DA2 Domus Artium 02

Programación julio - septiembre

2010

Adel Abidin: “Tasty” (2007)

- GABRIEL DÍAZ: El círculo y la línea

(Videoinstalaciones)
Del 6 de Julio al 19 de Septiembre
Un proyecto en colaboración con la Fundación ARQ ART
- ADEL ABIDIN: Memory and Assumption (2006-
2010)
(Escultura y videoinstalaciones)
Del 9 de Julio al 19 de Septiembre
Exposición en colaboración con FRAME
-SECRETO y ARTILUGIO Retóricas del objeto en el arte actual
Colecciones de la Fundación Coca Cola y el DA2
(Colectiva: pintura, escultura, fotografía, instalaciones, vídeo)
Del 20 de Julio al 19 de Septiembre
- JOSÉ MARíA BENEÍTEZ: Para-Dos (Pintura)
Del 15 de Julio al 19 de Septiembre
GABRIEL DÍAZ.
El círculo y la línea ( Videoinstalaciones)
Del 6 de Julio al 19 de Septiembre

Un proyecto en colaboración con la Fundación ARQ ART para la

Promoción de la Arquitectura y el Arte

Formado como escultor, Gabriel Díaz (Pamplona, 1968) comienza a

trabajar a principios de los años noventa apropiándose de la poética del
Land Art, pero desde los inicios del siglo XXI está inmerso en un
interminable proyecto centrado en el intercambio cultural y el peregrinaje.

Su exposición del DA2 está dividida en dos partes: en la

primera se mostrarán juntas por primera vez cuatro
monumentales videoinstalaciones centradas en
peregrinaciones relacionadas con los cultos budista, hinduista
e islámico abarcando del monte Kailasa y el lago Manasarovar
a la Cúpula de la Roca en Jerusalén, con la intención de buscar
los valores universales que el “viaje” tiene en cada una de
estas culturas. En este mismo contexto se enmarca la segunda
y más ambiciosa parte de la exposición: Los Caminos de
Santiago en el Camino de Santiago un proyecto de implicación
transnacional que se mostrará simultáneamente entre Julio a
Septiembre de 2010 en varias ciudades españolas de los
diferentes Caminos de Santiago de la península: Santiago,
León, Burgos, Pamplona, Salamanca, La Rioja y Oviedo para
posteriormente continuar su periplo por Europa y América.
Gabriel Díaz ha trabajado en esta obra durante seis años, recorriendo los
tres principales Caminos de Santiago en España: Camino Francés, Camino
Mozárabe y Camino del Norte y los tres caminos más relevantes del resto
de Europa. Para la ejecución de su obra, recorrió a pie las rutas, tomando
una fotografía cada once pasos y montando posteriormente estas fotografías
a través de un programa de edición de vídeo.. “Los Caminos de Santiago en
el Camino de Santiago” abarcará por lo tanto un recorrido total
deaproximadamente 5.000 Km dando lugar a una video-animación formada
por 5 millones de fotogramas y más de 6.000 horas de edición en vídeo

Del 15 de Marzo al 15 de Mayo de 2011 el proyecto se exhibirá en

Alemania, Francia, Portugal, Italia, Reino Unido, Finlandia, España,
Rep.Checa y finalmente del 25 de Julio hasta finales de Septiembre en el
continente americano: Brasil, Argentina, México, Chile, Venezuela, Cuba,
Estados Unidos, Canadá.

Gabriel Díaz ha expuesto en las más prestigiosas instituciones, entre las

que destacan el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía MNCARS, el
Museo Guggenheim de Bilbao, CGAC, Artium de Vitoria, la LABoral de
Gijón o MUSAC. Su obra está presente en las colecciones del MNCARS,
la Fundació La Caixa, Artium, MUSAC, CGAC o la Fundación AENA
entre otros. Gabriel Díaz acaba de recibir el premio al Artista Revelación
2010 otorgado por la revista "Descubrir el Arte".
ADEL ABIDIN
Memory and Assumption (2006-2010)
Del 9 de Julio al 19 de Septiembre
Exposición en colaboración con FRAME
Comisarios: Marketta Seppälä y Javier Panera

Ping – Pong (2009)

Tras su exitosa participación en la Bienal de Venecia de

2007 y su reciente retrospectiva en el Kiasma de
Helsinki el DA2 presenta la primera exposición en
España del artista iraquí Adel Abidin (Bagdad 1973). Un
proyecto que reúne las instalaciones más importantes
realizadas por este artista entre 2004 y 2010.

Una característica específica de la escena cultural árabe de la última

década es la emergencia de una generación de artistas que en su mayoría
residen y trabajan en ciudades europeas, cuya sensibilidad está definida por
el entrelazamiento –pero también por la distancia- de los hilos culturales y
emocionales entre su país de origen y el de acogida. Adel Abidin podría ser
un ejemplo significativo de esta situación pues comenzó estudiando en la
Academia de Bellas Artes de Bagdad y por diversas circunstancias
personales terminó en la de Helsinki, ciudad donde vive y trabaja; siendo
precisamente de esa experiencia de dobles orígenes y culturas de donde
surge su inspiración artística, caracterizada por un nomadismo espacial y
cultural, que también afecta a muchos artistas iraquíes de su generación que
han huido de la represión y la guerra.

Memorial (2009)

“He llevado a Irak en mi interior todo el tiempo desde que me marché hace
casi nueve años (…) pero cuando te vas de tu hogar, el lugar que alberga
tus recuerdos, no serás capaz de pertenecer a ningún otro sitio jamás.
Pertenezco al tiempo, viajo dentro del tiempo y eso hace que esté muy
unido a todo lo que veo o incluso recuerdo, porque todo tiene un valor
completamente diferente. (…) Si estoy utilizando un recuerdo, veo ese
recuerdo como un símbolo que podría estar en Irak o en cualquier otro
lugar del planeta (…)1”.
Sobre este particular Adel Abidin ha mantenido siempre una actitud lúcida
no exenta de crítica, tanto en el análisis de su país de origen como en el de
su país de adopción. Tal paradoja alcanza su máxima expresión cuando,
pese a serle denegada en repetidas ocasiones el derecho de ciudadanía por
el gobierno finlandés, llega a representar oficialmente a Finlandia en la
Bienal de Venecia de 2007 con la obra Abidin Travels (2006) una
sarcástica agencia de viajes con destino a Irak durante la última guerra.

Aunque el recurso a la ironía y el sarcasmo aparecen a menudo en las

obras en las que Adel Abidin habla de su país, son más bien la poesía y una
amarga sensación de distancia y sentimiento de pérdida los rasgos que
caracterizan su práctica artística. En su caso podemos afirmar sin temor a
1
Entrevista con el artista realizada por Brahim Alaoui en el catálogo editado con motivo de su
exposición en el Kiasma de Helsinki entre febrero y abril de 2010.
equivocarnos que “lo personal es político”, pues su obra formula preguntas
existenciales, en las que las heridas de la memoria y la experiencia del
exilio confieren una perspectiva muy íntima a cuestiones de alienación
cultural, aislamiento y marginalidad.

Foam (2007)

En un mismo orden de cosas, algunas de las obras más interesantes de este

artista ponen en evidencia cómo muchas de nuestras prácticas vitales son
simbólicas y pueden, en un nivel extremo, parecer inútiles: “yo mismo
pienso en la vida como en un teatro en el que ponemos en práctica nuestras
ideas, pero cuando nos enfrentamos a la realidad descubrimos que hay
muchas cuestiones contradictorias a nuestro alrededor (…)”.
Ping Pong (2009)

“Secreto y Artilugio”
Retóricas del objeto en el arte actual
en las colecciones de la Fundación Coca Cola y el DA2
Artistas participantes: Janine Antoni, Joseph Beuys, Bestue / Vives, Txomin
Badiola, Felix Curto, Susana Solano, Perejaume, Peio Irazu , Pep Agut, Pepe
Espaliu, Pep Llambias, Mona Hatoum, Laura Lio, Juan Múñoz, Jorge Barbi,
Joao Penalva, Javier Baldeon, Jaume Plensa, Jaime de la Jara, Guillermo
Paneque, Gonzalo Sicre, Eva Lootz, Chema Alvar González, Helena Almeida,
Manuel Saíz, Les Levine, Adelina Lopes, José Bautista Marques, Jason Rhoades,
Alicia Martín, Javier Utray…

Del 20 de Julio al 19 de Septiembre

Chema Alvar González Eva Lootz

“Secreto y Artilugio” reúne las obras de una treintena de artistas

nacionales e internacionales pertenecientes a las colecciones del DA2 y
la Fundación Coca Cola en la que se exploran las posibilidades
plásticas y semánticas del objeto en el arte actual.

Cuando un objeto cotidiano –manipulado o no- se descontextualiza del

ámbito y de la función para la que fue creado y se sitúa en el territorio del
arte, inevitablemente se producen equívocos y paradojas que a algunos les
desconciertan y a otros les arrancan una sonrisa.

Pasar de la “representación” a la “presentación” del objeto o de sus partes

transformadas en “inquietantes artilugios” responde a un cambio de
discurso en el cual el arte supera la imagen como soporte del objeto para
presentar al objeto en su materialidad pura o manipulada sutilmente, -casi
en secreto-. Hablamos en suma de una materialidad “abierta al sentido
indefinido” como decía Maurizio Nannucci, que se constituye en el eje
temático de esta exposición, obligando al espectador a mantener una
posición más activa –y en consecuencia más crítica- frente a aquello a lo
que llamamos “arte”.

Manuel Saiz

En 1917 Marcel Duchamp provocó un gran escándalo al elevar un urinario

a la categoría de “obra de arte” incluyéndolo en una exposición colocado
sobre una peana bajo el título de Fontaine (1917). Unas décadas después
Andy Warhol realizó una operación similar con las cajas de detergente
Brillo y las latas de sopa Campbell. El resultado fue mucho más allá de la
provocación, y sentó las bases –todavía hoy vigentes– de un nuevo
régimen estético y un nuevo concepto de artista según el cual la idea está
por encima de la manufactura. Las exposiciones se llenan de objetos
cotidianos sacados de contexto consiguiendo que el espectador llegue a
cuestionar la realidad y el modo en que ésta se percibe. Duchamp sitúa
objetos cotidianos y sin valor artístico en contextos poco comunes e
incluso insólitos para subrayar que el arte guarda mayor relación con las
ideas que con las cosas y Warhol ahonda en las paradojas que estos
“gestos” suponen al demostrar que en estas exposiciones se pasa
rápidamente de la cosa al objeto y del objeto al producto… se oscila sin
cesar del uno al otro, entre ironía y cinismo, crítica y demostración,
contestación y fascinación estética. Se trata al mismo tiempo de una
reevaluación de la noción benjaminiana de “aura”, que en realidad no se
habría perdido en la sociedad actual sino que se habría extendido a cada
reproducción o a cada gesto creativo…
El propio Duchamp afirmó que con sus ready-made buscaba desalentar un
trato estético, y que la corriente neo-dada los reutilizaría después para
descubrir un valor estético en ellos: "Yo les lancé a la cara el sacacorchos
y la taza como provocación, y ahora lo admiran como lo bello estético."

Jorge Barbi
A partir de este método de análisis, los objetos se van transformando ante
nuestros ojos en reflejos de la visión contemporánea. A veces nos hablan de
la experiencia del entorno inmediato o nos hacen reflexionar sobre su
función y sobre los efectos de la sociedad de consumo; o plantean
cuestiones como la inutilidad de la obra de arte, o las fronteras entre arte y
diseño, o se convierten en metáforas, en símbolos y reivindican su
individualidad o la de sus creadores…

Pepe Espaliu Pep Llambias

JOSÉ MARíA BENEÍTEZ
Para-Dos
(Pintura)
Del 15 de Julio al 19 de Septiembre

José María Beneítez es un artista de amplia y contrastada trayectoria que

pasa por ser uno de los autores más reivindicables de la plástica salmantina
actual, su visión irónica y desmitificadora de la pintura lo convierten en un
creador imprescindible para entablar debates sobre el estado actual del arte
contemporáneo.
Esta exposición reúne bajo el enigmático título: “Para-Dos” una
monumental instalación pictórica integrada por más de 50 cuadros de
diferentes formatos con los que pone en escena obsesiones estéticas,
citas a artistas famosos y reflexiones sobre la sociedad y el sistema del
arte que le han preocupado a lo largo de su carrera.

Instalación Pictórica. José Mª Beneitez

Proyecto “Audioscapes”
Luis J. Casado: FRACKTR + MUST GO NOW /
CHIMPHONY

Del 15 de Julio al 19 de Septiembre

El proyecto “Audioescapes” plantea cada 4 meses a músicos y

artistas visuales el reto de crear piezas sonoras de corte ambiental-
experimental para entornos específicos del edificio del DA2.

Tras la intervención de Chema Alonso en el vestíbulo del museo

con una pieza sonora que dialogaba con una de las instalaciones de
la exposición Merrie Melodies, el artista sonoro salmantino Luis J.
Casado se apropia del mismo espacio con una pieza de música
electrónica que bascula entre el minimalismo y el ambient
aislacionista, sin renunciar a cierta ensoñación pseudosicodélica.
(EXPOSICIÓN YA INAUGURADA EN MAYO)

Mayo – Septiembre 2010

Espacio Emergente
Sol Martínez
Esta joven artista argentina, afincada desde hace años en Salamanca
presenta un conjunto de poéticas esculturas y bajorrelieves en cerámica
blanca en las que conviven la austeridad y el rigor minimalista con el culto
a esos objetos cotidianos que activan los afectos y los mecanismos de
nuestra memoria. La artista nos invita a hacer un viaje hacia la esencia de la
realidad más íntima. Se trata de una obra que nos habla en voz baja e invita
al espectador a realizar una lectura serena sobre la realidad.

Escultura de cerámica de Sol Martínez