Afinación : Las cuatro cuerdas del violín están afinadas por quintas justas y de la siguiente manera:
Extensión: Sus límites, de la nota más grave a la más aguda, vienen fijados como sigue:
Timbre : El violín, como los demás instrumentos de arco, es esencialmente lírico. Sus cuatro cuerdas
tienen características muy particulares y a través de ellas se consiguen los más diversos matices, así
como calidades de auténtica belleza. La primera cuerda, mi, es clara, brillante y sus notas más agudas
poseen un encanto sobrenatural; la segunda, la, es más suave y aterciopelada; la tercera, re , es dulce y
noble; la cuarta, sol es sobria y majestuosa.
Posibilidades técnicas : La técnica de este instrumento ha ido evolucionando desde su creación. Su
actual perfeccionamiento se debe sobre todo a las célebres escuelas franco-belga y rusa, encabezadas,
respectivamente, por Eugéne Ysaye (1858-1931) y Leopold Auer (1845-1930). Estas escuelas han
logrado una perfecta y flexible sincronización de los movimientos de ambos brazos y manos, los cuales
permiten al instrumentista realizar los más variados alardes virtuosísticos y ejecutar todo tipo de escalas y
arpegios con soltura.
PUNTILLO:
Si una nota va seguida de un puntillo, su valor de tiempo aumenta una mitad. Por ejemplo
una blanca seguida de un puntillo, equivale a una blanca más una negra. También nos
podemos encontrar que dos notas de la misma tonalidad están unidas por una línea curva,
esta línea se conoce con el nombre de ligadura y su función también es la aumentar la
duración de la nota, por ejemplo 2 negras ligadas equivalen a una nota blanca.
.-Silencios: Al igual que las notas tienen su duración, también existen una serie de símbolos
que indican un silencio, como su propio nombre indica no existe ningún sonido, pero sí hay
que respetar su duración.
¿¿ CUESTIONARIO ??
_____________________________________________
En el pentagrama también nos podemos encontrar otros signos como por ejemplo la doble
barra con 2 puntos, cuando llegamos a esa situación nos indica repetición, tendremos que
repetir desde el comienzo (si no hubiera ninguna otra indicación), hasta el final. También
nos podemos encontrar abreviaturas como D.C. (Da Capo), o letras que nos indican la
fuerza de la pieza musical, por ejemplo la letra "p" indica piano=dulce, "pp" indica
pianissimo=muy dulce, "f" indica fuerte y "ff" fortísimo. Estas indicaciones pueden ir
acompañadas de los signos "<" y ">", que indican de menos a más fuerte o viceversa; una
pieza suele venir indicado con palabras italianas como Lento, Adagio, Andante, Moderato,
Allegro, etc.
LINEAS DIVISORIAS :
Las líneas divisorias son barras que se colocan verticalmente al pentagrama que marcan el
cambio de compás. Al finalizar la canción se usa la llamada línea de Conclusión, esto es así
para que el músico que viene leyendo sepa que la canción finaliza ahí. Hay una tercera
barra llamada Doble barra que se utiliza para marcar el cambio de parte en una canción, por
ejemplo para pasar de una estrofa a un estribillo.
BARRAS DE REPETICION :
Las barras de repetición nos indican que una parte de la canción se repite, la cantidad de
compases y es detallada mediante el uso de barras con una cierta forma
de corchetes.
COMPACES :
Los compases son grupos de tiempos ya preestablecidos. Los más comunes son los
compases de 2, 3 y 4 tiempos.
Veamos cada uno:
Entran dos negras por compás o una blanca (ya que ésta vale dos tiempos.
+ Acento Fuerte
- Pulso débil
º Pulso semifuerte
Que significa 4 x 4?
PRACTICA:
Tomar una hoja pentagramada con 8 renglones disponibles, dentro de cada renglon separar
de a cinco compaces, y ahora con todas las figuras que tambien incluyen silencios,
realizamos en los primeros cuatro renglones compaces de 4/4, que sera el compas que mas
usaremos en este principio de curso.
en los siguientes dos ejercitaremos los compaces de 3/4 usados en :
vals,polka,chamame,ect en los ultimos dos practicamos compaces de 2/4 usados en
marcha, tango ect.
Si los envias via mail te los devolvemos corregidos.
PROXIMO EJERCICIO :
Para entender bien el proximo ejercicio, antes, hay que tener bien en claro el tiempo y el
concepto de PULSO.
El Pulso son golpes constantes que dependiendo del intervalo de tiempo entre un golpe y
otro nos da las diferentes velocidades. Por convención (y lógica debo aclarar) un pulso de
sesenta golpes por minuto se llama NEGRA 60. Así ya podemos decidir la velocidad de una
canción.
I N T E R V A L O S y E S CA L A S :
Es importante que este punto quede bien entendido, sera el eje del estudio en casi toda su
duracion, veremos dos explicaciones la primera de origen muy tecnico casi cientifico, y la
segunda mas popular.
1) Apuntes de Intervals, Scales, and Tuning de Edward M. Burns y W. Dixon Ward (1982)
Publicado en: The Psychology of Music, Diana Deutsch, ed. (1982)
Traducción de Martín García
a). Introducción
Vale la pena tener presente a lo largo de la lectura de este artículo el cuadro de la figura 1.
La escala estándar actual (la que incluye todos los intervalos utilizados en la música
occidental) es la escala cromática de temperamento igual de 12 sonidos. Esta escala divide
la octava en 12 intervalos igualmente separados. La unidad interválica básica es el
semitono temperado, y corresponde a una relación de frecuencia de 21/12 : 1. (Una unidad
útil para medir la relación de frecuencia es el cent: 1 cent = 21/1200 : 1; es así que un
semitono contiene 100 cents y una octava contiene 1200 cents).
Surge otra pregunta: ¿la escala cromática de 12 notas representa una norma o un límite al
número de relaciones de alturas utilizables dentro de una octava? Hay varias composiciones
occidentales basadas en cuartos de tono (aproximadamente 24 intervalos iguales por
octava) y otras escalas microtonales, pero ninguna de estas escalas ha ganado mayor
aceptación. Numerosas culturas usan escalas de menos de 12 notas por octava. Hay, sin
embargo, aparentemente, solo dos culturas que, en teoría, usan más de 12 intervalos por
octava: la hindú y la árabe-persa. Los dos sistemas hindúes (Hindustani y Karnático) están,
según la tradición, basados en 22 intervalos posibles por octava; no son intervalos iguales
(o similares). Hay evidencia que indica que en la práctica musical estas variaciones teóricas
no son ejecutadas como intervalos discretos, sino como resultado de una variación
controlada en la entonación (un vibrato lento).
El único sistema que podría utilizar verdaderos cuartos de tono es el árabe-persa. En este
sistema hay varias versiones acerca del número posible de intervalos (15 a 24), así como
cierta controversia acerca de si son verdaderos cuartos de tono o variaciones microtonales
de ciertos intervalos (como en la India). Resulta claro que ni la escala hindú ni la árabe son
cromáticamente microtonales.
Por tanto, la evidencia indica que la escala cromática de 12 intervalos puede, en efecto,
reflejar algún tipo de limitación al número de intervalos por octava, que pueden tener un
uso práctico en la música o, al menos, que el semitono es la separación utilizable más
pequeña entre dos sonidos sucesivamente ejecutados. ¿Hay fundamentos perceptivos para
el uso de intervalos discretos en general? Autores de libros sobre percepción musical a
menudo contrastan el número de diferencias notorias de frecuencia (JND) con el semitono
de la escala cromática: de 20 a 300 JNDs por semitono, dependiendo del rango de
frecuencia y del paradigma experimental; de igual forma señalan la aparente discrepancia
entre el número de sonidos que pueden ser "distinguidos" y el número de sonidos
efectivamente utilizados en música. Hay varias razones por las cuales este contraste no es
significativo.
Primero, es evidente a partir de la teoría musical, de la experiencia musical diaria, y de un
número de experimentos, que la relación de frecuencia (más que la frecuencia per se) es el
mediador primario de la información melódica. Es así que los JNDs de la relación de
frecuencia más que de la frecuencia, son la comparación más relevante con el grado de la
escala. Los JNDs de la relación de frecuencia son, para observadores altamente entrenados,
un orden de magnitud mayor que JNDs de frecuencia obtenidos en la misma región de
frecuencia, usando paradigmas sicológicos equivalentes. Trotter (1967) también indicó que
existe poca correlación entre la inhabilidad para percibir relaciones melódicas o interválicas
y la habilidad para discriminar la frecuencia.
La segunda, y más importante razón para la aparente discrepancia entre la magnitud de
JND (ya sea de frecuencia o de relación de frecuencia) y el tamaño del grado de la escala es
la limitación en el proceso de información por parte del sistema nervioso impuesta por
niveles de procesado más altos (relacionados con la memoria y la atención). Un concepto
útil en este respecto es el de la teoría de la información, en la cual la información
transmitida se relaciona con la reducción de la incertidumbre. Los JNDs mencionados arriba
fueron determinados con procedimientos psicofísicos de mínima incertidumbre y, como
tales, probablemente reflejan el poder resolutivo del sistema auditivo periférico más que
limitaciones impuestas por un procesado de mayor nivel. Numerosos estudios han indicado
que al confrontarse con señales de alta información y/o rangos de alta información, los
observadores tienden a codificar la información en categorías como medio de reducir la
carga de información. Es posible que esos factores hayan determinado el uso de intervalos
discretos.
En 1956, Miller revisó experimentos que probaban la habilidad de los observadores para
categorizar estímulos en varias modalidades sensoriales. Concluyó que para los estímulos
que varían en una sola dimensión física, la información transmitida al observador estaba en
el orden de los 2,8 bits en todas las modalidades; esto es, eran capaces de colocar, sin
error, el estímulo tan sólo en un máximo de 22,8 categorías. Esto fue contrastado con la
habilidad de los observadores para discriminar varios miles de estímulos a lo largo de un
continuo en pruebas discriminativas de elección forzada. La discrepancia entre la magnitud
de JNDs y el intervalo más pequeño, por tanto, parece ser otro caso de esta clásica
discrepancia entre resolución en la identificación y habilidades discriminativas.
Los procedimientos de ajuste también han sido usados para estudiar la percepción de los
intervalos musicales, principalmente la octava, pero también otros intervalos. En el
paradigma típico, al sujeto se le presentan pares de sonidos (secuenciales o simultáneos),
uno de los cuales tiene una frecuencia fija, y otro cuya frecuencia está bajo el control del
sujeto. A este sujeto se le instruye para que ajuste la frecuencia del sonido variable, de
forma tal que la relación de altura de ambos sonidos corresponda a un intervalo musical
determinado.
Para el caso de ajustes repetidos de intervalos, los sujetos generalmente demuestran una
variabilidad bastante pequeña, relativa a la obtenida en experimentos de producción de
magnitud. La desviación promedio de ajustes repetidos de octavas secuenciales o
simultáneas compuestas por sinusoides, se encuentra en el orden de los 10 cents (Ward,
1953, 1954; Terhardt, 1969); es levemente inferior en el caso de octavas compuestas por
sonidos complejos. Un rango de desviaciones promedio de 14 a 22 cents para el ajuste de
los otros intervalos de la escala cromática (presentados simultáneamente) han sido
observados por Moran y Pratt (1926).
D). Intervalos naturales y escalas
Por tanto, parece haber una propensión hacia las escalas que no utilizan consonancias
perfectas y que son en muchos casos altamente variables, en culturas que son o pre-
instrumentales o cuyos instrumentos principales son del tipo del xilófono. Instrumentos de
esta índole producen sonidos cuyos parciales son, en gran medida, inarmónicos y cuyas
alturas son a menudo ambiguas.
Los resultados de estos experimentos de identificación absoluta son consistentes con los
resultados de los experimentos de categorización y ajuste de intervalos, los cuales
muestran, en general, distribuciones unimodales de categorías de intervalos a lo largo de la
dimensión de magnitud de relación de frecuencia.
Por tanto, basados en la evidencia existente, la mayor posibilidad parece ser que los
intervalos naturales, según los dicta la consonancia sensitiva, han influenciado la
determinación de las escalas de la mayoría de las culturas, pero que la entonación de los
músicos individualmente es básicamente una función de su habilidad adquirida para
reproducir las categorías de intervalos aprendidos de estas escalas.
D. Generalización de octava y croma
1. Introducción
Como se ha mencionado, las escalas de la música occidental se basan, en parte, en el
concepto de generalización de la octava (esto es, que los sonidos separados por una octava
son, en cierto sentido, musicalmente equivalentes, y por tanto las escalas son únicamente
definidas especificando los intervalos dentro de una octava). Esta generalización parece ser
universal para las culturas musicales avanzadas.
Otra explicación es consecuencia de las alturas de los sonidos complejos. Modelos actuales
de percepción de alturas de sonidos complejos asumen que la percepción de la altura de
sonidos complejos es un proceso de reconocimiento en el cual un "procesador central de
altura" intenta hacer coincidir los parciales del sonido complejo con la serie armónica más
adecuada. Una consecuencia de esta operación será un cierto grado de ambigüedad de
octava en las predicciones de modelo de la altura fundamental.
Sin embargo, hay evidencia (Shepard, 1964) de experimentos en los que se utilizan sonidos
complejos cuyos parciales consisten en octavas de la fundamental. Estos sonidos complejos
son, esencialmente, pasados a través de un filtro de banda que sirve para mantener la
altura sonora promedio constante, independientemente de la frecuencia fundamental. Los
experimentos muestran que los juicios sobre relación de altura entre sonidos de este tipo
con diferentes frecuencias fundamentales se basan en la proximidad relativa de los
armónicos más que en las diferencias de frecuencia fundamental absolutas. El resultado
sorprendente se da cuando un grupo de sonidos de esta índole, cuyas frecuencias
fundamentales cubren un rango de una octava en semitonos, son tocados cíclicamente; la
impresión es la de una altura constantemente ascendiendo (o descendiendo) sin los saltos
de octava que uno podría esperar (y que se oyen si los sonidos no están debidamente
separados). Esta ilusión se cita a menudo como evidencia de la circularidad de la octava.
V. Conclusiones y Reservas
A. Conclusiones
Basados en la evidencia comentada, las siguientes conclusiones con respecto a la
percepción de intervalos musicales y escalas parecen justificadas.
Referencias
Benade, A. (1976) Fundamentals of musical acoustics, Oxford University Press.
Boomlister, P. & Creel, W. (1961) The long pattern hypothesis in harmony and hearing. In:
Journal of Music Theory 5, pp. 2-31.
Miller, G. A. (1956) The magical number seven, plus or minus two: some limits on our
capacity for processing information. In: Psychological Review 63, pp. 81-96.
Moran, H. & Pratt, C. C. (1926) Variability of judgements of musical intervals. In: Journal of
Experimental Psychology 9, pp. 492-500.
Morton, D. (1974) Vocal tones in traditional Thai music. In: Selected reports in
ethnomusicology vol. 2, pp. 88-99
Plomp, R. & Levelt, W. (1965) Tonal consonance and critical band-with. In: Journal of the
Acoustical Society of America 35, pp. 548-560.
Terhardt, E. (1969) Oktavspreizung und Tonhöhen der Schiefbung bei Sinustonen. In:
Acustica 22, pp. 348-351.
Terhardt, E. (1974) Pitch, consonance and harmony. In: Journal of the Acoustical Society of
America 55, pp. 1061-1069.
Ward, W. D. (1953) The Subjective Octave and the Pitch of Pure Tones. Tesis de Doctorado
no publicada, Universidad de Harvard, Cambridge, Massachusetts.
Ward, W. D. (1954) Subjective musical pitch. In: Journal of the Acoustical Society of
America 26, 369-380.
Ward, W. D. (1970) Musical Perception, In: J. Tobias (ed.) Foundations of modern auditory
theory. Academic Press.
Un intervalo mide la distancia entre dos notas musicales. Es importante conocer los
intervalos para poder construir escalas y acordes.Sin embargo, no todos los intervalos del
mismo nombre tienen el mismo tamaño. Por esto es necesario especificar la especie o
calificación de los intervalos determinando con exactitud el número de tonos y semitonos
que tiene.
Las segundas
Las segundas pueden ser mayores, menores, aumentadas o disminuidas. A continuación
pueden ver el número de semitonos de cada una de las especies de segundas:
Las terceras
Las terceras pueden ser mayores, menores, aumentadas o disminuidas. A continuación
pueden ver el número de semitonos de cada una de las especies de terceras.
Las cuartas
Las cuartas pueden ser justas (o perfectas), aumentadas o disminuidas. A continuación
pueden ver el número de semitonos de cada una de las especies de cuartas.
Las quintas
Las quintas pueden ser justas (o perfectas), aumentadas o disminuidas. A continuación
pueden ver el número de semitonos de cada una de las especies de quintas.
Las sextas
Las sextas pueden ser mayores, menores, aumentadas o disminuidas. En la tabla a
continuación pueden ver el número de semitonos de cada una de las especies de sextas.
Las séptimas
Las séptimas pueden ser mayores, menores, aumentadas o disminuidas. A continuación
pueden ver el número de semitonos de cada una de las especies de séptimas.
Las octavas
Las octavas pueden ser justas (o perfectas), aumentadas o disminuidas. A continuación
pueden ver el número de semitonos de cada una de las especies de octavas.
Inversión de intervalos
Invertir un intervalo consiste en subir una octava la nota inferior del intervalo,
Al invertir los intervalos estos se transforman de la siguiente manera,
Indice
1. La música en la antiguedad
2. Lejano oriente
3. Medio oriente
4. Cuenca del mediterráneo
5. Música en Grecia
6. Música en Roma
7. Música popular
8. La Música en la edad media
9. Música religiosa y profana
10. Música Profana
11. Música gregoriana
12. Polifonía
13. Notación musical
14. Bibliografía
1. La música en la antiguedad
Los primeros instrumentos fueron los objetos o utensilios o el mismo cuerpo del hombre
que podían producir sonidos.
Autófonos: aquellos que producen sonidos por medio de la materia con que la que están
construidos.
Membranófonos: serie de instrumentos más sencillos que los construidos por el hombre.
Tambores: hechos con una membrana tirante, sobre una nuez de coco, un recipiente
cualquiera o una verdadera y autentica caja de resonancia.
Cordófonos: de cuerda, el arpa.
Aerófonos: el sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de aire.
Uno de los primeros instrumentos: la flauta (en un principio construida por un hueso con
agujeros).
2. Lejano oriente
Música en China: atrajo a viajeros occidentales que visitaban ese país ansiosos de
novedades. Los chinos diferenciaban las notas de la música; reservaban las primeras a los
hombres ordinarios y las ultimas a hombres sabios.
Exponía la situación del país en cada momento histórico que vivía. Los chinos formaron la
escala que los europeos llamaron "cromática", descubierta por el maestro de música de
Hoan-Ti(antiguo emperador).
Antes de descubrirse la escala dodecafónica (12 sonidos) los chinos usaron la escala
pentatónica (5 quintas fa/do/sol/re/la)
Entre los instrumentos de viento están las flautas de Pau (si-siao); las flautas de bambú con
orificios (siau o yo); las flautas traversas (ti o chou) y las trompetas. Entre los de cuerda
estaba el Kin (laúd); el che (cítara); el pi-pa (guitarra con 4 cuerdas); el eut-hilu (guitarra
con dos cuerdas); el cheng (igual que el che pero más pequeñas); el yang-kin (laúd
extranjero con cuerdas de metal).
Música en Japón: la teoría musical y los instrumentos utilizados en Japón eran provenientes
de corea, a su vez, los habían incorporado en china. Pero el refinamiento musical japonés
alcanzó un nivel superior al chino. Instrumento favorito: el koto (citara sin trastes), de 7
tamaños, construidos con cañas de bambú, tenia desde 6 a 13 cuerdas: el yamato-goto y el
yamato-bue. En los casos de acompañamiento instrumental, no acostumbraban hacer sonar
simultáneamente la voz y el instrumento ya que ya le precedía a distancia de una corchea,
realizándose una especie de cañón.
Existían diferentes géneros musicales: el bagaki para ceremonias del Emperador; el No,
para la música de fondo en actos de teatro, el ko-uta, para la música folklórica y el noga-
uta, para la musca seria.
En la actualidad existen dos corrientes musicales en Japón, una que pretende mantener la
tradición musical a través de su música folclórica y la otra incorporada a las corrientes de la
música occidental.
La teoría musical tenia como base la raga (forma melódica), el cual al modificarse sus
ritmos permitía el establecimiento de nuevos cantos. Las ragas representaban colores,
estados del alma, cada uno tenia un sentimiento o contenido emocional propio. La música
vocal y la instrumental de india tenia variadas aplicaciones, en la religión, en palacios, entre
gente humilde, etc.
La música en Israel
Era un elemento inseparable del culto. Pentateuco: el caso de Labán(reprocha a Jacob por
haber partido el canoón con los suyos a escondidas sin haberse despedido con alegría,
cantores, etc.) Génesis: cita instrumentos musicales(el kinno – de cuerdas, y el ougob – de
viento) Exodo: el canto oral. Cantemus dominio: compuesto por Moisés (al pisar tierra firme
después de cruzar el Mar Rojo), fue cantado por la Iglesia cristiana.
Instrumentos: Cuerda: las lisas, y cítaras. Salterio de 13 cuerdas (nebel), arpa egipcia de 10
cuerdas (kinner) llamada "arpa de David".
Música en Egipto
Es un misterio como era la música egipcia. Se admite su influencia sobre la cultura musical
griega y la existencia de indicios sobre instrumentos conservados, también el hallazgo de
bajorrelieves en templos religiosos. Se deduce que los egipcios poseían instrumentos de
cuerda, viento y percusión, ya que se encontraron en algunas tumbas faraónicas figuras de
flautas, etc.
La música se la asignaba con una doble posibilidad. Por un lado la capacidad de motivar en
el hombre una sensación (de gozo, alegría) y por el otro, al de crear sensaciones de
naturaleza mística y mágica.
5. Música en Grecia
Sistema Musical: se nutrió de los principios de Pitágoras. Nuestros músicos, por ejemplo,
encierran el marco melódico dentro del espacio de una octava, pero los antiguos griegos
dividían a esta en 2 cuartas (tetracordios)
6. Música en Roma
Generalidades: una diferencia de Grecia dedicó toda su vida a desarrollar sus ideales
políticos, de allí que en el terreno musical y artístico se la considere imitadora de ésa.
El cultivo de la música era condenado por algunos gobernantes como Tulio Cicerón, pero
Cicerón, por ejemplo consideraba que debía realizarse con perfección y moderación.
7. Música popular
El pueblo Romano se preocupo por la música y el leguaje, por ejemplo, algunos oradores
estaban acompañados por un flautista. Cuando inicia la época de los emperadores con
Octavio(Augusto) comienza la "paz octaviana" época de gran prosperidad para las artes. Se
desarrolla el virtuosismo musical entre profesionales y aficionados y ocupa una preferente
atención de los emperadores.
En el románico (año 840 hasta la primera mitad del siglo XII{año 1250}) y el gótico (1250
a fin de la edad media {1453-fines del siglo XV}) en el periodo Patrístico apareció la era
Cristiana y al Era media, en esta ultima la historia de la música se encuentra íntimamente
ligada a la forma en que se desarrollo la liturgia cristiana ya que se consideraba a la música
el vehículo por medio el cual los sacerdotes elevaban la palabra a Dios. Existieron formas de
expresión musical.
Los nuevos personajes dedicados a la disposición de esta música fueron los Juglares
(músicos ambulantes y plebeyos que divertían en fiestas y castillos). Los Trovadores
(pertenecían a la nobleza y eran músicos y poetas que inventaban rimas y ritmos), Los
bardos (antecesor de los trovadores que cantaban proezas de sus héroes valiéndose del
laúd). Por ultimo los ministeriles o ministriles (verdaderos productores musicales,
administraban música y formaban corporaciones o gremios dedicados a brindar
espectáculos musicales).
Sau Ambrosio (374-397) reunió aquellos himnos que debían ser aceptados un creo
"antifonario", nace así el "canto Ambrosiano". 200 años después, San Gregorio Magno
(540-604) recopila himnos eliminando los que tenían origen popular o pagano dando
nacimiento al canto Gregoriano.
Este periodo termina con el saqueo que realizaron los bárbaros y que trajo como
consecuencia la destrucción de muchos documentos, por ello hoy no es posible reconstruir
esta importante etapa de la historia de la música.
La Iglesia Católica tuvo su propio lenguaje musical nacido de los 4 dialectos musicales que
se impusieron: el Milanés, el Galiciano, el Mozárabe y el Romano, pero en definitiva el que
se impuso fue el Romano, si bien el Canto Ambrosiano ejerció una poderosa influencia a
fines del Siglo IV, el Canto Gregoriano sé de difundió a toda la Cristiandad casi dos siglos
después y marco un trascendente camino en el desarrollo de la Humanidad.
La melodía del canto gregoriano asimila 3 estilos diferentes; El "Silábico" (cada nota
representada por una sílaba), el "Neumasico" (una misma sílaba corresponden 2, 3 0 4
sonidos diferentes), y las "Secuencias" (intercalación de un texto en las notas del aleluya)
12. Polifonía
Posibilidad de acompañar una melodía con otra que mantenga su independencia, estas
totalmente diferenciadas se convierten luego en tres, cuatro y más melodías.
Es una nueva técnica musical resultante del cruzamiento de varias voces, según reglas y
esquemas armónicos. Se difundió en especial en Francia durante los Siglos XII, XIII y XIV,
luego por el resto de Europa. Mas tarde se fueron adaptando diversos matrices de acuerdo
con el temperamento y gusto de cada pueblo.
En realidad la música polifónica tubo origen en el canto Gregoriano, o sea que el tema de un
canto litúrgico se tomaba como base superponiéndole otro nuevo.
El Organum: forma más antigua de la polifonía que se conoce y tiene por base la
superposición de voces a distancia de intervalos de 4ª o 5ª (do - fa; do - sol).
El Conductus: con su aparición los compositores tienen una mayor libertad en su creación,
sin sujetarse a la melodía base.
Los monjes, refiriéndose a las neumas, decían que no son mas que simples auxiliares de la
memoria ya que la música no es retenida por la mente del hombre, ello si pierde, desde el
momento que no puede ser escrito.
LA MÚSICA CONVENCIONAL.
Desde la antigüedad hasta comienzos del siglo XX, no se concibió la idea de que existiera
una “música convencional” distinta a cualquier otro tipo de música... y ni siquiera esto era
concebible. Existía simplemente la Música que al comienzo se componía para ser cantada o
interpretada sin importar el instrumento que se usara, utilizándose el primero que se
tuviera a mano. Trató de escribirse de múltiples formas hasta que apareció el pentagrama y
la notación musical cuya evolución se inicia con los trabajos del monje de Pomposa, Guido
d'Arezzo (990?-1033?), quien se dedicó como teórico al estudio de la música; junto con el
hermano Miguel creó un antifonario, hoy perdido, utilizando un sistema de notación musical
que para la época fue verdaderamente revolucionario. La Epistola de ignoto cantu, carta
dirigida al hermano Miguel, describe la forma de enseñar el sistema de solmisación todavía
hoy día utilizado, en el que las sílabas iniciales (ut, re, mi, fa, sol y la) de los versos del
Himno de san Juan Bautista denominaron los grados de la escala. El canto fue
evolucionando desde el monódico de juglares y trovadores y de los monjes del canto
gregoriano, hasta el polifónico, originándose así el contrapunto y la armonía. La música
instrumental también fue evolucionando; la orquesta antigua no tenía director, como hoy
todavía acontece, por ejemplo, con los tríos, cuartetos y quintetos. Así se desarrolló la
orquesta barroca, después la orquesta clásica hasta llegar a la orquesta sinfónica moderna
donde quedaron fijados, de la mejor manera posible, los diversos timbres hoy en día
usados. Esta orquesta sinfónica tiene cuatro secciones: las cuerdas (primeros y segundos
violines, violas, violonchelos y contrabajos); los vientos de madera (Flautas, piccolo, oboes,
corno inglés, clarinetes, clarinetes bajos, saxofón, fagote y contrafagote); los vientos de
metal (trompas, también llamadas cornos franceses, que se sitúan en lugar distinto a los
otros metales, las trompetas, los trombones y la tuba); la sección de percusión (tambores,
platillos, triángulo, panderetas, gongos, campanelli, xilófono); los músicos siguen al
director que, no sólo durante los ensayos, determina la forma de tocar una obra, sino
también durante la ejecución pública donde lleva el compás y señala con sus múltiples
gestos desde el momento de entrada de los instrumentos hasta los sentimientos que la
música debe expresar, siguiendo, a su vez, las pautas del compositor. La orquesta para el
director es, sin duda, su propio instrumento musical.
El peso de la tradición ha hecho que para las personas en general, incluso para ejecutantes
y profesores de institutos superiores de música, no se conciba la existencia de una obra
musical sin que exista uno o varios ejecutantes y, además, que se plasme la obra concreta
(el opus) en el papel pautado donde la escribe el compositor en forma de partitura, es decir,
donde se señalan las partes que debe tocar cada instrumento o grupo de instrumentos.
LA MÚSICA ELECTRÓNICA.
En la década de 1910, Luigi Russolo, concibió una música creada con ruidos y cajas de
música electrónicas, dando así origen a los primeros instrumentos musicales electrónicos
comerciales, pero la música creada solamente por medios electrónicos, sólo se inició con el
desarrollo de la tecnología de la grabación de sonidos durante la Segunda Guerra Mundial.
El francés Maurice Martenot presentó en 1928 un instrumento electrónico llamado Ondas
Martenot, que es un generador de bajas frecuencias manejado con un teclado de piano a
veces utilizado como instrumento añadido a la orquesta sinfónica.
A finales de los años ‘40 Werner Meyer-Eppler, construyó el Vocoder, que era un dispositivo
que conseguía sintetizar la voz humana. En Alemania se usó el sistema dodecafónico para
hacer obras electrónicas. La música, especialmente el tono, el ritmo y el volumen relativo,
quedaron bajo el control de unos principios definidos numéricamente. Bruno Maderna y
Karlheinz Stockhausen compusieron piezas electrónicas cortas, llamadas de síntesis aditiva
a partir de sonidos electrónicos. Comenzaron a crearse en Europa y los Estados Unidos los
Estudios de Música Electrónica. En este último país el compositor Milton Babbitt comenzó a
emplear una gigantesca computadora RCA con la que creó música compuesta con los
principios seriales. Realizó en 1964 su obra Philomel, una de las primeras composiciones
para soprano solista y cinta magnetofónica. Se construyen sintetizadores que ofrecen
sonidos y efectos pregrabados que se utilizan para los anuncios comerciales de la televisión
y para las bandas sonoras de películas de ciencia ficción.
Se creó la música por medios electrónicos con cintas magnetofónicas que se ejecutaban por
medio de altavoces; aparece la llamada música electrónica en vivo, creada en tiempo real
con sintetizadores y otros equipos electrónicos, la música concreta, creada a partir de
sonidos grabados que después son modificados y la música que combina el sonido de
intérpretes en vivo con música electrónica grabada, que dan origen a la electroacústica o
música radiofónica. Se patentan sintetizadores que imitan casi cualquier sonido y que crean
gamas tonales y timbres completamente nuevos. Entonces comienza el desarrollo de la
tecnología informática de las décadas de 1950 y 1960. Desde este último citado año hasta
1970, los norteamericanos Lansky y Barry Vercoe, desarrollaron paquetes de programas
informáticos (software) para música, diseñados para la creación de sonidos, que se
enviaban gratuitamente a los compositores que estuvieran interesados en el tema. Así nace
y crece y se expande por todo el mundo la música por computadora, que constituye una
verdadera revolución.
Conviene dejar claro que la música por computadora atiende más a la estética que a la
tecnología utilizada. Conviene también señalar que las imitaciones de timbres
correspondientes a los instrumentos tradicionales, no todos son de calidad, como es el caso
del violín, el violonchelo, el contrabajo, el Ensemble de Cuerdas I que corresponde al
número 49 del mapeador Midi y algunos otros más. Esto obliga al compositor a usar estos
sonido con mucha prudencia y obliga a componer una música con gran presencia de los
sonidos nuevos, apartándose así de los cuatro grupos de la Orquesta sinfónica moderna y
de algunos otros instrumentos como el piano. Esta es una desventaja de la música por
computadora. Sin embargo, existen muchas ventajas, como por ejemplo, el poder generar
música con un teclado electrónico que luego se manipula con los correspondientes software
y llevarlos a conformar una obra polifónica que puede ser realmente bella, que de querer
ejecutarse por una orquesta, deberá previamente ser debidamente arreglada y adaptada.
Existen programas, como Music Write de Voyetra, que permiten componer en computadora
con el método tradicional de escribir en el pentagrama; pero una gran ventaja que ofrecen
algunos software radican en componer desde un teclado, por ejemplo, y la misma
computadora se encarga de pasarlos a un rollo de pianola y en partituras escritas a la
manera tradicional y que se pueden imprimir para que sirvan de elemento básico para hacer
las debidas correcciones en el papel y poder ser así llevada a los miembros de una orquesta
que la ejecute. Otra ventaja de la música por computadora es que el autor puede oír su
música mientras la compone y luego al final, la puede oír toda y puede, además, hasta
grabarla en un CD para ser presentada al público, y servir de base para un ballet, para el
cine, etc. Así la computadora se constituye en un medio que ayuda enormemente al
compositor por todos los recursos que ofrece, que son enormes y que facilitan la tarea.
Además, existe un poderoso medio para hacer pública una obra que es la red de Internet
que completa el cuadro que estamos pintando.
El MIDI (Musical Instrument Digital Interface), usado para componer música por
computadora, no es un instrumento musical, sino un medio que permite a los sintetizadores
y otros equipos comunicarse unos con otros mediante el envío de instrucciones digitales.
Dicho en otra forma es un sistema de interfaz estándar en serie que permite la conexión de
sintetizadores, instrumentos musicales y computadoras. La música de éstas se caracteriza
por el empleo de la tecnología digital, es decir, mediante el almacenamiento de la
información como números que pueden manipularse por procesos matemáticos usando
programas informáticos. La estandarización del MIDI por los fabricantes de sintetizadores
ha permitido hacer música por computadora.
Pero, en fin, el compositor hace lo que puede según sus capacidades, según el medio de que
disponga y de la inspiración misteriosa que lo hace un verdadero artista. J. Sosach no sabe
si lo acompaña la inspiración, tiene un computadora muy modesta provista de una tarjeta
de Sonido Sound Blaster Creative Audigy y trabaja su música con programas (software)
como el Digital Orchestrator Pro de Voyetra y el Cakewalk Pro Audio (TM) 9.00 y además
con otros programas que le ofrecen ritmos y acordes ya construidos y también le permiten
construir acordes para que pueda así realizar un estilo propio.
La forma de componer se basa en construir la obra con música MIDI, que luego se
transforma en Wave; y después, para ahorrar espacio se transforma en música MP3. y se
graba con un “quemador” en un CD virgen. J Sosach no pudo evitar la tentación de publicar
su música y abjuró de la promesa que había hecho de no publicarla por no querer someterse
a ningún test (la crítica, sobre todo) ya que quería morir tranquilo sin saber que pasó por la
vida sin saber que era un débil mental.
2) Características :
Desde sus comienzos, el jazz se ha ramificado en muchos subestilos, lo que hace difícil la
realización de una descripción única que se adapte a todos ellos con fiabilidad absoluta. Sin
embargo, pueden hacerse algunas generalizaciones, teniendo en cuenta que en todos los
casos hay excepciones.
Los intérpretes de jazz improvisan dentro de las convenciones del estilo que han elegido.
Por lo general la improvisación se acompaña de una progresión de acordes de una canción
popular o una composición original que se repiten. Los instrumentistas imitan los estilos
vocales negros, incluso el uso de glisandos y portamentos (sonidos arrastrados de una nota
a otra), las ligeras variaciones de tono (incluidas las llamadas blue notes, tonos de la escala
del blues desafinados a la baja en un intervalo microtonal respecto a la afinación
occidental), y los efectos sonoros, como gruñidos y gemidos.
La voluntad de crear un sonido personal de color tonal —con un sentido del ritmo y forma
individual, y con un estilo propio de ejecución— ha llevado a los músicos a la utilización de
ritmos que se caracterizan por una sincopación constante (los acentos aparecen en
momentos inesperados del compás) y también por el swing, un pulso rítmico único del jazz
que se manifiesta en las complejas relaciones entre notas largas y breves. Las partituras
escritas, si existen, se usan tan sólo como guías de la estructura dentro de la cual se
desarrolla la improvisación. La instrumentación típica comienza con una sección rítmica,
formada por el piano, el contrabajo, la batería y una guitarra opcional, a la que se pueden
añadir instrumentos de viento. En las big bands los vientos se agrupan en tres secciones:
saxofones, trombones y trompetas.
Si bien hay excepciones en algunos subestilos, el jazz en general se basa en la adaptación
de infinitas melodías a algunas progresiones de determinados acordes. El músico improvisa
nuevas melodías que se ajustan a la progresión de los acordes, y éstos se repiten tantas
veces como se desee a medida que se incorpora cada nuevo solista.
Si bien para la improvisación de jazz se usan piezas cuyas pautas formales son muy
distintas, hay dos estructuras, en particular, que se usan con más frecuencia en sus temas.
Una es la forma AABA de los estribillos de las canciones populares, que consta de 32
compases divididos en cuatro secciones de ocho compases cada una: la sección A, la
repetición de la sección A, la sección B (el puente, que suele comenzar en una tonalidad
nueva), y la repetición de la sección A. La segunda forma tiene hondas raíces en la música
folclórica de la comunidad negra estadounidense, el blues de 12 compases. A diferencia de
la forma de 32 compases en AABA, los blues tienen una progresión de acordes casi
uniforme.
3)Los orígenes :
El jazz hunde sus raíces en el eclecticismo musical de los afroamericanos. En esta tradición
sobreviven huellas de la música del África occidental, de las formas musicales de la
comunidad negra del Nuevo Mundo, de la música popular y clásica europea de los siglos
XVIII y XIX y de formas musicales populares posteriores que han influido en la música
negra o que son obras de compositores negros. Entre los rasgos africanos se encuentran los
estilos vocales, que destacan por una gran libertad de coloración vocal, la tradición de la
improvisación, las pautas de pregunta y respuesta, y la complejidad rítmica, tanto en la
síncopa de líneas melódicas individuales como en los ritmos complejos que tocan los
distintos miembros de un conjunto. Otras formas de música afroamericana son los cantos
que acompañaban el trabajo, las nanas y, aunque posteriores, los cánticos espirituales y los
blues.
La música europea ha aportado estilos y formas específicas: himnos, marchas, valses,
cuadrillas y otras músicas de baile, de teatro, y de ópera italiana, así como elementos
teóricos —en especial la armonía—, un vocabulario de acordes y la relación con la forma
musical.
Entre los elementos negros de la música popular que han contribuido al desarrollo del jazz
se incluyen la música de banjo de los minstrel shows (derivados de la música de banjo de
los esclavos), los ritmos sincopados de influencia negra procedentes de la música
latinoamericana (que se escuchaba en las ciudades sureñas de Estados Unidos), los estilos
de pianola de los músicos de las tabernas del Medio Oeste, y las marchas e himnos
interpretados por las bandas de metales de negros a finales del siglo XIX. En estos años
surgió otro género que ejerció una poderosa influencia; se trataba del ragtime, música que
combinaba muchos elementos, incluidos los ritmos sincopados (originarios de la música de
banjo y otras fuentes negras) y los contrastes armónicos y las pautas formales de las
marchas europeas. A partir de 1910 el director de orquesta W. C. Handy.
tomó otra forma, el blues, y la llevó más allá de su tradición precedente —estrictamente
oral—, con la publicación de sus originales blues. En las manos de los músicos de jazz, sus
blues encontraron en la década de 1920 a quien sería quizá su mejor intérprete: la cantante
Bessie Smith, que grabó muchos de ellos.La fusión de estas múltiples influencias en el jazz
resulta difícil de reconstruir, dado que esto ocurrió antes de que el fonógrafo pudiera
ofrecer testimonios fiables.
4) La historia :
Tiempo: a este pertenecen los aires/compases/figuras/puntillos/silencio/puntos de reposo y fermatas (llamados calderones),las palabras accelerando/ritardando y varias mas que colocadas
debajo o encima de las figuras modifican su valor.
En resumen,al tiempo le corresponde todo lo que a éste afecta,haciéndolo rápido o pausado.
¿Que es Solfeo?
¿Que es Clave?
Clave es la que fija la colocación que se da a los signos en el pentagrama.
¿Que es pentagrama?
Es el conjunto de cinco lines y cuatro espacio.
Las notas que se colocan en el pentagrama se leen de abajo hacia arriba.
Líneas
La nota que se coloca en la primera linea se llama MI
Espacios
La nota que se coloca en el primer espacio se llama: FA
Las líneas
Última edición por ScorpMusic el 02 Ene 2007 07:59, editado 5 veces en total
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Que es Compás?
Compas es una pequeña porción de tiempo dividida en 2,3 o 4 partes,y que sirve para medir el valor de las figuras.
Este se define con una señal que se coloca junto a la Clave.
Existen varios tipos de compases:
El compas de compasillo o 4/4
El compasillo binario o simplemente binario.
Se divide en dos partes,marcándose con dos movimientos,uno hacia abajo y el otro hacia arriba que antes se llamaba dar y alzar(no se ahora)
De las dos divisiones que tiene este compás tambien se le llama a la primera fuerte y a la segunda débil debido a que el efecto de la primera es mas decisivo que la segunda.
¿Qué es Figura?
Figura es la diferente forma que se da a las notas musicales para determinar su valor o duración.
Para evitar que se confundan quiero aclarar que Notas es el nombre que se le da a la reunión de Signos y Figuras que expresan sonido y valor.
redonda
blanca
negra
Corchea
Semicorchea
Fusa
Semifusa
Mañana mas.......
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29 Dic 2006 10:04
..muy buena idea esta he...felicidades...también por ahí vi otro de ritmos...me da gusto que se hagan este tipo de cosas para uno aprender o recordar según sea el caso...
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Muchas gracias Discoverybc ,un gran saludo para ti y te deseo Felices Fiestas y Feliz Año Nuevo 2007!
Proseguimos....
Como cada redonda vale un compás,a continuación de cada una de ellas hay una línea divisoria.
La música es en cierto modo parecida a las matemáticas,en el sentido del valor de las notas.
Como he dicho antes la redonda vale un compás de modo que la blanca vale la mitad y asi sucesivamente hasta llegar a la semifusa.
El valor de cada silencio es el equivalente del valor de la figura que representa,de modo que:
El silencio de redonda vale lo mismo que la redonda,y asi en el resto de las figuras.
El silencio de la redonda se diferencia del de la blanca en que el primero se coloca debajo de la línea y el segundo encima.
El silencio de redonda se escribe generalmente debajo de la cuarta línea pero puede colocarse debajo de cualquiera de las cinco líneas naturales y debajo de líneas adicionales.
El silencio de blanca se escribe generalmente encima de la tercera línea pero puede colocarse encima de cualquiera de las cinco líneas naturales y encima de líneas adicionales.
El silencio de negra se distingue del silencio de corchea en que el de negra tiene el corchete a la derecha y el de corchea lo tiene a la izquierda.
Los silencios de semicorchea,fusa y semifusa se distinguen en que cada uno de ellos tiene el mismo número de corchetes que su figura correspondiente.
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Te felicito por la idea, esto puede ayudar a mucha gente, entre la que me incluyo.
Por cieto, este hilo se deberia colocar en algun sitio para que no se perdiera, y la gente pueda verlo facilmente.
Carlosrubio
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Hola
Muy bueno, una cosa, faltan los links (o no funcionan?) de negra, blanca y redonda en "¿que son los silencios?" y en "¿Qué es Linea Divisoria?", Ponlos please!
Saludos.
Usa software original, los programadores tambien tienen que comer!
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Carlosrubio dijo:
Te felicito por la idea, esto puede ayudar a mucha gente, entre la que me incluyo.
Por cieto, este hilo se deberia colocar en algun sitio para que no se perdiera, y la gente pueda verlo facilmente.
Hola Carlosrubio y Shardik,muchisimas gracias por asomarse a este rinconcito del lector
Que no se muera nadie aqui que nos queda mucho por hacer.
PD: Sobre lo que dices Carlos,pues no se......yo puse esto aqui porque no se si en Teoría y Composición Musical estaría bien...porque concretamente es solfeo aunque como ves,es
imposible pasar de la teoría....Por mi que lo coloquen donde mejor ayude a la gente que es lo que de verdad importa.
Un abrazo
Última edición por ScorpMusic el 02 Ene 2007 05:11, editado 2 veces en total
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Muy bueno, una cosa, faltan los links (o no funcionan?) de negra, blanca y redonda en "¿que son los silencios?" y en "¿Qué es Linea Divisoria?", Ponlos please!
Saludos.
Hola sopothetocho,pues no funcionan... ..Esta claro que no tienen aqui un link para la redonda ni la blanca ni la negra....no se por qué...Yo lo que hago es que como las que si tienen link
A ver si como HispaSonic esta estrenando nuevas funciones y renovandose constantemente le hacen un pequeño homenaje a esas figuras tan queridas por el gremio...
Saludos
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Scorp,esta labor que estás llevando a cabo es fantástica y los que somos pobres en lenguaje musical nos viene muy bien.Te arrojo una idea,que tal si cuando lo creas necesario (cuando hayas
hablado de ritmos, ligaduras,figuras especiales,etc...jeje te pongo mas tareas) empezamos a solfear para ir perdiéndole el miedo a esto del pentagrama ¿qué te parece?
Por cierto,no me queda demasiado clara la diferencia entre compasillo y binario...lo que entiendo es que uno se refiere a un 4/4 y el otro a un 2/4 ¿es eso?
modulay
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Comenzamos?......y...
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semicorchea
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modulay @ 29 Dic 2006 - 10:58 PM escribió:Scorp,esta labor que estás llevando a cabo es fantástica y los que somos pobres en lenguaje musical nos viene muy bien.Te arrojo una idea,que tal
si cuando lo creas necesario (cuando hayas hablado de ritmos, ligaduras,figuras especiales,etc...jeje te pongo mas tareas) empezamos a solfear para ir perdiéndole el miedo a esto del pentagrama
¿qué te parece?
Por cierto,no me queda demasiado clara la diferencia entre compasillo y binario...lo que entiendo es que uno se refiere a un 4/4 y el otro a un 2/4 ¿es eso?
casa para despues ver donde y como se coloca todo...(es la primera comparacion que se me ha ocurrido.... ...)
Sobre lo que me dices de eso que no entiendes sobre compasillo y binario...decirte que es sencillo:
El compasillo (o 4x4) se miden igual.
Pasa como con el binario(o 2x2 )y el 2x4....Peeeero prefiero quedarme con el binario para no enredarle el coco a la gente....sabes?...porque a lo mejor tu lo captas relajao pero habrá quien se
'atormente'...
El de compasillo( o 4/4 )se mide comenzando por un primer tiempo bajando la mano....segundo tiempo a la izquierda.....tercero a la derecha....y cuarto arriba....y asi sucesivamente.
Saludos
Última edición por ScorpMusic el 02 Ene 2007 08:06, editado 1 vez en total
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DINAMITA
PROYECTIL
A su elección, una pedagogía completa
o un complemento lúdico y motivador
Juegen eligiendo el menu Pedagogía si quieren que Happy Note! Clave de Sol y Clave de Fa
les guíe, a su propio ritmo, en el aprendizaje progresivo de nuevas notas musicales.
O bien, si su hijo o usted mismo sabe ya leer música de forma tracicional (curso de música en
conservatorio o en una escuela de música), adapte Happy Note! Clave de Sol y Clave de Fa a
su propio método : seleccione con un simple clic las notas musicales con las que quiere jugar.
Un modo ideal de motivarse o mejorar la lectura de notas muy precisas.
NOTAS MUSICALES
La lectura de las notas musicales para
todas las edades y para toda la familia
Desde facilísimo a muy difícil, Happy Note! Clave de Sol y Clave de Fa se adapta a niños y a
adultos, cualesquiera que sean sus niveles: modifique con un único clic el número de vías, el
tiempo de juego, la puntuación de salida o el modo de juego.
Active o desactive la dinamita. Cambie el color de la pantalla, elija su estilo de música de
acompañamiento (Clásica, Dibujos animados, Tecno...), pida a Happy Note! Clave de Sol y
Clave de Fa que toque cada una de sus buenas notas, etc.
PALABRA NOTA
Telecargar il juego di música Happy Note! Clave de Sol y Clave de Fa
Los contenidos de este curso están diseñados específicamente para estudiantes con
conocimientos nulos del lenguaje musical.
Hay otro curso en la wikiversidad para aprender los fundamentos de la música Curso dinámico
para leer Música...tú mismo, puedes seguir un curso, el otro, o lo dos, como mejor te
apañes,...y...¡Ánimo que no es tan difícil!
Contenido
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• 1 Qué hay que saber y que hay que desconocer para seguir este curso
con aprovechamiento
• 2 1ª Lección - El Pulso
• 3 2ª Lección - ¿Cómo escribir un ritmo utilizando un pulso? Nuestra
primera partitura
• 4 3ª lección: Ritmo, Ritmo y Ritmo.
• 5 4ª Lección. ¿Qué es el tempo?
• 6 II Parte: Leer una partitura
○ 6.1 Introducción
○ 6.2 1ª lección: Los raíles y las pelotitas
○ 6.3 2ª Lección: Poner pelotitas en los raíles
○ 6.4 5ª Lección: ¿Qué son las notas?
○ 6.5 ¿Qué es una partitura?
○ 6.6 ¿Cómo se lee una partitura
○ 6.7 ¿Cuales son los elementos más comunes de una partitura?
○ 6.8 ¿Qué es un pentagrama?
[editar] Qué hay que saber y que hay que desconocer para seguir
este curso con aprovechamiento
1)Lo que no hay que saber
Qué son las notas, los compases, la clave, los sostenidos, las corcheas...
2)Lo que hay que saber
Cantar una canción de nuestro cantante favorito, silbar, llevar el ritmo con los pies o
tocar de oído,...
[editar] 1ª Lección - El Pulso
El ritmo más sencillo del mundo tiene un nombre,...pulso
Lo llevamos en las venas,...el corazón late 70 veces cada minuto (unos más y otros
menos) En el reloj: el reloj cambia de sitio el segundero 60 veces cada minuto El sol: el
sol amanece cada 24 horas (con ciertas variaciones según las estaciones). Los púlsares:
emiten una señal en forma de pulso.
¡Ya sabemos qué es un pulso!
• Ejercicio 1: Escribir 3 ejemplos de pulsos que podemos encontrar en
la vida.
[editar] 2ª Lección - ¿Cómo escribir un ritmo utilizando un pulso? Nuestra
primera partitura
Primero vamos a decidir cuántas pulsaciones vamos a utilizar; por ejemplo 10, y vamos
a representar cada pulsación con una o. Lo escribo a continuación.
oooooooooo
Ya tengo mi partitura con 10 pulsaciones, ahora falta decidir cuánto tiempo va a
transcurrir entre cada pulsación. Si quiero que cada pulsación dure un segundo escribiré
justo encima (o = 1seg) que significa "Cada bola dura un segundo", si en vez de eso,
estuviese más animadillo y quisiera un ritmo más rápido, escribiría (o = 0.5seg) o en su
lugar (o = 0.25). Si estuviese tristón escribiría (o = 2seg)
(o = 1seg) o o o o o o o o o o
¿Cómo leer esta partitura? Como un reloj, me acoplo al ritmo del segundero, cuento
hasta cuatro antes de empezar y ...¿cómo suena?...Mier**** ¡NO SUENA! Nos falta el
instrumento con el que interpretar,...podemos elegir entre una infinidad: palmas, golpes
en la mesa, cabezazos contra la pared (no muy recomendado),...
Elegiré palmas y lo pondré en mi partitura, antes de las bolas.
(o = 1seg) Palmas: o o o o o o o o o o
¿Cómo suena? Pues son diez palmadas con un intervalo de un segundo entre cada una
de ellas,...¿mola, no?...bueno, al menos es toda una partitura, hecha y derecha.
¡Ya tengo una partitura completa! ¡Ya puedo mandarle mi creación a un músico chino
mandarín, esquimal(si es que los hay) o de Dakota del Sur,...todos van a entender la
partitura.
• Ejercicio 2: Escribir 3 partitura con X pulsaciones, indicando el
instrumento y la duración de las pulsaciones,...pista: (o = 0.5seg)
hace que el tiempo entre cada pulsación sea de medio segundo, (o =
2seg) hace que el tiempo entre cada pulsación sea de dos segundos.
[editar] 3ª lección: Ritmo, Ritmo y Ritmo.
El pulso es el padre de todos los ritmos.
El ritmo es lo más importante en la música,...hay otras cosas pero todas son
dependientes del ritmo, del tiempo.
El ritmo depende del pulso.
El pulso es un ritmo, pero no todos los ritmos son pulsos. (Diferencia entre pulso y
ritmo)
El pulso es como una regla milimetrada para que el ritmo vaya ajustado, preciso.
Al igual que usamos una regla para medir y marcar distancias, el pulso se emplea para
que cuando varias personas cantan o tocan juntos no vayan cada uno a su bola, osea, que
vayan conjuntados, juntitos,...
Voy a escribir un pulso, en partitura, como en la lección anterior pero usando puntos en
vez de bolas,...esto es sólo porque soy muy vago y así no tengo que cambiar unas cosas
del programilla:
. = 1 seg (entre cada punto hay un segundo)
. . . . . . . . . (9 bolas = 9 pulsos a intervalo de 1 seg)
17:47 20 oct 2008 (UTC)17:47 20 oct 2008 (UTC)~~ Vale, ahora viene lo chungo: en
vez de tocar en cada punto, sólo voy a tocar en los puntos 1º, 5º y 9ª y para ello voy a
añadir un elemento a la partitura,...sí, sí, tiembla, ¡otro símbolo más! ¿adivinas cúal es?
pues es el palote (|).
Nueva regla, palote es igual a palmada, bola es igual a pulso de 1 segundo de duración.
Escrito en grafía "musical":
Partitura: (.) = 1 segundo
!... !... !
Bueno, cogemos el reloj, nos preparamos mentalmente para subirnos al pulso y hala, a
contar:
Plas Plis Plas (en el 1, el 5 y el 9)
123456789
El ritmo se construye siempre, siempre sobre un pulso (entre otras cosas, lo que hace
un director con la batuta es marcar el pulso).
• Ejercicio 3: tómate el pulso de una vena y cuenta,...cada 5 pulsos da
un golpe con el pie
• Ejercicio 4: tómate el pulso de una vena y cuenta,...cada 3 pulsos da
un golpe en el suelo con el pie.
• Ejercicio 5: Componer una partitura con el número de pulsos que
quieras y añadirle palotes a algunos de esos puntos,...
Please grábalo o hazle una foto o escanéalo y nos lo mandas (asdfasdf17@hotmail.com)
nos haría mucha ilu.
...Si has sido capaz de llegar hasta aquí, que sepas que ya estás muy cerquita de saber
cómo se lee y se escribe una partitura... ;-)
esta informacion es de suma importancia
[editar] 4ª Lección. ¿Qué es el tempo?
Sí señorit@, está bien escrito,...El "TEMPO", es el tiempo en italiano.
Por herencia de la ópera, en música se usa muchísimo el italiano (sí, sí, hasta en
Laponia).
Las bolas y los palotes son universales, pero hay otras indicaciones que se expresan en
italiano: Tempo en lugar de Tiempo, Forte en lugar de Fuerte, Piano en lugar de Suave
o Allegro en lugar de Alegre son algunos ejemplos.
Vamos pues: El tempo es la velocidad del pulso.
Ejercicio 1º: Dibujar los raíles en una hoja en blanco. Nota: si usas una regla quedan
mejor que si lo haces a mano, a no sea que seas un dibujante magnífico, que entonces
me callo.
[editar] 2ª Lección: Poner pelotitas en los raíles
Vamos a ver que tipo de pelotitas vamos a usar:
Pelotitas:
w:Luna w:Sol w:Bolita w:Esfera w:Pelota
Todas estas son muy bonitas, pero poco prácticas, así que vamos a utilizar en nuestro
ejercicio pelotitas blancas, como esta -> O <- estupenda pelotita.
Ahora viene lo dificil, colocar la pelotita en los raíles.
Las pelotitas pueden ir en dos lugares, 1º Sobre un raíl 2º En el hueco entre dos raíles.
¿Fácil no? Jopelines, está chupado.
Ejercicio 2º: Dibujar muchas bolitas en nuestros raíles. Las bolitas pueden estar encima
del raíl, o entre dos raíles. Ejemplo: Raíles con pelotitas
[editar] 5ª Lección: ¿Qué son las notas?
Las notas son unos símbolos raros que indican un sonido y cuándo se produce.
Las notas nos indican básicamente 3 cosas: 1º El tono (un do, re, mi, fa, sol, la o si) 2º
Cuándo empieza y termina el sonido 3º La forma del sonido. Puede ser suave al
principio y fuerte al final o viceversa. Puede ser vibrado (como cuando hablas y te
mueves un cachete muy deprisa). Puede tener un ataque fuerte y luego volverse
suave,...hay varias posibilidades y hay distintos símbolos estándar para indicarlas.
¿Cómo son las notas?
Las notas constan de una bola siempre. Luego pueden llevar un palote y como uno o
varios anzuelos al revés, colocados en la parte de arriba del palote.
La bola, dependiendo de donde estén colocada en el pentagrama (arriba o abajo) nos da
una altura u otra (do, re, mi, fa)
Cuantos más anzuelos haya, más corta es la nota. Si la bola es blanca dura mucho.
Tipos de notas: