MoMA Obras Siglo XXI 1

Collective-LOK: Runner-Up: Mirror Mirror, MoMA PS1 YAP 2014
Obras del MoMA 2000-2014
Joan Camps Montaner
CODA: Party Wall, PS1 MoMA Pavilion, 2013. Pared de madera y acero. Proyecto
Young Architects Program.
Ubicada en el patio del Public School 1, perteneciente al MoMA, es la instalacin
temporal Party Wall del estudio CODA (Carolina O'Donnell, Ithaca, NY), ganadora de
la 14 edicin del MoMA / PS1, el concurso anual destinado a jvenes arquitectos YAP
(Young Architects Program), el programa dedicado a apoyar a los jvenes arquitectos
y permitir un trabajo ms experimental.
Cumpliendo el requisito vinculado al reciclaje, la instalacin est rodeada por un tejido
de madera que aprovecha los sobrantes en la fabricacin de tablas de monopatines.
La estructura de acero funciona como un acueducto, ofreciendo asientos, sombra y
agua en los eventos estivales que se celebran durante el mes de agosto.
El MoMA PS1 transforma su patio cada ao con una perspectiva innovadora en
arquitectura y tambin proporciona una nueva experiencia para el pblico. Caroline
O'Donnell, del estudio CODA, declara que se trata de un "proyecto de compartir."
Lingsticamente, el nombre del proyecto hace una clara referencia a la expresin
arquitectnica "medianera", una pared compartida, que proporciona un apoyo comn a
dos o ms partes.
Se trataba de crear una instalacin que permitiera diversas actividades durante la
semana y Party Wall lo consigue con la creacin de cuatro "micro-escenarios" que
producen un "espacio experimental flexible" de temas indeterminados disponibles para
eventos como conferencias, proyecciones de pelculas y presentaciones con
capacidad para 300 personas. Las piezas mviles (hechas a partir de piezas de
monopatines) se almacenan en la parte inferior de la pared y pueden ser fcilmente
colocadas en la posicin deseada en el patio, creando un uso espontneo y espacios
de reunin o con cualquier otra finalidad.
Como la describi el MoMA, la fachada porosa est fijada a una gran marco de acero
autoportante que se equilibra en su lugar a travs de grandes contenedores llenos con
Joan Camps: Obras del MoMA del siglo XXI
agua, revestidos con una pantalla de elementos de madera entrelazados, dados por
Comet, un fabricante ecolgico de monopatines en Ithaca.
La parte inferior de la fachada de Party Wall es capaz de disponer de unos 120
paneles que pueden separarse de la estructura y ser utilizados como bancos y mesas
colectivas durante el Warm Up y otros diversos eventos y programas.
La estructura de acero de Party Wall est equilibrada mediante "cojines" hecho de
polister llenos de agua, que estarn iluminados de noche para generar efectos de luz.
Party Wall acta como un acueducto que lleva una corriente de agua a lo largo de la
parte superior de la estructura. El agua es proyectada fuera de la estructura, a travs
de una bomba de presin, hacia una fuente de formacin de vapor y una serie de
piscinas.
http://www.domusweb.it/en/architecture/2013/07/2/coda_architects_ps1yap2013.html
Thomas Schtte (Alemania 1954): Krieger, 2012. Madera. 302.9 x 125.7 x 114.6 cm.
http://www.youtube.com/watch?v=sF02nI6Kt7Y,
http://www.youtube.com/watch?v=64ienfpp5Ls,
http://www.youtube.com/watch?v=h6G94LEkur4
Escultura hecha de madera, como si fuese una pieza de ajedrez, con la forma de los
soldaditos de plomo de juguete de nios pequeos, pero realizada en tamaos
gigantes que intimidan al espectador.1 En su presentacin inicial siempre iba
acompaada de otra del mismo tipo en dimensin, material y aspecto2; tambin en
forma grotesca pero sin arma y ms parecidos a un ciudadano civil. Las dos piezas se
retroalimentaban, en su conexin significativa, en una imagen simbitica que nos
podra remitir a una pareja de un soldado y un civil. Se presentaban ambas, a menudo,
cara a cara3 con el hilo conductor que la puesta en escena ya aportaba un poso en el
espectador.
Thomas Schtte siempre cuida la puesta en escena, el escenario es importante, y por
l el arte slo funciona cuando se planifica con sentido.4 Es un artista al que no le
gusta la tecnologa, por lo que prefiere crear trabajo basado en la textura, el material y
el volumen. No es un autor que se mueva por el star system del mundo del arte, lo que
le posiciona en un anonimato querido. Schtte es un creador que trabaja con
materiales y estilos diferentes y siempre imprime una ptina irnica y siniestra a su
obra que, con la ayuda de la teatralidad, el juego y el enigma, consigue un ambiente
grotesco que rodea su produccin y aporta un significado an ms complejo.
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One Stop Arts http://onestoparts.com/review-thomas-schutte-new-works-frith-street-gallery

Frith Street Gallery. http://frithstreetgallery.com/shows/view/thomas_schuette_new_works/krieger
Frith Street Gallery http://frithstreetgallery.com/shows/view/thomas_schuette_new_works/krieger
El Pas http://elpais.com/diario/2010/02/06/babelia/1265418754_850215.html
Para Schtte muchas cosas en el mundo del arte vienen por casualidad. No se puede
hacer arte, pero s se puede causar que el arte suceda. Todo gira alrededor de lo que
se deja hacer para que suceda. 5 Este punto es importante: el devenir no
especficamente elegido de su obra y el libre albedro creativo. Es un autor al que
gusta mostrar el proceso de creacin que sea visualmente explcito en la misma obra.
Sus obras parecen modeladas con los dedos, esculturas que parecen desnudas, pero
que no lo son en la evidencia del significado que llevan implcito y los elementos
escenogrficos que estn, siempre, aadidos.
La forma de esta escultura nos remite a los referentes populares que tenemos de los
guerreros, que en la actualidad provienen bsicamente del cine (ya que nadie ha
tenido una visin de un guerrero pico al natural -que sera bastante impopular). Los
guerreros, hoy sin embargo, se convierten en referentes en los juegos de animacin y
an en las pelculas6 y devienen tan familiares, que son casi iconos amables
despojados de lo que podran representar en la realidad.
Incluso la poltica utiliza estos iconos en tono figurativo en los discursos polticos. He
The Guardian http://www.theguardian.com/artanddesign/video/2012/oct/22/thomas-schutte-interviewvideo

6
Artnews http://artnews.org/k21/?exi=34755
aqu el entramado: qu es lo que realmente representa esta obra?. De nios jugamos

a la guerra, nos asusta cuando deviene real. Schtte quiere irnicamente representar
la guerra en su dimensin de impacto gigante, pero en la forma y las caras de las
figuras, como un juego. Figuras mutiladas, despus de haber jugado, o haberlas
destruido. Con los monumentos que se realizan normalmente en honor a las guerras y
los soldados, esta escultura representa irnicamente una crtica a estas
representaciones del poder7, tambin con el material con el que est hecha, la
madera, un material que evoluciona y que es perecedero en funcin de cmo sea
tratado y, del mismo modo que el cuerpo humano, expresa su fragilidad. La posicin
hostil de la misma figura tambin contrasta con el brazo que le falta, lo que le otorga la
visin de un hroe antiguo, pero tambin de un ser al lmite de su fuerza que se revela
vencido, por lo tanto, antihroe.
One Stop Arts http://onestoparts.com/review-thomas-schutte-new-works-frith-street-gallery
Tomma Abts (Alemania, 1967): Uphe (nombre propio femenino alemn), 2011.
Acrlico sobre tela. 48 x 38 cm. http://www.youtube.com/watch?v=UBid26urZFs,
http://www.tate.org.uk/context-comment/video/turner-prize-artists-talk-tommaabts
Una obra, como todas las de esta artista, que posee un nombre propio que sigue el
orden alfabtico: Uphe; en este caso un nombre femenino. Este cuadro tiene las
mismas medidas que todos los dems cuadros que produce.
Las piezas de Tomma Abts, cuando se presentan colectivamente en un espacio

expositivo, siempre distan la misma distancia unas de otras, en una disposicin que
ella misma elige y que la autora piensa cul es la distancia que las debe separar . Sus
obras, al ser expuestas, adquieren un estado de pensamiento que las separa al mismo
tiempo que las conecta8.

Tommi Abts es una artista que crea todas sus piezas en situacin horizontal, situadas
sobre una mesa, de modo similar en plano horizontal como lo hacan Mondrian y
Pollock, artistas conectados slo en la gestualidad creativa de su obra en plano
horizontal. Vistas en general, las obras de Tommi Abts parecen pertenecer a un
movimiento pictrico moderno que no ha existido nunca9, o que an debe ser creado.
Cuadros intencionadamente inclasificables, segn la autora, que bien podran contener
siempre el arte del futuro10. La tonalidad en todas sus obras tambin es un factor
importante, ya que contiene un efecto sedante, de la misma manera que se obtendra
de una luz de pocos vatios, efecto alimentado por las sombras resaltadas en zonas del
cuadro donde no deberan existir. Abts no hace nunca bocetos previos a la creacin de
sus obras, comienza con un color concreto y el devenir de la gestualidad y el mismo
cuadro guan a la autora11. El cambio y la evolucin sern los directores de la obra
para que termine siendo como es. Flujo y reflujo en movimiento en unas obras que
contienen todas las capas del proceso creativo, aunque hayan sido repintadas encima,
pero que en la apreciacin cercana se perciben en el espesor de las capas que se
acumulan. Los cuadros de esta artista muestran todo el proceso creativo de la obra
misma. Las obras de Abts son seres creados con vida propia, objetos romnticos, el
camino a realizar por la autora misma. Toman el tamao, siempre, de retratos que
confrontan al espectador.
Uphe es un cuadro que contiene el poso de lo que no se ve, y donde las sombras en
coherencia con las lneas que se cruzan, construyenen una obra que contiene a la vez
creacin y destruccin que da vida al continuum que la obra propone12. Uphe es una
obra como un ser con nombre propio, que aporta una realidad figurada situada en un
efecto ptico entre la realidad y la ilusin. Una obra donde, a primera vista, slo se ven
las ltimas capas e invita a un anlisis ms profundo que no admite prejuicios. Del
mismo modo que para Abts, pintar es ir ms all y para encontrar algo ms13.
8
9
Tate http://www.tate.org.uk/context-comment/video/turner-prize-2006-tomma-abts
The Guardian http://www.theguardian.com/culture/2005/dec/13/3/print
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10
Nick Cave (Estados Unidos, 1959): Soundsuit (Traje de sonido), 2011. Objetos. 307,3 x
106,7 x 83,8 cm. http://www.youtube.com/watch?v=AF1iciRZX84,
http://www.youtube.com/watch?v=Kxp8LghDUoM,
http://www.youtube.com/watch?v=Hu6vfulvZCA
Las obras de Nick Cave son expuestas estticamente, pero llevan con ellas la
performance implcita, que es para la funcin que han sido creadas. Piezas hechas,
todas ellas, con material de desecho, y que remiten al mundo del crafting, ahora
vigente y observado como un movimiento asociativo, de reconduccin del mundo que
aprovecha lo que ya no utiliza14. Cave conecta con la escultura social de Beuys15 en la
induccin de ideas en que el artista se convierte en su propio medio para el arte.
Nick Cave quiere que sus obras "sean un vehculo para el cambio"16; donde la
emocionalidad es un elemento esencial que hace que se convierta en una accin de
celebracin colectiva alrededor de la experiencia. A partir del problema racial de
Rodney King, un ciudadano negro que muri en manos de la polica a causa de los
malos tratos, y la absolucin posterior de los agentes que haban participado, Cave se
empez a ver, cada vez ms, como un hombre negro, devaluado, material de
desecho, visto por los dems como "menos que cualquier cosa"17. Tena que hacer
algo, explorar la alteridad, la raza, el anonimato y la nacionalidad.
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TRNK https://www.trnk-nyc.com/stories/nick-cave/
NY Times http://www.nytimes.com/2009/04/05/arts/design/05fink.html?_r=1&
NY Times http://www.nytimes.com/2009/04/05/arts/design/05fink.html?_r=1&
TRNK https://www.trnk-nyc.com/stories/nick-cave/
11
Todas sus obras tapan el cuerpo, a partir de las rodillas y pueden adoptar cualquier
forma, al tiempo que pueden producir cualquier sonido. Las piezas siempre son
hechas a escala humana, a partir de su modelo, y quieren conectar con el estado de
sueo, a modo del surrealismo, donde el ser humano se ve, se imagina y se repiensa
en el mundo18. No dejan nunca ver quin es el que lo lleva, un ser sin gnero, que se
mueve tribalmente para provocar la emocin en el espectador, que en el momento de
la sorpresa, conecta con otros espectadores para comentar lo que ven, todo pero sin
prejuicios de la persona que hay dentro de la obra en cuestin. Comparable por
algunos medios con Christo i Jeanne-Claude por sus intervenciones en el espacio sin
dejar ver el objeto envuelto, la perfomance forma parte inseparable de la obra
presentable.
Este traje de sonido, como los dems, cambia el entorno del espectador cuando la
obra est en estado de performance. Si bien es cierto que en estado esttico tambin
interroga al espectador con el sonido que debe producir al intervenir en una
performance, hace que el entorno superior de la pieza, la que est alrededor de la
parte cognitiva de la persona que lleva el traje de sonido tenga esa nube de
elementos, organizados en este caso, en forma de rbol, como un organigrama
organizativo de las cosas que cada uno lleva encima voluntaria o involuntariamente.
18
Jack Shainman http://www.jackshainman.com/artists/nick-cave
12
Sergej Jensen (Dinamarca, 1973): Untitled, 2011. leo, polmero, sobre algodn
99.7 x 120 cm. http://www.youtube.com/watch?v=PsX-f9NnBd8
Sergej Jensen utiliza el tejido como elemento principal para construir sus collages en
las obras que crea. Su obra es diversa en tamaos, performance e instalaciones. Sus
obras, normalmente, no tienen nombre, tienden a la suavidad creada por el tejido que
puede ser lana, algodn, lino y seda; colores que, a menudo, pueden ser de "tonos de
otoo". Obras producidas con objetos provenientes de reciclaje, que ya han tenido una
o varias vidas antes, y que pueden ser no cosidos del todo al cuadro para su evolucin
futura19 dentro de la obra.
El readymade resituado en el siglo XXI por Jensen, tiene en consideracin el reciclaje
y el rechazo. Ya no por el hecho de aprovechar objetos cotidianos, como hacan los
neodadaistes como Rauschenberg, sino por el hecho de ir un paso ms all en la
cadena de creacin, y tomar as slo el material primigenio del objeto que se recicla,
en este caso, el tejido. El artista describe su pintura como "pintura sin pintar"20, la
voluntad combinada con el accidente que, mediante el mark-making crea accidentes
en sus cuadros como si ya hubieran sido "llevados", como la ropa que coloca encima.
Segn Jensen, "sus obras nos recuerdan los mitos de las utopas modernas, que
afectados por la tragedia, sobreviven hoy slo como un estilo".21
Su obra rechaza la perfeccin esttica, y choca frontalmente con las superficies lisas y
higinicamente planas22, en un acto contra los ambientes y alimentos alergnicos del
siglo XXI. Obras que expuestas en conjunto, o en las instalaciones que l mismo crea,
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Whitecube http://whitecube.com/artists/sergej_jensen/
PS1 http://momaps1.org/exhibitions/view/319
PS1 http://momaps1.org/exhibitions/view/319
Frieze. https://www.frieze.com/issue/article/a_matter_of_material/
13
quieren dar la sensacin al espectador de "feeling well and healthy"23, mediante la

creacin de ambientes donde el espectador debe sentirse cmodo, como su
instalacin en la Bienal de Berln de 2006.
Tambin mediante la exposicin de sus obras en la galera donde fuerza la evacuacin

de todo el mobiliario de la galera, lo que deja deliberadamente suciedad a la vista al
tiempo que dificulta la transaccin comercial artstica.
Esta obra, Untitled (2011), como la mayora de su produccin, es heredera del
Minimalismo en su formas elementales, sin representacionalidad, y con una
percepcin de la misma obra que es afectada por las condiciones ambientales, donde
los elementos pegados de ropa flotan por encima creando una figura, que observada
desde la distancia, adopta rasgos antropomrficos. Conecta tambin, al igual que en
toda la produccin de este artista, con el Arte Povera, que a partir de materiales
"pobres" buscaba la interaccin y conexin con el espectador. Todos los rasgos
visibles en su produccin, son observables en esta obra: reciclaje, creacin a partir de
la destruccin, vidas anteriores de la ropa que adopta nuevos significados al
encontrarse en este cuadro. Este cuadro, en la continuidad de su obra, alimenta una
tensin entre la superficie dura del cuadro y el nihilismo monocromtico de tonos
oscuros en su combinacin con la suavidad de la ropa que est cosida, sujeta, inmvil,
pero que flota en el espacio creado.
23
Frieze https://www.frieze.com/issue/article/a_matter_of_material/
14
Segej Jensen: Untitled, 2011. Tejidos cosidos
15
Henry Taylor (Estados Unidos, 1958): Untitled, 2011. Acrlico sobre tela. 198 x
157,5 cm. http://www.youtube.com/watch?v=S282PAKWTSs
Taylor es un pintor que pinta sobre lo que conoce. Sobre lo que tiene a su alcance.
Puede que conozca (o no) a las personas que pinta, pero son gente con las que
conecta y empatiza. Henry Taylor es un artista que, utilizando materiales de desecho,
readymade, hace esculturas totmicas con tonos tnicos y primitivos al tiempo que
urbanos. Sus exposiciones son, normalmente, un declogo de grupos urbanos,
retratos con el conocimiento de alguien (l) dentro del grupo, pero con la distancia de
un observador social24, donde tambin expone esculturas de carcter tribal y,
realizados con material de desecho, reciclado, como botellas de leja o paquetes de
tabaco. El tema central de su arte es la vida de la gente de color dentro de las
dimensiones intelectuales, histricas, polticas y cotidianas25. Pintor compulsivo de
retratos, personajes legendarios, hroes del mundo actual o pasado, ilustra como l
observa la sociedad, con pinturas nada estticas y con dinamismo. Naci pobre,
24
25
Blum & Poe http://www.blumandpoe.com/exhibitions/henry-taylor#images

Art in America http://www.artinamericamagazine.com/reviews/henry-taylor/
16
estudi pintura tarde, mientras trabajaba de asistente en un hospital psiquitrico, y al

comenzar su carrera, sigui su necesidad de explicar la sociedad que le rodeaba26,
entornos de su mundo inmediato que por su conocimiento, cuando son explicados
conectan directamente con la conciencia del espectador.
Trabaja en un estudio catico, que muestra a la vez que habla de tres cosas a la vez27
con voces, tambin vocecitas, donde se despide de la cmara con un "s feliz, vive el
momento". Esto es lo que precisamente transmite en su obra, cuando dice que con
objetos encontrados, de rechazo, trabaja compulsiva y energticamente "es como
tener un cartn de leche en medio de la nevera; pasar algo"28. Cronista de lo
inmediato, como lo poda ser Toulouse Lautrec en su tiempo, conecta el tribalismo con
la posmodernidad29, creando un estilo propio afroamericano que sale ms all de la
comunidad negra estadounidense para explicar situaciones y personas genricas, al
tiempo que denuncia situaciones particulares, ya sean individuales o colectivas.
Esta obra, el retrato al que nos remitimos, "sin ttulo" (como la mayora de su obra), es
producto de su pasin por hacer retratos, o por lo menos, para retratar lo que le rodea.
En este caso, es un retrato de Will Gillespie30, sobrino de la leyenda del jazz
estadounidense Dizzy Gillespie. Cabe destacar la personalizacin del retrato, ms all
de los rasgos fsicos del personaje, por incorporar detalles como el collar, o las manos
plegadas como identificacin de la prctica budista del sujeto retratado. Pintura de
26
27
28
The Observer http://galleristny.com/2012/01/henry-taylor-paints-a-picture-01272012/

Youtube https://www.youtube.com/watch?v=2-xbzY7WDVk
Art in America. http://www.artinamericamagazine.com/reviews/henry-taylor/
29
LA Times. http://articles.latimes.com/2013/mar/07/entertainment/la-et-cm-art-review-henry-taylor-atblum-poe-20130304
30
MoMA http://www.moma.org/collection/object.php?object_id=156694
17
estilo libre31, destaca por su intensidad en la conexin con el espectador, precisamente

por la informacin que aporta del personaje.
Henry Taylor: Sis and Bra, 2004. Acrlico y collage sobre tela. 119,4 x 195,5 cm.
Collecci privada. Boston.
31
18
Henry Taylor: Miss Kelley, 2010. Acrlico sobre lienzo. 197,5 x 243 cm
19
Cheyney Thompson (Estados Undots, 1975): Chronochrome Set 10, 2011.

Acrlico sobre tela 198 x 157,5 cm. (en dos partes)
Cheyney Thompson es un artista preocupado por el valor de las cosas, por la actitud
humana que esto genera y por la aceptacin que se tiene ante este tema. Thompson
es un creador conceptual que conecta la historia del arte, con la economa y la
tecnologa, tpicos que combinados entre ellos producen una obra diversa que
siempre contiene un mismo mensaje: "la idea de que en el mundo, el precio refleja el
valor absoluto del material; concepto que, con argumentos, es perfectamente
discutible"32. Esta premisa es la que Thompson traslada al mundo del arte.
Su produccin artstica33, bsicamente pictrica, pero tambin escultrica, toma
referentes de la historia del arte como Honor Daumier, en sus retratos satricos34 de
representantes sociales de la usura en connivencia con la nobleza, para mostrar, con
tamaos tambin existentes en el mundo histrico del arte, un resultado cromtico que
refleja el valor otorgado a los materiales. Esta materialidad, puesta en un cdigo visual
de color, siempre es reflejada mediante el sistema de colores Munsell.
32
33
Youtube https://www.youtube.com/watch?v=4J9P1aS9adQ
Mutualart http://www.mutualart.com/OpenArticle/Cheyney-Thompson/DFD805CF0865D987
34
Victoria & Albert Museum http://collections.vam.ac.uk/item/O81340/robert-macaire-dentiste-printdaumier-honore/
20
Instalacin Chronochromes, Data, Motifs" en Rat Hole Gallery, 2011.

http://www.art-it.asia/u/admin_ed_onrecord_e/gu1jzkhXtrACNFyp5ZUQ/?lang=en
El sistema Munsell es un patrn de colores35, aceptado internacionalmente, que se
basa en tres dimensiones independientes: la tinta o color (hue), luminosidad (value) y
la intensidad (chroma), dispuestos sistemticamente en una paleta de colores que
combina las tres variables. Sistema que ms tarde, se ha utilizado tambin para medir
la respuesta humana a los estmulos cromticos. Este sistema, an vigente, fue
adoptado por el Ministerio de Agricultura Norteamericano (USDA) en la investigacin,
demarcacin y valoracin de terreno frtil.
La obra a la que nos remitimos, Chronochrome 10, pertenece a la serie del mismo
nombre, que con el cdigo Munsell, traslada al calendario mensual y horario diario, el
35
Enciclopdia.cat http://www.enciclopedia.cat/enciclopdies/gran-enciclopdia-catalana/EC-GEC0239072.xml?s.q=codi+munsell#.U0wlEsY0vSk
21
valor monetario36 de la obra, lo que con algoritmos informticos, construyen un mapa

de saturacin pictrica, como un histograma, donde Thompson pinta los motivos
dibujados por un escner en una tela subyacente que hace que la reproduccin digital
tome cuerpo con la materialidad de la pintura. Trasladando los valores a modo de
claroscuros del lienzo, las pinturas que salen de este proceso no son monocromticas,
sino cromacromticas37. En esta serie, el artista se preocupa por la circulacin de la
pintura y la obra de arte como un consumible, que hace que evidencie las relaciones
entre el artista, el mercado, el trabajo y el valor, todo l dentro de la produccin
artstica y su distribucin en forma de informacin visual; artstica y activista en este
caso.
Las conexiones inteligentes de Thompson entre la forma y el concepto lo convierten en
un artista impenetrable38 conceptualmente, dado su rigor histrico, conceptual, formal
y tecnolgico que hacen que el espectador se aleje y se vuelva refractario, de la
misma manera que lo es con el mundo econmico actual, a menos que acte bajo sus
parmetros. Todo ello para mostrar que es muy difcil, casi siempre imposible, decir el
valor real de las cosas y actuar bajo esta premisa.
Cheyney Thompson: Instalacin Chronochromes, Data, Motifs en la Rat Hole

Gallery, Tokyo, 2011
36
37
38
MIT http://listart.mit.edu/node/905#.U0wNTsY0vSk
22
Cheyney Thompson en la Andrew Kreps Gallery, Junio 2009
23
Huma Bhabha (Pakistn, 1962): Bleekmen (Bleekmen), 2010. Materiales

diversos. 235 x 91.4 x 80 cm. http://www.youtube.com/watch?v=NoXZ-RrsZsU,
http://www.youtube.com/watch?v=A02dKT3oUOI,
http://www.youtube.com/watch?v=8CEgkNwo-KA
Bhabha construye sus piezas en un mundo presente, pero formadas por los objetos
que este mismo presente rechaza o ya da por inservibles. Admiradora incondicional39
de las novelas de Philip K. Dick, tambin de su humor negro y de sus predicciones que
parece que se hayan hecho realidad, toma las piezas industriales del mundo presente
reconocible, para crear obras del futuro. Como en una composicin que ella llama "sin
tiempo" (timelesness) pero con una aire romntico40, de escombros, de ficcin, de
serenidad y optimismo.
39
40
Art in America http://www.artinamericamagazine.com/news-features/magazine/huma-bhabha/

American Academy http://www.americanacademy.de/home/media/videos/huma-bhabha-artist-talk
24
Bhabha crea objetos que son familiares al espectador, se convierten en un espejo

donde el espectador observa y es observado41, especialmente con la serie parecida a
mscaras. Este ltimo aspecto conecta su obra con el colonialismo, el arte aborigen
africano, que lo transforman en un primitivismo contemporneo que busca el rechazo
cultural del presente42. Bhabha admira a Beuys, especialmente por sus conexiones
entre la historia43, la ficcin y la calidad ritualista, tambin por la intencin de
transformacin de su trabajo. Huma Bhabha naci en Pakistn, vive en Nueva York,
pero la memoria del lugar donde naci quiere mantenerla viva, es por eso que viaja a
menudo a su pas de origen, de donde toma fotografas de lugares donde la gente
vive, y cmo vive, que refleja ms tarde en su produccin con material de desecho del
primer mundo. Reciclaje, crtica poltica, memoria, presente y futuro son elementos
siempre recurrentes en su obra.
La obra Bleekmen, toma el nombre precisamente de una novela de Philip K. Dick44,
donde este nombre es utilizado para referirse a los aliengenas aborgenes45 del
planeta Marte. Escultura de carcter totmico, est compuesta de materiales de
desecho muy diversos, que parece tambin en un estado de descomposicin
romntico. Esta pieza conjuga arte tribal con futurismo, en una mezcla orgnica de
tono aliengena. Bhabha tambin cree que los materiales tienen unos dones
heredados de sus vidas anteriores, que todos conjuntados se activan de la mano del
artista46 y que ella aprovecha para dar su mensaje de la sociedad actual, del futuro
inmediato, y tambin de lo que producimos en nuestra cotidianidad del primer mundo.
41
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Art in America. http://www.artinamericamagazine.com/news-features/magazine/huma-bhabha/

Saatchi Gallery https://www.saatchigallery.com/artists/huma_bhabha.htm
American Academy http://www.americanacademy.de/home/media/videos/huma-bhabha-artist-talk
K. Dick, P. (1964) Martian Time-Slip. New York: Gollancz
MoMA.http://www.moma.org/collection/object.php?object_id=143370
Saatchi Gallery. https://www.saatchigallery.com/artists/huma_bhabha.htm
25
Huma Bhabha: Untitled, 2006. Arcilla, alambre, plstico, pintura. 114.3 x 243.8 x
152.4 cm
Huma Bhabha: Untitled, 2010. Tcnica mixta, tinta sobre fotografa en blanco y
negro.
26
Joe Bradley (Estados Unidos, 1975): Strut (Puntal), 2010. leo sobre lienzo.
279.4 x 330.2 cm. http://www.youtube.com/watch?v=ovUQnKQRwfk,
http://www.youtube.com/watch?v=4NVRGr6FWJc,
http://www.youtube.com/watch?v=T0eju7j1b6o
Bradley es un artista que, con estilos siempre diferentes, se conecta al mundo con
cierta irona y con un marchante vido de hacer subir el valor de la mercanca que
representa. Su recorrido artstico comprende exposiciones en galeras de arte siempre
bajo un ttulo concreto. Los primeros cuadros, como figuras del videojuego pacman,
fueron exhibidas en una exposicin de Charles Saatchi en 2009 llamada "Abstract
America"47
47
Saatchi Gallery https://www.saatchigallery.com/artists/joe_bradley_articles.htm
27
Ms tarde (2011), despus de ser presentado en la Whithney Biennial, presentara dos

exposiciones simultneas en Nueva York con dos estilos completamente diferentes,
una completamente abstracto, con el ttulo de Mouth and Foot Paintings, y la otra
figurativa con el nombre de Human Form.
28
La variedad estilstica de Bradley, agrupada en series que abandona cuando el inters

en una variante queda mermado, es lo que da valor a su diversidad artstica, que
conecta toda su obra con una familiaridad reconocible48. La cadena de noticias
Bloomberg49, sin embargo, cree que este artista es un artista tpico del mercado
especulativo, presentado bajo el escaparate escondido de la especulacin, donde
todos los coleccionistas participaron de un mercado en pnico ante el agotamiento de
obra de una serie particular de este artista. Las obras de Bradley en cinco aos
pasaron de venderse a $ 6000 (exposicin de monocromos en 2006) hasta $ 70.000
(exposiciones simultneas en el 2009). Sharon Butler50, art blogger, cree que Bradley
es un artista que "su obra no dice nada..., porque el artista no tiene nada que decir, y
que estas obras, que podran parecer koans, no lo son porque los koans de verdad
siempre tienen respuesta"51. Chris Sharp, crtico de Frieze Magazine52, menciona que
Bradley produce un tipo de arte en el que "el espectador forma parte del argumento,
pero que cuando te das cuenta, ya es demasiado tarde", haciendo referencia a la
produccin de un arte similar al de Jeff Koons.
La obra de Bradley adquirida por el MOMA, se inspira en el gnero de la ciencia
ficcin, en las novelas de Philip K. Dick en un estilo de manifiesto graffiti que remite a
la cultura popular y a las emociones que se expresan53. El estilo de Bradley puede
recordar Dubuffet y Cy Twombly, donde la misma palabra "Strut" es una palabra
recurrente en la ciencia ficcin por los escombros post-industriales que se encuentran
en todas las novelas de K. Dick. Pintura abstracta, hecha por los dos lados del
48
Galerie Eva Presenhuber http://www.presenhuber.com/en/exhibitions/2012/Bradley_2012_4.html
49
Bloomberg http://www.bloomberg.com/news/2011-01-18/prices-for-shifting-artist-joe-bradley-rose-1100-in-five-years-hot-art.html
50
Two Coats of Paint http://www.twocoatsofpaint.com/2011/01/joe-bradley-meets-ab-ex.html
51
52
53
Two Coats of Paint http://www.twocoatsofpaint.com/2011/01/joe-bradley-meets-ab-ex.html

Frieze Magazine http://www.frieze.com/shows/review/joe_bradley/
29
lienzo54, lo que da una visin emocional y elctrica de la realidad55.
Joe Bradley: Dutch, 2013. leo sobre lienzo. 266,7 x 381 cm.
Estudio de Bradley
54
55
Art in America Magazine http://www.artinamericamagazine.com/reviews/joe-bradley/

Art in America Magazine http://www.artinamericamagazine.com/reviews/joe-bradley/
30
Kerstin Brtsch (Alemania, 1969): Matchpoint (Punto de Partido), 2010. leo

sobre papel
278 x 183 cm. http://www.youtube.com/watch?v=zvtLJwoqBnM
La moda y la actualidad, la mutacin de los estilos de vida y cmo nos afecta son el
primer principio activo del discurso de Brtsch; el otro es la bsqueda de lo que
significa ser un artista. Kerstin Brtsch, explora utilizando el lenguaje de la moda para
explicar su visin del arte y de qu debe hacer un artista para serlo. Al mismo tiempo,
denuncia la presin que ejerce la moda sobre la sociedad y cmo nadie puede
escapar a ella. Su frase "Fashion can therefore"56 (la moda, por lo tanto, puede) es
slo el pie de entrada a cada frase de su discurso.
La moda, por tanto, puede:
- retornar a la vida cualquier momento del pasado57
- juntar cosas que estn inexorablemente divididas58
- revitalizar lo que se considera muerto59
- hacer cualquier otra cosa por inimaginable que sea
La moda tambin le otorga la posibilidad de explorar el rol de la mujer en la sociedad y
en el arte. Brtsch ha creado, junto con Adele Rder, DAS INSTITUT, una agencia que
56
57
58
59
Cargocollective.com http://cargocollective.com/fionnmeade/Kerstin-Bratsch-Parkett
31
sirve de complemento ideal a la actitud de performance que Brtsch da a su

significado artstico. Es la agencia que acta como intermediaria para producir sus
exposiciones, su obra (reproduccin y copia) al tiempo que, segn el artista "acta de
la misma manera que lo hacen los intermediarios, emulando todas las funciones (las
no transparentes, tambin)" 60.
Sus exposiciones son un show que se mueve entre la marca (branding), el arte, la
ropa que ella misma disea y expone, as como los complementos de moda que se
convierten en accesorios (artsticos) en todo este mundo. Todo ello, desarrollado
desde las tcnicas que son inherentes dentro del mundo actual: publicidad, marketing,
diseo de exposiciones, marchante, artista. Todo ello, en una actitud vital, que utiliza el
humor y la irona para, sutilmente, minar los estereotipos y las nociones
convencionales de lo que significa ser artista61. Con referencias a Duchamp62, a
Frenhofer63 (el pintor romntico de Balzac) y a quin es ella misma, crea un sentido
constante de mutacin en la misma forma que la moda para preguntarnos cmo el
mundo material va acompasado con el mundo humano64.
60
61
62
63
64
E-flux.com http://www.e-flux.com/announcements/kerstin-bratsch-and-das-institut/
Interview Magazine http://www.interviewmagazine.com/art/michele-abeles/#_
Balzac, H. (2011) LObra Mestra Desconeguda. Barcelona: Quaderns Crema
Frieze.com http://www.frieze.com/issue/review/kerstin-braetsch/
32
La obra Match Point, punto de partida, utiliza los temas iconogrficos de la moda y el
diseo, colores, creacin digital, sombras, repeticin, para crear una obra hecha con
leo sobre papel. La obra parece una creacin de ordenador y no lo es, permite la
visin tridimensional, asimtrica y minimalista en una mezcla de carcter sensitivo,
donde el diseo, el ritmo y el movimiento tienen que ver con ella65. Esta pieza, pero,
emulando a mano lo que podra ser el diseo digital de una pieza de ropa, es slo una
pieza ms dentro del engranaje de Brtsch para denunciar lo que pretende desde su
vida "ejemplar".
65
Daniels, J. http://joshuadaniels2013.blogspot.com.es/2013/12/kerstin-bratsch-matchpoint-2010.html
33
Kerstin Brtsch i DAS INSTITUT: ("Nichts, Nichts!"), Klnischer Kunstverein

Installation view, 2011
Trisha Donnelly (Estados Unidos, 1974): Untitled, 2010. Negro Portoro

16.5 x 179.1 x 59.9 cm. http://www.youtube.com/watch?v=5K3Zuo1iW1I,
http://www.youtube.com/watch?v=neN7_Q9nPpQ
Donnelly es una artista conceptual que busca, con todas las herramientas a su
alcance, guiar al espectador a encontrar, con destreza y pericia, las preguntas
adecuadas sobre qu es arte, quin es un artista y en qu consiste la grandeza de los
genios66. Trisha Donnelly crea asociaciones especficas "clusters" para generar
66
NY Times http://www.nytimes.com/2013/01/03/arts/design/trisha-donnelly-in-momas-artists-choice-
34
preguntas en el espectador. Estos clusters pueden incluir obras y objetos de todo tipo,
desde pinturas de artistas reconocidos como Dal, Redon..., a fotografas de principios
del siglo XX de Eliot Porter (fotgrafo naturalista de pjaros que publicaba en el
National Geographic), hasta un tapiz copto del siglo VIII slo porque el mecenas que lo
dio al museo fue su fundador y tena el apellido Bliss67 (entendido como felicidad,
alegra). Por tanto, todas las piezas de los clusters conectadas entre ellas, y las
conexiones que los clusters mismos establecen entre ellos dan el significado para que
el espectador genere las preguntas adecuadas.
Donnelly juega con el hecho de que, entre tanta cantidad de datos que da a cada
exposicin, siempre habr alguna/algunas que harn un clic en el visitante para que se
genere sus propias preguntas que le guen en el camino del arte y la genialidad.
Sus exposiciones, pueden tener formas completamente distintas y diferentes, las
piezas y objetos expuestos, en un laberinto de significados yuxtapuestos, conectados
y emergentes entre ellos, construyen la atmsfera de la reflexin. Donnelly construye
un discurso expositivo casi gramatical68 donde no deja ningn tema por estudiar,
desde la circulacin de las personas entre las piezas hasta los significados que de su
reaccin surjan. La observacin, la investigacin y la actitud del espectador en la obra
de Donnelly son esenciales para encontrar el significado de lo que nos cuenta.
series.html?_r=0
67
NY Times http://www.nytimes.com/2013/01/03/arts/design/trisha-donnelly-in-momas-artists-choiceseries.html?_r=0
68
Art Journal http://artjournal.collegeart.org/?p=3777
35
Trisha Donnelly: Untitled, 2008. Yeso, pelo de caballo, pintura, lmparas. Dos
partes, cada una. 91.4 x 152.4 x 57.8 cm. Instalacin
La pieza del MoMA a la que nos remitimos, est hecha de "nero portoro", tambin
llamado granito. Slo el nombre con el que se refiere al material, ya tiene su
significado, el de la dureza y longevidad. La pieza, observada desde otra perspectiva,
forma una columna hecha con capas e insertada en el suelo de la pieza, como si se
mostrara enterrada todava. En esta pieza, las referencias implcitas son: geografa,
arte clsico, arquitectura, historia geolgica. El granito tiene una antigedad de 200
millones de aos, de Laspezia (norte de Italia). Ya exista en tiempos del Imperio
Romano, y estaba all tambin cuando tras la II Guerra Mundial, los Judos lo llamaron
"La Puerta de Sin", en referencia al puerto de Laspezia como lugar de
concentracin69 de los supervivientes de los campos de exterminio en su partida hacia
el territorio que hoy llamamos Israel. Dureza, determinacin, camino, existencia,
legado, futuro, todo se relaciona en esta pieza donde todo se conecta y todo aporta su
fragmento de significado.
69
Art Journal http://artjournal.collegeart.org/?p=3777
36
Trisha Donnelly: Venue: Portikus, Frankfurt, 23 mayo 2010
37
David Hammons (Estados Unidos, 1943): Untitled, 2010. Polmero sinttico

sobre tela/plstico. 350.5 x 274.3 x 25.4 cm.
http://www.youtube.com/watch?v=zFer0mBJiFA,
http://www.youtube.com/watch?v=IT8nIsXNrSM
Hammons es un artista que hasta los 48 aos no hizo su primera exposicin. Sus
piezas de arte son el cociente de las acciones que l mismo desarrolla, en funcin de
lo que hace y de lo que quiere decir; por lo tanto su trabajo es sometido a una
evolucin constante70 en la forma y el discurso. David Hammons ha tenido gran
influencia de John Baldessari y Chris Burden, lo que ha ejercido una fuerte impronta
en su trabajo en el mundo del arte Conceptual y la performance. Artista principalmente
emisor del mensaje racial, que lucha en contra de los estereotipos y los prejuicios. Sus
performances pueden ser muy diversas, desde vender bolas de nieve un da que
nieva, a orinar71 en una escultura de Richard Serra.
Sus acciones son categricas, al igual que sus frases, en las que dice que "no soporta
el arte, y que nunca le ha gustado"72. Reciclaje, Arte Povera, Dad, son fuertes
70
71
72
Wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/David_Hammons
MoMA http://www.moma.org/collection/artist.php?artist_id=2486
Fireplacechats http://fireplacechats.wordpress.com/2012/03/27/the-artist-known-as-david-hammons/
38
influencias en su discurso artstico, al igual que el arte de Beuys y su chamanismo

sanador necesario en el discurso artstico.
La pieza del MoMA formaba parte de una exposicin donde los cuadros eran
expresamente tapados con grandes bolsas de basura de plstico, con algunas
incisiones, puestos de manera expresa para evitar la observacin directa del cuadro.
Incluso, Hammons puso un armario delante de un cuadro para evitar su visin
completamente. Son cuadros pretendidamente "falsos", que en s mismos no explican
nada, ni hay nada. Hammons quiere que el espectador quiera ver la pieza, o que se
pregunte por qu no la ve, o que piense en lo que diariamente no puede ver y, tal vez,
no le importe.
David Hammons: African American Flag, 1990. Algodn teido. 142.2 x 223.5 cm.
39
Jutta Koether (Alemania, 1958): Bitches Brew, 2010. Polmero sobre

tela/materiales, vidrio lquido. 91.4 x 274.3 x 111.8 cm.
http://www.youtube.com/watch?v=QE2D0DUlEnA,
http://www.youtube.com/watch?v=RPT2C-3ujCU,
http://www.youtube.com/watch?v=4F7mY3hU3Vc
La primera imagen y sensacin del espectador es siempre importante en Jutta
Koether, desde la tarjeta de invitacin a la inauguracin, hasta la disposicin de las
obras, hasta la msica que suena durante la inauguracin, hace que todos sean
elementos queridos por ella. Ella es cantante de msica punk; tambin es crtico de
arte. Por lo tanto, sintetiza73 todo esto en la pintura y lo convierte en un "performance
pictrica". Ella quiere que el espectador haga un acto que slo la pintura permite,
participar de la "performance de la pintura". Segn Koether, las imgenes en la pintura
se superponen, al igual que las que conserva el espectador en la retina, lo que
provoca que la superficie pictrica ane todo el trabajo que se ha hecho y que
mediante la "performance pictrica", la obra supure74 significados y enganche al
espectador de manera mltiple75.
Su obra combina elementos complejos76, familiares y extraos al espectador, que dan
el equilibrio necesario para que ste se acerque y entre en la bsqueda del significado.
Haciendo pintura de caballete77, un estilo que parece ya en desuso en el arte
contemporneo, utilizando los colores de manera explcita y querida, aunado con el
estilo elegido (graffiti78, pintura clsica, cmic, cartas de tarot79) y aadiendo, a
73
74
75
76
77
78
Art in America http://www.artinamericamagazine.com/reviews/jutta-koether/

Youtube https://www.youtube.com/watch?v=QE2D0DUlEnA (minut 2:56
Youtube https://www.youtube.com/watch?v=QE2D0DUlEnA (minut 2:59)
Frieze.com http://www.frieze.com/issue/review/jutta_koether/
Saatchi Gallery http://www.saatchigallery.com/artists/jutta_koether.htm
40
menudo, elementos lujosos, acta, desde su actitud punk, en contra de la esttica80

new age de hoy, donde todo complace y es lounge.
Jutta Koether: Instalacin. Moderna Museet, Stockholm

A partir de re-apropiaciones81 de clsicos, acerca el pasado al presente, para dar
vigencia y explicar que las cuatro estaciones de Poussin (1660-64) nos dicen hoy que
las estaciones ya no son naturales, ni provienen de la naturaleza. Hoy se han
sustituido (las hemos sustituido) por un patrn82 zigzag donde el mercado impera,
manda cmo debemos actuar y vestir, y tambin qu debemos sentir. Pinturas de
apariencia amable, esconden un cinismo devastador que quieren hacer despertar al
espectador plcidamente del sitio donde est, insertando desde el piloto de F1
Sebastian Vettel83, a cualquier otro elemento icnico de hoy, todo para encontrar la
sintaxis escondida y revisar el canon84 tanto de la historia del arte como del legado de
las estrategias feministas.
La obra de la coleccin del MoMA, Bitches Brew, contiene elementos y ornamentos
lujosos85, tema recurrente en la historia del arte, como si fuera un tesoro, con tonos
amables y pastel, para cargar contra todo este significado simblico del lujo y ver de
cerca, que el cubo contiene elementos de maquillaje y ornamentacin femenina de
manera desordenada86, exagerando la sensacin de mezcla de maquillaje y pastiche
con productos que se asocian a la belleza; que son considerados necesarios para
embellecer el rostro. El objetivo de revisin del canon de belleza est implcito. Todo
enmarcado en un ngulo dorado podra ser la tpica imagen de una perfumera. El
79
80
Reena Spauling http://www.reenaspaulings.com/images/JK.AF.jpg

Reena Spauling http://www.reenaspaulings.com/images/JK.AF.jpg
81
Writings hed collected http://writingshedcollected.blogspot.com.es/2012/04/below-are-my-notesreviewof-jutta.html

82
83
Youtube https://www.youtube.com/watch?v=QE2D0DUlEnA (minut 6:50)
84
Campoliprestihttp://www.campolipresti.com/file/galleryelement/pj/fe/e9/a7/24/vitamin%20p2%20koether
%20finished5821849747875572964.pdf
85
Bortolami Gallery http://www.bortolamigallery.com/past/jutta-koether/
86
Kardryn Ciberarts http://kardryncyberarts.blogspot.com.es
41
ttulo del cuadro es coincidente con un lbum emblemtico de Miles Davis (el msico
de jazz) que lleva el mismo nombre y que, combinado con irona, relaciona intencin
con performance87.
Jutta Koether: Leibhaftige Malerei, 2007. Acrlico sobre lino. 400 x 484 cm.
87
Artnews http://artnews.org/textezurkunst/?edi=307
42
Rosemarie Trockel (Alemania, 1952): Violette Beach (Violeta de Playa), 2010.

Cermica
125.1 x 120 x 35.2 cm. http://www.youtube.com/watch?v=xY4SNMsG3ag,
http://www.youtube.com/watch?v=-YeTMHjsFUc
Trockel es una artista que bebe de fuentes muy diferentes, desde el Dad, Arte
Povera, con una influencia muy fuerte de Beuys. No es una artista encasillada en
ningn estilo, tiene obra tecnolgicamente compleja y tambin de procedimientos
estndar asociados al mundo del arte al uso. Fue rechazada en los aos 70 para
entrar en la Academia de Arte de Dsseldorf y se fue a la Escuela de Diseo de
Colonia. Sufre de agorafobia, lo que ha marcado su vida personal y para desarrollar su
vertiente artstica88. Cuestiona constantemente el papel del artista en la sociedad,
salvo que adopt de trabajar con el grupo Mlheimer Freiheit, donde Dokoupil y
Haacke hacan obra conjuntamente pero contada como si hubiera sido creada por un
solo artista89. Tambin por el hecho de las relaciones singulares que ha tejido con
otros artistas, lo que ella subraya, como periodo formativo90.
No le preocupa el mundo de la valoracin del arte, piensa que el artista debe escapar
de ello, y en sus exposiciones trabaja todos los temas sociales que afectan a las
personas, desde el gnero, pasando por la sexualidad, alteridad, feminismo, la cultura
y, en especial, el papel que el artista debe desarrollar dentro de la sociedad.
Con la pieza del MoMA, Violette Beach, retorna (bastante comn en los ltimos
88
Mutualarthttp://www.mutualart.com/OpenArticle/Rosemarie-Trockel-talks-to-IsabelleGraw/A5731CDB94585CFE
89
90
43
tiempos) a los materiales bsicos91 para crear formas orgnicas y antropomrficas.

Esta pieza fue presentada en una exposicin llamada "Country Life"92, donde
presentaba piezas hechas de cermica, conjuntamente con dibujos, elementos de
zoologa grotescos para hacer referencia a los aspectos interiores y exteriores del
mundo. Fealdad externa combinada con belleza y trabajo interior. Feminidad y gnero
son tambin temas que surgen de ello. Al mismo tiempo que pueden parecer objetos
encontrados, que no haramos caso, son obras de trabajo puramente manual,
rudimentario y primitivo. Visibilidad e invisibilidad social son temas, que con este
retorno querido en la naturaleza, chocan tambin con la cultura puramente industrial y
tecnolgica de hoy.
Rosemarie Trockel: A Cosmos, 201213. New Museum.
91
92
Ceramics Now http://www.ceramicsnow.org/page/2

Gladstone Gallery http://www.gladstonegallery.com/exhibition/1370/press
44
George Condo (Estados Unidos, 1957): The Fallen Butler (El Mayordomo Cado),
2009. leo y pastel sobre lino. 198.1 x 193 cm.
http://www.youtube.com/watch?v=QLjTCuRD0RM,
http://www.youtube.com/watch?v=VpyG2GLWd3s,
http://www.youtube.com/watch?v=nOTw8HWAbWE
Condo es un artista que en los aos 80 cre un trmino nuevo llamado "Realismo
Artificial"93. Con este trmino se refera a la representacin artstica de lo que era
artificial, y como resultado de lo que pasaba en Nueva York en los mismos aos 80
cuando, en su entorno, se hibridizaba la pintura de los maestros antiguos con el Pop
Art americano, creando un etilo de descomposicin figurativa en mezcla con el pop y el
cmic que siempre ms a llevado a cabo con algunas variaciones. Compaero de
Basquiat y Keith Haring,, su pintura entra en conexin con Flix Guattari, que describe
el efecto Condo94 como una separacin de los sentidos pictrico y significativo en la
mente del espectador; trmino que Condo reafirma con su "Realismo Artificial". Con
una vida conectada al arte underground de los 80 en Nueva York, fue intrprete
musical al tiempo que estara ocho meses en contacto95 con el mundo de Andy Warhol
en la Factory. Con su estilo, y su vida, Condo ha creado amistades con escritores
93
94
95
Wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/George_Condo
The Guardian http://www.theguardian.com/artanddesign/2014/feb/10/george-condo
The Guardian http://www.theguardian.com/artanddesign/2014/feb/10/george-condo
45
como Burroughs, Kuspit, Ginsberg, Rushdie, David Means, que incluso han empleado
obras suyas para ilustrar captulos varios de sus libros.
Artista perteneciente al star system neoyorquino, esta obra The Fallen Butler es un
cuadro utilizado precisamente por el escritor David Means96 para crear una historia
corta llamada El Lamento del Mayordomo97 donde habla de un mayordomo que a
medida que se hace mayor evoluciona en otras personas, como si fuera en un
sanatorio mental. Esta obra, a medio camino entre el cmic y la cultura audiovisual de
hoy98 donde, la acumulacin de imgenes por un lado y la deconstruccin virtual de las
personas por el otro, crea una abstraccin figurativa que se remite al trmino mismo
de Condo de "Realismo Artificial". El cuadro se convierte en un retrato de nuestra era
actual99, donde los personajes son presentados como marionetas en un cuadro, que si
fuera completamente figurativo, sera de composicin clsica.
George Condo: Nocturnal Figure Composition, 2004. leo sobre tela.

177.8 x 182.9 cm.
96
Huffington Post http://www.huffingtonpost.com/marina-cashdan/the-mental-states-ofgeor_b_813466.html

97
Ann Graham http://www.ann-graham.com/2011/03/david-means-butlers-lament.html
98
99
Re Title.com http://www.re-title.com/exhibitions/archive_SpruethMagers7597.asp
Re Title.com http://www.re-title.com/exhibitions/archive_SpruethMagers7597.asp
46
Paula Hayes (Estats Units, 1958): Bird Bath (Bao de pjaro), 2009. Acrlico a
medida.
61 x 45.7 x 77.5 cm. http://www.youtube.com/watch?v=0vkfdW3cyXA,
http://www.youtube.com/watch?v=5RtreTOHxoQ,
http://www.youtube.com/watch?v=hbgv6n3zwNo,
http://www.youtube.com/watch?v=Nu4qBg9rP18
Paula Hayes es paisajista. Ella ejerce esta opcin dentro de las urbes y las casas, y
tiene el objetivo de conectar el entorno natural con la gente. Disea jardines a gran
escala100, pero incluye dentro de su mbito creativo el receptor de la obra. En el
proceso creativo, ella genera un "Agreement for A Living Artwork" a modo de contrato
con el receptor de la obra donde se establecen unas condiciones para la conservacin
de la obra de arte como ser viviente. Este contrato no slo es firmado con personas
individuales, cualquier institucin que adquiera una obra suya debe firmar el contrato
mencionado. Paula Hayes es una artista de jardines con una visin tica y ecoesttica101. Sus obras, con nombres como "collares vivientes", que son receptculos
areos para plantas, siempre consideran la vida como aspecto importante en el
devenir de la obra. Adelantarse al devenir es uno de sus objetivos que, con el contrato
de una obra de arte viviente, asegura que tendr la atencin que merece para su
futuro en manos de quien sea. Sus obras tienen un promedio de dos aos de vida
antes de ser entregados a quien adquiera su obra102. Los ecosistemas que ella crea,
terrarios de cristal, los pequeos universos que hace, la vida en s misma es el nexo
comn en todas sus obras. En estos receptculos, tambin hay objetos naturales
reciclados, vidrio y elementos orgnicos, todos ellos aunados en un universo artstico
de creacin y vida. Hija de inventores, ha inventado y patentado un nuevo mtodo de
100
101
102
Hayes, P. http://www.paulahayes.com/publications
Moore, K. Eartharteducation http://www.eartharteducation.com/#!__artists/paula-hayes
Moore, K. Eartharteducation http://www.eartharteducation.com/#!__artists/paula-hayes
47
test, el "dumpling planter"103 un test a modo de membrana impermeable con un

sistema interno de drenaje.
103
Hayes P. http://www.paulahayes.com/work/album/epdm-planters
48
Dentro del mundo de los ecosistemas que produce, el mundo de los inventos y las
patentes, ha creado una serie de Bird Baths, como la obra del MoMA. Objetos
ornitolgicamente104 correctos en su diseo, creados en mrmol o acrlico, terminan
siendo objetos escultricos que ayudan en la vida feliz y sana de los pjaros para su
disfrute y ayuda. Naturaleza, sostenibilidad, vida, presente y futuro, son temas
centrales dentro de su lnea artstica. Todo ello son proposiciones105 de cmo nos
hemos de cuidar y de cmo debemos cuidar el mundo en que vivimos y las cosas y
personas que nos rodean. De esta manera trabaja las relaciones ntimas de los
individuos con el mundo.
Hayes afirma que la radicalidad de su trabajo es que la obra puede morir106, lo que
distingue a los simples coleccionistas de los "cuidadores de obras". Sus obras
encapsulan el aspecto efmero de la vida.
104
105
106
Hayes P. http://www.paulahayes.com/work/album/epdm-planters
Bedford C. http://wexarts.org/exhibitions/paula-hayes (minut 00:57)
Artnews http://www.artnews.com/2013/03/25/paula-hayes-growing-power/
49
Danh Vo (Vietnam, 1975): 26.05.2009, 8:43, 2009. Candelabro Hotel Majestic

Dimensiones: variable, http://www.youtube.com/watch?v=sZNOSUlHBOo,
http://www.youtube.com/watch?v=tud_HSVuuWY
La identidad y la apropiacin son elementos bsicos en la produccin de Danh Vo. Su
vida ha estado marcada por el hecho de haber sido rescatado107 con su familia por un
barco dans, que, accidentalmente, lo llev a ser ciudadano dans. Las casualidades,
los elementos coyunturales, la supervivencia ideolgica y las conexiones intelectuales
surgidas de la herencia de ideas anteriores, son vehculos conductores de su lenguaje
artstico. La asimilacin cultural108, la categorizacin y el etiquetado al que las
personas estamos sometidas, ya sea por razones nacionales, tnicas o jurdicas hace
que la categorizacin cultural, sea una de las praxis que ha experimentado con su
persona e identidad. Se ha casado muchas veces con el objetivo nico de incrementar
su nombre y, variar de esta manera, el orden legal de los polinomios que forman el
nombre de cada uno. Temas que afectan la descolonizacin cultural y la complejidad
del dilogo entre personas dentro de este contexto109.
107
108
109
The Artists.org http://the-artists.org/artist/danh-vo/

Wikipedia.org http://en.wikipedia.org/wiki/Danh_Vo
Scherf A. (2013) Danh Vo. Go Mo Ni Ma Da. Muse dArt Moderne de la Ville de Paris. Paris (p. 8)
50
Sus piezas artsticas se componen de documentos, trabajos de otros, fotos, elementos

ya utilizados, readymades, donde la intimidad y perfil pblico son sometidos a la
categorizacin del espectador, todo l conectado con el momento que se vive, ya sea
desde la vertiente poltica, humana o ideolgica. Sus piezas a menudo, son
instalaciones que no atienden a un canon concreto. Puede presentar los escombros de
una iglesia colonial vietnamita en la Bienal de Venecia en 2013, para explicar y unir
varias historias sobre la colonizacin, la colectividad, el imperialismo cultural y la
memoria110 para hacerlo visible en un elemento, a menudo arquitectnico de lo que las
personas nunca escapan. Otra pieza de Vo es la Estatua de la Libertad, en dimensin
natural pero completamente desmontada hecha en piezas pequeas, de dimensin
humana, que se exponen en museos para aportar las ideas de historia, fragmentacin,
propiedad y proteccin que el monumento mismo puede repartir de esta otra manera.
Su produccin artstica toma objetos implicados en un proceso histrico111, personal o
poltico, para reinsertarlos en el mundo y generar nuevas conexiones para aadir a las
que los objetos ya tengan en s mismos.
110
Kunts.dk http://www.kunst.dk/english/art-forms/visual-arts/news/newsletter-5/a-church-from-vietnamin-venice/
111
The University of Chicago Magazine
https://mag.uchicago.edu/sites/default/files/issues/UChicagoMag_1212-2012_Nov-Dec.pdf
51
Danh Vo: Das Beste oder Nichts, 2010. El motor del Mercedes-Benz del padre
del artista Phung Vo. 66 101.6 205.7 cm. Solomon R. Guggenheim Museum,
New York
La pieza de la coleccin del MoMA es un candelabro de cristal, del hotel Majestic de
Pars, metdicamente desmontado y dispuesto en piezas sueltas sobre el suelo. En
este hotel se firm el Acuerdo de Paz de Pars112 el 27 de enero de 1973 donde hubo
la reunin de los delegados de los Estados Unidos con los del Norte, el Sur de
Vietnam y tambin el Vietcong para firmar la paz. Fueron unos acuerdos con un
impacto inmediato, la retirada de las tropas estadounidenses de Vietnam, y
significaron un cambio en la evolucin del final del conflicto, aunque no terminara
hasta finales del 1975. Los candelabros que Vo adquiri son los que iluminaron
fsicamente el evento de la firma del pacto, son "testigos mudos de un evento que no
termin en ese momento, sino que comenz a afectar millones de vidas"113.
Desmontados de esta manera, Vo evoca unos escombros fantasmagricos, testigos
silenciosos del momento, como uno de los andamios114 del momento histrico. El
hecho de desmontarlo da el punto a la arbitrariedad de las interpretaciones de qu es
cada cosa, del origen de los materiales, de la identidad y la memoria. La pieza, un
candelabro exquisito, fue reconocida por el padre de Vo en una visita a Pars, quien
dijo que el candelabro debera pertenecer a la reina de Dinamarca, en el sentido de lo
que los acuerdos de paz significaron para su familia, su acogida en Dinamarca115,
siendo la pieza misma un artefacto que no nos debera permitir olvidar, pero que en
cambio, lo hace116. Esta pieza que, slo es un candelabro y no deja de serlo, como el
artista remarca a menudo117, se ha expuesto con otros documentos u obras que han
112
113
Wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/Paris_Peace_Accords
Fassi, L. (2010) Terra Incognita on the art of Danh Vo. Artforum nd 2. Febrer 2010 (p.54).
114
MoMA.org http://www.moma.org/explore/inside_out/2011/05/12/the-personal-and-political-in-the-art-ofdanh-vo
115
Artmag.com http://www.db-artmag.com/en/57/feature/danh-vo-in-memory-of-forgetting/
116
117
Artmag.com http://www.db-artmag.com/en/57/feature/danh-vo-in-memory-of-forgetting/
Walker Art Center https://www.youtube.com/watch?v=tud_HSVuuWY (minut 2.1:14)
52
hecho referencia a sentencias de muerte, cartas de despedida de gente ejecutada, a

causa de conflictos blicos, y todo conjuntado hace que sea una reflexin especial
sobre la memoria, la fragmentacin118, propiedad de sta y los derechos que se
derivan. El ttulo de la obra, como la mayora de sus obras, se remite al da y hora
precisos119 en que le fueron entregados los candelabros una vez adquiridos, marcando
as otro hito en la historia del material que utilizar para reconvertirlo.
Danh Vo: We the people (detalle), 2011. Cobre, yeso, estructura de metal, cajas
de madera, material de embalaje. Dimensiones variables.
118
119
Chicago University https://www.youtube.com/watch?v=sZNOSUlHBOo (minut 2.38)

Scherf A. (2013) Danh Vo. Go Mo Ni Ma Da. Muse dArt Moderne de la Ville de Paris. Paris (p. 9)
53
Haegue Yang (Corea, 1971): Sallim (aparato de menaje que funciona), 2009. Acero,
cable, platos... 250 x 420 x 310 cm. http://www.youtube.com/watch?v=uX6QO7a6l3s,
http://www.youtube.com/watch?v=Ef8Af9OO2oQ,
http://www.youtube.com/watch?v=CIRhrgzZ9_I
Las obras de Yang toman objetos normales de menaje del hogar que, una vez
liberados de su contexto120 funcional, reciben, mediante su huella artstica, otros
significados y nuevas dimensiones semiticas. El uso del readymade, al ms puro
estilo Duchamp es uno de sus rasgos caractersticos. A menudo, su produccin
artstica est hecha al uso y tamao del lugar donde se expondr, haciendo de este
aspecto un elemento ms de su variada produccin artstica. Con un hilo argumental
basado en la abstraccin visual, genera narraciones biogrficas, locales, polticas y
sociales que conectan con el espectador en un entorno, que puede ser escnico,
donde la referencia cultural121 es el vnculo final. Cabe destacar tambin que Haegue
Yang aprovecha tambin los elementos sensoriales humanos para penetrar en la
mente del espectador donde, a menudo, los colores, texturas, sonidos, movimientos y
la coreografa122 que el mismo espectador debe hacer al ver sus piezas son
elementos a tomar en consideracin.
Elabora obra tecnolgicamente compleja, donde las personas pueden entrar dentro de
las esculturas y caminar con ellas, al tiempo que tienen que aprender a caminar,
haciendo de todo ello una paradoja "tecnolgico primitiva". Emociones como la
vergenza, o procesos como el aprendizaje, son elementos que surgen de las obras
de Yang, al tiempo que la presencia y la invisibilidad juegan con la sensacin de
subjetividad123 del observador. Todas las sensaciones del hoy posmoderno son
generadas con la reutilizacin de los objetos de Yang que reflexiona puramente sobre
el mundo de hoy y, especialmente, sobre el presente. Ella crea una sensacin de
120
121
122
123
Wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/Haegue_Yang
E-flux.com http://www.e-flux.com/announcements/haegue-yang-6/
E-flux.com http://www.e-flux.com/announcements/haegue-yang-6/
Contemporary Art Daily http://www.contemporaryartdaily.com/2010/12/hague-yang-at-new-museum/
54
desconexin que hace que el espectador se quede en su presente particular. El

presente que construye al mismo tiempo que est inmerso en la exposicin y
observando sus piezas.
El artista quiere llegar al mayor nmero de pblicos hacindolos sentir, de manera
completamente honesta, una sensacin de desconexin de la realidad; "How to be
alone in the most honest way without excluding anybody to force people to be
disconnected"124
La pieza de la coleccin del MoMA, Sallim, que se podra traducir como "aparato de
menaje del hogar que funciona", reproduce un modelo a escala exacta de su cocina de
Berln125 como uno de los puntos neurlgicos de la vida de las personas, que
realmente le afectan e inciden en la vida misma. Es el "presente continuo" del
momento al que se remite. Al que todos nos remitimos cuando vemos la cocina y
conectamos con la nuestra personal, para aislarnos y reflexionar sobre qu tipo de
vida llevamos o estamos obligados, condicionados, a llevar. Esta obra hace referencia
tambin al arte feminista de Martha Rosler, artista estadounidense que mediante la
performance reflexiona en torno a la cotidianidad femenina126, quien insista en el
infravalorado valor y potencial que se otorga al trabajo de la mujer, convirtiendo la
cocina extrada de su lugar natural y, con una semitica completamente diferente, en
un espacio de worklessness. 127 La cocina aislada de su espacio natural es liberada
tambin de su conexin con la productividad128 y la efectividad para llevar una vida
ms o menos cmoda.
124
125
126
127
Tate.org http://www.tate.org.uk/context-comment/video/tanks-haegue-yang [25 abril 2014] (minut 4:03)

Heikejung.de http://www.heikejung.de/condensation.html
Wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/Martha_Rosler
Heikejung.de http://www.heikejung.de/condensation.html
128
Contemporary Art Daily http://www.contemporaryartdaily.com/2009/06/venice-haegue-yang-at-thekorean-pavilion/
55
Haegue Yang: Exposicin a la Galerie Chantal Crousel, Paris, marzo-abril 2013
56
Wade Guyton (Estats Units, 1972) i Kelley Walker (Estados Unidos, 1969): Untitled, 2008.
Pantalla de seda y botes de pintura sobre tela. Cada uno 19.4 x 17.8 x 17.8 cm.
http://www.youtube.com/watch?v=TxIiSs5_vVY
http://www.youtube.com/watch?v=cxxptVBEVZQ,
http://www.youtube.com/watch?v=u5IFk64XFm0
Las piezas colaborativas de estos dos artistas combinan el legado del Pop Art con el
diseo, combinado tambin con el apropiacionismo, el readymade y el Dad. Todo ello
se encuentra en las piezas de este tndem artstico. Cabe analizar, sin embargo, a los
dos artistas por separado, ya que producen un tipo de arte que se complementa y que,
coyunturalmente, encuentra en la especulacin del mercado artstico un lugar donde
crecer y expandirse.
Por un lado, Kelley Walker es un artista que trabaja sobre material impreso,
como material continente de trozos de historia. El apropiacionismo es un
movimiento que tiene significado para l en el sentido de la replicacin del
mismo arte que termina por convertirse en una marca129. Las estrategias
artsticas, en comparacin con las de marketing, son temas que l lleva a cabo
en la produccin seriada de su obra, Warhol le interesa, de la misma manera por
la propagacin del arte y el uso mercantil de la misma obra. En este sentido, el
valor que las imgenes tienen al pasar de un contexto a otro130, de la noticia, al
mercado artstico, es uno de los temas que explora. La banalidad y el mundo
comunicativo y consumista de hoy es la base de su trabajo.
129
Pcoil, V. (2006) Kelley Walker: Printed Matter. Flash Art, Mar 2006.
http://www.thomasdanegallery.com/artists/54-Kelley-Walker/press/
130
Paula Cooper Gallery http://www.paulacoopergallery.com/exhibitions/40
57
Wade Guyton se hizo famoso con sus pantallas impresas con ink-jet donde
reproduca caracteres gigantes como la X y la U. Fue, sin embargo, al ser
incluido en una exposicin el 2005 en el MoMA PS1 por el director Klaus
Biesenbach, que le otorgara relevancia131 para los aos siguientes, cuando ya lo
llamaran por Europa en exposiciones comisariadas por Daniel Birnbaun, y
donde al ao siguiente el Withney Museum of American Art le dedicara toda una
retrospectiva.
El binomio formado por Guyton / Walker ha generado crticas en el mundo de la ms

pura especulacin artstica. Sus piezas se venden a un milln de dlares y se han
llegado a subastar por 2.4 millones en Christie 's132. Este tndem de artistas tambin
es comentado en algunos circuitos como base del nuevo "Star System mundial del
arte", en una economa globalizada donde el comprar pronto para invertir133 es un
aspecto destacable de los coleccionistas de hoy. Incluso se apunta a una nueva
manera de adquirir arte hoy, el de la reventa constante, a modo de acciones, que slo
puede ensuciar y romper la carrera, aunque temprana, de estos dos jvenes
artistas134. El resultado artstico de sus dos carreras unidas ha creado una marca,
donde el apropiacionismo de Kelley, con el efecto seriado de las obras de Guyton
parecen beber del ms puro estilo Dad, esta vez sin embargo, un Dad de ricos, que
an hay que ver si es una "boutade" o si hay algo ms detrs.
131
Crow K. Searching for the Next Art-World Star

http://online.wsj.com/news/articles/SB10001424127887324469304578145592017074984
132
Wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/Wade_Guyton
133
Crow K. Searching for the Next Art-World Star

http://online.wsj.com/news/articles/SB10001424127887324469304578145592017074984
134
The Art Newspaper http://www.theartnewspaper.com/articles/Too+much+too+young%3F/24845
58
La obra del MoMA, se remite a las instalaciones que produce este tndem. Con botes
de pintura y una tela se produce un efecto de mezcla de alta y baja cultura. Los botes
de pintura ink-jet siempre al lado de la tela colgada, dan una sensacin de caos135 que
hace que parezcan an en proceso de creacin en el estudio136, produciendo un efecto
querido de transitoriedad. La disposicin escnica de la pieza adopta rasgos puros del
Dad en el sentido que desmonta totalmente el lenguaje pictrico entendido de la
manera tradicional: la autora artstica ya no es manual, es slo una idea. Hay que ver,
pero, como afecta a todo el ambiente artstico para ver si realmente lo que transmiten
es lenguaje artstico, del cuestionamiento de los valores del arte, o si es slo un
proceso para enriquecerse, que tambin cuestionara desde fuera el mismo mundo del
arte.
Wade Guyton y Kelley Walker: Untitled, 2012.
135
136
Art Daily http://artdaily.com/index.asp?int_sec=2&int_new=62231&b=modernist#.U11UicY0vSk

Printeresting.org http://www.printeresting.org/2009/06/11/dispatch-from-the-venice-biennale/
59
Wade Guyton y Kelley Walker: en la Kunsthaus Bregenz. Abril-junio 2013
Wade Guyton y Kelley Walker en la Kunsthaus Bregenz.
60
Jacqueline Humphries ( Estados Unidos, 1960): Beat the Devil (La burla del
diablo), 2008. leo sobre lienzo. 203.2 x 221 cm.
http://www.youtube.com/watch?v=7TT6uWZyOno
Humphries llama sus cuadros como "non-paintings", lo que ya les delimita entre el
nombre que tienen y lo que quieren significar. A menudo en tonos monocromos, el
artista dice que "comienza un cuadro en el momento que lo acaba"137. En el proceso
de unfinish138 del cuadro, puede hacer incisiones, otras acciones en un proceso de
"deshacer" el cuadro en s mismo. Poner la obra boca abajo o tambin llegando al
cuadro por el soporte, por la construccin, por detrs. En el conflicto que el proceso de
construccin / deconstruccin que esto le crea se pregunta si la pintura tiene algn
punto interior; o si es todo exterior. Como en las paredes, se puede entrar dentro? 139
El mismo marco del cuadro es una limitacin del cuadro que lo preforma y de la que se
quiere escapar. Romper el efecto de la realidad, en que lo real y la realidad se
convierten en opuestos, es el cociente que quiere obtener, en el hecho de resaltar la
naturaleza efmera de la cultura visual140. La gestualidad, el proceso de la obra, la
conexin con el espectador en el hecho de las preguntas que le puede generar, por el
efecto ptico de las obras, son elementos clave en su produccin artstica. El efecto
cintico141 obtenido por el espectador al desplazarse al frente de la pieza conecta con
137
Art in America http://www.artinamericamagazine.com/news-features/interviews/jacqueline-humphriesgreene-naftali/

138
139
140
141
Artnews.com
http://www.artnews.org/greenenaftali/?exi=15399&Greene_Naftali&Jacqueline_Humphries
61
el mensaje que los "Films Noir" perseguan en la deconstruccin de sus personajes.

Su pintura evoca tambin la tcnica de graffiti, con la simplicidad del minimalismo142,
pero con el mensaje del expresionismo abstracto y el arte conceptual. Humphries se
declara admiradora ferviente de los "films noir", no slo por su esttica, tambin por el
concepto que rezumaban de trabajo, de proceso en construccin, que con pocos
elementos, especialmente los conectados con los efectos de la luz, daban pleno
significado al filme como un acto cultural
En la obra del MoMA, Humphries ya da una pista con el ttulo, como hace algunas
veces, donde quiere que el espectador tenga la motivacin para encontrar el estado
psicolgico de la autora en el proceso creativo de la obra143. Esta obra debe su
nombre al "film noir" del mismo ttulo144, de John Houston y Humphrey Bogart,
traducido aqu como "La Burla del Diablo". Cabe destacar que esta pelcula destaca
por la improvisacin del guin que se escriba a medida que el filme se rodaba145, lo
que da un efecto de continuo en la pelcula y que se puede trasladar a la obra pictrica
a la que hacemos referencia. La pelcula no se puede catalogar puramente de thriller,
drama o comedia146; este es el punto que le interesa a la autora, no tanto por el
argumento del filme, donde unos atracadores quieren apoderarse de unas tierras, sin
que esto sea tan importante como el retrato de la imperfeccin humana que retrata el
mismo filme.
Esta obra es fsicamente plana, pero admite muchos ngulos de visin que hace que
la visin que se tenga sea diferente, y por tanto, desdibujada y diferente cada vez147.
Es una obra parada, pero "in motion"148 en su cambio visual dependiendo del ngulo
desde el que se mire. Del mismo modo que, segn Humphries, Goya149 seleccionaba
lo que vea y trabajaba sobre aquello, ella decide trabajar sobre la gente que mira sus
pinturas para encontrar el espacio reflexivo donde conducirlos. La fusin, el paso,
entre lo figurativo y lo abstracto150 es donde ella se detiene para forzar al espectador a
no hacer una distincin, sino a que el lenguaje pictrico hable por s mismo. Esta
pintura tiene un componente pictrico metlico, que deslumbra al espectador y hace
que se mueva al tiempo que reflexiona sobre lo que ve y lo conecta. Las pelculas de
cine negro, contrastaban la luz, pero aprovechaban este efecto para mostrar que las
fronteras entre buenos y malos no siempre era clara. Retratando unos sociedad
violenta y corrupta, los personajes se muestran humanos en su imperfeccin, hecho
resaltado por ambientes ubicados en el claroscuro151 (al igual que es plasmado en esta
obra en sus tonos). De la misma manera que en el filme en el que la obra se remite en
su nombre, esta obra quiere transmitir cierto cinismo por el mundo donde estamos,
como en la mayora de las obras de Humphries, donde las preguntas del mismo
espectador deben ser el hilo conductor de su investigacin para resolver finalmente a
favor de la imperfeccin del protagonista: a menudo un muy humano antihroe; de la
misma manera que las pelculas de cine negro.
142
143
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147
148
149
150
151
FactorXX http://factorxx.wordpress.com/2011/07/24/in-the-back/
FactorXX http://factorxx.wordpress.com/2011/07/24/in-the-back/
Wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/Beat_the_Devil_(1953_film)
Wikipedia http://es.wikipedia.org/wiki/La_burla_del_diablo
Wikipedia http://es.wikipedia.org/wiki/La_burla_del_diablo
Bombmagazine http://bombmagazine.org/article/3262/
Wikipedia http://ca.wikipedia.org/wiki/Cinema_negre
62
Jacqueline Humphries: 41/14, 2014. Untitled, 2014. Instalacin. Whitney Museum

of American Art, New York.
Jacqueline Humphries:The Searcher, 2010.
63
Adam Pendleton (Estados Unidos, 1984): Black Dada (LK/LC/AA), 2008-09.

Serigrafa. 121.9 x 192.7 cm. http://www.youtube.com/watch?v=lBOmwns3mXE
La produccin artstica de Pendleton es multidisciplinar, desde la pintura, a
publicaciones, pasando por el collage fotogrfico y llegando a la performance152. Su
trabajo explora bsicamente el lenguaje en ambos sentidos, literal y figurativo y la
recontextualizacin153 de la historia mediante imaginera apropiacionista para generar
nuevas conexiones e interpretaciones para llegar tambin a "nuevos significados de
futuro que puedan existir"154. Su obra consiste en series que alimenta y va
produciendo a lo largo del tiempo:
BAND155 es una serie de videoinstalaciones donde confronta el sonido, de la
manera que lo haca el documental de Godard Sympathy for the Devil de los
Rolling Stones. Con la apropiacin del estilo de Godard, Pendleton documenta el
proceso de creacin de un nuevo CD al tiempo que lo contrasta con la eficacia
de la violencia de los aos 60.
152
153
154
155
Pace Gallery http://www.pacegallery.com/artists/356/adam-pendleton

Wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/Adam_Pendleton
64
Revival156 es un performance donde Pendleton, vestido con esmoquin, al estilo

de los sermones del domingo de un coro de gospel, coge poemas de John
Ashbery, Donald Hall y Bharles Bernstein y los mezcla con discursos polticos de
defensa de los derechos gay . En la escenografa de la perfomance pondra
esculturas minimalistas negras157 (las originales de LeWitt son blancas) como si
fuera un minimalismo negro.
En Pendleton, la mezcla de pasado y presente, mediante la mezcla de fuentes y
documentos que forman parte del canon sociolgico actual, conectado con situaciones
cotidianas (o posibles) del presente crea un cociente, que es donde l quiere llegar: un
futurible que se puede entender como versiones de la historia que no han sucedido en
nuestro hilo argumental, pero podran haber existido o, incluso, existir en otras
dimensiones. El hecho de la vida, que slo se vive una vez, y cmo se quiere (y
puede) vivir es uno de los temas de su obra. Hablar de "futuro a la vez que se habla
del pasado"158 es un tipo de ciencia ficcin.
El caso de la obra del MoMA, pertenece a su serie Black Dada, que Pendleton ha
creado como un tipo de manifiesto conceptual159 de su trabajo. Mezclando detalles
parciales de imgenes de las esculturas cbicas del minimalista Sol LeWitt , aade
letras sueltas del nombre de la serie Black Dada, sin mostrar nunca el nombre entero.
El nombre de Black Dada proviene del poema Black Dada Nihilismus, un poema de
Leroi Jones de 1964, antes de cambiarse el nombre a Amiri Barak y convertirse en un
nacionalista negro. Para Pendleton, Black Dada no crea ninguna normativa definitoria;
es por ello que "desmonta la historia"160. En esta ocasin, Pendleton se apropia de
obras y poemas de otros, para crear un nuevo manifiesto anti-arte. El manifiesto Dad
de 1916, es el que le aporta el poso para hacerlo y, en la mezcla de dos temas
separados en el tiempo (1916-1964) crea historia-ficcin. Este manifiesto surgi
despus de la creacin de su obra anterior, Revival, donde con la creacin del estilo
de "minimalismo negro" creara tambin un "Dad negro", que en s mismo (el Dad al
negarse) queda en un callejn sin salida. Junta la palabra negro (significando cerrado,
espacio, multiplicidad) con dad (vanguardia para mirar las cosas de manera diferente)
para crear una refundacin de un manifiesto de futuro161. Para Pendleton, se trata "de
aprovechar cosas que no tienen relacin entre ellas y hacerlas nuevas"162, para crear
preguntas de todo tipo al espectador.
156
157
158
159
160
161
162
Wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/Adam_Pendleton
Gallerist NY http://galleristny.com/2012/04/adam-pendleton-brings-black-dada-to-moma-and-pace/
Art Basel http://vimeo.com/55511815 (minut 3:33)
65
Adam Pendleton: Independance (mask), 2013. Serigrafa sobre acero inoxidable. 51 x

35,5 cm.
66
Manfred Pernice (Alemania, 1963): Diary --20.11.07 (Agenda --20.11.07), 2008. Tablero
frmica. Dimensiones: variables. http://www.youtube.com/watch?v=eQEeOhMdZLs,
http://www.youtube.com/watch?v=KZO0H_t9vEQ,
http://www.youtube.com/watch?v=1qW4-poMIrk
Trabaja con todo tipo de materiales encontrados en la calle (bsicamente madera) que
puede pintar163, y a partir de las columnas de anuncios comenz a crear piezas
escultricas. Son a menudo piezas que todo el mundo reconoce. Sus obras no tienen
un significado exacto, ni precisamente definido. A partir de la observacin del ambiente
urbano, subraya por donde falla164 el estndar, tal y como es concebido en un sistema
de modernidad social para hacer una crtica. Mezcla elementos reales, con ficcin,
perfeccin con imprecisin, para hacer una mezcla entre realismo y abstraccin en
instalaciones donde el espectador est inmerso. Todo es aprovechado en las
instalaciones de Pernice desde la disposicin, a medida, a los hbitos asociados a los
objetos, que hace que lo que se ve contenga el adjetivo de paradjico165. Objetos y
situaciones reconocidas por el espectador en unas instalaciones que activan su chip
de la memoria. La vida entendida como todo el material se conecta, hace que
arquitectura, historia, comercio166 y el devenir de la vida humana sean elementos
llenos de significado dentro de su obra. Pernice deconstruye el presente en un
universo de objetos que el espectador reconoce, donde incluso reconoce el circuito y
la vida que se asocian, para hacer una imagen de reflexin. Un pensamiento que va
acompaado del estilo IKEA que ha conquistado el mundo para construirnos los
muebles nosotros mismos, y por tanto, tambin el imaginario que acabar siendo
estndar tambin para todos.
Diary --20.11.07, es una obra que hace memoria de las cosas olvidables167, de las
cosas y objetos que al tirar olvidamos. Al estilo de Brancusi168, los soportes de sus
163
164
165
166
167
168
DjVu https://www.youtube.com/watch?v=KZO0H_t9vEQ (minut 5.10)

Secession.at http://www.secession.at/art/2010_pernice_e.html
Secession.at http://www.secession.at/art/2010_pernice_e.html
NY Times http://www.nytimes.com/2001/04/20/arts/art-in-review-manfred-pernice.html
67
instalaciones / esculturas se mueven entre objetos artsticos y / o andamios de sporte.

Como si el arte reside en el soporte para mostrar lo que ya conocemos. Como la
mayora de piezas suyas, el estilo "bricolaje" (IKEA) de la instalacin nos acerca de la
manera ms directa, que con el ttulo (en referencia a la vida que se ha vivido con los
objetos que estamos viendo ), parece un escenario para reproducir o recordarle las
vidas pasadas. Son piezas modulares que se pueden convertir en un monumento, o
en un anti monumento para la des-memoria. El ataque a los monumentos es tambin
inherente, en un ejercicio de monumentos testamentos en nuestra inhabilidad para
recordar169 qu hacemos y qu hemos hecho; que la historia es de las personas y no
de los hechos destacables como histricos por los polticos o historiadores.
Manfred Pernice: Rehabilitation. Exposicin colectiva a Wiels-Centre d Art

Contemporain, 2010.
169
68
Seth Price (Estados Unidos, 1973): Essay with Knots (Ensayo con nudos), 2008
Serigrafa. 121.9 x 243.8 cm. http://www.youtube.com/watch?v=zNaL_yJBMEA,
http://www.youtube.com/watch?v=LHFciWDsOC4
http://www.youtube.com/watch?v=EXXd2vagM94
La obra de Price trata sobre la mutabilidad, la apropiacin y el consumismo cultural170.
Su preocupacin gira en torno a la distribucin de la cultura, en forma de sonidos,
msica y textos. La combinacin de los desechos de la "cultura de consumo" ha
creado un universo artstico proveniente de la deconstruccin del universo cultural
vigente. Incluso ha generado prendas sometidas a los cnones de la moda que
expone en grandes almacenes, como en la ltima edicin de la Documenta 13, en
Kassel. Su produccin artstica puede ser tecnolgica, con vdeos y difusin de
documentos por internet, hasta msica o slo serigrafas. La reconstruccin del
presente a partir de elementos provenientes de la deconstruccin genera una paradoja
que para l es como un "caminar hacia atrs"171 hacia el futuro. Price crea documentos
que son accesibles desde su web, consultables y "descargables".
170
171
Wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/Seth_Price
Wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/Seth_Price
69
La obra del MoMA Essay with Knots, es un anlisis del sobrecrecimiento de la cultura,
que explora la ontologa del arte172, los medios, y las figuras que lo han alimentado de
manera importante hasta llegar donde estamos ahora: Mcluhan, Baudrillard, Duchamp
y Broodthaers, a quien Price ya haba mencionado en una obra suya en 2002. En la
obra de 2002, llamada "Dispersin", Price haca un anlisis de cmo las fuerzas
econmicas dan forma a los objetos de arte. El mismo ttulo de la obra, ensayo con
nudos, se remite a una cuerda, a modo de hilo conductor donde los nudos, son los
huecos y el embalaje de poliestireno que envolvera el producto (producto entendido
como la obra anterior de 2002 Dispersin) para su distribucin. Por tanto, los
conceptos generados por las figuras que l menciona, existen si mientras tanto son
funcionales173; es decir, si sirven para algo. Price nos dice que las ideas evolucionan
cuando su naturaleza es accesible174, comprensible mental o funcionalmente para
todos. Esta obra es una apropiacin de una obra de l mismo, donde hace hincapi en
la corrupcin inherente en la distribucin de la cultura175 y donde Price quiere hacer
patente cmo el arte circula en la era digital176: descontrolado, vulnerable a
manipulaciones, rehecho en mltiples contextos y sin una regulacin que se preocupe
de l.
172
173
174
175
176
Artexperience.com https://www.artexperiencenyc.com/free-a-show-at-new-museum/
Frieze.com http://www.frieze.com/issue/article/the_producer/
This is Tomorrow http://thisistomorrow.info/articles/counter-production
70
R. H. Quaytman (Estados Unidos, 1961): iamb (blind smile): Chapter 12, 2008. Seda sobre
madera. 50.8 x 50.8 cm. http://www.youtube.com/watch?v=F0q0rStwl74,
http://www.youtube.com/watch?v=yVunK8_2o2I
Rebecca Howe Quaytman siempre trabaja sobre madera, con serigrafa sobre seda
que posiciona imgenes fotogrficas, como si generase obra procedente de la
fotografa. Todo ello influencias que ella considera liberadoras y que reconoce como
provenientes de Warhol, Richter, Polke y Rauschenberg. Sus cuadros son
especficamente producidos para el lugar donde irn destinados177, llamndolos
"captulos"178 y numerados como tales. Comenz nombrando sus obras como "frases",
siempre en una alegora al proceso de produccin de la obra misma. El
apropiacionismo de obras ajenas para reinterpretarlas bajo sus cnones formales, con
esttica fotogrfica y potica, de tonos en blanco y negro, otorgan un poder
revisionista artstico a su obra. Los lmites y las divisiones179, el querer hacerlas
desaparecer, son temas principales en su obra, que aadiendo elementos de su propia
biografa, conectan con el espectador para crear una experiencia. Las imgenes que
aparecen en sus obras tienen orgenes diversos: propios y personales, institucionales,
177
178
179
Wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/R._H._Quaytman
Wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/R._H._Quaytman
Art in America Magazine http://www.artinamericamagazine.com/news-features/magazine/rh-quaytman/
71
de la historia del arte, incluso cientficos, pero todos ellos ligados por un hilo
argumental que los conecta en el momento que los llama captulo. Cada captulo,
siempre, se remite al lugar donde fue expuesto por primera vez180, lo que hace que su
produccin arrastre el poso del lugar por donde fue creada primigeniamente. Como si
fuera el lugar de su nacimiento, a pesar de estar conectada a una historia general,
siendo de ella un captulo. El efecto polaroid, el efecto lumnico, o cualquier otro efecto
visual de sus obras, crean una sensacin de espejo181 en el espectador, con el objetivo
de encontrar una sensacin de continuo en que el presente es importante, y que todo
est conectado. Quaytman quiere que el espectador persistente182 encuentre
respuestas, pero para ello debe hacerse preguntas, que en el camino el artista le
ayudar a crear.
La obra del MoMA, en su nombre ya se define como potica: yambo como pie de
mtrica de poesa, que forma parte del hilo argumental como un captulo que es
considerado. Arte visual fundido con arte potico y literario que llega a cuestionar qu
es un libro. Si es un objeto como el que entendemos al uso, o si es cualquier otra cosa
que ella quiera que sea, siempre y cuando tenga un hilo argumental. En este caso, el
captulo 12 parte de un motivo simple: pinturas iluminadas por una lmpara183. El ttulo
de la obra, en ingls tambin significa yo soy (I am) 184. La imagen es una fotografa de
su mentor, Dan Graham, artista visual conceptual que a menudo trata sobre los
fenmenos culturales185. Dan Graham posicionado sobre un fondo visual de ilusin de
cuadrcula186 que da un efecto centelleante durante la visualizacin de la obra. El
efecto potico, combinado con el lumnico, el nombre y lo que se ve dan un cociente
de referencia visual clsica pero que remite y, que slo est hecho, a elementos
modernos. Esta atemporalidad atrapada en la obra es uno de los elementos
primordiales a los que la autora siempre se remite. El punto crucial aqu es el lenguaje
con el que se expresa la autora, cul es? sabemos que es artstico, pero cul es?
En este caso la autora utiliza la pintura para huir187 de l y delimitar as hacer entender
el espacio simblico de la pintura188.
180
181
182
183
184
185
186
187
188

Saatchi Gallery https://www.saatchigallery.com/artists/rh_quaytman_articles.htm
Brooklynrail.com http://www.brooklynrail.org/2009/02/artseen/r-h-quaytman-chapter-12-iamb
Wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/Dan_Graham
Wikipedia http://ca.wikipedia.org/wiki/Illusi_de_la_quadr%C3%ADcula
Frieze.com http://www.frieze.com/shows/review/rh_quaytman/
Frieze.com http://www.frieze.com/shows/review/rh_quaytman/
72
Rebecca Howe Quaytman: Distracting Distance, Chapter 16, 2010. Serigrafa y

leo sobre madera.
Rebecca Howe Quaytman: Installacin O Tpico, Chapter 27 en la Gladstone

Gallery, New York. Diciembre 2014
http://bombmagazine.org/article/2000069/img%20src=
73
Blake Rayne (Estados Unidos, 1969): Untitled Painting No. 6 (Pintura Sin Ttulo
No. 6), 2008. Sinttico, yeso... Dimensiones: variable
Blake Rayne produce arte que sita entre la historia procedimental del material de la
pieza y las estructuras de descripcin lingstica189. l produce obra que lleva un
conflicto inherente en s misma, el conflicto radica en la referencialidad de la obra
misma y la autonoma que se le otorga. Para producir sus piezas artsticas, Rayne
corta, cose y comprime piezas de lino, que al ponerlas sobre una superficies y
pintarlas con aerosol, revelan el positivo del patrn negativo que l mismo ha creado.
Como si creara muequitos de papel, o cenefas textiles que una vez pintadas con
tcnica de graffiti toman cuerpo en otra obra. El readymade190 da un paso ms all ya
que l mismo lo produce para crear producciones seriadas. Los cortes que l hace en
la tela son letras maysculas que quedan distorsionadas por el proceso que hace. Con
su obra, Rayne persigue conectar dos conceptos como la abstraccin cultural y los
textos191, que al ser fundidos con el proceso, la obra contiene todo lo necesario para
existir y significarse, pero esta dificultad es la que l quiere mostrar, atrapar y congelar.
Su produccin es muy diversa, desde videoarte, exposiciones objetualesdonde letras
gigantes de fieltro cuelgan sobre telas en blanco. Su objetivo es simultneamente
establecer un orden pictrico al tiempo que lo destruye192. De esta manera, el artista
quiere explorar las muchas narrativas donde el arte se observa para denunciar que la
forma es slo fsica pero el significado es puramente mental. Para l, el hecho de que
exista la tela, hace que lo que cuenta pueda ser considerado arte, ya que si no fuera
as, sera cualquier otra cosa. Sus exposiciones son temticas, lo que significa que su
produccin es completamente diversa. El crtico Howard Halle llama a su pintura como
189
190
191
192
Whitecave.com http://whitecave.blogspot.com.es/2008/06/blake-rayne-miguel-abreu-gallery-new.html
Artnews.com http://www.artnews.org/miguelabreu/?exi=13777&Miguel_Abreu&Blake_Rayne
Basta. S. http://www.textezurkunst.de/70/cut-pieces/
Artsland.com http://www.artslant.com/la/events/show/291794-solo-exhibition
74
"transitive painting"193, nombre que tambin el profesor de historia del arte David
Joselit menciona como la tela puramente como un nodo de red de conexiones y
asociaciones para que funcione como arte. Del mismo modo que Duchamp retaba a
los artistas de su tiempo para hacer ver que las cosas "un poquito ms claras"194 en el
solo hecho de decir que el arte son slo ideas antes que el medio. Al igual que con
Duchamp, tambin hay crticos que no soportan Blake Rayne, como Hart Chambers
cuando dice que Rayne insulta a su audiencia195.
La obra del MoMA contiene todos los elementos anteriores, en referencia a la
descontextualizacin, y haciendo de la pintura un acto ms en todo el proceso del
mundo (tambin del mercado del arte). El texto de presentacin de la exposicin
donde presentaba su pieza contena la siguiente informacin:
"Select a fabric," "Cut to size," "Mark off the pictorial space," "Fold. Paint. Unfold "." Rehang, " "Reconfigure," "Sew. Stretch. Mark again. Crate. Ship. Place in the gallery.
Unpack it or not ... Hang it or not... Sell it or not..."196
Todo el proceso de produccin de la obra est presente en su mente, incluso ambos
momentos de desembalarla y venderla (o no). Por lo tanto, la obra una vez hecha con
la tcnica del patrn de lino y con graffiti despus, se presenta y se cuelga con el
embalaje donde debe ser transportada y guardada. A modo de retablo moderno, el
hecho temporal del arte no se limita al tiempo que est expuesto, o al hecho de slo
reivindicar el readymade, esta vez sin embargo, hecho por uno mismo.
193
Time Out http://www.timeout.com/newyork/art/blake-rayne-folder-application
194
Vitamin P2
http://www.campolipresti.com/file/galleryelement/pj/aa/8d/c4/9b/br_vitamin%20p2article891733186506657
0008.pdf
195
Hart Chambers C.
http://www.flashartonline.com/interno.php?pagina=articolo_det&id_art=647&det=ok&title=BLAKE-RAYNE
196
Basta. S. http://www.textezurkunst.de/70/cut-pieces/
75
Blake Rayne: Coastal Graphics. Instalacin. 2011. Sutton Lane, Paris.
76
Ugo Rondinone (Suiza, 1964): Diary of Clouds (Agenda de Nubes), 2008-11. Cera
y madera
224 x 667 x 30 cm. http://www.youtube.com/watch?v=vhAQDfKnNY0,
http://www.youtube.com/watch?v=rx3qMlNvAW8,
http://www.youtube.com/watch?v=_f2ZClP60_E,
http://www.youtube.com/watch?v=XSPkHjzfEGE,
http://www.youtube.com/watch?v=TWQnHWIDP3w
Rondinone es un artista suizo que explora los temas de la fantasa y el deseo197. Sus
obras pueden ser variadas en cuanto a la forma como se presentan y pueden ser
letreros de nen, esculturas, objetos, fotografas, performance... El mensaje que
contienen todas sus obras es lo suficientemente amplio para que conecte y atrape al
espectador en un significado genrico que seguro que encuentra conexin. Desde
piezas de tamaos pequeos a piezas gigantescas de peso de 15 toneladas. El arte
que Rondinone busca la contradiccin de manera amable en el espectador. Hoy donde
todo es tecnolgico, l crea unos gigantes de piedra para ser expuestos en el corazn
de Nueva York. Apelan igualmente a cualquier aliengena, pero son tambin
monumentos o vestigios del pasado. La cuestin es que, mediante piezas reconocibles
al ojo humano, ya sea por lo que dice, o por lo que significan, la irona es inherente.
Para Rondinone, su arte tiene un tono chamanstico que debe revolucionar al
espectador198. l nunca piensa ante una obra de arte, l siente, y quiere que el
espectador sienta una pulsin que le conmueva. l no materializa ideas, "las ideas se
manifiestan energticamente y abren cualquier tipo de materializacin"199. El arte es
como un proceso meditativo, un proceso de "being well", sanador, sano. No quiere
mostrar nada ntimo suyo200, quiere mostrar que lo espectador entienda y conecte, el
197
198
199
200
Wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/Ugo_Rondinone
Louisiana DK http://channel.louisiana.dk/video/ugo-rondinone-stretching-persona
Louisiana DK http://channel.louisiana.dk/video/ugo-rondinone-stretching-persona (minut 1:47)
77
arte es social, no es ntimo. Mostrar situaciones no claras, borrosas que hagan

cuestionar los conceptos ya sabidos y aceptados.
Ugo Rondinone: Human Nature, 2013. Instalacin en el Rockefeller Center
78
La pieza del MoMA, agenda de nubes, mezcla poesa con Romanticismo y la irona
que caracteriza a Rondinone. Es una congelacin de momentos, materializada en las
nubes, que no pueden ser nunca fsicamente slidas. El nombre tambin indica la
forma en que los humanos queremos congelar el tiempo. Por un lado es la naturaleza,
79
en su tono ms romntico201, por el otro son unas nubes, que en realidad siempre
estn en mutacin, que se han solidificado en cera; un material no del todo slido y
perecedero. Las 64 piezas de nubes son nicas, al igual que las nubes en la realidad,
stas sin embargo, tienen las huellas digitales202 de Rondinone, lo que les personaliza,
las significa individualmente y las posiciona en el tiempo, tal como ocurre y tal como se
desvanece , como una congelacin zen del tiempo o, quizs, slo un recuerdo.
Ugo Rondinone: Our magic hour, 25 Junio 31 Agosto 2003. Museum of Contemporary Art,
Sydney
Ugo Rondinone: Big Mind Sky, instalacin en la Matthew Marks Gallery, New
York. Septiembre-Otubre 2007
201
202
Aargauer Kunsthaus http://www.aargauerkunsthaus.ch/en/collection/new-acquisitions-2010/ugorondinone/
80
Susan Rothenberg (Estados Unidos, 1945): Green Bar, 2008. leo sobre lienzo
223.5 x 167.6 cm. http://www.youtube.com/watch?v=PPOkhiIWHHg,
http://www.youtube.com/watch?v=oR7WMqgbCu4,
http://www.youtube.com/watch?v=s_7FmgQbOYU
Casada con el artista Bruce Nauman, Rothenberg comenz a pintar imgenes
figurativas, desdibujadas, bajo el nombre de abstraccin minimalista203 con sensibilidad
hacia las emociones. Vive en el desierto de Nuevo Mxico donde la influencia
paisajstica es importante en las atmsferas que pinta, las imgenes figurativas que
estn en el lmite entre la figuracin y la abstraccin. El sentido de la luz, el color204 y
sus conexiones con la experiencia y cmo trasladar estas sensaciones personales a la
tela es uno de sus principales motivos. Los momentos bonitos son lo que quiere
captar. Rothenberg quiere pintar lo que es la belleza y se transforma en momentos
emocionales para las personas205. Pintura personal que refleja emociones universales
que las personas captan. Puede pintar su perro por el hecho de recordarlo mediante el
acto pictrico; esto es lo que hace con momentos, cosas y personas. Escenas
cotidianas, con un estilo de tipo primitivo, donde la memoria se mezcla con la emocin.
203
204
205
Wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/Susan_Rothenberg
Wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/Susan_Rothenberg
Art 21 https://www.youtube.com/watch?v=PPOkhiIWHHg (minut 2:41)
81
Susan Rothenberg: The Fence 2 (Holding), 2006 - 2007

A menudo, Rothenberg pintar partes del cuerpo, como si fueran autnomas con un
movimiento que se intuye. Este es el caso de la obra del MoMA, una barra verde
sostenida por un par de manos, que en conjunto queda en un aire primitivista o
tambin de marionetas, en un fondo que parecen pies de marionetas206. Su pintura, a
menudo hecha con trozos humanos o de cosas, crea un ambiente de deconstruccin
donde el espectador aade lo que falta. Este es uno de los anclajes de conexin
tambin con el espectador. La naturaleza, fragmentada y cruda207, y el hombre visto de
la misma manera, fascina al artista en su proceso post-conceptual de la pintura en la
que esta lleva el mensaje con ella misma de lo que se ve, se percibe y se recibe. Para
ella, el artista es la subjetividad (su mente) y su mano, que es la que realiza el acto
fsico de la pintura208. Es por ello que las manos son siempre uno de los iconos de su
pintura. Del resto no necesita nada ms para transmitir emociones, toma la simplicidad
de la tcnica minimalista pero le da una ptina completamente orgnica y nada
geomtrica. A pesar de ser una pintura emocional, no es femenina ni feminista.
206
Mutualart.com http://www.mutualart.com/OpenArticle/Susan-Rothenberg/AA8CB2D52B8ED985
207
Thoughtsthatcureradically.com http://www.thoughtsthatcureradically.com/2011/10/susan-rothenbergat-sperone-westwater.html
208
The Art Blog http://www.thoughtsthatcureradically.com/2011/10/susan-rothenberg-at-speronewestwater.html
82
Gedi Sibony (Estats Units, 1973): The Middle of the World, 2008. Persianas verticales. 91.4 x
227.3 x 33 cm. http://www.youtube.com/watch?v=z7D3uT8o9hM,
http://www.youtube.com/watch?v=4GZPpuoPR5Q
Gedi Sibony toma materiales de su estudio y llena espacios vacos209. Objetos sin
ningn tipo de manipulacin, cualquier objeto: radiadores, cartones, fotos, persianas...,
redefinen los espacios que conquistan. La sobreacumulacin210 de cosas habla por s
misma como un reflejo de la vida actual. Cmo levitar un objeto211 es uno de los temas
que preocupa a Gedi Sibony. Sus frases, cortas y directas, incluso sin sentido explican
lo que hace: "Tengo 10 aos de materiales y no quiero tirar nada ms, y al consolidar
algo nuevo, se reconsolida212. Los objetos deben tomar su espacio, su trabajo es hacer
algo en una habitacin, para qu sirve la habitacin?" 213
209
210
211
212
213
Interview Magazine http://www.interviewmagazine.com/art/gedi-sibony/

Framing Sculpture (minut 0:60)
Framing Sculpture https://www.youtube.com/watch?v=4GZPpuoPR5Q (minut 2:41)
Framing Sculpture https://www.youtube.com/watch?v=4GZPpuoPR5Q (minut 4:40)
83
Gedi Sibony: Little Three Sheep, 2012. Hierro, latn, acero inoxidable, pintura,
telaraas, polvo. 95,3 x 29 x 14,2 cm.
El nombre de las piezas son un puro juego de diversin, el ritmo y el sonido encajan
con la pieza214. Lo que l siente es lo que expone. Partiendo de la simplicidad del
minimalismo215, (trmino que l no concibe) lo transforma en objetualidad, que es el
lema de nuestra sociedad en un concepto similar al Arte Povera pero de rechazo y
habiendo sido, por norma, acumulado previamente en su estudio. Cualquier objeto,
nuevo, de rechazo (readymade) es susceptible de ser expuesto. La provocacin de
mostrar la variedad objetual disponible en nuestro mundo es el hilo conductor de su
creacin. Sibony explora constantemente qu es una obra de arte216, y juega siempre
con lo que se espera de una galera de arte. La parte emocional que el espectador
aporta forma parte del juego que el artista aprovecha para convertir en desengao o
juego. Al estilo Duchamp de provocacin y negacin del arte en s mismo, aderezado
con afirmaciones de carcter surrealista y actualizado con la sobreacumulacin
material de hoy, Sibony lo hace plenamente insertado dentro del siglo XXI. El artista
214
215
Saatchi Gallery
http://www.saatchigallery.com/artists/gedi_sibony.htm?section_name=abstract_america_painting_sculpture
216
Mousse Magazine http://moussemagazine.it/gedisibony-gladstone-13/
84
afina de forma muy cuidadosa lo que expone y dnde lo hace217, lo que elimina
cualquier improvisacin de lo que expone. Gedi Sibony hace una actualizacin del Arte
Povera, en lugar de construir arte con materiales humildes, l se va a la pobreza pura,
por no llamarlo esterilidad218 o pura infertilidad creativa para crear la paradoja de
crearlo desde el aspecto teatral219. La sutilidad del artista es casi imperceptible, pero la
gestualidad en la disposicin de todo ello hace que los objetos sean reales, pero que
la realidad sea incontenible, evasiva y cambiante220.
Dentro de este particular discurso artstico, la obra de Sibony en el MoMA es una de
las nicas que, en la web del museo, muestra una explicacin de la pieza y su nombre
puesto directamente por el propio artista, casi como una dedicatoria personalizada
donde l mismo se presenta y la explica. Tal y como dice, son las cortinas de su
estudio que quera retirar, y que una vez hecho esto con la ayuda de su amigo, las
dejaron en medio del mismo estudio. Una vez all, el ttulo fue fcil, "El Medio del
Mundo", es decir, de su mundo que es el estudio donde sobre-acumula todo tipo de
materiales.
217
Contemporary Art Daily http://www.contemporaryartdaily.com/2012/06/gedi-sibony-at-galerieneu/#more-56489

218
Contemporary Art Daily http://www.contemporaryartdaily.com/2012/06/gedi-sibony-at-galerieneu/#more-56489
219
Frieze. Com https://www.frieze.com/issue/article/gedi_sibony/
220
Frieze. Com https://www.frieze.com/issue/article/gedi_sibony/
85
Gedi Sibony: Ultimately Even, 2005-7. Cartn, pintura, linleo. 203,2 x 76,2 x
187,9 cm.
86
Gedi Sibony: The Two Most Important Days, 2013.
Gedi Sibony: As Told By Eons, 2012
87
Josh Smith (Estados Unidos, 1976): Untitled, 2008. Tcnica mixta.

121.9 x 91.4 cm. http://www.youtube.com/watch?v=5omHdM-hpwQ,
http://www.youtube.com/watch?v=IaSvbF12uF0
Smith es un artista que trabaja sobre la grafa de su nombre a la que aplica imaginera
abstracta221. Josh Smith en su produccin hace collages con diarios, dibujos y psters
para crear una abstraccin readymade. Al mezclarlo con las letras de su nombre crea
una alegora de la prefabricacin, reapropiacionismo en el que cuestiona las
estructuras jerrquicas en las que se entiende que se crea significado222.
221
222
Wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/Josh_Smith_(artist)
Saatchi Gallery http://www.saatchigallery.com/artists/josh_smith.htm
88
Josh Smith: Currents, 2009.

En sus entrevistas, provoca a los potenciales espectadores con insultos en el caso de
que no les guste lo que hace y les dice que se vayan y abran una tienda de
artesana223. Con este gesto ya posiciona su arte puramente en el mundo de las ideas.
Dice tambin que crea su arte para ser odiado, que es evidente que un cuadro con
flores no puede ser odiado, por eso coloca tambin su nombre224. Las piezas de arte
que hace, las hace para probar que existe a su manera, que es l, hace arte para
sentirse incmodo l mismo225. Hacer este tipo de obras, para l, es un estilo de vida.
Aunque sus composiciones pueden parecer de una persona enfadada, y sus
respuestas y reacciones tambin, l insiste en decir que su inspiracin viene de un
lugar positivo y que se considera una persona feliz226. Segn el NY Times, Smith es
una persona "resbaladiza", que produce arte fusionando expresionismos varios del
siglo XX con el apropiacionismo de Richard Prince, incluso con arte gestual227. Tiene
fama de persona difcil, de no atender los eventos de sociedad y de no mantener
contacto visual durante una conversacin, pero es un artista que sale en la prensa
econmica como The Economist228. Tambin hay prensa que mencionan a Smith
como el "nio protegido" del coleccionista Peter Brant, muy bien conectado dentro del
mundo del arte neoyorquino229. La participacin en una exposicin llamada "Ms
jvenes que Jess" (2009) 230 al estilo de la Withney Biennial, que da a conocer
artistas jvenes, fue lo que le dio la fama.
223
224
225
226
227
228
Interview Magazine http://www.interviewmagazine.com/art/josh-smith/#_

NY Times http://www.nytimes.com/2013/10/11/arts/design/josh-smith.html?_r=0
The Economist http://www.economist.com/blogs/prospero/2011/06/art-josh-smith
229
New York Observer http://observer.com/2011/04/art-world-bad-boy-josh-smith-is-peter-brants-newprotg/

230
New York Times http://www.nytimes.com/2009/04/10/arts/design/10trie.html?pagewanted=all
89
Josh Smith:Untitled, 2006. leo sobre lienzo. 152.4 x 121.9 cm

La pieza de Smith que se encuentra en el MoMA obedece a todos los aspectos
expuestos en torno a su obra, una vista extrema de su nombre, a modo de narcisismo
que se puede traducir en un cuestionamiento de qu es arte y de generar incomodidad
a partir de esta pregunta.
90
Josh Smith:Name Print I (WHE-JS#15), 2009. Monotipo. 80.01 x 56.69 cm
Josh Smith:Untitled, 2007. leo sobre lienzo. 152.4 x 121.9 cm
91
Richard Tuttle (Estados Unidos, 1941): Walking on Air, 8 (Andando sobre Aire, 8),
2008.
Algodn, caucho, cuerda. 58.4 x 317.5 cm. (en dos partes).
http://www.youtube.com/watch?v=-0F5Nq1vmg8,
http://www.youtube.com/watch?v=A17a5_0vuK4,
http://www.youtube.com/watch?v=G4hll1lKAk0,
http://www.youtube.com/watch?v=ZfHZ6lW_vl8
Tuttle es considerado un artista post minimalista que produce piezas de tamao

pequeo, delicadas y poticas231. Sus cuadros monocromticos, formas geomtricas,
fueron mostrados en una primera gran exposicin al Withney Museum, comisariada
por Marcia Tucker en 1975. Desde entonces, ha producido muchsima obra,
participando en tres ediciones de la Documenta, tres ediciones tambin de la Bienal de
Venecia y en tres ocasiones ha expuesto tambin a la Withney Biennial. Se le
considera maestro de muchos artistas, con categora de filsofo, como Kiki Smith, Jim
Hodges, Tom Friedman... La bsqueda de significado como resultado de la
combinacin mltiple de las artes, poesa, dibujo, pintura y escultura ha sido la
premisa constante en su obra, para producir piezas que se acerquen al espectador
desde la vertiente ms ntima y tranquila . "Mucho de su trabajo es mejorar lo que
hace",232 l busca el punto de artesana en la obra que produce, la hace desde dentro
de s mismo, desde el punto ms romntico del artista.
La obra de Tuttle en el MoMA se corresponde con su produccin ms reciente, cuando
ya ha incorporado otros elementos en sus cuadros, como cuerda, ropa....
La visualizacin de la ilusin233 en su ltima produccin, con la incorporacin de
231
232
233
Wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/Richard_Tuttle
Art21 https://www.youtube.com/watch?v=ZfHZ6lW_vl8 (minut 2:23)
Art21 https://www.youtube.com/watch?v=ZfHZ6lW_vl8 (minut 3:50)
92
elementos como la ropa o la cuerda, hace que d un paso ms en su bsqueda por la

mejora artstica de lo que quiere contar y transmitir. En un punto entre el Minimalismo
y el Arte Povera, crea obras de escala pequea para evocar sentimientos poticos y
de reflexin en el espectador. El nombre de esta pieza, "Caminando sobre Aire, 8"
pertenece a una serie donde el equilibrio entre los dos paneles combinados en los que
asocia arte y espacio, le acerca a la mitologa mediterrnea y le aleja del mundo del
arte tpico que slo asocia arte y tiempo234. l mismo se remite a Lucio Fontana, de
quien dice que ha demostrado que el espacio no se puede percibir fuera del arte, para
Fontana, el espacio es ms un concepto que un material, ya que en Amrica el
espacio es cemento235. Esta obra, sostenida en el espacio sin andamio, clavada con
chinchetas, pertenece a esta ltima serie donde los dos paneles de tela combinan
dicotomas236 entre lo abstracto y la realidad, como un nuevo manifiesto esttico.
234
Art in America http://www.artinamericamagazine.com/news-features/interviews/richard-tuttle-walkingon-air-pace-wildenstein-1/

235
Art in America http://www.artinamericamagazine.com/news-features/interviews/richard-tuttle-walkingon-air-pace-wildenstein-1/
236
Art Observed http://artobserved.com/2009/03/go-see-walking-on-air-by-richard-tuttle-atpacewildenstein-through-april-25-2009/
93
Charline von Heyl (Alemania, 1960): Igitur (Pues), 2008. Polmero, sinttico sobre
lino. 208.3 x 188 x 3.8 cm. http://www.youtube.com/watch?v=3ddIreXQMlw,
http://www.youtube.com/watch?v=7F70ryqc3eo
Von Heyl es una artista conocida por su pintura abstracta, tambin desarrolla dibujo,
grabado y collage237. Incluida en el nuevo grupo de mujeres artistas que marcan pauta,
como Koether y Humphries (incluidas tambin en esta recopilacin), su trabajo, sin
realizarr bocetos previos, produce piezas manuales, ya sea sobre fotocopias,
fotografas, etc... La artista explica su camino hacia la abstraccin en el hecho de
inventar algo que no se haya visto nunca antes238. Quiere crear sorpresa, no slo en el
espectador, sino tambin en ella misma. Produce a menudo, obras en las que el
tamao viene dado por donde alcanza su brazo, es decir dos metros mximo de altura
para el doble del radio de accin de su brazo horizontalmente239. Este hecho, en
conexin con el arte gestual y la performance, hace que comience con una imagen
reconocible y visible, que en el proceso de pintar encima lo hace no reconocible y
donde el acto de la pintura acta como principio activo y organizativo de la
composicin de la tela240. El ejercicio del espectador se encuentra en el proceso
inverso, intentar reconocer la figuracin escondida detrs de la abstraccin, por si este
camino fuera realmente lo importante. Por ello, las obras de von Heyl llevan en ellas
237
238
239
240
Wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/Charline_von_Heyl
Frieze.com http://www.frieze.com/issue/article/its_own_reality/
94
un conflicto inherente. 241

La obra del MoMA, Igitur, contiene el ttulo de un poema de Stphane Mallarm. Fue
un poema en el que l trabaj durante aos y que lo dej inacabado. Para von Heyl el
nombre contiene varias capas de significaciones242, desde su pronunciacin hasta la
captura de alguna parte de la pintura. El poema habla de la imposibilidad de hacer
arte, y del arte como suicidio. Mallarm es un poeta que la tiene obsesionada, y
leyendo Maurice Blanchot, obsesionado con Mallarm tambin, quera conectar con su
pathos mediante la obra. Es una pintura oscura, con visceralidad que quiere que vaya
directamente a la mente del espectador para que saque sus propias conclusiones. En
el fondo, ella dice que siempre hace el mismo cuadro una y otra vez243, con gestos y
direcciones diferentes, lo que le da un punto no controlado a la pintura, un punto
primitivo que dota de una centralidad similar a sus cuadros.
Charline von Heyl: Blacksmile, 2013. leo, acrlico y carboncillo sobre lienzo. 208.3 x
198.1 cm
241
242
243
Bomb magazine http://bombmagazine.org/article/3655/charline-von-heyl
Bomb magazine http://bombmagazine.org/article/3655/charline-von-heyl
95
Charline von Heyl: Pink Vendetta, 2009. Acrlico y leo sobre lino. 208,3 x 182,9
cm.
96
El Anatsui (Ghana, 1944): Bleecing Takan II (Takan Sangriento II), 2007. Aluminio e hilo de
cobre. 393.7 x 576.6 cm. http://www.youtube.com/watch?v=z271K6iqv8w,
http://www.youtube.com/watch?v=G7UBvknG8c4,
http://www.youtube.com/watch?v=FzenSFQuiBA,
http://www.youtube.com/watch?v=_d3RIE195JI,
http://www.youtube.com/watch?v=5I7XZL9KjFQ
Anatsui funde en sus piezas artsticas la historia del colonialismo244, su propia (a
caballo entre Ghana y Nigeria- despus al primer mundo) con el reciclaje del mundo
de hoy, el readymade y, todo ello lo sita en un universo, nuevo e inexistente (al
tiempo que visualizable), entre el primer y el tercer mundo. El consumismo, el alcohol
utilizado por los europeos para obtener productos africanos, la esclavitud, los flujos
materiales y humanos, todo est reflejado en sus piezas. El alcohol y su referencia son
muy importantes como elemento de intercambio en el mundo del trfico de esclavos
de siglos pasados. El post colonialismo o el aprovechamiento que el primer mundo
hace, an hoy, de la explotacin de recursos textiles o materias primas con el cambio
de valor de lo que vale y lo que se paga, se inserta tambin en su discurso artstico.
Nacido en Ghana, ahora residente en Nigeria, crea piezas hechas con las chapas y
precintos tirados por las destileras nigerianas, materiales con los que crea piezas
cuadradas que une entre s con hilo de cobre para tejer, a modo de tapiz, una
escultura blanda, modificable en su forma expositiva, con los tonos dorados y brillantes
que tanto remiten a la (falsa) riqueza que se interpreta a primera vista. Diferencia entre
lo que parece y lo que es, entre lo que hay y de donde proviene la materia para hacer
sus piezas. Puede llegar a crear obras que cubran todo un edificio, como en el caso
del Palacio Fortuny de Venecia en 2007. Hay que mencionar tambin que el mismo
MoMA menciona que las piezas son realizadas por Anatsui y su equipo de
asistentes245, hecho muy destacable en el mundo del arte de hoy. Esta especfica
resea es importante en tanto que su trabajo es una pieza de arte colaborativa, y que
244
245
MoMA.org http://www.moma.org/collection/object.php?object_id=116286
97
se expone haciendo visible este aspecto. La mayora de artistas de hoy tienen un

equipo de asistentes, pero en ninguna parte esto es expresado con esta claridad, lo
que hace que la obra sea tambin diferente por la forma en que se cuenta. l no duda
nunca en mostrar el estudio donde estn sus asistentes trabajando, en silencio y en
una actitud "de reflexin y pensamiento"246. Crean piezas resistentes y aprenden
cmo construir "bloques", unidades pequeas hechas por una persona, que unen
despus; por lo tanto la pieza es tambin una expresin de cada uno a modo
plenamente cooperativo; tambin en la composicin esttica247
.
El Anatsui: Earths Skin, 2007.

Esta obra, Takan Sangriento II, es un tapiz maleable con las piezas colocadas de una
manera dramtica a modo de heridas abiertas, casi como un mapa mundi sangriento,
donde los regueros llegan hasta el suelo y se encharcan. Takari es una palabra de
ficcin creada por el mismo Anatsui248, sin referente pero con un sonido que puede
evocar una palabra en una lengua extranjera lejana del mundo anglfono. Los tonos
brillantes del tapiz y los dorados laterales pueden remitir a un lujo, como el Art Dec
viens de Klimt, pero que al acercarnos se percibe que es completamente diferente,
que es una revisin de esta textura en un entorno, espacio y con una historia
completamente diferentes. Lo sangrante da un tono dramtico a la pieza como si el
lamento de cmo funciona el mundo hoy o de lo que ha pasado antes, tuviera que
expresarse mediante estas heridas abiertas.
246
247
248
Art 21 https://www.youtube.com/watch?v=_d3RIE195JI (minut 1:27)

Art 21 https://www.youtube.com/watch?v=_d3RIE195JI (minut 4:23)
98
El Anatsui: Broken Bridge II, 2012.
99
El Anatsui: Fresh and Fading Memories, 2007. Metal reciclado y alambre de

cobre. Instalacin en el Palazzo Fortuny
100
Rachel Harrison (Estados Unidps, 1966): Alexander the Great (Alejandro Magno), 2007.
Madera y materiales diversos. 31.1 x 221 x 101.6 cm.
http://www.youtube.com/watch?v=Aexy1Nq_7xc,
http://www.youtube.com/watch?v=4SREQ1CE_1Y
Las piezas de Harrison son obras compuestas de objetos encontrados y otros creados
especficamente para cada pieza249. El hecho de que sus obras sean producto del
ensamblaje puro hace que se tengan que reconsiderar los valores siempre asociados
al arte hasta ahora250, como la preservacin, el valor, el canon y el futuro. El culto
occidental tradicional a "la estatua"251 es uno de los temas que intenta reducir a la
escala humana por el hecho de hacerlo con materiales no nobles y ostensiblemente
situados encima de un pedestal. En su inters por la historia del arte252, ella estudia las
convenciones del arte figurativo de las estatuas reducindolo al concepto de ttem
vertical sobre un pedestal.
Los maniques, los caballos, todo es sustituible por materiales actuales que hagan el
mismo efecto, lo que la conecta con el ms puro estilo dad y surrealista donde todas
las parodias eran bienvenidas253. La provocacin es uno de los efectos constantes en
su obra, crea debate sobre qu es el arte y lo recuerda constantemente con la
249
250
251
252
253
Wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/Rachel_Harrison
Wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/Rachel_Harrison
Hawkins R. (2008) Parkett 82. Rachel Harrison Pg 120
101
reiteracin de los pedestales donde sita sus obras254. Los elementos que sita en sus
obras, no son objetos puros de reciclaje, tampoco slo de basura, tienen una ptina
especial, como una nueva categora de desechos, la categora que surgira justamente
de los productos que se encuentran en las tiendas de los museos255. Harrison explora
la jerarqua entre el valor cultural y lo que expone256, producto de un estudio minucioso
de la cultura, la historia y la sociologa que hace converger en sus esculturas. As
tambin, todo este universo lo desarrolla tambin con los dibujos, semejantes a actos
improvisados donde rinde culto a los objetos que pueblan las ciudades y el uso que se
hace de ellos.
En su serie de nueva replicacin de dolos histricos como Americo Vespucci, Attila,

tambin filsofos como Levi-Strauss se encuentra la pieza del MoMA, Alejandro
Magno. dolo despojado de toda su pica, est rodeado por una capa y situado sobre
una piedra (a modo de pedestal) pintado con muchos tonos y colores diferentes, en un
estilo reconocible hoy de desfile ms bien que de escultura. El maniqu asexuado se
refiere al machismo recurrente en la historia del arte, y la papelera que sostiene, en el
fetichismo de la acumulacin materialista, en forma de pergaminos para tener ms
categora, pero que se puede reducir a puro objeto, y asimilarlo a otros objetos, de hoy
o de antes, que han perdurado siempre en el tiempo.
254
Smith. R. NY Times (2007, 23 febrer)

http://query.nytimes.com/gst/fullpage.html?res=990CE6DC103EF930A15751C0A9619C8B63
255
Frieze.com https://www.frieze.com/issue/article/moving_targets/
256
Frieze.com https://www.frieze.com/issue/article/moving_targets/
102
Mike Kelley (Estados Unidos,1954-2012): Kandor 13, 2007. Tcnica Mixta/Vdeo

243 x 252x 306.3 cm. http://www.youtube.com/watch?v=D6D6lmIMyyc,
http://www.youtube.com/watch?v=w3E0_C-y9ng,
http://www.youtube.com/watch?v=UjINHhbfqMI, http://www.youtube.com/watch?v=bgcSt5UIuw, http://www.youtube.com/watch?v=Fc3hdDNJsLw
https://www.youtube.com/watch?v=qTFi2l651rU
Kelley es un artista conocido especialmente en el campo de la performance257. Su
universo artstico es muy variado y aglutina desde el readymade de objetos
encontrados, hasta collages, instalaciones y vdeo. Ha realizado trabajos en
colaboracin con otros artistas como Tony Oursler y Paul McCarthy. Tambin ha sido
crtico de arte en NY Times258. Su obra gira a menudo en torno al gnero y la
normalidad259, dos ejes que entendemos bsicos en nuestra sociedad y que hacen que
todos los elementos sociales de nuestro mundo tomen estos dos temas como puntos
de centralidad. A partir de aqu, cualquier desviacin de esta centralidad es etiquetada
y categorizada bajo conceptos negativos como la perversin y la criminalidad, por citar
algunos ejemplos. La desviacin de la normalidad la muestra dentro de los parmetros
de la irona, la poesa y el humor para generar preguntas al espectador al respecto de
lo que ve y de cmo se relaciona consigo mismo. Kelley quiere mostrar la lucha (por
no decir guerra) por el control del significado de la historia, y de cmo esto nos
afecta260. Kelley muestra cmo las historias menores, que no se explican en la historia,
son parte protagonista y existen de forma parasitaria261 de la gran historia que se
257
MoMA.org
http://www.moma.org/collection/browse_results.php?criteria=O%3AAD%3AE%3A3045&page_number=&t
emplate_id=6&sort_order=1 [4 maig 2014]
258
Wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/Mike_Kelley_(artist) [7 maig 2014]
259
260
261
Wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/Mike_Kelley_(artist) [7 maig 2014]

Artdes.com http://www.artdes.monash.edu.au/globe/issue7/doctxt.html [4 maig 2014]
Artdes.com http://www.artdes.monash.edu.au/globe/issue7/doctxt.html [4 maig 2014]
103
explica, lo que la modifica y hace que reflexionemos en cmo construimos nuestra

propia historia.
Su obra Kandor 13, pertenece a la serie Kandor Project, donde habla del pueblo de
Kandor, en el planeta Krypton de donde escap Superman. Las obras de esta serie
son elementos narrativos de la historia del pueblo de Superman, fragmentados, donde
cada una tiene un nmero de realizacin, que con el tiempo desde que comenz la
serie en el ao 2000 ha ido mostrando diversos aspectos de la vida, las tradiciones de
Kandor y su destino: maquetas del pueblo, modos de vida, la encapsulacin del malo
Brainiac262 proyecciones de la explosin del planeta... Todo ello para mostrar el origen
del pueblo y planeta de Superman y qu legado nos deja histricamente. Expuesto
bajo los conceptos lumnicos de la teora del color de Goethe263, con contrastes
lumnicos y brillos concentradas, con objetos que representan edificios o relicarios
antiguos, semejantes a formas que hoy tienen uso en nuestro mbito cotidiano, Kelley
acta bajo el concepto romntico de la obra total, el destino y la salvacin del hroe, el
mito, la utopa que ha quedado todo diluido en la cotidianidad absurda de la
americanidad ms trivial264. Las cpsulas como smbolo de alienacin mezclado con
prototipos de futuro a la vez que escombros del pasado265. Maquetas diferentes que
todas ellas remiten a Kandor como lugar nico, en la paradoja266 de la diferencia para
resaltar el nombre mismo que las une. La bomba de aire para mantener al malo en
vida, ya que sin malos no hay bondad para ser identificada.
Projecte Kandor
262
Hamptons Art Hub http://hamptonsarthub.com/2013/10/24/visual-diary-the-kandor-project-by-mikekelley/ [4 maig 2014]

263
Frieze.com http://www.frieze.com/issue/review/mike_kelley2/ [4 maig 2014]
264
Frieze.com http://www.frieze.com/issue/review/mike_kelley2/ [4 maig 2014]
265
Interview Magazine Frieze.com http://www.interviewmagazine.com/art/mike-kelley#page2 [4 maig

2014]
266
Interview Magazine Frieze.com http://www.interviewmagazine.com/art/mike-kelley#page2 [4 maig
2014]
104
Mike Kelley: City 0000, 2009-2011. Detalle.
Mike Kelley en la Skarstedt Gallery, New York, septiembre 2012
105
Efrain Almeida (Brasil,1964): Pintinhos Chicks- (Pollets), 2006-7. Madera y leo.

32 piezas de 7.9 x 14 x 14 cm. http://www.youtube.com/watch?v=QcM9hoydFHg,
http://www.youtube.com/watch?v=9HXuDuD3DUQ
Almeida es un artista multidisciplinar que toma, a menudo, su cuerpo como modelo
para hacer esculturas de dimensiones diversas, de dimensin pequea, en madera,
para mostrar la moral entre el cuerpo que tenemos, el que queremos y a qu prcticas
lo sometemos. De esta manera tambin habla de la socializacin de las personas, de
los mundos que los rodean y de qu entornos crean. Sus piezas, inspiradas en la
artesana hecha por artesanos del noreste de Brasil, habla de lo que entendemos por
la baja cultura y por los smbolos psicolgicos que se imbuyen en los objetos267. La
conexin hombre-naturaleza. Tambin reflexiona sobre la escultura estatutaria,
haciendo pies gigantes para piezas muy pequeas, en lo que nos interroga sobre lo
qu adulamos y sobre los homenajes que hacemos y a qu figuras adoramos
socialmente.
Esta obra del MoMA remite a una serie de esculturas de pequeo formato que
proyectan flashes de memoria, como imgenes de su infancia, en el recuerdo de un
presente en el que este mundo est destinado a la extincin. Esta serie se present
bajo el nombre de "paisaje"268 en el que se expona esta serie de pollitos y otros
animales, como una cabra, en clara alusin a la cabra de Picasso269 como
reivindicacin del lenguaje artstico. En esta exposicin haba tambin unos bancos
con patas de animales, objetos hbridos270 que fusionan los conceptos de arte y
funcionalidad, de la metamorfosis del mbito domstico. Los polluelos apelan a
exvotos encontrados en iglesias del noreste del pas en un punto de recuerdo que
busca la complicidad del espectador para elevar a categora de exvoto, animales
considerados antes domsticos, y que ahora pertenecen a un mundo que no se ve,
que se ignora y que tiende a desaparecer.
267
268
269
270
James Harris Gallery http://jamesharrisgallery.com/2004/06/efrain-almeida-sculpture/ [7 maig 2014]

Fortes Vilaa http://www.fortesvilaca.com.br/exposicoes/2007/69-paisagem [7 maig 2014]
106
Efrain Almeida: Auto-retrato, 2009. Madera umburanoa y leo. 24 x7 x10 cm.
107
Frank Auerbach (Alemania,1931): Head of Jake (Cabeza de Jake), 2006-7. leo

sobre lienzo
61.3 x 55.9 cm. http://www.youtube.com/watch?v=ctO0XC31O9A,
http://www.youtube.com/watch?v=lfhcC9iAtpQ,
http://www.youtube.com/watch?v=2jkatl3RhA8,
http://www.youtube.com/watch?v=p72t7cRT_vo
Conjuntamente con Bacon y Freud, Auerbach hizo que Londres fuera el centro del arte
figurativo despus de la Segunda Guerra Mundial, hacia 1950271. La derrota de la
guerra, la reconstruccin de Londres afectara la forma en que l construye su paisaje
figurativo272 . Flujo y reflujo sobre la misma pintura, por acumulacin de materia, hace
que la pintura en s misma contenga un poso de proceso que acumula y significa el
proceso de creacin y destruccin de la figuracin hasta el lmite reconocible. Pinturas
representacionales, que son no-representacionales, es necesario que los ojos se
acostumbren, una vez decodifican lo que se ve273. "Painting is mysterious"274 dice
Frank Auerbach en un documental donde habla de su obra. El misterio que l
manifiestamente expresa para pedir que para entrar en su creacin haya una reflexin
que requiere intentar ver lo que se puede ver; lo que l permite que se vea y se
perciba si se quiere. Los vacos no son vacos, estn llenos de materia significativa.
Creacin y destruccin, dibujo desdibujado por golpes de pincel grueso. l apela al
poder de la pintura misma para rehacer la realidad275. Sus pinturas pueden ser
271
272
273
274
Youtube.com http://www.youtube.com/watch?v=bFrJeaqnj14 [7 maig 2014](minut 2:57)

Youtube.com http://www.youtube.com/watch?v=0LLmN0LTXGU [7 maig 2014](minut 2:22)
Youtube.com http://www.youtube.com/watch?v=0LLmN0LTXGU [7 maig 2014](minut 9:25)
Youtube.com http://www.youtube.com/watch?v=bFrJeaqnj14 [7 maig 2014](minut 0:43)
275
Youtube.com http://www.youtube.com/watch?v=bFrJeaqnj14 [7 maig 2014](minut 9:26) Comentari fet

pel crtic David Silvester
108
pintadas, rascadas y repintadas para expresar lo que exactamente quiere276. La costra

de la emocin es lo que se desprende siempre de su obra.
La obra del MoMA, Head of Jake, se refiere a su hijo, de quien estuvo separado
durante muchos aos por el hecho de la separacin con su mujer277. Una vez ms, su
vida, y, la imagen de su hijo, fueron destruidas y recreadas en la realidad de la
figuracin en su mente y en su realidad. La pintura como medio278 es uno de los temas
recurrentes en su obra; en esta en particular, tambin. Auerbach expresa la intensidad
del carcter, la emocin y el temperamento mediante la pintura misma, con pinceladas
fuertes, que desfiguran al tiempo que transmiten, en una mezcla de retrato al estilo de
Rembrandt y de Czanne al mismo tiempo279. El retrato de la cabeza humana es uno
de sus temas favoritos. Las pinceladas expresan desde el pensamiento al movimiento,
pasando por el trabajo psicolgico interior280 de quien es retratado. Auerbach trabaja
con la pintura hasta que obtiene el mensaje secreto que contiene; que no sabe cul es
cuando comienza, por lo tanto su trabajo no est nunca previsto antes de empezar, y
slo se termina cuando la experiencia es completamente satisfactoria.
276
Prospect Magazine http://www.prospectmagazine.co.uk/magazine/the-secret-structure-of-things-frankauerbach-interview/#.U3EhOcY0vSk [10 maig 2014]

277
The Guardian http://www.theguardian.com/education/2001/sep/15/arts.highereducation1 [10 maig
2014]
278
279
280
109
Frank Auerbach: Behind Camden Town Station, summer evening, 1966.
110

MoMA Obras Siglo XXI 1

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Collective-LOK: Runner-Up: Mirror Mirror, MoMA PS1 YAP 2014

Obras del MoMA 2000-2014

Joan Camps Montaner

Joan Camps: Obras del MoMA del siglo XXI

Joan Camps: Obras del MoMA del siglo XXI

Joan Camps: Obras del MoMA del siglo XXI

Joan Camps: Obras del MoMA del siglo XXI

One Stop Arts http://onestoparts.com/review-thomas-schutte-new-works-frith-street-gallery

Joan Camps: Obras del MoMA del siglo XXI

The Guardian http://www.theguardian.com/artanddesign/video/2012/oct/22/thomas-schutte-interviewvideo

Joan Camps: Obras del MoMA del siglo XXI

aqu el entramado: qu es lo que realmente representa esta obra?. De nios jugamos

One Stop Arts http://onestoparts.com/review-thomas-schutte-new-works-frith-street-gallery

Joan Camps: Obras del MoMA del siglo XXI

Las piezas de Tomma Abts, cuando se presentan colectivamente en un espacio

Joan Camps: Obras del MoMA del siglo XXI

tiempo que las conecta8.

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Jack Shainman http://www.jackshainman.com/artists/nick-cave

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Joan Camps: Obras del MoMA del siglo XXI

quieren dar la sensacin al espectador de "feeling well and healthy"23, mediante la

Tambin mediante la exposicin de sus obras en la galera donde fuerza la evacuacin

Joan Camps: Obras del MoMA del siglo XXI

Segej Jensen: Untitled, 2011. Tejidos cosidos

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Blum & Poe http://www.blumandpoe.com/exhibitions/henry-taylor#images

Joan Camps: Obras del MoMA del siglo XXI

estudi pintura tarde, mientras trabajaba de asistente en un hospital psiquitrico, y al

The Observer http://galleristny.com/2012/01/henry-taylor-paints-a-picture-01272012/

Joan Camps: Obras del MoMA del siglo XXI

estilo libre31, destaca por su intensidad en la conexin con el espectador, precisamente

Joan Camps: Obras del MoMA del siglo XXI

Joan Camps: Obras del MoMA del siglo XXI

Cheyney Thompson (Estados Undots, 1975): Chronochrome Set 10, 2011.

Victoria & Albert Museum http://collections.vam.ac.uk/item/O81340/robert-macaire-dentiste-printdaumier-honore/

Joan Camps: Obras del MoMA del siglo XXI

Instalacin Chronochromes, Data, Motifs" en Rat Hole Gallery, 2011.

Joan Camps: Obras del MoMA del siglo XXI

valor monetario36 de la obra, lo que con algoritmos informticos, construyen un mapa

Cheyney Thompson: Instalacin Chronochromes, Data, Motifs en la Rat Hole

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Cheyney Thompson en la Andrew Kreps Gallery, Junio 2009

Joan Camps: Obras del MoMA del siglo XXI

Huma Bhabha (Pakistn, 1962): Bleekmen (Bleekmen), 2010. Materiales

Art in America http://www.artinamericamagazine.com/news-features/magazine/huma-bhabha/

Joan Camps: Obras del MoMA del siglo XXI

Bhabha crea objetos que son familiares al espectador, se convierten en un espejo

Art in America. http://www.artinamericamagazine.com/news-features/magazine/huma-bhabha/

Joan Camps: Obras del MoMA del siglo XXI

Joan Camps: Obras del MoMA del siglo XXI

Saatchi Gallery https://www.saatchigallery.com/artists/joe_bradley_articles.htm

Joan Camps: Obras del MoMA del siglo XXI

Ms tarde (2011), despus de ser presentado en la Whithney Biennial, presentara dos

Joan Camps: Obras del MoMA del siglo XXI

La variedad estilstica de Bradley, agrupada en series que abandona cuando el inters

Galerie Eva Presenhuber http://www.presenhuber.com/en/exhibitions/2012/Bradley_2012_4.html

Two Coats of Paint http://www.twocoatsofpaint.com/2011/01/joe-bradley-meets-ab-ex.html

Joan Camps: Obras del MoMA del siglo XXI

lienzo54, lo que da una visin emocional y elctrica de la realidad55.

Art in America Magazine http://www.artinamericamagazine.com/reviews/joe-bradley/

Joan Camps: Obras del MoMA del siglo XXI

Kerstin Brtsch (Alemania, 1969): Matchpoint (Punto de Partido), 2010. leo