uma polêmica nessa
época.

309
História dos membros do Black Sabbath. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
310
Biografia do Black Sabbath no All Music. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
311
Entrevista com Tony Iommi no modernguitars.com. Página visitada em 1 de setembro de
2008.
312

313
O Black Sabbath no rockhall.com. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
Embora essa espécie de temática pudesse ser eventualmente observada em
trabalhos de outros grupos, como os Beatles e Led Zeppelin, o Black Sabbath,
graças a sua persistência nessa proposta, foi em grande parte um responsável
por um estereótipo que se perpetuou no universo do heavy metal. Este tipo de
proposta levou a banda a sofrer numerosas críticas; os mais conservadores os
acusavam de promover o "satanismo" e isso costumava alimentar reprovação
de grande parte da opinião pública. No entanto, essas polêmicas só
contribuíram mais para o sucesso que o Black Sabbath conquistou com sua
grande audiência de jovens.
O próximo álbum, Paranoid, até hoje o maior sucesso comercial do grupo
(primeiro nas colocações inglesas; sete discos de platina e um de ouro),314 é
considerado de grande importância para as bases do heavy metal. O trabalho
angariou para o Black Sabbath milhares de fãs em todo o mundo, graças a
canções como "Paranoid", "Iron Man", "Electric Funeral" e "War Pigs". Com
este trabalho, o grupo foi além da atmosfera sombria das músicas com temas
mais maduros. "War Pigs", por exemplo, é uma crítica a políticos considerados
responsáveis pelos horrores da guerra e "Iron Man" tem um texto puramente
ciência-ficção.
Em 1971, o grupo publicou o terceiro álbum, Master of Reality, de sucesso
notável. Provavelmente foi o álbum mais obscuro e introspectivo da banda.
Este trabalho, junto com o Black Sabbath e Paranoid, é considerado o álbum
que inspirou o doom metal.315 Para além de canções do estilo Sabbath como
"Children of the Grave" e "After Forever"(curiosamente acusada de
blasfêmica, apesar de ter uma forte direção cristã),316 o álbum é conhecido,
sobretudo, pelas suas estilísticas "alegações" (encontradas em canções como
"Sweet Leaf", "Lord of This World", "Solitude" e "Into the Void"), que serviram
de base para bandas como Saint Vitus e Candlemass.
Nota-se que o disco possui uma inovação particularmente interessante:
Iommi, na verdade, toca com a guitarra em dó sustenido (um tom e meio
abaixo da afinação tradicional), assim como Butler no baixo. Essa mudança,
segundo declaração do guitarrista, foi feita por dois motivos: para se adaptar
ao estilo vocal de Ozzy e para dar um som mais pesado para a sua música317
(mais tarde, a partir do álbum Heaven and Hell, a guitarra e o baixo são
afinadas em ré sustenido). Devido a isso, o Black Sabbath talvez tenha
inaugurado a chamada "limitação": uma prática que se tornaria quase uma
norma para muitos grupos de rock e metal.
Sobre a grande importância do Black Sabbath até mesmo nos dias de hoje, o
vocalista do Type O Negative, Peter Steele declara:
Na minha opinião, o
Black Sabbath são
aqueles que deram à luz
o que, geralmente,
consideram o heavy — Peter Steele, líder do Type O
314
www.riaa.com (sítio oficial do Recording Industry Association of America). Página visitada
em 1 de setembro de 2008.
315
História do doom metal no doom-metal.com. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
316
Perguntas e respostas Black Sabbath no whiplash.net. Página visitada em 31 de dezembro
de 2009.
317
Biografia e mini-entrevista com Tony Iommi no korg.com. Página visitada em 1 de setembro
de 2008.
metal, e não há uma Negative
banda na atualidade que
não teve influência, em
qualquer medida, do
grupo do Tony Iommi.318

Ensaios (1972-1975)
O álbum seguinte, Black Sabbath Vol. 4 de 1972, revelou a primeira de várias
alterações no som da formação, devido a uma clara contaminação do rock
progressivo. Um dos pontos fortes do álbum é a balada "Changes", onde
Osbourne canta acompanhado por piano e cordas. A canção é um exemplo de
como os sons da formação teve evoluído, mas canções como "Tomorrow's
Dream", "Snowblind" e "Supernaut" ainda mostram seu lado musical mais
profundo.
Em 1973, a banda publica Sabbath Bloody Sabbath, álbum com a atmosfera
caracterizada pelo rock progressivo ainda mais visível. Também conta a
presença de Rick Wakeman do Yes que apareceu nos teclados, como membro
externo. Entre as canções mais claramente progressistas pode citar a "Spiral
Architect" e "A National Acrobat", mas ainda faltava o "clássico", com uma boa
formação de "Sabbath Bloody Sabbath" e "Killing Yourself to Live". O disco foi
outro grande sucesso e considerado um ponto importante na carreira
artística.
Neste período, houve uma série de acontecimentos na banda. Todos os
membros tiveram sérios problemas de dependência de drogas, em especial
Osbourne e Ward que, após a admissão do cantor, fizeram uso de LSD todos
os dias por mais de dois anos.319 Uma mudança de gravadora (de Vertigo para
a Warner) tinha atrasado o lançamento do seu novo álbum, Sabotage,
publicado somente em 1975. Do ponto de vista musical, o álbum é um dos
mais variados do grupo, alternando as canções de heavy metal de "Hole in the
Sky" e "Symptom of the Universe", para o canto gregoriano de "Supertzar", e
sons de pop rock de "Am I Going Insane (Radio)".

O declínio e a despedida de Osbourne (1976-1979)


O próximo álbum, Technical Ecstasy de 1976, foi álbum de acesos debates
com os seus adeptos, devido a um som mais flexível e para a presença de
maestro e sintetizadores musicais. Embora alguns considerem positivamente o
disco como muito ambicioso e inovador, que ajudou a desiludir os fãs do estilo
inicial do grupo.

318
Entrevista com Peter Steele no stradanove.net. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
319
Entrevista com Ozzy Osbourne no levity.com. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
Em 1977, após a turnê de Technical Ecstasy, Osbourne deixou o grupo,
consequência de tristes vicissitudes pessoais, devido a morte do seu pai, para
além dos problemas derivados da sua dependência de álcool e drogas já
impagável. Os restantes membros do grupo chegaram experimentar durante
alguns meses com o cantor Dave Walker (ex-Fleetwood Mac), seguido pelo
momentâneo regresso de Osbourne para o item de 1978, o álbum Never Say
Die!.
Este trabalho segue as pegadas do álbum anterior, com sons eletrônicos e
experimentais (Don Airey nos teclados). Em qualquer caso, a resposta do
público foi relativamente negativa, apesar de apresentar boas músicas como
"Junior's Eyes" e "Hard Road",garantiu como uma das piores da formação,
sendo a faixa-título, a única para desfrutar de uma boa popularidade entre os
seus fãs.
Em 1979, devido à irreversível conflito com outros membros da banda,
Osbourne foi despedido pela sua tendência para o abuso de drogas e álcool.320
Após a saída de Osbourne, o grupo não apresentou uma formação sólida,
atingindo muitas vezes, o ponto de instabilidade e assolando vários músicos
durante a sua próxima carreira.

O Black Sabbath com Ronnie James Dio (1980-1982)


A despedida de Ozzy Osbourne, no entanto, preocupou a banda, pois ele
contribuiu muito para o desempenho das canções e acima de tudo foi um
grande animador do público durante os concertos ao vivo, e depois, encontrar
um substituto digno foi difícil. Após a sua saída, ele foi substituído por Ronnie
James Dio, ex-vocalista das bandas Elf e Rainbow.
O primeiro álbum com Dio, Heaven and Hell, foi um grande sucesso,
permitindo que o grupo voltasse nas paradas, e nas vendas foi o melhor
resultado da banda desde 1975, com as canções "Neon Knights", "Heaven and
Hell", "Die Young" e outros que se tornaram peças significativas de sua
discografia. O álbum também foi marcado pela entrada de Geoff Nicholls nos
teclados. Embora nem sempre seja reconhecido como um membro oficial do
grupo e forçadas a desempenhar no "backstage" dos concertos de "razões
estéticas" (caso não isolado na paisagem do metal), Nicholls teve, desde
então, indiscutível influência sobre o grupo, e mesmo nível compositivo.
A turnê do disco revelou, muito mais tarde, também sobre o carisma do novo
cantor, a sua excelente voz e talento. Também durante o tour, Bill Ward teve
que sair por razões pessoais (seus pais morreram, um após o outro, com os
grandes problemas com álcool),321 e foi concluída por Vinny Appice (irmão de
Carmine Appice, famoso baterista de Vanilla Fudge, Rod Stewart e King
Kobra).

320
Biografia do Black Sabbath no Rockdetector. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
321
Bootleg de Heaven and Hell, versões remasterizados de 1996 da Castle Communications
Foi durante esta excursão que Dio fez o famoso gesto de "chifres",
posteriormente adaptado como uma espécie de "sinal de reconhecimento"
pelos amantes do metal. No entanto, a paternidade deste gesto é o tema do
debate, uma vez que também foi reivindicada por Gene Simmons do Kiss.322
No entanto, os críticos argumentam que este não foi introduzido na música,
ou por Dio ou por Simmons, mas com os Beatles em 1967.323 Na verdade, as
imagens promocionais do filme animado Yellow Submarine mostram John
Lennon, com o gesto em cena.324 É também visível na capa do disco, onde
Lennon mostra os chifres atrás de Paul McCartney.325 Além disto, Dio disse ter
aprendido este gesto com sua avó, que o ensinou a fazer, para evitar mal
olhado.326
Voltando à arte da banda, Tony Iommi e os membros, com a ajuda de Appice,
gravaram o álbum posterior, Mob Rules em 1981, um sucesso que também
confirmou o novo estilo adquirido do Sabbath, graças às duas composições
técnica de Dio. A faixa-título do álbum foi escolhida para a trilha sonora do
filme Heavy Metal.
A saída e a rápida propagação do bootleg ao vivo, Live at Last (gravada pelo
grupo com Ozzy, em uma turnê de 1973), convenceu o grupo a responder com
um álbum ao vivo "oficial". Live Evil (1982) recolhe a maior parte das canções
mais famosas do grupo (do Black Sabbath para Mob Rules). Esta publicação,
no entanto, trouxe novos problemas: Iommi e Dio deram azo a debates
acalorados no que se refere a mistura de sons, como o líder do Black Sabbath
acusou o cantor de ter viajado para estudar a noite para aumentar o seu
volume de voz e chamado de "pequeno Hitler".327 Tudo isto, houve uma série
de controvérsias que convenceu o cantor a deixar a banda, levando com ele, o
Appice.

O Black Sabbath com Ian Gillan (1983-1984)


A saída do Vinny Appice e de Ronnie James Dio, deu instabilidade na banda.
Para o papel do baterista, Cozy Powell foi contratado, mas a resposta foi
negativa.328 Esta lacuna foi preenchida pelo oportuno regresso de Bill Ward,
porém encontrar um novo vocalista foi mais difícil do que o esperado. Foram
adicionados Nicky Moore do Sanson e John Sloman da Lone Star, mas não
foram tomadas.329 Iommi queria ter David Coverdale do Whitesnake em sua
banda, mas o cantor recusou a proposta.330

322
História do gesto dos chifres no roadrunnerrecords.com. Página visitada em 1 de setembro
de 2008.
323

324
Imagens promocionais dos Beatles. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
325
Imagem de Yellow Submarine. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
326
Entrevista com Ronnie James Dio no Metal Rules. Página visitada em 1 de setembro de
2008.
327
Anedotas do Black Sabbath no sítio da CNN. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
328
O Black Sabbath no www.rockdetector.com. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
329

330
Assim, a investigação realizada por Iommi e Butler é orientada para o Ian
Gillan (ex-Deep Purple), que naquele momento estava livre de qualquer
compromisso, devido o problema com a sua voz.331 Os contatos entre as duas
partes são representados por uma anedota bastante bizarra. Gillan disse que
recebeu um telefonema de Iommi que pediu para se encontrar para fazer um
bate-papo. Os dois viram em um pub chamado The Bear em Woodstock.332 Um
dia depois, Gillan fica confuso, porque tinha bebido álcool no dia anterior, e
recebeu um telefonema de seu gerente, Phil Banfield, que lhe disse para se
encontrar com Black Sabbath para discutir com eles, desde que aceite a oferta
de tornar-se seu novo vocalista. Praticamente, Gillan fez essa escolha, no
estado de embriaguez e não se lembrar de nada.333
Gillan, como o vocalista, foi possível a realização de Born Again (1983), álbum
muito mais maciço do que os produzidos com Ozzy e Dio, que, embora
queimado pelos críticos, recebendo nota 1,5 em cinco no AMG, registrou um
sucesso significativo de vendas e alcançou o quarto lugar nas classificações
inglesas,334 colocando assim canções como "Disturbing the Priest" e "Zero the
Hero", ao menos para os fãs do álbum, no patamar de clássicos da banda. Este
trabalho, como as do período de Ozzy, suscitou grande controvérsia, gerido
pela P.M.R.C.. A canção "Trashed" foi criticada por incitação para o abuso do
álcool que foi incluído em uma lista chamado de "Quinze Asquerosas" para
designar as quinze canções mais escandalosas da música contemporânea.335
Gillan irá responder a estas acusações, dizendo que a canção fala de si
próprio, quando dirigindo o seu carro por Bill Ward no estado de embriaguez
fora do estúdio de gravação, destruído, que termina em um canal e colocando
sua vida em perigo.336 Além disso a capa escolhida para o álbum foi
intensamente criticada, com o próprio Gillan dizendo que a detesta, e também
afirmando que ao ver a capa do álbum, simplesmente pegou o resto que tinha
recebido em uma caixa e atirou pela janela337
A associação entre Gillan e Sabbath foi apelidada, ironicamente por muitos
jornais, como "Black Purple", o nome dado pela fusão de Black Sabbath e
Deep Purple.338 Posteriormente foi tomada a turnê, e Ward se retirou
novamente, e foi substituído por Bev Bevan (ex-Electric Light Orchestra). No
final, Gillan volta ao Purple, no momento da nova reunião.

331
Noções biográficas do grupo no sítio oficial. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
332

333
334
Sítio dedicato ao álbum Born Again. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
335
Quinze Asquerosas da P.M.R.C. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
336
Entrevista com Ian Gillan no rockdetector.com. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
337
A polêmica capa de "Born "Again. Página visitada em 31 de dezembro de 2009.
338
Entrevista com Ian Gillan no deep-purple.it. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
Instabilidade e disputas (1985-1986)
Com a saída de Ian Gillan, tirou a conclusão de um novo vocalista. Spencer
Proffer, nesse momento, novo produtor da banda, contratou Ron Keel (ex-
Steeler e Keel) para uma audiência, mas ao final não foi escolhido. A banda, a
admissão de Keel, desejava o retorno de Ozzy.339 Outro candidato foi George
Criston da banda canadense Kick Axe340 (outra banda gerida pelo Proffer).
Mais tarde, David Donato foi citado como vocalista oficial do grupo, que ficou
por cerca de seis meses, mas não chegaram a fazer um álbum, por causa de
sua inesperada demissão. As razões para o seu abandono estão envoltos em
mistério, dito que ele foi despedido depois de um "horrível" emitido para a
revista Kerrang!, mas tudo foi negado, enquanto outros defenderam que
passou o Donato depois da gestão da banda. No entanto, Tony Iommi, em uma
entrevista, preferiu não dizer nada sobre este evento.341
Entre os poucos e raros exemplos do Black Sabbath com Donato é a canção
"No Way Out", o que não é, senão uma primeira versão de "The Shining"
(contido em The Eternal Idol, publicado em 1987).342 Donato, mais tarde, em
1986, fundou uma banda de glam metal chamada White Tiger, junto com o ex-
guitarrista do Kiss, Mark St. John.343
O mesmo Geezer Butler, após um longo tempo com grupo, abandona e forma
uma banda (o "Geezer Butler Band"), mas não esculpidas qualquer álbum. A
formação original devolvidos, temporariamente, durante o evento Live Aid em
1985, festival organizado por Bob Geldof e Midge Ure, onde o grupo
compartilhou o palco com artistas como Queen, David Bowie, The Who,
Madonna e U2.
Como a substituição de Donato, finalmente, foi matriculado o Jeff Fenholt em
1985. O vocalista teve uma breve experiência na banda Rondinelli,344 e
permaneceu no Black Sabbath por sete meses,345 antes de Glenn Hughes toma
o seu lugar. Na sequência, tinha tocado na banda Joshua,346 em que o disco
Surrender foi publicado em 1986. Dois anos após a sua partida, quando
publicou o Seventh Star, Fenholt alegou ter participado na gravação do
álbum, apesar de não ser creditado. Com efeito, com Fenholt, foi gravado em
1985, uma demo intitulada Star of Índia,347 cujas ações serão utilizadas para
liquidar a faixa-título. Posteriormente, Iommi chamou vários músicos: além de
Geoff Nicholls (agora considerado um membro oficial), chegou Glenn Hughes
(ex-Deep Purple e Trapeze), o baixista Dave Spitz e Eric Singer
(sucessivamente no Kiss e, mais tarde, com Alice Cooper) na bateria.

339
Ron Keel fala sobre o seu curto período de tempo com Black Sabbath. Página visitada em 1
de setembro de 2008.
340
Biografia no sítio oficial dos fãs do Kick Axe. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
341
Entervista com Tony Iommi. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
342
David Donato no black-sabbath.com. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
343
Biografia de White Tiger. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
344
Biografia do Rondinelli. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
345
Biografia de Jeff Fenholt. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
346
Joshua no sítio do Rockdetector. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
347
Pagina dedicata ao demo do Seventh Star. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
Seventh Star de 1986, inicialmente um álbum solo de Iommi, porém, mais
tarde, publicado por razões contratuais com a empresa discográfica, sob o
nome de "Black Sabbath featuring Tony Iommi".348 Este álbum, ainda mais,
marcou a volta da viragem que começou com Ronnie James Dio, os teclados,
que passou a ser um instrumento fundamental para o seu novo estilo. No
entanto, comparado com Born Again, o álbum teve pouco sucesso. Além disso,
alega do trabalho foi objeto de discussão entre Iommi e Fenholt,349 que alegou
ter participado na composição das faixas do disco. Fenholt, na verdade, deu
um corte com o demo da banda, Star of Índia de 1985,350 e as canções aqui são
parte de lista do Seventh Star.
Na fase inicial da turnê em 1986, Hughes deixa a banda, devido aos graves
problemas com a voz, após receber um punhado na garganta no dirigente do
grupo, Don Arden, durante uma disputa, e foi substituído por Ray Gillen.
Entretanto, a carreira solo de Osbourne andava de velas inchadas (ele já havia
publicado álbuns clássicos como Blizzard of Ozz e Diary of a Madman), e da
crescente fama do cantor estava prestes a cada vez mais obscuro.

A chegada de Tony Martin (1987-1990)


A preparação para o álbum The Eternal Idol, viu o reaparecimento, como
percussionista, o baterista Bev Bevan e ingressou como baixista Bob Daisley
(que também tocou com Ozzy). No meio de discos, Gillen saiu do grupo. Ele foi
substituído por Tony Martin, e foi o último a cantar (com canções escritas
originalmente por Gillen) para o álbum The Eternal Idol, embora entre os
colecionadores, possam encontrar a versão original cantada por Gillen. A
reunião entre o novo vocalista e o Iommi ocorreu através do gerente de
Martin, antigo companheiro de escola do líder do Sabbath.351
Martin foi muito apreciada, o seu talento foi comparado para muitos com o
Ronnie James Dio, e participou ativamente na elaboração das canções. O
álbum tem algumas referências ao passado (a canção homônima relembra
sons escuros de Master of Reality), mantendo o estilo adotado nos últimos
anos (a grande contribuição dos teclados). Mesmo este álbum, embora muitos
considerem de bom nível, não teve o sucesso esperado.
Após o lançamento do álbum, a banda foi novamente à deriva e abalada por
uma série de saídas; Iommi, Martin e Nicholls tiveram que contratar um novo
baixista, (Jo Burt), e um novo baterista, (Terry Chimes do The Clash), na curta
turnê promocional, que teve lugar em 1987, quase exclusivamente com datas
na Europa.

348
Sobre o Seventh Star no black-sabbath.com. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
349
Biografia sobre Jeff Fenholt. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
350
Sobre o Star of India, demo sessão do Seventh Star. Página visitada em 1 de setembro de
2008.
351
Entrevista com Tony Martin. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
Apesar destas mudanças em curso, a banda começou a estabilizar em torno
das performances de Iommi (agora único membro original), Martin, Nicholls e
que entrou em seguida (em substituição de Chimes), o baterista Cozy Powell
(que já recebeu uma oferta de Iommi após a partida de Appice, mas nessa
altura não aceitou).352 Com a adição de Laurence Cottle no baixo, o Sabbath
publicou Headless Cross (1989), álbum que recebeu um bom sucesso, maior
do que o Seventh Star e The Eternal Idol. A partir da canção-título, foi
estabelecido um vídeo que foi transmitido por certo período na MTV.
Em 1990 (mais uma vez com um novo baixista: Neil Murray do Whitesnake,
que já tocou na turnê de Headless Cross), o grupo consolidou esse
"renascimento" com outro álbum, Tyr, que vendeu muito bem e que se seguiu
em turnê no mesmo ano.

Reuniões (1992-2005)
Os resultados alcançados com os álbuns Headless Cross e Tyr, em 1992, Tony
Iommi convoca a formação do início dos anos 1980 (do álbum Mob Rules),
com Geezer Butler, Ronnie James Dio e Vinny Appice. O álbum que surgiu,
Dehumanizer (1992), foi um trabalho de som áspero e levou muito mais do
que uma boa opinião pública e crítica. A banda preparou uma turnê muito
bem sucedida, inclusive com passagem pelo Brasil, com apresentações na
Pista de Atletismo do Ibirapuera, em São paulo, e no Canecão, no Rio de
Janeiro, ambas no ano de 1992. Depois destas apresentações, o Sabbath
voltou a se apresentar no Brasil, na edição de 1994 do Festival Monsters Of
Rock, mas já com outra formação.
Nessa altura, Osbourne anunciou a sua intenção de retirar da música por uma
turnê (mais tarde, mudou de ideia, e organizou uma nova turnê chamada
"Retirement Sucks"), e pediu a sua antiga equipe às últimas duas datas em
Costa Mesa, Califórnia, em 14 e 15 de novembro. Dio não estava de acordo e
acabou por sair novamente, em parte, porque o seu contrato expirou em 13 de
novembro, um dia antes dos dois últimos concertos de Ozzy. Dio, porém,
alegou que o real motivo de sua saída foi à persistência de divergências com
Iommi, como em tempos de Heaven and Hell e Mob Rules.353 Para completar a
turnê, Iommi chamou em última hora, Rob Halford do Judas Priest.
Com a saída de Dio e Appice, a banda chama Tony Martin e Geoff Nicholls e,
com o novo baterista, Bobby Rondinelli lançam o Cross Purposes,
acompanhado de Cross Purposes Live, uma caixa de CDs e vídeos, publicado
em 1994, e atualmente fora de impressão. Quando abandonou o grupo,
Rondinelli foi substituído em surpresa, uma vez que o baterista original, Bill
Ward, que assumiu a tempo para tocar as últimas quatro datas da turnê na
América do Sul.

352

353
Biografia do Black Sabbath no fansite de Ronnie James Dio. Página visitada em 1 de
setembro de 2008.
Mais uma vez, Ward e Butler abandonaram, e para o ano de 1995, regressou a
formação do álbum Tyr, com Cozy Powell e Neil Murray, que lançam o álbum
Forbidden, o álbum de estúdio mais recente do Black Sabbath que não tem
recebido bons conselhos do público e da crítica. O rapper Ice-T cantou junto
com o Martin, a canção "Illusion of Power". Na turnê, Powell acompanhou
apenas as datas da turnê dos EUA, enquanto aqueles que na Europa,
Rondinelli ficou no seu lugar.
Em 1996, a Castle Records publicou algumas canções do álbum Born Again
até Forbidden, na coletânea intitulada de The Sabbath Stones.
Em 1997, Ozzy deu vida em seu festival Ozzfest. Na última parte do show,
Butler e Iommi (e posteriormente, também Ward) apareceram no palco para
tocar algumas canções clássicas do Sabbath. Com a formação original, foi
gravado em 1998, o álbum duplo ao vivo, Reunion, composto exclusivamente
de canções de Osbourne em versões ao vivo, mas que também incluiu mais de
duas novas canções de estúdio. Em 2000, a banda foi premiada pelo Grammy
na categoria "Melhor Desempenho de Metal", graças à canção "Iron Man".354
Parecia que a formação ia retornar na unidade histórica para a gravação de
um novo álbum, mas não terminou o caso. A preparação de um novo trabalho
registrado foi iniciada em 2001, mas, provavelmente, devido às restrições
impostas por contratos de Osbourne em suas atividades solista, não houve
qualquer resultado. Em 2004, o Sabbath teve tocado em uma nova turnê do
Ozzfest (com Adam Wakeman, filho de Rick, nos teclados, substituindo Geoff
Nicholls), que celebra o seu trigésimo quinto aniversário, e também em 2005,
viu-lhes participar na caravana adicionando algumas datas na Europa.

Turnês e Processos (2006-2009)


Em 13 de Março de 2006, Black Sabbath entraram no Rock and Roll Hall of
Fame. Eles foram introduzidos pela banda Metallica que também tocou duas
canções da banda do Iommi ("Hole in the Sky" e "Iron Man").
Quando parecia que já tinha chegado ao seu final, e a retirada do cenário
musical, em outubro de 2006, foi anunciada uma turnê no principal festival
europeu de metal, a formação do álbum Heaven and Hell: Dio, Iommi, Butler e
Ward.
O seu nome para esta excursão foi Heaven & Hell. Em novembro de 2006,
Ward abandonou o projeto, porque eles disseram, muito vagamente, que
houve especulações sobre o novo nome do grupo,355 e foi substituído por Vinny
Appice. Em 3 de abril de 2007, o grupo tem vindo a publicar The Dio Years,
compilação de canções compostas com Dio, e também contendo faixas
inéditas. Eles tocaram no Gods of Metal em junho de 2007.
Embora pensassem que o projeto Heaven and Hell seria concluído, o grupo
permanece unido, lança o álbum The Devil You Know, o primeiro desde o
álbum de 1995, Forbidden e já saiu em turnê, passando pelo Brasil . Porém,
Ozzy manifestou o seu desejo de ser capaz de gravar novo material com a
formação original do Sabbath.356
354
Lista de vencedores do GRAMMY. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
355
Bill Ward deixa o Heaven and Hell. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
356
Entrevista com Ozzy Osbourne no gigwise.com. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
Em 2009, Ozzy Osbourne processou Tony Iommi pelo uso da marca Black
Sabbath. Ozzy alega que Iommi registrou ilegalmente para si a propriedade
sobre o nome da banda, em processo junto ao escritório de marcas e patentes
dos Estados Unidos. Ozzy pede 50% de direito de propriedade sobre a marca,
junto com uma parte dos lucros que Iommi obteve de seu uso ao longo dos
anos. Segundo a corte federal de Manhattan, o processo ainda alega que
foram os "vocais singulares de Ozzy" os principais responsáveis pelo
"extraordinário sucesso" do Black Sabbath em sua primeira década de
existência, apontando o fato de que a popularidade do Black Sabbath caiu
após sua saída do grupo. O curioso disso tudo é que, apesar dos direitos sobre
o nome Black Sabbath pertencerem a Iommi, ele foi cunhado por Geezer
Butler em homenagem ao filme O Sabá Negro (No original, Black Sabbath), de
1963. Em junho de 2010, a batalha legal entre os dois sobre os direitos do
nome da banda teria sido encerrada, mas os termos deste acordo não foram
divulgados.357

Tributos a Ronnie James Dio (2010-presente)


No dia 16 de maio de 2010, Ronnie James Dio perde uma batalha contra o
câncer de estômago e morre aos 67 anos. A morte de Dio foi confirmada por
sua esposa, Wendy Dio, que publicou um comunicado na página oficial do
músico. “Hoje meu coração está partido, Ronnie morreu às 7h45 . Muitos
amigos e familiares puderam dizer adeus antes dele morrer pacificamente”,
escreveu Wendy.
Em homenagem a Dio, foi organizado um show tributo contando com os
vocalistas Glenn Hughes e Jorn Lande(Masterplan). Em entrevista, Iommi diz
que este será o último show do Heaven & Hell. "Nós escolhemos o nome
porque a banda consistia na formação do Black Sabbath que gravou o disco
Heaven and Hell. Não poderíamos continuar com este nome sem Ronnie. Não
seria certo, e nenhum de nós possui o desejo de fazer isso. Nem poderíamos
nos chamar de Black Sabbath". Uma possível reunião com Ozzy Osbourne está
sendo especulada.

Patrimônio musical
A importância do Black Sabbath no heavy metal e outras ramificações do rock
foram comentadas por vários críticos musicais. De acordo com muitos deles, o
grupo foi reivindicada a paternidade do subgênero doom metal que deve
muito à sua contribuição.358

357
Ozzy And Iommi Settle Sabbath Legal Battle. Classic Rock (5 de junho de 2010). Página
visitada em 6-6-2010.
358
Até mesmo o grunge sofre a influência da banda, uma vez que grupos como
Alice in Chains, Nirvana e Soundgarden consideram importantes para a sua
música.359 A VH1 acrescentou o grupo em segundo lugar entre os cem
melhores artistas de hard rock,360 e escolheu o "Iron Man" como a melhor
canção de metal de todos os tempos.361 Já a revista Time colocou o Paranoid,
entre os cem melhores álbuns de todos os tempos.362 A revista Rolling Stone
classificou a banda na posição oitenta e cinco, entre os cem melhores artistas
de todos os tempos,363 embora tenha acrescentado a MTV, o primeiro lugar
entre as dez melhores bandas de heavy metal de todos os tempos.364
Aqui estão listados, artistas que prestaram homenagem ou fizeram vários
covers como um tributo ao grupo de Birmingham.
•Em 1987, Anthrax interpretou um cover de "Sabbath Bloody Sabbath" no seu
EP I'm The Man. A mesma canção foi realizada por Amon Amarth no seu demo
Thor Arise e pela banda Cardigans no álbum Emmerdale.
•Em 1994, o Pantera interpretou covers de "Planet Caravan" para o álbum Far
Beyond Driven e "Hole in the Sky" na coleção The Best of Pantera: Far Beyond
the Great Southern Cowboys' Vulgar Hits!.
•A banda de doom metal Candlemass gravou "Black Sabbath Medley", uma
faixa contendo alguns trechos de várias canções do grupo de Birmingham.
Está no álbum Ancient Dreams.
•Em 1987, os Butthole Surfers inseriu "Sweat Loaf" (o título é uma variante do
"Sweet Leaf") para o seu álbum Locust Abortion Technician.
•Em 1994, John Christ, guitarrista do Danzig, disse que a composição de sua
banda, "Her Black Wings" (do álbum Danzig II: Lucifuge), contém um riff de
"Zero the Hero".365 O Danzig produziu também o cover de "Hand of Doom" no
disco Blackacidevil. "Zero the Hero" se tornou cover de Cannibal Corpse no
seu EP Hammer Smashed Face.
•O Guns N' Roses tocou "It's Alright" no seu álbum ao vivo Live Era 87-93.
•Um cover de "Paranoid" está no álbum do Megadeth, Hidden Treasures.
•O disco tributo ao Black Sabbath, Nativity in Black, contém as suas canções
tocadas por bandas e artistas famosas como Megadeth, Pantera, Slayer,
Machine Head, Bruce Dickinson, Godsmack, Drowning Pool e assim por
diante. No segundo volume deste trabalho, o cantor de hip hop Busta Rhymes
alterou uma parte de "Iron Man", a partir do qual a canção "This Means War".
Neste mesmo álbum, o próprio Ozzy Osbourne aparece como hóspede estrela.
•O grupo NOFX registrou um cover do "Iron Man".

359
Noções biográficas do Black Sabbath. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
360
Os cem melhores artistas de hard rock segundo a VH1. Página visitada em 1 de setembro
de 2008.
361
"Iron Man" na lista dos maiores canções de heavy metal segundo a VH1. Página visitada em
1 de setembro de 2008.
362
All Time 100. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
363
Os cem melhores artistas segundo a revista Rolling Stone. Página visitada em 1 de
setembro de 2008.
364
Os dez melhores grupos de metal segundo a MTV. Página visitada em 1 de setembro de
2008.
365
Entrevista com John Christ. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
•Diz que o grupo de metal sinfônico After Forever, leva o seu nome da canção
homônima do Sabbath.366
•Em 1998, tocou uma versão do Metallica de "Sabbra Cadabra" com certas
partes da canção "A National Acrobat" no álbum Garage Inc..
•O ator Jack Black é um grande admirador da banda.367 Além disso, com a sua
banda Tenacious D, tem composto a canção "Dio", em homenagem a Ronnie
James Dio.
•Em 1988, Venom colocou a canção "Megalomania" no álbum Prime Evil.
•Em 2002, a ex-baixista das bandas Hole e Smashing Pumpkins, Melissa Auf
der Maur, formou uma banda de tributo ao Black Sabbath chamado de "Hand
of Doom", título de uma canção do álbum Paranoid.
•O filme documentário, Spinal Tap, contém várias referências ao grupo de
Birmingham. Por exemplo, a fixação de Stonehenge, neste filme, foi inspirada
pela coreografia utilizada pelos membros durante a turnê de Born Again.
•O cover de "War Pigs" está no álbum de Faith No More, The Real Thing.
•A canção "Give it Away" do Red Hot Chili Peppers contém no final, os
principais riffs de "Sweet Leaf". O mesmo riff também aparece na canção
"Busted in Baylor County" do álbum Put the "O" Back in Country de Shooter
Jennings.
•Em 2001, Earth Crisis tocou "Children of the Grave" no seu último álbum
Last of the Sane.
•Em 1997, a versão do Sepultura da canção "Symptom of the Universe", está
presente no álbum Blood-Rooted. O cover também pode ser encontrado na
versão brasileira do disco Roots.
•Um cover da banda solo de Zakk Wylde, Pride & Glory, está presente no
único álbum da banda a música The Wizard
•Em 1991, Marilyn Manson gravou "Sam Son of Man", que é nada mais que
um cover de "Iron Man", com texto modificado.
•Um cover de "Paranoid" aparece no álbum The Incredible Shrinking Dickies,
do grupo de punk rock The Dickies em 1979.
•Uma versão não-oficial de "Alive" do Pearl Jam, em que o guitarrista Mike
McCready usa solo do final de "War Pigs", como música incidental.
•O grupo brasileiro Ultraje a Rigor fez um cover de Paranoid durante sua
performance na terceira edição do festival Rock in Rio em 2001.
•Um cover de "Snowblind" foi gravado pela banda System of a Down e lançado
em 2006, no seu EP "Lonely Day".
•Um cover de "Paranoid" foi gravado pela banda Avenged Sevenfold e lançado
em 2009 num álbum da Warner Bros. Records, chamado Covered, A
Revolution In Sound.

366
Biografia do After Forever. Página visitada em 1 de setembro de 2008.
367
Entrevista com Jack Black no webwombat.com.au. Página visitada em 1 de setembro de
2008.
•A banda americana Cake abre seu disco " B-Sides And Rarities" de 2007 com
uma versão de "War Pigs". A mesma música aparece no fim do disco em um
versão ao vivo com Steven Drozd do grupo Flaming Lips.
•A banda australiana Silverchair tocava a canção Paranoid na turnê de seu
segundo disco Freak Show. Na canção Abuse Me do Silverchair, o roadie da
banda tocava guitarra e o vocalista Daniel Johns brincava que tratava-se de
Tony Iommi.

Formações
Formação atual

•Ozzy Osbourne - vocal (1969–1979, 1997-presente)


•Tony Iommi - guitarra (1969-presente)
•Geezer Butler - baixo (1969–1984, 1990–1994, 1997-presente)
•Bill Ward - bateria (1969–1980, 1983, 1984, 1994, 1997–98, 1999-presente)

Prêmios

Awards Shows
Estas estatísticas foram compiladas através do banco de dados do site The
Envelope, do Los Angeles Times.368
•"Iron Man" - Best Metal Performance, Grammy Awards (1999) (vencedor)
•"The Wizard" - Best Metal Performance, Grammy Awards (2001) (indicação)

Certificados do RIAA
Estas estatísticas foram compiladas do banco de dados do RIAA.369370
•Paranoid - Quatro discos de Platina (31 de janeiro de 1995)
•Master of Reality - Dois discos de Platina (26 de julho de 2001)

368
The Envelope: The Awards Insider - Los Angeles Times. Página visitada em 18 de novembro
de 2008.
369
RIAA – Ouro e Platina dos álbuns do Black Sabbath. Página visitada em 18 de novembro de
2008.
370
RIAA – Ouro e Platina dos vídeos do Black Sabbath. Página visitada em 18 de novembro de
2008.
•We Sold Our Soul for Rock 'n' Roll - Dois discos de Platina (16 de março de
2000)
•Heaven and Hell - Disco de Platina (13 de maio de 1986)
•Black Sabbath - Disco de Platina (13 de outubro de 1986)
•Black Sabbath Vol. 4 - Disco de Platina (13 de outubro de 1986)
•Sabbath Bloody Sabbath - Disco de Platina (13 de outubro de 1986)
•Reunion - Disco de Platina (4 de janeiro de 1999)
•The Black Sabbath Story Vol. 1 - 1970-1978 - Disco de Platina (12 de
novembro de 2002)
•Mob Rules - Disco de Ouro (13 de maio de 1986)
•Sabotage - Disco de Ouro (16 de junho de 1997)
•Technical Ecstasy - Disco de Ouro (16 de junho de 1997)
•Never Say Die! - Disco de Ouro (7 de novembro de 1997)
•The Black Sabbath Story Vol. 2 - 1978-1992 - Disco de Ouro (12 de novembro
de 2002)

Ver também
•Lista de recordistas de vendas de discos

Ligações externas
•Sítio oficial da banda (em inglês)
•História oficial da banda (em inglês)
•Black Sabbath Live Project (em inglês)
•Black Sabbath na Encyclopaedia Metallum
•Discografia de Black Sabbath no MusicBrainz

Deep Purple
Deep Purple
O Deep Purple em 2004
Informação geral
Origem Hertfordshire, Inglaterra
País Reino Unido
Gêneros Hard rock, heavy metal, blues-rock,
rock progressivo
Período em atividade 1968–1976
1984–presente
Gravadora(s) Edel, EMI, BMG, Polydor, Warner
Bros., Tetragrammaton, Aquarius
Página oficial www.deeppurple.org
Integrantes
Ian Gillan
Roger Glover
Ian Paice
Steve Morse
Don Airey
Ex-integrantes
Joe Satriani
Jon Lord
Ritchie Blackmore
David Coverdale
Rod Evans
Glenn Hughes
Joe Lynn Turner
Tommy Bolin
Nick Simper
Deep Purple é uma banda de rock inglesa formada em Hertford,
Hertfordshire, em 1968.371 Juntamente com Black Sabbath, UFO e Led
Zeppelin é considerada uma das pioneiras do heavy metal e do hard rock
moderno, embora alguns de seus membros tenham tentado não se categorizar
como apenas um destes gêneros.372 A banda também incorporou elementos de
música clássica, blues-rock, pop e rock progressivo.373 Foram listados pelo
Livro Guiness dos Recordes "como a banda mais alta do mundo",374375376 e
venderam mais de 100 milhões de álbuns ao redor do mundo.377378379380
A banda passou por diversas mudanças de formação, além de um hiato de oito
anos (1976-84). As formações do período 1968-76 foram comumente
chamadas de Mark I, II, III e IV.381382 Sua segunda formação, a mais bem-
sucedida comercialmente, contou com Ian Gillan (vocal), Ritchie Blackmore
(guitarra), Jon Lord (teclado), Roger Glover (baixo) e Ian Paice (bateria).383
Esta formação esteve em atividade de 1969 a 1973, e foi reunida de 1984 a
1989 e, brevemente, em 1993, antes que as rixas entre Blackmore e os outros
membros da banda se tornassem intransponíveis. A formação atual inclui o
guitarrista Steve Morse; com o afastamento de Lord, em 2002, conta apenas
com Paice como membro original.
A marca da banda sempre foi a mistura de guitarra e teclado, com riffs
simples e fortes e solos vigorosos. Sua canção mais conhecida é Smoke on the
Water, gravada em 1972.

História

O início
O Deep Purple surgiu de uma ideia exótica . No país que gerou The Beatles e
Rolling Stones, revelou Jimi Hendrix e deu o título de deus a Eric Clapton,
todos esperavam pela próxima grande ideia no campo fértil do rock. Em 1967,
Chris Curtis, ex-baterista do The Searchers, teve a ideia exótica de reunir
vários músicos muito talentosos num grupo chamado Roundabout (carrossel).
Eles se revezariam em torno do baterista, como num carrossel. Depois que a
ideia foi comprada pelo produtor Tony Edwards, o primeiro músico a topar a
ideia foi o tecladista Jon Lord, colega de Curtis nos The Flowerpot Men, onde
também tocava o baixista Nick Simper.

371
Texto do livreto do álbum Shades of Deep Purple, p. 4-5.
372
Entrevista de Ian GIllan e Ian Paice - www.deep-purple.net
373
Biografia de Deep Purple Bio, Jason Ankeny & Greg Prato - Allmusic
374

375
Deep Purple Concert Auckland, Logan Campbell Centre
376
Deep Purple - Hard Rock - Rock/Pop - Music - www.real.com
377
Deep Purple - Rapture Of The Deep. I Like Music. Página visitada em 21-4-2007.
378
Deep Purple | Events | Hallam FM Arena
379
Artist Profile - Deep Purple - EMI Music pub
380
DEEP PURPLE and Paid, Inc. Launch First VIP Fan Experience Concert Package Sales on
www.DeepPurple.org
381
Deep Purple reviews
382
Deep Purple Mark I & Mark II
383
Era o final dos anos 60, e Curtis estava metido até o pescoço no espírito da
época. Certa vez, Lord entrou no apartamento e encontrou as paredes
cobertas de papel alumínio. Seu colega havia redecorado a casa pra mudar o
astral. Liga, desliga, cai na estrada: Curtis desapareceu. O grupo achou um
guitarrista - Ritchie Blackmore, conhecia um baterista - Ian Paice - que trouxe
um colega da The Maze - o vocalista Rod Evans. Com a saída de Curtis,
acabou a ideia do rodízio e a banda precisava trocar de nome. Em fevereiro de
1968, depois de queimar pestana em uma lista de nomes que incluía o
pomposo Orpheus, acabou vencendo o título da música favorita da avó de
Blackmore: Deep Purple.
Todas as formações do Deep Purple
Fase I "MK I"
(1968-1969)
•Rod Evans - vocais
•Ritchie Blackmore - guitarra
•Jon Lord - teclado
•Nick Simper - baixo
•Ian Paice - bateria

Fase II "MK II"


(1969-1973)
•Ian Gillan - vocais
•Ritchie Blackmore - guitarra
•Jon Lord - teclado
•Roger Glover - baixo
•Ian Paice - bateria

Fase III "MK III"


(1973-1975)
•David Coverdale - vocais
•Ritchie Blackmore - guitarra
•Jon Lord - teclado
•Glenn Hughes - baixo,vocais
•Ian Paice - bateria

Fase IV "MK IV"


(1975-1976)
•David Coverdale - vocais
•Tommy Bolin - guitarra
•Jon Lord - teclado
•Glenn Hughes - baixo,vocais
•Ian Paice - bateria

(1976-1984) O grupo esteve separado.


Fase II "MK II", reunião
(1984-1989)
Fase V "MK V"
(1989-1991)
•Joe Lynn Turner - vocais
•Ritchie Blackmore - guitarra
•Jon Lord - teclado
•Roger Glover - baixo
•Ian Paice - bateria

Fase II "MK II", nova reunião


(1992-1994)
•Ian Gillan - vocais
•Ritchie Blackmore - guitarra
•Jon Lord - teclado
•Roger Glover - baixo
•Ian Paice - bateria

Fase VI "MK VI"


(alguns meses em 1994)
•Ian Gillan - vocais
•Joe Satriani - guitarra
•Jon Lord - teclado
•Roger Glover - baixo
•Ian Paice - bateria

Fase VII "MK VII"


(1994-2002)
•Ian Gillan - vocais
•Steve Morse - guitarra
•Jon Lord - teclado
•Roger Glover - baixo
•Ian Paice - bateria
Fase VIII "MK VIII"
(2002-atualmente)
•Ian Gillan - vocais
•Steve Morse - guitarra
•Don Airey - teclado
•Roger Glover - baixo
•Ian Paice - bateria

•Ian Gillan - vocais


•Ritchie Blackmore - guitarra
•Jon Lord - teclado
•Roger Glover - baixo
•Ian Paice - bateria
O primeiro disco, Shades of Deep Purple, foi lançado em setembro de 1968.
Recheado de regravações (incluindo versões progressivas de Help, dos
Beatles, e Hey Joe, de Jimi Hendrix), o disco estourou nas paradas de sucesso
dos EUA com uma música de Joe South: Hush, o primeiro single da banda. Em
dezembro daquele ano, quando o segundo disco (The Book of Taliesyn) já
havia sido lançado, eles fizeram sua primeira turnê na América,
acompanhando o Cream. Nessa turnê, além de visitar a mansão de Hugh
Hefner, criador da revista Playboy, o grupo também descobriu que outro
motivo de seu sucesso no Novo Mundo vinha do nome da banda - o mesmo de
uma droga então muito popular na Califórnia. O segundo disco também trazia
regravações, como River Deep, Mountain High (sucesso na voz de Tina
Turner), We Can Work it Out (Beatles) e Kentucky Woman (Neil Diamond). A
composição Wring That Neck (chamada de Hard Road nos Estados Unidos,
pela violência do nome) sobreviveu, no setlist do grupo, à extinção da primeira
formação no ano seguinte. Foi o veículo de algumas das mais inspiradas
trocas de solos entre Blackmore e Lord.
Em 1969, Blackmore e Lord estavam descontentes com a sonoridade do
grupo. Ambos queriam experimentar mais com volume e eletricidade, mas
consideravam que a voz de Evans não acompanharia as mudanças. O terceiro
disco do grupo, chamado Deep Purple, reflete a tensão de uma banda que
tinha os pés no rock inglês dos anos 60 e a cabeça em algo que ainda estava
por ser criado. Sob convite do baterista Mick Underwood, em 24 de junho,
Blackmore e Lord foram conferir uma apresentação do grupo Episode Six, de
cujo vocalista (Ian Gillan) o ex-colega de Blackmore havia falado muito bem.
Os dois membros do Deep Purple chegaram a subir ao palco para uma jam.
Começou aí o mês mais tenso e criativamente decisivo em toda a carreira do
Deep Purple.
Blackmore, Lord e Paice combinaram um teste com Ian Gillan. Ele levou seu
amigo Roger Glover, baixista também do Episode Six. Juntos, os cinco
gravaram o single Hallellujah, no dia 7 de junho. Aprovados os dois, o Deep
Purple passou a ter vida dupla. Durante o dia, a segunda formação (Fase II)
ensaiava no Hanwell Community Centre; à noite, a primeira (Fase I)
continuava se apresentando como se nada estivesse ocorrendo. Evans e
Simper não sabiam o que estava por acontecer até a véspera da estreia da
Fase II nos palcos, em 10 de julho. A situação era tão maluca que, em 10 de
junho de 1969, Episode Six e Deep Purple se apresentaram em bailes de
Cambridge. O Deep Purple fez 11 apresentações entre a escolha dos novos
membros e a estreia da nova fase; o Episode Six, oito. Mas Gillan e Glover
ainda fizeram outros quatro shows para cumprir contrato com o E6 até o dia
26 de julho, intercalando com os três primeiros shows da Fase II.
Os projetos que já vinham ocorrendo, porém, continuaram. O terceiro disco
tinha acabado de ser lançado na Inglaterra quando a nova formação, com sua
proposta sonora mais ousada, estreou. Jon Lord também estava finalizando
seu Concerto for Group & Orchestra, que seria apresentado no Royal Albert
Hall, com a Royal Philharmonic Orchestra, no dia 24 de setembro. Nesse dia,
além de mostrarem o novo tipo de composição idealizado por Lord (unindo as
linguagens da música erudita e do rock), os ingleses de todas as classes
sociais conheceram Child in Time, composta ainda em Hanwell. A composição
mostra tudo o que a nova formação trazia de novo em relação à anterior:
mudanças de ritmo, solos poderosos, gritos de banshee. O novo Deep Purple
era elétrico e explosivo, e isso ficaria muito claro no primeiro disco da nova
formação - In Rock, lançado em abril de 1970. Os ingleses puderam conhecer
faixa por faixa do novo disco via BBC durante os vários meses que levaram ao
lançamento. Conheceram inclusive faixas inéditas, como Jam Stew, e uma
versão primitiva de Speed King chamada Kneel and Pray, com uma letra
completamente diferente e muito mais maliciosa do que a conhecida e cantada
até hoje.
O segundo disco da Fase II foi Fireball, que mantém a eletricidade mas
envereda por um caminho mais experimental. Até um country ("Anyone's
Daughter") o disco inclui, ao lado de longos instrumentais como os de "Fools"
e rocks mais próximos dos que havia no disco anterior, como "Strange Kind of
Woman". Os shows da turnê de 1971, disponíveis apenas em gravações
piratas, mostram uma banda mais madura e mais ousada. É nessa turnê que
Ian Gillan começa a fazer duelos de sua voz com a guitarra de Blackmore, por
exemplo.
Conquistando o mundo
O passo seguinte na experimentação do Deep Purple seria gravar um disco de
estúdio feito nas mesmas condições de uma apresentação ao vivo. Todos
juntos, num mesmo ambiente, criando e gravando juntos como nas longas
jams instrumentais que eles faziam no palco. Eles já tinham algumas músicas
quase prontas: "Highway Star" começou a ser criada dentro de um ônibus,
quando um jornalista perguntou como eles criavam suas músicas. Blackmore
disse: "assim", e começou a tocar um riff agitado. Gillan entrou na farra e
começou a improvisar uma letra: "We're on the road, we're on the road, we're
a rock'n'roll ba-and!". Em setembro, a primeira versão do que seria Highway
Star já estava começando a ser experimentada no palco e no programa de TV
alemão Beat Club. É dessa apresentação que vem o clipe de Highway Star em
que Blackmore usa um chapéu de bruxo e Gillan balbucia palavras sobre
Mickey Mouse e Steve McQuinn. "Lazy" é outra canção que começou a ser
testada no palco antes de ir para o estúdio.
Em dezembro de 1971, eles haviam achado o local certo para criar e gravar
esse disco: Montreux, na Suíça, onde até hoje ocorre um famoso festival de
jazz. O melhor lugar para gravar seria o grande cassino da cidade, onde
tradicionalmente havia apresentações musicais. O cassino ainda não estava
liberado para o Deep Purple quando eles chegaram - faltava uma última
apresentação, de Frank Zappa, para encerrar a temporada. O grupo, então, foi
assistir ao show. Zappa sempre foi um inovador do rock, e naquela
apresentação em especial ele usava um sintetizador de última geração. No
meio do show, alguém põe fogo no cassino. A música pára. Zappa grita:
"FOGO! Arthur Brown, em pessoa!" e orienta os presentes a deixar o cassino
calmamente. Em entrevistas, Roger Glover conta que todos realmente
estavam calmos - o suficiente para que ele próprio ainda pudesse dar uma
olhada no sintetizador antes de sair do prédio. Enquanto isso, Claude Nobs,
que até hoje organiza o Festival de Jazz de Montreux, corria de um lado para o
outro para tirar alguns espectadores de dentro do cassino.
O grupo foi transferido para o Grande Hotel de Montreux. No inverno, ele
estava vazio, era frio e todos os móveis estavam guardados. Eles estacionaram
do lado de fora a unidade móvel de gravação dos Rolling Stones, puxaram
alguns fios, instalaram confortavelmente seus instrumentos nos corredores do
hotel e começaram a ensaiar. O resultado é que até hoje todos os shows do
Deep Purple contêm ao menos quatro das sete músicas do disco Machine
Head.
A história inteira da gravação é contada em poucas palavras na música
"Smoke on the Water", a última a ser gravada no disco. Blackmore havia
criado um riff que não fora usado, apelidado então de "durrh-durrh". Não
havia letra. Então veio a ideia de escrever sobre o que acontecera na gravação
do disco. Gillan afirma que eles estavam num bar quando Roger Glover
escreveu num guardanapo o título da música (que significava "fumaça sobre a
água", uma boa descrição da fotografia que um jornal publicou no dia seguinte
ao incêndio). Glover diz que a expressão lhe surgiu em um sonho e que Gillan
lhe respondeu: "não vai rolar; parece nome de música sobre drogas, mas nós
somos uma banda que bebe". Nenhum deles apostava que passaria mais de 30
anos tocando "durrh-durrh" toda noite, tamanho o sucesso que a música
alcançou. Apesar de ter sido gravada em dezembro, ela só entrou no setlist em
9 de março, num show na BBC. Essa primeira apresentação consta de In
Concert 1970-1972.
O ano de 1972 é movimentadíssimo, e nele o Deep Purple chegou pela
primeira vez ao Japão, onde foi gravado seu mais famoso disco ao vivo, Made
in Japan. Na Itália, o grupo também preparava a gravação de Who Do We
Think We Are. O ritmo de trabalho da banda, porém, custou caro a eles. Por
diversas vezes, membros do grupo ficaram doentes. Randy California chegou a
substituir Blackmore em um show, e Roger Glover substituiu Gillan em outro.
Os relacionamentos entre os membros - e especialmente entre Gillan e
Blackmore - não iam bem também. Em dezembro, Gillan entregou seu pedido
de demissão, avisando que deixaria o grupo no final de junho de 1973, dando
aos empresários e aos colegas seis meses para decidir o que fazer do grupo.

Tempo de mudanças
Em 29 de junho de 1973, na segunda viagem do grupo ao Japão e após um
show impecável, em que Jon Lord incluiu o "Parabéns a você" para Paice em
seu solo de teclado (era o aniversário do baterista), Ian Gillan volta ao palco e
avisa que seria o último show do Deep Purple. Durante o show, não havia
nenhum outro sinal de desgaste. Em retrospecto, o silêncio de Gillan na hora
de cantar o verso "no matter what we get out of this" ("não importa o que
possamos tirar disso") em "Smoke on the Water" podia indicar que tudo o que
ele poderia tirar daquilo já havia acabado. Glover também deixou o grupo,
passando a se dedicar à produção, no departamento artístico da Purple
Records - a gravadora do grupo.
O primeiro novo integrante recrutado para o Deep Purple, logo após o fim da
Fase II, foi o baixista Glenn Hughes, que cantava e tocava baixo no Trapeze.
A dupla habilidade empolgou Blackmore e Lord, mas ele não seria deixado
sozinho nos vocais. O plano do Deep Purple era buscar a voz de Paul Rodgers,
do Free. Após um primeiro contato, ele pediu um tempo para pensar e decidiu
continuar com sua banda. Enquanto seguia a busca pelo novo vocalista,
Blackmore e Hughes iam se conhecendo e tocando juntos. O que se tornaria o
blues "Mistreated", sem a letra, foi composto nessa época.
A hipótese de tocar o grupo com apenas quatro membros foi cogitada, mas a
ideia de ter dois vocalistas falou mais alto. Com essa ideia nas ruas, os
empresários do Deep Purple não paravam de receber fitas de novos artistas.
Uma delas fora enviada por um rapaz de 21 anos, gordinho e cheio de
espinhas, que cantava desde os 15 anos e ganhava a vida vendendo roupas da
moda numa boutique: David Coverdale. Sua banda e o Deep Purple já haviam
cruzado caminhos em novembro de 1969, num show na universidade de
Bradford, quando Gillan e Glover haviam acabado de entrar para o Deep
Purple. O teste de Coverdale ocorreu em agosto de 1973. Durante seis horas,
eles tocaram material do Deep Purple e rocks mais conhecidos, como "Long
Tall Sally" e "Yesterday". Quando Coverdale foi pra casa, o restante do Deep
Purple saiu para beber e decidiu: era o gordinho mesmo (nos meses seguintes,
os empresários da banda lhe dariam alguns remédios para afinar a aparência).
Em 9 de setembro, o novo grupo se trancou por duas semanas no Castelo de
Clearwell para compor. Empolgadíssimo, Coverdale - cuja experiência de
palco era apenas com a gravação de demos - escreveu quatro letras diferentes
para a música que seria "Burn". Uma delas se chamava "The Road". No dia 23,
um dia depois de Coverdale completar 22 anos, a Fase III foi apresentada à
imprensa inglesa. Em novembro, foi gravado o disco Burn, novamente em
Montreux, com a mesma unidade móvel dos Rolling Stones com que foi
gravado Machine Head. A nova equipe estrearia no palco em 8 de dezembro,
na Dinamarca. Era a estreia da Fase 3 do Deep Purple. O disco só sairia em
1974.
O som da nova formação era marcado pela maior velocidade e técnica de
Blackmore na guitarra e pela tensão entre os dois cantores. No estúdio, os
duetos eram perfeitos. No palco, Hughes punha a trabalhar toda a potência de
seus pulmões sempre que podia, muitas vezes chegando a intimidar
Coverdale. O baixista e cantor também acrescentou à receita do Deep Purple
uma boa pitada de tempero funky - que Blackmore aceitou inicialmente a
contragosto, por entender que apesar de este estilo estar nas paradas de
sucesso da época, não fazia parte, até então, dos elementos constitutivos do
som do Deep Purple.
Em 6 de abril de 1974, o grupo se apresentou na Califórnia para uma plateia
de 200 mil pessoas - era o festival California Jam, que duraria 12 horas e seria
liderado pelo Deep Purple. O show, e particularmente o mau humor de
Blackmore com o fato de ter de começar a tocar antes do anoitecer com
câmeras em cima do palco, ficou famoso por ser explosivo: o guitarrista
destruiu uma câmera em funcionamento com sua guitarra e, não contente,
explodiu um amplificador. A silhueta do guitarrista em frente às chamas do
amplificador é uma das cenas mais poderosas de toda a iconografia do rock.
Trinta anos depois, Josh White, diretor de filmagens do evento, lembrou de
como ele pode tê-lo induzido a isso:
"Eu falei com ele na noite anterior. O Deep Purple fez um ensaio técnico, e eu
perguntei se ele ia quebrar a guitarra dele. E Richie disse: 'sim, talvez. Sei lá,
que merda'. Ele estava meio puto com várias coisas que não tinham nada a
ver comigo. E eu disse: 'Veja, se você for quebrar a guitarra, privilegie a
câmera. Vou fazer uma bela filmagem e vai ficar genial'. E ele privilegiou bem
a câmera, gerando US$ 8 mil de prejuízo."
A terceira formação do Deep Purple acabaria um ano depois de California
Jam, em 7 de abril de 1975, uma semana antes de Blackmore completar 30
anos de idade. Era a turnê de lançamento do disco Stormbringer na Europa.
Com ainda mais balanço funk, o disco desagradou bastante a Blackmore. Ele
já tinha algumas ideias na cabeça, e ao sair já tinha uma nova banda formada:
o Rainbow. Restava ao grupo o dilema entre continuar sem Blackmore - o
criador de todos os riffs que tornaram o Deep Purple famoso - ou partir para
outra, aproveitando que o grupo era um dos mais lucrativos de toda a história
do rock.
Decidiram continuar, convidando o guitarrista Tommy Bolin, o primeiro norte-
americano a fazer parte do grupo. Com essa formação (Fase IV), gravam
Come Taste the Band, ainda mais suingado. A turnê é complicada, um tanto
devido aos problemas de Bolin e Hughes com drogas. Em vários shows, como
o registrado em Last Concert in Japan, Bolin não conseguia tocar porque seu
braço estava anestesiado de drogas. Garotos talentosos, de vinte e poucos
anos, ao entrar em uma máquina de fazer dinheiro na indústria do
entretenimento, correm o sério risco de perderem o senso de proporção. Foi o
que ocorreu na época.
Bolin tinha dois agravantes: insegurança e baixa auto-estima. Tudo isso
apesar de ter gravado belíssimos discos solo, ser considerado um gênio da
guitarra e ter tocado com magos do jazz como o baterista Billy Cobham. Bolin
não suportava ser comparado pelos fãs aos carismáticos antecessores que
teve em grandes grupos de rock. O Deep Purple era a segunda vez em que ele
substituía um grande guitarrista - anteriormente, havia tocado na James Gang.
No Deep Purple, ele chegou a discutir com a plateia por algumas vezes,
durante apresentações.

O fim
Ao final do show de 15 de março de 1976, em Liverpool, David Coverdale
desabafa com Lord: não havia mais clima para continuar com o Deep Purple.
Lord desabafa de volta: não havia mais um Deep Purple para continuar.
Acabou assim, em clima de confidência, a banda criada oito anos antes e que
chegou a figurar no Guinness dos recordes como a mais barulhenta do mundo.
Oito meses depois, Bolin morreria de overdose no Resort Hotel de Miami,
após uma apresentação. E durante oito anos o Deep Purple permaneceria fora
do ar.
Nesse período, os membros da banda fariam suas próprias carreiras e
plantariam as bases para os futuros desenvolvimentos do Deep Purple. Por
ordem de saída:
Ian Gillan - Depois de um breve período de reclusão em que vendeu motos e
tentou ter um hotel, foi resgatado para os palcos por Roger Glover e sentiu-se
animado o suficiente para criar sua própria banda, a Ian Gillan Band. Numa
espécie de jazz-rock, seguiu até o início dos anos 80. Em 1982, dissolveu a
banda, para no ano seguinte gravar um disco com o Black Sabbath: Born
Again.
Roger Glover - Inicialmente, permaneceu próximo à Purple Records e foi
quem mais teve contato com todos os galhos da gigantesca árvore genealógica
do Deep Purple. Dois anos depois, conseguiu juntar no mesmo palco os
melhores músicos da Inglaterra (muitos deles membros ou ex-membros do
Deep Purple, ou seus colegas em outras bandas), no musical Butterfly Ball. Foi
a primeira aparição pública de Ian Gillan após o fim do Deep Purple,
substituindo Ronnie James Dio (que cantava no Rainbow de Blackmore e
passaria depois pelo Black Sabbath). Produziu outras bandas, gravou dois
discos solo e voltou a tocar baixo no Rainbow de Blackmore.
Ritchie Blackmore - Com o Rainbow, teve uma das bandas de hard rock de
maior sucesso do final dos anos 70 e início dos anos 80, apontando o holofote
para músicos como Joe Lynn Turner e Don Airey, que anos mais tarde
participariam do Deep Purple. Roger Glover chegou a tocar com ele.
David Coverdale - Após dois discos solo, formou o Whitesnake e invadiu as
paradas de FM dos anos 80. Na banda, tocou com Jon Lord e Ian Paice. De
quando em quando, reúne o Whitesnake para turnês.
Jon Lord - Teve uma carreira solo interessante, misturando suas várias
influências musicais (clássico, rock e jazz). Compôs trilhas sonoras de filmes
com Tony Ashton e os dois se juntaram a Paice para o projeto Paice, Ashton e
Lord. Mais tarde, uniu-se a Coverdale no Whitesnake.
Ian Paice - Tocou com diversos músicos, inclusive com Gary Moore, além de
Paice, Ashton e Lord e Whitesnake.
Glenn Hughes - Reuniu o Trapeze, gravou vários discos solo, tocou com Gary
Moore e Pat Thrall, lutou consigo mesmo para se livrar das drogas, cantou no
Black Sabbath e mais recentemente gravou dois discos com o também ex-
Deep Purple Joe Lynn Turner: o Hughes-Turner Project (HTP).
O recomeço
Em 1984 é anunciada a volta do Deep Purple com a sua formação de maior
sucesso (Fase II), com Gillan, Blackmore, Paice, Glover e Lord. É lançado o
essencial Perfect Strangers, que foi seguido por Nobody Perfect (ao vivo) e
pelo fraco The House of Blue Light. Gillan decide sair novamente da banda e
em seu lugar entra Joe Lynn Turner, ex-vocalista de uma fase do
Rainbow.Com uma nova formação, a banda saiu em uma bem-sucedida turnê
que foi muito bem elogiada pelos fãs que foram aos shows,embora o álbum
tenha sido comercialmente fraco a sua turnê não foi, os shows foram
marcados por performances impecavéis da banda e pela excelente presença
de palco do vocalista Joe Lynn Turner. Vale lembrar que nessa turnê o Deep
Purple veio ao Brasil pela primeira vez. O set-list continha clássicos da época
de Coverdale e muitos que a banda não tocava há muito tempo. A banda
termina a turnê no fim de 1991,e em Abril de 1992 começão a gravar o que se
tornaria o The Battle Rages On, sim, o álbum foi inicialmente gravado e
escrito com Joe Lynn Turner ainda na banda, mas no meio de Setembro de
1992 Joe é despedido do grupo, e em seu lugar entra novamente Ian Gillan e
termina o que restou do The Battle Rages On regravando-o com sua voz,assim,
O "The Battle Rages On" sai em 1993. Ritchie Blackmore entra em conflito
constantemente com o restante da banda e larga o Deep Purple durante a
turnê para remontar o Rainbow. No seu lugar entra o guitar-hero Joe Satriani,
apenas para quebrar o galho. Os discos em que Satriani toca com o Purple são
itens raros e todo colecionador procura, pois nunca esta formação gravou algo
oficial. Apesar de ser convidado a permanecer na banda, Satriani recusa para
continuar em sua prolífica carreira-solo. Para o lugar de Blackmore entra
Steve Morse, grande fã da banda e que já havia tocado no Dixie Dregs e no
Kansas.
A banda se revitaliza e volta com o bom Purpendicular, trazendo novos
elementos, porém valorizando os desafios entre guitarras e órgão que fez a
base musical do estilo do Deep Purple. Segue o razoável Abandon em 1998.
Jon Lord decide abandonar a estrada, devido à idade, e em seu lugar entra
Don Airey, um tecladista que passou por diversas bandas de hard rock, entre
elas, o Rainbow de Blackmore e o Whitesnake de David Coverdale. Com Airey,
Gillan, Morse, Glover e Paice são lançados Bananas, em 2003, e Rapture of
the Deep, em 2005.

O melhor riff da história do rock


Em abril de 2008, os alunos da London Tech Music School, uma das mais
conceituadas escolas de música da Grã-Bretanha e de onde saíram integrantes
de bandas como o Radiohead, The Kinks e The Cure, elegeram o clássico
"Smoke on the Water", um dos maiores sucessos da banda, como o maior riff
de todos os tempos na história do rock, na frente de outros clássicos como
"Smells Like Teen Spirit" do Nirvana, Sweet Child o' Mine do Guns N' Roses
"My Generation" do The Who e "Born To Be Wild" do Steppenwolf. [0]
Shows do Deep Purple em Portugal
Os Deep Purple actuaram várias vezes em Portugal, as últimas das quais
foram384
•Verão de 2006, na concentração motard de Faro, no âmbito da digressão
'Rapture of the Deep Tour'.
•14 de Julho de 2010 no Coliseu de Lisboa

Shows do Deep Purple no Brasil


Nove turnês do Deep Purple passaram pelo Brasil até hoje:
1. 1991 - turnê de Slaves & Masters, com a Fase V (Blackmore, Lord, Paice,
Glover, Turner)
•16-17 de agosto - Ginásio do Ibirapuera, São Paulo
•18 de agosto - Pavilhão Atuba, Curitiba
•20-21 de agosto - Olympia, São Paulo
•23 de agosto - Ginásio Gigantinho, Porto Alegre
•24 de agosto - Maracanãzinho, Rio de Janeiro
2. 1997 - turnê de Purpendicular, com a Fase VII (Morse, Lord, Paice,
Glover, Gillan)
•5 de março - Opinião, Porto Alegre
•7 de março - Santos
•8 de março - Rio de Janeiro
•9 de março - Santo André
•13 de março - Forum, Curitiba
•14 de março - Vinhedo
•15 de março - Belo Horizonte
•16 de março - Brasília
•18-20 de março - Olympia, São Paulo
3. 1999 - turnê de Abandon, com a Fase VII
•19-21 de março - Via Funchal, São Paulo
•23 de março - Fórum, Curitiba
•24 de março - Metropolitan, Rio de Janeiro
•26 de março - Ginasio da Unicamp, Campinas
•27 de março - Mineirinho, Belo Horizonte

384
Deep Purple actuam hoje em Lisboa. 14 de Julho de 2010.
•28 de março - Aramacan, Santo André
4. 2000 - turnê dos 30 anos do Concerto for Group and Orchestra, com a
Fase VII e convidados (Ronnie James Dio, Miller Anderson, Orquestra Jazz
Sinfônica, maestro Paul Mann)
•7-9 de setembro - Via Funchal, São Paulo
5. 2003 - turnê de Bananas, com a Fase VIII (Morse, Airey, Paice, Glover,
Gillan)
•8 de setembro - Blen Blen, São Paulo - workshop com Ian Paice
•12 de setembro - Ginásio Goiânia Arena, Goiânia
•13 de setembro - Classic Hall, Recife
•16 de setembro - Gravação no programa Casseta & Planeta, na TV Globo
•16 de setembro - ATL Hall, Rio de Janeiro
•18 de setembro - Ginásio do Gigantinho, Porto Alegre, com Hellacopters e
Sepultura
•19 de setembro - Pedreira Paulo Leminski, Curitiba (cancelado
•19 de setembro - Gravação no programa do Jô Soares, na TV Globo
•20 de setembro - Estádio do Pacaembu, São Paulo, com Hellacopters e
Sepultura
•21 de setembro - Mineirinho, Belo Horizonte, com Hellacopters e Sepultura
6. 2005 - turnê de Rapture of the Deep, com a Fase VIII
•1 e 3 de novembro - Credicard Hall, São Paulo
•4 de novembro - Claro Hall, Rio de Janeiro
7. 2006 - turnê de Rapture of the Deep, com a Fase VIII
•25 de novembro - Gigantinho, Porto Alegre
•26 de novembro - Master Hall, Curitiba
•28 e 29 de novembro - Tom Brasil, São Paulo
•1º de dezembro - Rio Centro, Rio de Janeiro
•2 de dezembro - Praça do Papa, Vitória
•3 de dezembro - Chevrolet Hall, Belo Horizonte
8. 2008 - turnê de Rapture of the Deep, com a Fase VIII
•22 de fevereiro - Citibank Hall, Rio de Janeiro
•23 de fevereiro - Helloch, Curitiba
•24 de fevereiro - Credicard Hall, São Paulo
9. 2009 - turnê de 40 anos de história da banda, com a Fase VIII
•2 de março - Teatro do Bourbon, Porto Alegre
•3 de março - Teatro do Bourbon, Porto Alegre
•5 de março - Floripa Music Hall, Florianópolis
•6 de março - Via Funchal, São Paulo
•7 de março - Via Funchal, São Paulo

Shows de ex-membros do Deep Purple no


Brasil
Membros e ex-membros do Deep Purple também estiveram no Brasil em suas
carreiras solo ou com outras bandas (por ordem da primeira visita do grupo ao
Brasil):
•Ozzy Osbourne (Don Airey)
1. 19 de janeiro de 1985 - Rock in Rio, Rio de Janeiro

•Whitesnake (David Coverdale)


1. 11 e 19 de janeiro de1985 - Rock in Rio, Rio de Janeiro
2. 6 de dezembro de 1997 - Parque Antártica, São Paulo
3. 9 de dezembro de 1997 - Metropolitan, Rio de Janeiro
4. 6 de setembro de 2005 - Estádio do Gigantinho, Porto Alegre
5. 8 de setembro de 2005 - Claro Hall, Rio de Janeiro
6. 9 de setembro de 2005 - Anhembi, São Paulo
7. 3 de maio de 2008 - Manaus
8. 6 de maio de 2008 - Belo Horizonte
9. 7 de maio de 2008 - Rio de Janeiro
10. 9 de maio de 2008 - São Paulo
11. 10 de maio de 2008 - Curitiba
12. 11 de maio de 2008 - Porto Alegre

•Ian Gillan, turnês Naked Thunder e Toolbox


1. 3 de agosto de 1990 - Projeto SP, São Paulo
2. 4 de agosto de 1990 - Projeto SP, São Paulo
3. 6 de agosto de 1990 - Teatro Nacional, Rio de Janeiro (cancelado
devido a incêndio)
4. 8 de agosto de 1990 - Curitiba
5. 5 de maio de 1992 - São Paulo
6. 6 de maio de 1992 - São Paulo
7. 7 de maio de 1992 - Belo Horizonte
8. 8 de maio de 1992 - Curitiba
9. 9 de maio de 1992 - Auditório Araújo Vianna, Porto Alegre

•Glenn Hughes
1. 28 de julho de 1994 - Black Jack Bar, São Paulo
2. 26 de setembro de 1998 - Pista de Atletismo do Ibirapuera, São Paulo
(Monsters of Rock)
3. 23 de novembro de 1999 - Recife
4. 24 de novembro de 1999 - programa Turma de Cultura, São Paulo
5. 25 de novembro de 1999 - Tom Brasil, São Paulo
6. 24 de outubro de 2007 - Master Hall, Curitiba (PR)
7. 26 de outubro de 2007 - Hakka Eventos (festa Hard'N'Heavy), São
Paulo (SP)
8. 27 de outubro de 2007 - Local a confirmar, Santos (SP)
9. 28 de outubro de 2007 - Circo Voador, Rio de Janeiro (RJ)
10. 11 de dezembro de 2009 - Orquidea Rock Festival, Lages(SC)
11. 16 de dezembro de 2009 - Carioca Club, São Paulo(SP)
12. 18 de dezembro de 2009 - Floripa Music Hall, Florianopolis(SC)

•Rainbow (Ritchie Blackmore), turnê Stranger in Us All


1. 2 de julho de 1996 - Opinião, Porto Alegre
2. 4 de julho de 1996 - Aeroanta, Curitiba
3. 5-7 de julho de 1996 - Olympia, São Paulo
4. 9 de julho de 1996 - Barra Metropolitan, Rio de Janeiro (cancelado)

•Voices of Classic Rock (Glenn Hughes e Joe Lynn Turner)


1. 2 de novembro de 2001 - Guarujá
2. 3 de novembro de 2001 - Credicard Hall, São Paulo
3. 4 de novembro de 2001 - Credicard Hall, São Paulo
4. 10 de novembro de 2001 - Florianópolis

•Joe Lynn Turner


1. 30 de novembro de 2007 - Opera 1, Curitiba (cancelado)
2. 01 de dezembro de 2007 - Teatro Rival, Rio de Janeiro (cancelado)
3. 02 de dezembro de 2007 - Victoria Hall, São Caetano do Sul (SP)
(Cancelado)
4. 08 de agosto de 2009 - Celeiros Beer, Biguaçu(SC)

•Rock and Pop Masters (RPM)/Big Noize (Joe Lynn Turner)


1. 24 de junho de 2008 - Casa Brasil, Belo Horizonte (anunciado)
2. 26 de junho de 2008 - a anunciar, Campinas (anunciado)
3. 28 de junho de 2008 - Espaço Callas, Curitiba (anunciado)
4. 29 de junho de 2008 - Manifesto, São Paulo (anunciado)
5. 30 de junho de 2008 - Bar do Tom, Rio de Janeiro (anunciado)

•Jon Lord, turnê do Concerto para Grupo e Orquestra


1. 2 de maio de 2009 - Virada Cultural, São Paulo

Discografia de estúdio
O Deep Purple já lançou 18 discos de estúdio desde 1968. Eles vêm sendo
gradualmente relançados em versão remasterizada, com faixas extras. Nem
todos esses remasters já chegaram ao Brasil. Em 2006, o remaster de
Stormbringer deve ser lançado no exterior.
•Fase I
1. Shades of Deep Purple, Setembro, 1968 (Remaster em 2000, lançado
no Brasil)
2. The Book of Taliesyn, Dezembro, 1968 (Remaster em 2000, lançado
no Brasil)
3. Deep Purple , Novembro, 1969 (Remaster em 2000, lançado no
Brasil)

•Fase II - A
1. In Rock, Junho, 1970 (Remaster em 1995)
2. Fireball, Setembro, 1971 (Remaster em 1996, lançado no Brasil)
3. Machine Head, Março, 1972 (Remaster em 1997)
4. Who Do We Think We Are, Fevereiro, 1973 (Remaster em 1999)

•Fase III
1. Burn, Fevereiro, 1974 (Remaster em 2004)
2. Stormbringer, Dezembro, 1974 (Remaster em 2006)
•Fase IV
1. Come Taste the Band, Outubro, 1975

•Fase II - B
1. Perfect Strangers, Novembro, 1984
2. The House of Blue Light, Janeiro, 1987

•Fase V
1. Slaves and Masters, 1990

•Fase II - C
1. The Battle Rages On, Julho, 1993

•Fase VII
1. Purpendicular, Fevereiro, 1996
2. Abandon, Maio, 1998

•Fase VIII
1. Bananas, Agosto, 2003
2. Rapture of the Deep, Outubro, 2005

Discografia ao vivo
Especialmente depois do sucesso de Made in Japan, e mais recentemente com
o lançamento oficial pela Purple Records de diversas gravações anteriormente
disponíveis em bootlegs, o Deep Purple é um dos conjuntos de rock que mais
lançou discos ao vivo. Confira:
•Fase I
1. Inglewood - Live at the Forum, 1968 (2004)

•Fase IIa
1. Kneel and Pray - Live in Montreux 69 (2004)
2. Concerto for Group and Orchestra (Ao vivo), Dezembro, 1969
(Remaster em 2003)
3. Scandinavian Nights, 1970 (lançado em 1988)
4. Gemini Suite Live, 1970 (lançado em 1998)
5. Live in Aachen 1970 (a ser lançado em 2006)
6. In Concert 70-72, 1970 e 1972, Dezembro, 1980;
7. Made in Japan (Ao vivo), Dezembro, 1972 (Remaster em 1999,
lançado no Brasil)
8. Live in Japan (caixa com 3 CDs com os shows originais de Made in
Japan), 1993
9. Live in Denmark 72 (2005)
10. Turn Around, Live Long Beach Arena, 1971
11. Mk II: Final Truckin', Live Osaka, 1973

•Fase III
1. Deep Purple Live in London (Ao vivo em 1974), Setembro, 1982;
2. California Jamming: Live at the California Jam, 1974 (lançado em
1996)
3. Perks & Tit - Live in San Diego 1974
4. Just Might Take Your Life (mesma coisa que Cal Jam)
5. Made in Europe, 1975
6. Mk III: The Final Concerts, 1975 = Archive Alive (lançado em 1996)
7. Live in Paris 1975 (2005)

•Fase IV
1. Days May Come and Days May Go (2000), ensaios de Tommy Bolin no
Deep Purple
2. 1420 Beachwood Drive (2000), ensaios de Tommy Bolin no Deep
Purple
3. Last Concert in Japan, Novembro, 1976
4. On the Wings of a Russian Foxbat = King Biscuit Flower Hour, 1975
(lançado em 1995)
5. Power House, 1977
6. This Time Around: Live in Tokyo, 1975 (lançado em 2001)

•Fase IIb
1. Nobody's Perfect (Ao vivo), Julho, 1988
2. In The Absence of Pink: Knebworth 85, 1985 (lançado em 1991)
3. Third Night, Ao Vivo na Suiça 1985
•Fase IIc
1. Come Hell or High Water, 1993, (lançado em 1994)
2. Live In Europe 1993, 1993 (caixa com 4 CDs - lançada em março de
2006)

•Fase VII
1. Live at the Olympia '96, 1996 (lançado em 1997)
2. Total Abandon: Live in Australia, 1999
3. In Concert with the London Symphony Orchestra, 1999
4. Live At The Rotterdam Ahoy, Purple Harbour, 1996
5. The Soundboard Series (12CD Box)

Compilações
•24 Carat Purple, Julho, 1975
•Singles A's & B's, 1978 (contém uma versão editada de "April", do disco Deep
Purple)
•The Mark II Purple Singles, Abril, 1979
•Deepest Purple, Julho, 1980
•New Singles A's & B's, 1993 (contém "Hallellujah", primeira música gravada
com Gillan e Glover e que não consta de nenhum disco de estúdio, e a versão
original de "Coronarias Redig", canção que não consta de discos de estúdio e
no remaster de Burn aparece remixada)
•Knocking at your Back Door: The Best of Deep Purple in the 80s, 1992
(contém "Son of Aleric", jam gravada na época de Perfect Strangers mas que
não entrou no disco lançado no Brasil)
•30: Very Best of Deep Purple, Outubro, 1998 (é a coletânea mais abrangente
disponível para quem quer conhecer um panorama do que o Deep Purple já
fez; "Highway Star" está na versão do remaster)
•The Early Years, 2004 (contém várias versões alternativas e remixadas de
músicas da Mk1)
•Smoke On The Water, The Best Of, 1994
Videografia oficial ao vivo
(As datas se referem às datas dos shows apresentados)
•Concerto for Group and Orchestra (Londres, 24.set.1969)
•Masters from the Vaults/Doing Their Thing (Londres, 14.jul.1970)
•Live in Concert 72-73/Machine Head Live/Scandinavian Nights (Copenhague,
1.mar.1972)
•Live in Concert 72-73 (Nova York, 30.mai.1973)
•Live in California 74/California Jam (Ontario Speedway, 6.abr.1974)
•Live in Seoul (Seul, 18.mar.1995)
•Bombay Calling/Live in Bombay 1995 (Bombaim, 8.abr.1995)
•Live at Montreux 1996 (Montreux, 9.jul.1996)
•Total Abandon (Melbourne, 20.abr.1999)
•In Concert with the London Symphony Orchestra (Londres, 25 e 26.set.1999)
•Live at Montreux 1996 (Montreux, jul.2000)
•Perihelion (Flórida, 5.jun.2001)
•Live in Hard Rock Cafe (Hard Rock Café, Londres, out.2005)
•Live at Montreux 2006 (Montreux, jul.2006)

Videografia oficial de estúdio, documentários e


participações
(As datas se referem às gravações)
•Butterfly Ball and the Grasshopper's Feast (Londres, 16.out.1975 - vários
membros e ex-membros do Deep Purple participam)
•New, Live and Rare (vídeos gravados entre 1984 e 2000)
•Heavy Metal Pioneers (documentário sobre a história da banda, 1991)
•Highway Star - A Journey in Rock (documentário sobre a carreira de Ian
Gillan, com depoimentos e cenas exclusivas de ex-membros do Deep Purple)

Ver também
•Lista de recordistas de vendas de discos
Ligações externas
•Página oficial (em inglês)
•Deep Purple Appreciation Society (em inglês)
•The Highway Star - primeiro sítio do Deep Purple (em inglês)

Kiss

Kiss em 2004
E-D: Gene Simmons, Tommy Thayer, Paul Stanley e Eric Singer.
Informação geral
Origem Nova York, NY
País Estados Unidos
Gêneros Hard rock385, Heavy metal
Período em atividade 1973 - atualmente
Gravadora(s) Casablanca
(1973-1982)
Mercury
(1982-2003)
Sanctuary
(2003-2008)
Roadrunner Records
(2009-atualmente)

Afiliações Wicked Lester


Frehley's Comet
Vinnie Vincent Invasion
Influência(s) Humble Pie
Marc Bolan
Grand Funk Railroad
Rod Stewart
Cream
Alice Cooper
385
Kiss. lastfm.com. Página visitada em 3-1-2010.
Black Sabbath
Jimi Hendrix
The Beatles
The Yardbirds
The Stooges
The Kinks
Mott the Hoople
T.Rex
David Bowie
The Who
The Rolling Stones
Jeff Beck
New York Dolls
Slade
Led Zeppelin
386

Página oficial KissOnline


Integrantes
Paul Stanley
Gene Simmons
Eric Singer
Tommy Thayer
Ex-integrantes
Peter Criss
Ace Frehley
Eric Carr (Falecido)
Bruce Kulick
Vinnie Vincent
Mark St. John (Falecido)
Kiss (ou KISS) é uma banda de hard rock dos Estados Unidos, formada em
Nova York em 1973. Conhecida mundialmente por suas maquiagens, e por
seus concertos muito elaborados e até exagerados que incluem guitarras
esfumaçantes, cuspir fogo e sangue, pirotecnias e muito mais. O Kiss já
recebeu 24 discos de ouro.387
Constitui um dos maiores impactos culturais da década de 1970, valendo-se
de roupas, e sobretudo, maquiagens nunca antes vistos, e que marcariam a
história da música. Seus dois fundadores são Gene Simmons (baixo e vocal) e
Paul Stanley (guitarra rítmica e vocal), que ficaram frustrados com o fim de
uma banda que formaram, chamada Wicked Lester, assim, decidindo procurar
novos integrantes para uma nova banda, encontraram tais integrantes através
de anúncio de jornal, Ace Frehley (guitarra solo e vocal) e, pela revista Rolling
Stone, Peter Criss (bateria e vocal).388389390

386
[1]
387
"Artist Tallies". Billboard. Acessado em 28 de outubro de 2007.
388
Gooch and Suhs, Kiss Alive Forever, pp. 14.
389
Gill, Focus, pp. 68-71.
390
Leaf and Sharp, Behind the Mask, pp. 20–21.
História

Primeiros Anos
Depois do fim do grupo Wicked Lester, Paul Stanley e Gene Simmons
decidiram criar uma nova banda para ser um super grupo e para isso
colocaram anúncios e em jornais e revistas para achar novos músicos. A um
destes anúncios respondeu o baterista Peter Criss para fazer o teste. Como o
rapaz estava bem vestido, eles lhe perguntaram: "Se num show a gente lhe
pedir para ir fantasiado de mulher, você vai?", com uma resposta afirmativa
ele entra na banda. E precisavam de mais um integrante para a banda. No dia
do teste apareceu um rapaz que chegou cortando fila, e vestido de forma
estranha, com um tênis de cada cor,e calça rasgada. Gene até achou que era
um mendigo se não fosse ele estar segurando uma guitarra. E o alertaram que
ele não podia cortar fila e ele se dirigiu ao final da fila, mas quando chegou a
sua vez, ele impressionou a todos e assegurou um lugar na banda. Seu nome
era Ace Frehley.
Faltava o nome para a banda,e escolheram o nome inspirado num concurso de
Nova Iorque, Kiss. A maquiagem foi definida se baseando em elementos
referentes a verdadeira personalidade de cada um. Gene Simmons adora filme
de terror e assumiu uma maquiagem que o deixaria com cara de mau. Paul
pintou uma estrela em seu olho direito pois sonhava em ser um astro do rock.
Ace concebeu sua maquiagem baseada no espaço sideral e numa estética
futurista por ser uma pessoa "aérea" e dispersa. Por adorar felinos, Peter
adotou uma imagem de homem-gato, acredita ainda que tenha sido um gato
em outras encarnações.
Eles assumiram essa personalidade como sendo essencial para o sucesso do
grupo, escondendo assim por anos a fio a verdadeira identidade de seus
músicos. Para definir o figurino da banda, mesclaram elementos de super-
heróis em quadrinhos com personagens do teatro japonês. Usando botas com
saltos enormes que davam um ar de super heróis titânicos ao grupo e se
tornariam então: "The Starchild" (Paul Stanley), "The Demon" (Gene
Simmons), "Space Man" (Ace Frehley) e "The Catman" (Peter Criss).
Os primeiros concertos do KISS, já maquilhados e trajados a seu modo,
ocorreram no "New York Coventry Club", cujo cachê correspondeu a U$ 35,00
por noite. Continuaram fazendo shows pelas noites de Nova Iorque, tocando
músicas próprias, quando em 1973 foram descobertos por Bill Aucoin e no
mesmo ano assinaram contrato com a recém-inaugurada Casablanca Records.
Uma coisa que se tornou um ícone da banda é a língua de Gene Simmons e
para os shows efeitos especiais sonoros, de luzes e fumaça aliados a velas
acesas e um imenso letreiro luminoso contendo o logótipo da banda. Em 1973,
na cidade de Nova Iorque aconteceria o primeiro show de grande porte do
Kiss. Para tanto, eles contrataram a popular banda Brats para abrir o show e
mandaram convites a imprensa em nome do Kiss e como se já não bastasse,
mesmo endividados até o último fio de cabelo, alugaram uma limusine para
chegar ao local do show em grande estilo. Tudo isso para tentar passar ao
público e a imprensa a imagem de que o Kiss já era uma banda famosa.
Em 1974 lançaram seu primeiro álbum intitulado apenas Kiss com um toque
de humor, sensualidade e provocação que caracterizam a maioria das faixas
do disco. Recheado de clássicos, que a banda tocou por toda a carreira. Para
promover o disco, a gravadora realiza um concurso inspirado no mesmo que
deu nome a banda. Ao som de "Kissin´ Time", um dos temas do disco,
premiariam o casal que permanecesse mais tempo se beijando. O primeiro
disco não chegou a ser um sucesso, assim como o segundo mais este já obteve
mais aceitação por parte do público, Hotter Than Hell, lançado no mesmo ano
um disco mais pesado com uma sonoridade mais agressiva. Na contra-capa
surge uma foto de Paul Stanley fazendo sexo ao luar com uma prostituta,
outra de Peter Criss também realizando a mesma ação e de Gene Simmons
com uma taça de vinho, inferindo um banquete. Durante os shows várias
características ficariam marcadas, como as danças sensuais, pulos balançar
dos longos cabelos. O Kiss era uma banda destinada apenas em divertir as
pessoas, falavam de amor, sexo, festa e rock'n roll em suas músicas mas
mesmo assim adotariam atitudes que serviam de contestação como quebrar
instrumentos e balançar a cabeça, coisas já feitas por outras artistas. Mas a
banda também criou atitudes que se tornaram as mais esperadas durante os
shows. Além de movimentar vorazmente a sua língua para provocar o público,
Gene Simmons praticaria números de cospe-fogo e cospe-sangue e voa no
meio dos shows.
Para o cospe-fogo Gene Simmons, com querosene na boca, pega uma tocha
em forma de espada formando uma enorme chama. E para o cospe-sangue
lentamente pequenas gotas de sangue começam a escorrer pelo canto da
boca, até se transformar em um jorro abundante. Como trilha sonora para
esta atitude, Gene toca seu baixo, utilizando efeitos de eco e distorção, além
do som de correntes sendo arrastadas e de vento, o que cria uma atmosfera
tensa. E além destes a banda também usa vários outros números como a
guitarra de Ace Frehley que no meio do solo começa a soltar fumaça e vários
rojões e depois começa a voar. A bateria também voa nos shows. A partir de
Hotter Than Hell Tour, uma mensagem acompanha todos os shows da banda.
Sempre ao início de cada apresentação, um mestre de cerimônias berra a
seguinte frase: "You Wanted the Best and You Got the Best. The Hottest Band
in the World, Kiss!" - , traduzindo: "Vocês queriam o melhor e vocês
conseguiram o melhor, a banda mais quente do mundo, Kiss". Esta repetição
constante de mensagem tornou-se emblemática na carreira da banda.
Em fevereiro de 1975, lançaram Dressed To Kill, disco que continha
composições da época do Wicked Lester ("Love Her All I Can" e "She"), e foi
neste disco que gravaram o clássico "Rock And Roll All Night". Dressed to Kill
é mais um álbum em que a capa se tornou curiosa. Na foto aparecem os
integrantes, devidamente maquiados, vestidos de terno e ainda pode notar-se
que o terno de Gene Simmons é mais curto do que deveria ser, isso ocorreu
porque a roupa que Gene vestia era do próprio dono da Casablanca Records.
Isso devido ao fato de que mesmo diante de toda a produção, a banda ainda
não tinha dinheiro suficiente para viver. Todos os demais ternos utilizados na
foto foram emprestados por amigos ou parentes. Era o começo do estrelato de
uma das maiores bandas dos anos 70's.
Sucesso
Aproveitando o momento de sucesso em 1975 lançaram Alive!, primeiro álbum
da banda a obter Disco de Ouro. Kiss foi uma das primeiras bandas a lançar
um álbum duplo gravado ao vivo. Alive! foi um marco para a indústria
fonográfica e para a banda que anos depois lançou Alive II; em 1977, o Alive
III; e em 1993, o Symphony: Alive IV, em um concerto que ocorreu junto com
a Orquestra Sinfônica de Melbourne. Mas nenhum deles superou o enorme
sucesso que foi o Alive!, que com mais de 15 milhões de cópias vendidas, foi
um dos albuns mais vendidos do Rock.
Com o sucesso estrondoso de Alive! o Kiss entrou em estúdio para gravar um
novo álbum, e em 1976 lançaram Destroyer, outro grande sucesso (a essa
altura os 3 primeiros discos já haviam se tornado sucessos). A capa de
Destroyer apresenta paradigmas típicos de revista em quadrinhos, retratando,
através de uma ilustração, a imagem da banda como super-heróis que
invadem Nova York ao cair da noite. Com Destroyer vem mais hits como
"Detroit Rock City", "Shout It Out Loud", "God Of Thunder" e a balada,
vencedora de vários prêmios, "Beth" composta por Peter Criss, um dos
grandes sucessos do Kiss até hoje. O disco foi produzido por Bob Ezrin. A
partir dai o Kiss ficou conhecido mundialmente, como Europa e
principalmente Japão, com o sucesso no Japão a gravadora lança um box The
Originals.
Com o sucesso o Kiss começa a aparecer freqüentemente nas TV americanas e
vai criando uma legião de fãs apaixonados pela banda. Nesta fase, surge o
empresário Bill Aucoin, renomado profissional que passa a controlar os
negócios do Kiss, desde posters até camisinhas. Funda-se o Kiss Army,
exército de fanáticos em todo o mundo que são comandados pela própria
banda.
No segundo semestre do mesmo ano lançaram Rock And Roll Over com hits
como "Hard Luck Woman" e "I Want You". Com a Rock And Roll Over Tour, o
Kiss vai pela primeira vez para o Japão, país onde seriam idolatrados. É um
ano calmo para a banda, que, a esta altura já está incluída na categoria de
super-grupo, devido a magnitude de seus shows.
Em 1977 lançaram Love Gun. Neste álbum Ace canta pela primeira vez. A
música é "Shock Me". A capa do disco é novamente referência a personagens
de quadrinhos, no desenho estão os quatro integrantes da banda como super-
heróis, sendo adorados por um séquito de mulheres devidamente maquiadas.
Em um dos concertos desta turnê, Gene Simmons mais uma vez queima o
cabelo. No mesmo ano lançaram Alive II, mais um ao vivo, só que este possui
no lado B do segundo disco com 4 músicas inéditas. Ace só gravou a guitarra
uma dessas músicas, "Rocket Ride", que ele mesmo canta. As outras, quem
gravou foi Bob Kulick, amigo pessoal da banda. Foi pedido a Bob Kulick que
tocasse de forma similar a Ace, para que o som não soasse diferente. Nessa
época já havia muitos produtos do Kiss. A Marvel Comics lançou uma revista
em quadrinhos do Kiss onde a tinta vermelha usada para fazer a revista tinha
o sangue de cada um dos membros do grupo.
A turnê do Kiss começava a ganhar ares de monstruosa. Envolvia cerca de 50
pessoas na equipe, dentre elas havia um "batedor", cuja função era
providenciar hotel, limusines e alimentação especial para cada um dos
integrantes (Paul Stanley exigia comida japonesa, Ace preferia pratos
vegetarianos, etc); um chefe de segurança; um produtor responsável pela
movimentação da equipe e do equipamento; um manager de palco; um
figurinista, responsável também pela maquiagem; um técnico em efeitos
especiais; um técnico para guitarra, outro para baixo e um para bateria; três
carpinteiros; um motorista; um tesoureiro e um produtor geral, responsável
por toda a equipe. A parafernália usada nos shows não deixava por menos,
eram: 16 toneladas de equipamento pessoal; 24 toneladas de som; 17
toneladas de luz; 18 toneladas de cenário. Tudo isso obviamente não ficava
barato, e a produção se tornava milionária. Com o som e a iluminação eram
gastos um milhão de dólares e só o custo do cenário estava avaliado em cerca
de 1.100.000 dólares. Eram necessárias 24 horas de trabalho intenso para
montar toda a estrutura do show. Tudo ficava pré-estabelecido nos contratos,
desde a dimensão do local escolhido para a apresentação até caracterizações
detalhadas sobre os camarins. E de escasso, o dinheiro passou a ser farto,
nessa época a banda também já possuía seu próprio avião, chamado Of
Course. Desde 1975 até 1980, o grupo Kiss já havia percorrido cerca de
3.000.000 km.
Em 1978 são lançadas duas coletâneas Double Platinum e no Japão sai o box
The Originals II. E a banda alcança seu auge, dá um tempos no concertos e
cada integrante decide lançar um álbum solo (mas ainda com a assinatura da
banda), o que mostrava que o ambiente não era dos melhores e a vaidade de
cada um falava mais alto na época. Esse foi o começo da saída de Peter Criss e
Ace Frehley. Neste período, a banda começa a associar a sua imagem em
quase tudo, o que fazia que ficassem cada vez mais populares e arrecadassem
mais dinheiro. No mesmo ano, a banda é convidada a realizar um filme, com o
propósito de serem transformados em super-heróis. Kiss Meets The Phantom
Of The Park, tem o roteiro baseado em mostrar os quatro heróis travando uma
luta contra um vilão de um parque de diversões que criou bonecos iguais a
eles para fazerem o mal.
Fase Experimental e Declinio
Com a crise entre os membros um pouco controlada, convidam para o próximo
disco o produtor Vini Poncia, o mesmo responsável pela produção do disco
solo de Peter Criss. Eles deixam o rock pesado de lado e passam a flertar com
a música disco (pop dançante). Em 1979, durante a gravação de Dynasty, os
outros integrantes decidiram que Peter Criss não continuaria as gravações do
álbum (pois já estava se afundando em álcool e drogas), e então convocaram
Anton Fig (que havia tocado no álbum solo de Ace Frehley) para gravar o
álbum. Apesar disso, não deixaram com que os fãs soubessem, tanto que Fig
toca fora do seu estilo, seguindo mais a linha de Criss. Peter só chegou a
gravar "Dirty Livin'", música que ele mesmo canta e que já estava pronta
antes de decidirem que ele não deveria mais tocar no álbum. Esse disco trazia
o hit "I Was Made For Loving You", que seguia levemente a tendência disco da
época e fez um enorme sucesso, apesar de desapontar os fãs mais tradicionais
da banda. Também contou com 3 músicas cantadas por Ace, uma delas, cover
dos Rolling Stones, "2.000 Man".
Mais problemas começam a surgir, a banda continua a investir numa música
comercial, em Unmasked, gravado ainda em 1979, mas lançado em 1980,
Peter não participou da gravação de nenhuma música, e novamente, Anton
Fig tocou em seu lugar. Peter Criss aparece tocando no videoclipe de "Shandi"
e na capa de álbum, mesmo sem ter participado de nenhuma gravação. Logo
após o lancamento do videoclipe, Peter Criss saiu da banda, e em seu lugar
entrou o baterista Eric Carr, que participou da turnê do disco. Esse álbum,
assim como o anterior, foi altamente atacado por ser mais pop que os
anteriores.
Em 1981 para rebater as críticas sofridas e tentar finalmente agradar aos
críticos mostrando que eram músicos competentes, o Kiss lança o
criticadíssimo Music From "The Elder", também conhecido por apenas The
Elder. Neste álbum, o Kiss muda radicalmente seu estilo, e não agrada ao
público em geral. Pela primeira vez desde seu surgimento, via-se uma foto da
banda com os integrantes de cabelos curtos e com roupas mais discretas,
apesar de continuarem utilizando as maquiagens. Contrataram novamente o
produtor Bob Ezrin (produtor do Destroyer), que idealizou o álbum. Ace (que
gravou suas participações no disco em um estúdio montado em sua casa) e
Eric não concordaram com o lançamento, diziam que não era Kiss. Eric Carr,
baterista tradicional de rock, teve dificuldades em seguir as orientações
rígidas do produtor em relação a percussão, sendo substituído na faixa "I" por
Allan Schwartzberg, baterista autônomo que tocara no álbum solo de Gene
Simmons. O álbum tinha como base ser um disco conceitual baseado na
história de um menino que é escolhido para lutar contra as forças do mal.
Todas as letras eram relacionadas a esse mesmo tema (recurso utilizado pelos
grupos de música progressiva da época). Lou Reed, ex-Velvet Underground,
ajudou a escrever três faixas: "Dark Light", "Mr. Blackwell" e "A World
Without Heroes". Na verdade, esta mudança de posicionamento foi tomada
não apenas como prova de competência musical, mas, sobretudo, como uma
jogada estratégica para, como sempre, surpreender e chocar público e
críticos. Por seu grande fracasso, este álbum não teve turnê, limitando-se à
duas músicas executadas ao vivo durante um programa de televisão. Após
isso, o Kiss só tocou novamente uma música desse álbum durante uma
apresentação. Foi no MTV Unplugged, de 1996, 15 anos após o lançamento do
álbum. Até hoje fans debatem se esse é o pior álbum ou um dos melhores da
fase mascarada, com músicas de excelente sonoridade como The Oath e A
World Without Heroes.

Ressureição
No começo de 1982, por insistência da gravadora, lançaram a coletânea
Killers com 4 músicas inéditas, o álbum não foi lançado nos EUA. Ace não
participou de nenhuma delas, Bob Kulick gravou as músicas em seu lugar. Um
pouco antes das gravações de Creatures Of The Night, em 1982, Ace Frehley
sofreu um acidente de automóvel e não pôde gravar o álbum e também por
problemas com drogas e alcool, então vários outros guitarristas foram
chamados para substituí-lo. Ace não toca em nenhuma música do álbum. Após
o lançamento do álbum Ace participou do videoclipe de "I Love It Loud" que
emplacou nos EUA, mas não tocou o solo da música, mas sim Paul Stanley.
Após isso, saiu da banda, por problemas de alcoolismo e drogas. Ace foi
substituído por Vinnie Vincent, conhecido da banda que já havia participado
anteriormente da composição de algumas músicas e tocado no Creatures Of
The Night. E a sonoridade mudou bastante estava muito mais pesada
(inclusive, um dos recursos utilizados durante a mixagem do disco para
conferir mais "peso" foi colocar o som da bateria bem alto). Vinnie participou
da turnê, que terminou em 1983 com três concertos no Brasil. No Rio de
Janeiro ocorreu o maior público em um concerto do Kiss.
Era Sem Maquiagem e Retorno
Depois da turnê, o Kiss, em um golpe publicitário, decidiu tirar a maquiagem e
lançar um novo álbum, Lick It Up. Essa Turnê passa por Portugal no dia 11
Outubro de 1983, e marca a história já que é o primeiro show de sempre da
banda sem as maquiagens.
Após a turnê, Vinnie sai da banda, e Mark St. John, um guitarrista canadense,
entra para gravar Animalize (1º disco do Kiss lançado simultâneamente em
CD), mas devido a seu problema de artrite nas mãos não consegue gravar
todas as músicas. Bruce Kulick, irmão de Bob Kulick, gravou essa última
música. Na turnê, St. John não conseguia tocar durante o concerto inteiro,
então Bruce Kulick era chamado para substituí-lo. Durante todo o tempo em
que fez parte da banda, Mark St. John só conseguiu tocar um único concerto
inteiro. No meio da turnê, Mark St. John sai definitivamente do Kiss, e Bruce
assume seu lugar. Essa época tem como ponto marcante as roupas
extremamente coloridas, chegando a lembrar Twisted Sister. Mark St. John
morreu no dia 5 de abril de 2007, aparentemente de uma hemorragia
cerebral. A doença que o impediu de continuar tocando era uma espécie de
artrite que provocava inchaço nas mãos e braços.
Em 1985 lançaram o álbum Asylum, que teve a música Tears Are Falling,
outro grande sucesso. Ainda no mesmo ano, Gene cria sua gravadora,
Simmons Records. Depois de 1 ano sem lançar nenhum disco voltaram para o
estúdio, e gravaram o álbum que seria lançado em 1987, Crazy Nights.
Depois de 10 anos o Kiss voltou ao Japão, em 1988, com a "Crazy Nights
Tour", turnê do álbum Crazy Nights. Neste mesmo ano lançaram a coletânea
Smashes, Thrashes & Hits, com duas músicas inéditas, Let’s Put The X In Sex
e (You Make Me) Rock Hard e uma nova versão para Beth cantada dessa vez
por Eric Carr.
No ano de 1989 Paul Stanley saiu em turnê solo pelos Estados Unidos, tendo
em sua banda Bob Kulick na guitarra e Eric Singer na bateria. Ainda nesse
mesmo ano, voltaram ao estúdio e lançaram o álbum Hot In The Shade que
tem o hit Forever.

Era Revenge
Em Abril de 1991, Eric Carr, que havia substituído Peter Criss, descobre que
possuia um raro tipo de câncer no coração. No dia 24 de Novembro, seis
meses após descobrir a doença, morre. Após sua morte, é substituído por um
baterista de mesmo nome, Eric, Eric Singer, que havia tocado na turne solo do
Paul Stanley.
Ironicamente a morte de Eric Carr da uma nova vitalidade a Banda que
começa a subir nas paradas e na opinião da crítica. Isso é comprovado com as
altas nas vendas do então CD Revenge.
No ano seguinte, 1993, aproveitando a turnê de Revenge, lançaram mais um
ao vivo, Alive III.
Em 27 de agosto de 1994 o KISS volta ao Brasil pela segunda vez. Eles tocam
no festival Philips Monsters of Rock, como atração principal. O show foi em
Sào Paulo (SP) no estadio Pacaembu.
Em 1995, a MTV convida o Kiss a fazer um álbum acústico, da série
Unplugged da MTV. Gravado no dia 9 de Agosto de 1995, nos estúdios da
Sony, o álbum Kiss Unplugged contou com a presença dos integrantes
originas, Peter Criss e Ace Frehley. O álbum ganhou uma versão em DVD e,
posteriormente, um DVD sem cortes.O KISS já vinha fazendo essas
apresentações em eventos organizados pelos fãs, as KISS Conventions,
partido dai o interesse da Mtv em convidalos para o especial.

Reunião
O Kiss percebeu que seria uma boa ideia voltar à formação original e com as
maquiagens. E foi assim, Gene e Paul, agora novamente com Peter e Ace, e as
maquiagens, saíram em uma turnê mundial que recebeu o nome de
Alive/WorldWide Tour. No primeiro concerto dessa turnê, no estádio do Tiger
em Detroit, os 77 mil ingressos oferecidos foram vendidos em 45 minutos, a
tour foi considerada a mais lucrativa de todo o biênio 1996 e 1997 apareçendo
até mesmo na conceituada revista de economia, a Forbes. Em 1997 o Kiss
lança Carnival Of Souls: The Final Sessions, mas ainda com Bruce e Singer.
Psycho Circus, lançado em 1998, volta com a formação original, e com uma
nova turnê. Posteriormente foi lançada uma versão dupla do álbum, cujo
segundo disco continha músicas gravadas durante um concerto da turnê. A
"Psycho Circus Tour", turnê do álbum, teve dois concertos no Brasil, um em
Porto Alegre no Jockey Club e outro no Autódromo de Interlagos, em São
Paulo.
No ano de 2000 o Kiss anuncia uma Farewell Tour, que seria a turnê de
despedida da banda. No meio da turnê Peter Criss teve que se ausentar por
problemas de artrite, e em seu lugar voltou o ex-baterista da banda Eric
Singer, desta vez com a maquiagem de Peter. Após a turnê, que deveria ser a
última, o Kiss decide fazer um novo álbum ao vivo, este que seria junto com a
Orquestra Sinfonica de Melbourne.

Atualmente
Ace Frehley sai da banda e não participa do concerto. Em seu lugar, entra
Thommy Thayer, que já havia produzido alguns álbuns da banda. Peter Criss,
já recuperado, volta para fazer o concerto. No dia 28 de Fevereiro de 2003,
em Melbourne, o Kiss faz um concerto para entrar para história.
Após o concerto Eric Singer volta para a banda, e parte para uma nova turnê,
a "World Domination Tour" que foi realizada juntamente com outra banda de
Hard Rock americana, o Aerosmith. Mais tarde, no ano de 2004 é dado o ínicio
á turnê "Rock The Nation Tour", que rendeu até um DVD que foi gravado em
2004, mas foi só lançado no final de 2005.Continuando em 2004, o Kiss teve
sua música "Strutter" presente na trilha sonora do jogo "Grand Theft Auto San
Andreas", podendo ser ouvida na rádio K-DST, do próprio jogo com Axl Rose
como locutor da rádio. Um dos pontos atrativos deste DVD, é que em algumas
músicas, pode-se escolher entre assistir ao vídeo normalmente, ou escolher
qualquer um dos quatro integrantes, para ver imagens de câmeras focadas
apenas neles. Ainda em 2005, Gene e Paul anunciam "férias" da banda e que
durariam 2 anos, com a desculpa de que não tiravam férias desde o início da
banda.
Em Outubro de 2006 Paul Stanley lançou seu segundo álbum solo, Live To
Win e saiu em turnê para divulgação. Uma curiosidade, um dos guitarristas
que o acompanhou Paul nessa tour, é o curitibano Rafael Moreira, que com 18
anos saiu de Curitiba e se desenvolveu tocando guitarra nos Estados Unidos.
O álbum teve uma boa repercusão. Ainda em 2006, a banda licenciou sua
música "Lick It Up" para o jogo "Grand Theft Auto: Vice City Stories", podendo
ser ouvida na rádio V-ROCK; a música "Strutter" voltou a estar presente nos
games, desta vez no jogo "Guitar Hero 2".
O baterista original do Kiss, Peter Criss, lançou um novo disco solo chamado
One For All no dia 24 de julho de 2007, pela Silvercat Records. Além de
prestar homenagem ao seu ex-companheiro de banda, Ace Frehley, com a
faixa Space Ace, o disco vem com músicas que apresentam títulos como: Last
Night, Heart Behind The Hands, Send In The Clowns, Doesn't Get Better Than
This e Faces In The Crowd. Peter passou os últimos dois anos preparando as
músicas para esse projeto, que vai ser o quarto de sua carreira solo. Os outros
são Out of Control (1980), Let Me Rock You (1982) e Criss Cat #1 (1994).
Em 2007 o KISS se apresentou em uma mini turnê (Hit N' Run Tour) pelos
Estados Unidos com quatro concertos. No último concerto desta mini turnê, o
frontman do Kiss, Paul Stanley horas antes do concerto sofreu uma aritmia
cardíaca que impediu que o mesmo pudesse tocar. O que resultou no primeiro
concerto em "trio" da história do Kiss. Um emocionante concerto em
homenagem a Paul Stanley que dias depois já havia se recuperado
completamente. Continuando em 2007, a banda esteve mais uma vez presente
no Série Guitar Hero; desta vez a música licenciada foi o seu "hino" "Rock And
Roll All Nite, podendo ser tocada no Guitar Hero 3.
Em 16 de março, teve início a temporada de Fórmula 1 com o Grande Prêmio
da Austrália. O Kiss fechou o evento com um show no Melbourne Park para
mais de 50.000 pessoas. A partir desta data, deu-se início a Kiss Alive/35
World Tour.
No dia 29 de novembro de 2008 Paul Stanley disse, durante uma entrevista,
que no verão americano de 2009 o KISS irá voltar a gravar um álbum em
estúdio com músicas inéditas fato que não acontecia desde 1998 com o álbum
Psycho Circus. Paul disse que o álbum será no estilo do bom e velho rock dos
anos 70', "de volta às raízes".
Em 2009, a banda se apresentou no Brasil, ainda pela "Kiss Alive 35 World
Tour". Foram dois shows, o primeiro em São Paulo, dia 7 de abril, na Arena
Anhembi e na Praça da Apoteose, no Rio de Janeiro, no dia seguinte.
Em 6 de outubro do mesmo ano o álbum Sonic Boom foi lançado; segundo o
baixista Gene Simmons esse seria o melhor álbum do grupo em 30 anos. Logo
em seguida a banda iniciou turnê pela América do Norte, com o término
apenas no dia 15 de Dezembro. No meio desta mesma turnê, os integrantes do
Kiss anunciaram uma turnê pela Europa.

Formações
Todas as formações do Kiss
1973-1980
•Gene Simmons - Vocais e baixo
•Paul Stanley - Vocais e guitarra
rítmica
•Ace Frehley - Vocais e guitarra solo
•Peter Criss - Vocais e bateria

1980-1982
•Gene Simmons - Vocais e baixo
•Paul Stanley - Vocais e guitarra
rítmica
•Ace Frehley - Vocais e guitarra solo
•Eric Carr - Vocais e bateria

1982-1984
•Gene Simmons - Vocais e baixo
•Paul Stanley - Vocais e guitarra
rítmica
•Vinnie Vincent - Guitarra solo e vocal
de apoio
•Eric Carr - Vocais e Bateria

1984
•Gene Simmons - Vocais e baixo
•Paul Stanley - Vocais e guitarra
rítmica
•Mark St. John - Guitarra solo
•Eric Carr - Vocais e bateria

1984-1991
•Gene Simmons - Vocais e baixo
•Paul Stanley - Vocais e guitarra
rítmica
•Bruce Kulick - Vocais de apoio e
guitarra solo
•Eric Carr - Vocais e bateria

1991-1997
•Gene Simmons - Vocais e baixo
•Paul Stanley - Vocais e guitarra
rítmica
•Bruce Kulick - Vocais e guitarra solo
•Eric Singer - Vocais e bateria

1997-2001
•Gene Simmons - Vocais e baixo
•Paul Stanley - Vocais e guitarra
rítmica
•Ace Frehley - Vocais e guitarra solo
•Peter Criss - Vocais e bateria

2001-2002
•Gene Simmons - Vocais e baixo
•Paul Stanley - Vocais e guitarra
rítmica
•Ace Frehley - Vocais e guitarra solo
•Eric Singer - Vocais e bateria

2003
•Gene Simmons - Vocais e baixo
•Paul Stanley - Vocais e guitarra
rítmica
•Tommy Thayer - Guitarra solo e vocal
de apoio
•Peter Criss - Vocais e bateria

2004-Atualmente
•Gene Simmons - Vocais e baixo
•Paul Stanley - Vocais e guitarra
rítmica
•Tommy Thayer - Guitarra solo e vocal
de apoio
•Eric Singer - Vocais e bateria

Filmografia

Lançamento Título Certificados

1978 Kiss Meets The Phantom 2ª Maior Audiência da


Of The Park ABC em 1978

1985 Kiss: Animalize Live Platina


Uncensored

1987 Exposed Platina

1989 Crazy Nights Platina

1992 X-Treme Close-Up Platina

1993 Konfidential Ouro


1994 Kiss My Ass: The Video -

1994 Kiss Unplugged Ouro

1998 Psycho Circus Platina

1998 Kiss: The Second Coming Platina

1999 Detroit Rock City -

2003 Kiss Symphony: The DVD 2x Platina

2005 Kiss Rock The Nation 2x Platina


Live!

2006 Kissology Volume 1: 5x Platina


1974–1977

2007 Kissology Volume 2: 6x Platina


1978–1991

2007 Kissology Volume 3: 8x Platina


1992–2000

Turnês
•1973 - Club Tour
•1973 - 74 - Kiss Tour
•1974 - 75 - Hotter Than Hell Tour
•1975 - Dressed To Kill Tour
•1975 - 76 - Alive! Tour
•1976 - Destroyer Tour
•1976 - 77 - Rock And Roll Over Tour
•1977 - Love Gun Tour
•1977 - 78 - Alive II Tour
•1979 - Dynasty Tour
•1980 - Unmasked Tour
•1982 - 83 - Creatures Of The Night Tour
•1983 - 84 - Lick It Up Tour
•1984 - 85 - Animalize Tour
•1985 - 86 - Asylum Tour
•1987 - 88 - Crazy Nights Tour
•1990 - Hot In The Shade Tour
•1992 - Revenge Tour
•1994 - Kiss My Ass Tour
•1995 - Kiss Convention World Tour
•1996 - 97 - Alive/Worldwide Tour
•1998 - 99 - Psycho Circus Tour
•2000 - 01 - Kiss Farewell Tour
•2003 - World Domination Tour
•2004 - Rock The Nation Tour
•2006 - Rising Sun Tour
•2007 - Hit N' Run Tour
•2008 - 09 - Kiss Alive/35 World Tour
•2009 - Sonic Boom Over Europe Tour
•2010 - Hottest Show on Earth Tour

Galeria
Maquiagens utilizadas pelos membros da banda:
* Utilizadas atualmente pela banda
** Tommy Thayer e Eric Singer utilizam atualmente as mesmas maquiagens
criadas originalmente para Ace Frehley e Peter Criss
*** Maquiagens não mais utilizadas pela banda
Ver também
•Lista de recordistas de vendas de discos

Ligações externas
•Kiss FAQ
Kiss Singles
"Nothin' to Lose" · "Kissin' Time" · "Strutter" · "Let Me Go Rock N' Roll" ·
"Rock and Roll All Nite" · "C'mon and Love Me" · "Rock and Roll All Nite
(Live)" · "Shout It Out Loud" · "Flaming Youth" · "Detroit Rock City" · "Beth" ·
"Hard Luck Woman" · "Calling Dr. Love" · "Christine Sixteen" · "Love Gun" ·
"Shout It Out Loud (Live)" · "Rocket Ride" · "Strutter '78" · "Radioactive" ·
"New York Groove" · "Don't You Let Me Down" · "Hold Me, Touch Me (Think
of Me When We're Apart)" · "You Still Matter to Me" · "I Was Made for Lovin'
You" · "Sure Know Something" · "Shandi" · "Tommorow" · "Two Sides of the
Coin" · "A World Without Heroes" · "I Love It Loud" · "Lick It Up" · "All Hell's
Breakin' Loose" · "Heaven's on Fire" · "Thrills in the Night" · "Tears Are
Falling" · "Uh! All Night" · "Crazy Crazy Nights" · "Reason to Live" · "Turn on
the Night" · "Let's Put the 'X' in Sex" · "(You Make Me) Rock Hard" · "Hide
Your Heart" · "Forever" · "Rise to It" · "God Gave Rock 'n' Roll to You II" ·
"Unholy" · "Domino" · "I Just Wanna" · "Everytime I Look At You" · "I Love It
Loud (Live)" · "Rock and Roll All Nite (Live Unplugged)" · "Jungle" · "Master &
Slave" · "Psycho Circus" · "We Are One" · "I Finally Found My Way" · "You
Wanted the Best" · "Modern Day Delilah"

Bon Jovi

Show da banda em Montreal,em Novembro de 2007.


Informação geral
Origem Sayreville, Nova Jérsei
País Estados Unidos
Gêneros Hard rock
Glam metal
Período em atividade 1983 - atualmente
Gravadora(s) PolyGram, (Mercury Records),
Universal Music Group, (Island
Records)
Página oficial www.bonjovi.com
Integrantes
Jon Bon Jovi
Richie Sambora
Tico Torres
David Bryan
Ex-integrantes
Alec John Such
Bon Jovi é uma banda estadunidense de hard rock, criada em 1983 no estado
de Nova Jérsei. Até hoje, já foram vendidas mais de 120 milhões de cópias de
seus trabalhos.391 É uma das mais bem sucedidas bandas do hard rock.392 Em
turnês, o grupo já passou pelos cinco continentes. O grupo é o pioneiro do
estilo "MTV Unplugged.393

História

Formação
Nascido em 2 de março de 1962, o líder e vocalista da banda, Jon Bon Jovi
(John Francis Bongiovi Jr.), começou a tocar violão e guitarra aos sete anos,
quando aprendeu músicas de Elton John. Em 1969, fundou sua primeira
banda, chamada Raze.
Aos 13 anos, Jon Bon Jovi teve sua primeira experiência com gravação. A
música gravada foi "We Wish You a Merry Christmas", de Meco Monardo e
Daniel Oriolo, em um disco de Natal de Star Wars, Christmas in the Stars,
produzido pelo produtor musical Tony Bongiovi, seu primo.
Em 1978, conheceu David Bryan (David Bryan Rashbaum) no colégio
"Sayreville War Memorial High School". Os dois fundaram uma banda de R&B
cover chamada Atlantic City Expressway (ACE).394 Nessa época, mesmo sendo
menores de idade, tocaram em clubes de New Jersey. Ainda na adolescência,
Jon Bon Jovi tocou na banda "Jon Bongiovi and the Wild Ones", a qual
mantinha formação semelhante à que gravou o primeiro álbum da banda,
exceto pelo guitarrista.395
391
Jon Bon Jovi & Richie Sambora mark 25 year collaboration. ASCAP. American Society of
Composers, Authors and Publishers (28 de março de 2008). Página visitada em 23 de
fevereiro de 2010.
392
Time Magazine: 10 Questions for Jon Bon Jovi, acessado em 5 de janeiro de 2007
393
New York Times: 10 Review/Television; With Paul Simon, MTV Slips Into Its Cardigan,
acessado em 12 de fevereiro de 2008
394
http://www.sing365.com/music/lyric.nsf/Bon-Jovi-Jon-Bon-Jovi-
Biography/62B403840443DE26482568700029076D, acessado em 21 de março de 2008
395
http://maringa.jovempanfm.com.br/superstar/superstar.php?id=39, acessado em 21 de
março de 2008
Durante o verão de 1980, fora da escola e em empregos temporários —
incluindo trabalho em uma loja de sapatos —, Jon Bon Jovi conseguiu
finalmente um emprego na PowerStation Studios, uma gravadora de
Manhattan, da qual o co-dono era seu primo Tony Bongiovi (que trabalhou
com bandas como Aerosmith, Ramones e Talking Heads). Jon fez várias
demonstrações de músicas (incluindo uma produzida por Billy Squier) e as
enviou para muitas outras gravadoras, sem obter sucesso.
Em 1983 Jon gravou a música "Runaway" com músicos contratados,
conhecidos como "The All Star Review", com Tim Pierce na guitarra, Roy
Bittan nos teclados, Frankie LaRocka na bateria e Hugh McDonald no baixo. A
canção se tornou um sucesso imediato no verão de 1983.
Diante do bem-sucedido single, Jon precisava de uma banda. Os futuros
membros do grupo tinham se cruzado no passado, mas a formação original
não se juntou até março de 1983, quando Jon ligou para David Bryan, que
chamou Alec John Such e Tico Torres.396 Eles conseguiram um contrato com a
gravadora Polygram em 21 de janeiro de 1984, ano em que lançaram o
primeiro disco, e Runaway voltou a fazer sucesso. A respeito do nome Bon
Jovi, este surgiu de uma brincadeira que os integrantes da banda fizeram com
o nome de Jon.397
Vários guitarristas passaram pela banda, entre eles Dave "The Snake" Sabo,
futuro membro do Skid Row (Tocando apenas um verão, o de 1984), até que
Richie Sambora se juntou definitivamente ao grupo. Antes de entrar na banda,
Sambora excursionou com Joe Cocker, tocou com o grupo Mercy e chegou a
fazer um teste para ser membro do Kiss. Ele também tocou no álbum Lessons
com a banda "Message", que foi lançado em CD pela Long Island Records em
1995. O Message originalmente assinara com a Swan Song (do Led Zeppelin),
porém o álbum nunca foi lançado.398
Tico Torres também era um músico experiente. Gravou com Miles Davis e
tocou ao vivo com "The Marvelettes" e Chuck Berry.399
David Bryan era um recruta natural. Quando saiu da banda que que fundou ao
lado de Jon, passou pela Juilliard School, famosa escola de música e, depois,
retornou a parceria com o velho amigo de escola.400

Anos 1980
Bon Jovi agora era uma banda. Durante um show de abertura para a banda
Scandal, o grupo chamou a atenção do executivo de gravadora Derek
Shulman, que os assinou com a PolyGram.

396

397

398
http://www.lastfm.pt/music/Bon+Jovi/+wiki, acessado em 21 de março de 2008
399

400
Com a ajuda do novo empresário, Doc McGhee, o álbum de estreia da banda,
Bon Jovi, foi lançado em 21 de janeiro de 1984.401 O álbum chegou a ouro nos
Estados Unidos (mais de 500,000 cópias vendidas) e também foi lançado no
Reino Unido. A banda abriu para ZZ Top no Madison Square Garden (antes do
álbum ser lançado), e para os Scorpions e os Kiss na Europa, além de shows
no Japão.
O ligeiro sucesso do primeiro álbum animou os produtores para um segundo.
Em 1985 é lançado 7800° Fahrenheit,402 mas a recepção foi fraca. A revista
britânica Kerrang!, que foi bastante positiva em relação ao álbum de estreia,
chamou este de "uma fraca imitação dos Bon Jovi que nós conhecemos e
aprendemos a gostar". O próprio Jon Bon Jovi posteriormente disse que o
álbum poderia e deveria ser melhor.403
Para o álbum seguinte, a banda começou a escrever as canções com o
compositor Desmond Child (que foi indicado à banda por Gene Simmons).
Slippery When Wet, lançado em 1986,404 foi produzido por Bruce Fairbarn e
gravado em Vancouver, no Canadá. O álbum levou a banda ao "status" de
astros mundiais, com sucessos como "You Give Love a Bad Name", "Livin' on a
Prayer", "Wanted Dead or Alive" e "Never Say Goodbye". Jon Bon Jovi diz que
o álbum recebeu este nome ("escorregadio quando molhado") por causa dos
sinais de estrada, mas David Bryan diz o seguinte sobre o nome do álbum:
"durante a gravação do disco nós freqüentemente íamos a um clube de
streaptease onde belas garotas passavam água e sabão umas nas outras. Elas
ficavam escorregadias por causa disso, e você não podia segurar mesmo que
você quisesse muito. Escorregadio quando molhado!! um de nós gritou e o
resto de nós automaticamente já sabia: esse tinha que ser o título do novo
álbum! Inicialmente nós íamos pôr uma foto de uns belos peitos, uns
realmente grandes, na capa; mas quando o PMRC (uma comissão de moral
sob o comando de Tipper Gore, esposa do senador e ex-vice-presidente dos
Estados Unidos, Al Gore) descobriu, estávamos com problemas. Então
decidimos pôr uma capa bem decente."

401
http://territorio.terra.com.br/canais/rockonline/az/albumDetalhes.asp?
artistaID=81&albumID=1120
402
http://territorio.terra.com.br/canais/rockonline/az/albumDetalhes.asp?
artistaID=81&albumID=1157
403
http://igneselevanium.blogspot.com/2008/05/bon-jovi-7800-fahrenheit.html
404
http://territorio.terra.com.br/canais/rockonline/az/albumDetalhes.asp?
artistaID=81&albumID=1194
Curiosamente, sabe-se que, na época, Jon Bon Jovi não queria incluir "Livin'
On A Prayer" 405 (que se tornaria um dos maiores sucessos da banda e do rock
em todos os tempos. O videoclip da música é o mais exibido da história da
MTV) no álbum, e que o mesmo só recebeu a canção graças ao esforço de
Sambora em convencer o vocalista sobre o potencial da canção. Apesar disso,
muitos fãs lamentam até hoje o fato da música "Edge of a Broken Heart" não
ter entrado no álbum. Atualmente, Jon Bon Jovi demonstrou concordar com tal
opinião, reconhecendo que a canção poderia ter sido um tremendo sucesso.406
Nos EUA, o álbum vendeu mais de 12 milhões de cópias 407 desde o
lançamento no mundo inteiro. Na turnê que se seguiu, Jon Bon Jovi começou a
ter dificuldades vocais. As notas extremamente altas e constantes danificaram
sua voz permanentemente. Com a ajuda de um técnico vocal, Bon Jovi
continuou a turnê, e Jon começou a cantar em tons ligeiramente mais baixos
desde então.
O próximo álbum, New Jersey (chamado originalmente de "Sons Of Beaches" e
planejado como um álbum duplo), foi lançado em 1988,408 novamente
produzido por Bruce Fairbarn. O álbum foi gravado logo após o fim da turnê
do Slippery When Wet, pois a banda queria provar que não era apenas um
sucesso temporário. O resultado é um dos álbuns favoritos dos fãs, com
sucessos como "Bad Medicine", "Lay Your Hands on Me", "Born to Be My
Baby" e "I'll Be There For You", que permanecem nos repertórios até hoje. No
entanto, o álbum levou a banda direto da exaustiva turnê anterior para uma
maior ainda. A constante vida na estrada quase destruiu a forte relação entre
Jon Bon Jovi e Richie Sambora.

Anos 1990
No começo da década de 1990, a banda estava saturada de trabalho. As brigas
entre os membros se tornaram constantes e a banda resolveu "dar um tempo".
Ainda em 1990, Jon Bon Jovi lança o seu primeiro álbum solo, intitulado Blaze
of Glory e que foi trilha sonora do filme "Young Guns II" (Jovens Pistoleiros 2).
No CD, hits como "Blaze Of Glory" (seu clipe até hoje é um dos mais exibidos
em toda história da MTV), Miracle e Santa Fe.
Richie Sambora também lançou um disco solo. Stranger in This Town é de
1991 e foi baseado em suas raízes de blues. O trabalho não chamou tanta
atenção da mídia, as vendas foram baixas e a turnê promocional foi bastante
curta. O show mais lembrado foi o de San Diego (EUA), em 1991, capturado
no próprio soundboard e gravado em alguns CDs bootlegs ao redor do mundo.

405
/ JonBonJoviBlog.
406

407
http://worldvix.blogspot.com/2007/06/bon-jovi-double-platinum.html
408
http://territorio.terra.com.br/canais/rockonline/az/albumDetalhes.asp?
artistaID=81&albumID=1283
Em 1992, a banda se reúne para gravar Keep the Faith,409 o quinto álbum de
estúdio (cujo nome original era "Revenge"). Contendo letras mais políticas do
que românticas, o álbum trás uma mensagem crítica da sociedade. Neste
álbum a banda assume também um novo visual, mudando os cabelos, entrando
de fato na década de 1990. O disco vendeu milhões de cópias pelo mundo e foi
considerado um sucesso.
Em 1994, Bon Jovi lança a coletânea Cross Road,410 uma das mais vendidas e
populares do mundo e que continha duas músicas inéditas: "Always", que
originalmente foi feita para a trilha sonora do filme "O Sangue de Romeo",
curiosamente fez muito mais sucesso que o filme, e "Someday I'll Be Saturday
Night", que teve que ser retirada das paradas da MTV brasileira para dar
chance a outros clipes. Nesse ano, Alec John Such deixa a posição de baixista
da banda, sob rumores conflitantes de alcoolismo, uso de drogas e acidentes
de moto. O baixista Hugh McDonald assume seu lugar.
Em 1995 é lançado o álbum These Days.411 Marcado por um clima soturno,
ainda mais socialmente crítico do que Keep the Faith e por letras visivelmente
mais complicadas e maduras, a banda emplacou sucesos como o hit-balada
"This Ain't a Love Song" e a faixa título "These Days". No mesmo ano,
gravaram 3 shows consecutivos no lendário estádio "Wembley", em Londres,
com todos os ingressos esgotados. Para promover o disco, o quarteto saiu em
turnê por quase todo o mundo, passando por países como África do Sul, Índia
e Tailândia. No Brasil, a banda se apresentou em São Paulo, Rio de Janeiro e
Curitiba, tendo todos os ingressos para seus shows vendidos.
Após o final da excursão, em 1996, os Bon Jovi resolveram dar mais uma
parada para que seus integrantes pudessem se dedicar a seus projetos
pessoais.
Em 1997, Jon Bon Jovi lança seu segundo álbum solo, "Destination Anywhere",
com fortes influências do rock britânico. Junto com o disco, foi lançado um
curta-metragem de mesmo nome. Baseado nas letras de "Destination
Anywhere", o filme teve a colaboração de Mark Pellington como diretor e
roteirista, e contou com a participação dos atores Kevin Bacon, Demi Moore,
Annabela Sciorra e Whoopie Goldberg. Como parte da divulgação do trabalho,
Jon veio até o Brasil e se apresentou em programas de grande audiência como
Domingão do Faustão, Planeta Xuxa, ambos da Rede Globo, e Programa Livre,
do SBT. O hit "Janie, Don't Take Your Love To Town" foi um grande sucesso
naquele ano.

409
http://territorio.terra.com.br/canais/rockonline/az/albumDetalhes.asp?
artistaID=81&albumID=1471
410
http://territorio.terra.com.br/canais/rockonline/az/albumDetalhes.asp?
artistaID=81&albumID=1581
411
http://territorio.terra.com.br/canais/rockonline/az/albumDetalhes.asp?
artistaID=81&albumID=1638
No ano seguinte (1998), Richie Sambora fez o mesmo, com o álbum
Undiscovered Soul, que mostrou seu amadurecimento musical e contou com a
participação de Steve Tyler, vocalista do Aerosmith, na gaita de "If God was a
Woman". Algumas músicas chegaram a tocar nas rádios brasileiras, como
"Hard Times Come Easy" e "In It For Love".

Anos 2000
Em 2000, depois de cinco anos sem lançar um álbum, a banda se reúne e
lança Crush,412 que traz como música de abertura "It's My Life", considerado
um dos maiores hits da história do grupo. "Say It Isn't So" e a balada "Thank
You for Loving Me" foram os outros singles. No mesmo ano lançam o DVD The
Crush Tour, gravado em Zurique, na Suíça.
Em 2001, atendendo aos pedidos dos fãs que clamavam por um álbum ao vivo,
a banda lança One Wild Night Live 1985-2001,413 contendo uma coleção de
sucessos em algumas de suas melhores apresentações ao longo dos anos.
No ano seguinte, em 2002, a banda lança o disco Bounce,414 inspirado, em
parte, nos atentados de 11 de setembro. Contendo os hits "Everyday" e
"Misunderstood", o álbum se caracterizou por ter timbres mais modernos e
por ser mais pesado, a pedido do próprio guitarrista da banda, Richie
Sambora.
Em 2003 é lançado This Left Feels Right,415 uma coleção de regravações de
seus grandes sucessos em versões diferentes das originais. A ideia inicial era
lançar um álbum de um show ao vivo, feito no Japão, com quase 3 horas de
duração. Porém, decidiram de última hora que o disco seria desta maneira. A
aceitação por parte dos fãs não foi boa.
No final de 2004, chega ao mercado o Box Set: 100,000,000 Bon Jovi Fans Can
´t be Wrong,416 comemorando os 20 anos de existência da banda e a marca de
100 milhões de álbuns vendidos em todo o mundo. Atualmente, a banda já
vendeu cerca de 120 milhões de cópias de seus trabalhos.

412
http://territorio.terra.com.br/canais/rockonline/az/albumDetalhes.asp?
artistaID=81&albumID=1937
413
http://territorio.terra.com.br/canais/rockonline/az/albumDetalhes.asp?
artistaID=81&albumID=1999
414
http://territorio.terra.com.br/canais/rockonline/az/albumDetalhes.asp?
artistaID=81&albumID=2025
415
http://territorio.terra.com.br/canais/rockonline/az/albumDetalhes.asp?
artistaID=81&albumID=3723
416
http://territorio.terra.com.br/canais/rockonline/az/albumDetalhes.asp?
artistaID=81&albumID=5529
Em setembro de 2005 foi lançado o álbum Have a Nice Day.417 A turnê teve
início em novembro na cidade de Chicago e o 1º single para promoção foi a
faixa-título do álbum. O álbum vendeu 4,5 milhões de unidades em todo o
mundo (até outubro de 2006). A faixa "Who Says You Can't Go Home" foi
lançada em um dueto com Jeniffer Nettles da banda americana de country
Sugarland, e entrou para a história sendo a primeira música de uma banda de
rock a ficar em primeiro lugar nas paradas de rádios de música Country. A
turnê de divulgação do álbum foi um sucesso tremendo, ganhou prêmio
BillBoard de Melhor Turnê, Melhor Show (o último da turnê no Giants
Stadium, em New Jersey. Mas como a turnê só passou pelo Hemisfério Norte,
existiram boatos, que com o sucesso da primeira turnê, o Bon Jovi faria uma
segunda turnê, passando pelos países do Hemisfério Sul como Brasil,
Austrália, África do Sul e Argentina, não passando de especulação.
Em 2007, a banda lança Lost Highway,418 um álbum voltado para o Country,
apostando no que deu certo em 2005 (A música Who Says You Can't Go Home
estourou nas paradas Country). Mesmo focando no Country, Lost Highway
atingiu o primeiro lugar na Billboard em vendas, algo que a banda não
conseguia desde 1989, com Lost Highway. A banda começou a Lost Highway
Tour, em outubro de 2007, fazendo 10 shows em New Jersey, nos Estados
Unidos, a banda passou por diversos países como Japão, Austrália, Nova
Zelândia, Portugal (Fazendo um dos melhores shows do Rock In Rio Lisboa
2008, Inglaterra, Espanha, entre outros. A turnê acabou em Julho de 2008,
onde a banda fez dois shows seguidos no Madison Square Garden, em Nova
York. A banda lançará um DVD/Blu-Ray ao vivo, contendo os dois últimos
shows da turnê em 2010.
Em 2009, a banda lançou um documentário: When We Were Beautiful,
mostrando registros da turnê Lost Highway, a mais bem sucedida do grupo. O
documentário também comemora os 25 anos de carreira do Bon Jovi. Além
disso, é mostrada uma nova música, com o mesmo nome do filme, já
mostrando que a banda ainda teria planos para o mesmo ano.
Em novembro de 2009, a banda lançará o álbum The Circle, dia 10/11.
Segundo Jon e Richie, será um álbum voltado ao Rock N' Roll clássico da
banda. Jon Bon Jovi diz que após vários álbuns com estilos diferentes, chegou
a hora de voltar ao estilo que consagrou a banda. Como aquecimento, a banda
lançou o single We Weren't Born To Follow. Os fãs criticaram Richie Sambora
pelo fato de não haver solo na música. Richie, a pedido dos fãs, gravou o novo
solo. A nova versão da música poderá ser ouvida no clipe, ou em The Circle.
Em outubro serão divulgadas as datas da turnê.

417
http://territorio.terra.com.br/canais/rockonline/az/albumDetalhes.asp?
artistaID=81&albumID=5692
418
http://territorio.terra.com.br/canais/rockonline/az/albumDetalhes.asp?
artistaID=81&albumID=6282
Anos 2010
A The Circle Tour começou em fevereiro no estado americano do Hawaai, na
ilha de Honolulu. Após shows sempre lotados a banda chega ao continente
americano. Shows grandiosos em estadios como no Meadowloads em Nova
Jérsei.
Logo no anúncio pela imprensa espanhola de que a banda era a primeira
grande atração confirmada na edição do Rock in Rio Madrid, ouve grande
espectativa pelos fãs da banda e quase todos os 150000 ingressos foram
vendidos. Foi um grande concerto, com o público cantando todos as músicas e
encerrando com Living on a prayer.
Após, a tour chegou a França, para um grande show em Paris. Depois a Tour
partiu para vários shows lotados na O2 Arena em Londres, até com
participações especiais como Bob Leordof e Kid Rock.
Enfim após quase 15 anos de espera, a banda anuncia que traria a The Circle
World Tour a América Latina. Para delirio dos fãs brasileiros, a banda anucia
show em São Paulo e no Rio de Janeiro. A Tour ainda passará pelo México,
Costa Rica, Chile, Peru e Argentina.

Formação

Formação atual
•Jon Bon Jovi - Vocais/Guitarra (1983-presente)
•Richie Sambora - Guitarra/Vocais (1983-presente)
•Tico Torres - Bateria (1983-presente)
•David Bryan - Teclado/Vocais (1983-presente)

Músico adicional
•Hugh McDonald - Baixo/Vocais (1994-presente)

Ex-integrantes
•Alec John Such - Baixo/Vocais (1983-1994)
Discografia/videografia

Álbuns de estúdio
Ano Nom Posições
e
U CAN UK GER SUI SWENORFIN AUT AUS NZ JPN EUR WW
S419 420

198 Bon 43 68 39 18 38
4 Jovi
421

198 780 37 28 40 11 10 30 48 5
5 0°
Fahr
enhe
it 422
198 Slip 1 1 6 1 1 3 1 1 2 1 1 10 1 1
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423

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424

199 Kee 5 1 1 2 3 3 7 1 3 1 15 3 1 1
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Fait
h 425
199 Thes 9 1 1 1 2 7 1 1 1 11 1 1
5 e
Days
426

200 Crus 9 4 1 1 1 2 4 1 1 1 23 2 1 1
0 h
427428

419
= y&Ntt = Bon+Jovi&Ntk = Keyword&an = bbcom&nor = 10&Ntx =
mode+matchallpartial&N = 37 Artist Chart History - Bon Jovi. Billboard.
420
= mostpop On a Steel Horse Bon Jovi Rides to Top of the Charts. news.com.au.
421
Bon Jovi Albums. MusicMight - Bon Jovi Discography.
422

423

424

425

426
200 Bou 2 3 2 2 2 4 9 2 3 5 19 3 3 1
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429430

200 Hav 2 1 2 1 1 3 11 4 1 1 26 1 1 1
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Nice
Day
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200 Lost 1 1 2 1 1 4 7 3 1 2 2 1 1 1
7 High
way
433

200 The * * * * * * * * * * * * * *
9 Circl
e 434

Álbuns ao vivo e coletâneas


Ano Nom Posições
e
US CAN UK GER SUI SWE NOR FIN AUT AUS NZ JPN EUR
1994 Cros 8 1 1 1 1 2 2 1 1 1 1 1 1
s
Road
2001 One 20 4 2 3 1 7 5 4 2 6 34 99 2
Wild
Nigh
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Live
1985
-
2001
435

2003 This 14 2 4 3 3 23 18 2 11 5 3
Left
Feel
s
Righ
t 436

427

428
Crush Charting History. All Night Long - Bon Jovi Page.
429

430
Bounce Charting History. All Night Long - Bon Jovi Page.
431

432
Have A Nice Day Charting History. All Night Long - Bon Jovi Page.
433
Lost Highway Charting History. All Night Long - Bon Jovi Page.
434

435
One Wild Night Charting History. All Night Long - Bon Jovi Page.
2004 100, 53 48 37 50 13
000,
000
Bon
Jovi
Fans
Can'
t be
Wro
ng

Vídeos
•1985 - Breakout: Video Singles - Clipes
•1987 - Slippery When Wet: The Videos - Clipes
•1989 - New Jersey: The Videos - Clipes
•1990 - Access All Areas: A Rock & Roll Odyssey - Documentário
•1993 - Keep the Faith: An Evening with Bon Jovi - Show
•1993 - Keep the Faith: The Videos - Clipes
•1994 - Cross Road: The Videos - Clipes
•1995 - Live from London - Show
•2000 - The Crush Tour - Show
•2004 - This Left Feels Right Live - Show
•2007 - Lost Highway: The Concert - Show
•2009 - When We Were Beautiful - Documentário
•2009 - Live at Madison Square Garden - Show

Singles
Ano Cançã US US AUS UK US ACUS US US CAN Album
o Hot Rock Count Digita Pop Hot
100 ry l 100 100
1983 "Runa 39 18 Bon
way" Jovi
1984 "She 48 29
Don't
Know
Me"
1985 "In 69 37 7800°
and Fahre
436
This Left Feels Right Charting History. All Night Long - Bon Jovi Page.
Out of nheit
Love"
"The 68
Harde
st
Part
Is the
Night"
"Only 54 28 24
Lonel
y"
1986 "Silen 24
t
Night"
"You 1 9 23 14 29 Slippe
Give ry
Love a When
Bad Wet
Name
"
"Livin' 1 1 3 4 30
on a
Praye
r"
1987 "Want 7 13 13 13 25
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Dead
or
Alive"
"Neve 11 26 21
r Say
Goodb
ye"
"Edge 38 Disor
of a derlie
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Heart sonor
" a
1988 "Bad 1 3 5 17 New
Medic Jersey
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"Born 3 7 34 22
to Be
My
Baby"
1989 "I'll 1 5 30 18
Be
There
For
You"
"Lay 7 20 26 18
Your
Hands
on
Me"
"Livin 9 37 62 35
g in
Sin"
1992 "Keep 29 1 11 5 Keep
the the
Faith" Faith
1993 "Bed 10 25 10 39
of
Roses
"
"In 27 32 10 9
These
Arms"
"I'll 97 29 24 17
Sleep
When
I'm
Dead"
"I 40 11
Believ
e"
1994 "Dry 31 9
Count
y"
"Alwa 4 3 2 2 4 Cross
ys" Road
1995 "Some 98 23 10 7
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I'll Be
Satur
day
Night"
"This 14 5 4 6 22 59 These
Ain't a Days
Love
Song"
"Some 76 11 14 8
thing
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the
Pain"
"Lie 88 54 20 10
to
Me"
1996 "Thes 38 7
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Days"
"Hey 13
God"
1999 "Real 52 21 EDtv
Life" trilha
sonor
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2000 "It's 33 5 4 3 58 Crush
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Life"
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2001 "One 23 35 10 One
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1985-
2001
2002 "Ever 31 5 5 25 Bounc
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2003 "All 1 9
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2005 "Have 53 38 8 6 24 25 38 Have
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2006 "Who 23 5 8 1 37 41
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2008 "Whol
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2009 "We The
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2010 "Supe
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Tonig
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2010 "Whe
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Were
Beauti
ful"
2010 "What
do
You
Got?"

Turnês
•Slippery When Wet Tour
•Jersey Syndicate Tour
•Keep the Faith Tour
•These Days Tour
•Crush Tour
•One Wild Night Tour
•Bounce Tour
•Have A Nice Day Tour
•Lost Highway Tour
•The Circle Tour

Prêmios
•1987: MTV Video Music Awards: Melhor Performance de Palco.
•1988: American Music Award: Melhor Banda de Rock
•1991: MTV Michael Jackson Video Vanguard Award
•1995: World Music Awards: Melhor Banda de Rock do Ano
•1995: MTV Europe Music Awards: Melhor Banda de Rock
•1995: My VH1 Music Awards: Melhor Show do Ano "Live from London"
•1996: BRIT Awards: Melhor Banda Internacional de Rock
•2001: My VH1 Music Awards: Música do Ano "It's My Life"
•2002: My VH1 Music Awards: Melhor Show do Ano "One Last Wild Night"
•2004: American Music Award: Prêmio de Mérito
•2005: Chopard Diamond Award no World Music Awards por vender
100.000.000 de álbuns.
•2006: UK Music Hall da Fama
•2006: CMT Music Awards: Melhor Dueto "Who Says You Can't Go Home"
•2007: People's Choice Awards: Melhor Música de Rock "Who Says You Can't
Go Home"
•2007: Grammy Awards: Melhor Dueto Country "Who Says You Can't Go
Home"
•2008: CMT Music Awards: Melhor Dueto "Till We Ain't Strangers Anymore"

Bandas que já abriram shows do Bon Jovi


•Aerosmith
•Scorpions
•Twisted Sister
•Cinderella
•Skid Row
•Goo Goo Dolls
•Aurora
•Mr. Big
•Queensrÿche
•Winger
•Keel
•Dio
•Anthrax
•W.A.S.P.
•Lita Ford
•Quireboys
•Arcade
•Extreme
•Billy Idol
•Ugly Kid Joe
•Little Steven
•The Pretenders
•Simple Plan
•Thunder
•Southside Johnny and the Asbury Jukes
•Steve Vai
•Ted Nugent
•Bad Company
•Dokken
•Jimmy Barnes
•Joan Osborne
•Less Than Jake
•Matchbox Twenty
•Stereophonics
•The All-American Rejects
•Gotthard
•Sugar Ray
•Sheryl Crow
•NEO88
•Mötley Crüe

Músicas em filmes
•"Lost Highway" - Motoqueiros Selvagens (2007) 437

•"Wanted Dead or Alive" - Motoqueiros Selvagens (2007) 438

•"I'll Be There for You" - De Repente É Amor (2005) 439

•"Wanted Dead or Alive" - Scooby Doo 2 - Monstros à Solta (2004)


•"Livin' on a Prayer" - As Panteras Detonando (2003)
•"Livin' on a Prayer" - Rock Star (2001)
•"Livin' on a Prayer" - Voando Alto (2003)
437
/ Trilha sonora de Motoqueiros Selvagens.
438

439
Trilha sonora no IMDb, acessado em 27 de abril de 2008
•"Real Life" - EdTV (1999)
•"Mr. Big Time" - Armaggedon (1998)
•"Good Guys Don't Always Wear White" - The Cowboy Way (1994)
•"Wanted Dead or Alive" - Harley Davidson and the Marlboro Man (1991)
•"The Boys Are Back in Town" - Comando Imbatível (1990)
•"Only Lonely" - Light of Day (1987)
•"Edge of a Broken Heart"- Três Trapalhões Da Pesada (1987)
•"Raise Your Hands" - S.O.S. Tem um Louco Solto no Espaço (1987)
•"Wanted Dead or Alive" - P.I. Private Investigations (1987)
•"Bad Medicine" - O Império (do Besteirol) Contra-Ataca (2001)
•"Livin' On A Prayer" - Rock Star - (2001)
•"blaze of glory" - young guns II/jovens demais para morrer - (1990) com
Emilio Estevez
•"Hallelujah" - Shrek - (2001)

Músicas em seriados
•How I Met Your Mother - "You Give Love A Bad Name" (2005)
•Everybody hates Chris - "Livin' On A Prayer" (2009)
•Supernatural - "Wanted Dead Or Alive" (2009)
•Glee - "It's My Life"
•Grey's Anatomy - "Thank you for loving me"

Ver também
•Lista de recordistas de vendas de discos

Ligações externas
•Página oficial (em inglês)

U2
U2 Vertigo World Tour 2005
Informação geral
Origem Dublin
País Irlanda
Gêneros Rock alternativo
Pós-punk
Período em atividade 1976 - presente
Gravadora(s) Island (1979-1997)
Interscope (1997-presente)
Universal (2009)
Página oficial U2.com
Integrantes
Bono
Adam Clayton
The Edge
Larry Mullen Jr.
U2 é uma banda de rock formada em Dublin, Irlanda no ano de 1976. O grupo
é composto por Bono (vocalista e guitarrista), The Edge (guitarrista, pianista e
backing vocal); Adam Clayton (baixista); Larry Mullen Jr. (baterista e
percussionista).
O U2, com mais de trinta anos de estrada, é uma das mais populares bandas
de rock do mundo desde a década de 80. Os seus concertos são únicos e um
verdadeiro festival de efeitos especiais, além de ser uma das bandas que mais
arrecadam anualmente. As vendas já atingem em torno de 150 milhões de
discos no mundo inteiro440, já ganharam vinte e dois prêmios Grammy
Awards441, estão entre as bandas que mais aparecem no ranking da Lista dos
200 álbuns definitivos no Rock and Roll Hall of Fame, estreando em 5º lugar,
o álbum The Joshua Tree, em 1987; 45º lugar, o álbum Achtung Baby, em
1991; e 197º lugar, All That You Can't Leave Behind, em 2000. Em 2003, foi
feita a Lista das 500 melhores canções de todos os tempos pela revista Rolling
Stone, obtendo 8 canções no total, estando atrás de outros ícones como The
Rolling Stones com 14 canções e The Beatles, com 23 canções.

440
"U2 tickets in Vancouver - U2's International Legacy Lives On". Zimbio (16 de maio de
2009).
441
"U2 could set Grammys record with 'No Line on the Horizon'". Los Angeles Times (26 de
fevereiro de 2009).
Além da empreitada musical, eles são também conhecidos pela sua
participação ativa em causas políticas e humanitárias, em especial o líder da
banda, Bono. Ele tem participado ativamente em várias campanhas e apelado
a líderes do mundo inteiro a fim de obter apoio na sua luta contra a fome,
sobretudo nos países mais pobres. Essa "obsessão" de Bono levou a incomodar
os membros do grupo e quase levou o U2 ao fim em tempos passados. Porém,
isso foi revertido e ele conta com o apoio deles na sua causa.

História

Formação
A banda foi formada em 25 de Setembro de 1976. Larry Mullen Jr., com
apenas 14 anos, pôs um anúncio na escola, Mount Temple Comprehensive
High School, à procura de elementos para uma nova banda. A resposta
resultou num grupo de 5 elementos batizado de "The Larry Mullen's Band",
que incluía Larry na bateria, Adam Clayton no baixo, Paul Hewson (Bono) no
vocal, David Evans (The Edge) na guitarra e o irmão de David, Dick Evans,
também na guitarra.
Depois de pouco tempo de ensaio, eles mudaram o nome para "Feedback".
Após 18 meses de ensaios, os "Feedback" mudaram o nome para "The Hype".
A banda tocou com este nome num concerto para a descoberta de novos
talentos em Limerick na Irlanda em 17 de Março de 1978, tendo ganho o
concurso. Jackie Haden, da "CBS Records", que fazia parte do júri, ficou
impressionado com a banda, tendo-lhes dado a oportunidade de gravar a sua
primeira demo.
O punk rock de Dublin, Steve Averill (mais conhecido como "Steve Rapid" dos
"Radiators from Space") disse que os "The Hype" não prestavam, pelo menos
no nome. Mais tarde, devido ao fato de a família de Adam ser muito ligada à
aviação, Adam sugeriu um novo nome para a banda, U2 (Lockheed U-2, nome
de um avião-espião utilizado pelos EUA durante a Guerra Fria que fora
abatido pela URSS poucos dias antes do nascimento de Bono que foi aceito e
se tornou o nome oficial da banda até os dias de hoje.
Há quem sugira que o nome "U2" é baseado na filosofia do grupo, que
acredita que a audiência faz parte da música e dos espetáculos e, como tal,
"you too" ("você também") participa do espetáculo.
Dick saiu em Março de 1978, e a banda fez-lhe um concerto de despedida.
Reduzidos a quatro elementos, lançaram o seu primeiro single em Setembro
de 1979, U2 3 de seu nome, que chegou ao topo do hit parade na Irlanda. Em
Dezembro desse ano viajaram a Londres para realizar os seus primeiros
concertos fora da Irlanda, não tendo conseguido grande atenção do público ou
da crítica.
Boy (1980) e October (1981)
Em Março de 1980 assinam pela Island Records que em Outubro edita o seu
primeiro álbum Boy. Seguidamente partem para a sua primeira turnê fora do
Reino Unido. Em 1981 editam o segundo álbum, intitulado October. Os fãs e a
crítica depressa deram conta do carácter espiritual das letras da banda; Bono,
The Edge e Larry, menos Adam são cristãos assumidos, e não faziam nada
para esconder tal fato. Estes três membros cristãos da banda juntaram-se a
um grupo religioso de Dublin chamado "Shalom", o que os levou a questionar
a relação entre a fé cristã e o estilo de vida baseado no rock.

War (1983)
Resolvida todas as pendências religiosas dentro do grupo, o U2 começou a
pensar em um novo álbum. Mas antes, lançaram um novo single, "A
Celebration", dando assim um indício acerca do rumo que a banda iria tomar.
Pressionado pela gravadora, o grupo cogitou mudar de produtor. No entanto,
acabaram produzindo o álbum War com o produtor dos álbuns anteriores,
Steve Lillywhite. O álbum, bem mais consistente que o seu anterior, apresenta
uma maior diversificação na instrumentação (incluindo o uso de violinos e de
corais femininos) e uma maior sofisticação nas letras, que deixam de lado as
dúvidas existenciais dos últimos álbuns para adotarem uma posição crítica em
relação aos acontecimentos da época. O exemplo mais óbvio disso é "Sunday
Bloody Sunday", canção sobre os conflitos religiosos entre católicos e
protestantes na Irlanda do Norte. O primeiro single do álbum, "New Year's
Day", foi o primeiro êxito internacional da banda, tendo chegado a nº 10 no
Reino Unido e quase entrou no top 50 dos Estados Unidos. A MTV deu grande
destaque ao vídeo desta música, o que abriu as portas ao mercado americano
e à realização de uma bem-sucedida turnê daquele país, que rendeu o registro
do EP Under a Blood Red Sky, gravado em um show no acidente geográfico de
Red Rocks, considerado pela Rolling Stone um dos acontecimentos que
"mudaram a história do rock".

The Unforgettable Fire (1984)


A banda começou a gravação do seu quarto álbum com produção de Brian Eno
e Daniel Lanois. O álbum foi gravado no Slane Castle, na Irlanda. The
Unforgettable Fire, (assim chamado devido a uma série de pinturas feitas por
sobreviventes da bomba atómica de Hiroshima e Nagasaki), foi editado em
1984. O disco possui uma sonoridade única: o U2 encontra a linha melódica
que o faz ser uma banda singular. A música "Pride (In the Name of Love)" era
dedicada a Martin Luther King, e chegou a nº 5 de vendas no Reino Unido e
ao top 50 nos Estados Unidos.
A revista Rolling Stone chamou o U2 de "Banda dos anos 80", dizendo que,
para um número crescente de fãs, o U2 eram a banda mais importante, senão
mesmo, a única importante.
The Joshua Tree (1987)
Em 1987 foi editado The Joshua Tree. O álbum entrou diretamente para nº 1
de vendas no Reino Unido e rapidamente chegou ao mesmo lugar nos Estados
Unidos. Os singles "Where the Streets Have No Name", "With or Without You"
e "I Still Haven't Found What I'm Looking For" tiveram o mesmo êxito. O
álbum vendeu 26 milhões de cópias, levando o U2 a ser a quarta banda a ter
direito a uma capa da Time Magazine, (as outras três tinham sido Beatles, The
Band e The Who). O U2 recebeu diversos Grammys, entre eles o de melhor
álbum do ano. Com "The Joshua Tree", o U2 conquistou definitivamente o
mundo.
"With or Without You" fez parte da trilha internacional da novela Mandala da
Rede Globo, levada ao ar em 1987.
Em várias pesquisas e enquetes o álbum aparece entre os dez melhores de
todos os tempos. Em uma delas, ficou em segundo lugar, atrás apenas de Ok
Computer, do Radiohead.

Rattle And Hum (1988)


A banda gravou e filmou diversos concertos da turnê de "Joshua Tree" para o
álbum e documentário Rattle and Hum, em 1988, e editado em vídeo em 1989.
O álbum tornou-se num tributo à música americana, tendo sido gravado nos
estúdios da "Sun", é um álbum duplo de temas ao vivo, sessões de estúdio e
temas inéditos, como "Desire", "Angel of Harlem" (uma homenagem à cantora
Billie Holiday), "All I Want Is You" e "When Love Comes to Town" (com a
participação do cantor e guitarrista de blues estadunidense B. B. King).

Achtung Baby (1991), Zooropa (1993) e "Zoo TV


Tour" (1991-1993)
Após um período de férias, a banda juntou-se em Berlim, nos fins de 1990
para começar a trabalhar no seu próximo álbum de estúdio; mais uma vez
Brian Eno e Daniel Lanois foram escolhidos para o produzir. As primeiras
sessões não teriam corrido muito bem, visto que os membros divergiam
quanto à musicalidade a ser seguida pela banda. Mas a atmosfera pós Guerra
Fria de Berlim fez bem para os U2. A cidade borbulhava após anos de um
marasmo cultural. Em Novembro de 1991, o U2 lança Achtung Baby.
Carregado de distorções e experimentalismo, o álbum foi muito bem recebido
pelos fãs e crítica especializada. "Achtung Baby" é, até hoje, considerado um
dos melhores álbuns dos U2, contando com "One, "Mysterious Ways", e "The
Fly" como singles. Bono disse, a respeito do álbum:
Achtung Baby é o som de
quatro homens a
derrubar o 'Joshua Tree'
a machadada.
— Bono
Nos princípios de 1992, começaram a turnê por terras americanas, chegando
a ter a participação de Axl Rose num dos concertos. O espectáculo de
multimédia, conhecido como "Zoo TV", confundia as audiências, com centenas
de ecrãs de vídeo, carros voadores e personagens como "The Fly". Esta turnê
era uma tentativa dos U2 gozarem com os excessos do rock, de forma a
parecer que tinham abraçado a ganância e a decadência – por vezes mesmo
fora do palco. Muitos não terão percebido isso, e pensaram que os U2 tinham
perdido a chama. Seguindo o mesmo tema, voltaram a estúdio – num intervalo
da turnê de "Zoo TV" – e gravaram Zooropa que foi editado em Julho de 1993.
No projeto do álbum Duets, Frank Sinatra canta com Bono a música "I've Got
You Under My Skin". Bono entra na música com sua voz em 1993 em cima da
música original de 1966. No videoclipe, Bono canta com Sinatra que está num
display exibindo a filmagem original. Essa música foi incluída na turnê "Zoo
TV" com a banda fazendo a parte instrumental e Bono cantando ao vivo em
cima da música/clipe original de Sinatra.
Em 1995, o U2 lançou a música "Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me" que foi
trilha sônora do filme Batman Forever. No videoclipe desta música uma
animação em quadrinhos em Gotham City com Bono em forma de The Fly e
MacPhisto (dois personagens de Bono na turnê ZooTV) confrontando com
Batman. Em 1996, Adam Clayton e Larry Mullen Jr. fazem uma nova versão do
tema da série Mission: Impossible. Essa nova versão é o tema principal do
filme Missão Impossível. Bono e The Edge compuseram a música de abertura
do filme GoldenEye interpretado por Tina Turner.
Em 1995 a banda editou um álbum conceitual chamado Original Soundtracks
1. Foi um projeto paralelo do U2 com Brian Eno que formam a banda
Passengers e tocam trilha sonoras de filmes imaginários. Foi pouco divulgado,
a maioria das músicas é sintetizada por computador com vozes também
sintetizadas. Por outro lado, é nesse álbum que foi lançada originalmente a
música "Miss Sarajevo", onde Bono faz um dueto com Luciano Pavarotti. A
música foi para o repertório da: Popmart Tour com Pavarotti cantando ao vivo
no show em Sarajevo e se tornou bastante conhecida ainda hoje sendo tocada
em turnê.

Pop (1997) e "PopMart Tour" (1997-1998)

"Não é o suficiente para escrever uma grande letra. Não é o suficiente para ter uma boa idéia ou um
grande gancho. Muitas coisas têm que vir junto, e então, você tem que ter a capacidade de disciplina
e de tela. Devemos dar esse album a um remixer, voltar ao que estava inicialmente previsto ".

— Bono, no álbum Pop.442

442
McCormick (2006), p. 269
No início de 1996, começaram a trabalhar no seu novo álbum. Pop foi editado
em Março de 1997. O álbum chegou a 1º lugar de vendas em 28 países, mas
teve críticas bastantes variadas, havendo quem achasse que a indústria
musical tinha passado os limites da tolerância na promoção de "Pop". O álbum
foi lançado sem ter sido amadurecido em estúdio como gostariam os membros
da banda. Já estava programada a megalomaníaca: PopMart Tour e o mundo
não podia esperar. O suco de limão de "Lemon" (no meio dos concertos os
membros saíam de dentro de um limão gigante) e a coreografia estabanada no
videoclipe de "Discothèque" (principalmente de Larry Mullen, visivelmente
constrangido em participar de tamanho mico) foram um fiasco total nos
Estados Unidos. Contudo o álbum "Pop" é um excelente disco, talvez um dos
mais introspectivos da banda, mas pouco compreendido por muitos fãs
clássicos e pela crítica. O próprio Bono já demonstrou interesse em voltar a
trabalhar nele e relançá-lo.
Recentemente a banda lançou o DVD Popmart: Live from Mexico City, que
traz o registro ao vivo de uma das melhores performances dessa turnê na
Cidade do México, onde a geniosidade e a grandiosidade da banda é posta à
prova. Essa turnê marcou o fim da era tecnológica da banda, que iniciou com
Achtung Baby, passando por Zooropa e a turnê da "Zoo TV".

All That You Can't Leave Behind (2000) e "Elevation


Tour" (2001)
No início de 1999, o U2 voltam ao estúdio novamente com Brian Eno e Daniel
Lanois na produção. Depois da extravagante PopMart Tour, a crítica achou
que os U2 estavam a tentar voltar aos tempos de The Joshua Tree por forma a
tentar manter a sua legião de fãs. Durante as gravações, a banda colaborou
com o autor Salman Rushdie que escreveu a letra para a música de "The
Ground Beneath Her Feet", baseado no seu livro com o mesmo nome. Essa e
outras músicas fizeram parte da banda sonora do filme O Hotel de Um Milhão
de Dólares, baseado numa história escrita por Bono, e realizado por Wim
Wenders, velho conhecido da banda.
All That You Can't Leave Behind foi editado em Outubro e foi muito bem
recebido, sendo considerado por muitos, (Rolling Stone incluído) a terceira
obra-prima do U2 ao lado de Achtung Baby e The Joshua Tree. Chegou ao nº 1
de vendas em 31 países; o single "Beautiful Day" foi também um êxito por
todo o mundo, tendo inclusive ganho três Grammys. A música "Elevation" foi a
música tema do filme Lara Croft: Tomb Raider . O filme teve bastante sucesso
e no videoclip, onde The Edge aparece ao lado da atriz Angelina Jolie que fez o
papel de Lara Croft. Essas cenas foram montagens para fazer parecer que The
Edge estava mesmo a contracenar com Angelina Jolie.
A turnê que se seguiu, chamada "Elevation Tour" quase foi cancelada devido
aos ataque terrorista de 11 de Setembro, mas eles decidiram continuar,
acabando por ser considerada a 2ª maior turnê de sempre (em termos de
receitas), logo a seguir a "Voodoo Lounge Tour" dos The Rolling Stones em
1994. Após o enorme sucesso do álbum e da turnê, muitos fãs da banda
consideraram que ela podia ser considerada "A Maior Banda de Rock do
Mundo" conforme tinha sido dito por Bono um ano antes.
Após o fim da turnê em 2002, o U2 tocou três músicas em Nova Orleans
durante o intervalo do Super Bowl XXXVI. Numa perfomance emocional de
"Where the Streets Have No Name", o nome das vítimas do ataque de 11 de
Setembro, projetados numa cortina, flutuavam em direção ao céu atrás da
banda. No fim da apresentação, Bono abriu o seu casaco e revelou uma
bandeira americana pintada no tecido. Essa imagem apareceria na capa de
inúmeros jornais e revistas. "All That You Can't Leave Behind" ganhou ao todo
7 Grammys, inclusive de melhor álbum de rock.
Bono continuou a sua campanha pelo perdão da dívida dos países mais pobres
durante o verão de 2002.
No final de 2002, o U2 lançou a segunda coletânea de grandes hits, o The Best
of 1990-2000.
Os artistas de dance music LMC, sampleou "With or Without You" na faixa
"Take Me to the Clouds Above" que ainda incluiu letras de "How Will I Know",
de Whitney Houston. Todos os quatro membros dos U2 autorizaram a faixa,
que foi lançada com o título de LMC vs. U2. Adam disse sobre a faixa:
É uma ótima batida e
vocês podem dançar com
ela. Eu gosto
especialmente do baixo.
— Adam

A faixa liderou o top de singles do Reino Unido em Fevereiro de 2004, o top 5


da Irlanda e o top 10 da Austrália. Em Abril de 2004, a revista Rolling Stone
colocou o U2 entre "Os 50 Maiores Artistas De Rock N' Roll de Todos os
Tempos".

How to Dismantle an Atomic Bomb (2004) e "Vertigo


Tour" (2005-2006)
Uma cópia não finalizada do novo álbum da banda foi roubado em Nice,
França, em Julho de 2004. Entretanto, em 22 de Julho Bono revelou que caso
o disco fosse disponibilizado em redes P2P, ele seria lançado imediatamente
através do iTunes e estaria nas lojas em um mês. O álbum How to Dismantle
an Atomic Bomb foi lançado no dia 22 de Novembro (23 de Novembro nos
Estados Unidos).
O U2 fez o lançamento com um inusitado show pelas ruas de Nova Iorque,
tocando as novas músicas em cima de um caminhão, Live from Under the
Brooklyn Bridge. O primeiro single do álbum, "Vertigo", foi lançado no dia 24
de Setembro de 2004. A música foi bastante tocada nas rádios e na primeira
semana do seu lançamento estreou no 18º lugar na Modern Rock Tracks Chart
da Billboard e em 46º lugar na Billboard Hot 100. "How to Dismantle an
Atomic Bomb" foi um grande sucesso de vendas e de crítica. Passou diversas
semanas como o álbum mais vendido em diversos países. Até Janeiro de 2005,
já havia vendido quase 11 milhões de cópias, número que com certeza
aumentou de lá para cá. Além disso, foi vencedor de 8 Grammys, inclusive de
"O Álbum do Ano e Melhor Álbum de Rock". A "Vertigo Tour" mostrou ao
mundo porque o U2 é uma das maiores bandas de rock da história e sem
dúvida a maior da atualidade: concertos maravilhosos, com lotação esgotada e
uma estrutura gigantesca.

U218 Singles (2006)


U218 Singles é uma compilação lançada em 17 de Novembro de 2006, traz
dois novos singles, como "The Saints Are Coming", uma cover da banda
escocesa The Skids, gravado em parceria com Green Day e "Window in the
Skies", além de outras 16 músicas escolhidas pelos integrantes da banda
depois de pesquisarem quais seriam os singles mais tocados nas rádios. O
grupo fez uma parceria com a banda Green Day e fizeram a apresentação da
cover da música "The Saints Are Coming".
Todo o dinheiro arrecadado pela venda deste single será destinado a ajuda
para as vítimas do Furacão Katrina em Nova Orleans pela instituição que The
Edge criou para abastecer os músicos de lá. Esta música está incluída na nova
coletânea da banda, desde Boy (1980) até How to Dismantle an Atomic Bomb
(2004).

Make Some Noise: The Amnesty International


Campaign To Save Darfur (2007)
Os U2 gravaram a música "Instant Karma" de John Lennon para o álbum
"Make Some Noise" ("Instant Karma" nos EUA). O álbum é uma campanha da
Amnesty International, com o objetivo de chamar a atenção para a crise em
Darfur.
É um álbum duplo de covers de John Lennon. Vários outros artistas também
participam, tais como R.E.M., The Cure, Green Day, A-ha e Duran Duran.
No Line on the Horizon (2009) e "360º Tour" (2010-
2011)
A banda começou a trabalhar no décimo segundo álbum No Line on the
Horizon em 2006 que, após o rompimento com a Island Records, seria o
primeiro álbum pela Mercury Records, também subsidiária da Universal
Music Group. Originalmente escrevendo e gravando com o produtor Rick
Rubin, a banda resolveu arquivar o material. Subsequentemente resolveram
começar a escrever e gravar para o álbum com os produtores Daniel Lanois e
Brian Eno em 2007. Durante as sessões em Março de 2008, foi confirmado
que a banda havia assinado um contrato de 12 anos com a "Live Nation" no
valor de 100 milhões de dólares, o que inclui: o controle do merchandising da
banda, patrocínio, e o site oficial.
A banda completou "No Line on the Horizon" em Dezembro de 2008, e
agendou o lançamento para 2 de Março de 2009. "Get on Your Boots" é seu
primeiro, "Magnificent" como o segundo single e "I'll Go Crazy If I Don't Go
Crazy Tonight" o terceiro single do álbum.
Em uma entrevista com Sean O'Hagan do The Guardian, Bono disse que a
banda pretende lançar outro álbum no fim do ano consistindo de material
gravado durante as sessões de "No Line on the Horizon". Bono disse que será
um álbum mais meditativo no tema de peregrinação.443
Apesar de ter recebido críticas positivas, o álbum foi o menos vendido da
banda em mais de uma década. Muito provavelmente pela má escolha do seu
primeiro single que não reflete a qualidade musical do álbum. "Magnificent", a
canção título "No Line on the Horizon" demonstram todo poder vocal de volta
de Bono como não se via desde o fim dos anos 80. Além destas, "Unknown
Caller" e "Moment of Surrender" e a diferente "Breathe" se destacam do
restante das canções.
Este álbum deu início à turnê "360 degrees", com um palco no centro dos
estádios com visão de 360 graus tanto do palco quanto do telão, onde a
bateria se move e existem pontes que levam a um raio externo por onde
circulam os músicos. Um espetáculo visual do nível dos shows da banda ao
longo dos anos 90, pela sua magnitude.

Discografia
Álbuns de estúdio

•Boy (1980)
•October (1981)
•War (1983)
•The Unforgettable Fire (1984)
•The Joshua Tree (1987)

443
O'Hagan, Sean (2009-02-15). The Wanderers. The Guardian. Página visitada em 2009-02-15.
•Rattle and Hum (1988)
•Achtung Baby (1991)
•Zooropa (1993)
•Pop (1997)
•All That You Can't Leave Behind (2000)
•How to Dismantle an Atomic Bomb (2004)
•No Line on the Horizon (2009)

Turnês
•U2 3 – (1979 - 1980)
•Boy Tour – (1980)
•October Tour – (1981 - 1982)
•War Tour – (1982 - 1983)
•Unforgettable Tour – (1984 - 1985)
•A Conspiracy of Hope Tour – (1986)
•Joshua Tree Tour – (1987)
•Lovetown Tour – (1989 - 1990)
•Zoo TV Tour – (1992 - 1993)
•Popmart Tour – (1997 - 1998)
•Elevation Tour – (2001)
•Vertigo Tour – (2005 - 2006)
•U2 360° Tour – (2009 - 2011)

Apresentações no Brasil
Em Janeiro de 1998 a Popmart Tour passou pelo Brasil, se apresentando em
três shows lotados. O primeiro realizado na cidade do Rio (estimativa de
público de 100 mil pessoas), e mais duas apresentações na cidade de São
Paulo. Cerca de 250 mil pessoas acompanharam os shows.
Em 2001 o U2 esteve no Brasil para um show fechado no Projac para
divulgação do álbum All That You Can't Leave Behind, que teve partes
exibidas pela Rede Globo.
Em 2006, pela Vertigo Tour, o U2 tocou duas vezes no Estádio do Morumbi,
em São Paulo nos dias 20 e 21 de fevereiro.
A venda de ingressos para os shows brasileiros foi marcada pela
desorganização dos promotores. No primeiro dia da venda de ingressos,
somente para o primeiro dia de show, milhares de fãs gastaram até 12 horas
na fila, mas poucos conseguiram comprar os bilhetes, e parte dos ingressos foi
comprada por cambistas, que alugavam idosos, gestantes e pessoas com
crianças de colo para entrar na fila preferencial.
Os dois shows tiveram média de público de mais de 70 mil pessoas. O primeiro
dos shows foi transmitido pela Rede Globo.
Além dos shows, a passagem da banda pelo Brasil incluiu uma visita de Bono
ao Presidente Lula, a doação de uma guitarra ao programa governamental
Fome Zero e a participação dos integrantes da banda no Carnaval de Salvador
no camarote e trio elétrico Expresso 2222, do Ex-Ministro da Cultura Gilberto
Gil, há alguns anos.

Apresentações em Portugal
•3 de Agosto de 1982 - Festival de Vilar de Mouros
•15 de Maio de 1993 - Estádio José Alvalade, Lisboa
•11 de Setembro de 1997 - Lisboa
•14 de Agosto de 2005 - Estádio José Alvalade, Lisboa
•Os U2 vão actuar a 2 e 3 de Outubro de 2010 no Estádio de Coimbra, no
âmbito da "360º Tour"444

Ver também
•Lista de recordistas de vendas de discos no Brasil
•Lista de recordistas de vendas de discos

Ligações externas
•Página oficial da banda. U2.com

The White Stripes


The White Stripes
Informação geral
Origem Detroit, Michigan
País Estados Unidos
Gêneros Rock alternativo
444
Título ainda não informado (favor adicionar).
Rock de garagem
Punk blues
Blues-rock
Período em atividade 1997 - presente
Gravadora(s) Warner Music
XL Recordings
Third Man Records445
Página oficial WhiteStripes.com
Myspace oficial
Integrantes
Jack White (guitarra)
Meg White (bateria)
The White Stripes é uma dupla de blues rock norte-americana, formada no
ano de 1997 em Detroit, Michigan, composta por Jack White (compositor,
vocalista, guitarrista, pianista) e Meg White (bateria, percussão e vocal de
apoio).446 Eles são conhecidos pelo seu som lo-fi e simplicidade nas
composições e arranjos, notoriamente inspirados pelo punk e pelo blues
rock,447 pelo folk rock448 e pela música country449. Dia 14 de julho de 2007
marcou o aniversário de dez anos da dupla, "comemorado" com um show no
Teatro Savoy, no Canadá, cujos ingressos se esgotaram em vinte minutos.450451
A banda ficou conhecida mundialmente depois dos sucessos de "Fell in Love
with a Girl", "The Hardest Button To Button", "Seven Nation Army" e "Icky
Thump"e tem 12 milhões de discos vendidos no mundo.

História

445
Myspace oficial (em inglês). Página visitada em 6 de janeiro de 2008.
446
Handyside, Chris. The White Stripes - biography (em inglês). AllMusic.com. Página visitada
em 6 de janeiro de 2008.
447

448
Eddy, Chuck (11 de abril de 2003). Mr. and Mrs. Used to Be (em inglês). village voice.
Página visitada em 6 de janeiro de 2008.
449
Ratliff, Ben (21 de abril de 2003). Contradictory and Proud of It (em inglês). The New York
Times. Página visitada em 6 de janeiro de 2008.
450
The Cape Breton Post (4 de maio de 2007). Concert sells out in 12 minutes (em inglês).
Página visitada em 6 de janeiro de 2008.
451
Wadell, Stephanie (2007). White Stripes fans spent a chilly night (em inglês). Whitehorse
Daily Star. Página visitada em 6 de janeiro de 2008.
The White Stripes e De Stijl
O White Stripes se formou em Detroit, Michigan, em 1997. A dupla recebeu
mais atenção após a saída repentina de Jack White, do grupo The Go, onde ele
era o principal guitarrista. Jack descreveu seu primeiro álbum, The White
Stripes (1999), como "realmente furioso… o registro mais cru, o mais
poderoso, e mais Detroit que já fizemos."452 Seu segundo álbum, De Stijl, foi
batizado assim em homenagem à vanguarda artística holandesa
neoplasticista, que eles citaram como fonte da imagem musical deles. A arte
desta vanguarda está presente na capa do álbum. Este trabalho também foi
gravado em uma fita cassete, na sala de estar de Jack.453

White Blood Cells e Elephant


A dupla desfrutou de um significante sucesso no ano de 2001, com o
lançamento de seu álbum White Blood Cells. O som, fortemente associado ao
rock de garagem, atraiu muita atenção dos ingleses e, mais tarde, nos Estados
Unidos, tornando o White Stripes uma das bandas mais aclamadas de 2002.454
Ainda neste ano, a revista Q nomeou o White Stripes como uma das "50
Bandas Para Se Ver Antes de Morrer."455
O álbum que sucedeu à White Blood Cells, chamado Elephant, foi lançado em
1º de abril de 2003, sendo bastante aclamado pela crítica e foi o maior
sucesso comercial da dupla, atingindo o topo das paradas britânicas e
figurando entre os 10 primeiros álbuns nos Estados Unidos. Ele foi gravado
com Liam Watson no Toe Rag Studios, em Londres. Durante a celebração de
"50 anos de Rock and Roll", a revista Rolling Stone elegeu Elephant como o
390º melhor álbum de todos os tempos. Em agosto deste mesmo ano, a Rolling
Stone ainda elegeu Jack White o 17º melhor guitarrista de todos os tempos,
colocando-o entre Johnny Ramone e John Frusciante. Em dezembro de 2003, a
NME elegeu este álbum como o melhor do ano.456 O primeiro single do álbum,
"Seven Nation Army", foi a canção da dupla que mais fez sucesso, e foi
seguido de um cover de "I Just Don't Know What To Do With Myself", escrita
por Burt Bacharach. O terceiro single do álbum foi "The Hardest Button To
Button". Em 8 de fevereiro de 2004, o álbum ganhou o Grammy de Melhor
Álbum de Música Alternativa, enquanto "Seven Nation Army" ganhou o
Grammy de Melhor Música de Rock.
Lançado em 2004, o filme Under Blackpool Lights foi filmado inteiramente
com um filme de 16mm e foi dirigido por Dick Carruthers.

452
Twitch (2006). The Unofficial White Stripes FAQ Version 6 WhiteStripes.net. ([[língua
inglesa|inglês])]. Página visitada em 6 de janeiro de 2008.
453
Twitch (2006).. The Unofficial White Stripes FAQ Version 6 WhiteStripes.net.
454

455
Q Magazine (2002). 50 Bands You Must See Before Die... RockListMusic.co.uk.
456
Rolling Stone. The Five Hundred Greatest Albums Ever Made rhino.com.
Get Behind Me Satan e outros projetos
O quinto álbum, Get Behind Me Satan, foi gravado na casa de Jack, em
Detroit, e lançado na América do Norte em 7 de junho de 2005, recebendo
ótimas críticas. Três singles foram retirados deste álbum, sendo o primeiro
"Blue Orchid", uma canção muito popular do grupo, que foi veiculada em
diversas rádios. A nova esposa de Jack White aparece neste clipe, que foi
seguido do single de "My Doorbell". O terceiro single, "The Denial Twist", tem
um videoclipe dirigido por Michel Gondry que documentou, de acordo com o
design tipicamente bizarro da dupla, sua aparição no Late Night with Conan
O'Brien. O álbum ganhou, em 2006, o Grammy de Melhor Álbum de Música
Alternativa. "My Doorbell" foi indicada para Melhor Performance Pop por
Dupla ou Grupo com Vocal.
Em 14 de novembro de 2005 foi lançado no iTunes um cover da dupla Tegan
and Sara, "Walking with a Ghost". Mais tarde, a canção foi lançada no EP
Walking with a Ghost", em 7 de dezembro de 2005, contando ainda com
outras quatro faixas gravadas ao vivo.
Em 15 de maio de 2006, o projeto paralelo de Jack White, The Raconteurs,
lançou seu álbum Broken Boy Soldiers, cujo single "Steady As She Goes"
torna-se um hit. Jack entrou em turnê com o grupo pelo resto deste ano.
Durante a Copa do Mundo de 2006, "Seven Nation Army" tornou-se um hino,
ainda que não-oficial, da seleção italiana, e também foi adotado pelos fãs do
Roma, uma das maiores equipes da Itália. A segunda linha da canção é
traduzida como "Um exército de sete nações não vai me deixar para trás", e
foi bastante apropriada para a seleção italiana, que teve de enfrentar outras
sete nações para conquistar o título (Gana, Estados Unidos, República Tcheca,
Austrália, Ucrânia, Alemanha e França).
O White Stripes também apareceu em um episódio dos Simpsons, chamado
"Jazzy and the Pussycats", que foi ao ar em 17 de setembro de 2006. Neste
episódio, Homer e Marge compram uma bateria para Bart, como um modo
construtivo de canalizar sua energia. Em uma cena, - uma sátira do clipe de
"The Hardest Button To Button - Bart toca sua bateria em seu quarto, nas
escadas, no ônibus da escola e nas salas de sua escola, e em uma esquina,
onde sua bateria colide com a de Meg.457
Em 12 de outubro de 2006, foi anunciado no site oficial do White Stripes que
haveria um álbum de composições orquestrais avant-garde consistido de
composições passadas de Jack White chamado Aluminium. A pré-venda do
álbum iniciou-se em 6 de novembro de 2006, e a versão LP do álbum foi
vendida em apenas um dia.[carece de fontes?] 3,333 CDs e 999 LPs foram
disponibilizados, embora o formato download não tenha sido limitado, e venha
acompanhado de um encarte eletrônico.458

457
NME (2006). Watch The White Stripes' 'Simpsons' appearance NME News.
458
The White Stripes. News whitestripes.com.
Icky Thump
Em 28 de fevereiro de 2007, a dupla anunciou que eles haviam terminado o
trabalho do novo disco, Icky Thump. O álbum, gravado em Nashville, levou
três semanas para ser gravado - o mais longo de qualquer álbum do White
Stripes. É, também, o único álbum da dupla com uma faixa que tenha o
mesmo nome do álbum. Ele foi lançado em 16 de junho na Austrália, 18 de
junho na Nova Zelândia, Reino Unido e demais países da Europa e em 19 de
junho de 2007 nos Estados Unidos e no resto da Ásia.
O álbum foi previamente tocado, por inteiro, em uma estação de rádio de
Chicago, em 30 de Maio. Jack White ligou pessoalmente para a rádio da
Espanha, onde eles estavam em turnê, para expressar seu desgosto em
relação a este ato. Alguns fãs que ouviam a rádio gravaram o álbum, que foi
disponibilizado na internet antes de seu lançamento.
O primeiro single do álbum, "Icky Thump", foi disponibilizado no iTunes dos
Estados Unidos e do Canadá em 26 de abril de 2007, atingindo, mais tarde, a
2ª posição na Billboard britânica.

Música

Instrumentos e equipamentos
Os White Stripes são famosos por ter apenas dois músicos, Jack White no
vocal, piano e guitarra e Meg White na bateria.459 Jack, o principal escritor,
disse que este não foi um problema, e que a banda é centrada em torno do
número três. Meg canta também em algumas outra músicas da banda como
em: "Cold Cold Night" e "Well It's True That We Love One Another" (de
Elephant), "Passive Manipulation" (de Get Behind Me Satan), "Who's a Big
Baby?" (Liberado sobre a Blue Orchid single), e "St. Andrew (this battle is in
the air)" (de Icky Thump).
No inicío, a banda chamou a atenção pela sua preferência por antiquados
equipamentos de gravação. Com poucas exceções, Jack White tem
demonstrado que vai continuar ausando amperes e pedais de 1960.460
As guitarras que Jack White usa ao-vivo são um 1964 JB Hutto Montgomery
Airline, um Harmony Rocket, um 1970 Crestwood Astral II, e um 1950 Kay
Hollowbody. Ele também usa um Boss TU-2 tuner pedal. Ele liga esta
configuração em um Fender 1970 Twin Reverb e dois 100-Watt Sears
Silvertone 6x10 combo amplificadores.461 White também utiliza uma Digitech
whammy pedal, que cria entre outras coisas uma oitava inferior ao que é
jogado na guitarra, que ele usa muito especialmente nas canções "Seven
Nation Army" e "The Hardest Button para Button."462

459
Fricke, David (2005).. "White on White".
460
Hoard, Christian (2004).. "White Stripes - biography" RollingStone.com.
461
"White Stripes Equipment/Technique" Broken Bricks.
462
White também desempenha outros instrumentos, tais como um negro F-Estilo
Gibson mandolin, Rhodes bass chaves, e um piano Steinway. Ele está
atualmente usando um sintetizador Moog Little Phatty.

Sessões de gravação e performances ao vivo


Várias gravações foram feitas bastante rápido. Por exemplo, Elephant foi
gravado em cerca de duas semanas em Londres Toerag's Studio. Get Behind
Me Satan, também foi gravado em apenas duas semanas. Para shows ao vivo,
o duo também nunca prepara definir as suas listas para shows, acreditando
que planejamento demasiado perto iria arruinar a espontaneidade das suas
performances.463
Em 25 de abril de 2007, o duo anunciou que iriam embarcar em uma turnê no
Canadá em todas as 10 províncias, mais o Yukon, Nunavut e Territórios do
Noroeste. Nas palavras de Jack White: "Nunca fiz uma turnê do Canadá.
Queremos aproveitar esta excursão e oservar a paisagem canadense. A melhor
maneira de fazer isso é garantir que vamos realizar shows em todas as
províncias e territórios do país, a partir do Yukon até Prince Edward Islasd.
Outro momento especial desta turnê é o show que irá ocorrer em Glace Bay,
Nova Scotia no dia 14 de julho, O "Décimo aniversário" da banda.464

Sobre o White Stripes

Cores da banda
Vermelho, branco e preto, são as cores da banda, e de acordo com Jack, a
mais poderosa combinação de cor de todos os tempos, da Coca-Cola até uma
bandeira nazista. Em algumas entrevistas, o grupo afirmou que as cores
vermelha e branca referem-se a peppermint candy, um símbolo da inocência
infantil. Jack também mencionou que as cores são utilizadas em brinquedos
para bebês, porque eles são facilmente visíveis para bebês. Nas letras da
banda, frequentemente as cores são mencionadas, como em "Black Math",
"Red Rain", e "White Moon". Na letra de "Icky Thump" as cores da banda
também aparecem: "redhead señorita", "preto rum" e "um olho branco". Além
do vermelho, branco e preto que a banda usa em seus figurinos, Jack também
disse que os chapéus são "muito importantes" independente do estilo.465

463
Frampton, Scott (July 2007),. "Jack & Meg White". Esquire.
464
"Jack e Meg vão a escola".
465
Jack adora chapéus.
O número três
Jack tem enfatizado a importância que o número três tem para a banda,
citando-o como inspiração não só para os seus uniformes tricolor, mas a sua
abordagem descendente para comparar o que ele considera os três elementos
da canção: narrativas, melodia e ritmo. O número três também aparece com
freqüência em White Stripes álbum artwork, e nos textos escritos por Jack,
como liner notas ou mensagens escritas no website da banda, são
frequentemente assinados com "Jack White III", ou simplesmente "III".
Também existem apenas três sons - bateria, guitarra e vocais - na maioria das
suas canções; vezes teclado ou piano é substituída pela guitarra. Jack também
só usa três guitarras eléctricas para os concertos ao vivo da banda: a vintage
1960's-Airline, um 1950's Kay Hollowbody e um Crestwood Astrall II. Também
é notável a admiração de Jack pela do filme , que é igualmente o nome da sua
empresa produção. Jack escolheu "Three Quid", como seu apelido durante a
banda na 2005 UK tour.

Discografia

Álbuns
Ano Título Gravadora
1999 The White Stripes Sympathy for the Record
Industry
2000 De Stijl Sympathy for the Record
Industry
2001 White Blood Cells Sympathy for the Record
Industry
2003 Elephant V2 Records, XL
Recordings
2005 Get Behind Me Satan V2 Records, XL
Recordings
2007 Icky Thump Warner Bros. Records, XL
Recordings

Singles
Ano Canção Álbum
1998 "Let's Shake Hands" sem álbum
"Lafayette Blues"
1999 "The Big Three Killed My The White Stripes
Baby"
"Hand Springs" sem álbum
2000 "Hello Operator" De Stijl
"Lord, Send Me an Angel" sem álbum
"Party of Special Things
to Do"
2001 "Hotel Yorba" White Blood Cells
2002 "Fell in Love with a Girl"
"Dead Leaves and the
Dirty Ground"
"We're Going to Be
Friends"
"Red Death at 6:14" Sympathetic Sounds of
Detroit
"Candy Cane Children" sem álbum
2003 "Seven Nation Army" Elephant
"I Just Don't Know What
To Do With Myself"
"The Hardest Button To
Button"
2004 "There's No Home for You
Here"
"Jolene" Under Blackpool Lights
2005 "Blue Orchid" Get Behind Me Satan
"My Doorbell"
"The Denial Twist"
2007 "Icky Thump" Icky Thump
"Rag and Bone"
"You Don't Know What
Love Is (You Just Do as
You're Told)"
"Conquest"

Ver também
•The Raconteurs, projeto paralelo de Jack White
•The Dead Weather, outro projeto paralelo de Jack White, desta vez como
baterista, em vez de guitarrista
Ligações externas
•Sítio oficial (em inglês)
•Myspace oficial (no MySpace)
•White Stripes Brasil - Português / English (em inglês)
•The White Cells - The White Stripes Tribute Band (Banda Cover)

Whitesnake
Whitesnake

Whitesnake ao vivo em Salónica, Grécia


Informação geral
Origem Leeds, Inglaterra
País Reino Unido
Gêneros Hard rock
Heavy metal
Blues-rock
Período em atividade 1977-1991
1994-1998
2002-presente
Gravadora(s) Geffen Records
Página oficial www.Whitesnake.com
Integrantes
David Coverdale (Vocais)
Doug Aldrich (Guitarra)
Reb Beach (Guitarra)
Michael Devin (Baixo)
Brian Tichy (Bateria)
Ex-integrantes
Micky Moody (Guitarra)
Bernie Marsden (Guitarra)
Neil Murray (Baixo)
Dave Dowle (Bateria)
Jon Lord (Teclados)
Ian Paice (Bateria)
Cozy Powell (Falecido) (Bateria)
Mel Galley (Falecido) (Guitarra)
Colin 'Bomber' Hodgkinson (Baixo)
John Sykes (Guitarra)
Aynsley Dunbar (Bateria)
Rudy Sarzo (Baixo)
Steve Vai (Guitarra)
Vivian Campbell (Guitarra)
Adrian Vandenberg (Guitarra)
Warren DeMartini (Guitarra)
Marco Mendoza (Baixo)
Denny Carmassi (Bateria)
Tommy Aldridge (Bateria)
Chris Frazer (Bateria)
Uriah Duffy (Baixo)
Timothy Drury (Teclados)
Whitesnake é uma banda de hard rock britânica formada em 1977. Entre os
seus sucessos destacam-se a balada "Is This Love", do álbum Whitesnake de
1987, e a pesada "Love Ain't No Stranger", do álbum Slide It In de 1984.

História
Logo após o fim do Deep Purple, em 1976, David Coverdale não perdeu tempo
e no mesmo ano criou e lançou seu projeto solo: White Snake. O segundo
álbum desse projeto, Northwinds (1977) foi produzido por Roger Glover (do
MK II do Deep Purple) e contou com a participação de Ronnie James Dio (à
época no Rainbow com Ritchie Blackmore) nos 'backing vocals'.
A formação da banda que acompanhava Coverdale era Bernie Marsden e
Micky Moody (guitarras), Neil Murray (baixo) e Dave Dowle (bateria). Em
1978 saiu o álbum considerado de estréia do Whitesnake, Trouble. No ano
seguinte, Jon Lord (também ex-membro do Deep Purple) juntou-se à banda e
na sequência vieram Lovehunter (1979) e Live...in the Heart of the City
(1980).
Live in the Heart of City é um álbum que reúne dois shows feitos pela banda:
o Live In The Heart Of City de 23 e 24 de junho de 1980 e o Live at
Hammersmith de 23 de novembro de 1978. O show mais antigo contém
algumas músicas do Deep Purple da época que Coverdale esteve no vocal. O
show mais recente, contém um 'insert' para um solo de Micky Moody usando
slide e fazendo ritmos bem countries/folk na faixa Love Hunter.
Em Ready an' Willing, de 1980, Ian Paice (também ex-Purple) já fazia parte da
banda. Apesar de tantos 'ex-Purples', o som do Whitesnake teve, desde o
início, um estilo diferente do Deep Purple, mais voltado para o hard rock
americano, com fortes influências 'redneck' presentes na guitarra com slide
de Moody , ótimos 'riffs' e um baixo bem presente e elaborado.
Em 1981 lançam Come an' Get It e em 1982, Saints & Sinners que conquista o
público com músicas como "Here I Go Again" e "Crying In The Rain". Muitas
mudanças ocorrem no Whitesnake após este álbum e até o término da banda
foi cogitado, o que não aconteceu. Após a turnê de Saints & Sinners, Ian Paice
deixa a banda. Pouco depois, Bernie Marsden Neil Murray também saem. Mas
Coverdale não esmorece e chama Cozy Powell para substituir Paice. Mel
Galley (ex-Trapeze) assume a guitarra e Colin Hodgkinson o baixo. Lançam
Slide It In em 1984 e, após o lançamento, mais uma mudança: Micky Moody
sai, sendo substituído por John Sykes (ex-Tygers of Pan Tang). "Love Ain't No
Stranger", "Guilty Of Love" e "Slow and Easy" fazem dele um sucesso,
podendo ser considerado um dos mehores álbuns da banda. Mel Galley
apresenta problemas no braço e fica afastado da banda parte da turnê. O
Whitesnake segue com um só guitarrista. O baixista Neil Murray volta para a
banda enquanto Jon Lord volta para o Deep Purple.
Em 1985 a banda toca no Brasil, no Rock in Rio, no lugar do Def Leppard (que
desistiu na última hora devido ao trágico acidente de carro de seu baterista,
Rick Allen, que teve um braço amputado). Cozy Powell também deixa a banda
e em seu lugar entra Aynsley Dunbar. Whitesnake de 1987 traz como
participação especial, o guitarrista Adrian Vandenberg. A música "Is This
Love" estoura nas paradas mundiais, sendo inclusive tema de telenovela no
Brasil.
As mudanças não param por aí, Vandenberg é efetivado na banda e John
Sykes sai (dizem que ele queria ser o único guitarrista), Tommy Aldridge e
Rudy Sarzo (Quiet Riot) substituem Aynsley Dunbar e Neil Murray
respectivamente. Vivian Campbell (atualmente no Def Leppard) faz do
Whitesnake um quinteto mais uma vez. O próximo álbum Slip of the Tongue
de 1989 porém, tem Steve Vai na guitarra, em vez de Campbell.
Apesar do sucesso de hits como The Deeper The Love, o disco não vendeu
muito bem, e Coverdale decide dar um tempo. Ele só volta em 93 com um
projeto chamado Coverdale / Page (com Jimmy Page, ex-Led Zeppelin).
Coverdale reformulou o Whitesnake em 1994, lançando uma coletânea,
Greatest Hits. Em dezembro de 97 esteve no Brasil, no show da festa da 89
FM promovendo seu novo álbum, Restless Heart.
Starkers in Tokyo surgiu quando a EMI propôs que Coverdale e Adrian
Vandenberg fizessem um show acústico no Japão para promover o novo
álbum. O resultado foi tão bem aceito pelos fãs que acabou virando CD.
Em 2000, a gravadora lançou o “The Best of”, um disco que traz parte dos
grandes hits que fizeram do Whitesnake uma das melhores bandas de hard
rock do mundo. Já em 2003, ele começam uma turnê mundial, onde forma
"headliners" em diversos festivais na Europa e América do Norte. No "line up"
estão Reb Beach e Doug Aldrich nas guitarras, Timothy Drury nos teclados,
Marco Mendoza no baixo e Tommy Aldridge na bateria, além é claro, de
Coverdale nos vocais.
Em 2008, já com Uriah Duffy no baixo e Chris Frazier na bateria, a banda
lança o álbum Good to Be Bad após 11 anos, sem lançar um álbum de
originais. O disco é lançado em versão CD normal, uma versão com caixa
rigida especial com ofertas como poster, autocolantes e faixas extras e ainda
em versão LP especial. O álbum contem já hits instantâneos como: "Lay Down
Your Love", "Can You Hear the Wind Blow", "Good To Be Bad" e ainda as
baladas "All I Want All I Need" e "Summer Rain". O álbum foi para já muito
bem acolhido pela imprensa como grande candidato a álbum do ano. A banda
passa dia 2 de Agosto por Portugal no Festival EXPOFACIC em Cantanhede,
Coimbra.
Em fevereiro de 2010 o vocalista David Coverdale afirma no myspace oficial
da banda que há projetos para um novo álbum de estúdio para 2011.

Formação atual
•David Coverdale - Vocais e guitarra (em algumas musicas)
•Doug Aldrich - Guitarra Principal
•Reb Beach - Guitarra
•Michael Devin - Baixo
•Brian Tichy - Bateria

Discografia
•Snakebite (1978) (EP)
•Trouble (1978)
•Lovehunter (1979)
•Live at Hammersmith (1980) (Ao vivo)
•Ready an' Willing (1980)
•Live...in the Heart of the City (1980) (Ao Vivo)
•Come an' Get It (1981)
•Saints & Sinners (1982)
•Slide It In (1984)
•Whitesnake / 1987 (1987)
•Slip of the Tongue (1989)
•Restless Heart (1997)
•Starkers in Tokyo (1997) (Ao vivo)
•Live In the Still of the Night (2006) (DVD)
•Live: In the Shadow of the Blues (2006) (Ao vivo)
•Good to Be Bad (2008)

Ligações externas
•Whitesnake.com

Scorpions
Scorpions

Da esquerda para a direita: Paweł Mąciwoda, Rudolf


Schenker, Matthias Jabs e Klaus Meine (parcialmente escondido)

Informação geral
Origem Hannover, Baixa Saxônia
País Alemanha
Gêneros Heavy metal466467468469
Hard rock470471472
Período em atividade 1965 - atualmente
Gravadora(s) Rhino, RCA, Mercury, EMI, Atlantic,
WEA, BMG
Página oficial www.the-scorpions.com
Integrantes
Klaus Meine
Rudolf Schenker
Matthias Jabs
Paweł Mąciwoda
James Kottak
Ex-integrantes

466
The Book of Metal.
467
Weinstein, Deena. Heavy Metal: The Music and its Culture. DaCapo, 2000. ISBN 0-306-
80970-2, pg. 29, 36.
468
Sound of the Beast.
469
Running with The Devil.
470
M. C. Strong. The great rock discography.
471
Philip Dodd. The Book of Rock: from the 1950s to today.
472
Scorpions Biography www.bighairmetal.com. Página visitada em 2008-04-12.
Michael Schenker
Uli Jon Roth
Lothar Heimberg
Francis Buchholz
Ralph Rieckermann
Ken Taylor
Achim Kirkhoff
Wolfgang Dziony
Jürgen Rosenthal
Rudy Lenners
Herman Rarebell
Curt Cress
Scorpions é uma banda de hard rock/heavy metal originária de Hannover,
Alemanha. Já venderam cerca de 120 milhões de álbuns mundialmente.473

História

Formação e início de carreira


Na Alemanha Ocidental, em 1965, os irmãos e guitarristas Michael Schenker
e Rudolf Schenker decidem montar uma banda com os amigos Klaus Meine
(como vocalista), Lothar Heimberg (no baixo) e Wolfgang Dziony (na bateria).
Após gravarem uma fita demo, conseguem lançar o primeiro álbum, Lonesome
Crow, em 1972. Apesar da boa repercussão da estréia, Lothar Heimberg e
Wolfgang Dziony resolvem deixar o grupo e pouco tempo depois, Michael
Schenker torna-se guitarrista da banda londrina UFO.
Sozinhos, Rudolf e Klaus dão continuidade ao trabalho e rapidamente entram
em contato com o guitarrista Ulrich Roth (mais conhecido como Uli Jon Roth),
que por sua vez convida o baixista Francis Buchholz e o baterista Jürgen
Rosenthal para completar o grupo. Fazem algumas apresentações e assinam
com a RCA, que lança o segundo disco Fly to the Rainbow, em 1974. No ano
seguinte, Jürgen Rosenthal deixa a banda para se apresentar ao exército
alemão, Rudy Lenners assume a bateria e o álbum In Trance faz sucesso em
toda a Europa, dando início a uma turnê.

473
Scorpions Forsee Fantastic Future Following Farewell. billboard.com. Página visitada em
2010-01-29.
A popularidade
Em 1976, gravaram Virgin Killer que é um álbum clássico em sua carreira.
Lenners descobre que tem um problema no coração e sai da banda para se
tratar. Em seu lugar entra Herman Rarebell, que foi indicado por Michael
Schenker. Em 1977, vão para o estúdio novamente e lançam o álbum Taken by
Force, e em 1978 embarcam pela primeira vez para o Japão, onde fizeram três
grandes shows. Essa passagem pelo oriente ficou registrada no clássico álbum
duplo ao vivo Tokyo Tapes, que marcou a saída do guitarrista Uli Jon Roth da
banda.

Sucesso comercial
Em 1979, os Scorpions recrutam Matthias Jabs para assumir as seis cordas.
No mesmo ano, é lançado o álbum Lovedrive, que teve a participação especial
de Michael Schenker. No ano seguinte, a banda de Hannover lançam o álbum
Animal Magnetism, que emplacou o hit "The Zoo". O sucesso já era presente
quando Klaus descobre que tinha nódulos em suas cordas vocais.
Imediatamente, o vocalista se retira da banda para fazer um tratamento, que
duraria cerca de um ano. No ano de 1982, os Scorpions entram novamente
nos estúdios de gravação. Como resultado, sai o álbum Blackout,
caracterizado pelo vocal mais nasalizado de Klaus, o que lhe permite
conseguir notas mais altas, como fica claro na faixa "Now!".
Em maio de 1983 a banda foi convidada para atuar no US Festival na
Califórnia, juntamente com as bandas Quiet Riot, Judas Priest, Van Halen,
Triumph e Ozzy Osbourne. Os Scorpions passaram os primeiros 18 anos da
sua carreira sem conseguirem muito sucesso nos Estados Unidos, embora já
fossem bastante populares na Europa e no Japão. Foi apenas em 1984, quando
lançaram o álbum Love at First Sting, que conquistaram de vez os fãs
americanos, chegando inclusive a figurarem entre os 10 melhores do mundo,
graças à balada "Still Loving You" e o hit "Rock You Like a Hurricane". Em
1985, o Scorpions visita pela primeira vez o Brasil, no intuito de participar do
festival Rock in Rio, ao lado de bandas como Iron Maiden, AC/DC, Whitesnake
e Queen. Foi a turnê de Love at First Sting que rendeu o segundo álbum ao
vivo do Scorpions, o World Wide Live, cujo o repertório foi todo baseado nos
quatro últimos álbuns de estúdio da banda na época.
Em 1988, um novo álbum, denominado Savage Amusement, é lançado, dando
início à atual fase da banda, constituída de canções com críticas à sociedade,
à religião, à família, etc. Foi a turnê desse disco que eles se tornaram a
primeira banda de rock do ocidente a se apresentar na então União Soviética,
cuja a turnê virou o documentário "To Russia with Love". No início da década
de 1990, tiveram êxito com o álbum Crazy World e a canção "Wind of
Change", inspirado nas mudanças político-sociais ocorridas no Leste Europeu
e também no fim da Guerra Fria. Além de "Wind of Change", Crazy World
trazia "Tease Me, Please Me", "Don't Believe Her", "Send Me an Angel" e "Hit
Between the Eyes" que virou tema do filme Freejack estrelado pelo cantor
Mick Jagger. Foi o primeiro grupo ocidental a tocar na Rússia após a extinção
da União Soviética e, em 21 de julho de 1990 foram convidados a participar no
espetáculo de Roger Waters, The Wall in Berlin, juntamente com outros
convidados como Van Morrison e Bryan Adams.

Dias atuais (1992-presente)


Em 1992, sofrem uma baixa inesperada: Francis Buchholz resolve sair da
banda e é substituído por Ralph Rieckermann, músico de conservatório e que
também fazia trilhas sonoras de filmes. Em 1993, lançam o álbum Face the
Heat, que trazia a canção "Under the Same Sun" como o seu principal
sucesso. O terceiro álbum ao vivo da carreira, Live Bites sai em 1995, e Pure
Instinct é lançado em 1996, tendo Curt Cress como baterista. Herman
Rarebell decide deixar a banda e abrir uma gravadora em Monte Carlo,
chamada Monaco Records, com apoio do príncipe Albert de Mônaco. James
Kottak torna-se o novo baterista dos Scorpions.
Gravam um álbum experimental chamado Eye II Eye em 1999. Como o álbum
não foi bem aceito pelos fãs e pela crítica, os Scorpions resolvem explorar
outros caminhos. O próximo passo da banda se tratou de algo totalmente
inédito: a gravação de um álbum com a Orquestra Filarmônica de Berlim, uma
das mais conceituadas do mundo. Intitulado de Moment of Glory e lançado em
2000, esse álbum traz faixas como "Still Loving You", "Hurricane 2000" (uma
nova versão de Rock You Like a Hurricane) e Deadly Sting Suite (um misto
das músicas Crossfire, He's a Woman, She's a Man e Dynamite), entre outras,
com novos arranjos orquestrados e que renderam o DVD Moment of Glory,
gravado ao vivo em Hannover, na Alemanha. A criação dos arranjos e a
regência da orquestra ficou a cargo do austríaco Christian Kolonovitz. Em
2001, Christian Kolonovitz repete a dose e rearranja outras canções para o
projeto intitulado Acoustica. As apresentações acústicas, registradas no
Convento do Beato, em Portugal, fizeram tanto sucesso quanto o trabalho
anterior. Tiveram ainda o reforço de alguns músicos contratados, como o
percussionista chileno Mario Argandona, para que as versões mais intimistas,
executadas apenas com violão, soassem melhor. Entre os músicos de apoio,
ainda havia a violoncelista romena Ariana Arcu; Johan Daansen, no terceiro
violão; Hille Bemelmans, Liv Van Aelst e Kristel Van Craen, nos vocais de
apoio; além do próprio Christian Kolonovitz, no piano e órgão Hammond.
Em 2004, lançam o álbum Unbreakable, que era aguardado com grande
expectativa pelos fãs, pois havia cinco anos desde Eye II Eye que um álbum
contendo canções inéditas não era lançado. Com o álbum Unbreakable
também foi apresentado o novo baixista da banda: o polonês Paweł Mąciwoda,
em substituição a Ralph Rieckermann, que deixou a banda pouco antes das
gravações de Unbreakable e deu sequência ao seu trabalho de trilhas sonoras
de filmes. A banda incluiu o Brasil na turnê Unbreakable e fizeram três shows
no país em 2005. Os músicos apresentaram sucessos como "Wind of Change",
"Rock You Like a Hurricane" e "New Generation", sendo esta última sua
música de trabalho na turnê.
O décimo sexto álbum de estúdio da banda, intitulado Humanity: Hour I, foi
lançado na segunda quinzena de maio de 2007. Em 2008 estiveram
novamente no Brasil, numa rápida passagem.

Fim de carreira e última turnê


No dia 24 de janeiro de 2010, a banda anunciou que encerraria a carreira e
que realizaria sua última turnê, com o álbum Sting in the Tail,474475 que foi
lançado no dia 19 de março de 2010. Assim como o início de sua última turnê
previsto para ser iniciada em maio de 2010 e atravessar o mundo por "mais
uns anos".
O vocalista da banda, Klaus Meine, destacou que a carreira será encerrada
com um álbum de forte impacto e uma turnê que classificou como
"espetacular".
476477

Integrantes
1965-1970
•Rudolf Schenker (guitarra, vocal)
•Karl-Heinz Vollmer (guitarra)
•Achim Kirchoff (baixo)
•Wolfgang Dziony (bateria)

1970-1972
•Klaus Meine (vocal)
•Rudolf Schenker (guitarra)

474
Scorpions to retire. TheGauntlet.com (24 de janeiro de 2010). Página visitada em 24 de
janeiro de 2010.
475
[2]
476
Banda alemã Scorpions anuncia fim de carreira e última turnê. Acessado em 24 de janeiro
de 2010.
477
Banda de rock The Scorpions anuncia seu fim. Acessado em 24 de janeiro de 2010.
•Michael Schenker (guitarra)
•Lothar Heimberg (baixo)
•Wolfgang Dziony (bateria)

1972
•Klaus Meine (vocal)
•Rudolf Schenker (guitarra)
•Michael Schenker (guitarra)
•Lothar Heimberg (baixo)
•Joe Wyman (bateria)

1973-1974
•Klaus Meine (vocal)
•Rudolf Schenker (guitarra)
•Uli Jon Roth (guitarra)
•Francis Buchholz (baixo)
•Jürgen Rosenthal (bateria)
•Achim Kirschning (teclado)

1974-1977
•Klaus Meine (vocal)
•Rudolf Schenker (guitarra)
•Uli Jon Roth (guitarra)
•Francis Buchholz (baixo)
•Rudy Lenners (bateria)

1977-1978
•Klaus Meine (vocal)
•Rudolf Schenker (guitarra)
•Uli Jon Roth (guitarra)
•Francis Buchholz (baixo)
•Herman Rarebell (bateria)
1978-1992
•Klaus Meine (vocal)
•Rudolf Schenker (guitarra)
•Matthias Jabs (guitarra)
•Francis Buchholz (baixo)
•Herman Rarebell (bateria)

1993-1996
•Klaus Meine (vocal)
•Rudolf Schenker (guitarra)
•Matthias Jabs (guitarra)
•Ralph Rieckermann (baixo)
•Herman Rarebell (bateria)

1996-2004
•Klaus Meine (vocal)
•Rudolf Schenker (guitarra)
•Matthias Jabs (guitarra)
•Ralph Rieckermann (baixo)
•James Kottak (bateria)

2004-atualidade
•Klaus Meine (vocal)
•Rudolf Schenker (guitarra)
•Matthias Jabs (guitarra)
•Paweł Mąciwoda (baixo)
•James Kottak (bateria)

Discografia

Álbuns de estúdio
•1972 - Lonesome Crow
•1974 - Fly to the Rainbow
•1975 - In Trance
•1976 - Virgin Killer
•1977 - Taken by Force
•1978 - Tokyo Tapes
•1979 - Lovedrive
•1980 - Animal Magnetism
•1982 - Blackout
•1984 - Love at First Sting
•1988 - Savage Amusement
•1990 - Crazy World
•1993 - Face the Heat
•1996 - Pure Instinct
•1999 - Eye II Eye
•2000 - Moment of Glory (com a Orquestra Filarmônica de Berlim)
•2001 - Acoustica
•2004 - Unbreakable
•2007 - Humanity: Hour I
•2010 - Sting in the Tail

Ver também
•Lista de recordistas de vendas de discos

Ligações externas
•Página oficial

Creed
Creed
O grupo em 2002.
Informação geral
Origem Tallahassee, Flórida
País Estados Unidos
Gêneros Rock alternativo
Post-grunge
Grunge
Hard rock
Período em atividade 1995 - 2004
2009 - Atualidade
Gravadora(s) Wind-Up Records
Página oficial www.Creed.com
Integrantes
Scott Stapp
Mark Tremonti
Scott Phillips
Brian Marshall
Creed é uma banda de Rock Alternativo norte-americana formada em 1995 na
cidade de Tallahassee, originalmente idealizada pelos amigos Scott Stapp
(vocal) e Mark Tremonti (guitarra).O grupo anunciou um hiato em 2004. Mas
em Abril de 2009, no entanto, o site oficial do Creed foi re-lançado, e um vídeo
com nome "coming soon 2009" foi colocada na página inicial, o que confirma
agora que a banda está de volta. O grupo já vendeu mais de 40 milhões de
copias no mundo e 20 milhões so nos E.U.A. Quatorze discos de platina,isso
colocou a banda no 9º luagar na Billboard um dos artistas que mais vendeu
discos nas ultimas décadas, Creed é com certeza uma das maiores bandas de
rock das últimas décadas. "Em 27 de abril de 2009 - Orlando - Creed, uma das
mais bem sucedidas bandas de rock da década passada, anunciou que os
quatro (4) membros da banda original estão de volta juntos para uma turnê e
lançaram um álbum no final de 2009, com o nome Full Circle."478

Membros

478
www.creed.com
Atuais
•Scott Stapp - Vocal
•Mark Tremonti - Guitarra
•Scott Phillips - Bateria
•Brian Marshall - Baixo
•Eric Friedman - Guitarrista de turnê

Anteriores
•Brett Hestla - Baixo (2000-2004 - após a saída de Marshall, tocou apenas na
turnê e não participou de gravações)

Álbuns

My Own Prison
O primeiro disco da banda sob o título de My Own Prison (Minha própria
prisão) foi lançado em 1997. Mesmo sendo uma produção patrocinada pelos
próprios integrantes da banda (que custou 6000 dólares, 4000 destes vieram
do pai de Brian Marshall, o baixista), o disco conseguiu vender mais de 5000
cópias em menos de uma semana. Foi o bastante para chamar atenção da
gravadora Wind-Up Records, que logo assinou o contrato e o disco foi
restaurado digitalmente. Logo na primeira semana vendeu 50 000 cópias, o
que chamou a atenção de muitos críticos. Para promover o álbum, a banda
resolve fazer uma turnê pelo país, o que faz com que as músicas "Torn", "My
Own Prison", "What's This Life For" e "One" cheguem nos primeiros lugares
dos sucessos. Ou seja, o Creed conseguiu o que pouquíssimas bandas
conseguem: estabelecer quatro sucessos em apenas um álbum.
Muitos dizem que tal sucesso fora estabelecido graças à mensagens com forte
conteúdo espiritual das músicas. "What's This Life For", por exemplo, foi
composta tendo como enfoque o suicídio de um amigo Mark e Scott. E
segundo Scott, "My Own Prison" foi criada às 5 horas da manhã depois de
uma noite mal dormida.
Algo original do álbum, é que as letras, por mais melancólicas que pareçam,
sempre trazem uma mensagem de esperança. Sobre esse aspecto, Mark
Tremonti, co-autor das músicas declara: "Eu acho que é assim que nós somos.
Apesar de tudo de ruim que já se passou em nossas vidas, nós vimos a luz no
fim do túnel; nunca deixamos a esperança de lado, e sabíamos que havia um
jeito de sair de onde estávamos". "Há tantas coisas que nós tratamos neste
álbum", declara Scott Stapp, "questões governamentais, raciais, dúvidas
próprias, auto-piedade, raiva e amargura".
A respeito da religiosidade das suas composições, Stapp respondeu: "As
pessoas estão confundindo as coisas, achando que somos uma banda religiosa,
mas nós não somos, é somente o que eu estava passando naquele momento.
Eu estava me questionando, lidando com certos assuntos e indo contra todas
as convicções que tinham me ensinado durante toda minha vida. É difícil para
as pessoas entenderem isso porque elas são usadas, estando apenas em
sujeição à religiões ou denominações".

Human Clay
O segundo álbum Human Clay (Barro Humano) saiu em 1999 e rapidamente
ocupou a posição de primeiro no Top 100. Para muitos fãs, este é o melhor
álbum lançado pela banda, devido aos arranjos musicais muito bem
preparados, como na música "Say I".
Em Human Clay, a banda tenta explorar territórios musicais desconhecidos,
como nas faixas "Are You Ready" e em "Wash Away Those Years". Em "What
If" fez parte da trilha de Scream (Panico 3) um grande sucesso do filme de
Wes Craven um produtor de filmes de terror, o vocalista Scott Stapp, fica
feroz cantando diretamente para aquelas pessoas, que segundo ele, 'o
julgaram mal durante anos'. "Inside Us All" é a faixa do álbum que mais se
parece com o tema abordado em "My Own Prison", trazendo um pouco de
melancolia, mas deixando sua mensagem de esperança e fé que as coisas
melhorariam.
As canções exploram os medos humanos. A própria capa do Álbum transmite
isso, por apresentar um humano enterrado da cintura para baixo, com um
relógio na mão direita, erguida para o alto, como numa tentativa de pedir
socorro, num lugar deserto. São explorados nas músicas deste álbum o medo
de crescer e deixar um vazio na juventude (como em "Never Die"), da aflição
da dor de consciência ('Faceless Man' aborda muito bem isso) e da traição
("Beatiful", que foi escrita por Stapp em lembrança de uma ex-namorada).
Há um equilíbrio entre a razão e a sensibilidade com as canções mais famosas
do Álbum, 'Higher' que fala do desejo de um refúgio dos problemas, de uma
forma bem otimista; e "With Arms Wide Open", vencedor dos Grammy
Awards, canção especial e íntima para Stapp, pois fora escrita quando ele
descobriu que seria pai pela primeira vez e fez parte da trilha do filme Titan;
tal música fez sucesso internacional, sendo até mesmo tema de novelas,
devido a forma como os sentimentos humanos são tratados nesta bela canção.
Foi esta faixa que tornou o Creed conhecido em vários países da América
Latina.
A banda apresentou-se no Woodstock '99 onde houve a participação especial
do ex-guitarrista do Doors, Robby Krieger; o que aumentou ainda mais o
sucesso da banda. Os singles "Higher" e "With Arms Wide Open" foram para
os primeiros lugares e o recém-lançado "Human Clay" ganhou 11 discos de
platina, ficando por 18 semanas em primeiro lugar nas paradas.
Weathered
Em agosto de 2000, após o sucesso de Human Clay, o baixista Brian Marshall,
deixa a banda alegando diferenças pessoais e profissionais. Em Novembro de
2001 é lançado o álbum Weathered (Esgotado) vendeu 880 mill copias em
apenas uma semana,foi o maior sucesso do grupo, que tinha pela frente a dura
tarefa de suceder o estouro do "Human Clay". O resultado não podia ser
diferente: o álbum conseguiu permanecer por um bom tempo no rank dos
álbuns mais vendidos dos Estados Unidos, vendendo 6 milhões de cópias só no
país, e ganhando 6 discos de platina. Só no Brasil vendeu 150 000 cópias nos
últimos cinco anos, e as vendas são superiores às 500 000 unidades no total
dos quatro álbuns.
Stapp, diz ser o melhor álbum da banda, pois segundo ele, "pois se este não
fosse o nosso melhor álbum, deveríamos voltar para o estúdio e refazê-lo".
Acerca do nome, o vocalista respondeu que "Weathered" uma expressão que
significa alguém "calejado pelo tempo", "com as forças quase esgotadas" ou
"vivido com bastante experiência".
A primeira faixa intitulada 'Bullets' é similar a 'What If', do antecessor
"Human Clay", onde é demonstrado todo o descontentamento contra aqueles
que apenas tem como objetivo prejudicar outros. Weathered ainda conta com
uma canção épica chamada "Who's Got My Back' na qual há, no início e ao
final, uma prece de um índio Cherokee.
O primeiro Single lançado foi "My Sacrifice", que até hoje ainda é tocado em
nas rádios ao redor do mundo. Falando sobre esta música, Scott disse em
entrevista que: "esse é o ponto de equilíbrio, um meio-termo entre mim e o
Mark". Outro sucesso do Álbum é "One Last Breath", uma música considerada
por muitos a mais 'romântica' do Creed. Porém uma análise das outras
composições da banda, faz essa suposição desaparecer.
O outro single "Don't Stop Dancing" fez sucesso especialmente por tratar
sobre a perseverança mediante tribulação e a fé perante coisas que parecem
impossíveis de se resolverem, mais diretamente na sua letra. Isso se deu
especialmente após os atentados de 11 de Setembro de 2001. Na
apresentação da banda durante as "Olimpíadas de Inverno de Salt Lake City",
antes da execução desta canção, o vocalista lembra dos atentados e diz que o
povo americano precisa ter fé para suportar isso. Weathered traz canções
interessantes, que mostram um ritmo diferente em comparação com os outros
álbuns, exemplos disso são 'Stand Here With Me', 'Hide' e 'Lullaby'.
Greatest Hits
É o CD e projeto que mostrou o Creed, uma das bandas de maior sucesso
comercial em toda a história do rock. Com 7 singles consecutivos em primeiro
lugar. O Creed é o maior símbolo de "banda de estrada", que faz de seus
shows verdadeiros cultos messiânicos.Teve seu lançamento mundial em 23 de
novembro de 2004 pela SONY BMG do mundo todo, foi um pacote especial
com cd+dvd com todos clipes da carreira e ainda performances ao vivo,a
gravadora teve retira milhões de dólares para renovar seus contratos de
venda no mundo para re-masterizar seus antigos CDs. Durante o ano de 2003
a banda praticamente sumiu do cenário da música, o que gerou boatos de que
a banda estava terminando. A gravadora tenta se explicar alegando que
novidades viriam em 2004, porém os boatos estavam certos, a triste realidade
era: O Creed havia dado uma pausa. Não houve um motivo bem especificado,
mas os integrantes afirmaram apenas que foi maravilhoso enquanto durou.
Existem muitos boatos, o mais aceito é o de que Tremonti não se estivesse a
entender com Stapp, devido aos sérios problemas de comportamento do
vocalista. Segundo notícia da Revista Rolling Stone, Scott revela ter usado
drogas e tentado cometer suicídio. O compositor e vocalista Scott Stapp
gravou sua primeiras gravações pós- Creed que estão em um álbum que saiu
em 31 de agosto pela Wind-Up Records e que reuni o talento de superastros,
com composições individuais inspiradas pelo filme "A Paixão de Cristo", lê-se
no site.
A banda americana continua com seus fãs os álbuns "My Own Prision" (1997),
Human Clay" (1999) , "Weathered"(2001), "Greatest hits" (2004) Full Circle
(2009). No total, foram cerca de 40 milhões de discos vendidos no mundo nos
últimos anos.
"O Creed foi uma das mais incríveis viagens pela música e pela amizade das
quais sou abençoado por ter feito parte", diz Stapp sobre a pausa da banda.
"Nunca poderei substituir (o grupo)! Gostaria de agradecer os fãs que nos
apoiaram e que fizeram parte de nossa experiência. Nós não teríamos
conseguido nada sem vocês!"
Os fãs esperaram até dia que os Creed se voltaram a reunir, durante a pausa,
ouve brigas na mídia como o guitarrista da banda, Mark Tremonti, comenta:
"é melhor que os fãs não esperem por isso. Não ouço nada de Creed há anos.
Não suporto. Não conseguiria tocar coisas dessa época novamente, era um
pesadelo. Quando o pessoal dessa época se encontra, é como uma reunião de
veteranos do Vietnam". Já Stapp respondeu por dizer: "Se ele serviu no
Vietnam, eu também servi. Ninguém vence numa guerra". Mark Tremonti
afirmou que Scott mal conseguia cantar por esta bêbado e sem camisa: só
cantou três musicas e depois Scott voltou ao camarim sem os sapatos e meias.
Creed podia ter acabado mas a dor de cabeça continuava em 2003,o grupo
escapou da justiça pela gravadora Wind-up, O grupo teve que fazer um acordo
de milhões de dólares pela multa acontecido no ultimo show da turne em
Chicago.
Após a pausa, Mark Tremonti e Scott Phillips juntaram-se ao baixista Brian
Marshall e ao vocalista Myles Kennedy (ex-Mayfield Four) e formaram os Alter
Bridge. Já Scott Stapp iniciou uma carreira solo e lançou o álbum "The Great
Divide".
Full Circle
Após um período de quase 6 anos, a banda anuncia sua volta e o lançamento
do seu 4º álbum de estúdio, que prometeu ser melhor que os três anteriores.
Seu primeiro single "Overcome" que foi oficialmente liberado digitalmente no
dia 25 de agosto de 2009, mostra o verdadeiro amadurecimento dos caras ao
longo deste tempo, e estreia bem nas paradas americanas.
O novo álbum Full Circle teve como lançamento mundial no dia 26 de outubro
de 2009 lançado pela Wind Up e EMI Music e tem 12 músicas no total, na
primeira semana o grupo vendeu 110 000 e 300 000 cópias em apenas 1
semana ficou em 2º lugar na Billboard 200 no topo e em 2.º lugar como
melhor disco de rock,so Perdeu para This is it, o ultimo cd de Michael Jackson
que ficou em 1º com 373 000 , Como todos já previam, a trilha sonora de "This
Is It" estreou no topo dos álbums mais vendidos da semana. O novo cd do
Michael Jackson vendeu 373 mil cópias de acordo com o Nielsen
SoundScan.Para completar a lista, o retorno do Creed com o álbum "Full
Circle" chegou em 2º lugar com 300 mil cópias vendidas. Creed foi vencedor
de um quadro com disco de ouro duplo e um disco de platina. Após 10 dias do
lançamento do CD gravaram o seu primeiro DVD ao vivo no estádio do
texas,foi transmitida ao vivo na Internet em alta definição pela produtora
Rockpit que já trabalhou com grandes artistas como os Metallica ou
Nickelback. Scott Stapp fala que ficou tão empolgado quanto os fãs, disse que
nunca viu um público tão grande. Queríamos fazer o que nunca fizemos e
conseguimos, ensaiamos um mês e ao mesmo tempo gravamos o CD. "Isso foi
grande desafio mas valeu a pena" - disse Stapp.

Discografia

Estúdio
•1997 - My Own Prison
•1999 - Human Clay
•2001 - Weathered
•2009 - Full Circle

Compilações
•2004 - Greatest Hits

Compactos lançados no Brasil


Year Title Chart positions Album
US US Modern Hot 100 Brasil
Mainstream Rock
Rock

1999 "What's This My Own


Life For" 1 10 - Prison

1999 "Higher" Human Clay


1 1 -

2000 "With Arms Human Clay


Wide Open" 1 2 -

2002 "My Weathered


Sacrifice" 1 2 10

2002 "One Last Weathered


Breath" 5 17 12

2002 "Don't Stop Weathered


Dancing" - - 8

2002 "Hide" Weathered


- - -

2009 "Overcome" Full Circle


10 22 47

2009 "Rain" Full Circle


- - -

Outras canções de destaque no Brasil

•"With Arms Wide Open" - Música integrante da Trilha Sonora de Malhação


•"Inside Us All"-Musica da trilha do filme "TITAN"
"WHAT IF"-Trilha do filme-"PANICO 3"
Ligações externas
•Sítio oficial da banda (em inglês)

Alter Bridge
Alter Bridge

Alter Bridge, da esquerda para direita: Scott Phillips,


Mark Tremonti, o fã, Myles Kennedy e Brian Marshall
Informação geral
Origem Orlando, Flórida
País Estados Unidos
Gêneros Metal alternativo479, hard rock480, post-
grunge481
Período em atividade 2004 - atualmente
Gravadora(s) Wind-Up (2004-2006)
Universal Republic (2007-presente)
Afiliações Creed
The Mayfield Four
Página oficial www.AlterBridge.com
Integrantes
Myles Kennedy
Mark Tremonti
Scott Phillips
Brian Marshall
Alter Bridge é uma banda de metal alternativo482/post-grunge483 dos Estados
Unidos, formada em 2004 a partir da pausa da banda Creed. O nome faz
referência a uma ponte na cidade natal do líder/guitarrista, Mark Tremonti,
lugar que era sempre proibido de ir por sua mãe. Fazendo alusão então a ir
além dos limites impostos, tomar um outro rumo.

479
Alter Bridge Biography AMG
480
Alter Bridge Tickets
481

482

483
Os até então integrantes do Creed Mark Tremonti (guitarrista) e Scott Phillips
(baterista) juntaram-se a seu antigo companheiro, o baixista Brian Marshall, e
com Myles Kennedy, ex-vocalista do The Mayfield Four para formar o Alter
Bridge.

História

Formação
Com a pausa do Creed em 2004, Mark Tremonti e Scott Phillips resolveram
criar um projeto que, segundo Tremonti "era algo que ansiava não apenas
profissionalmente, mas também pessoalmente. Algo mais voltado ao rock &
roll" ou seja, algo mais introspectivo, com mais sentimento, mas sem perder o
peso e a melodia. Os dois passaram a tocar a dois sempre que tinham tempo.
"Nós começamos a perceber que partilhávamos a mesma visão, e com isso,
ficamos ansiosos de voltar aos palcos" - disse Tremonti.
Chamaram então seu amigo Brian Marshall, que saiu do Creed após sérias
desavenças com o vocalista Scott Stapp. A essa altura, Marshall trabalhava
como produtor no seu estúdio caseiro, mas aceitou prontamente a proposta.
"Quando recebi a ligação de Mark, consegui perceber, pelo seu tom de voz,
que o Alter Bridge era um projeto acerca do qual ele estava realmente
empolgado" - conta Marshall.
Falta então uma voz para dar mais força às canções, chamaram então o ex-
vocalista do Mayfield Four, Myles Kennedy. Tremonti conhecia Myles de uma
turnê do Creed em 1998, na qual tocaram com a antiga banda de Myles.
Estava completa então a formação do novo projeto idealizado principalmente
por Tremonti.

One Day Remains: 2004–2006


Seu primeiro álbum foi gravado na mesma gravadora do Creed e também a do
projeto solo de Scott Stapp, a Wind-Up Records. O álbum foi intitulado One
Day Remains e foi lançado mundialmente no dia 10 de agosto de 2004.
Podem-se perceber nas canções algumas inevitáveis lembranças do Creed,
mas isso é esperado, já que Tremonti participava ativamente da composição
das canções do Creed e compôs este álbum praticamente sozinho, tendo a
ajuda de Myles em algumas canções.
Começaram com o single "Open Your Eyes" de 2004, que se mostra a canção
mais voltada à divulgação do álbum, mas nem por isso é de pouca qualidade.
Lançaram o single "Broken Wings" em 2005, mas que não teve muita
repercussão, não tanta como o anterior, "Open Your Eyes". Uma das faixas
especiais do álbum é a canção intitulada "In Loving Memory", de autoria de
Tremonti, que foi feita em homenagem à sua mãe que faleceu devido a um
câncer.
Blackbird: 2006–2009
O grupo álbum lançou o seu segundo álbum de estúdio em 8 de outubro de
2007, intitulado Blackbird. Estreou na 37ª posição no UK Albums Chart, e na
2ª posição no UK Rock Album Chart. Nos Estados Unidos, o disco estreou na
13ª posição na Billboard 200 e na 4ª posição na Billboard Rock Album, com
vendas superiores a 47 mil cópias na primeira semana.484
Nota-se nesse álbum uma pequena mudança do no som feito pela banda, no
instrumental, que ganhou mais peso. Ela se distância mais ainda no que refere
a semelhanças com o Creed, mas sem perder o som bem mais melódico e bem
arranjado que o diferencia da antiga banda da maioria seus membros.

AB III: 2009–presente
A nova página do MySpace para o DVD ao vivo foi criada. Mais tarde foi
revelado pelo diretor Dan Catullo que quatro versões do DVD será lançado, o
primeiro dos quais foi lançado em 4 de agosto, e foi um único disco versão
vendida exclusivamente em locais durante a turnê do Creed. O vocalista Myles
Kennedy emitiu um pedido de desculpas aos fãs pelo atraso na sua página do
MySpace e do site oficial da banda.
No início de 2010, a banda entrou em estúdio para começar a fase de pré-
produção do novo álbum. O novo disco do grupo, AB III, foi gravado entre
fevereiro e abril de 2010, em Miami. O álbum conta com 14 faixas inéditas da
banda e será lançado no dia 11 de outubro.

Integrantes
•Myles Kennedy - vocal, guitarra rítmica
•Mark Tremonti - guitarra solo, vocal de apoio
•Brian Marshall - baixo
•Scott Phillips - bateria, percussão

Discografia

Álbuns de estúdio
•2004 - One Day Remains
•2007 - Blackbird
•2010 - AB III

484
Jonathan Cohen, "Kid Rock Rolls To No. 1 Album Chart Debut", Billboard.com, 17 de
outubro de 2007.
Álbum ao vivo
•2009 - Live from Amsterdam

Singles
Ano Canção Posições nas paradas Álbum
Hot 100 Main Rock Mod Rock UK Rock
2004 "Open 123 2 24 — One Day
Your Eyes" Remains
2005 "Find the — 7 — —
Real"
"Broken — 29 — —
Wings"
2007 "Rise — 3 32 3 Blackbird
Today"
2008 "Ties That — — — 3
Bind"
"Watch — 19 — —
Over You"
"Before — 29 — —
Tomorrow
Comes"

Trilhas sonoras
Ano Título Álbum
2005 "Save Me" Elektra: The Album
"Shed My Skin" Fantastic 4: The Album
2008 "Rise Today" Terminator: The Sarah
Connor Chronicles

Ligações externas
•Site oficial
•Alter Bridge (no MySpace)

Radiohead
Radiohead
Radiohead. Da esquerda para direita: Thom Yorke,
Jonny Greenwood, Colin Greenwood, Ed O'Brien e Phil Selway
Informação geral
Origem Oxford, Inglaterra
País Reino Unido
Gêneros Rock alternativo
Rock experimental
Música eletrônica
Post grunge (Pablo Honey)
Período em atividade 1988485 - actualmente
Gravadora(s) TBD Records486
XL Recordings
Página oficial DEAD AIR SPACE
Integrantes
Thom Yorke
Jonny Greenwood
Ed O'Brien
Colin Greenwood
Phil Selway
Radiohead é uma banda inglesa de rock alternativo, formada no ano de
1988487em Oxford por Thom Yorke (vocais, guitarra, piano), Jonny Greenwood
(guitarra), Ed O'Brien (guitarra), Colin Greenwood (baixo, sintetizador) e Phil
Selway (bateria, percussão).

485
Radiohead - Biography (em inglês). Green Plastic. Página visitada em 10 de janeiro de 2008.
486
radiohead: Informações Gerais (em inglês). Myspace (2007). Página visitada em 10 de
janeiro de 2008.
487
O Radiohead lançou seu primeiro single, "Creep", no ano de 1992 e seu
primeiro álbum de estúdio, Pablo Honey, em 1993. Ainda que o single de
"Creep" não tenha feito sucesso quando foi lançado, seu relançamento, no ano
seguinte, fez da canção um hit internacional. A popularidade desta banda no
Reino Unido aumentou com o lançamento de seu segundo álbum de estúdio,
The Bends, em 1995. A textura atmosférica das guitarras e o falsete de Thom
Yorke foram bastante aclamados por críticos e fãs. Com o lançamento de OK
Computer em 1997, o Radiohead ganhou fama mundial. Contando com um
som bastante expansivo e temas sobre a alienação moderna, OK Computer é
aclamado até hoje como um marco dos anos 90. O lançamento de Kid A, em
2000, e de Amnesiac, em 2001, marcou o pico da popularidade do Radiohead,
ainda que estes dois álbuns tenham tido opiniões controversas entre críticos e
fãs. Este período marcou uma considerável mudança no som do Radiohead,
com a banda incorporando elementos experimentais de música eletrônica e
jazz em suas composições. Hail to the Thief (2003), sexto álbum de estúdio da
banda, mesclou todos os estilos que a banda já empregou em sua carreira,
como as guitarras distorcidas, música eletrônica e letras contemporâneas.
Dando sequência ao lançamento de Hail to the Thief, o Radiohead entrou em
hiato, saiu de sua gravadora EMI e lançou seu sétimo álbum, In Rainbows, em
2007, por meio de download digital, pelo qual os compradores escolhiam o
quanto queriam pagar.488

História

Formação e primeiros anos (1986 - 1991)


Os músicos que viriam a formar os Radiohead estudaram juntos numa escola
pública só para rapazes chamada Abingdon.489 Thom Yorke e Colin Greenwood
eram do mesmo ano, Phil Selway e Ed O'Brien eram um ano mais velhos do
que eles e Jonny Greenwood era um ano mais novo. Em 1986, eles formaram a
banda On a Friday, fazendo referência ao único dia da semana em que podiam
ensaiar.490O primeiro concerto da banda ocorreu no final do mesmo ano, no
Jericho Tavern, em Oxford.491492 Originalmente, Jonny Greenwood juntou-se à
banda como teclista mas, algum tempo depois, tornou-se o guitarrista
principal.493Ainda que Thom, Ed, Phil e Colin tenham terminado seus estudos
em 1987, o grupo continuou a reunir-se aos fins-de-semana e feriados.494

488
Negromonte, Marcelo (10 de outubro de 2007). "In Rainbows", o álbum que não tem preço,
é um dos melhores do Radiohead (em português). UOL Música. Página visitada em 11 de
janeiro de 2008.
489
McLean, Craig (14 de junho de 2003). Don't worry, be happy (em inglês). The Sydney
Morning Herald. Página visitada em 11 de janeiro de 2008.
490
491
Jericho Tavern (em inglês). myvillage.com. Página visitada em 11 de janeiro de 2008.
492
Mac Randall (1º de abril de 1998). "The Golden Age of Radiohead". Guitar World.
493

494
Alex Ross (20 de agosto de 2001). " The Searchers: Radiohead's unquiet revolution". The
New Yorker. Acessado em 11 de janeiro de 2008.
Em 1991, quando todos os membros haviam completado seus estudos
universitários (excepto Jonny), On a Friday reagrupou-se e começou a gravar
algumas demos (como o "Manic Hedgehog") e a fazer concertos nos arredores
de Oxford. Ainda que esta região tenha tido uma intensa movimentação de
grupos indie nos anos 80, essa cena dava mais atenção à bandas shoegaze
(como Ride e Slowdive).
Conforme o número de concertos dos On a Friday foi aumentando, gravadoras
e produtores começaram a demonstrar algum interesse na banda. Chris
Hufford, sócio da Oxford's Courtyard Studios, esteve presente num concerto
do grupo no Jericho Tavern. Impressionado pela banda, ele e seu sócio Bryce
Edge produziram uma demo deles e tornaram-se seus produtores.495
Após um encontro de Colin Greenwood e Keith Wozencroft, um representante
da EMI, na loja de discos onde Colin trabalhava, os On a Friday assinaram um
contrato de seis álbuns com esta gravadora, no fim de 1991. A pedido da EMI,
a banda mudou seu nome para Radiohead, inspirado no título de uma canção
do álbum True Stories, dos Talking Heads.496

Pablo Honey, The Bends e o sucesso (1992 - 1995)


Drill, o primeiro EP do Radiohead, foi produzido por Hufford e Edge no
Courtyard Studios e lançado em março de 1992. A performance deste EP nas
paradas musicais não foi satisfatória e, por consequência deste fiasco
comercial, a banda contratou Paul Kolderie e Sean Slade - que, previamente,
haviam trabalhado com Pixies e Dinosaur Jr. - para produzir seu primeiro
álbum, que foi gravado em um estúdio de Oxford em 1992.497Com o
lançamento do single "Creep", ainda neste ano, o Radiohead passou a receber
atenção da imprensa britânica, ainda que esta não tenha sido favorável; a
revista NME os descreveu como "uma farsa"498, e "Creep" não foi tocada na
BBC Radio 1 porque era "muito depressiva".499
O Radiohead lançou seu primeiro álbum, Pablo Honey, em fevereiro de 1993.
Seu estilo musical foi comparado ao grunge, estilo bastante popular nos anos
90 mas, mesmo assim, Pablo Honey não se saiu muito bem comercialmente,
atingindo baixas posições nas paradas musicais britânicas. Inesperadamente,
durante sua turnê norte-americana, o videoclipe de "Creep" recebeu intensa
rotação na MTV. A canção atingiu a segunda posição na Billboard Modern
Rock Tracks e a sétima posição nas paradas britânicas, quando foi relançada
no fim daquele ano. A banda, entretanto, quase cedeu à pressão do sucesso
repentino, como no segundo ano da turnê de divulgação do álbum Pablo
Honey. Eles descreveram esta turnê como uma experiência miserável, como
disse Phil Selway em uma entrevista: "Ainda estávamos tocando as mesmas
canções que nós gravamos dois anos antes… era como estar preso no
tempo."500
495

496

497
498
Radiohead: the right frequency (em inglês). BBC.co.uk (22 de fevereiro de 2001). Página
visitada em 11 de janeiro de 2008.
499
BBC - Music Profiles - Radiohead (em inglês). BBC.co.uk. Página visitada em 11 de janeiro
de 2008.
500
Harding, Nigel (8 de maio de 1995). INTERVIEW: Radiohead's Phil Selway (em inglês).
Após a turnê norte-americana, a banda passou a trabalhar em seu segundo
álbum. Para isso, eles contrataram o experiente produtor dos estúdios da
Abbey Road John Leckie. A tensão era grande, não apenas pelo sucesso de
"Creep", mas pela expectativa da crítica e dos fãs para um álbum superior à
Pablo Honey.501 Para fugir desta pressão, a banda viajou para a Oceania e para
a Ásia, mas a popularidade do Radiohead voltou-se contra eles. Thom Yorke
foi acusado de estar aderindo ao estilo de vida de astros da MTV, e que essa
viagem da banda era apenas um artifício para que seu álbum vendesse
mais.502 O EP My Iron Lung, lançado em 1994, que contém o single homônimo,
foi a reação da banda, marcando uma transição de maior profundidade do que
a planejada para o seu segundo álbum.503 Este single foi promovido através de
grande rotação em estações de rádio underground; comercialmente, My Iron
Lung se saiu melhor do que o esperado, e esse período marcou o surgimento
de uma base leal de fãs do Radiohead.504 Tendo desenvolvido algumas canções
novas enquanto estavam em turnê, o Radiohead terminou de gravar seu
segundo álbum, The Bends, no fim de 1994, tendo o lançado em Maio de 1995.
Enquanto a cena de bandas de Britpop dominava a atenção da mídia, o
Radiohead finalmente havia feito sucesso em sua terra natal com The
Bends.505 Este álbum foi baseado em densos riffs e na atmosfera etérea dos
três guitarristas da banda, além de ter um uso maior de teclados do que em
Pablo Honey.506Os singles "Fake Plastic Trees", "Just" e "Street Spirit (Fade
Out)" atingiram boas posições nas paradas musicais. Na metade de 1995, a
banda estava abrindo os shows do R.E.M., uma de suas influências e que era,
naquela época, uma das maiores bandas de rock do mundo.507Introduzindo o
ato de abertura do Radiohead, Michael Stipe, vocalista do R.E.M., disse:
"Radiohead é tão bom, eles me assustam."508A atenção gerada com fãs tão
famosos e videoclipes como os de "Just" e "Street Spirit (Fade Out)" ajudaram
a expandir a popularidade do Radiohead para além do Reino Unido. Jonny
Greenwood disse, "Eu acho que o ponto de transição para nós veio cerca de
nove ou doze meses após o lançamento de The Bends, e ele começou a
aparecer nas listas dos melhores álbuns do ano. Foi aí que eu comecei a achar
que nós tínhamos feito a escolha certa em formar uma banda."509

consumable.com. Página visitada em 12 de janeiro de 2008.


501
Black, Johnny (Junho de 2003). [3] (em inglês). Blender. Página visitada em 12 de janeiro de
2008.
502
Reynolds, Simon (Junho de 2001). "Walking on Thin Ice". The Wire.
503
Mallins, Steve (1º de abril de 1995). "Scuba Do". Vox magazine.
504
Mac Randall (12 de setembro de 2000). "Exit Music: The Radiohead Story". Delta.
505
Nick Kent (1º de junho de 2001). "Happy Now?". Mojo.
506

507

508

509
Dave DiMartino (2 de maio de 1997). Give Radiohead Your Computer (em inglês). LAUNCH.
Página visitada em 12 de janeiro de 2008.
OK Computer, fama e aclamação da crítica (1996 -
1998)
Duas novas canções haviam sido gravadas para o sucessor de The Bends:
"Lucky", lançado como um single para promover o álbum de caridade The
Help Album, da fundação War Child; e "Exit Music (For a Film)", para a
adaptação cinematográfica de Romeu e Julieta de Baz Luhrmann, em 1996.
Com a assistência do produtor musical Nigel Godrich, seu colaborador em
"Lucky" e no lado B "Talk Show Host", o Radiohead produziu seu terceiro
álbum sozinho, começando a trabalhar no começo de 1996. Em Julho daquele
ano eles haviam gravado quatro canções com Godrich em seu estúdio, em
Oxford.510 Antes de completarem estas gravações, eles decidiram tocar estas
canções ao vivo, enquanto abriam os shows de Alanis Morissette. O resto do
álbum foi gravado na mansão do século XV da atriz inglesa Jane Seymour.511
As sessões de gravação foram tranqüilas, com a banda tocando o dia inteiro,
gravando as músicas em cômodos diferentes e ouvindo Beatles, DJ Shadow,
Ennio Morricone e Miles Davis, para buscar inspiração.512513A gravação do
álbum completou-se ainda em 1996, e em Março de 1997, ele foi mixado e
masterizado.
OK Computer, o terceiro álbum de estúdio da banda, foi lançado em Junho de
1997. Consideravelmente composto por canções de rock bastante melódicas, o
novo álbum também mostrou o Radiohead experimentando novas estruturas
em suas canções, incorporando música ambiente, elementos de noise e
influências eletrônicas. OK Computer foi a primeira gravação da banda que
atingiu a primeira posição na parada britânica, o que fez com que o sucesso
comercial do Radiohead aumentasse ao redor do mundo. Ainda que tenha
atingido a modesta 21ª posição nas paradas norte-americanas, OK Computer
foi bastante aclamado neste país, tendo recebido o Grammy de Melhor Álbum
Alternativo, e uma indicação para Álbum do Ano.514 Os singles de OK
Computer foram "Paranoid Android", "Karma Police" e "No Surprises", sendo
"Karma Police" o que mais fez sucesso nos Estados Unidos, atingindo a 14ª
posição no Billboard Modern Rock Tracks.515
Thom Yorke admitiu que ficou impressionado com OK Computer. Segundo ele,
"nenhum de nós sabia se estava bom ou ruim. O que realmente me
impressionou foi o fato das pessoas conseguirem entender todas as coisas,
todas as texturas e todos os sons e atmosferas que estávamos tentando
criar."516

510
Adrian Glover (1º de agosto de 1997). "Radiohead - Getting More Respect". Circus.
511
Tyrangiel, Josh (13 de novembro de 2006). The All-TIME 100 Albums: OK Computer by
Radiohead (em inglês). Time.com. Página visitada em 13 de janeiro de 2008.
512

513
514
Screen Source: Grammy Winners 1998 (em inglês). amug.org (27 de fevereiro de 1998).
Página visitada em 13 de janeiro de 2008.
515
Artist Chart History - Radiohead (em inglês). Billboard.com. Página visitada em 13 de
janeiro de 2008.
516
(Dezembro de 1997). "Renaissance Men". Select.
Ao lançamento de OK Computer seguiu-se a turnê mundial "Against Demons".
Grant Gee, o diretor do videoclipe de "No Surprises", acompanhou e filmou a
banda nesta turnê, o que resultou no documentário de 1998 Meeting People Is
Easy.517 O documentário mostra o desafeto da banda com a indústria
fonográfica e com a imprensa, e o progresso deles em relação à turnê que foi
de 1997 a 1998.518Durante este tempo, a banda lançou uma compilação de
videoclipes - 7 Television Commercials - e dois EPs que compilaram lados B de
OK Computer.

Kid A, Amnesiac e a mudança no som (1999 - 2001)


Após a turnê de 1997-1998, o Radiohead passou um grande tempo inativo;
após o fim desta turnê, a única performance pública do grupo foi em 1998, em
Paris, em um concerto para a Anistia Internacional.519 Algum tempo depois,
Thom Yorke admitiu que durante este período a banda esteve muito próxima
do fim, e que ele desenvolveu uma considerável depressão: "O Ano Novo [de
1998] foi um dos pontos mais baixos da minha vida… Eu senti que estava
ficando maluco. Todas as vezes em que eu pegava minha guitarra, eu só
conseguia horrores."520
No começo de 1999 o Radiohead passou a trabalhar no sucessor de OK
Computer. Ainda que não houvesse mais pressão sobre eles ou um prazo da
gravadora, a tensão durante este período foi alta. Os membros da banda
tinham visões diferentes do futuro do Radiohead, e Thom Yorke ainda passava
por um bloqueio criativo, o que o influenciou a escrever de uma forma mais
dadaísta.521522 Ainda assim, os membros da banda concordaram em tomar uma
nova direção musical, redefinindo suas funções instrumentais dentro da
banda.523

517
Mark Deming (20 de novembro de 2007). Meeting People is Easy (1999) (em inglês). The
New York Times. Página visitada em 13 de janeiro de 2008.
518

519
Art for Amnesty (em inglês). Art for Amnesty.org. Página visitada em 13 de janeiro de 2008.
520
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521

522
Patrick Jensen (1999). The Dadaists and Radiohead (em inglês). Página visitada em 13 de
janeiro de 2008.
523
Andrew Smith (1º de outubro de 2000). Sound and fury (em inglês). The Observer. Página
visitada em 13 de janeiro de 2008.
O Radiohead, junto com seu produtor, ficou recluso em estúdios de Paris,
Copenhague e Gloucester e no seu quase pronto estúdio em Oxford. Após
aproximados dezoito meses, as sessões de gravação da banda terminaram, em
Abril de 2000. O quarto álbum de estúdio da banda, Kid A, foi lançado em
Outubro de 2000, e era um de dois álbuns desse extenso período de gravações
da banda. Kid A não foi uma sequela de OK Computer, contando com uma
textura minimalista de guitarras e menos distorção nestas, além da inserção
de muitos elementos eletrônicos e de jazz nas composições.524Foi o maior
sucesso comercial do Radiohead até hoje, estreando na primeira posição nas
paradas de vários países, incluindo nos Estados Unidos (onde OK Computer
não tinha feito tanto sucesso).525 O sucesso foi atribuído a diversos fatores,
embora os principais tenham sido o vazamento do álbum no Napster alguns
meses antes de seu lançamento e a grande expectativa gerada ao redor do
sucessor de OK Computer.526527 Ainda que a banda não tenha lançado nenhum
single para divulgar Kid A, promos de "Optimistic" e "Idioteque" foram
tocadas nas rádios, e uma grande variedade de pequenos vídeos com pedaços
das faixas foram tocadas em canais televisivos e lançados de graça na
Internet.528 No começo de 2001, tal como havia ocorrido com OK Computer,
Kid A recebeu o Grammy de Melhor Álbum Alternativo e uma indicação para
Álbum do Ano. Ainda que o sucesso comercial deste álbum tenha sido
inegável, Kid A foi tão aclamado quanto criticado. Muitos críticos definiram
Kid A como "um suicídio comercial", e pediram por um retorno do antigo estilo
da banda.529A opinião dos fãs também foi dividida; enquanto alguns acharam a
nova sonoridade estranha, outros aclamaram este álbum como o melhor
trabalho do Radiohead.530 Thom Yorke, entretanto, negou que o Radiohead
tenha feito Kid A para que eles não fizessem mais tanto sucesso: "Eu fiquei
realmente muito impressionado em como [Kid A] estava sendo mal visto…
porque a música não é tão difícil de engolir. Não estamos tentando ser
difíceis… Nós atualmente estamos tentando nos comunicar mas em algum
lugar, parece que enraivecemos as pessoas. O que estamos fazendo não é tão
radical."531Enquanto promoviam Kid A, a banda (tendo lido o livro No Logo de
Naomi Klein), decidiu fazer uma turnê européia em um palco feito sob
encomenda, livre de propagandas, e na América do Norte, tocando em
pequenos teatros.532

524

525
Benny Evangelista (12 de outubro de 2000). CD Soars After Net Release Radiohead's `Kid
A' premieres in No. 1 slot (em inglês). San Francisco Chronicle. Página visitada em 13 de
janeiro de 2008.
526
Richard Menta (28 de outubro de 2000). "Did Napster Take Radiohead's New Album to
Number 1?". MP3 Newswire.
527
James Oldham (24 de junho de 2000). "Radiohead - Their Stupendous Return". NME.
528
Lauren Zoric (22 de setembro de 2000). "I think I'm meant to be dead". The Guardian.
529

530
Kid A by Radiohead (em inglês). metacritic.com. Página visitada em 13 de janeiro de 2008.
531

532
Amnesiac, o quinto álbum de estúdio do Radiohead, foi lançado em Junho de
2001, contendo faixas adicionais das sessões de gravações de Kid A. O estilo
musical da banda neste álbum permaneceu o mesmo de Kid A, com a fusão de
rock e música eletrônica, mas este álbum incorporou mais elementos de jazz.
Amnesiac foi um sucesso comercial e de crítica ao redor do mundo, atingindo
a segunda posição nos Estados Unidos e sendo indicado para o Grammy e ao
Mercury Music Prize.533Os singles de Amnesiac, "Pyramid Song" e "Knives
Out", os primeiros singles da banda desde 1997, foram bem recebidos
comercialmente. "I Might Me Wrong" estava planejado para ser o terceiro
single deste álbum, mas foi estendido para um álbum ao vivo - I Might Be
Wrong - Live Recordings foi lançado em Novembro de 2001, contando com
performances ao vivo de canções dos álbuns Kid A e Amnesiac, e uma
performance acústica da canção previamente não-lançada "True Love Waits".
Após o lançamento de Amnesiac, a banda embarcou em uma turnê mundial,
visitando a América do Norte, a Europa e o Japão.

Hail to the Thief e o hiato (2002 - 2004)


Durante Julho e Agosto de 2002, o Radiohead tocou algumas canções novas
em Portugal e na Espanha. Eles completaram seu sexto álbum de estúdio em
duas semanas, num estúdio em Los Angeles com Nigel Godrich, embora
tenham adicionado algumas faixas depois, em Oxford. Os membros do
Radiohead descreveram o processo de gravação como bastante relaxante,
contrastando com a tensão durante as gravações de Kid A e Amnesiac.534O
novo álbum, Hail to the Thief, foi lançado em Junho de 2003. Misturando as
influências de toda a carreira do grupo, Hail to the Thief combinou as
guitarras distorcidas com sons eletrônicos e as letras de Thom Yorke, já livre
de seu bloqueio criativo. Este álbum desfrutou de um considerável sucesso
comercial, estreando na terceira posição na Billboard e sendo certificado com
disco de platina no Reino Unido e disco de ouro nos Estados Unidos. Os
singles deste álbum, "There There", "Go To Sleep" e "2+2=5" foram bem
tocados nas rádios. No Grammy de 2003, o álbum foi indicado para Melhor
Álbum Alternativo, enquanto os produtores de Hail to the Thief, Nigel Godrich
e Darrel Thorp, receberam o Grammy de Melhores Engenheiros de Álbum.535

533

534

535
Rock on the Net: 45th Annual Grammy Awards (em inglês). rockonthenet.com (23 de
fevereiro de 2003). Página visitada em 13 de janeiro de 2008.
Thom Yorke negou que o título de Hail to the Thief tenha sido uma crítica à
controversa eleição presidencial norte-americana de 2000, explicando que ele
havia ouvido a frase durante uma discussão na Radio 4 sobre John Quincy
Adams, "que roubou a eleição e ficou conhecido como 'O Ladrão' durante todo
seu governo."536Thom explicou que, ainda que o álbum tenha sido influenciado
pelos eventos mundiais do fim de 2001 e do começo de 2002, ele também
"impressionou [ele] como a mais incrível e forte frase… Vai me chatear se as
pessoas disserem que é um protesto direto, porque eu realmente me sinto
forte pelo fato de que nós [Radiohead] nunca gravamos um protesto. Isso [Hail
to the Thief] não é um protesto."537Após o lançamento de Hail to the Thief, o
Radiohead realizou uma turnê internacional, que começou em junho de 2003
com a banda sendo a principal atração do Festival de Glastonbury, e terminou
no meio de 2004, com uma performance no festival Coachella. Durante a
turnê a banda lançou o EP COM LAG, com a maior parte dos lados B de Hail
to the Thief. Após essa turnê, a banda passou a compor no seu estúdio, em
Oxford, mas logo entrou em hiato; livre de obrigações contratuais, os
membros do Radiohead passaram o resto de 2004 trabalhando em seus
projetos solo.538

536

537

538
Ed O'Brien (21 de agosto de 2005). Here we go (em inglês). DEAD AIR SPACE. Página
visitada em 13 de janeiro de 2008.
In Rainbows e um novo estilo de marketing (2005 -
presente)
A banda começou a trabalhar em seu sétimo álbum de estúdio em Fevereiro
de 2005.539Em Setembro daquele ano, eles gravaram uma música baseada
apenas no piano, chamada "I Want None of This", para o álbum Help: A Day In
The Life, da War Child. Este álbum foi vendido online, com "I Want None of
This" sendo a faixa mais baixada, embora não tenha sido lançada como
single.540 Nesta época, o Radiohead já havia cancelado seu contrato com a
EMI, e passou a gravar seu novo álbum com o produtor Mark Stent, mas no
final de 2006, após apresentarem treze canções novas em turnê pela Europa e
pela América do Norte, eles retornaram a Nigel Godrich e passaram a
trabalhar em algumas localidades rurais na Inglaterra.541 O álbum foi
completado em Junho de 2007 e masterizado no mês seguinte, em um estúdio
de Nova York. O sétimo álbum de estúdio da banda, In Rainbows, foi lançado
em outubro de 2007 sob a forma de download digital, onde os compradores
escolhiam o quanto queriam pagar pelas músicas.542Ainda que tenha sido
divulgado que as vendas online de In Rainbows tenham atingido a marca de
1,2 milhões de downloads no dia do lançamento do álbum543, a banda não
divulgou nenhuma informação oficial, dizendo que o lançamento virtual do
álbum foi apenas um método de aumentar as vendas físicas de In Rainbows,544
que incluem um "discbox" contendo um CD bônus destas sessões de gravação,
uma edição dupla em vinil e um livro de capa dura, que foram lançados em
Dezembro daquele ano.545 Este método de vendas pela internet acabou por
estimular o processo criativo de outras bandas, começando por Nine Inch
Nails, que decidiu lançar em seu site o álbum instrumental Ghosts I-IV, sob
uma licença Creative Commons e com uma variedade de embalagens e
diferentes preços de escolha, incluíndo art-works, capa e verso. Pouco tempo
depois também é lançado outro álbum, The Slip, desta vez com ainda mais
influência do lançamento do Radiohead, sendo disponível inteiramente de
graça.

539

540

541
Julian Marshall (2 de outubro de 2007). "Radiohead: Exclusive Interview". NME.
542
543
Lars Brandle (21 de dezembro de 2007). Radiohead Returning To The Road In 2008 (em
inglês). Billboard.com. Página visitada em 14 de janeiro de 2008.
544

545
Josh Grossberg (6 de novembro de 2007). "Fans Shortchanging Radiohead's Rainbows?".
Yahoo News.
In Rainbows foi fisicamente lançado no Reino Unido no fim de Dezembro, pela
XL Recordings, e na América do Norte em janeiro de 2008, pela TBD
Records,546 estreando nas primeiras posições em ambos os locais. O sucesso
de In Rainbows nos Estados Unidos da América marcou o maior sucesso da
banda nas paradas desde Kid A, ainda que tenha sido o quinto álbum da banda
a atingir a primeira posição no Reino Unido. O primeiro single do álbum,
"Jigsaw Falling Into Place", foi lançada no dia 14 de janeiro de 2008547,
seguido de uma turnê pela América do Norte, Europa, América do Sul e
Japão.548

546

547
Radiohead's In Rainbows to be released on CD this year (em inglês). NME News (8 de
novembro de 2007). Página visitada em 14 de janeiro de 2008.
548
Estilo

Influências musicais
A maioria das influências dos membros do Radiohead foram Queen e Elvis
Costello, bandas de post-punk como Joy Division e Magazine e bandas
alternativas dos anos 80, como R.E.M., Pixies, The Smiths e Sonic
Youth.549550Em meados dos anos 90, a banda começou a demonstrar interesse
em música eletrônica, especialmente no grupo de trip-hop Massive Attack, no
rock experimentalista do Nine Inch Nails e no ato de hip-hop instrumental do
DJ Shadow, citado como a principal influência para o álbum OK Computer.551
Outras influências deste álbum incluem Miles Davis e Ennio Morricone, junto
com outros grupos de música pop dos anos 60, como The Beatles e The Beach
Boys.552553Jonny Greenwood também citou o compositor Krzysztof Penderecki
como inspiração para OK Computer.554Durante essa época, muitos críticos
notaram a semelhança musical entre OK Computer e álbuns de bandas de
rock progressivo, como Pink Floyd555, mas a banda negou que sua música
tenha sido influenciada pelo rock progressivo.556 O estilo eletrônico de Kid A e
Amnesiac foi o resultado da admiração de Thom Yorke por música ambiente,
techno e outras vertentes da música eletrônica.557O jazz de Charles Mingus e
Alice Coltrane e bandas Krautrock dos anos 70 foram outras importantes
influências durante esse período.558 O interesse de Jonny Greenwood em
música clássica do século XX tornou-se aparente em algumas faixas de Kid A,
onde ele tocava um ondas Martenot, um instrumento eletrônico popularizado
por Penderecki e Olivier Messiaen.559Em Hail to the Thief, a banda não
abandonou as influências eletrônicas dos dois álbuns anteriores, mas retornou
à antiga ênfase nas guitarras. The Beatles e Neil Young foram a fonte de
inspirações musicais durante esse período, mas os membros do Radiohead não
negaram a influência da música clássica e do Krautrock nesse álbum.560 Desde
2005, enquanto trabalhavam no álbum In Rainbows, a banda continuou a
mencionar rock experimental e música eletrônica, dentre outros gêneros
musicais.561

549

550

551
Ian Gillespie (17 de agosto de 1997). "It all got very surreal". London Free Press.
552

553

554

555
Rolling Stone (1º de outubro de 1997). "OK Computer". Rolling Stone.
556
Questions & Answers (em inglês). Spin With A Grin. Página visitada em 13 de janeiro de
2008.
557
558
Lauren Zoric (1º de outubro de 2000). "Fitter, Happier, More Productive". Juice.
559

560
Notas de rodapé do encarte de Hail to the Thief.
561
Jonny Greenwood (23 de setembro de 2005). Dead Air Space: Clocking On Again (em
inglês). Radiohead.com. Página visitada em 14 de janeiro de 2008.
Colaboradores
A banda mantém uma relação bastante próxima com seus produtores e
engenheiros, particularmente com Nigel Godrich, e com o artista gráfico
Stanley Donwood. Godrich tornou-se famoso junto com o Radiohead, estando
junto com a banda como produtor desde The Bends, e como co-produtor desde
OK Computer. Em algumas ocasiões ele é chamado de "sexto membro" do
Radiohead, uma alusão ao trabalho de George Martin com os Beatles.562
Stanley Donwood, outra pessoa fortemente associada à banda, produziu todas
as capas de todos os discos do Radiohead desde 1994.563 Ele algumas vezes
também trabalha diretamente com Thom Yorke, o qual ele conheceu na
escola; nessas colaborações, os créditos dados à Thom Yorke são sob seus
pseudônimos, como "Tchock" ou "The White Chocolate Farm".564 Junto com
Thom Yorke, Stanley Donwood ganhou um Grammy, em 2002, por uma edição
especial de Amnesiac, lançada sob a forma de livro.565Outros colaboradores
incluem Graeme Stewart, Dilly Gent e Peter Clemens. Graeme Stewart tem
trabalhado com o Radiohead desde as sessões de gravação de Kid A/Amnesiac.
Ele também foi o engenheiro dos álbuns solo de Jonny Greenwood e Thom
Yorke (Bodysong e The Eraser, respectivamente). Dilly Gent tem sido
responsável pela comissão de todos os videoclipes do Radiohead desde OK
Computer, trabalhando com a banda para achar o diretor certo para cada
projeto. Peter Clemens é o técnico da banda em apresentações ao vivo,
também conhecido como "Plank", e trabalha com o Radiohead desde The
Bends.566

Membros
•Thom Yorke - vocal, guitarra, piano e sintetizador
•Ed O'Brien - guitarra e sintetizador
•Jonny Greenwood - guitarra , teclado e sintetizador
•Colin Greenwood - baixo
•Phil Selway - bateria e percussão

Discografia

Álbuns de estúdio
•Pablo Honey (1993)

562
Matthew McKinnon (24 de julho de 2006). Everything In Its Right Place (em inglês). CBC.
Página visitada em 15 de janeiro de 2008.
563
Stanley Danwood (em inglês). Eyestorm. Página visitada em 15 de janeiro de 2008.
564
Thom Yorke to exhibit Radiohead artwork? (em inglês). NME (13 de novembro de 2007).
Página visitada em 15 de janeiro de 2008.
565

566
•The Bends (1995)
•OK Computer (1997)
•Kid A (2000)
•Amnesiac (2001)
•Hail to the Thief (2003)
•In Rainbows (2007)

Compilações
•Radiohead Box Set (2007)
•Radiohead: The Best of (2008)

EPs
•Manic Hedgehog (1991)
•Drill (1992)
•Itch (1994)
•My Iron Lung (1994)
•No Surprises/Running from Demons (1997)
•Airbag/How Am I Driving? (1998)
•I Might Be Wrong: Live Recordings (2001)
•COM LAG (2plus2isfive) (2004)

Vídeo/DVD
•Live at the Astoria (1995, VHS/2005, DVD)
•7 Television Commercials (1998, VHS/DVD)
•Meeting People Is Easy (1999, VHS/DVD)
•The Most Gigantic Lying Mouth Of All Time (2004, DVD)

Ligações externas
Oficiais

•Sítio oficial (em inglês)


•Loja virtual oficial (em inglês)
•YouTube (em inglês)

Não-oficiais

•Green Plastic (em inglês)


•Radiohead no [[Last.fm]] (em inglês)
•Radiohead no [[Discogs]] (em inglês)

Oasis
Oasis

Informação geral
Origem Manchester, Inglaterra
País Reino Unido
Gêneros Rock alternativo
Britpop
Período em atividade 1991 - 2009
Gravadora(s) Big Brother Recordings Ltd.
(independente - Reino Unido)
Sony BMG (resto do mundo)
Página oficial oasisinet.com
Integrantes
Liam Gallagher
Noel Gallagher
Gem Archer
Andy Bell
Chris Sharrock
Ex-integrantes
Alan White
Paul McGuigan
Paul Arthurs
Tony McCarroll
Oasis foi uma banda de rock de Manchester, Inglaterra. O grupo surgiu no
cenário mundial em 1994 como "marca" do tradicional rock britânico, que
estava em baixa graças ao surgimento de outras correntes musicais, como o
grunge norte-americano. A banda estabeleceu-se como uma das mais
aclamadas dos anos 1990, não apenas pela sua qualidade musical, como
também pelo comportamento peculiar dos seus membros, como por exemplo
os confrontos com os media e as brigas entre os dois irmãos Liam Gallagher e
Noel Gallagher.
É uma das bandas mais influentes da geração anos 90 (ao lado de
Nirvana,Radiohead,Faith No More e Guns N' Roses) e uma das bandas
britânicas mais bem sucedidas da história, tendo vendido mais que 50 milhões
de discos desde 1994.567
O primeiro álbum de Oasis, "Definitely Maybe", foi lançado em 1994 e é o
terceiro álbum de estreia que mais rapidamente vendeu na história do Reino
Unido, atrás do primeiro disco dos Arctic Monkeys, "Whatever People Say I
Am, That's What I'm Not" (2006) e do disco da cantora pop/R&B Leona Lewis,
"Spirit" (2007), que encabeça a lista.
No dia 28 de agosto de 2009, Noel Gallagher anunciou a sua saída da banda,
fazendo com que o futuro da banda ficasse incerto.568569570 Pouco mais de um
mês depois, no dia 8 de outubro, Liam anunciou, numa entrevista ao The
Times, o fim da banda.571 No entanto, em entrevistas posteriores, afirmou que
os integrantes da banda continuariam a tocar e gravar juntos, não
dispensando a alternativa de continuar com a banda.572573574 Em fevereiro de
2010, enfim, anunciou que este seria um projeto diferente e com outro nome,
dando fim, assim, ao Oasis.575

Biografia

Início (1991-1993)
Tudo começou quando Paul Bonehead Arthurs e Paul McGuigan decidiram
chamar Diogo Vicente, um amigo de ambos, para a voz da banda "The Rain",
já que o vocalista havia-se mudado da cidade de Manchester. A banda contava
ainda com Tony McCarroll na bateria, mas não conseguiu ter qualquer
sucesso.

567
"[4]"
568
BBC NEWS. Página visitada em 9 de Novembro de 2009.
569
Oasis annule son concert à Rock-en-Seine… et se sépare - Loisirs et Spectacles - 28/08/2009
- leParisien.fr. Página visitada em 9 de Novembro de 2009.
570
ouest-france.fr - « A l'Est l'économie marchait à deux vitesses » / Le climat change les
arbres sous. Página visitada em 9 de Novembro de 2009.
571
Liam Gallagher: the end of Oasis - Times Online. Página visitada em 9 de Novembro de
2009.
572
Andy Bell To Return To Guitar
573
Liam Gallagher: My New Band May Still Be Called Oasis
574
There's More Dysfunctional Families Than Ours Manchester Evening News 12-3-09
575
Liam Gallagher renames Oasis
Nessa mesma época, Timóteo Reinaldo, irmão mais velho de Diogo, havia
voltado dos Estados Unidos, onde tinha realizado uma digressão como técnico
de guitarra nos Inspiral Carpets. Noel foi convidado pelo irmão para assistir a
um concerto da banda. Mais tarde viria a dizer que as músicas eram péssimas,
mas que aceitava o convite para entrar no grupo com a condição de que seria
ele o líder e o compositor das músicas.
Com Tim, os Oasis cresceram e começaram a actuar em muitos concertos de
Manchester (terra natal da banda), mas ainda não tinham sucesso fora da
cidade. Num concerto na Escócia, Alan McGee, da Creation Records, viu-os e
gostou. McGee ofereceu-lhes um contrato, que foi imediatamente aceito.

Era Britpop e a fama (1994-1998)


A banda passou então parte do ano de 1994 em digressão pelo Reino Unido,
tendo actuado na edição do festival Glastonbury desse ano.
Em Abril de 1994, "Supersonic", o primeiro single, foi lançado, seguindo-se
"Shakermaker" (em Julho) e Live Forever (em Agosto). A 30 de Agosto de
1994, é lançado o álbum de estreia,"Definitely Maybe", que obteve o primeiro
lugar nas vendas do Reino Unido, tornando-se no álbum de estréia que mais
depressa vendeu no Reino Unido até àquela altura. Após o lançamento foi
lançado o single "Cigarettes and Alcohol" (em outubro) e o EP de Natal
"Whatever" (o primeiro grande êxito mundial da banda).
Em Abril de 1995, os Oasis lançam o primeiro single que viria a chegar ao nº1
do top de vendas: "Some Might Say". Na mesma altura, o baterista Tony
McCarroll abandona a banda por alegado "conflito de personalidades". O seu
lugar é ocupado por Alan White, sobrinho do músico Paul Weller. Em Maio a
banda inicia as gravações do seu segundo álbum em Rockfield Studios, Gales.
Durante este período, a imprensa inglesa dilata uma suposta rivalidade
existente entre os Oasis e os Blur. O lançamento dos singles "Roll With It"
(Oasis) e "Country House" (Blur) são agendados para o mesmo dia, criando
uma intensa disputa pelo top de vendas que incluiu trocas de insultos e
provocações entre as bandas. O single dos Blur acabou por ganhar o nº1,
alegadamente devido à diferença de preços e à existência de duas versões
diferentes do mesmo. Mas mais tarde os Oasis lançam (What's the Story)
Morning Glory?, o álbum com mais sucesso do grupo e o 3º mais vendido de
sempre no Reino Unido (mais de 20 milhões de cópias por todo o mundo só em
1995, marca que hoje ultrapassa as 30 milhões). Os singles que se seguem ao
lançamento são "Wonderwall" , "Don't Look Back in Anger", que ocuparam os
primeiros 2 lugares do top do Reino Unido, e "Champagne Supernova". A
partir do lançamento deste álbum, os Oasis tornam-se na maior banda do
momento, enchendo estádios e atingindo o topo da carreira quando actuam
duas noites em Knebworth, concertos que esgotam em minutos devido aos 2,5
milhões de pedidos de bilhetes, que poderiam encher o recinto durante 53
noites seguidas.
Entretanto as tensões entre os irmãos aumentam quando no MTV Unplugged
de 1996 Diogo se recusa a actuar, à ultima da hora, devido a ter a garganta
irritada. Timóteo decidiu então actuar com a restante banda e fazer as vozes
sozinho. Quatro dias depois a banda inicia uma digressão pelos Estados
Unidos, mas Liam recusa-se a ir, deixando Timóteo fazer a digressão sozinho.
Quando Diogo decide retomá-la, Timóteo apanha um voo para casa, criando
uma onda de especulação na imprensa de que o grupo estaria a separar-se.
No entanto os irmãos reconciliaram-se mais tarde. Foi a digressão de (What's
the Story) Morning Glory? que rendeu à Oasis o VHS ao vivo …There and
Then, lançado no final de 1996 e gravado nos espectáculos realizados no dia 4
de Junho de 1995 (Earls Court, em Londres) e no dia 28 de Abril de 1996
(Estádio Maine Road - antiga casa do Manchester City - em Manchester).
No início de 1997 a banda inicia a gravação do terceiro álbum em Abbey Road
Studios. Be Here Now, lançado a 21 de Agosto desse mesmo ano, foi o álbum
mais antecipado dos Oasis, devido à atenção dada pelos media. Várias lojas
abriram de madrugada e, ao fim do primeiro dia, Be Here Now tinha vendido
421 mil cópias, ganhando o título de álbum que mais rápido de sempre vendeu
no Reino Unido. As primeiras críticas foram positivas mas, depois do
entusiasmo inicial, o álbum foi fortemente criticado pela imprensa devido aos
excessos na duração das músicas, à distorção das guitarras e à sobre-
produção, tendo mesmo sido considerado por alguns como um "desastre".
Dele fazem parte os êxitos "D'You Know What I Mean?", "Stand By Me" e "All
Around The World". Em meados de 1998 o álbum ultrapassa a marca dos 17
milhões de discos vendidos por todo o mundo.
Foi na digressão de Be Here Now que os Oasis se apresentaram pela primeira
vez na América do Sul, em Março de 1998. No dia 14 a banda iniciou a inédita
tour pelo continente no Estádio San Carlo Apoquindo, em Santiago do Chile.
Nos dias 17 e 18, o quinteto apresenta-se no Luna Park, em Buenos Aires, na
Argentina. No dia 20, finalmente a banda fez seu primeiro show em território
brasileiro no extinto Metropolitan (actual Citibank Hall), no Rio de Janeiro. No
dia seguinte tocam no Sambódromo do Anhembi, em São Paulo. Os Oasis
encerram a Be Here Now World Tour 97/98 apresentando-se nos dias 24 e 25
na Plaza de Los Deportes, na Cidade do México. Um facto curioso nessa
inédita passagem do grupo pela América Latina: as esposas e as namoradas
dos membros viajaram sempre com eles, depois de terem sabido que as
raparigas latinas têm por hábito usar pouca roupa. No mesmo ano, a banda
lança "The Masterplan", uma compilação com os melhores b-sides da banda,
reconhecidos pela sua qualidade acima da média.

Época de transição (1999-2004)


No ano seguinte, quando a banda se preparava para lançar o seu quarto
álbum de estúdio, Bonehead e Guigsy abandonam o grupo. Há quem diga que
o primeiro foi "convidado" a sair por Noel, que queria que a banda
abandonasse o vício das drogas. Porém, a versão oficial é que ambos
(Bonehead e Guigsy) estavam com saudades das respectivas famílias. Collin
"Gem" Archer foi então convidado por Noel para substituir Bonehead. Para o
lugar de McGuigan (Guigsy), o substituto demorou a ser encontrado, sendo
Andy Bell o escolhido.
Com a nova formação, a banda, gravou "Standing on the Shoulder of Giants",
um álbum com um som mais eletrónico e psicadélico do que os anteriores. Os
Oasis aventuram-se nestas novas sonoridades com a ajuda do produtor Mark
"Spike" Stent, que auxiliou Noel a chegar a um som mais denso e
teoricamente mais trabalhado do que discos anteriores. Destaque para o
ótimo single "Go Let it Out", a interessante "Who Feels Love?" e a monstruosa
"Gas Panic", considerada por muitos a música mais bem elaborada do Oasis.
"Sunday Morning Call" e "Where Did it All Go Wrong?" também merecem
destaque, principalmente pelas envolventes melodias.
No mesmo ano foi lançado o disco e DVD "Familiar To Millions" registo do
show no moribundo "Estádio de Wembley". O concerto foi classificado pela
imprensa como histórico. Um verdadeiro sucesso de público e crítica,
ratificando o poder que a banda tem ao vivo. No ano seguinte, em 2001, a
banda participou no festival Rock In Rio, no Rio de Janeiro, onde se
apresentou para mais de duzentas mil pessoas.
Em 2002 a banda lançou "Heathen Chemistry", mas o álbum que chegou com
o "título" de melhor dos Oasis desde "(What's the Story) Morning Glory?",
ficou abaixo das expectativas, estando hoje considerado o pior da carreira da
banda. Nele se encontra o primeiro single com composição de Liam
("Songbird"), assim como uma "pérola" de Timóteo ("Stop Crying Your Heart
Out"), que se tornou tema da derrota da "Seleção Inglesa de Futebol" na
"Copa do Mundo de 2002" frente ao Brasil.
Em 2004, para comemorar os 10 anos de aniversário do seu primeiro disco,
"Definitely Maybe", a banda editou um DVD que conta a história das
gravações do album. No mesmo ano, o baterista Alan White deixa o grupo,
alegadamente devido a ter de tratar uma tendinite numa das mãos.
Posteriormente foi descoberto que Alan faltou aos ensaios para a pré-
produção do sucessor de "Heathen Chemistry". Os irmãos brigaram com Alan
e, quando souberam que este tinha faltado para viajar para Espanha com a
namorada, decidiram mandá-lo embora. Para o seu lugar, chamaram Zak
Starkey, filho de Ringo Starr que tocou nos grupos ASAP (banda montada em
1989 por Adrian Smith dos Iron Maiden) e The Who. Mesmo tocando nos
Oasis, Zak pediu para não se tornar membro oficial do grupo, pois queria
manter o seu compromisso com os The Who.

Retorno à popularidade (2005-2007)


Em 2005 foi lançado o sexto disco de inéditas "Don't Believe the Truth",
produzido por Dave Sardy. O disco começou a ser trabalhado com a produção
dos Death in Vegas, com quem Liam havia colaborado anos antes. As sessões
foram descartadas porque a banda considerou as canções fracas e decidiu
escrever novas músicas e procurar outro produtor.
Dave Sardy assumiu a produção e a banda levou nove semanas de 2004
gravando o disco em Los Angeles. Quatro músicas foram aproveitadas das
sessões com os Death in Vegas: "Turn up the Sun", "Mucky Fingers", "A Bell
Will Ring" e "The Meaning of Soul". Com as outras canções do álbum já
escritas, a gravadora exigiu que Noel compusesse uma outra música, pois não
viam viabilidade comercial satisfatória em nenhuma das canções apresentadas
pela banda.
Foi decidido então que usariam "Lyla", uma música a qual Noel havia
composto e gravado um ano antes e que não havia sido mais trabalhada. Dave
Sardy pegou o mix original, gravou novos vocais com Liam e uma nova bateria
com Zak Starkey. Noel não ficou muito satisfeito a princípio por querer que o
primeiro single fosse "Lyla", mas depois do lançamento o líder do Oasis
admitiu que a música "fez seu trabalho".
Em 2006 a banda lançou a coletânea "Stop The Clocks" com 18 músicas,
sendo 4 b-sides e nenhuma música nova. O disco foi lançado contra a vontade
de Noel por razões de contrato da banda com a Sony BMG, com quem o Oasis
havia assinado por seis discos, sendo "Stop the Clocks" o último para encerrar
o acordo.

Dig Out Your Soul (2008)


No dia 6 de outubro de 2008, a banda lançou seu sétimo disco de estúdio,
intitulado Dig Out Your Soul, que foi gravado em "Abbey Road", famoso
estúdio onde os Beatles gravaram a maioria do seu material, em Londres,
Inglaterra.
O disco foi produzido por Dave Sardy, que já tinha trabalhado com o grupo em
"Don't Believe the Truth".
Os críticos receberam o disco de forma positiva, com elogios para o primeiro e
segundo singles ("The Shock of the Lightning" e "I'm Outta Time",
respectivamente). "I'm Outta Time" foi composto por Liam, com clara
influência Beatle e com um trecho de uma entrevista de John Lennon
defendendo o seu direito de se mudar para Nova Iorque, três dias antes de
sua morte em 1980.
Alan McGee, fundador da Creation Records e descobridor dos Oasis afirmou
que "Dig Out Your Soul" era o fim da trilogia iniciada com "Definitely Maybe"
e "(What's the Story) Morning Glory?".
O disco alcançou o primeiro lugar nas paradas britânicas com 90 mil cópias
vendidas no primeiro dia. Nos Estados Unidos, debutou em 5º lugar, o mais
alto posto de um disco da banda desde o 2º lugar de "Be Here Now" em 1997.
No Brasil, o disco alcançou o 25º lugar em vendas entre todos os gêneros
musicas.

A Saída De Noel e o fim da banda (2009-2010)


No dia 28 de agosto de 2009, após muitas especulações sobre um provável fim
do Oasis com o cancelamento de shows, Noel afirmou em nota oficial ao site
da banda que estava se desligando do grupo, "com tristeza e alívio", por
desentendimentos com o irmão. Noel disse que "não poderia trabalhar nem
mais um dia com Liam" e pediu desculpas a todos que tinham comprado
ingressos para o restante dos shows da banda.576

576
G1 > Música - NOTÍCIAS - Após briga com Liam, Noel Gallagher anuncia saída do Oasis.
Página visitada em 9 de Novembro de 2009.
Um mês e dez dias após a saída de Noel, no dia 8 de outubro, Liam, numa
entrevista ao The Times, oficializou o fim do Oasis, confirmando inúmeros
rumores e acabando com todas as expectativas em torno do assunto.577
Liam desmentiu a si próprio dois meses depois ao afirmar que a banda
continuaria mesmo sem o irmão. Andy assumiria a guitarra, Jay Darlington
tocaria teclado e um novo baixista, que deve ser recrutado por Liam, entrará
no grupo. Após dizer que adotaria um novo nome, Liam noticiou que "no
momento, ainda é Oasis".578
No entanto, em 2010, anunciou que a banda adotará um novo nome para os
shows que fará no decorrer do ano579580581, encerrando, enfim, todas as
contradições em que entrou e dando fim ao Oasis.

Influências
Os Oasis são conhecidos por serem fortemente influenciados pelos The
Beatles, influência que é regularmente referida como "obsessão" pela
imprensa britânica, e que é observada tanto na sua música como nas letras e
no aspecto da banda.
Outras bandas já citaram Oasis como suas influências, tais como os Arctic
Monkeys, The Killers, The Coral, Coldplay e os Kasabian.

Oasis no Brasil
O Oasis se apresentou no Brasil em quatro ocasiões, num total de oito shows,
e foi visto por quase 300 mil pessoas na soma das apresentações.

1998 - São Paulo e Rio de Janeiro


Em março de 1998, a banda se apresentou no Rio de Janeiro e em São Paulo
nos dias 20 e 21, respectivamente. No Rio, os fãs lotaram o então
Metropolitan (hoje Citibank Hall) e em São Paulo, os irmãos Gallagher
invadiram o Pólo de Arte e Cultura do Anhembi (o Sambódromo) para uma
apresentação bombástica na reta final da turnê do álbum Be Here Now. Cerca
de 10 mil pessoas assistiram ao grupo no Rio e 15 mil em São Paulo. Os shows
foram abertos pelo grupo carioca Squaws.

577
578
Entrevista em inglês com Liam Gallagher
579
Liam Gallagher "Will Be On Stage This Year"
580
[http://www.gigwise.com/news/54508/Liam-Gallagher-'Oasis-Was-A-Sh*t-Band-Name' Liam
Gallagher: "Oasis Was A Sh*t Band Name"
581
Post-Oasis group will have a new name and play live this year
2001 - Rock in Rio
Já em 2001, os garotos de Manchester desembarcaram mais uma vez no Rio
de Janeiro, a Cidade Maravilhosa, para participarem de um dos maiores
festivais da história do rock. O Rock in Rio, que chegava à sua 3ª edição na
Cidade do Rock assistiu ao Oasis tocar para uma massa de fãs.
Apesar dos problemas técnicos no início do show, que foi considerado por
muitos abaixo da crítica, a banda se saiu bem e conseguiu conquistar muitos
novos fãs naquele dia 14 de janeiro. Estima-se que os Gallagher foram vistos
por mais de 200 mil pessoas na Cidade do Rock. O Oasis promovia então seu
álbum mais recente, Familliar To Millions, primeiro disco ao vivo da banda
retirado da turnê Standing on the Shoulder of Giants.

2006 - São Paulo


Em 2006, os sedentos fãs da trupe inglesa assistiram a uma única
apresentação no estacionamento do Credicard Hall, em São Paulo. Quinze mil
pessoas lavaram a alma com uma chuva torrencial que caiu durante as quase
duas horas de apresentação da banda, que promovia o disco que recebeu
excelentes críticas, Don´t Believe the Truth.
A apresentação teve ainda um fato inusitado: depois de pedir incessantemente
para que a banda tocasse um de seus maiores clássicos, Supersonic,
inexplicavelmente fora do repertório da turnê, os fãs brasileiros foram
atendidos. Na volta para o primeiro bis, Zak Starkey iniciou a conhecida
batida em sua bateria para delírio total do público. Foi a única mudança de
repertório da última perna da turnê do Don't Believe the Truth.
Tradicionalmente, a banda não é afeita a mudanças de setlist em suas turnês.

2009 - Rio de Janeiro, São Paulo, Curitiba e Porto


Alegre
Em 2009, o Oasis fizeram uma série de apresentações pelo Brasil. Começaram
pelo Rio de Janeiro no dia 7 de Maio no Citibank Hall, em seguida São Paulo
na Arena Anhembi no dia 9 de maio, Curitiba dia 10 de Maio na Arena
Expotrade e em Porto Alegre no dia 12 de Maio no Gigantinho. Os shows
fizeram parte da turnê do novo álbum "Dig Out Your Soul", a maior turnê que
uma banda já fez e ainda está fazendo. Ao todo serão 6 meses passando pelo
mundo inteiro. Na turnê, os irmãos Gallagher misturam clássicos como: Rock
'n' Roll Star, Supersonic, Wonderwall, Champagne Supernova mais as músicas
do novo álbum "Dig Out Your Soul". O novo álbum apresenta uma mudança no
estilo de música do Oasis, um disco mais psicodélico e um pouco mais pesado.
Músicas como "The Shock Of The Lightning", "To Be Where There's Life",
"Waiting For the Rapture" retratam bem estas mudanças e também estão
presentes na Set List dos shows.
A banda Cachorro Grande realizou a abertura dos shows. No show do Rio de
Janeiro (7 de maio de 2009) houve a participação de Samuel Rosa (Skank) nos
vocais e guitarra realizando performances de Helter Skelter e I Saw Her
Standing There (ambas dos Beatles).
Discografia
Álbum de Estúdio

•Definitely Maybe (1994)


•(What's the Story) Morning Glory? (1995)
•Be Here Now (1997)
•Standing on the Shoulder of Giants (2000)
•Heathen Chemistry (2002)
•Don't Believe the Truth (2005)
•Dig Out Your Soul (2008)

Coletâneas

•The Masterplan (1998)


•Stop the Clocks (2006)
•Time Flies... 1994-2009 (2010)

Álbum ao vivo

•Familiar to Millions (2000)

Membros da banda através dos tempos

Formação final
•Noel Gallagher - Guitarra e Voz
•Liam Gallagher - Voz
•Gem Archer - Guitarra
•Andy Bell - Baixo
•Chris Sharrock - Bateria
Membros temporários ou convidados para actuações
ao vivo
•Jay Darlington – teclado - Ao vivo e em estúdio (desde 2002 - aparece em
Lord Don't Slow Me Down e no disco Dig Out Your Soul )
•Mark Feltham - gaitista - Ao vivo e em estúdio (1996-2000, aparece no MTV
Unplugged, There & Then e no disco Standing on the Shoulder of Giants)
•Matt Deighton - guitarra (2000)
•Mike Rowe - teclado, órgão - Ao vivo e em estúdio (1994-2002, aparece no
MTV Unplugged e em alguns discos da banda)
•Paul 'Strangeboy' Stacey - Em estúdio (1999-2005, aparece nos discos
Standing on the Shoulder of Giants, Heathen Chemistry e Don't Believe the
Truth)
•Scott McLeod – baixo - Ao vivo (1995, aparece no vídeo de Wonderwall e em
alguns shows da época)
•Steve White – bateria e percussão - Ao vivo (2001, na Tour of Brotherly Love)
•Terence Kirkbride – bateria e percussão - Ao vivo (2004, 2006, 2007)
•Zeb Jameson – teclado - Ao vivo (2000, aparece no Familiar to Millions)

Membros anteriores
•Tony McCarroll - Bateria (1991-1994)
•Paul Arthurs - Guitarra (1991-1999)
•Paul McGuigan - Baixo (1991-1999)
•Alan White - Bateria (1995-2004)
•Zak Starkey - Bateria (2004-2008)

Ver também
•Britpop - Movimento musical britânico da década de 1990 liderado por Oasis
e Blur.
•Oasis no Brasil - As actuações da banda no Brasil.

Ligações externas
•Sítio oficial
•Oasis (no MySpace)
•Oasis Portugal
Van Halen
Van Halen

Van Halen se apresentando, em 2008, no Canadá


Informação geral
Origem Pasadena, Califórnia
País Estados Unidos
Gêneros Hard rock, heavy metal
Período em atividade 1972 - atualmente
Gravadora(s) Warner Bros. Records
Página oficial www.van-halen.com
Integrantes
Eddie Van Halen
Wolfgang Van Halen
Alex Van Halen
David Lee Roth
Ex-integrantes
Sammy Hagar
Gary Cherone
Michael Anthony
Van Halen é uma banda de hard rock norte-americana formada em 1972.

História
A família Van Halen era uma família constituída de músicos. O pai de Edward
e Alex tocava clarinete e os filhos aprenderam a tocar piano clássico desde
suas infâncias. Mais tarde, resolveram trocar o piano por uma guitarra e uma
bateria. O mais curioso é que Eddie tocava bateria e Alex guitarra. Porém com
o tempo, Alex se interessou pela bateria e tão logo já estava tocando melhor
que o irmão, que decidiu investir na guitarra. Isso tudo se deu no final dos
anos 1960 e início dos 70. Os irmãos faziam covers em algumas bandas,
quando Eddie que também fazia os vocais nas bandas em que tocava na
época, conheceu David Lee Roth em 1972, que havia se mudado para a
Califórnia e até então fazia parte da banda The Red Ball Jets. David foi
convidado para ser o vocalista e logo começaram a tocar juntos.
Foi numa noite, enquanto dividiam um show com uma banda chamada Snake,
que conheceram Michael Anthony (vocalista e baixista da banda em questão).
Michael foi convidado a tocar com eles e mais tarde pediram que se juntasse à
banda, que já se chamava Mammoth. Neste período, descobriram que havia
outra banda nos E.U.A. com esse mesmo nome, o que os obrigou a mudar
rapidamente. Alguns nomes foram sugeridos, mas acabaram optando pelo
sobrenome dos irmãos: Van Halen. Sendo assim, a banda Van Halen ficou
constituída por David Lee Roth (vocal), Edward Lodewijk Van Halen (guitarra
e teclado), Alex Arthur Van Halen (bateria) e Michael Anthony (baixo). A
banda começou tocando somente covers e, em pouco tempo, tornou-se muito
conhecida em todos os bares de Los Angeles.

Ascensão
Em 76, quando tocavam num bar em Los Angeles, Gene Simmons (do Kiss) os
descobriu e decidiu fazer uma demo com a banda (cujo equipamento era todo
emprestado). Esta demo, que continha a primeira versão de Runnin' With The
Devil, não deu muito certo e não foi aceita pelas gravadoras. No ano seguinte,
um produtor da Warner conheceu a banda no mesmo bar em que Gene os
encontrou e os contratou. Em 1978 saiu o primeiro álbum: Van Halen.
O sucesso veio não só do público, mas também da crítica, especialmente pela
faixa Eruption - um solo de guitarra que elevaria Eddie Van Halen ao mais alto
patamar da história da guitarra - e também pelo single "Jump" (do sexto disco,
1984, homônimo do ano de lançamento), colocando definitivamente o nome do
Van Halen na história do rock.
Em 1983, Eddie Van Halen participou como convidado da canção "Beat It", do
álbum Thriller do cantor pop Michael Jackson.
Nos cinco anos decorrentes, a banda lançou mais 5 álbuns, mantendo sua
formação original. Em Janeiro de 1983 a banda se apresentou no Brasil (e
também na Argentina, Uruguai e Venezuela). A banda não voltou desde então.
A formação original durou até 1984, quando por motivos de desentendimento,
David Lee Roth decidiu sair para carreira solo.
Em meados de 1985, Frank Zappa recomendou um novo vocalista para o Van
Halen: Sammy Hagar. Logo no primeiro encontro no estúdio, foi composta
Summer Nights. Esta música comprovou que o indicando Sammy seria o
substituto perfeito para a banda. Em 1986, lançaram o disco 5150, um
trabalho que não decepcionou os fãs que estavam empolgados com o sucesso
de 1984. Este disco também m se tornou o número 1 da parada norte-
americana, com sucessos como Dreams e Why Can't This Be Love?. Os fãs
preocupados podiam agora dormir tranqüilos, pois o Van Halen estava de
volta, com força máxima, novo vocalista e tendo o início de uma nova era.
Mais 4 discos, muito sucesso e nova preocupação para os fãs. Sammy diz que
foi despedido da banda, apesar de Eddie insistir que Sammy saiu
amigavelmente e por vontade própria. Não se sabe ao certo, o fato é que
David Lee Roth voltou para gravar duas músicas, Can't Get This Stuff No
More e Me Wise Magic, que seriam incluídas no Best Of Vol. 1, de 96. Dizem
que isso provocou ciúmes em Sammy. Cogitou-se a idéia de uma volta à
formação original, o que não aconteceu naquele momento.
Ray Danniels, empresário da banda, sugeriu o bom Gary Cherone (ex-
Extreme) para a vaga de vocalista. Foi marcado um encontro no qual a banda
o aceitou de imediato. No início de 1998, saiu o Van Halen III que foi um
fracasso, sendo o único disco da banda que ficou abaixo da casa de 1 milhão
de cópias vendidas, com apenas 500 mil. Eddie chegou a tocar bateria em
algumas músicas, como se isso fosse necessário, e até mesmo a cantar em
uma delas. Cherone não ficou muito tempo no novo emprego, deixando a
banda logo após a turnê de divulgação do disco.
Eddie passa então por um momento turbulento, separa-se após anos de
casamento e também tem diagnosticado um câncer na língua. O grupo fica em
suspenso e Michael Anthony acompanha Sammy Hagar em sua turnê solo.
Em 1996 é lançada a coletânea "Greatest Hits - Volume I", com duas músicas
inéditas gravadas com David Lee Roth nos vocais. Mais uma confusão: David
diz ao vivo na MTV que estava de volta à banda, inclusive haviam aparecido
juntos em uma cerimônia de premiação, mas a banda nega e volta às férias.
Em 26 de abril de 2001, Eddie anunciou no site oficial da banda que fora
examinado por três oncologistas e três neurocirurgiões, que afirmaram que
ele estaria "mais saudável do que nunca e vencendo o câncer".
Em 2004, Sammy Hagar volta a banda e grava a coletânea "The Best of Both
Worlds" com 3 músicas inéditas, faz uma turnê pelos Estados Unidos e sai da
banda novamente deixando os fãs a ver navios. Há muitos rumores sobre uma
volta da banda com David Lee Roth nos vocais, mas enquanto isso não se
concretiza a banda continua inativa.
Em 2005, depois de uma nota publicada pelo baixista Michael Anthony, no site
oficial, voltou a se questionar sobre o futuro da banda.
Em 2006 Sammy e o baixista Michael Anthony saem do grupo, e após isso o
filho de Eddie faz os primeiros ensaios no baixo. Novamente é cogitado
retorno de Dave. Eddie grava solo, pela primeira vez, duas músicas
(instrumentais) para um filme adulto "Sacred Sin: Catherine e Rise". Ainda no
mesmo ano, o site oficial da banda deixa de existir.
Em recente entrevista à revista "Guitar World Magazine", Eddie Van Halen
declarou aquilo que milhares de fãs do grupo esperavam: ele e seus
companheiros estão prontos para seguir em frente. E, de preferência, com
David Lee Roth.
"Eu converso com Dave e falo: 'Cara, mexa-se, venha para cá e cante! Vamos
lá'" - disse o líder do Van Halen. "Do jeito que a situação se encontra, a
decisão depende de Dave. O que ele decidir disso tudo cabe somente a ele,
mas nós já estamos prontos para seguir".
Em agosto de 2007 a banda Van Halen convoca uma coletiva e anuncia o tão
esperado retorno, agora com a formação: David Lee Roth, Eddie Van Halen,
Alex Van Halen e Wolfgang Van Halen, filho de Eddie que entrou no lugar de
Michael Anthony para tocar baixo.582

Integrantes

Membros atuais
•David Lee Roth - vocal - De volta em 2007.
•Eddie Van Halen - guitarra, teclado, violão, piano, cítara elétrica e vocal de
apoio.
•Wolfgang Van Halen - baixo e vocal de apoio
•Alex Van Halen - bateria

Membros antigos
•Sammy Hagar - vocal e guitarra
•Gary Cherone - vocal
•Michael Anthony - baixo e vocal de apoio

Discografia

582
Reuters (13/08/2007). Van Halen e David Lee Roth se reúnem para turnê após 20 anos.
Página visitada em 10/05/2008.
Álbuns em estúdio
•Van Halen (1978) 12 milhões de cópias vendidas
•Van Halen II (1979) 6 milhões de cópias vendidas
•Women and Children First (1980) 7 milhões de cópias vendidas
•Fair Warning (1981) 3 milhões de cópias vendidas
•Diver Down (1982) 5 milhões de cópias vendidas
•1984 (1984) 12 milhões de cópias vendidas
•5150 (1986) 7 milhões de cópias vendidas
•OU812 (1988) 5 milhões de cópias vendidas
•For Unlawful Carnal Knowledge (1991) 4 milhões de cópias vendidas
•Balance (1995) 4 milhões de cópias vendidas
•Van Halen III (1998) 900 mil cópias vendidas

Ao vivo
•Live: Right Here, Right Now (1993) 3 milhões de cópias vendidas

Coletâneas
•Best of Volume I (1996) 4 milhões de cópias vendidas
•The Best of Both Worlds (2004) 2 milhões de cópias vendidas

Ver também
•Bandas Cover Brasileiras:

Banda Balance Van Halen cover Banda VH5150 cover

•Fã-Clube do Van Halen no Brasil:

www.vanhalenfaclube.com.br

•Lista de recordistas de vendas de discos


Ligações externas
•Sítio oficial (em inglês)

Coldplay

Coldplay, (da esquerda para a direita): Guy Berryman,


Jon Buckland, Chris Martin, e Will Champion.
Informação geral
Origem Londres, Inglaterra
País Reino Unido
Gêneros Rock alternativo
Piano rock
Período em atividade 1998 - atualmente
Gravadora(s) EMI, Parlophone, Capitol, Fierce
Panda
Página oficial Coldplay.com
Integrantes
Chris Martin
Jon Buckland
Guy Berryman
Will Champion
Coldplay é uma banda inglesa de rock alternativo formada em 1998 em
Londres. O grupo é composto por Chris Martin (vocais, teclados, guitarra), Jon
Buckland (guitarra), Guy Berryman (baixo) e Will Champion (bateria, vocal de
apoio e outros instrumentos).
Em seus primeiros trabalhos, sua sonoridade foi comparada com bandas como
Radiohead, Jeff Buckley, U2 e Travis.583 Conseguiram a fama mundial com o
lançamento do single "Yellow", seguido do seu álbum de estreia, Parachutes
(2000), que foi nomeado para o Mercury Prize. O segundo álbum da banda, A
Rush of Blood to the Head (2002), ganhou vários prêmios, incluindo o NME de
álbum do ano. Três anos depois, lançam o álbum mais esperado e vendido do
ano, X&Y (2005), seu terceiro álbum de estúdio que recebeu várias críticas
positivas. O quarto álbum de estúdio, Viva la Vida or Death and All His
Friends (2008), foi produzido por Brian Eno e lançado com comentários
favoráveis da crítica, ganhando várias indicações e vencendo o Grammy.584 O
Coldplay tem mais de 50 milhões de álbuns vendidos mundialmente.585
Desde o lançamento de Parachutes, a banda tem sido influenciada por outros
artistas, incluindo o Echo & the Bunnymen,586 Kate Bush, George Harrison587 e
Muse,588 em A Rush of Blood to the Head, Johnny Cash e Kraftwerk em X&Y589
e Blur, Arcade Fire e My Bloody Valentine foram as influências de Viva la
Vida.590 Eles têm advogado pela campanha Make Trade Fair da Oxfam e pela
Anistia Internacional. Chris Martin também protestou contra a invasão do
Iraque e apoiou John Kerry. O grupo também participou de vários projetos de
caridade como o Band Aid 20, Live 8, Sound Relief, Hope for Haiti Now: A
Global Benefit for Earthquake Relief e Teenage Cancer Trust.591

História

583
(Roach 2003, p. 9)
584
USA Today. " Nominations for the 51st Grammy Awards". 2008-12-03. (página da notícia
visitada em 2008-12-28)
585
Coldplay - Viva la Vida Album Review. Contact Music. Página visitada em 2009-02-15.
586
(Roach 2003, p. 18)
587
(Roach 2003, p. 98)
588
Coldplay E-Zine: Issue 6 (PDF). coldplay.com. Página visitada em 2008-08-31.
589
Coldplay Give Track-By-Track Tour of Viva La Vida. MTV. Página visitada em 2008-09-03.
590
(Roach 2003, p. 82)
591
(Roach 2003, p. 122)
Formação e primeiros anos (1996–1999)
O quarteto formado por Chris Martin, Jonny Buckland, Guy Berryman e Will
Champion é mais uma das bandas produto de universidades. Martin e
Buckland se conheceram em setembro de 1996, logo nos primeiros dias de
aula na University College London (UCL). A dupla passou o resto do ano
universitário planejando formar uma banda e começearam a se apresentar
como Pectoralz.592 Guy Berryman, um colega de Martin e Buckland, mais tarde
se juntou ao grupo. Em 1997, o grupo, mudou seu nome para Starfish e se
apresentando localmente em Camden em pequenos clubes.593 Martin também
tinha recrutado o seu antigo amigo de escola Phil Harvey, estava estudando os
clássicos em Oxford, e hoje é o empresário da banda.594 Desde então,
aceitaram Harvey como o quinto membro do grupo.595 A formação da banda foi
completada Will Champion assumiu a função de percussão. Champion cresceu
tocando piano, guitarra, baixo e flauta; ele aprendeu rapidamente a tocar
bateria, apesar de não ter tido experiência nenhuma com o instrumento
antes.596 Os integrantes finalmente resolveram batizar o nome do grupo de
"Coldplay" que foi sugerido por Tim Crompton, um estudante local, que vinha
usando o nome para o seu grupo.597 Em 1997, Martin também conheceu o
então estudante de Clássicos Tim Rice-Oxley. Durante um fim de semana na
Virginia Water, um mostrou ao outro suas próprias músicas no piano, Martin
descobriu que Rice-Oxley era muito talentoso, e pediu-o para ser o tocador de
teclado do Coldplay, mas Rice-Oxley teve de recusar pois sua própria banda
(Keane) já estava operacional. Dias depois, neste caso seria a forma de Keane
e Coldplay manter a banda inalterada, deixando ambas as bandas como
quartetos.598
Em 1998, a banda lançou 500 cópias de Safety EP.599 Entre as que foram
distribuídas a gravadoras e amigos, sobraram apenas 50 para a venda ao
público. Em dezembro do mesmo ano, a banda assinou contrato com a
gravadora independente Fierce Panda.600 O primeiro lançamento com a
gravadora foi Brothers & Sisters EP que haviam gravado rapidamente durante
quatro dias em fevereiro de 1999.601

592
Ali, Mehreen F. (2005-11-26). All That Is Cold play. Dawn. Página visitada em 2008-05-01.
593
(Roach 2003, p. 19)
594
(Roach 2003, p. 22)
595
"Newsreel: An appeal to Wikipedia enthusiasts". Coldplay.com (2008-07-25). Página visitada
em 2009-08-26.
596

597

598
Odell, Michael. (2004-05-01). Q Magazine – The Shore Thing. Q. Página visitada em 2009-
01-07.
599
Gundersen, Edna (2003-02-13). Coldplay searching for a balance. USA Today. Página
visitada em 2008-05-04.
600

601
Depois de concluir seus exames finais, o grupo assinou com a Parlophone para
um contrato com lançamento de cinco álbuns, na primavera de 1999.602 Depois
de fazer sua primeira aparição no Glastonbury a banda entrou em estúdio
para gravar seu terceiro EP intitulado The Blue Room.603 Cinco mil exemplares
foram disponibilizadas ao público em Outubro,604 e o single "Bigger Stronger",
foi lançado na BBC Radio 1 como um airplay. As sessões de gravação de The
Blue Room foi tumultuosa. Martin demitiu Champion da banda, mas depois
implorou-lhe para voltar, e para ser desculpado, os dois foram para um bar.
Eventualmente, a banda trabalhou as suas diferenças e pôs em prática um
novo conjunto de regras para manter o grupo intacto. Inspirados por bandas
como U2 e R.E.M., decidiram que iriam atuar na democracia, e que os lucros
seriam partilhados igualmente.605

Parachutes (1999–2001)
Em Março de 1999, começaram a trabalhar em seu álbum de estreia, gravado
no Rockfield Studios com o produtor Ken Nelson. Eles também tocaram na
Carling Tour, que apresentava os novatos do mundo da música.606 Depois de
lançarem três EPs sem nenhuma canção de sucesso, tiveram o seu primeiro
single no Top 40, "Shiver". Lançado em março de 2000, alcançou a 35ª
posição no UK Singles Chart.607 Junho de 2000 foi um momento crucial na
história do grupo: eles embarcaram em sua primeira turnê, incluindo uma
exibição no Festival de Glastonbury. Também lançaram o single "Yellow".608 A
canção alcançou a quarta posição no UK Singles Chart e a banda teve o seu
reconhecimento público.609
Em Julho de 2000, o grupo lança o seu primeiro álbum, Parachutes, que
estrou na primeira posição na UK Albums Chart.610 "Yellow" e "Trouble"
tiveram um desempenho regular no Reino Unido e nos Estados Unidos.611
Parachutes foi indicado para um Mercury Music Prize em Setembro de
2000.612

602
Coldplay to Quit. Daily Star (2008-01-07). Página visitada em 2008-05-05.
603
(Roach 2003, p. 26)
604
(Roach 2003, p. 28)
605
http://www.edge.ca
606
Verrico, Lisa (2000-01-21). "NME Carling Premier Tour – Arts".
607
(Roach 2003, p. 35)
608
(Roach 2003, p. 42)
609

610
(Roach 2003, p. 45)
611
Leahey, Andrew. Coldplay > Biography. Allmusic. Página visitada em 2008-10-18.
612
" Coldplay's Q for success". BBC News. BBC. 2000-10-16. (página da notícia visitada em
2009-10-15)
Tendo encontrado sucesso na Europa, a banda ajustou sua primeira visita na
América do Norte,613 e lançou o álbum Parachutes por lá em novembro de
2000.614 Embora Parachutes fosse um processo lento de queima de sucesso
nos Estados Unidos, ele acabou atingido duplo disco de Platina.615 O álbum foi
extremamente bem recebido e ganhou o prêmio de Melhor Álbum de Música
Alternativa no Grammy Awards de 2002.616

A Rush of Blood to the Head (2001–04)


A banda voltou ao estúdio em outubro de 2001 para começar a trabalhar no
seu segundo álbum A Rush of Blood to the Head, mais uma vez com produção
de Ken Nelson. Ele foi lançado em agosto de 2002 e gerou vários singles
populares, incluindo "In My Place", "Clocks" e a balada "The Scientist".617
O Coldplay ficou em turnê de junho de 2002 a setembro de 2003 com a A Rush
of Blood to the Head Tour. Eles visitaram cinco continentes, incluindo datas
no Festival de Glastonbury,618 V2003 e Rock Werchter. Muitos concertos de
showcased disseram que a iluminação elaborada e as telas individualizadas
lembravam a Elevation Tour do U2.619 Durante o alargo da turnê, gravaram
um CD e DVD ao vivo, Live 2003, gravado no Hordern Pavilion em Sydney.620
Em dezembro de 2003, os leitores da Rolling Stone escolheram o Coldplay
como o melhor artista e melhor banda do ano.[carece de fontes?] Naquela
época, a banda fez um cover dos The Pretenders com a canção "2000 Miles",
de 1983, (que foi disponibilizada para download em seu site oficial). "2000
Miles" foi o download mais venvido no Reino Unido naquele ano, com o
produto da venda doados as campanhas Future Forests e Stop Handgun
Violence.621 A Rush of Blood to the Head venceu um Grammy de Melhor Álbum
de Música Alternativa no Grammy Awards de 2003.622 E no Grammy Awards
de 2004, venceram na categoria Gravação do Ano com "Clocks".623

613
(Roach 2003, p. 76)
614
Basham, David. " Coldplay Finds American Home For "Parachutes"". MTV News. 2000-08-
01.
615
Caims, Dan (2000-12-17). "Albums of the year – On record".
616
Grammy Award Winners. Grammy Awards. Página visitada em 2008-04-25.
617

618

619
Wener, Ben (2005-08-22). "Still a few steps short of greatness".
620
Danby, Andrew (2003-09-04). Coldplay Go Live. Rolling Stone. Página visitada em 2008-04-
25.
621
Orshoski. " Coldplay Enter London Studio To Begin Work On Third Album". MTV News.
2004-01-29. (página da notícia visitada em 2009-10-15)
622
Complete list of Grammy Award winners. USA Today (2003-02-24). Página visitada em
2008-05-01.
623
X&Y (2004–06)
Coldplay passou a maior parte de 2004 fora dos holofotes, tendo um intervalo
na turnê para a gravação de seu terceiro álbum.624 X&Y foi lançado em junho
de 2005 no Reino Unido e na Europa.625 Esta nova data de lançamento foi
adiada, colococando o álbum de volta para o próximo ano fiscal, na verdade,
fazendo com que ações da EMI fossem à queda.626627 Ele se tornou o álbum
mais vendido de 2005 com vendas mundiais de 8,3 milhões de cópias.628 O
primeiro single, "Speed of Sound",629 fez sua estreia nas rádios e no
armazenamento de músicas online em 18 de abril e foi lançado como um CD
em 23 de maio de 2005.630 O álbum estreou na posição um em 20 países em
todo o mundo,631 e foi o terceiro álbum mais vendido em menos tempo na
história das paradas britânicas.632 Dois outros singles foram lançados nesse
ano: "Fix You" em Setembro e "Talk" em Dezembro. A reação da crítica de
X&Y foi menos entusiasta do que seu antecessor, com o crítico do New York
Times Jon Pareles descreve Coldplay como "a banda mais insuportável da
década".633 Comparações entre Coldplay e U2 se tornou cada vez mais comum,
embora a reação da crítica ao álbum fosse ainda amplamente positivo.634 Chris
Martin revelou mais tarde que os comentários negativos fizeram ele se sentir
"liberado".635

624
Maclean, Graeme. Changing the World at UKULA. Ukula. Página visitada em 2008-04-24.
625
BBC – Rock/Indie Review- Coldplay, X&Y. BBC (2005-11-20). Página visitada em 2008-04-
25.
626
EMI shares hit by profit warning. BBC News (2005-02-07). Página visitada em 2008-04-23.
627
Coldplay's X&Y is 'album of year'. BBC News (2005-12-09). Página visitada em 2008-04-25.
628
" Coldplay tops worldwide sales for 2005". CBC News. 2006-03-31. (página da notícia
visitada em 2009-10-15)
629
Morford, Mark (2005-06-17). Is Coldplay The New Jesus? Martin & Co. make moms smile
and girls swoon and offend no one in their quest to love all puppies. San Francisco Chronicle.
Página visitada em 2008-04-25.
630
Sherwin, Adam (2005-04-30). Coldplay's new single breaks sound barrier. The Times.
Página visitada em 2008-04-25.
631
" Cold comfort". The Age. 2006-06-30. (página da notícia visitada em 2010-01-11)
632
Leona Lewis tops singles charts as Take That go in at Number One in the album charts -
both breaking records in the process. Daily Mirror (2008-12-08). Página visitada em 2010-01-
11.
633
Pareles, Jon (2005-06-05). The Case Against Coldplay. The New York Times. Página visitada
em 2008-04-24.
634
Lamb, Bill (2005-06-05). Coldplay Discography. Top 40. Página visitada em 2008-05-03.
635
Reynolds, Simon (2008-06-18). Coldplay 'liberated' by 'X&Y' criticism. Digital Spy. Página
visitada em 2008-10-18.
De junho de 2005 a julho de 2006, Coldplay foi em sua Twisted Logic Tour,
que incluiu datas dos festivais como Coachella, Festival da Ilha de Wight,
Glastonbury e o Austin City Limits Music Festival.636 Em Julho de 2005, a
banda apareceu no Live 8 em Hyde Park, onde eles tocaram uma versão da
canção "Bitter Sweet Symphony" dos The Verve com Richard Ashcroft nos
vocais.637 Em Setembro, o Coldplay gravou uma nova versão de "How You See
the World" com letras de músicas retrabalhadas por War Child para o álbum
de caridade Help!: A Day in the Life.638 Em Fevereiro de 2006, Coldplay
ganhou Melhor Álbum e Melhor Single no BRIT Awards.639 Dois singles foram
lançados em 2006, "The Hardest Part" e "What If". O sexto e último single,
"White Shadows" foi lançado no México em junho de 2007.

Viva la Vida or Death and All His Friends (2006–09)


Em Outubro de 2006, Coldplay começou a trabalhar no seu quarto álbum de
estúdio, Viva la Vida or Death and All His Friends, com o produtor Brian
Eno.640 Fazendo uma pausa na gravação, a banda fez uma turnê na América
Latina no início de 2007, performando no Chile, Argentina, Brasil e México.641
Depois de gravar em igrejas e outros locais da América Latina e da Espanha,
durante sua turnê, a banda disse que o álbum provavelmente refleteria
influências hispânicas.642 O grupo passou o resto do ano gravando com Eno.643

636
The Daily Wrap 2005 ACL Music Festival. Austin City Limits. Página visitada em 2008-04-
25.
637
BBC – The Live 8 Event – Line Up and Artists. BBC. Página visitada em 2008-04-25.
638
" Rush to download War Child album". BBC News. BBC. 2005-09-12. (página da notícia
visitada em 2009-10-15)
639
" Triple Brits success for Kaisers". BBC News. BBC. 2006-02-15. (página da notícia visitada
em 2009-04-29)
640
Coldplay Reveal New Album Details, Timbaland Producing Ashlee Simpson, Courtney Love
Blamed for Jack Osbourne’s Drug Problem. Rolling Stone (2007-09-10). Página visitada em
2008-04-24.
641
" Coldplay promise song of 'genius'". BBC News. BBC. 2007-03-05. (página da notícia
visitada em 2009-08-26)
642
Tyrangiel, Josh (2008-06-09). "Coldplay, Viva la Vida". Time 171 (67): 23. Página visitada
em 2008-09-03.
643
Montgomery, James (2008-06-9). Coldplay Give Track-By-Track Tour Of Viva La Vida,
Explain Handclaps, Tack Pianos And The Number 42. MTV. Página visitada em 2008-10-18.
Martin descreveu Viva la Vida como uma nova direção para Coldplay: a
mudança em relação a seus três últimos álbuns, que haviam sido referidos
como "trilogia".644 Ele disse que o álbum contou com menos falsetes o que
permitiu menor registro em sua voz para assim ter precedência.645 Algumas
canções, como "Violet Hill", contêm distorções de guitarras riffs e bluesy
undertones.646 "Violet Hill" foi confirmado como o primeiro single, com uma
data de lançamento para as rádios em 29 de Abril de 2008.647 Após o primeiro
anúncio, foi obtido gratuitamente no site do Coldplay, a partir de 12:15pm
(GMT +0) por uma semana (alcançando dois milhões de downloads),648 até que
se tornou comercialmente disponível para download em 6 de Maio.649650 "Violet
Hill" entrou no Top 10 do RU e no Top 40 dos EUA (entrando no Top 10 na
Hot Modern Rock Tracks), e se posicionou bem no resto do mundo.651 A faixa-
título, "Viva la Vida", também foi lançado exclusivamente no iTunes. Tornou-se
o primeiro número um da banda na Billboard Hot 100,652 e seu primeiro
número um no RU, baseado em vendas download.653

644
Serpick, Evan (2008-02-27). Coldplay at Work on "Something Different" for Upcoming
Album – Chris Martin talks about trilogy and change.. Rolling Stone. Página visitada em 2008-
04-24.
645

646

647
News Ticker: Guns N’ Roses, Britney Spears, Coldplay. Rolling Stone (2008-04-21). Página
visitada em 2008-04-24.
648
BBC News: Coldplay song downloaded 2m times. BBC (2008-05-06). Página visitada em
2008-07-17.
649
Coldplay giving away new single. BBC (2008-04-28). Página visitada em 2008-04-28.
650
Coldplay. Coldplay (2008-04-28). Página visitada em 2008-04-28.
651
Collis, Roland. UKC. Iomusic News. Página visitada em 2008-11-22.
652
The Billboard Hot 100. Billboard. Página visitada em 2008-09-03.
653
BBC News: Coldplay's new single tops chart. BBC (2008-06-22). Página visitada em 2008-
07-17.
Em 15 de junho de 2008, Viva la Vida or Death and All His Friends liderou a
parada de álbuns do Reino Unido, apesar de ter vindo no mercado apenas três
dias antes. Nesse tempo, vendeu 302.000 cópias; a BBC chamou de "um dos
registros mais vendido da história no Reino Unido".654 Até o final de junho,
havia estabelecido um novo recorde para o álbum mais baixado de todos os
tempos.655656 Em outubro de 2008, o Coldplay ganhou dois Q Awards de
Melhor Álbum por Viva la Vida or Death and All His Friends e Melhor Artista
no Mundo Atualmente.657 A banda seguiu Viva la Vida or Death and All His
Friends com o Prospekt's March EP, que foi lançado em 21 de novembro de
2008. O EP apresenta faixas das sessões de Viva la Vida or Death and All His
Friends e,658659 por estar disponível no próprio, foi divulgado como um disco
bônus com edições posteriores de Viva la Vida or Death and All His Friends.660
A canção "Life in Technicolor II" foi lançado como single em 9 de fevereiro de
2009.
Em Junho, o Coldplay começou a Viva la Vida Tour com um show gratuito na
Brixton Academy em Londres.661 Este foi seguido, dois dias depois por uma
performance de 45 minutos que foi transmitido ao vivo a partir do outside
BBC Television Centre.662 "Lost!" se tornou o terceiro single do álbum, que
apresenta uma nova versão com Jay-Z. Coldplay realizou o primeiro set em 14
de março de 2009 no Sound Relief em Sydney Cricket Ground, e, em seguida,
tocou um concerto esgotado mais tarde na mesma noite.663 Sound Relief é um
concerto beneficente para as vítimas da Queimadas do Sábado Negro e da
Inundação em Queensland.664

654
BBC News: New Coldplay album tops UK chart. BBC (2008-06-15). Página visitada em
2008-07-17.
655
Most Album Downloads Ever. Hyper-Stars. Página visitada em 2008-09-03.
656
Yahoo! Chart Watch: Viva La Download Or Death And All His CDs. Yahoo! (2008-06-29).
Página visitada em 2008-09-03.
657
" Double Q Award win for Coldplay". BBC News. BBC. 2008-10-06. (página da notícia
visitada em 2008-12-29)
658
Harris, Chris (2008-09-02). Coldplay Will Issue EP Of Viva La Vida Leftovers In December,
New LP In 2009. MTV. Página visitada em 2008-09-03.
659
Michaels, Sean. " Coldplay confirm new EP and album". The Guardian. guardian.co.uk.
2008-09-01. (página da notícia visitada em 2008-09-28)
660
Coldplay Announce Deluxe Edition of Viva la Vida. antiMUSIC (2008-10-08). Página visitada
em 2008-10-08.
661
BBC Newsbeat: Coldplay make their live return. BBC (2008-06-16). Página visitada em
2008-07-17.
662
BBC News: Coldplay play open air gig at BBC. BBC (2008-06-18). Página visitada em 2008-
07-17.
663
Mitchell, Geraldine. " Coldplay, Kings of Leon to headline bushfire relief concerts". Herald
Sun. The Herald and Weekly Times Ltd. 2009-02-24. (página da notícia visitada em 2009-02-
25)
664
Palathingal, George. " Tickets pleased". The Sydney Morning Herald. 2009-12-25. (página
da notícia visitada em 2009-12-30)
Em 2009, o Coldplay foi indicado para quatro BRIT Awards: Melhor Grupo
Britânico, Melhor Concerto Britânico, e Melhor Single Britânico ("Viva la
Vida") e Melhor Álbum Britânico (Viva la Vida or Death and All His Friends).665
No 51º Grammy Awards em fevereiro de 2009, Coldplay ganhou três Prêmios
Grammy nas categorias Canção do Ano por "Viva la Vida", Melhor Álbum de
Rock por Viva la Vida or Death and All His Friends, e Melhor Performance
Vocal Pop por um Duo ou Grupo por "Viva la Vida".666667
Em 15 de maio de 2009, o Coldplay lançou um álbum ao vivo, intitulado
LeftRightLeftRightLeft que foi gravado em diversos shows durante a turnê.
LeftRightLeftRightLeft foi dada gratuitamente aos fãs durante os show da
Viva la Vida Tour. Também está disponível para um download gratuito no site
oficial da banda.668

Quinto álbum de estúdio (2009–presente)


No dia 1 de outubro de 2009, Coldplay anunciou uma turnê pela América
Latina entre fevereiro e março de 2010, na qual vão visitar países como
México, Argentina, Brasil e Colômbia.669 Mais tarde, naquele mesmo mês,
venceram o prêmio de Canção do Ano por "Viva la Vida" da The American
Society of Composers, Authors and Publishers (ASCAP), uma premiação que
ocorreu em Londres670
Coldplay já estaria trabalhando novamente com Brian Eno em seu quinto
álbum de estúdio.671Em dezembro de 2009 houve boatos de que a banda
estivesse gravando o disco no norte de Londres.672 Em junho de 2010, foi
revelado no site oficial do Coldplay que o álbum está quase concluído. "As
músicas ainda não tomaram sua bonita forma final, mas estão longe de serem
só carne e osso. Elas são absolutamente matadoras", escreveu o responsável
pelo blog oficial da banda.673

665
Fitzmaurice, Larry. " Video: Duffy, Kings of Leon Win, Coldplay Snubbed at Brit Awards".
Spin. 2009-02-19. (página da notícia visitada em 2009-04-29)
666
Kreps, Daniel. " Plant & Krauss, Lil Wayne, Coldplay Win Big at 2009 Grammy Awards".
Rolling Stone. 2009-02-08. (página da notícia visitada em 2009-02-09)
667
du Lac, J. Freedom. " The Gang's All Here". The Washington Post. 2009-02-09. (página da
notícia visitada em 2009-02-09)
668
" Coldplay to give away live album". Coldplay.com. 2009-05-01. (página da notícia visitada
em 2009-05-01)
669
Latin America stadium tour announced. Coldplay.com (2009-10-01). Página visitada em
2009-10-01.
670
Paine, Andre. " McCartney, Coldplay honored at ASCAP awards" Billboard. 14-10-2008.
(página da notícia visitada em 15-10-2008)
671
Paphides, Pete. " 2010: a look ahead at the year in pop", The Times, 01-01-2010. Página
visitada em 11-01-2010.
672
Thaindian article.
673
. Coldplay.com (03-06-2010). Página visitada em 03-08-2010.
Estilo musical
O estilo musical do Coldplay, foi definido como rock alternativo, chegando à
ser comparado com o estilo de Radiohead e Oasis.674675 O vocalista e
compositor Chris Martin, rotulou a música da banda como "rock calcário".676
As músicas da banda tem sido chamado de "mediativo" e "azul romântico";
mas "[reflete] em suas emoções", e Martin "interminavelmente examina o [s]
seus sentimentos."677 O jogo de palavras líricas de Martin foi chamado de
feminista, semelhante à Andrew Montgomery do Geneva.678
O tom do primeiro álbum de estúdio da banda, Parachutes, era descrito com
pop melódico com "distorcidas riffs de guitarra e percussão swishing".679
Também foi descrito como "elegantemente escuro e artisticamente
abrasivo".680 Em uma revisão de A Rush of Blood to the Head as canções foram
consideradas por conter "melodias e um desgosto" e que eles tinham uma
"nova confiança".681 As músicas de X&Y foram consideradas "ruminações
sobre dúvidas da Martin, medos, esperanças e amores".682 Coldplay
reconheceu a banda de rock alternativo escocesa, Travis, como uma grande
influência em seu material anterior.683
Em Viva la Vida or Death and All His Friends, o estilo do grupo mudou para
art rock, experimentando diferentes instrumentos, incluindo orquestras,
pianos honky-tonk, etc. Seu quinto álbum pode ter um estilo mais acústico,
mas mantendo alguns estilos experimentais do álbum anterior.

674
"Coldplay warms the renamed amphitheater", Sacramento Bee, 2003-05-30, p. TK17.
675
Parachutes review. Allmusic. Página visitada em 2008-05-06.
676
Caroline Hedley (2009-02-09). Grammy awards 2009: Coldplay lead British triumph. The
Daily Telegraph. Página visitada em 2009-03-31.
677
X&Y review. Allmusic. Página visitada em 2008-05-06.
678
679

680

681
A Rush of Blood to the Head review. Allmusic. Página visitada em 2008-05-06.
682

683
Travis Invented Coldplay. Contact Music. Página visitada em 2009-06-06.
Ativismo e endossos comerciais
Apesar da popularidade mundial do Coldplay, a banda manteve-se como
protetor de suas músicas para não serem usadas na mídia, recusando-se a sua
utilização para endossos do produtos. No passado, os Coldplay recusou vários
contratos milhonários da Gatorade, Diet Coke, e Gap, que queria usar as
canções "Yellow", "Trouble)", e "Don't Panic" respectivamente.684 De acordo
com o vocalista/pianista Martin, "Nós não seríamos capazes de viver com nós
mesmos se vendessemos os significados das músicas que gostamos."685 A
canção "Viva la Vida" foi apresentada no comercial do iTunes Store,
publicando a sua disponibilidade exclusiva do single como um download
digital no iTunes.686 Coldplay apoia a Anistia Internacional.687 Martin é
considerado uma das celebridades defensoras mais visível para o comércio
justo, apoiando a Oxfam com a contínua campanha Make Trade Fair.688 Ele
esteve em viagens com a Oxfam para avaliar as condições, tem aparecido em
sua campanha publicitária, e é conhecido por usar a "Make Trade Fair"
durante aparições públicas da banda (incluindo concertos do Coldplay).689 A
banda também foram filmados para Make Poverty History, clicando em seus
dedos.
Durante os primeiros anos, o Coldplay se tornou amplamente conhecido nos
meios de comunicação para reclamações deram 10 por cento dos lucros da
banda para a caridade,690 que eles continuam a fazer.691 O baixista Guy
Berryman disse, "Você pode tornar as pessoas conscientes das questões. Não
é muito esforço para nós sobre isso, mas se ele pode ajudar as pessoas, então
nós queremos ajuda-las."692 A banda também pede que todos os donativos
destinados a eles sejão doados para a caridade, de acordo com uma resposta
na seção FAQ do site do Coldplay. Martin também protestou contra a Invasão
do Iraque em 2003, e ele aprovou a Democracia dos Estados Unidos com
candidatos à presidência John Kerry.693 e Barack Obama em 2004 e 2008
respectivamente.694
Em junho de 2009, Coldplay começou a apoiar a Meat Free Monday, uma
campanha de alimentos criado por Paul McCartney que tenta ajudar a brecar
as mudanças climáticas para ter pelo menos um dia sem carne por semana.695

684
(2002-08-01) "The State of Coldplay". Q. Página visitada em 2008-04-24.
685

686
Robert Ashton (2008-05-21). Coldplay iTunes ad debuts on US TV. Music Week. Página
visitada em 2008-10-02.
687
(Roach 2003, p. 78)
688
(Roach 2003, p. 85)
689
Gundersen, Edna (2005-06-02). Catch Coldplay. USA Today. Página visitada em 2008-04-25.
690
Bream, Jon. . Star Tribune. 2005-09-11.
691
" Coldplay's slow-burning success". BBC News. BBC. 2005-05-05. (página da notícia visitada
em 2009-04-09)
692

693
Mercurio, John (2004-02-09). Kerry, on a roll. CNN. Página visitada em 2008-05-01.
694
Chris Martin Shows Obama Support. Clash (2009-01-29). Página visitada em 2009-02-04.
695
Band get behind campaign to have a veggie start to the week. Coldplay.com (2009-06-18).
Página visitada em 2009-07-09.
De 17 e 31 de dezembro de 2009, Coldplay leiloada uma quantidade de
memorabilia significativos para a banda, incluindo uma de suas prmeiras
guitarras, na eBay. Produtos para a Kids Company, uma instituição de
caridade que ajuda crianças e jovens vulneráveis em Londres.696 Um mês
depois, em janeiro de 2010, o Coldplay tocou uma versão ligeiramente
modificada de "A Message", intitulada "A Message 2010", na maratona
especial Hope For Haiti Now, arrecadando dinheiro para as vítimas do
Terremoto no Haiti.697

Membros da banda
•Chris Martin - vocal
•Guy Berryman - baixo
•Jon Buckland - guitarra
•Will Champion - bateria

Discografia
Álbuns de estúdio

•Parachutes (2000)
•A Rush of Blood to the Head (2002)
•X&Y (2005)
•Viva la Vida or Death and All His Friends (2008)

Referências

Geral
•Roach, Martin (Setembro de 2003), Coldplay: Nobody Said It Was Easy,
Omnibus Press, ISBN 0711998108

Outras leituras
•Spivack, Gary. Coldplay: Look at the Stars. MTV, 2004. ISBN 0743491963

696
" Coldplay's Chris Martin to auction his first guitar for charity". NME. 2009-12-18. (página
da notícia visitada em 2010-01-04)
697
" Hope For Haiti Now concert YouTube broadcast info". Coldplay.com. 2010-1-22. (página
da notícia visitada em 2010-01-22)
Ligações externas
•Site oficial (em inglês)

The Clash
The Clash

The Clash em show na cidade de Oslo, na Noruega, em


1980. Da esquerda para a direita: Joe Strummer, Mick Jones e Paul Simonon.
Informação geral
Origem Londres, Inglaterra
País Reino Unido
Gêneros Punk rock
Reggae punk
Ska punk
Período em atividade 1976 - 1986
Gravadora(s) CBS Records
Página oficial www.TheClashOnline.com
Integrantes
Joe Strummer (falecido)
Mick Jones
Paul Simonon
Topper Headon
Ex-integrantes
Nick Sheppard
Keith Levene
Pete Howard
Terry Chimes
Vince White
Rob Harper
The Clash foi uma banda inglesa de punk rock formada em 1976 como parte
da primeira onda do punk rock britânico. Além do punk, experimentou outros
gêneros musicais, como reggae, ska, dub, funk, rap e rockabilly. Durante
grande parte de sua carreira, o Clash consistiu de Joe Strummer (vocalista
principal, guitarra rítmica), Mick Jones (guitarra principal, vocais), Paul
Simonon (baixo, backing vocals, ocasionalmente vocais principais) e Nicky
"Topper" Headon (bateria, percussão). Headon deixou o grupo em 1982, e
atritos internos resultaram na saída de Jones no ano seguinte. O grupo
prosseguiu com novos membros, mas acabou no início de 1986.
The Clash foi grande sucesso no Reino Unido a partir do lançamento de seu
álbum de estréia, The Clash, em 1977. O terceiro álbum do grupo, London
Calling, lançado no Reino Unido em dezembro de 1979, trouxe-lhe
popularidade nos Estados Unidos, ao ser lançado neste país no mês seguinte.
Aclamado pela crítica, foi declarado o melhor álbum dos anos 1980 na década
seguinte pela revista Rolling Stone698.
As letras politizadas do Clash, sua experimentação musical e atitude rebelde
tiveram uma influência profunda no rock, em especial no rock alternativo699.
Eles são amplamente referidos como "a única banda que importa", uma
alcunha comercial originalmente introduzida pela gravadora do grupo, a CBS.
Em janeiro de 2003, a banda, incluindo o baterista original, Terry Chimes, foi
introduzida no Rock and Roll Hall of Fame. Em 2004, a Rolling Stone
classificou o Clash como trigésimo maior artista de todos os tempos700.

Biografia

Formação e primórdios da banda


Formado originalmente por John Mellor, mais conhecido como Joe Strummer
(vocais, guitarra rítmica), Mick Jones (vocais, guitarra), Paul Simonon (baixo e
vocais), Keith Levene (guitarra guia) e Terry Chimes, creditado no primeiro LP
como "Tory Crimes" (bateria), o Clash foi formado em Londres em 1976
durante a primeira leva do punk britânico. Strummer fazia parte dos The
101ers e Jones e Simonon da lendária banda de proto-punk London SS. Por
influência do empresário Bernie Rhodes, Levene e Simonon recrutaram
Strummer. Estava formado o Clash. Keith Levene foi o guitarrista da banda
neste começo, mas depois de cinco shows abandonou o grupo sob
circunstâncias ambíguas.

698
"Clash star Strummer dies". BBC News World Edition. 2002-12-27.
699
"Strummer's lasting culture Clash". BBC News World Edition. 2002-12-23
700
"The Clash by The Edge". Rolling Stone, ed. 946. 2004-04-15
Depois do lançamento do primeiro álbum do Clash, Chimes foi substituído pelo
baterista Topper Headon. Inicialmente a banda foi conhecida por sua visão
extremamente esquerdista e pelas roupas que eles pintavam com slogans
revolucionários. O primeiro show foi em 1976 como banda de apoio dos Sex
Pistols, e então eles assinaram contrato com a CBS Records. O Clash lançou
seu primeiro compacto ("White Riot") e seu primeiro álbum (The Clash) em
1977, alcançando sucesso considerável no Reino Unido. Apesar disso a CBS se
recusou a lançá-los nos Estados Unidos, só o fazendo dois anos depois.
The Clash foi um álbum de punk rock britânico seminal. A maioria das canções
eram porradas de 2-3 minutos, mas as composições e melodias superiores
destacaram Strummer e Jones entre a maioria de seus contemporâneos.
Incluiria também a primeira evidência de sua habilidade, que se repetiria por
toda a carreira da banda, de absorver um estilo musical e dar a ele uma
atmosfera própria, aqui com uma versão do clássico do reggae “Police and
Thieves”.
Seu álbum seguinte, Give 'Em Enough Rope, foi o primeiro a apresentar
Topper Headon em todas as faixas. Rope foi lançado em 1978, alcançando a
segunda colocação na parada de sucessos britânica mas fracassando em sua
tentativa de penetrar no maior mercado mundial de canção, os Estados
Unidos.

Sucesso nos Estados Unidos


Give 'Em Enough Rope foi o primeiro álbum do Clash lançado nos E.U.A., e
para divulgá-lo a banda organizou uma turnê norte-americana em 1979. Seu
primeiro álbum só sairia ali em julho de 1979, então em versão drasticamente
revisada e editada da lançada anteriormente.
O sucesso de crítica e de vendas do Clash nos Estados Unidos veio com
London Calling, um álbum duplo lançado em 1979 (pelo preço de um simples,
por exigência da banda). Além do punk, apresentava uma gama variada de
estilos, incluindo o rockabilly e reggae. É considerado o melhor álbum do
Clash, e foi eleito um dos 10 melhores álbuns de sempre pela revista Rolling
Stone.
A seguir veio Sandinista!, álbum triplo pelo preço de um duplo, lançado no
final de 1980. A banda continuou seus experimentos com o reggae e o dub, se
expandindo em direção a outras técnicas de produção e estilos musicais, que
incluíam jazz e hip-hop. O resultado confundiu os novos fãs e as vendas
caíram, embora tenham se saído melhor nos E.U.A. Depois do lançamento de
‘’Sandinista!’’, o Clash entrou em sua primeira turnê mundial, visitando países
da Ásia e da Oceania.
Em 1982, a banda retornou com o mais vendido de seus álbuns, Combat Rock,
apresentando os sucessos "Rock The Casbah" e "Should I Stay Or Should I
Go?".
Tensões e dissolução
Os sintomas aparentemente passaram despercebidos com o sucesso de
Combat Rock, mas depois deste álbum o Clash começou lentamente a se
desintegrar. Topper Headon foi demitido devido à problemas com drogas, e o
baterista original da banda, Terry Chimes, foi chamado de volta para a turnê
seguinte. Depois da turnê Combat Rock de 1982 ele saiu do Clash, convencido
de que o grupo não duraria muito tempo com todas as brigas e
desentendimentos. Em 1983, depois de uma longa busca por um novo
baterista, Pete Howard foi recrutado e tocou com a formação original em
alguns shows nos Estados Unidos.
Em setembro de 1983, Strummer e Simonon expulsaram Jones da banda,
citando seu comportamento problemático e divergências musicais. Depois de
uma série de testes, a banda contratou Nick Shepperd e Vince White, ambos
com 23 anos, como seus novos guitarristas. Eles voltaram a se apresentar em
janeiro de 1984, e no final do mesmo ano anunciaram que um novo disco
estava a caminho.
As sessões de gravação deste novo álbum foram decepcionantes, com o
empresário Bernie Rhodes recusando o talento considerável de Howard em
favor de uma bateria eletrônica, alterando drasticamente os arranjos das
canções e baseando o som da banda em sintetizadores.
Desiludidos com o álbum, Strummer levou o Clash para viajar pela Inglaterra
e Escócia, tocando de graça em esquinas e bares. O grupo apresentou seus
últimos shows em 1985. Enquanto isso, Cut the Crap era lançado, sendo
bombardeado pelas críticas e sofrendo vendas pífias.

Carreiras pós-Clash
Joe Strummer atuou em alguns filmes, gravou trilhas sonoras e tocou com
algumas bandas de sucesso limitado. No final dos anos 90, ele reuniu um
grupo chamado The Mescaleros, assinando com o selo punk Hellcat Records e
lançando um álbum chamado Rock Art and the X-Ray Style. A banda passou a
fazer turnês pelos Estados Unidos e Inglaterra, tocando, além de suas
canções, sucessos do Clash e clássicos do reggae. Em dezembro de 2002,
Strummer morreu subitamente, vítima de um ataque cardíaco. Ele tinha 50
anos. O álbum do Mescaleros em que ele estava trabalhando, Streetcore, foi
lançado postumamente em 2003, sendo aclamado pela crítica.
Depois do fim do The Clash, Paul Simonon entrou para um grupo chamado
Havana 3AM, que gravou somente um álbum no Japão e se separou.
Posteriormente Simonon voltaria às suas raízes de artista visual, organizando
várias galerias de arte. Sua relutância em voltar a tocar foi citado como a
principal razão de o Clash ter sido uma das poucas bandas punks britânicas
dos anos 70 que não se aproveitou da febre de nostalgia punk que assolou o
final dos anos 90 para tentar relançar a carreira. Atualmente, faz parte da
banda The Good, the Bad and the Queen, formada ainda por Damon Albarn
(vocalista), o ex-membro do The Verve e guitarrista do Blur e Gorillaz Simon
Tong e o baterista da banda Africa '70 de Fela Kuti Tony Allen. Tal banda tem
feito bastante sucesso de crítica e de público.
Mick Jones, após sair do CLASH, por desentendimentos com os outros
integrantes, fundou e participou da banda Big Audio Dynamite - BAD (banda
de beat reggae dub), na qual alcançou relativo sucesso no final dos anos 1980
e início dos 1990; e atualmente encontra-se na banda Carbon/Silicon.
Depois de ser despedido do Clash, Topper Headon seguiu sem rumo com seu
vício em heroína. Ele formou uma banda de jazz que durou pouco tempo. Até a
gravação do documentário de Don Letts sobre o Clash, Westway To The
World, Headon tinha sumido do mundo da canção. Atualmente ele está limpo e
continua a tocar. Foi em um de seus shows que ele ficou sabendo da morte de
Joe e, em 2003, anunciou que tocaria em tributo ao antigo companheiro de
banda.

Política
A música da banda era frequentemente carregada de ideologia política de
esquerda701. Joe Strummer, em particular, foi um militante comprometido com
as causas de esquerda. O Clash é creditado como a banda pioneira na defesa
da política radical no punk rock, sendo seus membros conhecidos como os
"bagunçeiros pensantes" por muitos simplesmente por expressarem um ponto
de vista político diferente do anarquismo702. Assim como a maioria das
primeiras bandas de punk, o Clash protestava contra a monarquia e a
aristocracia. Mas, ao contrário destas, o Clash rejeitou o niilismo703. Ao invés
disso, eles se solidarizaram com diversos movimentos de libertação da época,
tendo participado ativamente de grupos como a Anti-Nazi League (em
português: Liga Anti-Nazista). Em abril de 1978, o Clash foi a principal
atração do show Rock Against Racism no Victoria Park em Londres, que teve o
comparecimento de 80.000 pessoas704. Nele, Strummer vestiu uma polêmica
camiseta com as palavras "Brigate Rosse" e o emblema da facção Baader-
Meinhof estampadas no centro705. Ele declarou posteriormente que usou a
camiseta não para apoiar os grupos terroristas, mas para chamar atenção
para a existência deles. Na canção "Tommy Gun", o grupo renuncia à luta
armada.

701
The Clash - Perfil na MTV.com
702
McCarthy, Jackie (1999-12-22). "White Riot". Seattle Weekly.
703
Henke, James (3 de abril de 1980). "There'll Be Dancing In The Streets: The Clash". Rolling
Stone: 38–41.
704
Letts Don; Joe Strummer, Mick Jones, Paul Simonon, Topper Headon, Terry Chimes, Rick
Elgood, The Clash. (2001) (DVD Video). The Clash, Westway to the World. [Documentário].
Nova York, NY: Sony Music Entertainment; Dorismo; Uptown Films. ISBN 0-7389-0082-6.
OCLC 49798077.
705
"Joe Strummer". The Times. 2002-12-24.
A visão política da banda era expressada explicitamente em letras de canções
como "White Riot", que encorajava os jovens brancos a entrarem para
organizações que defendem os direitos dos negros; "Career Opportunities",
que tratava da alienação dos mal-pagos, dos trabalhos rotineiros e o
descontentamento com a falta de alternativas no mercado de trabalho; e
"London's Burning", que falava da desolação e do tédio no interior da capital
britânica706. A artista Caroline Coon, asssociada à cena punk, argumentou que
"estas fortes canções militaristas eram o que precisávamos durante o começo
do Thatcherismo"707. Os interesses políticos da banda aumentaram em
gravações posteriores. O título de Sandinista! celebrava os rebeldes de
esquerda que haviam derrubado o déspota nicaragüense Anastasio Somoza, e
o álbum era preenchido com canções politicamente orientadas que se
estendiam para muito além das costas britânicas: "Washington Bullets"
abordava as operações militares secretas ao redor do globo, enquanto "The
Call-Up" era uma reflexão sobre a política de conscrição dos Estados
Unidos708. A faixa "Straight to Hell" de Combat Rock foi descrita pelos críticos
de música Simon Reynolds e Joy Press como uma "volta ao mundo em guerra
cinco versos pelas zonas de inferno onde crianças-soldados definham"709.
A ideologia política da banda se refletia em sua resistência às motivações da
indústria musical que visavam o lucro habitual; mesmo em seu auge, os preços
de ingressos para shows e lembranças eram razoáveis710. O grupo insistiu para
que a CBS vendesse seus álbuns duplo e triplo London Calling e Sandinista!
pelo preço de um único álbum cada (cerca de cinco libras esterlinas na
época), obtendo êxito com o primeiro e se comprometendo a vender o segundo
por £5,99 e concedendo todos os direitos de shows até que as primeiras
200.000 cópias fossem vendidas. Estes princípios de valor por dinheiro
significavam que eles estavam sempre em dívida com a CBS, só começando a
atingirem a independência financeira em 1982711.

Legado e influência
De acordo com o The Times, o álbum de estreia do Clash é, ao lado de Never
Mind The Bollocks, Here's The Sex Pistols, "a declaração definitiva do punk" e
London Calling "continua sendo um dos álbuns de rock mais influentes". Na
lista de 2003 da Rolling Stone dos 500 melhores álbuns de todos os tempos,
London Calling aparece em oitavo, a melhor colocação de uma banda punk.
The Clash apareceu na 77a posição e Sandinista! na 404a. Na lista de 2004 da
revista das 500 melhores canções de todos os tempos, "London Calling"
aparece em décimo quinto, mais uma vez a melhor colocação de uma banda
punk. Outras quatro canções do Clash aparecem na lista: "Should I Stay Or
Should I Go" (228), "Train In Vain" (292), "Complete Control" (361) e "White
Man In Hammersmith Palais" (430). "London Calling" apareceu em 48o na lista
das 100 melhores canções que utilizam guitarra elétrica da mesma
publicação.

706
"The Clash". Artist History. Aversion.com.
707
Gilbert (2005), p. 190.
708
Gray (2004), pp. 355–356; Reynolds and Press (1996), p. 72.
709
Reynolds and Press (1996), p. 72.
710

711
Discografia

Álbuns de estúdio
•1977: The Clash
•1978: Give 'Em Enough Rope
•1979: London Calling
•1980: Sandinista!
•1982: Combat Rock
•1985: Cut the Crap

Compilações
•1980: Black Market Clash
•1988: The Story of the Clash, Volume 1
•1991: The Singles
•1994: Super Black Market Clash
•2003: The Essential Clash
•2004: London Calling: 25th Anniversary Legacy Edition
•2007: The Singles

Box Sets
•1991: Clash on Broadway
•2006: Singles Box

Ao vivo
•1999: From Here to Eternity: Live
•2008: The Clash: Live At Shea Stadium

EPs
•1977: Capital Radio
•1979: The Cost of Living
Ver também
•Kortatu - importante banda do País Basco nos anos 80, que tinha o The Clash
como uma de suas principais referências
•The Redskins - banda britânica politizada de esquerda do começo dos anos
80. Matinham relações musicais e políticas com os membros do The Clash

Ligações externas
•Biografia em português
•Site oficial da banda
Este artigo é um esboço sobre uma
banda ou grupo musical do Reino
Unido,
integrado ao Projeto Música. Você
pode ajudar a Wikipédia Clash
expandindo-o.

The Doors

Stencil de Jim Morrison em Rosario, Argentina.

Informação geral
Origem Los Angeles, Califórnia
País Estados Unidos
Gêneros Rock psicadélico712
Acid rock713
Blues-rock714
Hard rock715
Período em atividade 1965–1972
Gravadora(s) Elektra
Rhino Records
Página oficial TheDoors.com
Ex-integrantes

712
The Doors no allmusic
713
Acid Rock : MusicWeb Encyclopaedia of Popular Music
714
Blues rock no Rate Your Music
715
Jim Morrison (falecido)
Ray Manzarek
John Densmore
Robby Krieger
The Doors foi uma banda de rock norte-americana formada em 1965. O grupo
era composto por Jim Morrison (voz), Ray Manzarek (teclados), Robby Krieger
(guitarra) e John Densmore (bateria). A banda ainda recebeu influências de
diferentes estilos musicais, como o blues, jazz, flamenco e a bossa nova.716
Canções como "Break on Through (To the Other Side)", "Light My Fire",
"People Are Strange" ou "Riders on the Storm", aliadas à personalidade e
escândalos protagonizados por Jim Morrison, contribuíram de sobremaneira
para o aumento da fama do grupo.
Após a dissolução da banda no início da década 70, e especialmente desde a
morte de Morrison em 1971, o interesse nas músicas dos Doors tem-se
mantido elevado, ultrapassando mesmo por vezes o que o grupo teve
enquanto esteve activo. Em todo o mundo, os seus discos e DVDs já venderam
mais de 75 milhões de cópias, e continuam a vender cerca de 2 milhões
anualmente.717

História

Origens (1965 - 1966)


As origens dos The Doors surgem de um encontro ao acaso entre dois
estudantes da escola cinematográfica UCLA, Jim Morrison e Ray Manzarek,
em Venice Beach, Califórnia em Julho de 1965.718 Morrison disse então a
Manzarek que andava a escrever canções e, a pedido de Manzarek, cantou
"Moonlight Drive". Impressionado pelas letras de Morrison, Manzarek sugeriu
que formassem uma banda.719
O teclista Ray Manzarek estava numa banda chamada Rick And The Ravens
com o seu irmão Rick Manzarek,720 enquanto Robby Krieger e John Densmore
tocavam com os The Psychedelic Rangers721 e conheciam Manzarek das aulas
de yoga e meditação. Em agosto, Densmore juntou-se ao grupo e juntamente
com os membros dos Ravens e o baixista Patty Sullivan, gravaram uma demo
de seis canções em setembro de 1965. A demo foi bastante pirateada e acabou
por surgir completa mais tarde, em 1997, na coletânea dos Doors.

716
Lopes, Jonas. The Doors - Biografia:. DyingDays. Retirado em 14 de novembro de 2007.
717
The Doors no MySpace
718
The Doors ainda longe do fim, 40 anos depois em Diário de Notícias, 8 de Abril de 2007
719
The Doors legend lives on after 40 years Bannerman, Mark. Australian Broadcasting
Corporation
720
Jim Morrison no Cotonete
721
Nesse mesmo mês o grupo recrutou o guitarrista Robby Krieger e o
alinhamento final estava formado — Morrison, Manzarek, Krieger e
Densmore. A banda retirou o seu nome do título de um livro de Aldous Huxley,
"The Doors of Perception", que por seu turno havia sido 'emprestado' do verso
de um poema do artista e poeta do século XIX, William Blake: "If the doors of
perception were cleansed, every thing would appear to man as it is: infinite"
(em pt: Se as portas da percepção fossem abertas, tudo apareceria como
realmente é: infinito).722
Os Doors não tinham uma formação comum à maioria dos grupos rock porque
não possuíam qualquer baixo quando actuavam ao vivo. Deste modo,
Manzarek tocava as secções de baixo com a sua mão esquerda no
recentemente inventado Fender Rhodes bass keyboard, uma variação do
conhecido piano eléctrico Fender Rhodes, enquanto tocava as partes de
teclado com a sua mão direita. Já nos álbuns de estúdio, os Doors usaram
diversos baixistas, tais como Jerry Scheff, Doug Lubahn, Harvey Brooks, Kerry
Magness, Lonnie Mack, Larry Knechtel, Leroy Vinegar e Ray Neapolitan.
Muitas das canções originais dos Doors eram compostas pelo grupo, com
Morrison ou Krieger a contribuirem com a letra e melodia inicial, e os
restantes com as sugestões rítmicas e harmónicas ou até secções inteiras (por
exemplo, a introdução de Manzarek em "Light My Fire").
Em 1966, o grupo tocava no clube The London Fog, tendo pouco tempo depois
passado para o Whisky a Go Go.723 A 10 de agosto, foram vistos pelo
presidente da Elektra Records, Jac Holzman, que se encontrava presente a
recomendação do vocalista dos Love, Arthur Lee, que estava ligado à Elektra.
Após Holzman e o produtor Paul A. Rothchild verem duas performances da
banda no Whisky a Go Go, os Doors assinaram contrato com a Elektra Records
a 18 de agosto,724 tendo marcado aí o início da longa e bem sucedida parceria
com Rothchild e o engenheiro de som Bruce Botnick.
A hora foi fortuita, pois a 21 de agosto o clube despediu a banda após tocarem
a canção "The End". Num incidente que serviu de presságio para a polémica
que seguiria o grupo, um Morrison pedrado recitou a sua própria
interpretação do drama grego "Oedipus Rex" no qual o protagonista Oedipus
mata o seu pai e faz sexo com a sua mãe. A versão de Morrison consistia em
"Father? Yes son? I want to kill you. Mother? I want to fuck you" (em pt: Pai?
Sim filho? Eu quero matar-te. Mãe? Eu quero foder-te).725

722
"The Marriage of Heaven and Hell"
723
THE Doors epinions
724

725
The Doors (1966)
The Doors, o álbum de estreia da banda, foi gravado em agosto de 1966 e
lançado na primeira semana de janeiro de 1967. Incluía a maioria das
principais canções das suas actuações, incluindo o drama musical de 11
minutos, "The End". A banda gravou o disco em poucos dias entre finais de
agosto e início de setembro, com várias canções a serem capturadas num
único take.
Morrison e Manzarek dirigiram um filme promocional para o primeiro single,
"Break On Through",726 o que constituiu um importante avanço para o
desenvolvimento dos vídeos musicais.
O segundo single, "Light My Fire", tornou-se um grande sucesso no verão de
1967,727 e colocou o grupo, juntamente com Jefferson Airplane e The Grateful
Dead, como uma das principais bandas contracultura da América. Para a rádio
AM, os solos de órgão e piano foram retirados da canção.
Em maio do mesmo ano, os Doors fizeram a sua estreia televisiva ao gravarem
uma versão de "The End" para a CBC nos estúdios de Yorkville, em Toronto.
Permaneceu inacessível desde a sua transmissão original até ao lançamento
do DVD The Doors Soundstage Performances em 2002.
Os Doors ganharam reputação de artista com performances ao vivo polémicas.
Com a sua presença em palco e as calças de ganga justas, Morrison tornou-se
um sex symbol, embora depressa se tenha cansado desta condição de estrela.
Uma das mais míticas polémicas ocorreu quando os censores da rede ed TV
Columbia Broadcasting System (CBS) exigiram que Morrison mudasse a letra
de "Light My Fire" através da alteração do verso, "Girl, we couldn't get much
higher", antes da banda tocá-la ao vivo a 17 de setembro de 1967, no Ed
Sullivan Show. O verso foi trocado para, "Girl, we couldn't get much better".
Contudo, Morrison cantou o verso original, e pelo facto de ter sido transmitido
em directo sem atraso, a CBS não pode fazer nada para o travar. Furioso, Ed
Sullivan recusou-se a cumprimentar os membros da banda, e nunca mais
voltaram a ser convidados para actuar no programa. De acordo com
Manzarek, a banda foi informada que nunca mais tocaria no Ed Sullivan Show
novamente. Sobre o assunto, Morrison disse, "E daí? Nós já tocamos no Ed
Sullivan Show".728 Na época, uma aparição nesse programa era considerada
um grande impulso para o sucesso. Manzarek afirma que a banda concordou
com o produtor de antemão, mas não tinha qualquer intenção em mudar o
verso. Nesta altura, também tocaram um novo single, "People Are Strange",
para o "DJ Murray The K's TV show" a 22 de setembro.
Morrison cimentou o seu estatuto de rebelde a 10 de dezembro quando foi
preso em New Haven, Connecticut, por insultar a polícia perante a audiência.
Morrison afirmou que havia sido atacado com spray por um agente após ter
sido apanhado nos bastidores com uma rapariga.

726
The Doors na WARR
727
The Doors Song Notes: Light My Fire
728
When the Doors went on Sullivan
A 24 de dezembro, os Doors gravaram "Light My Fire" e "Moonlight Drive" ao
vivo para o "Jonathan Winters". Entre 26 e 28 de dezembro, o grupo actuou no
"Winterland Ballroom" em San Francisco. Num excerto retirado do livro de
Stephen Davis sobre Jim Morrison, pode-se ler:729
Na noite seguinte em
Winterland, uma TV foi
colocada em palco
durante a actuação dos
Doors para que estes — Jim Morrison: Life, Death,
pudessem ver a sua Legend de Stephen Davis em
própria performance no 2004
Jonathan Winters Show.
Eles pararam de tocar a
"Back Door Man" quando
a sua canção começou a
dar. O público assistiu
aos Doors a verem-se na
TV. Continuaram o
concerto quando a sua
parte no programa tinha
acabado, tendo Ray
desligado a TV. A noite
seguinte seria a última de
sempre em Winterland.
Após isto, actuaram em Denver a 30 e 31 de dezembro, e terminaram quase
um ano de constante digressão.

Strange Days (1967)


Em Outubro de 1967, foi lançado o segundo trabalho dos Doors, intitulado
Strange Days e considerado menos espontâneo que seu antecessor, ainda que
tenha também ficado creditado pela sua atmosfera e letras. A faixa final,
"When the Music's Over", era, tal como "The End", longa e dramática, e
contribuiu para aumentar a reputação de Morrison como figura do rock. O
álbum incluiu canções clássicas dos Doors como "People Are Strange" e "Love
Me Two Times".
Como resultado do seu sucesso, os Doors deixaram o seu estatuto de heróis do
underground. Permitiram que a revista Sixteen os usasse como ídolos de
adolescentes e as suas "espontâneas" performances em palco já não eram
assim tão espontâneas. Um artigo de Jerry Hopkins da edição de 10 de
fevereiro de 1968 da Rolling Stone tipificou o fim do estado de graça:

729
Davis, Stephen. "Jim Morrison: Life, Death, Legend". Gotham Books, 2004. ISBN 1-59240-
064-7. pp. 219-20
Uma rotina, ou parte do
negócio, não realizada em
Shrine, foi a
cuidadosamente
executada queda — Jerry Hopkins - 10 de
"acidental" de Morrison fevereiro de 1968, num artigo da
palco para o público. Rolling Stone
Durante meses fez parte
dos espectáculos e gerava
muitos gritos por parte
das adolescentes. No
entanto, surgiu uma
análise num jornal no
qual a queda era
considerada um dos actos
mais falsos de sempre.
Morrison, em resposta a
uma pergunta sobre se
ele tinha lido o artigo,
disse 'Sim, e penso que
está correcto.' Morrison
não fez a queda nessa
noite em Shrine.

Waiting for the Sun e o incidente de Miami (1968-


1969)
Em abril, a gravação do terceiro álbum ficou marcada pela tensão resultante
da crescente dependência de Morrison pelo álcool. Em aproximação do seu
pico de popularidade, os Doors realizaram uma série de espectáculos ao ar
livre que levaram a várias situações descontroladas entre fãs e polícia,
particularmente no "Chicago Coliseum" a 10 de maio.730
A banda começou a sair do seu som original no terceiro LP, Waiting for the
Sun, principalmente pelo facto de terem esgotado o seu reportório original e
começado a escrever novo material. Tornou-se o seu primeiro e único LP a
chegar ao primeiro lugar da Billboard 200731 e o single "Hello, I Love You" foi
o seu segundo e último a atingir o primeiro lugar no Billboard Hot 100. Este
novo álbum reforçou o afastamento dos Doors do panorama underground. Em
1969 na Rock Encyclopedia, Lilian Roxon escreveu que o álbum "fortaleceu as
suspeitas de que os The Doors apenas estavam lá pelo dinheiro".732 O LP
incluiu "The Unknown Soldier", que foi banida das rádios pelas sua
controversa letra. Nesta fase, o grupo realizou outro vídeo musical.733 "Not to
Touch the Earth" foi retirada da peça conceptual de 30 minutos "Celebration
of the Lizard", embora não tenham conseguido gravar uma versão satisfatória
da peça completa para o LP. Foi eventualmente lançada numa compilação de
maiores êxitos, em CD.
730
Tuneage Tutelage - The Doors
731
The Doors at Rockonthenet.com
732
This Day In Music - 7 September
733
The Doors - Unknown Soldier
Houve uma controvérsia nesta altura por causa do lançamento do single
"Hello, I Love You", com a imprensa musical a apontar parecenças musicais da
canção com o sucesso de 1965 dos The Kinks, "All Day and All of the Night".
Os membros desse grupo concordaram com os críticos e, de forma sarcástica,
o guitarrista Dave Davies costumava tocar partes de "Hello, I Love You"
durantes os solos em performance ao vivo de "All Day and All of the Night".734
Nos concertos, Morrison por vezes não cantava a canção, deixando para
Manzarek essa tarefa.
Um mês após as tumultuosas cenas de "Singer Bowl" em Nova Iorque,735 o
grupo viajou para o Reino Unido para as suas primeiras actuações fora da
América do Norte. Realizaram uma conferência de imprensa no Instituto de
Artes Contemporâneas em Londres e actuaram no The Roundhouse Theatre.
Os resultados da digressão foram gravados pela Granada TV com o título The
Doors Are Open, que foi mais tarde lançado em vídeo. Também fizeram
espectáculos noutros locais da Europa, incluindo um show em Amesterdão
sem Morrison, após este ter perdido os sentidos devido a abuso de drogas.
Morrison regressou a Londres a 20 de Setembro e permaneceu lá durante um
mês.
O grupo realizou mais nove concertos nos Estados Unidos antes de
começarem a trabalhar, em Novembro, no seu quarto LP. O ano de 1969
começou com um espectáculo completamente esgotado no Madison Square
Garden em Nova Iorque a 24 de Janeiro736 e com novo single bem sucedido,
"Touch Me", lançado em Dezembro de 1968, que chegou ao terceiro lugar nos
EUA.
Em Janeiro de 1969, Morrison participou numa produção de teatro que mudou
o curso da banda. No auditório da Universidade do Sul da Califórnia, ele fez
uma actuação que apelava à sua busca pela liberdade pessoal. Isto resultou
numa "jam" em estúdio a 25 de Fevereiro, que se tornou na lendária sessão
"Rock Is Dead", mais tarde lançada no box-set dos Doors de 1997. Serviu
também de base para um episódio controverso e muito badalado.
O incidente de Miami ocorreu a 1 de Março de 1969, num concerto no "Dinner
Key Auditorium" em Miami, Flórida. Morrison tinha estado a beber desde que
tinha falhado o seu voo para o concerto.737 Os 6.900 lugares do auditório
estavam completamente lotados, havendo a estimativa de se encontrarem
13.000 pessoas.738 Então Morrison vociferou para o microfone: "O que quer
que tu queiras, vamos fazê-lo". Dito isto, alegadamente, expôs as suas partes
íntimas. Na sua autobiografia, Manzarek afirma que tal nunca aconteceu.

734
Loyal Pains: The Davies Boys Are Still at It
735
The Doors: On The Road por Greg Shaw
736
The Doors at Madison Square Garden
737
Koll, Thomas R. "James Douglas Morrison: A Priest of the Invisible". p. 8
738
Essa é a minha opinião.
Havia uma hipnotização
geral. Ele [Morrison]
disse-lhes que o ia
mostrar e, meu Deus, eles — Ray Manzarek em Light My
acreditaram. Ele estava a Fire: My Life with the Doors
segurar a sua camisola à
sua frente, puxando-a
rapidamente para a
frente e para trás, para a
frente e para trás, como
um toureiro, enquanto
dizia, "Vocês viram?
Vocês viram? Eu mostrei-
vos! Ele saiu. Eu não o
vou deixar de fora. Agora
vejam, vou fazê-lo
novamente." E ele
voltaria a mexer para a
frente e para trás a
camisola. Estava calor e
havia demasiada gente no
local, e as pessoas
estavam a ficar loucas,
gritando, rodando e
puxando este frágil palco
temporário. Pensámos
que ia desabar -
enventualmente parte
dele caiu. Foi a
insanidade total.
O incidente indignou as autoridades locais e Morrison foi preso por
obscenidade. Concertos por todo o país foram cancelados. "Nós tínhamos a
nossa primeira grande digressão a vinte cidades programada, e estávamos
todos apreensivos por isso," escreveu Manzarek. "Vinte cidades? Meu Deus,
nós vamos fazer uma digressão de um mês? Até então, nós não tínhamos
estado na estrada por mais de quatro ou cinco dias. Mas todas as cidades
cancelaram, por todo o país."
A banda confrontou nesta altura Morrison por causa do seu alcoolismo. O
incidente permanece inconclusivo.
Morrison gravou alguma da sua poesia nesse mês e em abril começou as
filmagens para HWY, um filme experimental sobre um viajante à boleia,
interpretado por ele próprio. Os Doors transformaram a sessão de poesia em
música para o álbum de 1978 An American Prayer.
Embora Morrison recebesse grande parte da atenção, tendo uma maior
imagem na capa do álbum de estreia do grupo, ele mantinha-se inflexível de
que todos os membros da banda deviam ser igualmente reconhecidos. Antes
de um concerto, quando o apresentador introduziu o grupo como "Jim
Morrison and The Doors", Morrison recusou-se a entrar em palco enquanto o
grupo não fosse anunciado novamente como "The Doors".739
Nos últimos dois anos da sua vida, Morrison reduziu o seu consumo de drogas
e começou a beber bastante, o que afectou as suas performances em palco e
no estúdio. Ganhou peso e deixou crescer barba, levando a Elektra a usar
fotos mais antigas para a capa do LP Absolutely Live, lançado em 1970. O
álbum inclui actuações gravadas durante a digressão norte-americana dos
Doors em 1970 e em 1969, e inclui uma versão completa ao vivo da canção
"The Celebration of the Lizard".
A única aparência em público foi numa gravação especial para a PBS feita em
finais de Abril e transmitida no mês seguinte. O grupo tocou apenas canções
do seu álbum seguinte, Soft Parade.
Os Doors continuaram os espectáculos no auditório de Chicago a 14 de Junho
e actuaram a 21 e 22 de Julho no "Aquarius Theatre" em Hollywood, tendo
sido mais tarde lançado em CD. Morrison, com barba, vestiu roupas mais
largas e dirigiu o grupo em volta de um som mais blues, através de canções
como "Build Me A Woman", "I Will Never Be Untrue" e "Who Do You Love".

The Soft Parade (1969)


O seu quarto álbum, The Soft Parade, lançado em julho de 1969, distanciou
mais o grupo da sua base de fãs original, contendo arranjos mais "pop" e
secções de trompetes. O primeiro single "Touch Me" também teve colaboração
do saxofonista Curtis Amy.740
Enquanto que a banda tentava manter o seu ímpeto, as tentativas para
expandir o seu som deram ao álbum um sentido experimental, originando
críticas à sua integridade musical. Os problemas de bebida de Morrison
tornavam-no imprevísivel, e as sessões de gravação estenderam-se por várias
semanas. Os custos de gravação dispararam, o que levaram quase à
desintegração dos Doors.
Durante a gravação do seu álbum seguinte, em Novembro de 1969, Morrison
teve problemas com as autoridades após ter agido com agressividade contra o
pessoal do avião, enquanto se dirigia para Phoenix, Arizona para assistir a um
concerto dos The Rolling Stones. Foi libertado em Abril de 1970 após um
guarda ter erradamente identificado Morrison como seu companheiro de
viagem, o actor norte-americano Tom Baker.741
O grupo iniciou o ano em Nova Iorque com duas bem recebidas noites no "The
Felt Forum".

739
Jim Morrison's quotes
740
Curtis Amy, soul jazz saxophonist por Howard Mandel
741
Tom Baker Recalls Jim Morrison
Morrison Hotel (1970)
Os Doors regressaram ao sucesso em 1970 com o seu quinto LP, Morrison
Hotel. Com um som hard rock consistente, o primeiro single do álbum foi
"Roadhouse Blues", tendo este atingido o 4º lugar nos EUA.
A banda continuou a actuar em arenas durante o verão. Morrison enfrontou
julgamento em Miami em agosto, mas o grupo ainda conseguiu fazer a sua
única participação num grande festival, o Isle of Wight Festival, a 29 de
Agosto.742 Actuaram juntamente com artistas como Jimi Hendrix, The Who,
Joni Mitchell e Miles Davis. Duas canções desse concerto foram inseridas no
documentário de 1995 Message To Love.
A 16 de Setembro, Morrison voltou ao tribunal, mas o juri considerou-o
culpado por profanidade e exposição indecente a 20 de Setembro. Morrison
foi condenado a oito meses de prisão mas foi-lhe permitido sair em liberdade,
pendente de recurso e após pagar fiança.743
A 8 de Dezembro de 1970, no seu 27º aniversário, Morrison gravou outra
sessão de poesia.

L.A. Woman e os últimos dias (1971 - 1972)


Durante a última performance pública dos Doors com o alinhamento original,
na "Warehouse" em Nova Orleães, Louisiana, a 12 de Dezembro de 1970,
Morrison aparentemente teve um colapso nervoso, tendo deixado cair por
várias vezes o microfone ao chão.744
De qualquer forma, os Doors recuperaram definitivamente, nesta altura, o
estatuto que haviam perdido nos registos anteriores (excepto Morrison Hotel)
com L.A. Woman, lançado em Abril de 1971. Apesar da saída de Rothchild da
produção, este álbum regressava às origens R&B da banda. Rothchild
recusou-se a produzir o novo reportório por o considerar "música cocktail",
tendo entregue o trabalho a Botnick.745 Como resultado desta mudança, os
Doors produziram aquele que é considerado um dos seus registos mais
históricos. Os singles "Love Her Madly" e "Riders on the Storm" tiveram
sucesso nas rádios e nos tops norte-americanos, e ainda hoje em dia passam
com regularidade nas programações de rádio.
Em 1971, após a gravação de L.A. Woman, Morrison decidiu parar algum
tempo para descansar e partiu para Paris com a namorada, Pamela Courson, a
11 de Março.746 Ele havia visitado a cidade no Verão anterior e sentia-se
confiante em escrever e explorar aquele local.747
Em Junho, voltava a ter problemas de álcool. A 16 de Junho, a última gravação
conhecida de Morrison foi feita quando ele travou amizade com dois músicos
de rua num bar e convidou-os para ir a um estúdio. Os resultados foram
lançados em 1994 num "bootleg CD" designado The Lost Paris Tapes.

742
The Doors - L.A. Woman
743
A Pardon for Jim Morrison?
744
DOORS, THE biography by QuasimodoBell Music Encyclopedia
745

746
Jim Morrison's Quiet Days In Paris por Rainer Moddemann]
747
Morrison morreu em circunstâncias misteriosas a 3 de Julho de 1971. O seu
corpo foi encontrado na banheira do seu apartamento. Foi concluído que
morreu de ataque cardíaco, embora tenha sido revelado mais tarde que não
foi realizada qualquer autópsia antes do corpo de Morrison ter sido enterrado
no Cemitério de Père Lachaise a 7 de Julho.748
Ainda existem rumores persistentes de que Morrison simulou a sua morte
para escapar à fama ou que morreu num clube noturno e o seu corpo foi então
levado secretamente para o seu apartamento. Contudo, no seu livro
Wonderland Avenue, Danny Sugerman, antigo manager de Morrison, afirma
que durante o seu último encontro com Courson, que ocorreu pouco tempo
antes de ela morrer de overdose de heroína, esta confessa ter feito Morrison
entrar na droga e, por causa dele ter medo de agulhas, foi ela que lhe injectou
a dose que o matou.749

Pós-Morrison (1972 - 2000)


Os restantes membros dos Doors continuaram durante mais algum tempo a
actuar, considerando inicialmente em substituir Morrison com novo vocalista.
Chegou-se a afirmar que Iggy Pop era um dos cantores considerados para a
possível entrada. No entanto, Krieger e Manzarek ficaram com os vocais,
lançando mais dois álbuns, Other Voices e Full Circle, e partiram em mais
uma digressão. Ambos os álbuns venderam menos que os registos da era
Morrison, e por isso os Doors pararam as actuações e as gravações no final de
1972. O último álbum entrou no território do jazz. Os álbuns só foram
relançados em CD na Alemanha e Rússia, num pacote 2 em 1.
O terceiro álbum lançado após a morte de Morrison, An American Prayer,
surgiu em 1978. Este consistiu na adição de música às recentemente
descobertas gravações de recitação de poesia por parte de Morrison,
constituindo assim os primeiros registos a serem lançados postumamente. O
álbum foi um sucesso comercial e foi sucedido pelo lançamento de um mini-
álbum com material ao vivo inédito.
Em 1979, Francis Ford Coppola, que estudou com Morrison na UCLA, lançou
o filme Apocalypse Now, com "The End" a ter destaque na banda sonora.
Quatro anos depois, foi lançada uma apresentação ao vivo sob o título de
Alive, She Cried.
Em 1991, o realizador Oliver Stone lançou o filme The Doors, com Val Kilmer
no papel de Morrison e presenças especiais de Krieger e Densmore. A
interpretação de Kilmer e o próprio filme foram bem acolhidos pela crítica,
apesar das suas imprecisões. Os membros do grupo criticaram o retrato feito
por Stone sobre Morrison, fazendo-o passar por um sociopata descontrolado.
O cantor Billy Idol fez uma aparição no filme e gravou uma cover de "L.A.
Woman". Em Janeiro de 1993, o grupo foi introduzido no Rock and Roll Hall of
Fame.750 Durante a apresentação, contaram com a presença de Eddie Vedder,
vocalista do Pearl Jam, para cantar "Light My Fire" e "Break on Through".751
748
Jim Morrison afinal morreu fora da banheira, em Diário de Notícias, 27 de Julho de 2007
749

750
The Envelope: The Awards Insider. Los Angeles Times. Retirado em 25 de outubro de 2007.
751
Robby Krieger Says Eddie Vedder Was Leery Of Tackling A Doors Cover, em
music.yahoo.com, 22 de Novembro de 2000
Reunião (2001 - presente)
Em 2001, Ray Manzarek, John Densmore e Robby Krieger reuniram-se pela
primeira vez em mais de vinte e cinco anos para tocar canções dos The Doors
como parte da série VH1 Storytellers. A cantar com a banda estiveram vários
vocalistas convidados, incluindo Ian Astbury dos The Cult, Scott Stapp dos
Creed, Scott Weiland dos Stone Temple Pilots, Perry Farrell dos Jane's
Addiction e Travis Meeks dos Days of the New. O espectáculo foi mais tarde
lançado no DVD VH1 Storytellers - The Doors (A Celebration).
Em 2002, Manzarek e Krieger voltaram a juntar-se e criaram uma nova versão
dos Doors, designada "The Doors of the 21st Century." O alinhamento era
liderado por Astbury, com Angelo Barbera da Krieger's Band no baixo. No seu
primeiro concerto, o grupo anunciou que o baterista John Densmore não
participaria, e mais tarde foi reportado que não podia tocar devido a um
problema de tinnitus. Densmore foi inicialmente substituído por Stewart
Copeland dos The Police, mas após Copeland partir o braço numa queda de
bicicleta, a parceria acabou por mútuo acordo, e entrou Ty Dennis, da
Krieger's Band.
Densmore afirmou mais tarde que não tinha sido afinal convidado para fazer
parte da reunião. Em Fevereiro de 2003, ele procede a uma acção judicial
contra os seus antigos companheiros de banda, para evitar que estes usassem
o nome "The Doors of the 21st Century." A sua moção foi recusada em tribunal
em maio. Manzarek afirmou publicamente que o convite para Densmore
regressar ao grupo mantinha-se firme. Nesta altura, a família de Morrison
juntou-se a Densmore na tentativa de evitar que Manzarek e Krieger usassem
o nome "The Doors". Em julho de 2005, Densmore e os representantes de
Morrison ganharam uma acção judicial permanente, obrigando a nova banda a
mudar o nome para "D21C." Actualmente tocam sob a designação Riders on
the Storm, em referência à canção da banda com o mesmo nome. Também
foram autorizados a actuarem como "antigos membros dos Doors" ou até
"membros dos The Doors."752
Ray Manzarek afirmou uma vez: "Estamos todos a ficar velhos. Nós devíamos,
os três, tocar essas canções porque, ei, o fim está sempre próximo. Morrison
era um poeta, e acima de tudo, um poeta quer que as suas palavras sejam
ouvidas." No entanto, em 2007, Densmore afirmou que só entraria no grupo,
caso o vocalista escolhido fosse "desse nível" de Jim Morrison, como Eddie
Vedder dos Pearl Jam.753
Quando Jim Morrison foi questionado pelo que é que ele gostava que fosse
mais lembrado, respondeu: "As minhas palavras, meu, as minhas palavras."754
Morrison disse ainda: "Eu gosto de qualquer reacção que possa ter com a
minha música. Qualquer coisa que ponha as pessoas a pensar. Eu quero dizer
que se conseguires pôr uma sala cheia de gente pedrada e bêbada a reflectir e
a pensar, então estás a fazer algo."

752
John Densmore vs. The 21st Century Doors
753
John Densmore Considers Full Doors Reunion - With Eddie Vedder. Star Pulse (08/02/07).
Retirado em 24 de outubro de 2007.
754
Drummer Nixes Doors Song for TV Ad
Em 2004, a Rolling Stone colocou os Doors 755 no 41º posto na sua lista dos
100 Maiores Artistas de Todos os Tempos.756 No ano anterior, já havia
considerado os álbuns The Doors, L.A. Woman e Strange Days os 42º, 362º e
407º melhores álbuns de sempre, respectivamente.757 Já as canções "Light My
Fire" e "The End", ambas do primeiro álbum do grupo, foram consideradas,
respectivamente, as 35ª e 328ª melhores canções de sempre.758
Bastante actividade foi anunciada em 2006 por ocasião do 40º aniversário do
álbum homónimo de estreia da banda. Para comemorar a efeméride, saiu mais
um box-set com os seis primeiros álbuns de estúdio, o livro "The Doors by The
Doors" e foi anunciado o início da produção de um documentário oficial sobre
o grupo.759
Em 2007, os The Doors foram galardoados, juntamente com os Grateful Dead
e Joan Baez, com o Grammy Lifetime Achievement Award nos Grammy Awards
de 2007 e, a 28 de Fevereiro, receberam uma estrela no Passeio da Fama de
Hollywood..760 Pelo meio, a 16 de Fevereiro, Ian Astbury abandona os Riders
on the Storm, para relançar a sua antiga banda The Cult,761 sendo sustituído
por Brett Scallions, antigo vocalista dos Fuel.762
A 24 de Julho é lançado um álbum triplo com registos ao vivo de uma actuação
dos Doors na Boston Arena a 10 de Abril de 1970.763
A popularidade dos Doors hoje em dia é demonstrada pela quantidade de
cópias que os seus álbuns continuam a vender.764

Integrantes

Integrante Instrumento Período Álbuns gravados

Jim Morrison Vocal •1965 - 1971 •The Doors


•Strange Days
•Waiting for the
Sun
•The Soft Parade
•Morrison Hotel
•L.A. Woman

755
The Doors. Marilyn Manson. Rolling Stone nº 946. Rolling Stone.
756
The Immortals: The First Fifty. Rolling Stone nº 946. Rolling Stone.
757
The RS 500 Greatest Albums of All Time
758
The RS 500 Greatest Songs of All Time
759
Doors Celebrating 40th Anniversary With Projects
760
The Doors incluídos no Passeio da Fama
761
Ian Astbury está fora do Riders On The Storm
762
Brett Scallions é o novo The Doors
763
Rhino resurrects the Doors’ Live in Boston 1970
764
•An American
Prayer

Robby Krieger Guitarra •1965 - 1972 •Todos


Vocal
•2002 - Presente
Ray Manzarek Órgão •1965 - 1972 •Todos
Piano
Vocal •2002 - Presente

John Densmore Bateria •1965 - 1972 •Todos

Discografia
The Doors lançou nove álbuns de estúdio,765 sendo três destes após a morte de
Jim Morrison. Além destes, a banda possui inúmeros singles, compilações e
apresentações ao vivo.766

765
The Doors Discography
766
Canções da banda foram usadas em filmes como "The End" em Apocalypse
Now767 e Knoflíkári,768 "Soul Kitchen" e "Love Her Madly" em Forrest Gump,769
assim como "Break On Through (To The Other Side)", que aparece também
em Soldado Anônimo,770 Gardens of Stone771 e Os Que Me Amam Tomarão O
Trem,772 "People Are Strange", que também aparece em Os Garotos
Perdidos773 e American Pop,774 e "Hello, I Love You", que consta na trilha
sonora de Neighbors;775 "Touch Me" em Escola de Rock,776 "The Changeling"
em Sans toit ni loi,777 "Riders on the Storm" em Rail Kings778 e Diário de um
Adolescente,779 "Peace Frog" em The Waterboy,780 "Moonlight Drive" em
Abaixo de Zero781 e Two-Lane Blacktop,782 "Strange Days" em Strange Days,783
"Light My Fire" em More American Graffiti784 e Altered States,785"The Spy" e
"Maggie M'Gill" em Os Sonhadores,786 "Roadhouse Blues" em Garota,
Interrompida787 e O Sonho Já Era?,788 "Over The River and Through The
Woods" em I'll Be Home for Christmas,789 e "The Crystal Ship" em The X-

767
Apocalypse Now (1979) Soundtrack
768
Soundtracks for Knoflíkári (1997). Internet Movie Database. Retirado em 13 de novembro
de 2007.
769
Forrest Gump (1994) Soundtrack
770
Soundtracks for Jarhead (2005). Internet Movie Database. Retirado em 13 de novembro de
2007.
771
Soundtracks for Gardens of Stone (1987). Internet Movie Database. Retirado em 13 de
novembro de 2007.
772
Soundtracks for Ceux qui m'aiment prendront le train (1998). Internet Movie Database.
Retirado em 13 de novembro de 2007.
773
Soundtracks for The Lost Boys (1987). Internet Movie Database. Retirado em 13 de
novembro de 2007.
774
Soundtracks for American Pop (1981). Internet Movie Database. Retirado em 13 de
novembro de 2007.
775
Soundtracks for Neighbors (1981). Internet Movie Database. Retirado em 13 de novembro
de 2007.
776
Soundtracks for The School of Rock (2003). Internet Movie Database. Retirado em 13 de
novembro de 2007.
777
Soundtracks for Sans toit ni loi (1985). Internet Movie Database. Retirado em 13 de
novembro de 2007.
778
Soundtracks for Rail Kings (2005). Internet Movie Database. Retirado em 13 de novembro
de 2007.
779
Soundtracks for The Basketball Diaries (1995). Internet Movie Database. Retirado em 13 de
novembro de 2007.
780
Soundtracks for The Waterboy (1998). Internet Movie Database. Retirado em 13 de
novembro de 2007.
781
Soundtracks for Less Than Zero (1987). Internet Movie Database. Retirado em 13 de
novembro de 2007.
782
Soundtracks for Two-Lane Blacktop (1971). Internet Movie Database. Retirado em 13 de
novembro de 2007.
783
Soundtracks for Strange Days (1995). Internet Movie Database. Retirado em 13 de
novembro de 2007.
784
Soundtracks for More American Graffiti (1979). Internet Movie Database. Retirado em 13
de novembro de 2007.
785
Soundtracks for Altered States (1980). Internet Movie Database. Retirado em 13 de
novembro de 2007.
786
Soundtracks for The Dreamers (2003). Internet Movie Database. Retirado em 13 de
novembro de 2007.
787
Soundtracks for Girl, Interrupted (1999). Internet Movie Database. Retirado em 13 de
novembro de 2007.
788
Soundtracks for Rude Awakening (1989). Internet Movie Database. Retirado em 13 de
novembro de 2007.
789
Soundtracks for I'll Be Home For Christmas (1998). Internet Movie Database. Retirado em
13 de novembro de 2007.
Files,790 Doidas Demais791 e True Believer.792 No entanto, grande parte da sua
contribuição em bandas sonoras foi no filme sobre o grupo, The Doors, onde
grande parte das canções são da sua autoria.793
Também já protagonizou uma única vez, um comercial, da Pirelli na
Inglaterra, já que é política da banda, particularmente de Densmore, não
ceder as canções da banda para campanhas publicitárias, tendo já inclusive
recusado ofertas milionárias da Apple e Cadillac794795 com a justificativa de ser
antiético para o legado do grupo e para a memória de Jim Morrison.796
As pessoas perderam a
sua virgindade com esta
música, ficaram chapadas
pela primeira vez com
esta música. Já ouvi — John Densmore para o The
pessoas dizerem que Nation
morreram miúdos no
Vietname a ouvirem esta
música, outras a
afirmarem que conhecem
alguém que não cometeu
suicídio por causa desta
música…. Em palco,
quando tocávamos
aquelas canções, elas
pareciam misteriosas e
mágicas. Isso não está à
venda.797
Várias séries consagradas já usaram canções dos The Doors, entre as quais se
destaca Os Sopranos, Alias, Cold Case, Charmed, Os Simpsons e My Name is
Earl.798

790
The X Files (1998) Soundtrack
791
Soundtracks for The Banger Sisters (2002). Internet Movie Database. Retirado em 13 de
novembro de 2007.
792
Soundtracks for True Believer (1989). Internet Movie Database. Retirado em 13 de
novembro de 2007.
793
The Doors (1991) Soundtrack
794
Chase, Christopher R. How the Band Protects Its Brand: The Use of Trademarks to Protect
and Promote the Musical Artist. Intelectual Property Today (03/2007). Retirado em 26 de
outubro de 2007.
795
John Densmore of The Doors Won’t Sell Out. Robert's Rants (01/08/07). Retirado em 26 de
outubro de 2007.
796

797
Densmore, John. Riders on the Storm. The Nation (08/07/02). Retirado em 26 de outubro de
2007.
798
The Doors Filmography by TV series
Além disso, um trecho de "Soul Kitchen" foi adaptado em uma canção de
Imani Coppola intitulada "I'm a Tree", presente na trilha sonora de Alguém
Como Você799 e Virtual Sexuality.800

Estilo e influências
O estilo musical dos The Doors baseia-se essencialmente numa mistura entre
blues e o psicadélico. Ray Manzarek fornece elementos de música clássica e
blues, Robby Krieger insere ritmos de flamenco,801 enquanto que Densmore
usa os seus conhecimentos de jazz na bateria.802
As letras negras do grupo, compostas na sua maioria por Jim Morrison,
afastam-se em boa medida das convencionadas pela pop da época. Nos
primeiros discos (The Doors e Strange Days), os elementos visionários
próprios da música psicadélica surgem expressos em imagens inspiradas na
tradição romântica e simbolista, actualizando-a com referências ao
existencialismo e à psicanálise.803 De destacar também a influência dos
simbolistas franceses, como Arthur Rimbaud ou Charles Baudelaire, na poesia
de Morrison.804 Nos últimos discos, em especial L.A. Woman, as letras de
Morrison tornaram-se mais simples e imediatas, evoluindo assim com o som
da banda em direcção ao blues.805
Em 2007, Manzarek descreveu o som da banda como:
Música Bauhaus. É limpa,
é pura. De um lado há o
piano, do outro uma
guitarra, a bateria no
meio, um tom de baixo no — Ray Manzarek para a The
fundo e o vocalista à World Magazine, em Fevereiro
frente e tu consegues de 2007
ouvir as letras. Essa é
uma das razões porque o
som dos The Doors
continua ser importante
hoje em dia. É claramente
moderno. E era isso o que
pretendíamos.806

799
Soundtracks for Someone Like You (2001). Internet Movie Database. Retirado em 13 de
novembro de 2007.
800
Soundtracks for Virtual Sexuality (1999). Internet Movie Database. Retirado em 13 de
novembro de 2007.
801
Prato, Greg. (((( Robbie Krieger > Biography )))). All Music Guide. Retirado em 14 de
novembro de 2007.
802
Huey, Steve. (((( John Densmore > Overview )))). All Music Guide. Retirado em 14 de
novembro de 2007.
803
Huey, Steve. (((( Jim Morrison > Biography )))). All Music Guide. Retirado em 14 de
novembro de 2007.
804
Jim Morrison - His Literary Influences and Legacies
805
Unterberger, Richie. (((( L.A. Woman > Overview )))). All Music Guide. Retirado em 14 de
novembro de 2007.
806
Thomas, Graeme. "After Death do us Part". The Word Magazine, Fevereiro de 2007
Legado
O trabalho dos The Doors serviu de inspiração para muitos artistas,807 entre
eles Iggy Pop,808 Trent Reznor,809Julian Casablancas,810 Eddie Vedder,811 Bruce
Springsteen, Scott Weiland, Patti Smith, Glenn Danzig812 e Billy Idol..813
Jim Morrison, com a sua atitude e presença em palco, influenciou vocalistas
de vários estilos que surgiram depois de si, permanecendo um dos mais
populares e influentes vocalistas e compositores da história do rock,814
enquanto que o catálogo dos Doors tornou-se presença habitual nos
programas de rock clássico das rádios.
Hoje em dia, Morrison é apresentado como o protótipo da estrela rock:
arrogante, sexy, escandaloso e misterioso. As calças de ganga que usava quer
em palco quer fora dele tornaram-se estereotipadas como parte do perfil de
um roqueiro. Serviu de inspiração para outros vocalistas rock da época, como
Roger Daltrey (The Who) e Robert Plant (Led Zeppelin).
Instigado pelo jogador Robin Ventura, a equipa estado-unidense de basebol
New York Mets adoptou a canção "L.A. Woman" como tema tocado nos
altifalantes durante os jogos, com o público a cantar a letra "Mr. Mojo Risin'"
(anagrama de "Jim Morrison").815 Em 2007, foi anunciado que uma campanha
de caridade, a Global Cool, com vista a combater o aquecimento global, tinha
encomendado uma canção a ser feita com um poema escrito por Morrison,
"Woman in the Window", que será lançada no álbum de estreia dos Satellite
Party, Ultra Payloaded.816 Morrison inclusive já foi citado num trabalho
preliminar para a Comissão Europeia, sobre telecomunicações.817

Prêmios

Certificados da RIAA
Estas estatísticas foram compiladas do banco de dados online da RIAA.818
•The Doors - Disco de Platina Quádruplo (29 de janeiro de 2007)
•Strange Days - Disco de Platina (15 de novembro de 2001)

807
Spotlight on the artist
808
Limping with the Stooges in Washington Heights por Todd Simmons
809
Nine Inch Nails on MTV.com
810
Official Site
811
The Life and Times of Eddie Vedder
812
http://www.enotes.com/contemporary-musicians/danzig-biography
813
Jim Morrison: Hollywood Lyric Writer Biography
814
Jim Morrison on Biography.com
815
Mets have only themselves to blame after trading Ventura de Mike Berardino, para o South
Florida Sun-Sentinalde 7 de Setembro de 2002.
816
" Morrison poem backs climate plea" da BBC Online, a 31 de Janeiro de 2007.
817
Access to telecommunications networks - Marcel Canoy, Paul de Bijl and Ron Kemp for
European Commission, DG Competition
818
Gold and Platinum database. Recording Industry Association of America. Retirado em 25 de
outubro de 207.
•Waiting for the Sun - Disco de Platina (10 de junho de 1987)
•The Soft Parade - Disco de Platina (10 de junho de 1987)
•Morrison Hotel - Disco de Platina (15 de novembro de 2001)
•L.A. Woman - Disco de Platina Duplo (10 de junho de 1987)
•An American Prayer - Disco de Platina (15 de novembro de 2001)
•The Best of The Doors - Disco de Diamante (15 de fevereiro de 2007)
•"Light My Fire" - Disco de Ouro (11 de setembro de 1967)
•"Hello, I Love You" - Disco de Ouro (28 de agosto de 1968)
•"Touch Me" - Disco de Ouro (13 de fevereiro de 1969)

Award Shows
Estas estatísticas foram compiladas através do banco de dados do site The
Envelope, do Los Angeles Times.819
•The Doors - Performer Inductees, Rock and Roll Hall of Fame (1993)
(vencedor)
•The Doors - Hall of Fame, Grammy Awards (2001) (vencedor)
•The Doors - Lifetime Achievement Award, Grammy Awards (2007)
(vencedor)820

Referências bibliográficas
•MANZAREK, Ray. Light My Fire: My Life With The Doors.
Berkeley: Berkeley Publishing Group. ISBN 0-425-17045-4
•HOPKINS, Jerry ; SUGERMAN, Danny. No One Here Gets Out Alive. Nova
Iorque: Warner Books. ISBN 0-446-60228-0
•DENSMORE, John. Riders on the Storm: My Life With Jim Morrison and the
Doors. Delta Books. ISBN 0-385-30447-1
•KOLL, Thomas R.. Douglas Morrison: A Priest of the Invisible. edição do
autor. 821

Ligações externas
•Página oficial (em inglês)
•The Doors (em inglês) no MySpace
•The Doors (em inglês) no All Music Guide
819

820
The Doors recebem Grammy honorário
821
lançado sob os termos da licença GNU FDL v 1.1
•The Doors (em inglês) no Last.fm
•The Doors (em inglês) no MusicBrainz
•Entrevista em áudio com Ray Manzarek feita por Terry Gross (em inglês)

Audioslave
Audioslave

A banda em concerto, 2005


Informação geral
Origem Los Angeles, Califórnia
País Estados Unidos
Gêneros Metal alternativo822
Post-grunge823
Heavy metal824
Hard rock825
Período em atividade 2001 – 2007
Gravadora(s) Epic Records
Interscope Records
Página oficial www.AudioSlave.com
Integrantes
Chris Cornell
Brad Wilk
Tom Morello
Tim Commerford
Audioslave foi uma banda de rock dos Estados Unidos, formada no ano de
2001 a partir da colaboração do vocalista do Soundgarden, Chris Cornell e
com os membros do Rage Against the Machine Tom Morello (guitarra), Tim
Commerford (baixo) e Brad Wilk (bateria).

História

822
All Music Guide. Audioslave > Overview (em inglês). AllMusic.com. Página visitada em 17
de janeiro de 2008.
823

824

825
Formação
Para se entender a história da formação do Audioslave, é preciso falar de duas
bandas de peso no cenário do rock: Rage Against the Machine e Soundgarden.
Zack de la Rocha, o vocalista do Rage Against the Machine deixou a banda em
outubro de 2000 para seguir carreira solo, ao passo que os três integrantes
remanescentes partiam para a busca de um novo vocalista. O futuro do Rage
Against the Machine era incerto quando Tom Morello, Tim Commerford e
Brad Wilk receberam o vocalista Chris Cornell (ex-Soundgarden) para um
ensaio.
Cornell vinha de uma bem sucedida carreira no Soundgarden nos anos 1990 e
já havia lançado um álbum solo, "Euphoria Morning", em 1999. O
entrosamento entre os ex-Rage Against the Machine e o ex-Soundgarden
superou as expectativas de todos, em pouquíssimo tempo uma banda nova
estava surgindo. Os músicos tinham contratos em vigor com duas grandes
gravadoras, e rivais. De um lado a Epic/Sony Music do Rage Against the
Machine e de outro a A&M/Interscope do grupo Universal, gravadora de Chris
Cornell. Através de um acordo raro na indústria fonográfica, que não foi
conseguido sem que houvesse muita negociação, foi permitido aos músicos
seguir em frente.
Em março de 2002, a nova banda anunciou sua participação no Ozzfest, o
maior festival itinerante de rock dos EUA, promovido pelo veterano Ozzy
Osbourne. No entanto, com tudo definido, datas e horários dos shows, Chris
Cornell anuncia sua saída da banda. Mas a gravadora Epic continuou
anunciando que o disco seria lançado e em pouco tempo Cornell estava de
volta, para ficar. No início o projeto foi batizado "Civilian", no entanto já
existia uma banda com esse nome e foi preciso procurar outro. Chris Cornell
sugeriu Audioslave e todos concordaram. Também já existia um Audioslave.
Desta vez um acordo financeiro permitiu que o novo grupo passasse
definitivamente a se chamar Audioslave.

Questionamentos
Os boatos sobre a nova banda não demoraram a surgir na Internet, o que
dividiu tanto os fãs de RATM quanto os fãs do Soundgarden. Do lado do
RATM, os fãs lamentavam a perda de identidade do grupo, já que Cornell
representa um caminho bem diferente da firmeza política e da influência hip-
hop de Zack de la Rocha. Já muitos fãs do Soundgarden repudiavam Cornell
justamente por entrar num grupo muito vulgarmente tachado de rap-metal. Se
for para tocar rock de peso novamente, então porque o fim do Soundgarden?
Mesmo entre aqueles que admiram Chris Cornell e que acompanharam a sua
carreira solo, questionavam a coerência do músico, já que a união com o Rage
Against the Machine significava um caminho radicalmente oposto ao que pôde
ser conferido em Euphoria Morning. Mas, sem dar ouvido a esse tipo de
manifestação, o futuro Audioslave permaneceu unido e disposto a provar a
todos o quanto ainda é possível ousar e atingir novos horizontes com o novo
trabalho.
Turbulências
Por pouco, o Audioslave não acabou antes mesmo de começar. Além de contar
com duas gravadoras, a banda inicialmente contava com dois times de
empresários, os "managers". De um lado, a empresa que cuida da carreira de
Chris Cornell e de outro a empresa que defendia os interesses do Rage
Against the Machine. Com tanta gente dando palpites, não foi muito difícil
acontecerem os primeiros conflitos. Em março de 2002, o Audioslave (que
ainda sequer tinha definido o nome da banda) anunciou a participação na
turnê Ozzfest. Com tudo definido, datas e horários dos shows (o Audioslave
seria um headliner, a atração principal), Chris Cornell anuncia que está fora.
Tanto da turnê Ozzfest como da banda em si. Foi um novo choque para a base
de fãs do Soundgarden/Rage Against the Machine. Mas a gravadora Epic
continuou anunciando que o disco seria lançado e em pouco tempo Cornell
estava de volta para ficar. E a partir de então, o grupo passou a contar com
apenas um manager, da empresa The Firm, de Los Angeles.

Lançamento de álbuns
Durante o processo de transmissão digital de demos gravadas em Los Angeles
para Chris Cornell em Seattle (sim, conforme anuncia o site da banda, o
Audioslave é uma banda de ponte-aérea, Los Angeles e Seattle), as músicas
caíram em mãos erradas. E dali para a internet foi um pulo. Foi então que, por
volta de maio, 13 músicas do Audioslave circulavam livremente pela internet.
O que foi um tanto frustrante, conforme Tom Morello:
"Foi uma pena porque a gente gravou 21 músicas, e vazaram cerca de 13,
exatamente o número para um álbum. E então foi muito frustrante, porque a
gente sabia que aquelas demos tinham tanto em comum com o disco quanto
um carvão e um diamante. Três ou quatro vezes por dia, alguém vinha me
dizer ‘eu ouvi o seu disco’, e eu respondia ‘não, você não ouviu! Eu juro que
você não ouviu!’ e eles tentavam me convencer ‘Ah não cara, eu ouvi seu
disco!’."
O disco Audioslave, que efetivamente tem muito pouco da demo que vazou,
chegou finalmente as lojas em novembro de 2002 e vem fazendo um moderado
sucesso desde então (ganhou disco de ouro pela venda de 500.000 cópias
ainda antes do final de 2002). A estréia do Audioslave nos palcos foi no
programa Late Show with David Letterman no dia 25 de novembro, ainda em
2002. Depois de mais alguns shows isolados no currículo em dezembro, a
banda passa boa parte de 2003 excursionando para divulgar o álbum.
O futuro de um projeto como esse é sempre imprevisível, mas depois de todos
os percalços já enfrentados pelo grupo, não é insensato prever uma longa e
estável carreira daqui para frente. Ao menos, é o que transparece no
entusiasmo das entrevistas. Segundo Tom Morello, o Audioslave compôs mais
nos últimos oito meses do que o Rage Against the Machine em oito anos, e a
possibilidade de trabalhar com Cornell abriu a possibilidade de trabalhar as
melodias nos vocais, um território não explorado durante a carreira do Rage.
E acrescenta: "Não é só melodia nos vocais, é o freakin’ Chris Cornell!".
Depois do lançamento do disco debut a banda mostrou que continuava firme e
forte no cenário musical e colocou nas lojas o álbum Out of Exile, segundo da
carreira. O material mais uma vez contou com a produção de Rick Rubin, que
trabalhou ao lado do grupo no disco de estréia, e mostra um Audioslave mais
entrosado, conciso, dosando o peso e o potencial pop das músicas, e tem como
principais destaques faixas como "The Curse", "Doesn't Remind Me", "Be
Yourself" e "Your Time Has Come".
"Out of Exile" obteve grande repercussão nas paradas, conquistando o topo na
Billboard e em diversos outros países. Para o lançamento, a banda viajou a
Cuba para fazer uma inédita apresentação na ilha de Fidel Castro. O show foi
gravado para lançamento em DVD, batizado de Live in Cuba, o material é
fruto de um registro de uma apresentação da banda na praça do
antiimperialismo, indo contra a política americana de embargo imposta àquele
país em Havana e traz, além de faixas ao vivo, um documentário sobre a
passagem do grupo pelo país. Na seqüência, a banda partiu para uma turnê
européia, onde a novidade foi a inclusão de clássicos do Soundgarden e Rage
Against the Machine no setlist. Antes de excursionar nos EUA, a banda voltou
ao estúdio para trabalhar em novas músicas sem perder o embalo.
Em 2006, foi lançado o terceiro (e último) álbum da banda, Revelations. No
ano seguinte, com o anúncio de uma reunião do Rage Against the Machine
durante o Festival Coachella de 2007 826 e com Chris Cornell anunciando sua
saída da banda, alegando "diferenças irreconciliáveis",827 o Audioslave chegou
ao seu fim.

Projetos solo
Foi anunciado no ano de 2007 que Chris Cornell não era mais o vocalista do
Audioslave. Ele anunciou que estava deixando a banda por causa das
tradicionais diferenças artísticas, e um pouco de divergência pessoal. "Devido
a conflitos de personalidade que não podem ser resolvidos, assim como
diferenças musicais, estou deixando permanentemente a banda Audioslave.
Desejo aos outros três membros nada além do melhor em seus futuros
empreendimentos", dizia o comunicado de Cornell.
O Audioslave foi formado em 2002 por Cornell, ex-Soundgarden, e três ex-
integrantes do Rage Against the Machine, Tom Morello, Tim Commerford e
Brad Wilk. O álbum Revelations, último da banda antes da separação, foi
lançado em setembro de 2006, mas o Audioslave não entrou em turnê, um dos
motivos teria sido o segundo trabalho solo do vocalista, que estava sendo
produzido.
Cornell lançou no mesmo ano a música "You Know My Name", tema de 007:
Cassino Royale. O álbum Carry On chegou às lojas americanas em julho.
Enquanto isso, o Rage Against the Machine anunciava um show de reunião no
festival de Coachella de 2007, que aconteceu em abril deste ano. O guitarrista
Tom Morello garantiu que a reunião iria durar apenas durante o evento, e que
na ocasião também estava trabalhando em seu próprio álbum.
826
SANCHES, Maria Luciana (23 de janeiro de 2007). Rage Against the Machine vai se reunir.
Omelete. iG. Acessado em 2007-02-18.
827
SANCHES, Maria Luciana (17 de fevereiro de 2007). Chris Cornell deixa o Audioslave.
Omelete. iG. Acessado em 2007-02-18.
Em 2010 Cornell anunciou em seu twitter a reunião do Soundgarden.

Integrantes
Durante toda a sua existência, a banda manteve a mesma formação:
•Chris Cornell - (vocal)
•Tom Morello - (guitarra)
•Tim Commerford - (baixo e vocal de apoio)
•Brad Wilk - (bateria)

Discografia

Álbuns de estúdio
•2002 - Audioslave
•2005 - Out of Exile
•2006 - Revelations

Demos
•2001 - Civilian Demo

Compactos
Ano Música U.S. Hot U.S. U.S. U.S. Pop UK Hot Álbum
100 Modern Mainstr 100 Singles Digital
Rock eam Chart Songs
Rock
2002 "Cochise69 9 2 - 24 - Audiosla
" ve
2003 "Like a 31 1 1 - - -
Stone"
2003 "Show 67 4 2 - - -
Me How
to Live"
2004 "I Am 66 3 2 - - -
the
Highwa
y"
2004 "What - 17 8 - - -
You
Are"
2005 "Be 32 1 1 33 40 13 Out of
Yourself Exile
"
2005 "Your - 12 12 93 - -
Time
Has
Come"
2005 "Doesn't 68 3 2 75 93 66
Remind
Me"
2006 "Out of - 14 9 - - -
Exile"
2006 "Origina 79 3 4 - 92 - Revelati
l Fire" ons
2006 "Revelat - 38 6 - - -
ions"

Videografia

DVD
•2003 - Audioslave
•2005 - Live in Cuba

Vídeos musicais
•2002: "Cochise"
•2003: "Like a Stone"
•2003: "Show Me How To Live"
•2005: "Be Yourself"
•2005: "Your Time Has Come"
•2005: "Doesn't Remind Me"
•2006: "Original Fire"
•2006: "Revelations"
•2007: "Until We Fall" - (exclusivo do fã clube)
Ligações externas
•Página oficial da banda

Soul Asylum
Soul Asylum
Informação geral
Origem Minneapolis, Minnesota
País Estados Unidos
Gêneros Rock alternativo
Período em atividade 1983 - Presente
Gravadora(s) A&M Records
Columbia Records
Legacy Recordings
Twin Tone Records
Página oficial http://www.soulasylum.com/
Integrantes
David Pirner
Dan Murphy
Michael Bland
Tommy Stinson
George McKelvey
Ex-integrantes
Karl Mueller
Pat Morley
Grant Young
Sterling Campbell
Ian Mussington
Soul Asylum é uma banda de rock alternativo formada em Minneapolis,
Minnesota, Estados Unidos, em 1983.828
Tudo começou em 1981 com Dan Murphy, Dave Pirner, Karl Mueller e Pat
Morley. Morley foi mais tarde substituído por Grant Young em 1984. A banda
gravou três discos com a gravadora Twin/Tone Records e dois com a A&M
Records, tendo atingido pouco sucesso. Contudo em 1992, a banda lançou o
álbum que atingiu a dupla platina, Grave Dancers Union, que conseguiu
ganhar um Grammy Award pelo single "Runaway Train". Conseguiram
igualmente atingir mais um disco platina com o álbum Let Your Dim Light
Shine três anos mais tarde, mas acabou por ser o último álbum de originais da
banda. A Mueller tinha sido diagnosticado um cancro em 2004, o que levou a
banda a realizar um concerto de beneficência, tendo um ano mais tarde não
resisitido à doença. No final de 2007 a banda continuava a realizar concertos.

828
Sullivan, Denise. Soul Asylum. Allmusic. Página visitada em 2007-06-20.
História
A banda era uma versão de uma antiga banda, Loud Fast Rule, formada em
1981 pelo baterista Dave Pirner, o guitarrista e vocal de apoio Dan Murphy, e
o baixista Karl Mueller. Pirner foi rapidamente para vocalista principal e
guitarrista, enquanto Pat Morley tomou o seu lugar. Soul Asylum começou a
atuar nos arredores de Minneapolis, tendo rapidamente sido conhecidos pelos
seus concertos dinâmicos e energéticos.
No seu álbum de estreia de 1984, Say What You Will... Everything Can
Happen foi originalmente lançado em LP e cassete pela gravadora local, a
Twin/Tone. Acabou por não serem feitas muitas cópias, mas acabou por ser
lançado em CD com o nome de Say What You Will, Clarence...Karl Sold the
Truck, que incluía cinco faixas adicionais que tinham sido tiradas do álbum
original. Entre o lançamento deste e o segundo álbum, Grant Young juntou-se
ao grupo, ficando com o lugar na bateria que pertencia a Morley. Em 1986,
Soul Asylum lançou três álbuns, Made To Be Broken, seguido do lançamento
apenas em cassete de Time's Incinerator e de While You Were Out. Apesar da
crítica local e internacional, eles mantinham-se desconhecidos para o público
dos Estados Unidos.
A banda assinou contrato com a gravadora A&M Records em 1988. Pouco
tempo depois de lançarem o seu primeiro álbum pela A&M, foi lançado
igualmente o último disco pela gravadora Twin/Tone, a especulação instalou-
se ao afirmarem que este disco iria arruinar as sua hipótese de carreira de
sucesso com a A&M. O álbum foi chamado de Clam Dip & Other Delights de
1989, sendo uma paródia à A&M Records para o co-fundador Herb Alpert e
para o seu disco Whipped Cream & Other Delights.
Após tocar diversos concertos acústicos no início dos anos 90, a banda
escolheu a gravadora Columbia Records. Em 1992 lançaram Grave Dancers
Union, que acabou por se tornar o seu maior sucesso. No ano seguinte, Soul
Asylum receberam um Grammy para a melhor canção rock, pelo single
"Runaway Train”. Este single apresentava fotografias e nomes de crianças
desaparecidas por todo o país. No final do vídeo, Pirner aparece dizendo "Se
você viu algumas dessas crianças, ou é alguma delas, por favor ligue para esse
número".
Antes do lançamento do próximo disco, o baterista Grant Young foi despedido
e substituido por Sterling Campbell. Campbell tinha participado na percussão
do álbum Grave Dancers Union, tendo de fato realizado mais de metade do
trabalho de bateria do disco. 829 No álbum seguinte, Let Your Dim Light Shine,
a faixa "Misery" atingiu o Top 20, mas o álbum em si não conseguiu atingir o
sucesso do anterior. Em 1997 a banda atuou num concerto de beneficência no
Dakota do Norte, para estudantes que perderam grande parte dos seus
haveres nas inundações do Rio Red em 1997. 830 Algumas da músicas tocadas
nesse concerto foram mais tarde editadas em After the Flood: Live from the
Grand Forks Prom, June 28, 1997 em 2004. A banda lançou no ano seguinte
Candy from a Stranger. O disco teve pouco sucesso e acabaram por romper
contrato com a gravadora Columbia Records. Dave Pirner tornou-se num
grande amigo de Kevin Smith, um fã da banda de há muito tempo. A banda
tinha contribuído na música de três filmes de Kevin, Clerks, Clerks II, e
Chasing Amy.
Em Maio de 2004, foi diagnosticado ao baixista Karl Mueller um cancro na
garganta tendo entrado em tratamento. Já em Outubro do mesmo ano foi
realizado um concerto para ajudá-lo, tendo participado algumas banda e
músicos, incluindo Soul Asylum, os Gear Daddies, Paul Westerberg, e antigos
membros de Hüsker Dü, Bob Mould e Grant Hart, tendo conseguido angariar
50 mil dólares. 831 Na altura a doença de Mueller estava estacionária, tendo
mesmo atuado com os seus companheiros. Mueller gravou o seu último disco
com a banda, lançado em 2006, The Silver Lining. Seria o primeiro disco com
faixas novas em oito anos, desde Candy from a Stranger. Contudo, mais tarde
a doença voltara e Mueller não resistiu, tendo morrido em sua casa a 17 de
Junho de 2005.
Em finais de 2005, o ex-baixista de Replacements e atual baixista dos Guns N'
Roses Tommy Stinson e o antigo baterista de Prince Michael Bland, juntaram-
se num tributo a Karl Mueller.

Discografia

Álbuns de estúdio
•Say What You Will, Clarence...Karl Sold the Truck (1984)
•Made To Be Broken (1986)
•While You Were Out (1986)
•Time's Incinerator (1986)
•Hang Time (1988)
•And the Horse They Rode in On (1990)

829
[5]
830
Soul Asylum Gets Prom Date. RollingStone.com (1997-05-27). Página visitada em 2007-06-
16.
831
Devenish, Colin (2004-10-24). Husker Du Men Reunite. RollingStone.com. Página visitada
em 2007-06-17.
•Grave Dancers Union (1992)
•Let Your Dim Light Shine (1995)
•Candy from a Stranger (1998)
•The Silver Lining (2006)

Compilações
•Black Gold: The Best of Soul Asylum (2000)
•Closer to the Stars: Best of the Twin/Tone Years (2006)
•Welcome To The Minority – The A&M Years 1988-1991 (2007)

Ao vivo
•After the Flood: Live from the Grand Forks Prom, June 28, 1997 (2004)

EPs
•Clam Dip & Other Delights (1989)

Ligações externas
•Página oficial da banda
•Página da banda no Myspace
•Vídeos da banda
Este artigo é um esboço sobre uma
banda ou grupo musical dos Estados
Unidos,
integrado ao Projeto Música. Você
pode ajudar a Wikipédia Asylum
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Silverchair
Silverchair
Silverchair em concerto, 10 de Agosto de 2006
Informação geral
Origem Newcastle
País Austrália
Gêneros Grunge
Rock alternativo
Post-grunge
Art rock
Período em atividade 1992 — atualmente
Gravadora(s) Murmur, Epic, Eleven
Página oficial www.ChairPage.com
Integrantes
Daniel Johns
Chris Joannou
Ben Gillies
Silverchair é uma banda australiana de Rock Alternativo formada em 1992 por
Daniel Johns, Chris Joannou e Ben Gillies. A banda tem sido muito bem
sucedida na indústria musical australiana, conseguindo inúmeros prêmios
importantes, como o ARIA Awards, com um recorde de vinte vezes.832 A banda
também recebeu seis APRA Awards.833834
Obtiveram sucesso quando uma de suas primeiras canções, "Tomorrow",
ganhou uma competição local de música pela rede de televisão australiana
SBS. A banda foi logo contratada pela Murmur e foi muito bem sucedida em
concertos nacionais e internacionais. Em 2003, após o lançamento do álbum
Diorama, a banda anunciou um hiato, durante o qual seus membros se
engajaram nos projetos paralelos The Dissociatives, The Mess Hall, e
Tambalane. Reuniram-se novamente em 2005, no Wave Aid, e em seguida
lançaram Young Modern. Estão atualmente na turnê intitulada Across the
Great Divide, com a banda Powderfinger.

832
Winners by artist: Silverchair. Australian Recording Industry Association. Página visitada
em 2008-02-04.
833
APRA Music Awards - 2008 Nominations. Australasian Performing Right Association. Página
visitada em 2008-06-19.
834
Cameron Adams. " Silverchair's Straight Lines wins top APRA award", 'Herald Sun', 17 June
2008. Página visitada em 2008-06-19.
O som do Silverchair tem evoluído ao longo de sua carreira, com diferentes
estilos em álbuns específicos tornando-se cada vez mais ambiciosos ao longo
dos anos, do grunge e pós-grunge do seu álbum de estréia para um som mais
orquestrado. As composições do Daniel Johns têm evoluído substancialmente,
enquanto a banda tem adicionado elementos mais complexos em seus últimos
trabalhos.

Biografia

Formação e primeiro álbum (1992–1996)


Em 1992, os colegas de turma do ensino fundamental, Daniel Johns e Ben
Gillies começaram a tocar juntos. Quando entraram para a Newcastle High
School, os colegas de turma Chris Joannou e Tobin Finnane entraram para a
banda como baixista e guitarrista, respectivamente. O quarteto formou a
banda "Innocent Criminals"835, que tocava versões de bandas como Midnight
Oil, Deep Purple, Led Zeppelin, Black Sabbath e Nirvana. Mais tarde, Tobin
Finnane mudou-se para Inglaterra por causa do trabalho de seu pai. Restaram
apenas três integrantes, Daniel Johns (vocal e guitarra), Ben Gillies (bateria) e
Chris Joannou (baixo), que continuaram a tocar nos intervalos entre as aulas
em sua própria escola. Com o tempo, Daniel começou a compor suas próprias
canções. Depois de chamarem a atenção do jornal local Newcastle Mercury, a
banda passou a ter mais tempo e um local próprio para ensaios.
Eles passaram a fazer alguns concertos na região de Hunter Valley, mas não
foram muito bem sucedidos na competição Youthrock em 1994, destinada a
bandas escolares.836 A banda deslanchou em 1994, após vencer uma
competição nacional chamada "Pick Me", realizada pelo programa de televisão
Nomad da rede SBS e pela rádio alternativa Triple J, com a canção
"Tomorrow".837 Por muitos anos, disseram que o nome Silverchair veio de um
erro de escrita de "Sliver Chair", retirado das canções "Sliver" do Nirvana e
"Berlin Chair" do You Am I, mas em 2007 assumiram em uma entrevista a
versão oficial: o nome vem da obra de C.S. Lewis, "As Crônicas de Nárnia: A
Cadeira de Prata" (The Chronicles Of Narnia: The Silver Chair).838

835
Stephen Thomas Erlewine, Andrew Leahey. Silverchair > Biography. Allmusic. Página
visitada em 2008-02-03.
836
Past performers. YouthRock. Página visitada em 2008-08-14.
837
Interview: Silverchair. Silent Uproar (3 February 2007). Página visitada em 2008-02-15.
838
"Interview with Daniel Johns", 'Hitkrant', 1 June 1996.
A popularidade da banda os rendeu um contrato para a gravação de três
álbuns com a Sony Music, e sua gravação do Triple J foi lançada em Agosto de
1994. O compacto permaneceu no topo da parada da ARIA por seis
semanas.839 Em 1995, uma versão regravada de "Tomorrow" (e um novo vídeo)
foi lançada para o mercado norte-americano, tornando-se a canção mais
tocada nas rádios daquele país naquele ano.840O primeiro álbum do
Silverchair, Frogstomp, foi gravado em apenas nove dias e lançado em 1995.
Todos os integrantes da banda tinham apenas quinze anos e ainda estavam no
segundo grau.841842Todas as letras foram baseadas em fatos fictícios, tendo
como inspiração programas televisivos, tragédias locais e percepções de
problemas dos amigos. O álbum foi bem recebido; as revistas Allmusic e
Rolling Stone deram-no de 4 a 4,5 estrelas respectivamente, devido a
intensidade do mesmo, especialmente do hit "Tomorrow".843844Atingido o
primeiro lugar na Austrália e na Nova Zelândia, Frogstomp ficou entre os 10
mais do Billboard 200, a conseguir tal feito desde o INXS. O álbum vendeu
mais de 2,5 milhões de cópias em todo o mundo.845 Como Frogstomp e
"Tomorrow" continuaram a ganhar popularidade ao longo do ano, a banda
entrou em turnê com Red Hot Chili Peppers e tocaram no teto do Radio City
Music Hall, enquanto ainda continuavam a estudar em Newcastle.846 Num
caso de assassinato em janeiro de 1996, o advogado de defesa de Brian
Bassett, dezesseis anos, e Nicholaus McDonald, dezoito, afirmou que a canção
"Israel's Son", de Frogstomp, foi a grande inspiradora dos assassinatos dos
pais de Bassett. A banda declarou que eles nunca aprovariam tais atos de
violência, e o caso de defesa foi negado.847

Sucesso comercial e de crítica (1997–2001)


Ainda sob efeito do sucesso de Frogstomp na Austrália e nos Estados Unidos,
o Silverchair começou a gravar seu segundo álbum, Freak Show em 1997. O
álbum conseguiu colocar três compactos nas 10 mais da Austrália - "Freak",
"Abuse Me" e "Cemetery". O quarto compacto, "The Door", ficou em #25.848As
canções tratavam da raiva e do recuo que as expectativas do álbum
Frogstomp recaíram sobre a banda.849 Freak Show recebeu disco de ouro nos
EUA,850 e vendeu cerca de 1,5 milhões de cópias.851

839
Silverchair Discography. australian-charts.com. Página visitada em 2008-02-03.
840

841

842
Silverchair: Frogstomp. Rolling Stone (2 February 1998). Página visitada em 2008-02-13.
843

844
Stephen Thomas Erlewine. Frogstomp > Overview. Allmusic. Página visitada em 2008-02-
13.
845
846
Artist :: Silverchair. Australian Music Online. Página visitada em 2008-08-11.
"Attorney wants to open teen's murder trial with rock song", 'Seattle Post-Intelligencer', 18
847

January 1996.
848

849
Simon Wooldridge. "Freak Show Review", 'JUICE', fevereiro 1997.
850
Gold and Platinum - Silverchair. RIAA. Página visitada em 2008-02-17.
851
Silverchair. Rage. abc.net.au (4 September 1999). Página visitada em 2008-07-22.
Depois de se formar na escola, a banda pode dedicar mais tempo à criação do
próximo álbum, Neon Ballroom, em 1999. A princípio, a banda tinha decidido
tirar férias por doze meses, mas mudaram de ideia e decidiram dedicar seu
tempo fazendo música.852 Neon Ballroom resultou em quatro compactos;
"Anthem for the Year 2000", "Ana's Song", "Miss You Love" e "Paint Pastel
Princess", três dos quais atingiram as 50 mais do ARIA Charts.853
Tanto Freak Show quanto Neon Ballroom lideraram a parada da ARIA,
fazendo deles o segundo e terceiro álbuns da banda, respectivamente, a
conseguirem tal façanha.854 Os álbuns venderam bem no exterior; Freak Show
atingiu o #2 no Canadá e Neon Ballroom, o #5.855 "Freak", "Abuse Me" e
"Cemetery" ficaram entre as 10 mais na Austrália,856e "Abuse Me" conseguiu o
#4 no Hot Modern Rock Tracks e Hot Mainstream Rock Tracks charts.857
"Anthem for the Year 2000" foi o single mais bem sucedido de Neon Ballroom,
ficando em #3,858enquanto "Ana's Song (Open Fire)" conseguiu o #12 no Hot
Modern Rock Tracks.859
Em 1999, Daniel Johns anunciou que havia desenvolvido uma disfunção
alimentar devido à ansiedade. Johns disse que a letra da canção "Ana's Song
(Open Fire)" tratava dessa desordem, onde ele dizia "comer o que precisava …
para continuar vivo".860 Johns depois revelou que ele tinha escrito Neon
Ballroom enquanto estava sofrendo da tal desordem, e que odiava música
enquanto isso, mas sentiu que tinha que compor de qualquer forma.861
O grupo saiu em uma grande turnê mundial, levando o álbum Neon Ballroom
a um sucesso maior do que tinham conseguido com Freak Show. A jornalista
Neva Chonin da revista Rolling Stone atribuiu tal sucesso ao som mais maduro
do álbum.862 Na Europa e América do Sul, esse álbum tornou-se o mais famoso
da banda até então, levando a banda a festivais em Reading e Edgefest, entre
outros.863 A única performance ao vivo de Silverchair em 2000 foi no Falls
Festival em 31 de Dezembro.864 Em 21 de Janeiro de 2001, a banda tocou para
cerca de 250 mil pessoas no Rock in Rio, um concerto que eles mesmos
descreveram como sendo o ápice de suas carreiras.865 Após a turnê, a banda
anunciou que tiraria uma folga de doze meses.866
852
Richard Kingsmill (2000-11-29). Daniel Johns of silverchair speaks to Richard Kingsmill.
Triple J. abc.net.au. Página visitada em 2008-02-04.
853

854
Silverchair Make Chart History. DIG Radio. abc.net.au (12 April 2007). Página visitada em
2008-05-22.
855
Silverchair > Charts & Awards > Billboard Albums. Allmusic. Página visitada em 2008-03-
11.
856
857
Silverchair > Charts & Awards > Billboard Singles. Allmusic. Página visitada em 2008-03-
12.
858

859

860
Blair R. Fisher (1999-07-11). Silverchair Frontman Reveals Battle with Anorexia. Rolling
Stone. Página visitada em 2008-01-15.
861
Christine Sams (2004-06-06). Anorexia almost killed me: Daniel Johns. Sydney Morning
Herald. Página visitada em 2008-02-05.
862
Neva Chonin (1999-03-18). Silverchair: Neon Ballroom. Rolling Stone. Página visitada em
2008-02-05.
863
Reading Festival - Reading, UK. Silverchair. Página visitada em 2008-02-05.
864
Les Thomas. Silverchair, The Falls Festival, Lorne, Victoria, 31/12/00. Massive Magazine.
Silverchair. Página visitada em 2008-02-06.
865
Silverchair. Long Way To The Top. abc.net.au. Página visitada em 2008-02-03.
866
Após o lançamento de Neon Ballroom, o contrato de três álbuns com a Sony
Music havia terminado. A banda foi contactada por várias gravadoras durante
seu tempo longe dos holofotes. Ao final desse período, eles anunciaram que
assinariam contrato com a Atlantic Records para as Américas do Sul e do
Norte, bem como lançariam seu próprio selo, Eleven: A Music Company, para
Austrália e Ásia. Após o anúncio, a Sony lançou The Best of Volume 1 sem o
consentimento da banda.867

Diorama (2001–2002)
Em junho de 2001, o Silverchair entrou em estúdio em Sydney com o produtor
David Bottrill (da banda Tool, Peter Gabriel e King Crimson) para começar a
trabalhar em seu quarto álbum, Diorama. Dessa vez, Daniel Johns assumiu
formalmente o papel de co-produtor.868 O álbum, o qual Johns descreveu como
"um mundo dentro de um mundo",869 surgiu de seu novo método de compor
maior parte das músicas no piano, uma técnica que ele desenvolveu durante o
período em que a banda estava separada.870 Para completar sua visão de
Diorama, vários outros músicos foram convidados para contribuir com o
álbum, incluindo Van Dyke Parks, o qual contribuiu com arranjos orquestrais
em "Tuna in the Brine", "Luv Your Life" e "Across the Night".871 Paul Mac, Jim
Moginie e Yon Garfias também colaboraram com a banda.872 Enquanto
gravava Diorama, Johns se intitulou um "artista", mais do que simplesmente
um integrante de uma "banda de rock". Quando o álbum foi lançado, os
críticos comentaram que o mesmo era mais artístico que os anteriores.873874
O primeiro compacto de Diorama, "The Greatest View" foi lançado na
Austrália no início de Dezembro para coincidir com a aparição da banda na
turnê Big Day Out.875 Durante a turnê, a artrite reativa de Daniel Johns tornou-
se um problema, dificultando com o que o mesmo tocasse guitarra.876877

867

868
David John Farinella (1 January 2003). Silverchair interview. Mix. Página visitada em 2008-
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Daniel Johns wows fans with buff bod. NineMSN (6 August 2007). Página visitada em 2008-
04-09.
Diorama atingiu o topo da parada da ARIA, e passou cinquenta semanas entre
as 50 mais.878Cinco compactos foram lançados; "The Greatest View", "Without
You", "Luv Your Life", "Across the Night" e "After All These Years". Desses,
"The Greatest View" foi o mais famoso, atingindo o #3 da ARIA.879O álbum foi
um sucesso no ARIA Awards de 2002, ganhando cinco prêmios, incluindo
"Melhor Álbum de Rock" e "Melhor Grupo".880A banda tocou "The Greatest
View" na cerimônia, e a canção havia sido nomeada para "Melhor Vídeo".881 O
álbum, e seus singles, foram indicados em vários prêmios no 2003.882Após a
premiação ARIA Awards em 2002, a banda anunciou que iria dar um tempo.
Johns disse que era necessário "já que a banda existia há uma década e ainda
que tinham, em média, apenas 23 anos de idade".883884

Projetos paralelos (2005)


Em 2000, enquanto estava no Silverchair, Johns e Paul Mac lançaram na
Internet o EP I Can't Believe It's Not Rock. Após ter dado tempo da banda, os
dois formaram a banda The Dissociatives, lançando o álbum homônimo em
2004.885 Johns também colaborou com a então esposa Natalie Imbruglia em
seu álbum Counting Down the Days, lançado em Abril de 2005.886 Enquanto
isso, Joannou trabalhou no projeto paralelo The Mess Hall, produzindo o
segundo álbum deles, Feeling Sideways.887 O álbum foi indicado para o ARIA
Award como "Melhor Álbum Independente" em 2003.888 Gillies também
trabalhou em um projeto paralelo; lançando um álbum homônimo com a banda
Tambalane, e saindo em turnê na Austrália.889
Após o desatre da tsunami no final de 2004, o Silverchair se reuniu em um
concerto beneficente no Wave Aid em Sydney em 2005, com o intuito de
arrecadar fundos para ajudar organizações que trabalhavam nas áreas
afetadas pelo desastre. Ao mesmo tempo, a banda decidiu se reunir
novamente.890 Como reflexo da ocasião, Gillies resumiu a uma "química"
especial entre os membros da banda, dizendo ao The Sydney Morning Herald
"Nos levou apenas quinze anos, mas recentemente nos demos conta de que
temos algo especial e de que d