004 GIUGNO 2010

FREE PRESS

ARTE MIGUEL ÀNGEL MARTÌN - UN OSCURO SCRUTARE

VISIONI U.S.A. - IDENTITÀ E ALTERITÀ NELLA FOTOGRAFIA
LIBRI EFFETTO ROTH
THE TRAVEL THAT NEVER STOPS

www.toogo.tv
 COPERTINA
MIGUEL ÀNGEL MARTÌN - UN OSCURO SCRUTARE 06

VISIONI
LA NUOVA CARNE 10
THERE’S A PLACE IN HELL FOR ME AND MY FRIENDS 12
RICHARD KERN, IL GUSTO DELL’IRONIA E DEL PORNO 14
CATHERINE OPIE, IDENTITÀ E ALTERITÀ SCRITTE SUL CORPO 16
PHILLIP TOLEDANO, QUINDICI MINUTI CON MIO PADRE 17
CENERENTOLA (POP)ULAR 18
AMORE E MORTE NELL’OTELLO COLONIALE 19
IDENTIKIT - CHIARA MAZZOCCHI 20
E-COMICS: L’EVOLUZIONE DEI FUMETTI PASSA PER IL WEB 23
DEATH LIKES TV 24

LIFE
SPIRITO A PEZZI 26
PUGLIAECCELLENTE.COM 28
MY OWN PRIVATE ELEGANCE 30

CONTENT
ISSUE
004

ISDLAB
EROS, (ETHOS) E THANATOS: VIDEO-AMORE E VIDEO-MORTE 36
IL DIALOGO PROGETTUALE, TRA GENESI E DISTRUZIONE 38
EROS E THANATOS VITA E MORTE 42
AMORE E MORTE, L’ETERNA CONTRAPPOSIZIONE 44

ARTE
MORE TO LOVE - L’AMORE AL TEMPO DEL POP SURREALISMO 46
I GRANDI LEGNI DI ANDREA BRANZI 48

MUSICA
FROM CAGE TO US. FROM US TO CAGE 50
DISFUNZIONI MUSICALI 52

HI-TECH
TU SEI QUI! (TI ABBIAMO CERCATO OVUNQUE) 54

LIBRI
EFFETTO ROTH 56
ADAM THIRLWELL - LA FUGA 58
04
POOL
GIUGNO/EDITORIALE
EDITORIALE
di Roberta Fiorito e Michele Casella
”Voglio un amore doloroso, lento,
che lento sia come una lenta morte,
e senza fine, voglio che più forte sia della morte
e senza mutamento”
(Gabriele D’Annunzio)
Incomprensibili e sfuggenti, precari e nascosti. Tanti,
i volti dell’amore moderno. Amori ribelli, scapigliati
ma intrisi di una spiritualità dal sapore antico.
Si nutrono di solitudine e di bruciante passione,
sono droga della mante e dell’anima. Come delle
moderne favole per adulti, in cui i protagonisti, al
confine fra il sano e l’insano, tessono rapporti che
oltrepassano il limite del bon ton e del perbenismo,
dove l’erotismo si fa gioco, prescinde le regole e
sconfina in una surreale intimità, intrecciando
sesso, possesso e matrimonio dei sensi. (R.F.)
Prodotto di nicchia per antonomasia, l’arte visuale
contemporanea è l’emblema della smania da
fagocitosi che il mercato impone a qualunque livello.
In questo senso, anche un modello di ispirazione
legato alle più intime paure ed al più ambìto dei
desideri è ormai diventato un clichè da quattro
soldi da sfruttare, mercificare, violare, schernire.
Una formula, nel bene e nel male, ancora una volta
popular e (forse proprio per questo) legata al post-
moderno con un nodo scorsoio serrato con ferocia.
Negli ultimi anni, alla scomparsa della sacralità
dei simboli è corrisposta un’esaltazione delle
contaminazioni stilistiche, spesso così irriverenti
ed urticanti da sovvertire i criteri estetici del nostro
tempo. In questo numero di Pool analizziamo il più
classico degli intrecci, quello fra Eros e Thanatos,
declinato attraverso lo spazio artistico e quello del
piccolo schermo, la narrazione a fumetti e il teatro
meno allineato. Opere ed artisti che si distinguono
attraverso una ricerca suggestiva e spesso
dissacrante, capaci di gettare uno sguardo ancora
sorpreso ed incantato alla realtà, trasformandola
da mero simulacro a visione seducente. Opere
create come conseguenza di un’urgenza intima ed
irrefrenabile, forse gli unici elementi oggi capaci
di non ridurre la creazione artistica all’effetto
subliminale tipico di uno spot commerciale. (M.C.)
REDAZIONE PUBBLICITÀ
Michele Casella Direttore Responsabile Imood
Vincenzo Recchia Creative Director Via Cristoforo Colombo, 23 - Putignano (BA)
Irene Casulli Fashion Editor Tel. 080.4054243
Giuseppe Morea Multimedia Developer www.imood.it
Giancarlo Berardi Visual Designer
Vincenzo Pietrogiovanni Caporedattore cinema Vincitore del concorso Principi Attivi Giovani Idee
per una Puglia Migliore
COLLABORATORI
Simona Ardito, Luigia Bottalico, Elisa Caivano,
Emma Capruzzi, Annarita Cellamare, Ennio
Ciotta, Antonello Daprile, Roberta Fiorito, Valeria
Giampietro, Enrico Godini, Paolo Interdonato,
Francesca Limongelli, Ilaria Lopez, Paola
Merico, Simona Merra, Stefano Milella, Pasquale
Napolitano, Daniele Raspanti, Beppe Recchia,
Davide Rufini, Veronica Satalino, Mimma Schirosi.

FOTOGRAFI
Valeria Giampietro, Daniele Raspanti

Stampato presso
Tipografia Romana

POOL
Registrazione n. 31 del 08/09/2009,
presso il Trinubale di Bari
www.ipool.it
Cercaci su Facebook, Twitter, Myspace, Issuu.
06
POOL
GIUGNO/ARTE

01

UN OSCURO
SCRUTARE
minimali ha reinterpretato il legame fra corpo e
LA TRASGRESSIONE macchina, analizzando le mutazioni sociali in atto
di e saturandole di un’ironia decisamente pungente.
Michele Casella CONTEMPORANEA A pochi giorni dalla ristampa italiana del suo
Giorni Felici, lo abbiamo raggiunto via mail per
NELL’OPERA DI MIGUEL un’intervista che è anche un’analisi della sua opera
e delle sue ispirazioni.
ÀNGEL MARTÌN, Il rapporto dei tuoi personaggi con la modernità
L’AUTORE SPAGNOLO e con la tecnologia è spesso il motore delle storie
che scrivi, che visione hai del progresso e della
CHE HA MARCHIATO tecnica?
La tecnologia sta trasformando i rapporti personali
A FUOCO LA SCENA e la maniera di vivere, oltre che la maniera di
pensare. Il progresso tecnologico rende la vita più
EUROPEA DEL FUMETTO comoda e fa diventare la gente più conservatrice,
non solo nel senso letterale del termine, ma
D’AUTORE. anche in quello ideologico. Ma, come è evidente, la
gente non diventa più felice. Secondo me questa è
Creatore di un personaggio memorabile come un’epoca caratterizzata dalla tecnologia e io sono
Brian The Brain e di opere cariche di una creatività molto interessato come artista a queste mutazioni,
inquieta e provocatoria, Martìn ha portato lo ma mi ritengono solo uno spettatore ed un cronista
sguardo oltre quella fragile cortina che ci separa dei miei tempi.
dall’orrore quotidiano di una realtà insostenibile.
Cinismo e amicizia, violenza e amore, lussuria Le mutazioni, fisiche e mentali, sono un’altra
e solipsismo, eros e thanatos, tutti elementi caratteristica delle tue storie, qual è il background
che si scontrano con potenza deflagrante nelle culturale da cui nascono queste “visioni”? Un certo
coloratissime tavole delle sue opere, affrontando cinema di qualche anno fa, la tua cultura scientifica
temi di vita comune (come la solitudine e i rapporti o la letteratura pulp?
affettivi) o di più ampio respiro (esclusione Il background culturale di queste ‘visioni’ è dovuto
sociale ed eutanasia). Il suo disegno dalle linee al cinema di David Cronenberg, al mio interesse per

la scienza e soprattutto all’influenza della musica
elettronica e industriale dei primi anni ottanta:
WhiteHouse, SPK, Throbbing Gristle, Cabaret
Voltaire... Altre importanti influenze di oggi sono la
scienza, la tecnologia e la pornografia.
Neuro Habitat, a mio parere, è una delle tue
opere più riuscite ed inquietanti, oltre che uno
specchio perfetto della nostra società. Pensi che
l’immagine e il video stiano mutando in maniera
così inarrestabile la nostra società?
Il titolo Neuro Habitat è inspirato ad uno dei miei
brani preferiti, Neurohabitat dell’ottimo artista
elettronico italiano Maurizio Bianchi. In Giappone
esiste un fenomeno psicologico e sociale chiamato
hikikomori: ragazzi adolescenti che rimangono
rinchiusi volontariamente nella loro stanza, senza
parlare con la propria famiglia, collegati al mondo
solo attraverso internet. Ho sentito dire che tutto
questo comincia a esistere anche in USA e in
Europa. Ovviamente si tratta di un caso estremo,
ma ogni giorno c’è sempre più gente che rimane
connessa ad internet per sempre più tempo,
basando le proprie relazioni personali in questo
modo.
Con Playlove hai affrontato il mondo delle graphic
novel con il tuo stile personalissimo, in questa
opera c’è anche una presa in giro di questo genere
di fumetti?
Sì, ma io considero anche BITCH una graphic
01. Copertina di Bitch
02. Copertina di
02 Sicotronic Records
novel, sebbene pubblicata a puntate sul magazine
El Vibora. La sua struttura narrativa, infatti, è
quella della graphic novel, perchè l’ho immaginata
come un’unica storia, con un’evoluzione di ogni
personaggio. Anche Il Pasto Nudo di William
Burroughs è considerato un romanzo, nonostante
sia composto di pezzi collegati fra di loro. Secondo
me, il concetto di graphic novel mette in evidenza
che il mondo del fumetto è più conservatore
di quello letterario e che vive un complesso
d’inferiorità. Un fumetto non è un romanzo, così
come non lo è un film. Nessuno dice “romanzi
filmati” per parlare delle opere cinematografiche...
Questo numero di Pool ha come tema conduttore
il rapporto fra eros e morte, un elemento
importantissimo nelle tue opere. Cosa pensi
al riguardo? Credi che l’epoca moderna abbia
accentuato questo rapporto? Esiste eros senza
violenza?
Eros e Thanatos sono concetti molto “freudiani”,
ma anche molto attuali. Questo tipo di dialettica è
veramente importante nella mia opera ed è molto
evidente soprattutto in Snuff2000 e Psychopathia
Sexualis, ma anche (in forma diversa) in Playlove.
Senza dubbio sono stati i media e soprattutto
internet, in epoca moderna, ad aver amplificato
questo rapporto. Non so dire si esiste eros senza
una qualche forma di violenza... in effetti penso di
no, ma se esiste non ne sono molto interessato,
perchè sembra molto noioso, ah, ah!
08 THE SPACE BETWEEN (Topolin Edizioni, 2001)
Contaminazioni spaziali e cinismo intergalattico
per uno dei volumi più allucinati e dissacranti
dell’opera di Martìn. Un lavoro sulle mutazioni
del corpo, dove la sessualità assume forme
deviate e la violenza è una pulsione radicata.
POOL Glaciale e inquietante, come il vuoto dello
GIUGNO/ARTE spazio.
La tua arte convive con una forte impronta di dolore
e violenza; se per il lettore i tuoi lavori provocano un
impatto e delle emozioni fortissime, immagino che
per te l’elaborazione e la realizzazione di queste
storie debbano essere estremamente intense.
Ci parli della creazione dei tuoi lavori e del tuo
processo creativo interiore?
È vero, ma la mia arte ha anche un forte senso
dell’humour. Non sono il tipico artista che soffre
quando crea, per me scrittura e disegno sono
sempre un piacere, è tutto simile ad un gioco. È
molto divertente esplorare tutte le facce della vita e
della natura umana. Non prendo la vita sul serio.
Sono passati oltre 10 anni dalla pubblicazione
di Psychopathia Sexualis, un volume ancora
straordinario e attualissimo. È ormai prossima
una ristampa anche in Italia, ci racconti come hai
concepito quest’opera e cosa ha significato per te
disegnarla e pubblicarla?
La ristampa sarà pubblicata dalla Purple Press con
una lussuosa edizione speciale che comprenderà
anche l’intero caso giudiziario e le interviste a Jorge
Vacca ed a me. Quando ho disegnato questo fumetto
– che è una raccolta di short story – non avrei mai
pensato a tutte le conseguenze che ne sono seguite.
La maggior parte delle storie sono inspirate ai brani
dei WhiteHouse (band di elettronica sperimentale
londinese, nata negli anni 80, ndr) da cui ho preso
ispirazione per quasi tutti i capitoli del volume.
Secondo me si tratta di un fumetto più incentrato
PSYCHOPATIA SEXUALIS (Topolin Edizioni, 1995)
Un volume di ferocia e violenza, narrato attraverso
un tratto minimale ed assolutamente vivido. Snuff
movie, angherie e brutalità: una cronaca fredda
e sconvolgente, che ne ha causato il sequestro
da parte della Digos ed un processo culminato
con assoluzione in formula piena. La sua miglior
recensione? Le 12 pagine della sentenza del giudice.
su uno “stato d’animo” che sull’orrore. ‘Lo stato
d’animo dell’orrore’, ah ah! Quel che per me rimane
sempre più importante è lo sguardo. Duchamp ha
cambiato il corso della storia dell’arte con il suo
sguardo: un orinatoio con il titolo Fontana diventa
arte! Vale la stessa cosa per i miei fumetti.
Spesso nelle tue storie i protagonisti sono dei
ragazzi molto giovani o addirittura dei bambini,
come mai scegli proprio questo mondo per
raccontare il disagio moderno?
L’interesse per i personaggi bambini è cominciato
vent’anni fa, quando ho creato il fumetto Giorni
Felici su proposta del giornale Diario 16 (uno dei
più importanti giornali spagnoli di quell’epoca)
per il supplemento domenicale infantile. In questa
occasione è nato anche Brian the Brain e mi sono
reso conto che lo sguardo di un bambino può essere
interessante per raccontare il mondo e la vita in
generale. D’altronde, la gente giovane è più attiva sia
dal punto di vista emozionale che da quello fisico.
Per il lettore, la visione di sevizie e violenze
perpetrate sui bambini corrisponde ad un vero
shock; è questa la reazione che vuoi creare? Cosa
provi tu nel disegnare queste tavole?
Come ho detto prima, per me l’importante è lo
sguardo. I miei fumetti sono solo una proposta
diversa di sguardo su temi scioccanti ed una
proposta al lettore di non prendere la vita sul serio
ma con senso dell’umorismo.
BRIAN THE BRAIN (Coniglio editore, 2006)
Emozionante ed allo stesso tempo impietosa,
questa è l’opera che ha reso celebre Martìn al
pubblico internazionale. Protagonista è Brian,
un ragazzino privo di calotta cranica e dotato
di straordinari poteri esper, continuamente
emarginato ed in lotta con un mondo cinico ed
ipocrita. Toccante.
PLAYLOVE (Purple Press, 2008)
Considerata la prima vera graphic novel di
Martìn, Playlove è il racconto di una storia
d’amore in cui nulla è come sembra. Una storia
dove i personaggi utilizzano i sentimenti per
colmare il proprio vuoto interiore, cercando
una gran dose di coraggio per cancellare la
menzogna insita nei loro rapporti personali.

A cosa stai lavorando in questo momento? Quando

potremo vedere qualcosa di nuovo pubblicato in
Italia?
Ora sto lavorando sulla nuova storia di Brian
the Brain, un Brian adolescente. La mia idea
è completare una trilogia, con Brian adulto
nell’ultima parte. Sto anche collaborando con la
rivista Animals, e pubblicherò una serie di fumetti
con ‘funny sexy animals’ per la nuova rivista TOUCH
(Coniglio Editore), di prossima apparizione.

GIORNI FELICI (Coniglio Editore, 2010)

Originariamente pubblicato sulle pagine del periodico Diario 16 e poi raccolto
in un unico volume nel 2001, Dias Felices è la più recente ristampa edita
in Italia dalla Coniglio Editore, meritoria casa editrice che sta completando
la bibliografia di Miguel Àngel Martìn nella nostra lingua. Ambientate in
un futuro ormai prossimo e dai tratti decisamente familiari, queste storie
raccontano la vita quotidiana di Tina e Jerry, due fratellini che vivono al 198°
piano di un enorme grattacielo assieme ai genitori e ad un affettuoso cane
alimentato a pile. Contaminazione del cibo, piogge acide e azzeramento del
verde pubblico fanno da sfondo alle esperienze di vita domestica e sociale
dei ragazzi, un intreccio di candore adolescenziale e cinismo contemporaneo
in cui i protagonisti fanno fatica a distinguere fra vita reale e artificiale.
Vivacizzato da tavole dai colori pop in cui i personaggi indossano tute
protettive e mangiano rigorosamente cibo in scatola, Giorni Felici continua
l’analisi del nostro tempo attraverso lo sguardo dei più giovani, in un mondo
alienato ed omologato ma che possiede ancora una scintilla di ironia e
vitalità. Una dolce inquietudine perfettamente sintetizzata nel capitolo
finale Trick Or Treat, dove il distacco fra gioco, realtà e finzione diventa un
elemento così labile da essere quasi indistinguibile.
10
POOL
GIUGNO/VISIONI

LA NUOVA CARNE
BREVE INTRODUZIONE ALL’ESTETICA
DI DAVID CRONENBERG
(IN ATTESA DEL SUO NUOVO FILM)
“Ogni volta che in un mio poi laurearsi in lettere all’Università di Toronto.
Poco più che trentenne, si avvicina al cinema
di film io uccido, con un bagaglio culturale ampio: le sue passioni
Vincenzo letterarie sono Burroughs e Nabokov, condivide
Pietrogiovanni si tratta veramente la teoria di Bazin sul cinema sonoro. Insomma,
ci sono tutte le premesse per un successo
della ripetizione incredibile. E così è stato. Ma non vi vorrei parlare
di tutto il cinema di Cronenberg, anche perché
della mia morte”. (D.C.) non basterebbero tutte le pagine di questa rivista.
Vorrei solo raccontarvi, e anche brevemente, di
Sono decisamente lontani i tempi in cui, in come l’ingresso di Cronenberg nel cinema sia
quello strano mondo che è il cinema, si guardava stato dirompente, ovvero, più semplicemente, di
a David Cronenberg con sdegno, sospetto e come si è arrivati ad un certo punto a definirlo
disgusto che in fondo nascondevano tanta invidia. “un depravato, un sovrano dell’horror venereo,
Della sua prossima pellicola, la sedicesima, dal un barone amante del sangue”.
titolo The Matarese Circle, tratta dell’omonimo
romanzo di Robert Ludlum, si parla già da Dopo un breve periodo di “apprendistato”, nel
molto tempo: probabilmente uscirà entro il 1975 dà alla luce il suo primo lungometraggio
2010, gli attori protagonisti saranno Tom Cruise con una regolare distribuzione, Il demone sotto
e Denzel Washington e la versione definitiva la pelle, ovvero un horror che racconta la storia
della sceneggiatura è stata rivista direttamente della diffusione di un parassita, frutto di un
da Cronenberg. Almeno, questo è ciò che si esperimento del dottor Hobbes (homo homini
vocifera. lupus) che si impossessa dei corpi, azzerandone
la razionalità e spingendone oltre ogni freno
Una cosa è certa: David Cronenberg, dal suo l’istinto sessuale.
primo lungometraggio – uscito ormai 35 anni Il cinema diventa un virus che penetra i corpi,
fa – ad oggi, ha compiuto una traiettoria a dir li eccita, li corrompe, li spinge a mutazioni
poco iperbolica. Nato a Toronto, in Canada, il 15 inarrestabili. I parassiti del dottor Hobbes, dalla
marzo 1943, in una famiglia ebrea, borghese e evidente forma fallica, si insinuano attraverso gli
molto stimolante, inizia gli studi universitari al orifizi nelle viscere e da esse cercano di venire
Dipartimento Scientifico ma li abbandona per fuori, creando escrescenze e protuberanze,
ALTRI CANALI
ALLA RICERCA DI FORME ALTERNATIVE DI
DISTRIBUZIONE CINEMATOGRAFICA
Tra i tanti siti dove poter guardare film
gratuitamente e legalmente, filmannex.com è per
certo tra quelli che sta conoscendo la crescita più
forte.
Film Annex è una vera e propria piattaforma on-line
dell’audiovisivo, interattiva e composta da 5 sezioni.
La prima, Watch movies, permette la visione di più di
15.000 tra film – perlopiù cortometraggi provenienti
dai più prestigiosi festival internazionali, ma non
solo – e video, divisi in 19 categorie, tra cui action,
animazione, arte, commedie, documentari, classici,
drammatici e poi videointerviste, servizi sui festival,
talk show e web series.
Se grazie alla sezione Download è possibile guardare
comodamente i film sul proprio computer, nella
sezione Upload si possono mettere in rete opere
deformando i corpi dall’interno verso l’esterno,
in una esplosione che sa di morte e di vita allo
stesso tempo. Il contagio si fa rapido, l’epidemia
si diffonde. Eccola nel finale orgiastico del film,
dove lo sguardo di Cronenberg non tentenna in
alcun modo: il sesso e la morte sono una gioiosa
e selvaggia liberazione.
L’anno successivo, il regista canadese dirige la
sua seconda pellicola: Rabid Sete di Sangue.
Altro contagio. Altra epidemia. Rose, vittima
di un esperimento di trapianto cutaneo tra
esseri umani, inizia ad avvertire strani sintomi:
le spunta un pungiglione sotto l’ascella con il
quale morde tutti coloro che le sono attorno per
cibarsi del loro sangue e, contemporaneamente,
infettarli. Da quel momento le sue vittime sono
spinte a mordere altri uomini. La malattia
dilaga, trascinandosi dietro migliaia di morti.
Un vampirismo sui generis, lontano dai classici
del cinema, che sottolinea ancora una volta lo
stato brado in cui vive l’uomo, rispetto al quale
la scienza non si pone come àncora di salvezza
ma come cassa di risonanza. Anche qui il sesso,
rappresentato dal pungiglione di Rose, è violenza,
prevaricazione, sopruso e non può che portare
alla morte.
Sugli schermi scivolano corpi, corpi nudi e caldi,
ma non c’è nulla di pornografico, e se c’è, si
fa metafisico. I corpi sono sanguinolenti ma
che altrimenti non avrebbero alcuna distribuzione,
fornendo così un ottimo strumento soprattutto ai
videomaker e ai filmmaker ultraindipendenti. C’è
anche una sezione dedicata alle Web tv, in cui sono
presenti ben 111 canali.
Tutti gli utenti, poi, si incontrano nella Community,
per scambiarsi opinioni ed informazioni su eventi,
presentazioni, festival, rassegne e dove i filmmaker
incontrano l’industria cinematografica.
Il catalogo e i servizi che offre Film Annex,
quindi, sono molto interessanti sia sotto il profilo
quantitativo che qualitativo. Forse una delle poche
pecche di questa piattaforma è la qualità delle
immagini di alcuni film, a volte non all’altezza di altri
siti di questo tipo di cui abbiamo già parlato nei mesi
scorsi. (V. P.)
mai granguignoleschi o terrificanti. Sebbene
si tratti di corpi infetti, virulenti, deformi e
corrotti, lo sguardo di Cronenberg ci sembra
compassionevole o al più ironico.
David Cronenberg, nell’incentrare i suoi
primissimi film sui corpi, come se la macchina
da presa fosse attratta dalla carne dei suoi attori,
più di altri cineasti – a parte Shinya Tsukamoto
– ha dato vita ad un cinema della corporeità. E
proprio come i corpi che mette in scena, anche il
suo cinema, in un alchemico gioco di specchi, si
fa vacillante, metamorfico, ibridato, morente.
È da questo universo che Cronenberg, in
un’intervista apparsa su Cahiers du cinéma, ha
affermato: “Mi interessano molto i documentari
sull’interno dei corpi. Mi sembra strano che quando
si apre un corpo umano per la maggior parte delle
persone sia ripugnante. Perché? Siete voi, sono io!
Come potete trovare ripugnante il vostro stesso
corpo? È ciò che voi siete! Abbiamo bisogno di una
nuova estetica per l’interno dei corpi!”
E non vi ho ancora parlato di Scanners o, a
maggior ragione, di Crash! Nel frattempo, però,
quando andrete a vedere The Matarese Circle,
ricordatevi che anche questo è stato.
12
POOL
GIUGNO/VISIONI

THERE’S A PLACE IN HELL

FOR ME AND MY FRIENDS
Ryan McGinley, dalle skateboarder, dalla cultura dei graffiti e dalla
comunità gay dell’East Village. Innumerevoli

campagne per Wrangler

di coloro che hanno permesso a McGinley di
Valeria Giampietro entrare nelle loro vite documentandone ogni

e Levi’s alla nuova attimo. Hannah Liden, Donald Cumming, Emily

Sundblad, Dan Colen e Dash Snow, promettente

produzione Everybody artista newyorkese scomparso di overdose

a soli ventisette anni. Dash incarnava tutto

Knows This Is Nowhere. quello che l’artista aveva sempre desiderato

documentare e tutto quello che avrebbe voluto

L’Indispensabile alla essere. Irresponsabile, avventato, spensierato e

selvaggio. Ryan, Dash e Dan Colen erano come

Team Gallery, NY. i Three Stooges. Ragazzi marci che amavano

Ryan McGinley, fotografo trentaduenne
originario del New Jersey, è probabilmente
uno dei più giovani e promettenti artisti della
scena newyorkese degli ultimi anni. Nel 2001
presenta la sua prima personale al Whitney
Museum of Art. Ha solo 24 anni. Nel 2003 viene
eletto “Fotografo dell’anno” dall’American Photo
Magazine e si guadagna lo Young Photographer
Infinity Award.
Attualmente un ritratto di McGinley ha un valore
sul mercato che si aggira tra i 5.000 e i 25.000
dollari. Non è monetariamente quantificabile,
il talento di McGinley. Né svendibile. La sua
arte nasce dalla sottocultura del Lower East
Side di New York di fine anni Novanta, dagli
terrorizzare la città e documentarne tutto. Uno
stile di vita dedito alla libertà e agli eccessi che
documenta un’epoca in cui non si ha paura di
fallire perché è proprio quello di cui abbiamo
bisogno per vivere. Se non fallisci, allora, non
stai facendo nulla.
Il feroce entusiasmo dell’estetica di McGinley
si esprime fortemente nel suo approccio al
corpo e alla sessualità, totalmente disinvolto
e svincolato da gratuite ostentazioni. La
Pornografia, vista come Arte, rende la
vita degna di essere vissuta. Così come la
masturbazione, intesa come atto creativo.
Facilmente desumibile l’apporto formativo di
Larry Clark e Gus Van Sant alle sue più note
serie di scatti (I Know Where the Summer Goes,
2007; Moonmilk, 2009) a cui seguiranno i suoi
primi lavori in digitale raccolti in Everybody Da sinistra
Knows This Is Nowhere, 2010. La mostra, in senso orario:
ospitata presso la Team Gallery a Soho, include Shot fotografici:
la sua ultima serie di ritratti in bianco e nero. Algo, Larson e Coco
McGinley decide di abbandonare gli aridi
orizzonti campestri e gli ondulati contorni
delle grotte in cui si muovono i soggetti delle
sue precedenti produzioni e si affida a sfondi
totalmente neutrali. Nessuna distrazione.
Esiste solo il soggetto. E i suoi occhi innocenti.
Specchio di un’inquietudine più profonda.
McGinley trae ispirazione dall’omonimo brano
di Neil Young. Ci invita ad osservare la realtà
privandola di tutto. Nessun ‘dove’, nessun
abito, nessun decoro. Galleggiamo in un bianco
spazio astratto e ci allontaniamo dalla realtà.
Improvvisamente, non c’è spazio. E non c’è
tempo.

www.ryanmcginley.com
www.teamgal.com
14
POOL
GIUGNO/VISIONI
RICHARD KERN, IL GUSTO
DELL’IRONIA E DEL PORNO
Dopo il successo
decretato dal pubblico
di
Valeria Giampietro
genovese alla mostra
New Shots, la Galleria
Doozo di Roma ospita una
notevole serie di scatti del
pioniere del Cinema della
Trasgressione
“A diciotto anni, forse diciannove, avevo già
avuto esperienze di fotografia. Mio padre era
redattore del giornale locale e il suo lavoro
prevedeva anche scattare fotografie degli eventi
di cui scriveva negli articoli. Durante tutta la
mia adolescenza io l’ho accompagnato nei suoi
incarichi notturni, quando era chiamato sui
luoghi degli incidenti, annegamenti o riunioni
politiche. Nella mia mente di ragazzo ‘andare a
scattare una foto’ era sinonimo di avventura. Mio
padre incoraggiava questo mio interesse per la
fotografia. Immediatamente, cominciai a rivelare,
a manifestare le mie tendenze voyeuristiche”.
Quello che avete appena letto è un gustosissimo
estratto dall’autobiografia di Richard Kern
contenuta nel dvd New York Underground Collection,
un’inestimabile raccolta di corti e mediometraggi
del “cameramen del male” accuratamente
selezionati e distribuiti in Italia dalla RaroVideo.
Richard Kern, oltre ad essere uno dei fotografi più
discussi dalla critica e dal pubblico, è soprattutto
un’autentica pietra miliare del movimento punk
anarco-nichilista che dilaga negli Stati Uniti a metà
degli anni settanta. Il suo primo appartamento è nel
Lower East Side. L’edificio in cui abita è un covo di
spacciatori di eroina e di artisti squattrinati con cui
divide l’affitto. Trasforma un locale in una camera
oscura e altri tre in un laboratorio dove scatta le
foto. Nel 1983 acquista una Super 8 per cinque
dollari e comincia a riprendere i suoi amici nei bar,
nei night club, ovunque. In questi film compaiono
Nick Zedd, Lydia Lunch, Lung Leg, Cassandra Stark,
Sonic Youth, Tommy Turner, David Wojnarowitcz,
Karen Finley, Audrey Rose, Clint Ruin e altri. Nasce
così il “Cinema della Trasgressione”, erede di
quel Cinema Underground Americano degli anni
sessanta che vide in Andy Warhol e John Waters i
massimi esponenti.
Richard Kern si avvale della produzione di Nick
Zedd e del potente e incalzante commento sonoro
di artisti come Foetus, Jim Coleman, Lydia Lunch,
icona della scena No Wave newyorkese, J. G.

Thirlwell, Dream Syndicate, Butthole Surfers
e Sonic Youth, per cui Kern firma la direzione
del primo videoclip, Death Valley ‘69 (1985) e la
copertina di EVOL (1986, SST Records). Così, tra
feedback psichedelici e cupe distorsioni, Kern
dirige il suo esercito di perdenti. Personaggi che si
auto lesionano, si bucano, si picchiano, scopano
selvaggiamente, bestemmiano, violentano e
compiono omicidi domestici. Questo è il mondo
di Richard Kern. Un mondo specchio degli orrori
di quella normalità che le produzioni commerciali
tentano costantemente di occultare allo spettatore.
Un mondo che si nutre di sovversione, di rabbia, di
incitazione a pratiche socialmente e politicamente
antiautoritarie.
Il cinema e l’arte fotografica di Kern non sono un
prodotto per tutti, ed è giusto che sia così. La sua
intrinseca marginalità è ampiamente discussa
dalla nostrana Helena Velena nel video-documento
Everyday Life Cannibalizing Art: Docu-Fucktion. La
Velena ci parla di verità assolute, insindacabili. Ci
dice che un prodotto, che sia filmico o discografico,
è marginale nel momento in cui ha bisogno di
essere ricercato e tirato fuori dalla melma di
un mercato che propina banalità camuffate.
Questa ricerca individuale esprime un percorso di
maturazione, una sorta di processo iniziatico che
permette all’individuo di stabilire dov’è la bellezza e
dove questa finge di essere. La facoltà di capire che
Richard Kern è nato nel 1954
a Roanoke Rapids in North
Carolina. Vive e lavora a New
York City. Tra le numerose
pubblicazioni dedicate al suo
lavoro, ricordiamo XX Girls
(Fiction Inc. Tokyo, 1996),
N.Y. Girls (Taschen, 1997),
Model Release (Taschen,
2000), Soft (Universe, 2005),
Action (Taschen, 2007) e
Looker (Abrams 2008).
Le pubblicazioni italiane
includono Richard Kern
(Charta Edizioni, Milan, 1998)
e Digital (Charta, 2007). Tra
le innumerevoli esposizioni
organizzate in tutto il mondo
ricordiamo le antologiche
all’I.C.A. (Institute of
Contemporary Art) di Londra
nel 2002 e al Palais de Tokyo
di Parigi nel 2004.
FILMOGRAFIA
The Manhattan Love Suicides
- 4 episodi: Stray Dogs /
Woman at the Wheel / Thrust
in Me / I Hate You Now (1985)
Submit to Me (1985)
The Right Side of My Brain
(1984)
The Evil Cameraman (1986)
Submit to Me Now (1987)
X is Y (1990)
Horoscope (1991)
Death Valley ‘69 (1986)
The Sewing Circle (1992)
siamo marginali, dice la Velena. Prendete il mercato
e la diffusione di nuovi miti. Ci sono registi, musicisti,
artisti che improvvisamente diventano famosissimi.
Un po’ di anni fa la stampa musicale britannica
ha sancito che c’erano due gruppi, i Pantera e i
Machine Head, che rappresentavano la radicalità
musicale. Ce n’erano mille altri. Ma solo due sono
stati elevati a simbolo della radicalità in musica. Chi
sa vibrare le cose e guarda oltre sa che ci sono tutti
gli altri. Chi compra le riviste commerciali e si adatta
a ricevere l’informazione di massa, vegeta. Questa la
ragione per cui l’arte estrema di Richard Kern è vista
come marginale, dunque filtrabile e accessibile ai
pochi. Il Cinema della Trasgressione ce lo dimostra.
Oltre il carnefice e le sue vittime c’è la feroce volontà
di vivere, di esistere, di desiderare, di godere. La
Galleria Doozo di Roma fino al 18 maggio ospiterà
una ricca serie di scatti di Kern. Mancano ancora
pochi giorni ma vi invito caldamente ad andarci. Vi
invito a trattenere l’ingenuo e compiaciuto erotismo
delle giovani eroine da lui ritratte e ad accogliere
a piene mani lo spirito punk di fine anni settanta.
Epoca in cui i trasgressori esistevano per davvero.
Sperimentavano e non avevano paura di rischiare.
Oggi ci sono molti artisti, è vero. Ma quanti di loro
possono definirsi totalmente liberi?
www.richardkern.com
www.doozo.it
16 CATHERINE OPIE,
IDENTITÀ E ALTERITÀ
POOL
GIUGNO/VISIONI SCRITTE SUL CORPO

LA GLADSTONE GALLERY DI NEW YORK

HA OSPITATO LA FOTOGRAFA CHE INDAGA
IL MONDO QUEER E LA DEFINIZIONE
DEI RUOLI NELLA CULTURA
AMERICANA CONTEMPORANEA

di
Valeria Giampietro
Catherine Opie
Idexa (Road), 1998
Chromogenic print
22 x 27 inches (55.9 x 68.6
cm)
Copyright Catherine Opie
Courtesy Gladstone Gallery,
New York
È il 1970 quando William Friedkin decide di
trasporre cinematograficamente la nota piéce
teatrale di Mart Crowley, The Boys in the Band.
Il film, distribuito in Italia con il titolo Festa per
il Compleanno del Caro Amico Harold, non è
solo la prima opera hollywoodiana sul tema
dell’omosessualità ma anche la prima esplicita
dichiarazione di quanto il riconoscimento della
comunità gay all’interno della società - in quel
preciso momento storico considerata sessualmente
‘libera’ – sia una lotta vinta solo a metà. Catherine
Opie, fotografa dyke e artista militante, nata nel
1961 a Sundasky, Ohio, ci dimostra che nella
fotografia, esattamente come nel cinema, ciò che
si vede viene sempre prima di ciò che si ascolta.
Catherine assume notorietà artistica grazie alla
serie Being and Having (1991), una raccolta di
ritratti dall’incredibile perfezione formale di amici
appartenenti alla comunità queer di San Francisco.
Catherine Opie si immortala con 46 aghi nelle
braccia, il viso coperto da una maschera in pelle e la
scritta Pervert incisa sul petto.
Il linguaggio fotografico della Opie, esplicito e
fortemente comunicativo, è ben lungi dall’essere
una musica scritta e composta da un’artista gay
per le comunità esclusivamente gay. La Opie
documenta delle Identità inserite in un preciso
contesto. La diversità della cultura americana e
il rapporto tra l’uomo e il suo ambiente vengono
così affrontati documentando l’architettura e le
autostrade di Los Angeles - Houses and Freeways,
Houses and Landscapes (1996) – il bianco cereo della
neve che ingoia le case dei pescatori del Minnesota -
Icehouses (2002) - i surfisti e gli eleganti seascapes
della zona costiera di Malibu – Surfers (2004) – fino
alle case a schiera del sud della California di In and
Around Home(2006).

Gay, lesbiche, corpi tatuati e drag king dagli sguardi
fieri e profondi che ritroveremo successivamente
nel ciclo Portraits (1994 /95). Un universo di preziose
e vaghe identità che sembrano interrogarsi sul
proprio senso di appartenenza a una società che
tende a patologizzare il ‘diverso’. La Opie investiga
il concetto di normalità. Una normalità che esula
dal socialmente accettabile, dall’etica religiosa,
dalle sovrastrutture e dalle abitudini culturali.
Sostanzialmente, la normalità non esiste. Ed
è proprio sulla base di quest’affermazione che
Di recente è stata la Gladstone Gallery di New York
ad ospitare l’artista americana. Girlfriends raccoglie
una selezione di fotografie inedite in bianco e nero
e una nuova serie di ritratti a colori che vede come
protagoniste donne – tra cui k.d. lang and Eileen
Myles - seducenti, virili e consapevoli. Risplendono
nel bagliore di una bellezza androgina. Accennano
un sorriso. E sono piene di speranza.
www.gladstonegallery.com
PHILLIP TOLEDANO
QUINDICI MINUTI
CON MIO PADRE
di Simona Ardito
Puoi vivere con una padre tutta la vita senza
conoscerlo mai. Poi un giorno tua madre muore,
e improvvisamente scopri che da chissà quanto
lui ha perso la memoria a breve termine, e non
te ne sei mai accorto. La vostra vita comincia
allora a svolgersi scandita nell’arco breve di quei
quindici minuti che lui riesce a ricordare. E quindici
minuti diventano tutto: il tempo dell’amore, della
morte, della vita intera. Il tuo unico scopo è quello
di concentrare in quei quindici minuti la felicità
assoluta, e di fermarla in uno scatto.
Sembra la trama di un film di Gondry, e invece
è la storia del fotografo Phillip Toledano e di suo
padre, del loro rapporto riportato a noi, come
sotto la lente d’ingrandimento di un entomologo,
in un blog fotografico che racconta i loro ultimi
tre anni insieme. Non è certo la prima volta che si
sente parlare di qualcosa di simile, ed in genere
personalmente diffido di quei progetti che portano
alla luce aspetti della vita di un artista così intimi
e personali, il cui intento meramente pietistico
è fin troppo evidente; ma spero che questa mia
naturale diffidenza vi spinga a dare invece almeno
un’occhiata al blog di Toledano, la cui semplicità e
delicatezza lascia davvero poco spazio al cinismo.
Il ritratto di suo padre che ci arriva è quello di
un simpatico vecchietto di novantasei anni, un
gentleman che riempie di attenzioni la giovane e
bella nuora e non trattiene le battutacce a doppio
senso; ma anche un uomo spesso confuso,
che resta in bagno per ore perché non ricorda di
aver fatto i suoi bisogni e che ogni volta che vede
la sua immagine riflessa resta orripilato, perché
non sopporta di non essere più il bellissimo
ragazzo che da giovane era stato perfino attore ad
Hollywood. Un uomo smarrito, solo, che riempie
la casa di liste con nomi che occasionalmente
riemergono dal passato perché non riesce a capire
che fine abbiano fatto tutte le persone della sua
vita. Soprattutto sua moglie, la cui malattia e morte
non riesce a ricordare; e invano Phillip ripercorre
continuamente per lui uno dei momenti più brutti
della loro vita, sperando che diventi infine un dato
acquisito. Per suo padre ogni volta è una dolore
insopportabilmente nuovo: perché nessuno glielo
ha detto? Perché nessuno lo ha portato all’ospedale
a trovarla? Perché non l’hanno lasciato andare al
funerale? E allora Phillip impara a costruire ogni
quindici minuti un mondo nuovo, in cui sua madre
non è morta ma è a Parigi ad assistere uno zio
malato, e tornerà presto.
Nel 2009 Edward Toledano ha raggiunto sua moglie
a Parigi. Phillip è rimasto solo, con un mucchio
di fotografie che nei prossimi mesi diventeranno
un libro. Perché quindici minuti in una fotografia
diventano eterni.
Phillip Toledano, Days with my father.
(Chronicle books, 2010)
www.dayswithmyfather.com
18 CENERENTOLA
POOL
GIUGNO/VISIONI (POP)ULAR
LA CELEBRE FAVOLA NELLA VERSIONE DI
EMMA DANTE PER IL MAGGIO ALL’INFANZIA
Si dimentichi la Cenerentola di disneyana
memoria. E si dimentichino anche le decine
di di versioni cinematografiche che da Audrey
Francesca Limongelli Hepburn agli anni zero hanno affollato le sale di
tutto il mondo. La Cenerentola di Emma Dante è
qualcosa di decisamente pop e non poteva essere
altrimenti dati il curriculum e lo spirito dell’ormai
acclamatissima regista siciliana.
Il suo Anastasia Genoveffa Cenerentola, produzione
Sud Costa Occidentale, dopo un’anteprima a
Napoli lo scorso marzo, arriva a Bari in occasione
del festival Maggio all’Infanzia. Reduce dalla
controversa esperienza della Carmen alla Scala
di Milano e dal successo europeo de Le Pulle, la
Dante si cimenta per la prima volta con la forma
tutta nuova del teatro per i ragazzi, scegliendo
un universale della tradizione fiabesca. Non
rivoluziona la storia nota a tutti, ma sceglie di
connotare il suo lavoro con un elemento specifico:
la lingua, ancora una volta.
Le sorellastre, la matrigna, lo stesso principe, nel
mostrarsi agli altri parlano in maniera forbita, con
citazioni tra le più auliche, ma nel momento in cui
devo svelare debolezze o cattiverie, allora la lingua
diventa il dialetto. Qualcosa di privato, ma anche
di cui vergognarsi. Cenerentola è l’eccezione: usa
sempre lo stesso linguaggio perché non ha
niente da nascondere. Il tutto è giocato fra il
dentro e il fuori di un paravento che definisce i
luoghi dell’azione.
MAGGIO ALL’INFANZIA
Compie tredici anni il Maggio all’Infanzia, il festival
firmato Teatro Kismet OperA di Bari, che dopo
11 anni a Gioia del Colle, dalla scorsa edizione
è approdato nel capoluogo grazie “all’adozione”
del Comune. Organizzato dalla Fondazione Città
Bambino, il festival ha come piccole tappe anche
Taranto (in collaborazione con il Crest) e Ceglie
Messapica (in collaborazione con la Residenza
teatrale di Armamaxa).Con un nuovo spazio
conquistato per i più piccoli, il Teatro comunale
Piccinni di Bari, il Maggio all’Infanzia si presenterà
come vera e propria maratona di spettacoli,
presentando oltre venti titoli in quattro giorni. Tra
i tanti in programma citiamo Il viaggio di Harun
dello stesso Kismet, Baby Don’t Cry di Babilonia
teatri/Fondazione Solares, Incubi del Teatro delle
Apparizioni e Momo e il Cactus di Teatro Laboratorio..
Info su www.maggioallinfanzia.it
Ciò che non si vede è magico, ciò che è alla
portata degli occhi è invece reale: “Credo che
sia più interessante sviluppare e stimolare
la fantasia dei bambini attraverso un gioco di
apparenze ed evocazioni” annota la regista. E per
stimolarli, Emma Dante non evita di ricorrere alla
seduzione di scelte musicali decisamente pop che
passano da Massimo Ranieri a Michael Jackson,
incantando i bambini e divertendo i più grandi.
AMORE
E MORTE
NELL’OTELLO
COLONIALE
INTERVISTA AD
ARTURO CIRILLO,
REGISTA DEL NUOVO
ADATTAMENTO TEATRALE
AMBIENTATO NEGLI ANNI
DEL COLONIALISMO
di Francesca Limongelli
È la tragedia della gelosia per antonomasia. Il
dramma in cui amore e morte diventano una cosa
sola, lungo il filo perfido dell’inganno.
L’Otello di Shakespeare ha avuto numerosissime
letture e anche il regista napoletano Arturo Cirillo
non ha saputo resistere al suo fascino discreto
e colossale allo stesso tempo. L’ha scelto per
la sua ultima fatica prodotta da Teatro Stabile
delle Marche/Teatro Eliseo/Teatro Nuovo e dopo
il debutto lo scorso novembre, ha cominciato
una lunga tournèe che proseguirà anche nella
prossima stagione, toccando Genova, Prato, Lecce,
Venezia, Milano: protagonisti Danilo Negrelli,
Monica Piseddu, Rosario Giglio, Salvatore Caruso,
Michelangelo Dalisi, Luciano Saltarelli e Sabrina
Scuccimarra. Abituato a lavorare sui classici, Cirillo
si è cimentato per la prima volta con il Bardo ed è
passato da esperienze spesso vicine al satirico a un
allestimento dal tema tutto drammatico.
Arturo come si è articolato il rapporto con un autore
“ingombrante” come Shakespeare?
La vera novità non è stata tanto cimentarsi con un
classico come l’Otello, quanto con la dimensione
tragica: qualcosa di diversissimo da tutte le mie
precedenti esperienze sempre al limite del comico.
In questo caso nello studio del testo, nell’approccio
tra parola e attori, ho rilevato che anche il tragico di
Shakespeare può essere preso in giro. Chiaramente
senza forzature.
Per il tuo adattamento hai scelto come contesto
storico gli anni del neocolonialismo...
Le ragioni di questa ambientazione sono diverse:
innanzi tutto mi sembrava un contesto più vicino
e meglio percepibile rispetto alla Venezia del’600,
in secondo luogo sono partito dal fatto che
Shakespeare ha sempre inventato tantissime cose
nei suoi drammi, facendo per certi versi anche
errori geografici o storici: perciò non ho ritenuto
necessario attenermi alle sue indicazioni. Infine
quel periodo storico e quell’isola nello specifico
sono stati elementi drammaturgici ulteriori: la
tragedia scoppia in un luogo assediato e al centro
della vicenda c’è lo “straniero”, quell’“altro” che
nel Novecento ha assunto connotati sempre più
complessi.
La figura di Desdemona vede una grande prova di
Monica Piseddu, come avete lavorato su un ruolo
così diverso rispetto a quelli cui lei era abituata?
Trovo che dei personaggi shakesperiani, essendo
dei classici, ognuno si fa la propria idea e come ogni
topos che si rispetti sono modificabili. Il Bardo ha
avuto una straordinaria conoscenza dell’umano e la
prima difficoltà per il personaggio di Desdemona,
ma non solo, è stato confrontare quell’umanità
narrata con un’umanità d’oggi “poco umana.
Desdemona è personaggio complesso, incompiuto
e a cui manca il tempo per definirsi. Così la stessa
interpretazione di Monica è sempre in divenire, un
po’ sospesa tra una donna energica e vicina all’oggi
e la figura più angelicata.
Il tuo Iago invece è compiuto?
Ma no, neanche lui. Il mio Iago inizialmente osserva,
non sa cosa succederà, quali saranno le reazioni di
Otello. È nello svolgersi del dramma che si chiarifica
e comprende la potenzialità del suo piano.
20
POOL
GIUGNO/VISIONI
N 004
IDENTIKIT
CHIARA
MAZZOCCHI
TRA FOTOGRAFIA E PERFORMANCE
Chiara Mazzocchi (Albenga, (Sv) – 1978) è
un’esponente della nuova generazione di
di Simona Merra descrittori visivi della realtà e lavora come
freelance, dedicandosi alla danza performativa e
ad installazioni corporee.
Si diploma in Fotografia, Graphic Design e
Riprese Video. Da sempre porta avanti gli
studi della danza, affascinata dal mistero
del corpo, confrontandosi con diversi stili:
classico, moderno, contemporaneo, fino ai balli
caraibici e alla danza d’espressione africana.
Negli ultimi anni è stata seguita dal maestro
Jean Ndiaye, del Ballet National du Senegal e,
appassionandosi sempre di più al teatro, impara
dizione, tecniche vocali, presenza scenica e
ritmo.
Partiamo dalla danza. Come prepari le tue
performance? Hai delle partiture ben precise?
No, assolutamente. Non seguo mai una
coreografia ben precisa. L’unica cosa che penso
prima di una performance è: “E adesso come
mi vesto?”. Creo da me ogni cosa, con qualsiasi
scarto mi capiti sotto mano. Anche per la
musica è così, di solito non ascolto mai il pezzo
su cui andrò a formare il mio “solo”. a volte però
mi affianco a gruppi live oppure semplicemente
lavoro da solista.
Anche il trucco è una componente primaria,
soprattutto il volto è quasi sempre trasfigurato.
Questo ha un significato?
Il trucco non ha una funzione ben precisa,
mi guardo e cerco di capire chi sono. Uso il
trucco perchè mi piace, non è un modo per
mascherarmi, ma per mettere in evidenza le
espressioni più particolari del mio volto che
non reputo bello. Utilizzo anche maschere
senza espressione, e lo faccio perchè non
voglio entrare in contatto col pubblico. Questo
però non è un modo per nascondermi, ma per
rimanere da sola e restare in comunicazione
con ciò che sento.
Curiosando fra le cose che fai, ho visto
che collabori con Andy, ex componente dei
Bluvertigo...
Si, l’ho conosciuto tre anni fa tramite MySpace.
Mi ha contattato e io l’ho invitato a vedere una
mia performance insieme al gruppo live con
cui collaboro, i Danaè. La coreografia gli è
piaciuta molto, impersonificavo un manichino
vivente, e poiché sapeva che mi dedicavo anche
alla fotografia, mi chiese di fargli un servizio
fotografico, voleva una nuova immagine di
sé. Mi ha invitato nel suo studio Fluon (www.
fluon.it), una sorta di factory, dove ho potuto
sperimentare meglio me stessa, lui, e la
mia fotografia. Qui ho avuto la possibilità di
realizzare un meccanismo creativo generico,
con molte cose inespresse, altre portate a
frutto; ad esempio il video per la biennale di

Firenze, uno shooting di 700 foto in sequenza
rapida, da me montato in un video ed associato
alla sua installazione. A Fluon ci si mette
alla prova, ci si influenza, la mente è in balia
della creatività, un equilibrio talvolta anche
instabile, perchè “umano”. Siamo due menti
caratterialmente particolari ma affini.
Passiamo ora alla fotografia. Tu utilizzi sempre
l’autoscatto. Che significato ha per te?
La fotografia per me rappresenta l’anima.
Rappresenta tutto ciò che non può essere detto.
Ho deciso di partire dalla mia anima e ne sono
rimasta intrappolata. La fotografia mi aiuta a
vederla e a liberarla, come la danza. Ogni volta
che fotografo mi libero di me e la macchina
fotografica diventa la mia pistola. Nei miei
autoscatti c’è sogno, inquietudine, angoscia e
soprattutto assenza. C’è tutto ciò che cerco
di liberare, spesso distruggere. Vorrei “non
sentire”, perchè “sentire” mi fa male. È un
piacevole male, ma talvolta distruttivo. La mia
più grossa paura è quella di autodistruggermi
per non pensare, eppure vivo grazie alla
bellezza di quello che sento.
Quindi la danza e la fotografia ti aiutano ad
annullarti: l’anima per mezzo della fotografia e
il corpo per mezzo della danza...
Si, è giusto. Mi ritrovo in un corpo che non è il
mio. Sento di parlare con te in questo momento,
Da sinistra:
Venus in Eco Furs,
Andy e Chiara
Mazzocchi
ma allo stesso tempo non sono qui. Questo
spiega anche perchè io improvviso sempre le
mie performance e le mie foto.
Hai dei modelli ai quali ti ispiri?
Sinceramente no, non ho modelli. Ho istinto. La
mia visione dell’esistenza è talvolta senza senso
e senza ricerca. Se avessi potuto esprimere
tutto quello che faccio con le parole, non lo avrei
fotografato o danzato.
Parlami della mostra che ti ha vista
protagonista a Berlino: Venus in Eco Furs.
Venus in Eco Furs è stato un progetto di Res Pira,
del curatore Giovanni Cervi, sul rapporto tra
femminilità e natura; non una dedica al mondo
femminile, ma un’indagine su come la donna
interpreta il suo rapporto con il pianeta. È stato
un concorso a cui ho partecipato e sono stata
selezionata dalla galleria Oki Doki di Berlino,
ma inizialmente non volevo partecipare. Non
mi piacciono le cose su commissione, odio le
scadenze, ma mi ha convinto il progetto e a
dir la verità Andy. Ho fatto gli scatti nel suo
studio. Questi quattro autoscatti si basano
sul parallelismo tra le fasi lunari, le età della
donna, il suo ciclo mestruale e le stagioni. Così
sono nate la Madre, la Vergine, l’Incantatrice e
la Strega.
www.myspace.com/chiaramazzocchi
22
POOL
GIUGNO/VISIONI
RECENSIONI
CINEMA

IO SONO L’AMORE FANTASTIC MR. FOX AGORA

di Luca Guadagnino di Wes Anderson di Alejandro Amenábar
Drammatico Animazione Drammatico
ITA, 120’ UK/USA, 87’ Spagna, 127’

Milano sotto la coltre nevosa è una città fuori Fantastic Mr Fox è il Agora è un film
dal tempo. Quella dei Recchi sembra la storia primo film d’animazione epico ambientato ad
di un certo capitalismo lombardo, o italiano: in stop-motion Alessandria d’Egitto
oscuro nelle origini (i rapporti col fascismo) prodotto dalla Regency nel quarto secolo
e nel futuro (la vendita dell’azienda al miglior Enterprises e distribuito dopo Cristo e narra
offerente), che gela i rapporti umani sino a dalla 20th Century Fox. la storia di Ipazia,
renderli vuoti e formali, come denota l’informe Il film è l’adattamento filosofa e matematica
chiacchiericcio che accompagna la cena in cui dell’omonimo romanzo alessandrina coinvolta
Edoardo Senior, capo della dinastia, designa i per bambini di Roald nella lotta di potere
suoi successori. Dahl – anche autore di I tra pagani e cristiani.
Vittime di questo gelo sono le donne, soprattutto Gremlins (1943), Presentato a Cannes e
Emma, moglie di Tancredi, e Betta, loro figlia. La Fabbrica di Cioccolato in concorso al Toronto
di Vincenzo La ribellione di quest’ultima, che rifiuta il suo (1964) – che affermava: International Film
Pietrogiovanni destino e fugge a Londra per vivere liberamente “Gli adulti sono troppo Festival, nel 2009, il
e Valeria Giampietro la sua omosessualità, squarcia il velo che seri per me. Non sanno film crea controversie
ricopre il cuore di sua madre. Emma (Bovary?), ridere, meglio scrivere e fatica a trovare
sino ad allora donna senza identità, per bambini: è l’unico distribuzione in Italia. In
si riappropria così del suo essere, modo per divertire America, Il Presidente
del suo vero nome e del suo corpo, lanciandosi anche me stesso”. Wes dell’Osservatorio
verso l’amore ritrovato nello sguardo Anderson coglie in Religioso Anti-
e nella passione di Antonio, giovane cuoco pieno lo spirito ludico Diffamazione invia
amico di suo figlio, Edoardo Junior. dello scrittore britannico una lettera aperta
A questo punto, il film cambia registro, uscendo e inizia il progetto con ad Amenábar,
dalle stanze e dai corridoi di Casa Recchi per Henry Selick. Nel 2006 denunciando il film
immergersi nei colori dirompenti della natura Selick abbandona il film perché promuove
ligure e dei piatti preparati da Antonio, che qui per dirigere Coraline e l’odio contro i cristiani
diventano luoghi di libertà eversiva. viene sostituito da Mark e rafforza falsi cliché
Ma ogni lotta di liberazione trascina Gustafson. sulla Chiesa Cattolica.
con sé le sue vittime. Il film costa Amenábar replica:
A parte qualche défaillance nella sceneggiatura un’incredibile fatica ai “Il film non è contro i
– alcune lungaggini e accenti didascalici – Luca realizzatori e il risultato cristiani, ma piuttosto
Guadagnino dirige un melò gradevole che pare, è sorprendente, contro tutti quelli che
però, strizzare l’occhio al Pasolini di Teorema. visivamente innescano bombe e
La riuscita del film non è solo l’effetto di molte accattivante, ricco di uccidono in nome di Dio,
scene altamente estetizzanti o di una colonna dialoghi citazionismi cioè i fanatici religiosi”.
sonora superba, ma va ricercata nella magnifica e infarciti di gag. Wes Grazie alla Mikado, il
interpretazione di Tilda Swinton Anderson mira il film sarà proiettato
(che del film è anche produttrice), affascinante bersaglio e fa centro. nelle sale a fine mese.
e magico incontro di trasandatezza ed eleganza. Di nuovo. Imperdibile.

Vincenzo Pietrogiovanni Valeria Giampietro Valeria Giampietro

 Illustrazione di Roberto La Forgia
E-COMICS
L’EVOLUZIONE DEI FUMETTI
PASSA PER IL WEB
La sua introduzione apportò un cambiamento
nei metodi classici di narrazione. O, almeno, aprì
di Veronica Satalino una nuova strada alle possibilità espressive e
comunicative. Valorizzò l’immagine, rendendola
strumento narrativo autonomo, e impattò in
modo diverso sui lettori. Era l’epoca del cartaceo.
Immerso nell’era digitale, il fumetto si
connota oggi con un linguaggio direttamente
conseguente all’innovazione tecnologica che
sfrutta. Come per altre produzioni testuali infatti,
anche per il fumetto è ormai assodata e avviata la
trasposizione in un altro strumento che affianchi
(sostituisca?) quello cartaceo.
Parallelamente agli sviluppi digitali si assiste
all’evoluzione dei supporti informatici per
la fruizione e la lettura dei fumetti. Nuovi
strumenti caratterizzati dall’immediatezza e
dall’interattività. Un vero e proprio “parlare” dei
fumetti in grado di dare voce ai classici balloon o
trasformare in suoni le onomatopee. Il passo in
avanti che è stato fatto con la digitalizzazione dei
fumetti.
Quale antesignano del futuro dei comics nell’era
di internet, e del mobile content in particolare,
Ave!Comics ha creato la prima piattaforma
software per adattare il fumetto al cellulare e al
pc. Nuova esperienza di lettura a cui hanno fatto
seguito i Motion Comics, nati dalla collaborazione
tra Marvel Comics e iTunes. Fumetti consultabili
su supporti digitali, arricchiti con effetti audio,
video e dialoghi recitati. Ulteriore frontiera è
quella proposta dalla Disney con i Digicomics,
progetto che permette l’acquisto dei fumetti in
modo simile a quello che accade per la musica
sull’iPod. La fruizione, valorizzata da effetti
cinematografici, può avvenire sulle più svariate
piattaforme, dall’iPod all’iPhone, alla Playstation,
al pc.
Si assiste quindi a uno spostamento della
distribuzione dei fumetti sul versante digitale.
Una soluzione che consente, tra l’altro, di
contenere i crescenti costi editoriali legati
alle pubblicazioni. Novità a riguardo viene da
Longbox, piattaforma digitale sviluppata dalla
Quicksilver Software. Longbox gestisce sui
fumetti in vendita un certificato digitale che ne
consente il trasferimento su un numero limitato
di supporti. Ulteriore segno di svolta nel mondo
dei comics.
Quale futuro? La via intrapresa dalla
digitalizzazione non sarà di certo abbandonata,
tuttavia non potrà soppiantare del tutto il piacere
di avere tra le mani un fumetto cartaceo. Mondi
paralleli che, intersecandosi, offrono possibilità
diversificate e complementari di fruire della
lettura di un fumetto.
24 DEATH LIKES TV
LE SERIE TELEVISIVE (E NON) CHE HANNO CAMBIATO
POOL
GIUGNO/VISIONI IL MODO DI INTENDERE LA VITA... E LA MORTE
Da cassetta, di culto, in stile commedia o tendenti all’horror, per adolescenti o vietati ai minori,
si moltiplicano le serie per il grande e piccolo schermo che hanno la morte come protagonista
principale. Dai vampiri di Twilight ai problemi esistenziali di Six Feet Under, un tour fra i più
interessanti prodotti visivi dedicati a quel che c’è dopo la morte, con un occhio di riguardo alla loro
forte componente sensuale.

SIX FEET UNDER TRUE BLOOD

di Annarita Cellamare Impresso nella mente di milioni di telespettatori
e Michele Casella per una delle migliori sequenze di apertura
della storia della televisione, Six Feet Under
è certamente da considerare come una delle
più innovative e dissacranti serie dell’ultimo
decennio. Prodotto dalla HBO e programmata
per cinque intense stagioni, lo show ha per
protagonisti i quattro componenti di una famiglia
di impresari funebri, raccontati nell’evoluzione
delle loro vite a partire dal decesso del padre.
Scritta da Alan Ball e spesso etichettata come
serie “drammatica”, Six Feet Under possiede
un eccezionale grado di ironia, inventiva
e profondità grazie ad una sceneggiatura
assolutamente eccelsa.
Strutturata attorno all’evoluzione sentimentale,
personale e generazionale dei personaggi, la
storia è un affresco del nostro tempo in cui vita,
morte, destino e quotidianità si incrociano nella
grande casa familiare in cui viene dato l’addio
ai defunti. Una piccola, grande saga a cui è
impossibile non appassionarsi ed in cui temi
come omosessualità, droga, vecchiaia, rapporti
di coppia, violenza, tradimento, paura e felicità
vengono proposti senza falsi moralismi o inutili
conformismi. Una sola verità, che è anche il
claim della serie: tutto; tutti; ovunque; finisce.
(M.C.)
Basato sulla serie di romanzi The Southern
Vampire Mysteries – scritta da Charlaine Harris
dal 2001 ad oggi – True Blood rappresenta
l’anima anticonformista, sessuale e “indie”
della recente ondata di serial sui vampiri.
Sebbene vittima di una sceneggiatura un po’
elementare e dai toni dark tipici della provincia
americana, la saga di Sookie Stackhouse cresce
con il passare delle puntate, costruendo un
mondo alternativo che vive delle storie dei suoi
abitanti.
Punto focale della trama è il rapporto fra esseri
umani e vampiri, concittadini di un’America
decisamente fobica e per nulla integrati nella
vita di tutti i giorni. Proprio l’eroina Sookie,
interpretata da un strepitosa Anna Paquin
dotata di una adolescenziale carica erotica,
si lega sentimentalmente al tenebroso Bill
Compton (vampiro da oltre un secolo) ed è
costretta ad utilizzare le sue doti da telepate
per venire a capo di omicidi e complotti che
pian piano riguardano una comunità sempre
più estesa. Misticismo, fiaba, sesso, amore
e (naturalmente) morte si intrecciano in un
plot coinvolgente e dissacrante in cui antico
e moderno prendono forme misteriose ed
ambigue. Da guardare sorseggiando un
bicchiere di succo di pomodoro. (M.C.)
TWILIGHT

Chi non ha mai sentito nominare Twilight e i

romanzi della saga di Stephenie Meyer? Direi
nessuno, visto il successo riscosso. Tanto è vero
che la giovane scrittrice ha sfornato il quinto libro,
in uscita l’11 giugno.

Ma ciò che ha davvero spopolato, a 360°, è

l’adattamento cinematografico, The Twilight
Saga. Successo planetario per i primi due
capitoli, l’omonimo del 2007, e New Moon del
2009. Alquanto scontato il segreto della ricetta
standard di questi film: il bello e dannato, il
principe azzurro pallido e sfuggente in sella ad
una Volvo, la fragile principessa insicura (nella
quale tutte le ragazzine si rivedono) l’amico dolce
disponibile (e muscoloso) pronto a consolare lei.
Parte fondamentale è quella legata agli intrecci
amorosi e ad un desiderio sessuale fino ad ora
mai esplicitato; recenti notizie ci dicono che nel
terzo capitolo cinematografico (Eclipse, in uscita
planetaria il 30 giugno 2010) i due protagonisti
riusciranno finalmente a concretizzare le loro
“masturbazioni mentali”. Peccato, però, per i fan,
perché i produttori hanno deciso di censurare la
le effusioni amorose così da non vietare la visione
agli under 18. Le scene saranno, perciò, visibili
esclusivamente nel dvd del film, un’altra mossa
commerciale perfettamente speculare al target di
pubblico.
DEAD LIKE ME
Divertente commedia dark dai toni molto
sarcastici, Dead Like Me ha resistito sul
palinsesto americano solo per due stagioni
prima della cancellazione. Peccato, perchè la
storia di Georgia Lass ha tutte le credenziali
per conquistare un pubblico eterogeneo e
smaliziato, dato che vede la protagonista
passare a miglior vita ed entrar a far parte
di uno strano team che aiuta le anime nel
necessario trapasso. Dotata di un’ironia capace
di esorcizzare la nostra principale paura, Dead
Like Me ha il merito di non risultare la solita sit-
com omologata. (M.C.)

Insomma, nulla di nuovo, e come al solito

quel poco di buono che c’era nel romanzo è
andato relativamente perso nell’adattamento
cinematografico, rendendo i film uguali a tanti
altri e con un impatto sociale indiscutibilmente
insopportabile. Basti pensare che ci sono anche le
applicazioni per il cellulare con cui scoprire se si è
vampiro o licantropo. È decisamente troppo...

Nota positiva: colonne sonore sempre (o quasi)

d´eccezione, con la partecipazione di artisti del
calibro dei Grizzly Bear e Thom Yorke. (A.C.)
26
POOL
GIUGNO/LIFE
N 003
SPIRITO A PEZZI
Sembra quasi che il cattolicesimo ruoti attorno
alla negazione delle pulsioni alla base di tutte le
di Paolo Interdonato narrazioni: Eros e Thanatos, Amore e Morte.
È infatti emblematico come, nel giorno in cui
sparidinchiostro. si festeggia la resurrezione di Gesù Cristo,
splinder.com papa Benedetto XVI abbia incitato i sacerdoti a
essere come angeli. Certo: portatori della buona
novella, ma anche asessuati. E tutto questo
in un momento in cui l’accusa di pedofilia
investe pesantemente il clero, portando
testate internazionali, che non si esiterebbe a
definire autorevoli, a porre una serie ipoteca
sull’attendibilità della chiesa cattolica.
L’assenza di un atto di pentimento da parte
della massima autorità di un’istituzione che
attribuisce centralità al peccato, alla penitenza
e al perdono, mette in evidenza un assurdo
paradosso.
I sacerdoti cattolici non possono avere famiglia,
perché questo li distrarrebbe dalla pratica di
evangelizzazione, preghiera e solidarietà che
deve muovere ogni loro atto. In assenza di figli,
il sesso, che deve essere finalizzato alla sola
riproduzione, non ha senso. I rapporti sessuali
fini a se stessi (e al profondo godimento che
possono produrre) sono peccaminosi per tutti
i cattolici. E, in un paese in cui tutti peccano
(comprese le più alte cariche dello stato)
senza mostrare alcuna forma di contrizione, la
differenza tra atti consenzienti, mercificazione
delle carni e circonvenzione di chi ancora non
può avere strumenti adeguati e sufficienti a
far valere i propri “NO” diventa una sfumatura
facilmente rimuovibile nel segreto del
confessionale.
In parallelo, la frangia più gretta e ideologizzata
del cristianesimo attacca frontalmente
l’evoluzionismo. Darwin aveva torto – dicono
i difensori del “disegno intelligente” – l’uomo
sta al centro dell’universo con la sua forma
a immagine e somiglianza di dio. Gli errori
di Darwin di Jerry Fodor e Massimo Piattelli
Palmarini, un libro criticato da gran parte della
comunità scientifica, ha scatenato entusiasmi
farseschi sulle pagine della cultura del “Foglio”
e del “Giornale”, settimane prima che Feltrinelli
lo portasse in libreria. Un’ancora di salvezza
– e di intelligenza – ci viene gettata da Andrea
Lavazza che recensisce e contestualizza lo
studio in un articolo apparso su “Avvenire”
(mentre il resto della stampa italica si prodigava
nella ricerca della burla più divertente,
consapevole forse del miglior uso riservabile
a un foglio di giornale: avvolgerci il pesce, in
qualsiasi mese dell’anno).
Altrettanto salvifico è il Bologna Ragazzi
Award per la categoria “non fiction” assegnato
durante l’ultima Fiera del libro per ragazzi.
Secondo la giuria, presieduta da Antonio Faeti,
 02

01/02. Illustrazione
e copertina del libro
The Riverbank

01

il miglior libro a carattere informativo destinato

ai giovani lettori per il 2010 è The Riverbank di
Charles Darwin e Fabian Negrin, edito negli
Stati Uniti da Creative Editions. Negrin, tra
i più grandi autori di picture book al mondo,
ha estratto l’ultimo paragrafo dell’Origine
della Specie e lo ha trasformato in un sublime
racconto visuale in cui danzano Sviluppo,
Riproduzione, Ereditarietà, Moltiplicazione,
Lotta per l’esistenza, Divergenza del carattere
ed Estinzione delle forme meno adatte.
L’immagine che chiude il libro è di quelle che
danno speranza: la complicità dei due bambini
che si avvicinano giocosi al centro del fiume è
un profondo atto d’amore che non ha alcuna
intenzione di negare la morte.
28
POOL
GIUGNO/LIFE
PUGLIA
ECCELLENTE.COM
I TALENTI E LE ECCELLENZE PUGLIESI IN
PRIMA VISIONE!
Cos’è un’ispirazione? Difficile rispondere in
maniera razionale, ma l’ispirazione può essere
di Giancarlo Berardi anche raccontata, magari partendo da un bar
con vista mare, il 7 agosto 2009, durante una
chiacchierata fra Paolo Cilfone e sua moglie Elvira.
È in quell’occasione che nasce l’idea di un portale
web nuovo di zecca, contenente una serie di micro
video dedicati a pugliesi che dessero qualità alla
nostra regione grazie alle loro idee, professionalità
e creatività. È proprio in quel pomeriggio afoso e
simile alle tante giornate della calura agostiana, che
nasce il progetto Puglia Eccellente.
Da quel 7 agosto, Cilfone inizia a lavorare al progetto
a 360 gradi, senza freno e con l’ entusiasmo tipico
di un bambino al suo primo giocattolo: gli step
successivi hanno previsto l’individuazione della
location per le sessioni di registrazione e per gli
uffici della redazione di Puglia Eccellente, la scelta
della web agency per lo sviluppo del portale, la
selezione dei videomakers per le registrazioni video
e per la relativa post produzione. Tutto questo
tenendo ben presente i due elementi principali del
progetto: 1) la scelta di una piattaforma web (invece
di un format per la Tv) per dare la possibilità a tutti
(e in qualsiasi momento) di conoscere quali fossero
i tanti talenti pugliesi in Italia e nel mondo; 2) la
determinazione di dare al portale un tono culturale
di alto livello. Dopo 108 giorni indimenticabili per
la fatica e l’emozione, il 23 novembre 2009 andava
on-line il portale www.pugliaeccellente.com con uno
slogan che recitava così: la Puglia gioca di tacco!
Intervista con Paolo Cilfone, direttore editoriale
Nella vasta categoria di portali web, come si
caratterizza l’avventura di Puglia Eccellente e quali
particolarità si riscontrano per questo progetto?
Com’è strutturato il sito?
Il portale ha una serie di canali; il primo è quello
dei profili video, dove i nostri talenti raccontano
come, grazie alle loro idee ed attitudini, desiderano
cambiare il mondo dandone anche nuovi spunti di
interpretazione. Il secondo canale è la Community;
attraverso uno stile Web 2.0 rendiamo il nostro
pubblico attivo e co-partecipativo; infatti ogni video
può essere condiviso nei loro profili su Facebook e
Twitter; possono inoltre essere votati e commentati.
In tal maniera, si creano tre tipologie di “classifiche
di gradimento”: i video più cliccati, quelli più
commentati e quelli più graditi. Una vera e propria
Hit Parade stile anni ’80! Un altro canale è quello
della “personal page”. Ogni profilo ha la possibilità
di costruirsi una pagina personale di alto livello;
per esempio, oltre al proprio video, la personal
page può contenere uno slideshow di immagini,
la gestione personal news, lo spazio biografia
e link ai propri siti di riferimento. Infine, ecco il
canale denominato news Puglia; un vero e proprio
notiziario sulla cultura e l’economia pugliese,
all’interno del quale diamo massima visibilità con
i nostri video magazine a progetti particolarmente
interessanti soprattutto per chi investe nella nostra
regione.

01
Quali sono i profili che vi colpiscono e quali le
caratteristiche che li rendono adatti al progetto?
Vi è l’intenzione di creare un luogo virtuale di
confronto che verta sui temi della creatività e
dell’imprenditoria legati alla Puglia?
In quasi sei mesi di vita, abbiamo registrato
più di 60 profili di altissimo livello culturale e
umano. Abbiamo girato la Puglia in lungo e in
largo incontrando artisti fantastici: da Renzo
Arbore a Sergio Rubini; da Giandomenico Vaccari
(Sovraintendente della Fondazione Petruzzelli)
al grande Tonino Zurlo. Da Gianrico Carofiglio,
ai giovani ma già affermati Pippo Mezzapesa,
Francesco Lopez e Mingo De Pasquale (Striscia
la notizia). A gennaio scorso abbiamo effettuato
la nostra prima sessione estera, esattamente al
Cern di Ginevra per incontrare Salvatore Tupputi,
un fisico barlettano di 30 anni. Ma quello che
sta accadendo all’interno del nostro portale è di
fondamentale importanza: la nascita di una vera e
propria sinergia a livello di cooperazione tra alcuni
artisti. Questo è un approccio positivo e intelligente
di “abitare” il nostro portale: un luogo dove è
importante estendere la propria conoscenza con
altri artisti creando nuove idee e nuovi progetti.
A cosa è più interessato il fruitore di Puglia
Eccellente?
Come raccontavo prima, scopriamo artisti ed
imprenditori che talvolta non hanno la giusta
considerazione mediatica. Non so di chi è la
colpa; forse di nessuno. Ma quello che mi sento 01. Elvira e Paolo
di affermare in base alla mia esperienza è che Cilfone
la Puglia ha qualcos’altro da esportare oltre al
turismo; la nostra regione è fucina di iniziative
culturali strabilianti; ha fantasia e senso della
bellezza declinata nella musica, per esempio. Ha
giovani registi veramente innovativi e vogliosi di
sperimentare nuove strade applicate al cinema; e
poi gli artisti che attingono alla sperimentazione
pura per le loro opere. Una canzone dei Matia Bazar
dice: “c’è tutto un mondo che ci gira intorno”. È
proprio così per la Puglia. Quello che noi facciamo
con Puglia Eccellente è di darle la giusta visibilità.
Quale percorso seguirà il progetto nel prossimo
futuro?
Non immaginavo che in sei mesi pugliaeccellente.
com facesse già parlare di se. Lo dicono le
statistiche, il consenso dei fan su Facebook ed il
modo in cui interagiscono con noi. Non da ultimo
vi è l’atteggiamento degli sponsor, che non si
tirano indietro anche in questo periodo di difficoltà
economica. Per questo ho voluto anticipare la
nascita del web magazine sempre con il brand
Puglia Eccellente, uno strumento che arricchirà
di contenuti il nostro portale. Avrà cinque canali
specifici: cultura, economia, scienza, eventi e luoghi
e sapori, nei quali spiccheranno notizie di alto livello
grazie a video servizi e speciali a puntate. Per tale
motivo il nostro organico cresce sempre più: la
nostra Redazione è formata da tre persone più una
serie di freelance, con il sottoscritto come direttore
editoriale; tre videomaker e fotografi, oltre alla
nostra partner tecnologica per il mantenimento del
portale web. Un team robusto, di altissima qualità e
allo stesso tempo motivato a dimostrare che siamo
noi i primi ad avere talento! E per concludere,
notizia di alcuni giorni fa, la Confindustria di Bari
e BAT, specificatamente la Sezione del Terziario
innovativo, ha scelta il nostro portale come
piattaforma ideale per far convergere 30 profili
di eccellenza imprenditoriali. Una soddisfazione
personale che ci conferma di essere all’inizio di un
progetto nato per amore della nostra regione.
30
POOL
GIUGNO/LIFE

di Irene Casulli MY OWN PRIVATE

ELEGANCE
GIANFRATE RAPPRESENTANZE, SHOWROOM
DI MODA CREATIVO E VISIONARIO,
RACCONTATO DAL SUO FONDATORE
DOMENICO GIANFRATE. UNA STORIA
INTRISA DI VALORI FAMILIARI, PERCORSI
PERSONALI E CRESCITA COMMERCIALE.
E CON UNO SGUARDO SEMPRE APERTO
AL FUTURO.
Passione ed intuizione, queste le due parole-
chiave per comprendere il mondo di Gianfrate
Rappresentanze, l’agenzia che dal 1997 opera
nel settore moda riuscendo ad interpretare
le più innovative espressioni del mercato.
Un lavoro svolto da un team giovane e
professionale, capace di interpretare le diverse
anime del contemporaneo e diventare un
esempio di impresa a livello nazionale. Il fulcro
di questo percorso è la condivisione: cinema,
musica, sport, arte, tutti interessi ed influenze
che confluiscono in una scelta di vita improntata
sullo stile. Protagonista di questa avventura è
Domenico Gianfrate, CEO dell’azienda e leader
di un entourage che sta cercando di cambiare il
modo di approcciarsi al sistema-moda. Perchè
l’eleganza è un concetto del tutto soggettivo.
Da cosa nasce la tua voglia di lavorare nel
campo della moda?
Ovviamente nasce dalla passione per
l’abbigliamento, una risposta un po’ scontata
ma anche vera. Tutto parte da una serie di
coincidenze, quando per caso un amico mi
propose di lavorare con lui. Quella breve
esperienza nel campo commerciale della moda
fu determinante, e dopo sei mesi mi ero già
messo in proprio ed avevo aperto il mio primo
ufficio a Taranto. Solo successivamente decisi
di trasferirmi a Locorotondo, in provincia di
Bari. In quel periodo le mie risorse finanziarie
erano molto limitate, ma avevo un locale a mia
disposizione ed avevo intuito che per sviluppare
al meglio la passione per l’abbigliamento non
era fondamentale essere al “centro” della
scena. Ho capito che qui potevo strutturare un
mio mondo, puntando sul legame che ho con
questa terra e collaborando con le persone e le
forze umane che vivono i miei stessi valori e le
mie stesse passioni.
Cosa ricordi della fase iniziale del tuo lavoro e
quali sono state le difficoltà di quel periodo?
L’inizio della collaborazione con Franklin
& Marshall ci ha permesso di rapportarci
ai clienti in maniera particolare, differente.
Paradossalmente, il momento iniziale è stato
più semplice rispetto a quel che è successo
dopo, perchè con la crescita dell’azienda
abbiamo dovuto ripensare tutte le dinamiche
interne.
Chiaramente le difficoltà iniziali sono legate alla
creazione di una rete di vendita per una tipologia
di aziende di alto profilo; per raggiungere questo
tipo di clienti abbiamo creato un gruppo di
persone che avesse voglia di lavorare in squadra
e che condividesse il senso dello stare assieme.
La sfida era quella di portare sul mercato dei
marchi che interpretassero la nuova via della
moda. In quel periodo i brand più blasonati
erano tutti occupati da showroom importanti,
perciò abbiamo dovuto creare interesse per un
mondo che per molti era sconosciuto, rendendo
commerciale un mercato di nicchia.
Da cosa ti fai influenzare e contaminare per fare
le tue scelte nel lavoro?
Quasi tutte le nostre scelte sono dettate dai
cambiamenti dell’arte, della cultura, della
musica, dello sport, dando spazio a cose nuove,
senza averne paura e senza adagiarci su quello
che già abbiamo. Siamo sempre alla ricerca di
nuove fonti di ispirazione per il nostro lavoro,
una passione condivisa con i miei collaboratori
e che ci spinge a sviluppare un forte “senso
per l’abbigliamento” grazie al quale arrivare in
anticipo sulle intuizioni più innovative del nostro
settore.
In che modo ti rapporti ai prodotti della nuova
moda? Qual è il futuro di questo mercato?
L’abbigliamento è solo un aspetto che ti può
gratificare nella vita, a mio parere può essere
assimilato ad un libro, un disco o un quadro.
In futuro avremo sempre più la necessità di
vendere una sensazione, un qualcosa che vada
al di là del solo prodotto. Di conseguenza
le boutique dovranno avere la capacità di
personalizzare le proposte e le vendite,
tornando al concetto della “bottega” di molti
anni fa. Gli elementi di successo saranno
sempre più la professionalità e la cura del
cliente e la personalizzazione degli spazi.
In base a quali criteri scegliete i marchi con cui
collaborare?
Fondamentalmente facciamo una scelta in
funzione sia di quel che ci affascina sia dei
prodotti che possono soddisfare le esigenze dei
nostri clienti. In questo modo abbiamo preso
spazio in una importante nicchia di mercato,
acquisendo fiducia da molti operatori del
settore.
32 Cosa ti viene in mente quando senti il termine
“eleganza”?
L’eleganza non è una caratteristica che puoi
inventare, è strettamente legata a ciascun
POOL individuo. Oggi la persona più “giusta” è
GIUGNO/LIFE quella che riesce a mettere insieme con
naturalezza dei prodotti classici con capi più
ricercati, rimarcando la sua personalità e
caratterizzando il suo abbigliamento. Il nostro
desiderio non è quello di indirizzare l’acquirente
verso una tendenza, bensì fare in modo che
sia lui stesso ad arrivare a comprendere il
suo gusto, acquisendo una sua personalità.
In Italia accade che tutti seguano le mode in
maniera abbastanza pedissequa, mentre nel
resto del mondo ciascuno indossa quel che più
gli piace, dando spazio alla propria creatività.
Basta andare in un aeroporto internazionale
per rendersi conto di chi è italiano e chi no. La
nostra principale aspirazione, invece, è quella
di vedere persone differenti vestire in maniera
assolutamente personale.

Quali sono gli elementi più efficaci del tuo

lavoro?
Buona parte della riuscita è dovuta all’apporto
dei collaboratori, alla fiducia che si è instaurata
fra me e loro. Vi è una condivisione di intenti
in quel che facciamo, nei successi così come
nei sacrifici. Qui nell’entroterra non è difficile
trovare giovani che abbiamo voglia di impegnarsi
ed ottenere dei risultati. I ragazzi lavorano
ininterrottamente, senza guardare l’orologio,
ci influenziamo gli uni con gli altri e nel tempo
riescono anche ad arrivare prima di me su
determinati prodotti – per esempio su quelli
rivolti ai ventenni – verso i quali non ho la loro
stessa sensibilità. La mia famiglia ha, inoltre, un
ruolo fondamentale, prendo sempre le decisioni
assieme a mia moglie e lei ha un ruolo decisivo
nell’evoluzione di Gianfrate Rappresentanze.
Il gruppo nasce insieme a mio fratello, che si
occupa dell’amministrazione e che mi tiene con
i piedi per terra, permettendomi di operare delle
scelte ponderate e condivise. In seguito hanno

fatto il loro ingresso amici-collaboratori, che

nel tempo sono diventati parte integrante di una
famiglia allargata.

Quali sono i problemi del settore abbigliamento

in Italia? Come si va modificando il mercato?
Ormai tutti abbiamo di tutto nell’armadio,
ma spesso quel che manca sono proprio le
cose più innovative. Negli ultimi dieci anni
abbiamo abituato i clienti ad alcuni standard,
omologandoli gli uni agli altri. A mio avviso,
invece, è in atto un cambiamento sociale in
cui il consumatore è diventato più maturo e
vuole sentirsi gratificato dall’acquisto che lo
differenzia dagli altri. Ci sono brand che oggi
risultano datati, quindi non più soddisfacenti
alle esigenze dei consumatori. Esistono
svariate aziende ed operatori, ma non tutti
hanno le necessarie competenze e capacità.
In futuro quel che farà la differenza sarà
proprio l’attitudine a differenziarsi rispetto alla
concorrenza.

Quanto contano in questo momento le strategie

di promozione e marketing?
Fino a qualche anno fa la moda era quasi
totalmente condizionata dal marketing e si
metteva da parte il valore reale del prodotto in
favore dei processi di induzione all’acquisto.
Si potevano vendere anche dei prodotti non
sempre corrispondenti al rapporto marchio/
qualità, ma questi acquistavano valore per
il semplice fatto che fossero indossati da un
personaggio famoso o per il semplice fatto
che vi fosse un’etichetta. Oggi l’influenza del
marketing sta diminuendo e c’è un lento ritorno
alla personalità. Per combattere questo modus
operandi la prima cosa che si fa nel mio ufficio
è aggiornarsi, conoscere il prodotto, informarsi
sulla sua storia e sui processi di produzione,
valutarne i materiali e la lavorazione.
Come si lavora in un piccolo centro del sud
Italia quando ci si rapporta con importanti
realtà? Quali sono le scelte che marchieranno il
vostro futuro?
Oggi la professionalità e le nuove tecnologie
possono annientare le distanze, ma è
necessario un lavoro costante per mettere in
connessione realtà molto lontane fra di loro.
Negli anni passati la Puglia ha perso tante
occasioni importanti soprattutto perchè ha
smarrito gli elementi caratterizzanti delle sue
maestranze. In molti casi manca la spinta
propositiva necessaria per imporsi sul mercato,
mentre in quel che noi vogliamo realizzare
proprio la Puglia e la Valle d’Itria diventano
un fondamentale motivo di orgoglio. Per noi la
moda è un aspetto della nostra vita quotidiana
e proprio per questo dalla prossima stagione
affiancheremo all’abbigliamento degli altri
dipartimenti legati all’editoria, ai profumi, alla
musica ed all’oggettistica... in poche parole,
all’arte.
Comune di Molfetta
35
POOL
GIUGNO/ISD LAB

COMUNICAZIONE
VISIVA

ISTITUTO
SUPERIORE DI
DESIGN
DI NAPOLI
CORSO TRIENNALE DI
COMUNICAZIONE VISIVA
L’attuale condizione dei mercati ha sempre più soprattutto un’intenzionalità di direzionarla
ampliato le competenze dei singoli territori alla costruzione di una formazione di base
disciplinari (grafica, design, marketing), li ha ampia, pluridisciplinare e politecnica;
posti in relazione fra loro in un sinergismo una scuola capace di spaziare su tutte le
dinamico, richiedendo a ciascuna di esse una forme di comunicazione e di partecipazione
forte specializzazione. A questo è da aggiungere all’avvicendarsi delle poetiche e dei movimenti
il modificarsi rapido e inesauribile delle artistici, nonché delle varie tecniche, anche di
tecniche e delle strategie della persuasione, quelle speculative.
tanto da sovvertire paradossalmente i rapporti
tra prodotto e comunicazione e modificarne i
contenuti, le nozioni di advertising per includere
quella di branding.

Oggi l’interesse si è spostato dal prodotto

alla strategia più efficace per promuoverlo,
sostituendolo con gli scenari all’interno
dei quali sono utilizzati. In questo senso la
figura del grafico appare meno individualista
e sempre fondamentale nel contesto della
comunicazione aziendale. In compenso si
richiede una professionalità più complessa
nella formazione di base, con una maggiore
propensione a dialogare e a relazionarsi con
altre professionalità per la costruzione di quegli
scenari strategici all’interno dei quali i prodotti
sono esposti, commercializzati, etc.

Da quanto premesso ne consegue una

volontà di collocare l’Istituto Superiore di
Design in sintonia con gli orientamenti
dell’attuale mercato del lavoro, ma
36
POOL
GIUGNO/ISD LAB
EROS, (ETHOS)
COMUNICAZIONE
VISIVA
E THANATOS:
VIDEO-AMORE
E VIDEO-MORTE
DALLE AVANGUARDIE AL
DIGITALE, PER RACCONTARE
LA VITA ALL’ARTE DIGITALE.
La storia della videoarte nasce dalla convergenza
di due tensioni: da una parte la sperimentazione
di Pasquale Napolitano dei linguaggi, in cui viene indagata con
particolare intensità la complessa dimensione
temporale che il nuovo mezzo mette in campo;
dall’altra l’impegno politico e sociale, legato alle
potenzialità di registrazione della realtà, e perciò di
documentazione e informazione, proprie del mezzo.
È perciò importante soffermarsi su questo
caratteristico bisogno da parte degli artisti e degli
autori indipendenti, a partire dagli anni settanta,
di produrre un’attività creativa documentaria
soprattutto di segno antagonista a quella imposta
dai media di massa, in particolar modo dalla
televisione.
Il video si dimostra il mezzo più adatto allo scopo
per diversi motivi: innanzitutto dal punto di vista
della sua materialità - è evidente il suo legame
con la tv e ciò ne fa inevitabilmente uno strumento
“politico”; inoltre la sua economicità, la possibilità
di riprese illimitate, la coincidenza temporale fra il
momento della ripresa e la sua diffusione, unite alla
malleabilità, alla trasformabilità, alla possibilità di
distorsione, di astrazione che vanno sperimentando
gli artisti nei loro laboratori domestici, apre
innumerevoli, inedite e semplici possibilità di
espressione e comunicazione.
Il video diventa, quindi, un modo per determinare
il cambiamento sociale e l’intervento attivo delle
persone; uno strumento di liberazione estetica
dell’individuo e di lotta per opporsi alla nozione di
arte come esperienza separata dalla vita di tutti i
giorni.
È facile capire come tutte queste affascinanti
esperienze siano state raccolte dai videomaker che
si muovono con tecnologie digitali, strumenti che
consentono un notevole abbattimento di costi e
tempi di realizzazione, dando perciò un quoziente
di immediatezza ai materiali prodotti. È il caso,
mantenendosi sull’immediato contemporaneo, delle
esperienze di network produttivi a basso budget
partecipato, come la partenopea insu^tv, che, con
il suo Una Montagna di Balle del 2009, è arrivata
al festival di Toronto e poi alla ribalta di Current
Tv. La forza di un prodotto simile, (così come del
suo omologo Biutiful Cauntri) sta, oltre che ad un
rigo e analitico degno del migliore giornalismo di
inchiesta, anche e soprattutto nell’immediatezza del
prodotto rispetto al dibattito su un tema presente.
Nel 1971 Michael Shamberg e il gruppo Raindance
scrivono Guerrilla Television, il manifesto del
video di impegno, che diventa in pochi mesi il libro
rosso della controinformazione statunitense e che
esprime l’esigenza di “televisione decentralizzata
fatta dalla gente per la gente”; questo approccio
lo si riscontra come intento comune alle diverse
scuole di pensiero dell’epoca: dal celebre
movimento Fluxus all’Internazionale Situazionista.
Ancora, in polemica contro la presunta obiettività
del giornalismo documentario Shamberg fonda la
TVTV (Top Valute Television), il cui assunto è di offrire
un’informazione radicalmente differente da quella
distribuita dai diversi canali televisivi americani.
Attraverso l’uso alternativo del video-tape lo
scontro politico si arricchisce di una nuova lotta,
quella sull’informazione e sulla documentazione: il
video-tape si impone quindi come lavoro politico e
creativo, contro la videologia dominante.
Anche in Italia simili iniziative cercano di affermare
“il diritto sociale all’arte”. Nel 1976 si assiste
alla fondazione del Laboratorio di Comunicazione
Militante, sorta di ibrido affascinante tra video-arte
e militanza che darà poi vita a quello straordinario
soggetto collettivo noto come Studio Azzurro. In
questo periodo è interessante notare come anche
le esperienze artistiche che non si esprimevano
attraverso il documentario e che non si proponevano
alcun obiettivo dichiaratamente “militante” sono
riuscite a “contaminare” videoarte, videoinstallazioni
con un’azione critica. Demistificazione verso
l’istituzione televisione e sperimentazione dal punto
di vista tecnologico, rappresentano il leit motiv del
pensiero di Paik e Vostell, che già attraverso le
loro prime opere s’interrogano sul ruolo del nuovo
mezzo tv all’interno della società; Vostel con i suoi
decol-age; e Paik col suo tentativo di “umanizzare
la tecnologia” in Tv-Bra for Living Scultures o nelle
performance video-musicali. Lo stesso effetto
provocatorio lo riscontriamo in alcuni primi eventi-
installazione di Bill Viola, il quale ha contribuito a 01. Promozione del
espandere questa tensione in termini di tecnologia e documentario Una
ricchezza storica. montagna di balle
02. In situ intallazione di
Ritornando all’uso provocatorio del medium studio azzurro
video, c’è da dire che, non solo le esperienze di
decontestualizzazione dell’oggetto monitor, ma
anche modalità nuove di diffusione fanno parte di
quel clima appassionato di ricerca; mentre Viola
proiettava dalle finestre alla strada, Silvano Agosti
in Italia, insieme a Marco Bellocchio, Sandro
Petraglia e Stefano Rulli compie un piccolo miracolo
con Matti da Slegare, del 1975, girato interamente
nel manicomio di Colorno in provincia di Parma
con una tesi ben precisa: i malati mentali sono
persone “legate”, se si vuole curarli occorre slegarli,
reinserendoli nella comunità. Da questo film gli
autori hanno dato vita ad una campagna di opinione,
culminata nella legge per l’abolizione dei manicomi
del 1978.
Questa piccola casistica dimostra che il racconto
per immagini ha una forza enorme, che si può
raccontare eros e thanatos con il linguaggio del
video. Quello che cerchiamo di fare all’ISD, è
insegnare e condividere questo racconto e questo
linguaggio, attraverso le tecniche e le procedure
dell’editing digitale, cercando di trasformare
il magma del territorio e dei sentimenti, in un
racconto coerente, fatto di immagini, suono e
movimento.
38
POOL
GIUGNO/ISD LAB
COMUNICAZIONE
VISIVA
IL DIALOGO
PROGETTUALE,
TRA GENESI
E DISTRUZIONE
PROGETTISTA-DESIGNER: FANTASIA
E INVENZIONE AL SERVIZIO DELLA
CREATIVITÀ
Senza riaprire il dibattito sul rapporto tra cervello
e coscienza, tra mente, la ”cosa pensante”
di Domenico Catapano (res cogitans) e corpo (res extensa) - concetti
ampiamente chiariti ad esempio nel saggio
recente del neurologo Antonio R. Damasio (L’errore
di Cartesio - Adelphi), prendiamo a prestito il
lavoro metodologico cartesiano come spunto
per introdurre l’orientamento “organistico” (la
mente è nel corpo, la vita è nella morte) che può
essere traslato con la dovuta cautela all’ambiente
progettuale.
”Quando l’emozione è completamente esclusa dal
processo di ragionamento, (...) la ragione si scopre
essere ancora più difettosa di quando si intromette
nelle nostre decisioni, giocandoci i suoi tiri mancini”.
Ma facciamo un attimo un passo indietro, fin dove
Descartes riesce a darci il suo (ancora) valido
insegnamento sul metodo per “condurre bene la
propria ragione a ricercare la verità”.
“E come un gran numero di leggi riesce spesso a
procurare scuse ai vizi, tanto che uno Stato è molto
meglio ordinato quando, avendone assai poche, vi
sono rigorosamente osservate; cosí, in luogo del
gran numero di regole di cui si compone la logica,
ritenni che mi sarebbero bastate le quattro seguenti,
purché prendessi la ferma e costante decisione di
non mancare neppure una volta di osservarle.
La prima regola era di non accettare mai nulla per
vero, senza conoscerlo evidentemente come tale:
cioè di evitare scrupolosamente la precipitazione
e la prevenzione; e di non comprendere nei miei
giudizi niente più di quanto si fosse presentato alla
mia ragione tanto chiaramente e distintamente da
non lasciarmi nessuna occasione di dubitarne.
La seconda, di dividere ogni problema preso in
esame in tante parti quanto fosse possibile e
richiesto per risolverlo più agevolmente.
La terza, di condurre ordinatamente i miei pensieri
cominciando dalle cose più semplici e più facili
a conoscersi, per salire a poco a poco, come per
gradi, sino alla conoscenza delle più complesse;
supponendo altresì un ordine tra quelle che non si
precedono naturalmente l’un l’altra.
E l’ultima, di fare in tutti i casi enumerazioni tanto
perfette e rassegne tanto complete, da essere
sicuro di non omettere nulla”.
Il metodo che Cartesio propone nei tre precetti
successivi a quello generalissimo dell’evidenza
è desunto dalla pratica matematica: arrivare
all’evidenza della connessione di elementi
semplici ugualmente evidenti: dunque «dividere
ciascuna delle difficoltà... in tante parti quante
fosse possibile»; poi «condurre con ordine» il
ragionamento dagli oggetti più semplici a quelli più
complessi; e infine percorrere con «enumerazioni
complete» queste «catene di ragioni».
Ecco che l’intenzione esplorativa e conoscitiva si
sovrappongono con metodoligica evidenza alle
ragioni progettuali del Designer. È significativo e
consistente l’approccio alla conoscenza, che si fa

intuito e visione, che ri-conosce solo questo modo
per realizzarsi: sempre e solo conoscenza per
praesentiam. Infatti la concatenazione dei passaggi
del ragionamento, cui allude il precetto delle
«enumerazioni complete», è solo un distendersi
dell’evidenza nel molteplice dell’esperienza.
La problematica si discioglie in più numerose ma
piccole e meno tortuose strade che vanno poi a
re-incontrarsi e a convergere nella soluzione per il
raggiungimento dell’«evidenza».
Il lavoro del progettista-Designer parte sempre da un
ragionamento. Da un approccio inter-disciplinare,
dal Dialogo tra più «evidenze» «che si aiutano e
si perfezionano a vicenda in modo da apparire
convergenti in una sola, attraverso un movimento
del pensiero che attentamente intuisce le cose
singole e, a un tempo, si trasferisce in altre».
Senza andare oltre, senza voler arrivare
all’«interamente indubitabile», è chiaro che il
dialogo posto in essere è l’unico luogo in cui si abbia
la tangenza tra problema e soluzione del problema;
il pane e l’acqua di cui si ciba il design.
Vignelli, che parla appunto di “risoluzione di
problemi”, descrive due approcci al design: quello
strutturato e quello emotivo. Ma la sostanza non
cambia.
Molti graphic designer si occupano prettamente
di questo. Un cliente porta loro un “problema” e
loro usano le loro competenze per risolvere quel
Mappa della
metropolitana di NY
dello Studio Vignelli
problema. La nozione di essere un risolutore di 01. Casey_reas
problemi si addice bene alla mentalità dei molti 02. Joshua Davis
designer di natura analitica e oggettiva: per essere
un buon designer bisogna vedere le cose dall’ottica
del potenziale utente.
Il Design è comunicazione e dunque dialogo; in
particolar modo se settorializziamo l’ambito Visual.
Dialogo, interazione. Informazioni che partono da un
mittente ed arrivano ad un destinatario con in mezzo
tutto ciò che la realtà ci può imporre, specie i codici
linguistici e culturali.
Il Design è una multi-lingua. Universale, global.
E con accenti local, con logiche dialogiche che si
innervano inevitabilmente nel tessuto culturale
geografico. Ad ogni modo “Design is one”!
“Subject change, materials change, processes change,
but the creative and investigative mind proceed
relentlessly with its own discipline trough all necessary
steps toward the relative solution of the given
problems”. E torniamo al tentativo cartesiano.
Tuttavia Vignelli continua dicendo: “I say relative
because there is nothing absolute, everything follows
your own discipline, your own interpretation of the
reality, your own creative force. Time, exposure
focus and determination are the fuel of creativity”.
Lasciando dunque la porta spalancata all’”Eros”.
La res cogitans, il pensiero “erotico” e passionale
del caos creativo che esplora e crea nuovi mondi
attraverso la fantasia, l’invenzione, la creatività e
l’immaginazione che in Munari vengono in qualche
40
POOL
GIUGNO/ISD LAB
COMUNICAZIONE
VISIVA
modo incanalati “allo scopo di capire le cose e i
fenomeni che stanno attorno a noi”. Una specie
di razionalismo creativo la cui esplosione attiva
i “recettori sensoriali” in azione simultanea con
l’intelligenza che cerca di “coordinare ogni tipo di
sensazione per rendersi conto di ciò che succede”.
La creatività rappresenta un uso finalizzato della
fantasia - che a sua volta è libera di pensare
qualunque cosa - e dell’invenzione (pensare a
qualcosa che prima non c’era); insieme, questi
tre concetti “pensano” ciò che l’immaginazione
visualizza, che non deve essere necessariamente
“creativa”. Può anche solo limitarsi a ri-creare
l’evidenza, può immaginare qualcosa che “già esiste
ma che al momento non è tra noi”.
Ciò che la fantasia produce, così come la creatività
e l’invenzione, nasce da relazioni (dal dialogo)
che il pensiero fa con ciò che conosce. L’inter-
disciplinarità in Munari è molto forte: “La fantasia
sarà più o meno fervida se l’individuo avrà più o
meno possibilità di fare relazioni”. Il progettista, il
designer, nel suo caos creativo, nelle sue esplosioni
passionali e immaginative avrà più possibilità
di successo se farà riferimento ad un ambito
culturale e disciplinare ampio; allo stesso modo
se ragioniamo in termini di team. Il brainstorming
spesso viene considerato una perdita di tempo, ma
in alcuni casi può rappresentare l’incontro emotivo
più adatto per trovare le strade da percorrere.
Il cogito ergo sum di Cartesio introduce la necessità
che il pensiero chiaro e distinto, evidente, trovi la
sua corrispondenza nella realtà. Il dialogo tra res
cogitans e res extensa, tra vita e morte, tra Eros e
Thanatos; la consapevolezza che tra questi doppi
domini ci debba essere sempre una interazione, un
dialogo.
Il progetto nasce e vive nel suo approccio fervido
e passionale, nel suo percorso iniziale dove le
pulsioni si uniscono all’incanto immaginifico e
creano nuovi mondi. Vive nel percorso tracciato, vive
nell’esplosione e nel dialogo creativo iniziale che va
instradato, va smussato e aggiustato passo passo.
Come uno scultore che toglie pezzi per realizzare la
sua opera.
L’”Eros”, la passione, viene contenuta, viene arginata
in un percorso progettuale che muore nel prodotto.
Quando l’oggetto immaginato diventa reale smette
di essere “Eros”, smette di essere pulsione di vita e
si avvia verso “il desiderio di concludere la sofferenza”
(S. Freud), per tornare al riposo. La passione è forse
quell’esperienza amorosa che più di tutte ospita
nelle sue viscere la pulsione di vita e la pulsione di
morte in una possibile, anche se difficile, convivenza
tra il caos e la perfezione, tra l’irrazionale e il
razionale, tra Eros e Thanatos. Questa dualità,
questa medaglia dalla doppia faccia è il tutt’uno
dell’approccio olografico ed è la sua interezza la
realtà più fondamentale. È il comportamento delle
parti ad essere organizzato dal suo insieme e non
viceversa.
David Bohm ci ha insegnato a considerare l’universo
nella sua interezza, dividere la realtà in parti e
poi dar nome a quelle parti è sempre un agire
arbitrario, un prodotto della convenzione, perché
tutte le cose dell’universo non sono separate le une
dalle altre più di quanto non lo siano i diversi motivi
decorativi di un tappeto (in Tutto è uno, di M. Talbot).
Ragionare per sistema. Le parti che formano il tutto
ma che da esso sono indivisibili e indistinguibili.
Dunque se guardiamo all’obiettivo, al “tornare
al riposo”, la soluzione del problema sta nel
suo approccio metodologico e nel dialogo; la

scomposizione cartesiana e la ricomposizione
razionale che passa attraverso la montagna del
caos, che si fa strada, che scava un tunnel nel
linguaggio logico-simbolico e va verso l’interruzione
del flusso necessario alla dialettica affinché si
ponga dei limiti all’interno dello spazio e del tempo.
Il percorso di vita e di morte. Il percorso di fare
Design che ha in sé l’irrazionale creativo e il
razionale metodologico; che crea e distrugge nello
stesso momento in cui il progettista poggia la matita
sul foglio bianco.
Se il “tutto è uno”, se ragioniamo in termini di
sistema, un ulteriore dialogo cui il designer non
può sottrarsi è rappresentato dalla responsabilità
sociale.
Nell’attuale sistema capitalistico avanzato - votato
ad un’incessante espansione della produzione
- prende piede una nuova economia psichica:
il capriccio che sostituisce il desiderio. (Harvie
Ferguson)
L’individuo esprime sé stesso attraverso le cose
che possiede - e questo è pacifico. Il designer deve
affrancarsi dalla costruzione di falsi bisogni: si tratta
di progettare oggetti, non consumatori; oggetti e
servizi che ci semplifichino la vita e non induzione
all’acquisto.
From consumers to people (M. Gobé), dal Thanatos
all’Eros; dall’abbandono progressivo e costante della
logica del business is business allo sviluppo di una
responsabilità ben più ampia nei confronti della
società e delle persone; una responsabilità verso il
proprio ambiente in termini globali.
Un compito morale, una vocazione, un impegno
di tipo etico. Non si tratta più di individuare un
bersaglio, di definire il target, di analizzare i
comportamenti d’acquisto e l’agire di consumo.
Piuttosto si tratta di contestualizzare il consumo
e la produzione entro uno scenario di sistema
multidimensionale, olistico, integrato.
L’Uomo e il suo intorno si vanno a sostituire al
consumatore e al mercato! La pulsione di vita vince
sulla pulsione di morte.
Da sinistra:
Copertina del libro
Design is Art di Bruno
Munari, opera Campari
di Bruno Munari,
FRA CREATIVITÀ E METODO
di Daniele Marino
Il progettare stimola il processo del “non
conosciuto”, o meglio del “non risolto”. Una
sperimentazione dove l’eros e il caos si aprono al
contesto delle nuove associazioni e delle relazioni
mentali, in una sorta di sospensione temporale. Ad
un processo nel quale il nostro pensiero emotivo
si nutre di percezioni, ricerche e connessioni
provenienti da “territori” apparentemente distanti,
ma che semplicemente non erano stati messi in
relazione. Una transizione dove la combinazione,
la compenetrazione e i contrasti non producono il
temuto disordine ma una ricchezza, in cui si realizza
un gioco di scambi anche tra eccessi opposti.
Da ciò il metodo progettuale si alimenta, generando
una sorta di dimensione trasversale in cui si
annullano i giudizi sul buono o cattivo risultato.
Queste sono le volte in cui è l’Eros a prevalere
sulla distruzione di Thanatos. Ma possiamo
considerare l’atto della distruzione come un atto
di per sé creativo e progettuale. Un contrasto in
cui si rimescolano i tasselli, e si ricompongono
realizzando un percorso inedito. Uno spazio in
cui tutto si trasforma e si traduce in qualcosa di
continuamente diverso, nel quale si ricostruiscono
significati e processi. Insomma, una distruzione
che può essere intesa come trasformazione
dell’artefatto e soprattutto come un esperimento
finalizzato a togliere il superfluo e ad arrivare
consapevolmente all’essenziale.
Il connubio tra questo contrasto generativo/
distruttivo può tradursi con il pensiero di Munari:
“Creatività non vuol dire improvvisazione senza
metodo. La serie di operazioni del metodo
progettuale è fatta di valori oggettivi che diventano
strumenti operativi nelle mani dei progettisti
creativi. Il metodo progettuale per il designer non
è qualcosa di assoluto e di definitivo; è qualcosa
di modificabile se si trovino altri valori oggettivi
che migliorino il processo. E questo fatto è legato
alla creatività del progettista che, nell’applicare
il metodo, può scoprire qualcosa per migliorarlo.
Quindi le regole del metodo non bloccano la
personalità del progettista ma, anzi, lo stimolano a
scoprire qualcosa che, eventualmente, potrà essere
utile anche agli altri”.
42
POOL
GIUGNO/ISD LAB

COMUNICAZIONE
VISIVA

EROS E THANATOS
VITA E MORTE
PERCHÈ IL PENSIERO UMANO ANTICO
CONTRAPPONEVA EROS A THANATOS?
In teoria l’opposizione più naturale non è tra
l’Amore e la Morte, ma tra la Vita e la Morte.
di Emiliano De Masi Il punto è che Eros e Thanatos non sono
e Milly Barbuto banalmente “amore e morte” ma gli impulsi
creatori e distruttori. Il primo è il Desiderio
universale, cosmico, che attrae gli elementi
e che spinge la Natura a dare i suoi frutti.
Il secondo è la tendenza alla disgregazione
degli elementi. In questo vi è anche una certa
base materialista anche nella mitologia greca.
Inoltre, leggendo Esiodo, non sorprenderà il
fatto che Eros e Thanatos sono posti all’inizio
della genealogia e della cosmogonia, in
quanto è proprio Eros che permette a Chaos
di generare. ‘Eros’ non è l’angioletto con
arco e frecce che la tradizione più tarda ci
ha tramandato, ma proprio questo impulso
creatore. Un’altra interpretazione più idealistica
spiegherebbe questa opposizione col fatto che
il concetto di vita avrebbe un’accezione più
ristretta rispetto a quello dell’amore. Basti
pensare che per amore di un ideale, si potrebbe
perdere la vita.

Negli ultimi anni il matrimonio è diventato un
argomento piuttosto articolato, basti pensare a
quante persone decidono di sposarsi in età fin
troppo matura o addirittura scelgono la convivenza
senza avvertire l’esigenza di legarsi in matrimonio;
o ancora a coloro che vorrebbero sposarsi, ma che
non hanno ancora la possibilità economica per
poter finalizzare e quindi rischiano di portare il loro
rapporto ad un numero di anniversari da record (10-
15 anni)... a coloro che scelgono di divorziare... e a chi
ancora non pensa assolutamente al matrimonio...
Va a finire che il trasgressivo è quello che si sposa.
Se lo fa in chiesa e poi magari rimane fedele per
più di qualche anno, diventa persino un caso.
Secondo l’ultimo rapporto Eurispes, nel 2010 le
unioni saranno il 6,6% in meno rispetto al 2007.
Quelle religiose poi registreranno un calo del 16%.
“Ormai quasi il 30% delle nozze in Italia è celebrato
in comune” spiega Pietro Belletti, direttore Cisf, il
centro italiano studi per la famiglia, incaricato dalla
Cei di monitorare l’andamento dei matrimoni nel
nostro Paese. La conseguenza, secondo Belletti,
è che chi sceglie di dire sì davanti a Dio lo fa con
maggiore consapevolezza rispetto al passato: “Anche
perché sa di dover frequentare i corsi preparatori che
impongono un certo impegno”.
Ma a impegnarsi sono rimasti in pochi. Avvicinarsi
all’idea di famiglia, negli anni 2000, coincide sempre
di più con la ben meno vincolante convivenza.
IL
MATRIMONIO
IERI, OGGI E... DOMANI?
DIRECTION MILLY BARBUTO
PRODUCTION ISD NAPOLI
ARRIVA UN DOCUMENTARIO
CARATTERIZZATO DA CINQUE
INTERVISTE, CIASCUNA
RAPPRESENTANTE UN’EPOCA
DIVERSA E CAPACE DI
ESPRIMERE IN BASE ALLA
PROPRIA ESPERIENZA IL
CONCETTO DI MATRIMONIO.
UNA VIVIDA RAPPRESENTAZIONE
DEL DELL’UNIONE AMOROSA, DI
COM’ERA IERI, DI COME APPARE
OGGI E DI COME POTRÀ ESSERE
DOMANI.
Secondo l’Istat, le convivenze sono 800 mila, due terzi In alto a sinistra:
delle quali finiscono però con i fiori d’arancio. Gli altri alcuni fotogrammi
preferiscono stare lontano da altare e comune. I figli del documentario
si fanno lo stesso: il 20% delle nascite oggi avviene
fuori dal matrimonio. “Nel 2015 le convivenze
supereranno i matrimoni” prevede Alessandro
Rosina, demografo all’Università Cattolica di Milano.
“Tra le donne nate negli anni ‘60, solo il 10% si è
sposato dopo avere convissuto, il 25% tra le nate nei
‘70. Le nostre proiezioni ci portano a prevedere che
per le figlie degli anni ’90 il dato supererà il 50%”.
Ci si continua a sposare, anche se negli ultimi
30 anni i matrimoni sono diminuiti del 30% (nel
’72 l’Istat registrava 392 mila matrimoni contro i
249.242 del 2008), anche se siamo l’unico Paese
al mondo dove per divorziare bisogna passare
dalla separazione legale... Prima di pronunciare
il sì vincolante, ci si pensa non poco: secondo le
previsioni Eurispes, l’età media sarà 34 anni per gli
sposi e 30 per le spose. Se si pensa che fino a tre
generazioni fa una ragazza di vent’anni senza la fede
al dito era già in odor di zitellaggine…
44
POOL
GIUGNO/ISD LAB

COMUNICAZIONE
VISIVA

AMORE
E MORTE
L’ETERNA
CONTRAPPOSIZIONE
La contrapposizione di due forze estreme,
opposte, che possono essere ordine e disordine,
di Amanda Picardi caos e materia: il tema dell’Eros e del Thanatos,
mutuato dalla filosofia greca e sempre di
eccezionale attualità, torna nell’opera di
Amanda Picardi con tutta la sua forza creatrice
e distruttrice.

Il simbolo di due teschi nell’atto di baciarsi

sintetizza la contrapposizione fra l’impeto
passionale e l’annientamento estremo,
entrambi posizionati su tre diversi sfondi. Il
primo, su background nero, è servito a rendere
l’idea di una radiografia che riesce ad andare
nella profondità della scena ed a visualizzare
addirittura il cranio dei due amanti; tutti
elementi che richiedono all’arte di scendere in La terza, e probabilmente la più importante,
profondità, per comprendere lo stato in cui versa è quella su fondo rosso, perchè è proprio
l’umanità, spingendoci oltre i normali canoni questo colore che già da sè riesce a indicare
estetici come nel ritratto/radiografia fatto fa la contrapposizione fra Amore e Morte, fra
Piotr Uklanski a Francois Pianult. passione e sangue. Un tentativo simile lo si può
ritrovare anche in un’opera come Il Bacio di
Il secondo, su base bianca, riporta ad una Klimt che, nonostante la raffinatezza formale
concezione artistica ed anatomica, quasi si e l’eleganza stilistica, presenta elementi che
trattasse di uno schizzo preparatorio su cui lasciano intuire la possibilità di un lato oscuro
vengono impresse delle parti anatomiche, come legato all’instabilità degli equilibri fra elementi
nel caso dall’amorino di Luigi Miradori che contrapposti.
dorme su un teschio.
DE CHIRICO:
CLASSICISMO
IN MUTAZIONE
di Ilaria Preverin
Senza la scoperta del
passato, non è possibile
la scoperta del presente
(G.De Chirico)
Sono muse inquietanti quelle che carpiscono il
nostro sguardo all’ingresso delle Scuderie del
Castello Visconteo di Pavia e ci invitano a svelare
l’enigma del legame di Giorgio de Chirico con il
mondo classico. Un rapporto che affonda le proprie
radici nei natali greci dell’artista (Volos, Tessaglia
10 luglio del 1888) e che si consolida nel tempo,
passando per la romantica Monaco di Baviera,
dove l’artista si dedicò agli studi classici, sino ad
approdare all’arte Metafisica. Oltrepassando le
cose naturali, De Chirico fa esplodere i concetti
di spazio e di tempo, riducendoli ad una forma
circolare difficilmente comprensibile, immobile e
sospesa.
Nella rocca trecentesca sono ospitate 40 opere
di de Chirico - tra dipinti e sculture realizzati tra
gli anni Trenta e gli anni Settanta del Novecento
- selezionate da Victoria Noel-Johnson e Sabina
D’Angelosante per la Fondazione Giorgio e Isa de
Chirico di Roma, da cui provengono tutti i lavori.
Ad esse sono affiancate una serie di reperti Nella foto: Giorgio De
provenienti dai Musei Archeologici della Provincia Chirico, I gladiatori dopo il
di Salerno, selezionati da Matilde Romito, che combattimento, 1968,
evidenziano la suggestione esercitata dal classico olio su tela,
nell’arte del maestro della Metafisica. Fondazione Giorgio e Isa
L’artista, che spesso affermava di essersi “messo de Chirico, Roma
a copiare nei musei” le opere antiche, non si
limitava, però, a riprodurle meccanicamente sulla
tela. Egli vi applicava il filtro della memoria, di una
nostalgia romantica verso una mitica dimensione
onirica, in cui i personaggi dell’epos greco sono
tramutati in manichini meccanici, senza volto né
identità se non per gli oggetti di uso comune ad
essi giustapposti.
Nel contemplare le opere di de Chirico sorge il
dubbio che del classico, dopo l’affannoso lavoro
dell’artista di calco e metamorfosi mediato della
sensibilità böckliniana, non resti più che un ricordo,
un residuo, tanto esiguo quanto potente perché
profondamente rinnovato nel suo significato. Il
classicismo che ne emerge è un fatto del tutto
inedito, una base da cui partire per le conquiste
del nuovo: “Siamo esploratori pronti per altre
partenze”, dichiara de Chirico nel 1918 in un
testo dal titolo indicativo in questo senso: Zeusi
l’esploratore, per “Valori Plastici”.
Che sia questa la chiave del mistero che rende
ancora oggi le sue opere così affascinanti?
46 NORD AMERICA
POOL
GIUGNO/ARTE
N 001
MORE TO LOVE
L’AMORE AL TEMPO DEL POP
SURREALISMO
di Roberta Fiorito
www.fabricafluxus.it
04
“In art only the bizarre is beautiful”
Baudelaire
L’amore è tenero e dolce. L’amore è desiderio…
L’amore è la solitudine disperata, è l’angoscia
dell’assenza, è la violenza e il furore della
passione. L’amore perde, acceca, affascina, divora,
è l’animalita a spingere gli esseri a esplorarsi,
possedersi. L’amore si manifesta con una carica
travolgente incomprimibile. L’amore...
“Tutto è colmo d’ amore, devi solo voltarti, girare
lo sgaurdo… è tutto intorno a te…” diceva una
saggia donna in un suo celebre pezzo. Ecco a voi
un possibile percorso attraverso i più talentuosi,
irriverenti e visionari artisti della scena Lowbrow!
01
RAY CEASAR
Nato in Inghilterra nel 1954, si trasferì ben
presto a Toronto dove vive e lavora.
I suoi ispiratori: Hopper, per l’uso della luce
e per la maniacale e a dir poco fiamminga
attenzione al dettaglio.
Segni particolari: Ha lavorato per 17 anni nel
dipartimento di arte e fotografia dell’ospedale
di Toronto per bambini documentando abusi
e ricostruzioni plastiche. Lui stesso ammette
di svegliarsi la notte, in preda agli incubi, e di
cominciare a disegnare.
MARK RYDEN
Nato a Medfort nel 1963, vive e lavora a L.A.
I suoi ispiratori: Bosh, Magritte, Bruegel,
Ingres, la pittura scara italiana e spagnola.
Segni particolari: la sua abitazione è sommersa
da una collezione di gingilli, giocattoli antichi,
statue e libri. Piccole manie personali: mette
i suoi colori a olio in recipienti appartenuti ai
grandi maestri del passato e in merito sostiene:
«Suppongo che abbiano doti trascendentali.
Non so se si tratta di magia ma questi colori non
funzionavano così prima».

TARA McPHERSON
Nata a San Francisco nel 1976, vive e lavora a
New York.
I suoi ispiratori sono la vita e il rock’n roll,
Melvins, Beck, Modest Mouse e tanti altri per
cui ha realizzato locandine e cover.
Segni particolari: nei suoi dipinti c’è un
ritratto di uomo ogni 60 donne. Non le piace
disegnare i corpi maschili, preferisce, nel caso,
personalizzare il genere maschile in docili
animaletti. Parallelamente alla sua attività di
pittrice suona il basso in una scapestrata band
femminile.
MICHAEL HUSSAR
Nato nel 1964, vive e lavora in California.
I suoi ispiratori: da Dalì a Tim Burton, da Frida
Kahlo a Goya.
Segni particolari: parla del suo lavoro come di
“uno scatto voyeuristico all’umanità percepita,
un mondo meraviglioso, gotico, illuminato
dall’area grigia tra la verità e la menzogna”. In
Italia è diventata celebre la sua copertina del
libro V.M. 18 di Isabella Santacroce ed è giunto
per la prima volta nel “Bel Paese”, nonostante
la sua fama internazionale, solo qualche
mese fa, accolto dalla galleria romana Mondo
Bizzarro.
02 03
LOWBROW E POPSURREALISMO.
Sono brutti, sporchi e cattivi. Questo gruppo di artisti 01. Ray Caesar
non proviene dai circuiti artistici tradizionali, sono Arabesque
fumettisti, tatuatori, illustratori, decoratori d’auto, 2009
hanno base a Los Angeles, ma oramai hanno
“infettato” anche l’Europa e l’Italia. Si cimentano 02. Mark Ryden -
con la pittura, la scultura, disegnano toy, producono Grotto of the Old Mass
bambole e cartoon. “Mixano” indistintamente 2008
cultura alta e cultura bassa (proprio da questa
ambivalenza venne coniata l’etichetta lowbrow in 03. Tara McPherson
antitesi all’hightbrow). Cresciuti divorando fumetti, tv, Hey We All Die
cinema e pubblicità, rivisitano la contemporaneità Sometimes
dando vita – ora in stile apocalittico e simbolista, 2009
ora con squisite tinte da pittura fiamminga, ora in
salsa noir-gotica – ad inquietanti e spregiudicati 04. Michael Hussar
scenari. Creano scompiglio nel mondo dell’arte, o Daddy’s Girl
li si ama spassionatamente o li si odia. Tra i loro più 2004
accaniti sostenitori vecchi e nuovi divi di Hollywood,
celebrità del mondo musicale e cinematografico,
già da anni contagiati dai loro favolosi immaginari.
Tra i primi Michael Jackson, che affidò la grafica
della copertina del disco Dangerous al grande
Mark Ryden, e poi tra i loro grandi ammiratori e
collezionisti ci sono Jim Jarmush, Leonardo Di
Caprio, Cristina Ricci, i Flaming Lips e Stephen King,
un fenomeno, questo, che di sicuro negli anni ha
contribuito alla diffusione e alla conoscenza di
questi artisti.
48
POOL
GIUGNO/ARTE
I GRANDI LEGNI
DI ANDREA BRANZI
NUOVI ARCHETIPI
di Davide Fabio Colaci
AMBIENTALI DELLA
COMPLESSITÀ
CONTEMPORANEA
Essere critici verso la contemporaneità sembra
essere oggi l’unico atteggiamento possibile per una
lucida indagine all’interno dei confini sempre meno
perimetrabili del mondo progettuale. Andrea Branzi,
con i suoi Grandi Legni, ci regala un’altra significativa
riflessione sulla nostra cultura del progetto, dando
forma e spessore a un territorio capace di misurarsi
con i limiti fisici e culturali della nostra condizione.
Il confronto quotidiano con la contemporaneità
fatica ancora a interiorizzare quella dimensione
conoscitiva che caratterizza la società globalizzata,
viviamo infatti un’epoca in cui l’estetica progettuale è
incarnata da una logica così raffinata e depurata da
essere autoreferenziale. Il progetto non è più capace
di produrre sviluppo e di parlare alla quotidianità
attraverso i grandi temi dell’uomo come la vita,
l’amore, la morte, il sesso, la religione. Realizzare
ambienti che abbiano la capacità di sondare il
mondo materiale confrontandosi con i miti della
contemporaneità e dell’antichità sembra essere
l’obiettivo di Andrea Branzi, che ricerca in una chiave
di lettura “sciamanica” la spinta propulsiva per
superare i limiti oggettuali del design stesso.
I Grandi Legni, infatti, nascono da una discontinuità
che non dissocia il passato dal presente ma interpreta
con profonda sacralità la nostra geografia mentale,
accomunando modelli antichi che appartengono alla
nostra contemporaneità e oggetti contemporanei che
invece nascono già antichi. Mosaici, icone cristiane,
paesaggi cinesi, pittura moderna, tutto si mescola per
“bruciare e rigenerarsi in una fiamma sacra” come
nella musica incendiaria di Jimi Hendrix. Segmenti
di natura, canarini vivi, profili antichi, cartoni stampati
e oggetti consunti, trasformano i Grandi Legni in
oggetti spuri e iper-espressivi, unici e liberamente
utilizzabili, capaci di concentrare la loro domesticità in
una dimensione autonoma simultaneamente lontana
e vicina al mondo dell’architettura e del design. La
grandezza dei legni è ricomposta in strutture di travi
antiche e ferro battuto con tagli, incastri e colorazioni
realizzate a mano, marmi policromi e riproduzioni
di affreschi romani, serigrafie su larice massiccio
bruciato, intuizioni di Resurrezioni di Lazzaro e
frammenti di fughe, d’Egitto ovviamente.
Questa serie di installazioni lignee non vuole essere
una produzione di elementi di arredo, ma si configura
come una narrazione di “strutture-archetipo”, capaci
di dialogare direttamente con il vuoto che le contiene,
trasformandosi a volte in oggetti di scena, a volte in
strumenti d’uso ma sempre in testimonianze vitali
dell’abitare contemporaneo. È forse per questo
che i Grandi Legni appartengono a quel mondo
destrutturato, fatto di realtà funzionali e simboliche
che cercano di trasformare il territorio a partire dalle
sue componenti più piccole e più significative, proprio
come Mohammad Yunus che con i suoi micro-
crediti è riuscito a cambiare l’economia domestica di
milioni di persone, più di quanto non abbiano fatto le
macro-riforme economiche di tutto il secolo scorso.
La stessa capacità molecolare di trasformazione
dell’ambiente e il senso di interstizialità della nostra
cultura progettuale, sembrano animare la serie dei
Legni presentati per la prima volta a Parigi, nella
storica galleria di Azzedine Alaia, e realizzati da
Design Gallery Milano e Nilufar.

Questa ibridazione tra materie e realtà funzionali

rilegge in chiave critica la nostra attuale dimensione
tecnologica, che in questo caso viene assolta dal
vincolo della sua funzione e dalla necessità di essere
riconoscibile all’interno di un ambiente. Proprio
questo nuovo valore di “presente assenza” delle
tecnologie sembra aprire un nuovo territorio fatto di
materia, di unicità e di senso, più libero e sfuggente,
costituito da una serie di dispositivi capaci di ricostruire
un’altra realtà dell’ambiente umano, sensibile ed
emozionante. Questo grande vuoto lasciato dalle
tecnologie immateriali sembra, quindi, aprire un
vortice fatto di materia, rappresentato da un futuro
primitivo ma soprattutto alternativo, necessario per
ricostituire nuove origini del progetto.
50
POOL
GIUGNO/MUSICA

Agreste. Secco. Incandescente. Il

di Mimma Schirosi cielo di Carosino, piccolo comune
nella provincia di Taranto, è colmo
d’arancio, nel mezzogiorno d’estate.
Le foglie pare distillino piccole gocce
di sudore, appena asciugate dalla
miracolosa brezza di tramontana.
Le pareti di calce delle case mutano
il bianco immacolato nel giallognolo
dell’afa. Gli esseri umani, sospesi
tra la fedeltà alle tradizioni e
l’integrazione all’imperativo urbano
della fretta, conducono la propria
esistenza cercando degli agevoli
compromessi tra passato, presente
e futuro.
JOHN CAGE
Parlare di John Cage in un surrogato è
blasfemo, ed allora privilegiamo il gioco degli
indizi, per i non addetti ai lavori. Compositore
statunitense, tra i protagonisti fondamentali
dell’evoluzione della musica contemporanea,
vissuto per quasi tutto il secolo scorso (1912-
1992), ma anche filosofo, poeta, pittore,
scultore. Figlio di un inventore e di una
giornalista, partendo da una formazione
classica, trascorrerà la sua esistenza
nell’esplorazione stoica del noumeno musicale,
pervenendo al riconoscimento del silenzio
quale ulteriore suono, piuttosto che tabula rasa
uditiva, e realizzando, nel 1952, l’opera 4’33”,
per qualsiasi strumento e consistente nel non
suonare lo strumento stesso. Con questa sorta
di provocazione, Cage cerca di dimostrare come
non sia dato un ambiente a-sonoro, poiché
l’esistenza è densa di rumore quotidiano,
prodotto dal nostro stesso corpo e dall’ambiente
circostante.
UN LABORATORIO
DI “ECOLOGIA
DEL SUONO” PER
COMPRENDERE GLI SPAZI
DELLA NOSTRA
QUOTIDIANITÀ
John Cage è anche qui. Improbabile ma vero. Il
pretesto è idiomatico, definito dall’espressione
“Caete” (“Che è?”), divenuto acronimo del
progetto Cittadinanza Attiva E Territorio, fondato
sul riconoscimento dell’arte quale strumento di
animazione territoriale.
Titolare del progetto è l’Associazione di Promozione
Sociale LAB LIB, che lo sviluppa su quattro assi
d’attività: Ecologia del suono, Scrittura e costruzione del
libro, Lettura animata, Arte per la società, rivolgendosi
alle scuole, ai bambini, ai ragazzi ed agli anziani.
Tornando a Cage, egli diviene apertura e chiusura
del cerchio di talune attività svolte dal Laboratorio
di Ecologia del Suono, con la volontà di restituire
agli esseri umani una più profonda consapevolezza
dello spazio sonoro nel quale si è immersi
quotidianamente.
Ma qual è la reazione di una piccola comunità del Sud
Italia di fronte ad un progetto educativo e formativo
“di nicchia”? Francesco Giannico, responsabile del
Laboratorio ed egli stesso musicista elettroacustico/
sperimentale, ci parla di una certa curiosità di fondo,
alimentata avvicinando i partecipanti all’ascolto di
sonorità insolite, come la performance di John Cage
Cage in Water Walk, ma con un piglio quasi giocoso ed
informale, così da abbattere barriere potenzialmente
controproducenti.
Ciò che ne viene fuori è A Kind of Tribute to John
Cage, miniatlante visivo dei suoni campionati e delle
musiche eseguite dai ragazzi della Miniorchestra
Caotica, nata nel laboratorio di Ecologia del
SOME FRIENDS
A Kind of Tribute to John Cage, ponte virtuale tra
esseri umani diversamente allocati nel mondo
nel nome di John Cage, ospita i contributi
di: Kim Cascone, compositore americano di
musica elettronica e supervisore musicale per
David Lynch in Twin Peaks e Cuore Selvaggio;
Amy Denio, polistrumentista, compositrice e
songwriter di Seattle; Zac Nelson aka Hexlove,
inventore del “pop senza canzoni”; Ben
Chatwin aka Talvihorros, raffinato musicista
elettroacustico ed ambient di base a Londra;
Francesco Giannico, musicista elettroacustico/
sperimentale e regista del dvd, oltre che
responsabile del Laboratorio di Ecologia
del Suono, nell’ambito del Progetto Caete;
Fabio Orsi, altro talento pugliese della scena
sperimentale, ormai riconosciuto a livello
internazionale.
Suono, con la partecipazione totalmente libera
ed incondizionata di alcuni musicisti nazionali ed
internazionali (Kim Cascone, Fabio Orsi, lo stesso
Giannico, Amy Denio, Hexlove, Ben Chatwin)
attraverso vari contributi musicali (field recordings,
linee di pads). La parte musicata dalla Miniorchestra
Caotica è realizzata con campioni audio di strumenti
non convenzionali (buste di plastica, lattine, pentole,
giocattoli). A questi suoni sono state applicate due
sovraincisioni: la mappatura sonora del paese di
Carosino e l’insieme dei contributi musicali pervenuti
da vari artisti.
Balle di fieno, tralicci al tramonto, altalene d’antica
fattura, giochi di piccoli piedi riflessi su di uno scivolo,
partite di calcetto, frammenti di jogging si alternano
in un ciclico flusso di coscienza che, dal bianco e
nero, torna al colore, passando attraverso il negativo,
come in un anomalo pulsare del normale stato di
coscienza, che cadenza da sé, stabilendone velocità
minima e massima, i ritmi circadiani. La soundtrack,
connubio straniante tra rumori umani e suoni alieni,
contribuisce a restituirci l’immagine di un’umanità
fuori e dentro il contesto spazio-temporale che
le fu grembo materno, come variazione sul tema
dell’Angelus Novus di Klee nell’interpretazione di W.
Benjamin.
Angelo in corsa verso il futuribile, ma con lo sguardo
rivolto al passato. Un passato troppo remoto
per sopravvivere, troppo prossimo per essere
definitivamente bandito.
52
POOL
GIUGNO/MUSICA
LCD SOUNDSYSTEM
This Is Happening
(DFA/Emi)
Voto: 6/10
James Murphy: musicista definitivo dell’ultimo
decennio o il più astuto conoscitore/manipolatore
di Beppe Recchia e in circolazione dell’estetica pop? Il coro unanime
Michele Casella di consensi raccolto con il precedente Sound Of
Silver difficilmente potrà ripetersi con questo
nuovo – e, stando alle dichiarazioni, ultimo –
lavoro; una produzione troppo levigata, la scelta
di allungare la durata delle canzoni sino quasi
a renderle remix di se stesse, e più di tutto
l’aver preferito al bricolage delle citazioni il
vero e proprio omaggio (All I Want e Somebody’s
Calling Me riscrivono rispettivamente Heroes
di Bowie e Nightclubbing di Iggy Pop) fanno di
This Is Happening un disco che tende a sfiancare
l’ascoltatore piuttosto che persuaderlo che c’è
ancora tempo per un ultimo ballo.
Può darsi che il marchio LCD Soundsystem
non goda più delle complete attenzioni del suo
creatore, se è vero che You Wanted A Hit gira
intorno al martellante refrain di “We won’t
be your babies anymore”, ma almeno in tre
occasioni Murphy fa ancora centro: Drunk Girls è
un’insolente figlia di Boys Keep Swinging di Bowie;
Dance Yrself Clear mette a frutto i suoi quasi
nove minuti partendo in sordina e cambiando
improvvisamente marcia in un’accelerazione di
bassi profondi che ne squarciano la melodia; I
Can Change ha lo stile della ballata trasfigurata
in un lucente synthpop. È tempo allora di una
reinvenzione prima che sia troppo tardi per
ritrovare mordente. (B.R.)
COCOROSIE
Grey Oceans
(Sub Pop)
Voto: 7/10
Le Cocorosie sbarcano a Seattle, più precisamente
alla Sub Pop, per la quale preparano una specie
di secondo debutto frutto di un lavoro realizzato
attraverso cinque differenti Stati. E il cambio
di registrato in effetti vi è stato, in particolare
se paragonato alle meraviglie degli esordi
che la Touch And Go aveva avuto la capacità di
raccogliere e pubblicare mantenendo inalterata
la cura “domestica” di quelle fantastiche
registrazioni. Oggi le Cocorosie sono ben altra
cosa, hanno attraversato il mondo, fagocitato
suoni e ritmi completamente diversi da quelli
franco-statunitensi di La Maison de Mon Rêve,
colorando in maniera assai marcata la loro
elementare (e toccante) poetica. Grey Oceans
è romantico e fatato, talvolta giocoso (come
nell’intro di Hopscotch), talaltra concitato e
ossessivo, un richiamo delle sirene attualizzato
per l’era post-moderna in cui le frenesia dei
ritmi e gli intrecci stilistici la fanno da padrone.
In questo senso, la mesta drammaturgia di
Undertaker risulta stucchevole e forzata, mentre
una traccia come Grey Oceans ha quella docile
malinconia che immediatamente richiama il
tratto più ammirevole di questa coppia di sorelle:
la sincera trasparenza delle loro melodie così
diafane. Un album al di sopra delle recenti prove
su lunga distanza. (M.C.)
SOLEX VS. CRISTINA
MARTINEZ + JON
SPENCER
Amsterdam Throwdown
Kingstreet Showdown
(Bronzerat)
Voto: 7/10
Il tratto eccentrico dell’olandese Solex si interseca
col mondo post-punk di Jon Spencer e Cristina
Martinez per una collaborazione sorprendente e
perfettamente riuscita. A dettare lo stile dell’album
è proprio l’artista di Amsterdam, che spinge le
tracce su territori simili a quelli del Dub Narcotic
Sound System, ma usa le ritmiche in maniera
assolutamente stralunata e irregolare. Una perla
art-rock. (M.C.)
DAVID HOLMES
The Dogs Are Parading
(Universal)
Voto: 9/10
Fedele ad un impianto sonoro perfettamente
adeguato alle contaminazioni ritmiche ed agli
incroci di stile, David Holmes prepara questa
compilazione di ben 29 brani in cui raggruppa
personalmente le tracce più rappresentative
della sua carriera. Tredici anni e quattro
album all’attivo, per una carrellata che parte
da un approccio elektro-indie – assimilabile
al meglio della scena britannica di metà anni
’90 – per andare decisamente oltre. Funk e
soul, adeguatamente reinventati e destrutturati,
si miscelano ad atmosfere elegantissime
da club-culture per poi aprirsi ad acidità
degne del miglior Manitoba/Caribou. Capace
di oltrepassare epoche e mode, Holmes
ha interpretato in maniera assolutamente
ineccepibile la matrice metropolitana di
questo ineffabile tempo, saturandolo di
suoni, mostrandone anche il lato più oscuro o
regalandoci ballate melliflue e irresistibili: gli
esempi di Bow Down To The Exit Sign (l’album
capolavoro del 2000), di Don’t Die Just Yet
(fenomenale cover del classico di Gainsbourg)
o di Sugarman (la traccia immaginata da Sixto
Rodriguez e remixata in maniera strabiliante da
Holmes) possono dare un esempio delle perle
contenute in questa raccolta, completata da un
secondo disco in cui compaiono le rielaborazioni
dei suoi brani a firma di Mogwai, Arab Strap,
Andrew Weatherall, Kevin Shields e molti altri.
Assolutamente Imperdibile. (M.C.)
FOALS
Total Life Forever
(Transgressive)
Voto: 7/10
Total Life Forever è un perfetto disco di transizione
che, pur non ricusando un chiaro istinto pop,
preferisce toni più languidi e sconfinati spazi vuoti
alla nervosa schizofrenia del debutto Antidotes. Che
si tratti dei modi gentili e appena sussurrati di Blue
Blood o della densa emotività di Alabaster, il tono
dominante è quello di una malinconia abissale;
e Spanish Sahara è pura vertigine, segno che la
metamorfosi è solo all’inizio. (B.R.)
AVI BUFFALO
Avi Buffalo
(Sub Pop)
Voto: 8/10
Con una biografia che è quasi da favola – un
liceale, Avigdor Zahner-Isenberg, manda un
demo alla Sub Pop e si ritrova sotto contratto
senza avere né una vera band né un numero
sufficiente di canzoni per un disco – e con un’età
che fa quasi impallidire – il disco esce quando
il suo autore ha appena compiuto 19 anni -; “Avi
Buffalo” è un inaspettato miracolo di maturità.
Sorretto da una scrittura che ha assorbito la
tradizione alterna-rock americana, dai Byrds
ai Built To Spill, ma che trova soprattutto
un’affinità elettiva con gli Shins di James
Mercer, questo debutto è un piccolo e riuscito
manuale sull’innamoramento (e sull’inevitabile
contraccolpo dell’abbandono) adolescenziale,
con impressionante ricchezza di immagini e
precisione nei dettagli (anche sonori). I dolori
del giovani Avi sono tutt’altro che scontati nel
loro racconto (What’s In It For?, Remember Last
Time) e anche quando, come è normale dell’età,
si svelano un po’ goffi o spudorati (Summer
Cum, Where’s Your Dirty Mind), non lo fanno
per impressionare, ma colpiscono per il loro
acume e profondità. E, alla fine, la gestazione
frammentata delle dieci tracce è l’unico difetto
che impedisce di gridare al capolavoro. Almeno
per il momento. (B.R.)
54
POOL
GIUGNO/HI-TECH
TU SEI QUI!
(TI ABBIAMO
CERCATO OVUNQUE)
GEOTAGGING OVUNQUE E COMUNQUE.
LA FINE DELLA PRIVACY?
Social network, motori di ricerca, gallerie
fotografiche e instant messaging. In qualche modo,
di Daniele Raspanti stiamo diventando schiavi di internet e della sua
fitta rete di applicazioni e servizi, nel continuo
tentativo di rimanere in contatto con il mondo. Nel
corso degli anni, i web developer hanno sempre
cercato nuove (e spesso intriganti) caratteristiche
da inserire nei propri progetti, destando ogni volta
l’interesse intorno ad un particolare social network
o progetto “web 2.0”. Contemporaneamente,
assottigliando la privacy dei propri utenti, che
riversano la propria vita su web come un enorme
diario, ovviamente di pubblico dominio.
L’ultima trovata (presa in prestito dalla tecnologia
GPS militare e già sperimentata su alcuni modelli
di navigatori satellitari) è il geotagging. Ovvero, far
sapere a tutti in quale luogo ci si trova… cosa c’è di
meglio per comunicare al resto del mondo anche
il minimo spostamento? Implementato in sordina,
sbandierato come feature innovativa su alcuni
navigatori con fotocamera inclusa (memorizzando
le coordinate geografiche direttamente nei
dati della foto), è ora diventato la nuova trovata
commerciale di produttori di cellulari e social
network. Il geotagging permette di “taggare”
(associare un commento o una foto a qualcuno
o qualcosa) le proprie foto specificandone il
luogo in cui è stata ripresa. Dai primi dispositivi
unicamente sviluppati a tal scopo, il mercato ha
richiesto un’espansione più veloce, cercando di
EUROPE
NORTH AMERICA
AFRIC
cavalcarne l’hype: dalle prime fotocamere reflex
professionali alle quali era possibile collegare
un dispositivo GPS, si è passati a tecnologie
sempre più avanzate e “popolari”. Dopo un primo
esperimento poco conosciuto di Samsung con la
fotocamera ST1000, le novità non hanno tardato
a farsi vedere: Nikon e Canon si sono affidati a
società specializzate per la produzione di accessori
GPS da affiancare alle reflex digitali ammiraglie e
semi-professionali (come la D3x di Nikon o la 5D
Mark II di Canon), Samsung ha presentato la più
accattivante e appetibile HZ35W (in arrivo in Italia,
rispetto alle ST1000 prevede uno zoom 15x ottico
e uno schermo da 3”, oltre al sopra citato GPS,
caratteristiche oltre la media per le compatte di
questo settore).
Interessante, sia dal punto di vista tecnico che
sociale, è l’arrivo di un nuovo tipo di schede SD per
fotocamere e cellulari. Presentate sul mercato con
il nome di Eye-Fi, questa linea di prodotti prevede
una scheda di memoria SD (di dimensioni normali)
con gli “steroidi”: per fare un esempio, la versione
base (la Connect X2) include “solo” la possibilità di
connettersi in wireless per il trasferimento veloce
di immagini e video verso un PC o direttamente
su internet (se disponibile una connessione).
Le sorelle maggiori, la Explore X2 e la Pro X2,
includono un servizio di geotagging di video e foto
compatibile con i maggiori servizi online (Flickr,
Picasa, Google, Youtube, ecc.), mantenendo
PE

ASIA AND JAPAN

RICA

GPS DEVICE
HANDHELD SYSTEM
PORTABLE CAR SYSTEM
GPS-ENABLED PDAS OR LAPTOP COMPUTERS
INTEGRATED GPS CAR SYSTEMS
CELL PHONES
OTHER GPS DEVICES
ovviamente le caratteristiche wireless già citate. di certo non rimane a guardare. Per quanto non
sia una caratteristica indispensabile all’utilizzo
E tutto questo grazie al crescente utilizzo di social a cui è destinato questo social network, gli
network e siti di condivisione foto e video che, grazie sviluppatori non vogliono restare in coda in questa
all’utilizzo di Google Maps e Google Earth (Flickr “corsa al posizionamento globale”, tantomeno al
mette a disposizione anche un servizio proprietario concorrente Twitter. Cosa pensereste se, oltre
di geotagging), permettono di associare alla vostra alle vostre foto, anche ogni vostro commento,
mappa una foto di riferimento o, nel secondo caso, nota o stato personale fosse registrato con le
un particolare luogo sul “mappamondo virtuale”. coordinate geografiche del luogo dal quale
state scrivendo? La fine della privacy? Tutto può
Sperimentato con successo (ma ancora poco essere. Al momento, tale caratteristica potrebbe
utilizzato) anche il “video-geotag”, grazie essere implementata solo su applicativi destinati a
all’accoppiata Google-Youtube. Ogni vostro video smartphone o iPhone (famiglia 3Gs) che includono
potrà essere associato, tramite Google Maps, al un GPS integrato, ma niente vieta ai ragazzi dietro
luogo in cui è stato girato! Utile, vero? lo sviluppo di Facebook di implementarla come
opzione anche da un pc.
Ma la moda del “taggarsi nel mondo” non è solo
destinata a foto e video. Twitter, popolarissimo Per chi non ha voglia di aspettare che Facebook
social network che fa della semplicità il suo punto e Twitter implementino tali funzionalità, o non
di forza, ha già presentato questa caratteristica dispone di un adattatore/ricevitore GPS, un
dalla nascita. Per quanto poco utilizzata, alcuni interessante punto da cui iniziare il geotag delle
dispositivi GPS (o anche smartphone) permettono proprie attività potrebbe essere Wikitude (www.
il “twitting” del proprio stato con la possibilità di wikitude.me).
associare le coordinate GPS al luogo da cui si sta
pubblicando la nota. Nel futuro prossimo, stando a Tutta questa attenzione nel voler condividere
voci non ancora ufficializzate, sarà anche possibile ogni aspetto della vita reale con quella virtuale
associare il luogo direttamente dal pc di casa, fa nascere, però, alcuni interrogativi… e se non
semplicemente seleziono il posizionamento da una volessimo far sapere da dove scriviamo? Se la
mappa in stile Google Maps (accordi in vista?). foto (finta) che ci ritrae in compagnia di bellezze
orientali in quel di Tokyo riportasse le coordinate di
Facebook, che non ha bisogno di presentazioni, casa propria?
56
POOL
GIUGNO/LIBRI
Einaudi 2010
pp. 113, euro 17.50
(trad. Vincenzo
Mantovani)
Il nuovo romanzo di Philip Roth è un dramma
che si consuma in tre atti. Dismessi i panni,
di Antonello V. Daprile eroticamente scorretti, di Nathan Zuckerman e
David Kepesh, protagonista assoluto ne è Simon
Axler, attore teatrale che vive una profonda crisi
personale ed artistica. A più di sessant’anni, dopo
aver calcato i palcoscenici più prestigiosi degli Stati
Uniti ed aver conquistato la critica, Simon sente di
aver perso la sua magia. Il pubblico lo fischia, la
moglie lo abbandona e il suo agente tenta invano
di convincerlo a cimentarsi in un nuovo spettacolo.
L’inquietudine, che lo porta a maturare pensieri
suicidi, sfocia nel ricovero in una clinica psichiatrica,
dalla quale uscirà ancor più convinto che l’unico
modo di sottrarsi all’agonia di cui è preda, sia quello
di porre fine alla propria esistenza.
Poi accade che Simon, ritiratosi a vivere in
macerazione ascetica in aperta campagna, incontra
lei, Pegeen, di 25 anni più giovane, figlia (lesbica)
di suoi amici. E la passione lo riporta in vita. Sono
mesi di una sessualità sfrenata, oscena, vitale.
Simon torna ad uscire nel mondo, soprattutto per
comprare vestiti a Pegeen e trasformarla nella
donna (etero) che non è mai stata prima. Ma non c’è
lieto fine in questa storia di malattia, di vecchiaia, di
sesso e di morte. Da questa vicenda Simon trarrà
solo il vigore per recitare l’ultimo atto della sua
carriera e della sua esistenza.
Il romanzo, condito con dettagli sesso-grafici
espliciti e, fondamentalmente, legato alla difficoltà
e alle conseguenze dell’invecchiare, ha ricevuto
EFFETTO L’UMILIAZIONE
critiche discordanti. In un articolo sull’Observer,
il critico William Skidelsky definisce L’umiliazione
di Philip Roth “la fantasia sessuale di un uomo
attempato vestita del garbo letterario”, giudicando
poco credibile la relazione tra il “vetusto”ma
sempreverde Simon e la lesbica Pegeen. Di
certo non è il miglior Roth. Sono alcuni anni che
l’autore di Newark mette a confronto i protagonisti
dei suoi romanzi con l’imminenza della morte
e l’impossibilità di prepararvisi nonostante gli
avvertimenti. È ciò che avviene in Everyman (Einaudi,
2008), in cui il personaggio principale se ne va
durante un’operazione di minore importanza. Ed
è ciò che accade in Exit Ghost (Il Fantasma Esce
di Scena, edito sempre da Einaudi), malgrado il
protagonista, Nathan Zuckerman, stia riscoprendo
la vita a settant’anni.
Nell’ultimo anno Roth è passato dalla ardente
Indignazione del giovane Marcus Messner al
pathos di Simon Axler in L’umiliazione. Indignazione
e l’umiliazione. Con quella “L” che sottolinea,
evidenzia, identifica irrimediabilmente uno stato
d’animo pervasivo quanto l’indignazione, ma
prodromico di gesti estremi e soluzioni definitive. Il
deliquio dell’inguine dei tempi di Portnoy è finito.
È questa l’umiliazione. L’umiliazione di essere
abbandonato nella tragica consapevolezza che sarà
l’ultima volta. Che non ci sarà possibilità di rivincita.
Il sipario sta calando e non c’è più nemmeno il
tempo di ricevere gli applausi.
ROTH
INDIGNAZIONE
Vecchiaia e malattia. Negli ultimi romanzi Philip
Roth racconta la rabbia per la decadenza fisica
che giunge inesorabile con gli anni, insieme alla
consapevolezza che la maturità non aggiunge
saggezza. L’età senile non arricchisce di
esperienza, serenità e distacco, ma rende poveri,
meschini e soprattutto impotenti.
Con Indignazione, il ritorno ad una storia di
formazione e di iniziazione erotica non muove
dalla nostalgia, né per i soggetti dei primi romanzi,
né per l’epoca giovanile in cui l’autore, come il
protagonista, venne arruolato per la guerra in
Corea.
La voce narrante dall’al di là, rende piuttosto
l’amara certezza dell’inutilità dell’esperienza, e la
consapevolezza di chi sa come va a finire, e non se
ne fa una ragione. Se solo le cose fossero andate
così, invece che.
Newark 1950. Marcus Messner, figlio obbediente,
studioso e lavoratore, tenta di sfuggire
all’irragionevole apprensione paterna, trasferendosi
al college di Winesburg (Ohio), ma non sfugge
all’imperativo morale del genitore: devi fare ciò
che va fatto. Con la stessa determinazione con cui
spennava polli nella macelleria kosher del padre,
si concentra nello studio, tollera l’arroganza e
l’indifferenza dei compagni di stanza, lavora in un
bar tra insulti antisemiti, affronta il paternalismo
bigotto dell’istituzione. È tutto ciò che va fatto per
non andare a morire in Corea.
Einaudi, 2009
pag. 136, euro 17,50
(trad. Norman
Gobetti)
Markus è un esperto del sacrificio e un pivello
della vita.
di Paola Merico
Quando si imbatte nell’altro sesso, si ritrae per
paura di quel mistero che è una donna libera;
all’insistenza del decano che gli impone di
frequentare la messa, reagisce con forbita ma vana
veemenza; alla tentazione di sottrarsi ad un onere
insostenibile, cede contravvenendo alla propria
rettitudine. Pur nella percezione di un errore fatale,
Marcus commette una stupidaggine: assolda uno
studente per smarcare al suo posto l’obbligo della
funzione. Scoperto, viene espulso dal college e
parte per la guerra, capitolo finale della sua vita di
diciannovenne.
La nota storica in chiusura informa che, dopo
vent’anni, la retriva Winesburg ha abolito la
partecipazione obbligatoria alle funzioni.
Proprio ciò che andava fatto: indignazione.
Indignazione di Marcus per gli inni da leccaculo e
le preghiere a occhi chiusi. Indignazione del padre
per il figlio morto. Indignazione della madre per il
figlio costretto ad andarsene. Indignazione perché
non c’è alcun senso. Indignazione come l’opposto di
rassegnazione, perché se solo…
58
POOL
GIUGNO/LIBRI

ADAM
THIRLWELL
LA FUGA
dell’intreccio che annaspare sui suoi stessi passi,
TRA PUREZZA E INDECENZA, superandosi sempre più negativamente.
di Mariagrazia Gallù E così lo ritroviamo in un armadio a spiare
IL NUOVO ROMANZO DELLO sadicamente la sua amante/doppio Zinka fare
l’amore con il fidanzato Niko, e nemmeno poi
SCRITTORE BRITANNICO così tanto disdegnoso nei confronti del giovane
massaggiatore Viko, perché il suo unico desiderio
PARTE DAL SESSO PER è vivere ancora oggi sulla cresta di un irrimediabile
declino, dove tutto ciò che è squallore e decadenza
ANALIZZARE ECCESSI E lo attraggono in un vortice senza fine, e il
minimo bagliore di redenzione è da lui scansato
NEVROSI DEL NOSTRO repentinamente. Con quest’aria da dandy incallito –
una sorta di Dorian Gray della terza età, un non-eroe
TEMPO dei nostri giorni – viene fuori il nuovo protagonista
del terzo romanzo di Thirlwell, inutilmente “in
Cosa ci si potrebbe aspettare da un uomo ebreo fuga” dalla sua storia, dalle sue origini, dal suo più
ed inglese più di lì che di qui nell’età, amante del che ovvio destino; quel che trapela dalle pagine
cricket, delle rose e del jazz di Ella Fitzgerald e dell’autore è dunque un’aria di malinconica e
Artie Shaw? Una serena e tranquilla vecchiaia rassegnata ironia, tanto ricercata nei toni da rendere
LA FUGA nell’appagamento dei suoi hobby? Niente di tutto evidente il grande potenziale di questo scrittore.
DI ADAM THIRLWELL ciò per Raphael Haffner. Disperso in un imprecisato
paesino termale dell’Est Europa, nel doppio Come nel precedente Politics, ritroviamo lo stile
Titolo originale: tentativo di recuperare la villa requisita nel corso elevato ed il tema portante della sua poetica, la
The Escape dei vari regimi alla famiglia della bella moglie Livia visione filtrante del mondo che l’autore fa attraverso
Genere: Narrativa e di redimersi dal mea culpa che si porta dietro a il sesso. Qual è la risposta a una nevrosi se non
Traduzione: Riccardo causa dei torti provocati alla medesima - fra cui il suo immediato appagamento? Ed ecco che,
Cravero averla tradita e abbandonata in punto di morte – nel desiderio di emulare gli eccessi di crudeltà di
Guanda Editore Raphael tenta goffamente di dimostrare di non Tiberio e le esuberanze sessuali di Eliogabalo, agli
Pag. 350 essere in definitiva quell’uomo così eccessivamente imperatori di certo rimarrà pur sempre la gloria
17,50 euro megalomane, egoista ed infantile e d’ingraziarsi ad aeternum, a Raphael (nel suo sprazzo di vita
figli e nipoti, ma altro non fa per tutto il dipanarsi grottesca) il solo Viagra capace di sorprenderlo.
 CONVERSANO
Cinema Teatro Norba, Casa delle Arti, Emirandira Radici,
La Belle Epoque, Libreria Emmaus.

FASANO
Laboratorio urbano, Il Consiglio Nero, Libri e cose, Velletri
idea Suono, Recchia Solo Musica.

FOGGIA
Caffe duetto, Pub Macò, Pub Sottovento, L’altrocinema
Cicolella,
Pub Duncan, Nessun dorma, Bar Cocozza, Moody Jazz
Caffè, Top Ten Music, Gran Caffè Cocozza, Al Discolbolo.

FRANCAVILLA
Centro Dischi

GALATINA
Bar Leonardo, Libreria Fabula, Palazzo della Cultura.

GALLIPOLI
Caffè Bellini, Caffè Martinucci.

I NOSTRI PUNTI LATIANO

Caffè Manatthan, Caffè Borgo Antico, Caffè Enigma, Nadir

DI DISTRIBUZIONE Caffè, Biblioteca Comunale.

LECCE
AMSTERDAM - LILLE - VIENNA La Clinica dell’accendino, Icaro Libri e caffè, Caffè
Istituto Italiano di Cultura Palmieri, Libreria Mondadori, Libreria Giunti al punto,
Liberrima, URP, Personè, Al Levante,
ROMA Santa Cruz, Libreria Adriatica, Cagliostro, Manifatture
Libreria Odredek, Mondo Bizzarro Gallery, Circolo Knos, Teatro Koreja.
Degli Artisti, Dorothy, Macro, Co2, 26cc, Mondo Pop
International Gallery & Shop, Sinergy Art. LOCOROTONDO
Ass. Cult. Il tre Ruote Ebbro, Libreria Approdo, BBeP.
MILANO
La scighera, La casa 139, Arci Bitte, Arci Bellezza, Birreria MAGLIE
Stalingrado, Le Trottoir alla Darsena, Ristorante Asmara, Libreria Europa, Caffè Leopardi.
Circolo Magnolia, Calusca City Lights.
MARTINA FRANCA
FIRENZE Musikè, CTS, Libreria Colucci, Dischi Hi-Fi, Music Arte
La Cité Libreria Cafè, Libreria Brac, Cuculia, Meykadeh, Cafè, Diamantic Music.
Casa della creatività, Teatro Puccini, Libreria Melbook
Store, Caffè Notte, Maison, Box Office. MESAGNE
Casa del Disco, Caffè Gran Fantasia, Caffè Matisse, Bar
BOLOGNA Elite.
Modo Infoshop, Spazio Indue, Mambo, Raum, Link
Associated, La Pillola, Galleria D’arte Astuni, Fragile MOLA DI BARI
Continuo, Teatrino Clandestino, Car Projects, Fabio Tiboni Culture Club Cafè, Metropolis
Arte Contemporanea, Cineteca Di Bologna, Cinema
Lumiere, Betty&Books, Neon>Campobase. MONOPOLI
Disco Shop
NAPOLI
Fonoteca, Istituto Superiore di Design, Feltrinelli, MOLFETTA
Caffè letterario Intra Moenia. Cin Cin Bar, Blues Cafè, Il Libraio, Libreria Corto Maltese,
Clinic, Ideal Cafè.
BARI
Feltrinelli, Gramigna, Libreria Laterza, La Habana, OSTUNI
Pepe Nero, Sushi Bar, Taverna Nuova, Taverna Vecchia, Apt, Bottega del Libro, Lutrino Dischi, DiscomaniaMIx
Convivio, Neverland, La Volpe, Camera Caffè, Da Lele,
Chat Noir, Tavlì, Barucchelli, Matisse, Caffè Nero, Blanc, OTRANTO
Casa Del Frullato, Tadatà, Trabaccolo, Vascezze, In Bocca Music Empire, Caffetteria Martinucci.
Al Luppolo, Barcollo, Gargà, Teatro Forma, Collettivo Di
Lettere, Zona Franka, Storie Del Vecchio Sud, Cinema PUTIGNANO
Splendor, Kursaal Santa Lucia, Fabrica Fluxus. Libreria Spazio, Libreria Simone, Biblioteca Comunale.

ALBEROBELLO TARANTO
Casa della Fisarmonica, Cardone, Nuova Emmegi, Non Old Fashion Caffè, Libreria Dickens, Vera Libri 3, Libreria
solo musica, Central bar. Faber, Gilgamesh, Casa del disco, Dischi Blu, Fiusco,
Mercato del Libro e del Fumetto, Musica è, Edicolè
BISCEGLIE
Centro Musica e Video, Bakery cafè, Oompa Loompa, TORRE A MARE
Libreria Marconi. M.Ago Giò.

BRINDISI TRANI
Cinema Teatro Impero, Libreria Piazzo, Libreria Camera a Caffè 7 nani, Caffè Italiano.
Sud, Biblioteca Comunale, Libreria Pezzuto.