Andrew Warhola (6 de agosto de 1928 - 22 de febrero de 1987), más comúnmente

conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que
desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa
carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo
en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil
relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como
enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales,
celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes
urbanos. Ha sido objeto de numerosos análisis, exposiciones de arte, libros y películas,
como el documental "I Shot Andy Warhol".

Una de las aportaciones más populares de Warhol fue su declaración sobre los "15
minutos de fama".

Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras como
pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas
exposiciones retrospectivas, libros y documentales. No en vano, está considerado como
uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

Infancia [editar]

Andy Warhol nació en Pittsburgh, Pennsylvania,[1] tercer hijo del matrimonio de clase
obrera entre Andrij Warhola y Ulja (Julia) Warhola. Sus padres eran inmigrantes de
etnia rusyn, originarios de Miková (antiguo Imperio Austro-Húngaro, actualmente al
noroeste de Eslovaquia). El señor Warhol padre habría emigrado a los Estados Unidos
en 1914, y trabajaba en la minería del carbón. La madre se reunió con él en 1921, tras la
muerte de los abuelos de Andy. Sus dos hermanos mayores habían nacido en Europa. La
familia vivió en el 55 de la calle Beelen, y posteriormente en el 3252 de Dawson Street,
en el barrio de Oakland, en Pittsburgh.[2] La familia era creyente del rito católico
bizantino, y asistía al templo católico bizantino de San Juan Crisóstomo.

En tercero de primaria, Warhol sufría de Corea de Sydenham (también llamado baile de

San Vito), una afección del sistema nervioso que causa movimientos incontrolados de
las extremidades, que se cree relacionada con la escarlatina y que está provoca
desórdenes en la pigmentación en la piel. El joven Andy fue desde entonces un
hipocondríaco, y desarrolló auténtico pavor a los doctores y los hospitales. Pasó buena
parte de su infancia postrado en una cama y se convirtió en un proscrito entre sus
compañeros de clase, desarrollando una fuerte fijación hacia su madre.[3] Mientras
estaba en la cama dibujaba, oía la radio y coleccionaba imágenes de estrellas de cine
que colocaba alrededor de su cama. Warhol definió esta etapa como muy importante en
el desarrollo posterior de su personalidad, sus habilidades y sus gustos.

Principios de su carrera [editar]

Warhol mostró un talento artístico precoz y decidió estudiar "arte comercial" en la

escuela de Bellas Artes del Instituto Técnico de Carnegie de Pittsburgh (actualmente la
Carnegie Mellon University). En 1949 se desplazó a Nueva York, donde comenzó una
exitosa carrera como ilustrador en revistas y publicidad. Durante la década de los 50
ganó cierta reputación por sus caprichosas ilustraciones para unos anuncios de zapatos.
Eran unos dibujos a tinta, bastante sueltos y emborronados, y figuraban entre la obra
expuesta en una de sus primeras exposiciones en Nueva York, en la Bodley Gallery. La
difusión de la nuevas tecnologías del vinilo y la alta fidelidad, las empresas
discográficas se encontraron en un contexto comercial completamente nuevo que no
tardarían en explotar. RCA contrató a Warhol y a Sid Maurer -entre otros artistas
freelance- para el departamento de diseño de portadas de discos, cartelería y material
promocional.[4]

Los años 60

La serie de Latas de sopa Campbell, también conocida como 32 latas de sopa

Campbell,[5] fue producida por Warhol en 1962 y es uno de sus trabajos más conocidos.

Su primera exposición individual en una galería de arte[6] [7] fue el 9 de julio de 1962 en
la Ferus Gallery de Los Angeles, California. La exposición marcó el debut del pop art
de la West Coast.[8] La primera exposición individual de Warhol en Nueva York fue en la
Stable Gallery de Eleanor Ward, del 6 al 24 de noviembre de 1962. La exposición ya
incluía obras como "El díptico de Marilyn", "100 Latas de sopa", "100 botellas de cola"
y "100 billetes de dólar". En dicha exposición el artista se encontró por primera vez con
John Giorno, que con el tiempo actuaría en la primera película de Warhol, "Sueño"
(1963).

Fue durante los años 60 cuando Warhol empezó a pintar imágenes de productos
comerciales icónicos, como latas de Sopa Campbell o botellas de Coca-Cola. Estos
objetos eran para él iconos culturales estadounidenses al mismo nivel que Marilyn
Monroe, Troy Donahue o Elizabeth Taylor, que retrataba mediante un procedimiento
muy similar. En esta época funda "The Factory", su estudio y al mismo tiempo un
ineludible punto de reunión de la vanguardia neoyorquina por la que pasaron artistas,
escritores, modelos, músicos y celebridades del pujante underground. El taller, cubierto
de hojas de papel de aluminio y decorado en color plata, estaba en la calle 47th (más
tarde se mudaría a Broadway). Plásticamente, empezó a producir grabados serigráficos.
Su obra empezó a ser muy conocida y desató ciertas polémicas sobre el papel del artista
y los fines del arte.

Warhol desarrolló una imaginería personal a partir de objetos completamente

impersonales, como billetes de dólar o nuevos productos de moda. Utilizaba imágenes
propias de los medios de masas -periódicos y carteles, pero sobre todo televisión- para
definir un Olimpo particular compuesto de símbolos de la cultura americana, como la
silla eléctrica, las fotografías de cargas policiales contra manifestantes por los derechos
civiles, o retratos de celebridades.[9] La botella de Coca-Cola se convirtió para él en un
tema pictórico. Sobre esto, declararía:

Lo que es genial de este país es que América ha iniciado una tradición en la que los
consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres.
Puedes estar viendo la tele y ver la Coca-Cola, y sabes que el Presidente bebe Coca-
Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola, y piensas que tú también puedes beber Coca-Cola.
Una cola es una cola, y ningún dinero del mundo puede hacer que encuentres una cola
mejor que la que está bebiéndose el mendigo de la esquina. Todas las colas son la
misma y todas las colas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el Presidente lo sabe, el
mendigo lo sabe, y tú lo sabes.[10]
El MOMA de Nueva York organizó un simposio sobre arte pop en dicimebre de 1962, y
algunos artistas -entre ellos Warhol- fueron atacados por "rendirse" al consumismo. Para
las sofisticadas élites que dictaban la crítica de arte, el entusiamo que Warhol sentía por
la cultura de mercado resultaba embarazoso e inadmisible. Este simposio definió el tono
en que se iba a recibir la obra de Warhol, aunque a lo largo de la década siguiente iba a
hacerse cada vez más evidente que se habían dado profundos cambios en la cultura y el
mundo del arte, y que Warhol había jugado un papel esencial en ese viraje.

Un evento crucial fue la exhibición "The American Supermarket" (en esp., "El
supermercado americano"), una muestra celebrada en la Paul Bianchinni Gallery del
Upper East Side de Manhattan, en 1964. La exposición estaba organizada como el típico
pequeño supermercado estadounidense, aunque los "productos" exhibidos -conservas,
carne, posters, etc- eran obra de seis prominentes artistas del pop, como Mary Inman,
Robert Watts o el controvertido -y mentalmente afín a Warhol- Billy Apple. La
contribución de Warhol era una pintura de una lata de sopa Campbell, valorada en 1.500
$, mientras que una auténtica lata autografiada costaba 6 $. La exposición fue uno de los
primeros actos públicos en los que se confrontó al público con el pop art y la cuestión
planteada por las vanguardias clásicas acerca de qué podía ser arte.

Como ya había hecho en su etapa de ilustrador comercial en los 50, Warhol recurrió a
asistentes para aumentar la productividad de su taller artístico. Esta colaboración
también planteó encarnizadas polémicas sobre sus métodos de trabajo y su valor como
arte, especialmente durante los años 60. Uno de los colaboradoes más importantes con
que contó en esta época fue Gerard Malanga. Malanga ayudó a Warhol en la producción
de serigrafías, películas, esculturas y otras obras producidas en "The Factory". Otros
colaboradores esporádicos fueron Freddie Herko, Ondine, Ronal Travel, Mary
Woronov, Billy Name y Brigid Berlin, que fue quien, al parecer, le dio la idea de grabar
sus conversaciones telefónicas.

Durante los años 60 Warhol también reunió a una variopinta comitiva de excéntricos y
bohemios, a quien él designaba como las "Superstars", y que incluía a Edie Sedgwick,
Viva y la célebre Ultra Violet. Todos ellos solían actuar en las películas de Warhol, y
algunos, como Berlin, mantuvieron una estrecha amistad con el artista hasta su muerte.
Su relación con artistas de otros ámbitos, como el escritor John Giorno o el cineasta
Jack Smith (que también figuró en algunos cortos de Warhol) revelaba su estrecha
relación con distintas clases de producción artística. Hacia el final de esa década el
mismo Warhol se había convertido en una celebridad y aparecía frecuentemente en la
prensa, escoltado por alguno de sus compañeros en la Factory.

En 1965 conoce al grupo de música The Velvet Underground liderado por Lou Reed y
en poco tiempo se vuelve manager del grupo, añadiendo a su amiga, la cantante
alemana, Nico. En 1967 sale al mercado el disco de los Velvet llamado The Velvet
Underground and Nico: Andy Warhol, que fue producido por este último. Ese mismo
año, por diferencias con el resto del grupo, Nico se retira y los servicios de Warhol ya
no son necesitados. En 1969 comienza a publicar su revista Interview.

Atentado [editar]
El 3 de junio de 1968, Valerie Solanas disparó a Warhol y al crítico de arte y comisario
Mario Amaya en la entrada al estudio de Warhol.[11]

Antes del atentado, Solanas había sido un miembro discreto del colectivo de la Factory.
Fundó una asociación llamada S.C.U.M. (Society for Cutting Up Men)[12] y redactó el
"Manifiesto S.C.U.M", un alegato feminista separatista contra el patriarcado (y que, con
el paso de los años, adquirió cierta resonancia).[13] Solanas también aparecía en la
película de Warhol "I, A Man" (1968). Al parecer, el día del atentado, Solanas había sido
expulsada de la Factory tras reclamar la devolución de un guión que le había dado a
Warhol y que, al parecer, había sido traspapelado.[14] Amaya sufrió sólo heridas
menores, y fue dado de alta ese mismo día. Warhol, sin embargo, recibió seis disparos y
apenas sobrevivió a la intervención de urgencia de seis horas de duración -durante la
que los médicos tuvieron que abrirle el pecho y masajear su corazón para estimular el
ritmo cardíaco de nuevo-. Las secuelas de este ataque le acompañarían el resto de su
vida, y no es de extrañar que por tanto el recuerdo del atentado dejase una marca
profunda en el resto de la vida y la obra de Warhol.[15] [16] Solanas fue arrestada al día
siguiente de disparar. Como justificación a su ataque, declaró que "él tenía demasiado
control sobre mi vida", tras lo cual fue sentenciada a 3 años bajo el control del
departamento de reinserción. Tras el tiroteo, el acceso a la Factory quedó rígidamente
controlado, y en opinión de muchos esto causó el fin de la época de "la Factory de los
60".[16] El atentado, sin embargo, quedó bastante desdibujado en los medios debido al
asesinato de Robert F. Kennedy, dos días después.

A raíz del atentado sufrido, Warhol declaró que "antes de que me disparasen, siempre
pensé que estaba un poco poco más para allá que para acá. Siempre sospeché que
estaba viendo la tele en vez de vivir la vida".[17]

Años 70 [editar]

BMW M1 decorado por Warhol.

Comparados con la escandalosa (y exitosa) década de los 60, los 70 fueron años más
tranquilos para Warhol, que se fue convirtió en un emprendedor. Según Bob Colacello,
Warhol pasaba la mayor parte de su tiempo rondando a nuevas estrellas y personajes
famosos para proponerles un retrato. La lista incluía a Mick Jagger, Liza Minelli, John
Lennon, Diana Ross, Brigitte Bardot y Michael Jackson. El famoso retrato del líder
comunista chino Mao Zedong es de esta época (1973). También fundó, con el apoyo de
Gerard Malanga la revista "Interview", y publicó "La filosofía de Andy Warhol" (1975),
en la que exponía su pensamiento con rotundidad y sentido del humor:"Hacer dinero es
arte, y el trabajo es arte, y un buen negocio es el mejor arte". Warhol solía frecuentar
diversos clubes nocturnos de Nueva York, como el Max's Kansas City, el Serendipity 3
y, más adelante, el célebre Studio 54.[18] Normalmente se comportaba como un tranquilo,
tímido y meticuloso observador. El crítico de arte Robert Hughes le llamó "el lunar
blanco de Union Square".[19] Su estilo inicialmente rupturista fue progresivamente
asimilado por el circuito de galerías y por los círculos adinerados, a los que satisfacía
con retratos por encargo. Esta etapa es juzgada de manera dispar por la crítica actual. En
los años 70 hace retratos de sus amigos, clientes habituales de la discoteca Studio 54,
entre ellos Carolina Herrera, Liza Minnelli y Elizabeth Taylor. Es también en esta época
cuando es contratado por varios fabricantes de automóviles para pintar sus vehículos de
competición de una manera que llamen la atención, entre ellos la firma BMW. Así se
creó el art car. Dichos vehículos participaban sobre todo en las famosas 24 horas de Le
Mans. Son famosas sus cápsulas del tiempo en donde guardaba (desde el año 1974)
cosas cotidianas en cajas de cartón, como expone en Philosophy of Andy Warhol, su
primer libro. En 1979 exhibe, de manera importante, en el Whitney Museum de Nueva
York, su serie de retratos Portraits of the Seventies (Retratos de los Setenta).

Los años 80 [editar]

Warhol tuvo una segunda juventud para la crítica -y los negocios- durante los 80,
gracias en parte a su estrecha relación con algunas de las nuevas figuras el arte, que eran
en realidad quienes conducían la tendencia del mercado en aquel momento: Se trataba
de personajes como Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, David Salle y otras figuras
del así llamado neoexpresionismo. Warhol también frecuentaba la compañía de artistas
del movimiento de transvanguardia europea, como Francesco Clemente y Enzo Cucchi.
Por entonces Warhol era acusado de haberse convertido en un "artista de los
negocio".[20] En 1979 recibió algunas críticas poco favorables sobre sus exposiciones de
retratos de celebridades de los 70, críticas en las que su obra se tachaba de superficial,
fácil y comercial, carente de profundidad de la significación del tema. Esta actitud
crítica, debida en parte a las propias tendencias del mercado, hizo que su siguiente
exposición sobre "Genios Judíos"[20] (1980), expuesta en Nueva York, también fuese
recibida con frialdad.[21] Una mirada más atenta a la obra de Warhol ha hecho que
algunos críticos hayan creído ver en la "superficialidad" y "comercialidad" de Warhol
"uno de los reflejos más brillantes de nuestra época", señalando que "Warhol ha
capturado algo esencial sobre el zeitgeist de la cultura americana de los años
setenta".[20] Warhol siempre apreció el glamour de Hollywood. En una ocasión declaró

"Amo Los Angeles. Amo Hollywood. Son tan hermosos. Todo es plástico, pero amo el
plástico. Quiero ser plástico."[22]

En 1981 empieza a pintar detalles de cuadros de artistas renacentistas como Da Vinci,

Botticelli y Uccello. En 1983 hace el retrato del cantante español Miguel Bosé para la
portada del disco Made In Spain, también utilizada para el disco Milano-Madrid de este
mismo artista. Según las malas lenguas, la compañía discográfica de Bosé pagó una
fortuna por la colaboración de Warhol, quien hasta entonces apenas conocía al cantante.
Luego le mencionaría en algún libro como «hijo de un torero español». Warhol también
apareció en su videoclip Ángeles Caídos. Ese año visita Madrid, donde es recibido con
entusiasmo por Almodóvar, Fabio McNamara y otras personalidades de la cultura y la
vida social madrileña. A pesar de todo, la exposición que presentó en la ciudad se saldó
con poquísimas ventas.

En esa época, Warhol produce abundantes retratos de celebridades y magnates, no sólo

amistades o gente de su círculo, sino también diseñadores, empresarios y demás gente
adinerada, que por grandes sumas posan para Warhol. Entre ellos, el modisto Valentino.
Según él mismo contó, en una ocasión viajó a Europa para tomar polaroids de
empresarios alemanes, y basándose en tales fotografías elaboraba los retratos.

En 1986 pinta lo que serán sus últimas obras, autorretratos y retratos de Lenin y Mao
Tse Tung.
Muerte [editar]

Warhol murió en Nueva York a las 6:32 de la mañana del 22 de febrero de 1987.

Pensamiento [editar]

Sexualidad [editar]

Se ha opinado mucho sobre la asexualidad de Warhol, al igual que sobre su voyeurismo,

pero algunas especulaciones se han visto más o menos rebatidas por sus biógrafos
(como Victor Bockris), por socios de la Factory como Bob Colacello,[26] así como por
algunos estudiosos del arte como Richard Meyer.[27] La cuestión de la posible influencia
de la sexualidad de Warhol sobre su obra, y cómo modeló su relación con otras personas
se ha convertido en un tema esencial para los estudios de su obra, en tanto que es un
tema al que el propio Warhol se refirió en entrevistas y conversaciones con sus
contemporáneos, así como en varias de sus publicaciones.(por ej."Popism: The Warhol
Sixties). A lo largo de su carrera Warhol realizó numerosas fotografías de desnudos
masculinos. La mayoría de sus obras más conocidas -los retratos de Liza Minelli, Judy
Garland y Elizabeth Taylor, y películas como "Blow job", "My Hustler" y "Lonesome
Cowboys" tenían su origen en la subcultura gay y el underground, y se trataba de
exploraciones más o menos sistemáticas de la complejidad de la sexualidad y el deseo.
La mayoría de sus películas fueron estrenadas en cines X para homosexuales. Por ello
no es de extrañar que algunas de las dificultades iniciales de Warhol para lanzar su
carrera tenían que ver con el carácter sexual de su obra -así, los dibujos homoeróticos
que presentó a una galería para su primera exposición-, generalmente considerado
"demasiado abiertamente gay".[28] En "Popism", el artista menciona una conversación
con el cineasta Emile de Antonio sobre las dificultades que Warhol había tenido para ser
admitido en sociedad por artistas como Jasper Johns o Robert Rauschenberg, que
ocultaban al público su orientación homosexual. De Antonio sostuvo que Warhol tenía
"demasiada pluma, y eso les molestaba". Warhol se defendía diciendo que "no había
nada que pudiese decir al respecto. Era totalmente cierto. Así que decidí que no me iba
a preocupar, porque esas eran precisamente las cosas que no quería cambiar de ningún
modo, y no pensaba que debiese cambiarlas. Otras personas podían cambiar su
actitud, pero yo no."[29] [30] Revisando la biografía de Warhol, muchos se refieren al
período comprendido entre los últimos años 50 y los primeros 60 como un momento
clave en el desarrollo de su carácter. Algunos han sugerido que su habitual negativa a
comentar su obra, a hablar sobre sí mismo -limitándose en las entrevistas con responder
cosas del tipo "Um, no" y "Um, sí", o dejando que otros contestasen por él-, o incluso la
evolución de su estilo pop pueden haberse originado en los años en los que Warhol fue
"rechazado" por los elitistas círculos del arte de Nueva York.[31]

Creencias religiosas [editar]

Warhol era un creyente practicante del rito bizantino de la iglesia católica rutenia. Fue
voluntario en algunos albergues para vagabundos de Nueva York, particularmente
durante las épocas más complicadas del año, y se describía a sí mismo como una
persona religiosa.[32] Varias de las obras tardías de Warhol representan temas religiosos,
especialmente dos series tituladas "Detalles de pinturas renacentistas" (1984) y "La
última cena (1986). Tras su muerte, se localizaron dibujos de índole religiosa en su
apartamento.[32] A lo largo de su vida, Warhol asistió frecuentemente a la misa, y el
párroco de la iglesia a la que asistía Warhol -el templo de San Vicente Ferrer de Nueva
York- afirmó que el artista iba casi diariamente.[32] Se ha comentado que su estilo está
fuertemente influido por la tradición de la iconografía oriental cristiana, que ocupa un
lugar preminente en los lugares de culto. Su hermano, por otra parte, dijo de él que era
"profundamente religioso, pero no quería que la gente lo supiera porque (lo
consideraba) privado". A pesar de la naturaleza privada de sus creencias, la elegía de
John Richardson le retrata como una persona de gran devoción:"Tengo la certeza de que
él fue responsable de al menos una conversión. Estuvo bastante orgulloso de financiar
los estudios de teología de su sobrino".[32]

La producción artística [editar]

Warhol realizó varias películas con Edie Sedgwick. La última fue Factory Girl (2007)
sobre la vida de Sedgwick.

Warhol siempre se apoyó en sus asistentes para sus pinturas, y lo mismo puede decirse
de sus producciones cinematográficas. fundó la revista de sociedad Interview, que se
convirtió en una buena lanzadera para artistas a las que patrocinaba y en un buen
negocio para sus amigos colaboradores. Del mismo modo, su obra literaria es resultado
de su colaboración con Pat Haccket. Apadrinó al explosivo Jean-Michel Basquiat
cuando éste apenas era conocido, y convirtió a la Velvet Underground en una banda
conocida internacionalmente. Fue en realidad un inquieto y activo "productor de
personajes artísticos", como sus conocidas "superestrellas" -de dispar suerte- y un
infalible detector de talento. Del mismo modo, Warhol alentaba el consumo de ciertos
productos, aparecía en publicidad y era un invitado frecuente a programas televisivos
que iban desde Love Boat al Saturday Night Live, o la película de Richard Pryor
"Dynamite Chicken". En este sentido, Warhol era un firme defensor del "negocio el
arte" y el "arte del negocio". De hecho, escribió largamente sobre este tema, tal como
puede comprobar el lector de "La filosofía de Andy Warhol: De la A a la B y de la B a la
A".

Obra [editar]
Pintura [editar]

Hasta principios de la década de los 60, Warhol era un ilustrador comercial de éxito. Sus
elegantes y detallados dibujos para la empresa zapatera I. Millar eran particularmente
populares. Estos dibujos a tinta, de línea bastante desenvuelta, se alternaban con
impresiones monoprint (similares a una monotipia) que aplicó extensivamente en su
primera etapa como artista. Aunque esta posición entre el mundo artístico y el comercial
no era infrecuente, sí es cierto que por motivos de prestigio la mayoría de artistas
llevaban con discrección su condición de profesionales de la publicidad. De hecho, la
fama de Warhol como ilustrador supuso en un primer momento un obstáculo para su
consideración como artista.[33] Por entonces trató exponer alguno de los dibujos
realizados con estas técnicas en galerías de arte, pero sus intentos no tuviero éxito. De
esta época parte su cuestionamiento sobre el estatus de arte y su relación con el
mercado: A partir de entonces, criticaría su separación y trató de interpretar la cultura
comercial y popular como un tema artístico. El pop art ya era una corriente en estado
germinal que algunos artistas exploraban de modo aislado; algunos de estos pioneros,
como Roy Lichtenstein o el propio Warhol (que pasaría a ser conocido como "el Papa
del Pop") se volverían con el tiempo en sinónimos del pop. Warhol comenzó a
involucrarse en este movimiento artístico realizando imágenes tomadas de dibujos
animados y anuncios televisivos que pintaba con cuidadosas salpicaduras de pintura.
Estas salpicaduras emulaban el aspecto del expresionismo abstracto estadounidense,
entonces muy en boga. Eventualmente Warhol iría retirando referencias de sus imágenes
hasta reducirlas a la representación icónica de una marca comercial, una celebridad, o el
signo del dólar; suprimió también cualquier huella de la mano del artista en sus
pinturas.[34] Se trataba en cierto sentido de devolver al arte el valor de cosa mentale, tal y
como Leonardo la había definido ya en el Renacimiento. Warhol extrapoló su profundo
conocimiento del mundo comercial en su faceta artística. Así, intuía que definir un
nicho comercial era al fin y al cabo definir un tema artístico. Los dibujos animados y los
cómics ya habían sido utilizados por Lichtenstein, la tipografía era parte del lenguaje de
Jasper Johns; y Warhol también quería definir su propia estética distintiva. Sus amigos
le aconsejaron pintar las cosas que más amase: En su peculiar manera de tomar las cosas
literalmente, para su primera exposición de importancia pintó las famosas latas de sopa
Campbell, que según decía había sido el almuerzo más frecuente a lo largo de su vida.
La obra fue vendida por 10.000 $ en una subasta celebrada el 17 de noviembre de 1971
en la sede de Sotheby's en Nueva York, un precio irrisorio si lo comparamos con los 6
millones de dólares obtenidos más recientemente por la misma obra.[35] Pero Warhol
también amaba a las celebridades, y por ello decidió pintarlas. Estos primeros pasos en
el mundo artístico fueron definiendo poco a poco su impronta personal, que consistía
precisamente en evitar la huella persona del artista en beneficio de unos temas que
aunque eran considerados "anti-artísticos" constituían la esencia de la cultura de la
sociedad del bienestar estadounidense. Warhol utilizó frecuentemente la serigrafía, y
cuando tenía que se veía obligado lo hacía calcando de una diapositiva. Según se
afianzaba su carrera como pintor, Warhol contrató a varios asistentes que le ayudaban a
procesar sus imágenes, siguiendo sus indicaciones para realizar variaciones y versiones
sobre el mismo tema. En 1979, Warhol recibió de BMW el encargo de pintar un coche
de carreras de competición BMW M1 para la cuarta exposición del proyecto "BMW Art
Car". A diferencia de los tres artistas que le habían precedido, Warhol declinó utilizar
inicialmente un modelo a escala, y se puso a pintar directamente sobre el vehículo. Se
dice que Warhol tardó un total de 23 minutos en pintar el coche entero.[36] La obra de
Warhol adquirió un tono más serio tras el atentado sufrido en 1968. Una tendencia
cómica coexistía con una más solemne, y por ello en su obra se pueden encontrar
viñetas de cómic o sillas eléctricas, indistintamente. Por otra parte, Warhol utilizó las
mísmas técnicas -serigrafía, offset, pintura en tonos planos con colores brillantes- para
representar a sus queridas celebridades, objetos cotidianos, accidentes de coche,
imágenes de suicidios o desastres, como prueba la serie "Deat and Disaster" realizada
entre 1962 y 1963. Las pinturas de esta serie -como "Accidente de coche en rojo",
"Hombre púrpura saltando" o "Desastre naranja"- transforman tragedias personales en
espectáculos públicos, y anuncian el uso de imágenes de catástrofe que se volvería
inherente a la cultura de los medios de masas. El elemento unificador de la obra de
Warhol es su estilo deliberadamente inexpresivo y la construcción de un personaje
aparentemente imperturbable, como un Buster Keaton del arte.[37] Estos rasgos eran
subrayados por la propia personalidad de Warhol, que prefería hacerse pasar por tonto
ante los medios y rechazaba dar explicaciones sobre su trabajo. Warhol declaró en cierta
ocasión que "todo lo que necesitas saber sobre el cuadro está ahí, en la superficie".
Plantilla:Citequote Algunos de sus dibujos a tinta, que podían recordar imágenes del test
de Rorschach pretendían ser comentarios desde el punto de vista del pop sobre lo que el
arte podría ser. Otras pinturas, como el "papel de pared de vaca" (un papel de pared con
estampado de vacas) o sus "pinturas de oxidación" (a partir de lienzos preparados con
cobre oxidado con orina- también pueden entenderse en este sentido. Es igualmente
remarcable la manera en que esta obra -y los medios con que se producía- encajaban en
el ambiente de la Factory de Nueva York. El biógrafo Bob Colacello aporta un
testimonio sobre las "pinturas de orines" de Andy:

Victor...era el espíritu meón de Andy para las Oxidaciones. Venía a la Factory para
orinar en lienzos que habían sido preparados con una imprimación basada en cobre
por Andy o por Ronnie Cutrone (quien era el segundo espíritu meón, muy apreciado
por Andy, quien decía que la vitamina B que Ronnie tomaba proporcionaba un tono
más bonito cuando el ácido úrico corroía el cobre). ¿Utilizó Andy su propia orina? Mi
diario dice que cuando empezó esa serie, en diciembre de 1977, lo hizo, y hubo más de
una persona en ello: chicos que venían a comer y que habían bebido algún vino más de
la cuenta, quedaban muy divertidos o intimidados cuando se les pedía que ayudasen a
Andy "a pintar". Andy siempre parecía entusiasmado durante el trayecto hacia el
estudio..."[38]

El ciclo inacabado de "La última cena", que habría aportado un carácter religioso
completamente nuevo a su obra, es posiblemente la mayor de sus series, y en palabras
de algunos críticos también, "la mejor".[39] Es igualmente la mayor serie de tema
religioso realizada por un artista estadounidense.[39]

Películas [editar]

Andy Warhol conversando con el dramaturgo Tennessee Williams en 1967.

Warhol recurrió a una gran variedad de medios de expresión artística: pintura, dibujo,
fotografía, grabado, escultura y cine, y fue un cineasta experimental bastante prolífico,
si consideramos que entre 1963 y 1968 produjo más de sesenta películas. En una de las
más conocidas, "Sleep", John Giorno dormía durante seis horas. El mediometraje
"Blowjob" ('35) muestra un plano de DeVeren Bookwalter (supuestamente felado por el
cineasta Williard Maas). En "Empire", una película de ocho horas de duración, la
cámara muestra una vista del Empire State Building al amanecer. Warhol ignoraba las
convenciones usuales sobre la duración de una película, como podemos juzgar en "Eat",
una película de 45 minutos de duración en la que aparece un hombre comiéndose una
seta. En 1962, Warhol asistió al estreno de una composición estática de LaMonte Young,
titulada "Trio for Strings", a partir de la cual creó una serie de películas estáticas como
"Kiss", "Eat" o la misma "Sleep" (para la que contrató a Young como compositor). Uwe
Hussein dice que el cineasta Jonas Mekas -que acompañó a Warhol en el estreno del
"Trio"- afirmó que el espectáculo fue una influencia esencial para esas películas de
Warhol.[40] En 1964 Warhol dirigió y produjo "Batman Dracula", una película que no
contaba con la aprobación de DC Comics, propietaria legal del personaje. Esta película
fue proyectada únicamente en exposiciones. Warhol se confesó un gran admirador de la
serie y afirmó que pretendía realizar un homenaje personal al superhéroe. Actualmente
se la considera la primera representación de Batman en la estética camp. La película se
había considerado perdida hasta 2006, con la proyección del documental "Jack Smith
and the Destruction of Atlantis" en el que aparecían fragmentos de la pieza original. En
1965, Warhol produjo "Vinyl", una adaptación de la célebre distopía de Burgess, "The
Clockwork Orange". Otras grabaciones eran improvisadas, y registran encuentros entre
los habituales de la Factory, como Viva, Edie Sedgwick, Candy Darling, Holly
Woodlawn, Ondine, Nico y Jackie Curtis. El legendario artista underground Jack Smith
aparece en la película "Camp". Su producción cinematográfica de más éxito -tanto de
público como de crítica- fue "Chelsea Girls" (1966), una película muy innovadora que
se exhibía con dos proyectores de 16mm funcionando simultáneamente. Cada película
tenía su propia historia, y ofrecían una lectura simultánea de acontecimientos
aparentemente inconexos. Eventualmente, desde la cabina de proyección se regulaba el
sonido para darle a una de las proyecciones cierta preponderancia sobre la otra. Esta
multiplicación de imágenes evocaba los trabajos de serigrafía de Warhol de principios
de esa década, en los que se superponían diversas "capas de información". La influencia
de esta división de pantalla, con el valor multinarrativo que implicaba, tuvo una gran
resonancia posterior.[41] Otras de sus películas más importantes son "Bike Boy", "My
Hustler", y "Lonesome Cowboys", un pseudo-western de bajo presupuesto en el que
Warhol se interpretaba a sí mismo. Estas películas han trascendido más como
documentales de la subcultura gay del momento y aún hoy ocupan un lugar ilustre en
los estudios de arte y sexualidad.[42] [43] La última producción de Warhol como director
fue "Blue Movie", en la que Viva, una superestrella de la Factory, sale haciendo el amor
y tonteando con un hombre durante 33 minutos. La polémica desatada alrededor de esta
película -debida a ese franco planteamiento de un encuentro sexual- hizo que la propia
intérprete se negase durante años a su proyección pública. "Blue Movie" fue proyectada
en Nueva York por primera vez en 2005, tras más de treinta años de espera. Después del
atentado sufrido en 1968, Warhol se volvió más reticente a la producción de películas.
Su colaborador y ayudante de dirección, Paul Morrisey, llevó las producciones del
colectivo de la Factory a un terreno más convencional y narrativo, con producciones de
serie-B y películas de tono contestatario como "Flesh", "Trash", y "Heat" (1972). Todas
estas películas, incluyendo las versiones de Drácula y Frankenstein, iban dirigidas a un
público convencional adulto, más que a los sofisticados espectadores que habían
apreciado las obras de Warhol. En estas últimas películas actuó Joe Dallesandro, a quien
algunos han querido catalogar como una "estrella" de Morrisey, y no una auténtica
"estrella de Warhol".

Música [editar]

A mediados de los sesenta, Warhol "adoptó" a una banda llamada "The Velvet
Underground", y les convirtió en un elemento crucial de la exposición de arte
multimedia que organizaba, la Exploding Plastic Inevitable. Warhol convirtió a Paul
Morrissey en el agente de la banda, y les presentó a Nico, quien se convertiría en
miembro de la banda a petición de Warhol. En 1966 produjo su primer disco, titulado
"The Velvet Underground and Nico", y realizó la decoración del disco. En realidad, la
producción de Warhol se limitó a pagar por el estudio de grabación. Tras la publicación
de este álbum, Warhol y el líder de la banda, Lou Reed, empezaron a disentir sobre la
dirección que la banda debería tomar. Esta tensión pudo haber causado el final de su
buena relación artística. Warhol había diseñado numerosas portadas de discos desde su
primera portada, una fotografía para el primer disco de John Wallowitch (titulado "This
Is John Wallowitch", 1964). También diseño las portadas del "Sticky Fingers" de los
Rolling Stones en 1971, y del "Love You Live" (1977). En 1975 le encargaron hacer
varios retratos de la cara visible de la banda, el músico Mick Jagger. Para John Cale
diseñó la portada de "Honi Soit" (1981) y para Diana Ross las ilustraciones que
aparecían en la cubierta de "Silk Electric". El póstumo "Menlove Ave." (1986) de
Lennon también fue diseñado por Warhol. Andy tenía buena relaciones en el mundo de
la música, como Deborah Harry, Grace Jones, Diana Ross y John Lennon. El videoclip,
formato que surgiría en los 70, también entraba en sus inquietudes creativas. La
productora de vídeo de Warhol produjo, entre otros, el clip del sencillo "Misfit", para los
Curiosity Killed The Cat, y el clip del sencillo "Hello Again" de The Cars (en el que
figuraba como barman). La relación de Warhol con la música no fue de índole
estrictamente profesional. Su influencia sobre la llamada New Wave -como la banda
Devo- y sobre la formación de artistas jóvenes, como David Bowie es sobradamente
conocida. Bowie incluía una canción llamada "Andy Warhol" en su Hunky Dory (1971),
y Lou Reed compuso una cación llamada "Andy Chest", que trataba sobre el atentado
sufrido en 1968 a manos de Valerie Solanas. Esta canción fue grabada entonces con la
Velvet, pero la versión no fue publicada hasta que salió el álbum VU en 1985. En 1972
grabó una versión diferente para su disco Transformer, producida por Bowie y Mick
Ronson.

Warhol y la edición [editar]

Desde comienzos de la década de los 50, Warhol realizó regularmente los portfolios que
utilizaba para mostrar su trabajo. El primero de estos libros publicados por el mismo
autor fue "25 Cats Name Sam and One Blue Pussy", impreso en 1954 por Seymour
Berlin en papel Arches con marca de agua, y estaba ilustrado con litografías realizadas
en el mismo estilo emborronado con el que se identificaba su trabajo de ilustrador. La
edición original estaba limitada a 190 ejemplares, coloreadas a mano con tinta
acualerable Dr. Martin's. Warhol regaló la mayoría de estos libros a clientes y amigos.
La copia número 4, con la palabra "Jerry" manuscrita en la cubierta, fue un regalo de
Warhol para Geraldine Stutz, y se utilizó en 1987 como modelo de una edición
facsimil.[44] El original fue subastado en mayo de 2006 por Doyle New York, y alcanzó
un valor de 35.000 dólares. Otros de los libros autoeditados por Warhol fueron A Gold
Book, Wild Raspberries y Holy Cats. Tras convertirse él mismo en una celebridad,
Warhol escribió varios libros que fueron publicados con fines comerciales.

• "A, a Novel" (1968, ISBN 0-8021-3553-6) es una trancripción literal -aderezada

con faltas de ortografía y murmullos ininteligibles interpretados fonéticamente-
de varias grabaciones de sonido realizadas por Ondine y varios de los asiduos
visitantes de la Factory, y contiene sus charlas, sus saludos y sus despedidas.
• "The Philosophy of Andy Warhol (From A to B and Back Again)" -traducido al
español como "La filosofía de Andy Warhol: De la A a la B y de la B a la A"-
(1975, ISBN 0-15-671720-4) es un extracto de las conversaciones telefónicas
diarias (algunas mientras Warhol estaba de viaje) entre el artista y Pat Hackett.
La investigadora explica en la introducción de "The Andy Warhol Diaries" que
las cintas que Warhol le daba para que grabase sus charlas contenían fragmentos
de conversaciones previamente grabadas entre el artista, Brigid Berlin y el
antiguo editor de la revista Magazine, Bob Colacello.
• "Popism: The Warhol Sixties", (1980, ISBN 0-15-672960-1) es una revisión
retrospectiva de los años sesenta y el auge del pop art, y sus coautores son Andy
Warhol y Pat Hackett.
• "The Andy Warhol Diaries" (1989, ISBN 0-446-39138-7), editado por Pat
Hackett, es una especie de "diarios" dictados por Warhol a Hackett a lo largo de
 conversaciones telefónicas diarias. Warhol había iniciado ese diario para revisar
el progreso de sus gastos tras revisiones fiscales, pero pronto evolucionó hasta
incluir observaciones personales y comentarios artísticos.

Warhol fue además el creador de "Interview", una revista de moda que aún hoy se
publica. El título garabateado en la portada puede ser obra de la propia mano de Warhol
o de su madre, Julia Warhola, quien solía hacer ese tipo de colaboraciones escritas para
sus primeras piezas comerciales. Fue enterrado con un ejemplar de su querida
publicación.

Otros medios [editar]

Como se ha señalado, aunque Warhol es más conocido como pintor y realizador, fue un
autor prolífico que se expresaba en medios muy diversos.

• El dibujo era una parte esencial de la pintura de Warhol. Formado como

ilustrador, Warhol acuñó un característico estilo "emborronado" con el que
realizó sus celebrados anuncios de zapatos. Algunos de sus dibujos fueron
publicados por el propio autor en forma de folletos (así, Yum, yum, yum, sobre la
comida; Ho, Ho, Ho, de tema navideño; y Shoes, Shoes, Shoes, de uno de sus
temas favoritos. Su libro de dibujos más aclamados es quizás A Gold Book, que
reúne numerosas y delicadas ilustraciones de jóvenes. El título de esta obra se
debe a una hoja dorada que decora sus páginas.[45]
• La escultura más conocida de Warhol es quizás la caja de Brillo, una réplica
serigrafiada sobre madera de las cajas de un detergente bastante conocido. Las
Cajas de Brillo formaban parte de una serie de esculturas que representan
objetos típicos de tienda de barrio, como el ketchup Heinz o las Latas de Sopa
Campbell.[46] Otras obras que Warhol realizó en este medio fueron la Silver
Clouds, unos globos plateados de mylar con forma almohadillada. Una de estas
"nubes plateadas" fue parte de la exposición itinerante Air Art organizada por
Willoughby Sharp entre 1968 y 1969. "Clouds" fue también el título de una
parte del RainForest, un espectáculo de danza contemporánea coreografiado por
Merce Cunningham en 1968.[47]
• Música y edición de sonido: A partir de determinado momento, Warhol decidió
no separarse de una grabadora portátil que llevaba a donde quiera que fuese, y
con la que registraba cualquier cosa que dijese alguien cerca de él. Llamaba al
aparato como "mi esposa", y utilizó parte del material grabado como soporte
literario de algunos de sus libros. Otra importante obra sonora de Warhol fue su
Invisible Sculpture, una instalación en la que las alarmas antirrobo dejaban de
sonar al entrar. Por otra parte, la colaboración de Warhol con la Velvet
Underground fue una vertiente muy destacada de su expreso deseo de
convertirse en productor de música.
• La Time Capsule, creada en 1973, es una pieza con la que Warhol quería rescatar
objetos de su entorno cotidiano -cartas, periódicos, souvenirs, objetos de
infancia, incluso billetes de avión y restos de comida- que reunía y sellaba
dentro de cajas de cartón que él llamaba cápsulas del tiempo. Para la fecha de su
muerte, existían cerca de 600 de estas cajas, todas adecuadamente fechadas y
clasificadas. Las "cápsulas" están ahora reunidas en la colección del Andy
Warhol Museum.[48]
 • Warhol siempre manifestó su entusiasmo por un programa televisivo que quería
llamar The Nothing Special", un programa especial sobre su tema favorito:
Nada. Al final de su carrera creó dos programas televisivos, la Andy Warhol's TV
(1982) y Andy Warhol's Fifteen Minutes (1986), basado en su célebre frase sobre
los "quince minutos de fama" que todo el mundo deberíamos tener. Ademas de
las apariciones en sus propios programas, Warhol frecuentaba otras emisiones,
como The Love Boat, en el que una mujer casada de nombre Marion Ross temía
que Warhol revelase a su entonces marido, Tom Bosley -quien actuaba con Ross
en el sitcom Happy Days- su dudoso pasado como Marina del Rey, una de las
muchas "superestrellas" de Warhol. Warhol también realizó un anuncio de
televisión para la cadena de restaurantes Schrafft's, de Nueva York. El anuncio
promocionaba un postre helado apropiadamente llamado "Underground
Sundae".[49]
• Una frase supuestamente atribuida a Warhol dice que "preferiría comprarme un
vestido y colgarlo de la pared antes que poner un cuadro, ¿tú no?".
Indudablemente, la moda era uno de los mayores intereses de Warhol, quien
fundó Interview como un apasionado experto en la materia. Una de sus más
conocidas superestrellas, Edie Sedgwick, manifestó siempre su intención de
convertirse en diseñadora de moda, y su buen amigo Halston lo fue, y de enorme
éxito. La aportación personal de Warhol a la moda pasaba por impresiones
serigrafiadas sobre la tela, una breve incursión como modelo de pasarela, libros
sobre moda y por supuesto los célebres zapatos que tanto le gustaba pintar.
• Perfomance: Warhol escenificó con sus conocidos diversos montajes teatrales,
multimedia y happenings en fiestas y ligares públicos, en los que combinaba
música, proyecciones de diapositivas y en alguna ocasión incluso espectáculos
de BDSM con su amigo Gerard Malanga ataviado de vinilo y blandiendo un
látigo. El Exploding Plastic Inevitable de 1966 fue la culminación de su trabajo
en esta área.[50]
• Teatro: "PORK", de Andy Warhol, se estrenó el 5 de mayo de 1971 en el teatro
LaMama de Nueva York, y aguantó dos semanas en el escenario. Posteriormente
fue llevada al Roundhouse de Londres para una gira más prolongada durante
1971. "Pork" se basaba en la grabación de conversaciones sostenidas entre
Brigid Berlin y Andy, y que trataban sobre las cintas que Brigid había grabado
durante charlas con su madre. La obra estaba presentaba a Jayne County como el
personaje de Vulva, y Cherry Vanilla como Amanda Pork.
• Para producir sus litografías, Warhol solía utilizar fotografías que eran sacadas
indistintamente por él o por alguno de sus asistentes. Estas imágenes solían
tomarse con un tipo de cámara Polaroid que la marca decidió mantener en
producción únicamente para satisfacer a su insigne cliente. Su aproximación
fotográfica a la pintura, y su personal visión de la fotografía instantánea tuvieron
una fuerte influencia en la fotografía artística posterior. Warhol era un notable
fotógrafo y disfrutaba retratando a sus numerosos invitados en la Factory.
• Una de las contribuciones menos conocidas de Warhol al mundo artístico es su
producción como artista digital. Warhol utilizaba los ordenadores amiga para
generar imágenes con el apoyo de Amiga, Inc. También mostró la diferencia
entre slow fill y fast fill en un programa en directo en la televisión, con Debby
Harry como modelo.

La Factory de Nueva York [editar]

El célebre estudio de Warhol cambió en numerosas ocasiones de dirección. La siguiente
lista refiere sus sucesivas localizaciones, siempre dentro de la ciudad de Nueva York, así
como la dirección de algunos de sus domicilios conocidos.

• Factory: 1342 Lexington Avenue, la Factory original.

• 1963-1967: "The Factory"en el 231 East de la 47th Street. El edificio
actualmente no existe.
• 1967-1973: "Factory", en el 33 de Union Square.
• 1973-1984: "Factory", en el 860 de Broadway (cerca del 33 de Union Square; el
edificio ha sido completamente remodelado, entre 2000 y 2001 fue la sede de la
asesoría Scient, dedicada al comercio virtual.)
• 1984-1987: "Factory", en el 22 East 33rd Street. El edificio actualmente no
existe.
• Casa: 1342 Lexington Avenue.
• Casa: 57 East 66th Street (la última casa de Warhol).

El último estudio en que Warhol trabajó estaba en el 158 de la Madison Avenue de

La pintora inglesa Stella Vine: Según el Financial Times, una "descendiente de
Warhol".[56]

Andy Warhol en la ficción [editar]

Warhol (derecha) con el director Ulli Lommel en el rodaje de Cocaine Cowboys (1979)
en la cual se interpretaba a sí mismo.

En 1979, Warhol actuó en la película Cocaine Cowboys (1979).[62] Después de su

muerte, Warhol fue interpretado por Crispin Glover en la película de Oliver Stone The
Doors (1991), por David Bowie en Basquiat (1996), de Julian Schnabel, y por Jared
Harris en la película I shot Andy Warhol (1996), de Mary Harron. Warhol también
aparece como un personaje de la ópera de Michael Daugherty Jackie O (1997). El actor
Mark Bringlesson hace una breve aparición como Andy en Austin Powers (1997). Por
otra parte, muchas películas del cineasta de vanguardia Jonas Mekas muestran imágenes
de la vida de Warhol. Sean Gregory Sullivan también retrató la vida de Warhol en
54(película) (1998). La última producción relacionada con Warhol es el largometraje
Factory Girl (2007), que trata sobre la vida de Edie Sedgwick.[63] Gus Van Sant planeó
rodar una versión de la vida de Warhol, con River Phoenix en el papel protagonista,
pero el proyecto quedó frustrado con la muerte del actor en 1993.[64]

Documentales [editar]

• En 2001 el director polaco Stanislaw Mucha produjo Absolut Warhola, un

documental que retrataba la vida de la familia de Warhol en su ciudad natal, en
Eslovaquia.[65]
• Andy Warhol: A Documentary Film es una película-homenaje de cuatro horas de
duración dirigida por Ric Burns en 2006.[66]

Véase también [editar]

 • Arte pop
• Pintura de los Estados Unidos
• Richard Hamilton
• Robert Indiana
• Roy Lichtenstein
• Claes Oldenburg
• Eduardo Paolozzi
• Peter Phillips
• Robert Rauschenberg
• James Rosenquist
• Tom Wesselmann

Referencias [editar]
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(2002).
2. ↑ Bockris, Victor (1989). The life and death of Andy Warhol. New York City:
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8. ↑ Lippard, Lucy R. (1970). Pop art. London: Thames & Hudson, p. 158. ISBN
0-500-20052-1.
9. ↑ "Todos mis retratos tienen que tener el mismo tamaño para que encajen todos
juntos y formen un gran cuadro llamado 'Retratos de sociedad'. ¿Es una buena
idea. No?. A lo mejor el Metropolitan Museum lo querrá algún día".; vid.
artículo con motivo de una exposición.[1]
10. ↑ Warhol, Andy (1975). The philosophy of Andy Warhol: from A to B and back
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11. ↑ Schaffner, Ingrid (1999). The Essential Andy Warhol. New York City: Harry N.
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12. ↑ El nombre del colectivo hacía referencia a su orientación feminista radical:
"Scum" (en inglés, "basura", era el acrónimo de su "Sociedad para Rajar a los
Hombres".)
13. ↑ Solanas, Valerie (2004). SCUM Manifesto. London: Verso. ISBN 1-85984-
553-3.Plantilla:Pn
14. ↑ Jobey, Liz, "Solanas and Son", The Guardian (Manchester, England) August
24, 1996: página T10 y ss. (Este artículo en inglés contiene la narración más
detallada y fiable de la vida de Solanas.)
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04-08. Consultado el 2009-01-05.
21. ↑ Warhol, que nunca había tenido el menos interés sobre el judaísmo o
cuestiones relacionadas con él, comentó sobre estos "genios" en su diario:"Van a
vender".
22. ↑ Bockris, Victor; Gerard Malanga (2002). Up-tight: the Velvet Underground
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23. ↑ Boorstin, Robert O.. «Hospital Asserts it Gave Warhol Adequate Care», The
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24. ↑ Concretamente, el 1 de abril de 1987, en la Catedral St. Patrick's, de Nueva
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32. ↑ a b c d Romaine, James (2003-11-12). «Transubstantiating the Culture: Andy
Warhol's Secret». Godspy.
33. ↑ Podría decirse que Warhol volvió a encontrarse más adelante con esa
oposición del mundo del arte, encarnado por algunos personajes consagrados del
panorama artístico neoyorquino.
34. ↑ En este sentido, Warhol imitaba a su admirado Marcel Duchamp, quien ya en
los años 30 había defendido la necesidad de liberarse de la patte (el toque) del
artista. Vid. TOMKINS, Calvin; "Duchamp", Anagrama, Barcelona, 1999.
35. ↑ «Auction Results: Andy Warhol's Campbell's Soup Can». Louise Blouin
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36. ↑ Bmw Art Car 1979: M1 by Andy Warhol
37. ↑ Warhol también debía a Duchamp la definición de esa "belleza de la
indiferencia", vid. TOMKINS, Calvin; op. cit.
38. ↑ Colacello, Bob (1990). Holy terror: Andy Warhol close up. London:
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40. ↑ Husslein, Uwe (1990). Pop goes art: Andy Warhol & Velvet Underground.
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41. ↑ Esta influencia llegó hasta Japón, donde en aquellos años Totshio Matsumoto
seguía la trayectoria de Warhol con gran interés (vid. "For the Damaged Right
Eye". Otra obra de Matsumoto influida por Warhol aquí[2].
42. ↑ Tinkcom, Matthew (2002). Working like a homosexual: camp, capital, and
cinema. Durham, North Carolina: Duke University Press. ISBN 0-8223-2862-
3.Plantilla:Pn
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Enlaces externos [editar]

• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Andy
Warhol.Commons

Wikiquote

• Wikiquote alberga frases célebres de Andy Warhol.

• Museo Andy Warhol
• Todo el arte de Andy Warhol (en inglés)
• Warholizer
• Warhol. Análisis crítico
• The Andy Warhol Museum of Modern Art, en su ciudad natal
• «Andy Warhol». Find A Grave (2001-01-01). Consultado el 2009-01-23.
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• "Time Capsules": la colección de Warhol
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• Warholstars: Películas de Andy Warhol, arte y las "Superstars".
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• The Andy Warhol Museum of Modern Art - city of origin - Medzilaborce
(Slovakia) - the second largest collection worldwide

Bibliografía [editar]
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