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AÑO DEL BUEN SERVICIO AL CIUDADANO

Medicina Humana

Curso:
Historia del Arte

Tema:
Arte colonial – arte popular
Docente : Cesar Torres Anchante
Alumno : Patrick Luis Garcia Gonzales

Ciclo : II

Turno : Noche

Ica – Perú
2017
DEDICATORIA

Primeramente, a dios por haberme permitido llegar


hasta este punto y haberme dado salud, ser el
manantial de vida y darme lo necesario para seguir
adelante día a día para lograr mis objetivos, además
de su infinita bondad y amor

CONTENIDO
INTRODUCCIÓN ....................................................................................... 7

I. ARTE COLONIAL ............................................................................... 8

1.1. MARCO CONCEPTUAL ................................................................. 8

1.2. Arte y cultura en la colonia ........................................................... 9

1.3. PINTURA ...................................................................................... 12

1.4. Escultura ....................................................................................... 18

1.5. Arquitectura .................................................................................... 20

1.5.1. Del siglo XVI destacan:


l…………………………………………………………………………
…………21

1.6. Cultura .......................................................................................... 24


II. ARTE POPULAR ................................................................................. 27

2.1. Rasgos generales del arte popular .................................................. 29

2.2. algunos ejemplos ........................................................................... 31

III. EL ARTE POPULAR PERUANO .................................................... 32

3.1. EL ARTE POPULAR PERUANO CONTEMPORÁNEO ...... 32

TRADICIÓN ARTÍSTICA POPULAR .................................................. 33

LA EVOLUCIÓN DEL ARTE POPULAR PERUANO........................ 34

NACIMIENTO ANDINO ......................................................................... 34

OBRA DE ARÍSTIDES QUISPE, AYACUCHO. .................................. 35

EL RETABLO AYACUCHANO ............................................................. 36

LA CERÁMICA ........................................................................................ 37

OBRA DE LA CASA DE LOS MERIDAS ............................................. 38

CERÁMICA DE QUINUA ....................................................................... 39

LOS MATES BURILADO ........................................................................ 40

ARTESANIA EN PIEDRA DE HUAMANGA ....................................... 41

MASCARAS EN EL PERÚ ...................................................................... 42

MUÑECAS PERUANAS ARTESANALES ............................................ 43

EL ARTE TEXTIL .................................................................................... 44

MUJERES ANDINAS TEJIENDO.......................................................... 46

IV. CONCLUSION.................................................................................... 47

BIBLIOGRAFÍA ....................................................................................... 48
INTRODUCCIÓN

Arte colonial es el arte propio de una situación colonial. En las

distintas colonizaciones se produce la introducción de las formas artísticas

del colonizador en el espacio previamente ocupado (por lo general en

exclusiva, si es que no había influencias anteriores a la colonización) por el

arte indígena.

es el desarrollado en las colonias españolas en América, desde su

descubrimiento por Cristóbal Colón en 1492 hasta la independencia de los

diversos países americanos a lo largo del siglo XIX (los últimos Cuba y

Puerto Rico en 1898). Los españoles llevaron al nuevo continente su idioma,

cultura, religión y costumbres, los cuales impusieron a la población indígena,

que anteriormente había desarrollado grandes civilizaciones como la maya,

la azteca y la inca. Así, el arte colonial será fiel reflejo del arte efectuado en

la metrópoli, suponiendo el final de las representaciones artísticas autóctonas,

el arte precolombino. Vemos por tanto en el arte colonial los mismos estilos

artísticos que se desarrollan paralelamente en el continente europeo,

principalmente el Renacimiento, el Barroco y el Rococó. (wikipedia, 2015)

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I. ARTE COLONIAL

1.1. MARCO CONCEPTUAL

(CEVALLOS, 2016)M,El arte colonial es el que se desarrolla

en América durante el periodo de ocupación española, es decir, desde

que Cristóbal Colón descubre el continente hasta que alcanza su

independencia.

América era un territorio plural, de gran diversidad geográfica,

donde existía una población local con múltiples culturas y religiones.

El objetivo, más allá de asentarse en el territorio, será el de reducir la

pluralidad peninsular y dar unidad al territorio americano. Comienza

8
así la labor evangelizadora de conversión al cristianismo y de instalar

el castellano como única lengua.

La influencia española dominará y se impondrá a la autóctona.

Desde España llegarán al Nuevo Mundo numerosos artistas que

formarán talleres y enseñarán a los nativos los modelos y estilos de la

península, como son el gótico, renacimiento, manierismo, barroco y

neoclasicismo. Hay que señalar la importancia de la pintura en el

proceso de evangelización, ya que sus temas religiosos y didácticos

tratan diferentes episodios de la vida de Jesús, de la Virgen y de los

santos más populares.

Una vez que se ha descubierto el continente, tiene lugar su

ocupación. La primera etapa de la conquista se produce en El Caribe.

Será en Santo Domingo donde mejor se transfiere la cultura

española debido a la inexistencia de una cultura aborigen fuerte.

Canteros y albañiles sevillanos fueron en la primera década del siglo

XVI a atender las obras públicas de mayor importancia.

1.2. Arte y cultura en la colonia

(CEVALLOS, 2016)Con la llegada de los españoles al

territorio peruano la activa producción de elementos simbólicos-

representativos andinos (al que hoy en día llamamos arte

prehispánico) sufrió un revés sin precedentes. La incompatibilidad

9
entre las percepciones españolas (basadas principalmente en el

realismo) y las tradiciones andinas (basadas en el simbolismo) hizo

que, ante la incomprensión del mensaje, los españoles destruyeran casi

todas las formas de representación local. Las quilcas o tablillas

pintadas, los quipus, los tocapus o los dibujos simbólicos de los incas

no fueron entendidos por los peninsulares, pues no encontraban

ningún elemento cercano a sus tradiciones visuales.Con este bagaje

visual, los españoles utilizaron las imágenes de Cristo, la virgen

María, Santos, etc. para llevar a cabo las primeras evangelizaciones en

el vasto territorio peruano, ante la estupefacta mirada de los indígenas.

Lo que probó ser una medida muy efectiva, pues logró facilitar el

entendimiento de la fe cristiana a los vernaculares.El arte durante los

primeros años virreinales fue exclusividad de los religiosos y su uso

tuvo un fin práctico principalmente en el adoctrinamiento. No sólo

pinturas o imágenes estuvieron presentes en esta tarea. Esculturas de

diversos tamaños y retablos fueron herramientas imprescindibles para

los misioneros católicos.

(CEVALLOS, 2016)La ciudad de Lima jugó un rol

preponderante en el desarrollo del arte en el virreinato del Perú. Su

rápido crecimiento urbano, la acumulación de riqueza por parte de los

encomenderos y la construcción de templos e iglesias fueron motivos

para la demanda de pinturas y esculturas de las principales ciudades

10
de los reinos españoles. Especial preferencia se tuvo por las obras

provenientes de Flandes e Italia, aunque las obras sevillanas y

andaluzas tuvieron igualmente gran demanda.Lima como centro

político del más importante virreinato durante el siglo XVI fue plaza

importante para destacados artistas que no dudaron en venir y ofrecer

su arte a la iglesia.

Destacan Angelino Medoro, Bernardo Bitti, Mateo Perez de

Alesio, entre otros.Otro rasgo importante en la evolución de las artes

durante la colonia lo constituye la exquisitez de la arquitectura

religiosa. Los templos fueron encomendados a alarifes que dominaban

las técnicas de la edificación en piedra y barro, por lo que erigieron

obras de buena factura, muy superior a las realizadas en otras partes

del continente. Tan solo mencionar a los conventos e iglesias de Santo

Domingo, San Francisco el viejo, San Pedro, Las Trinitarias o La

Merced para dar cuenta del refinado gusto estético de los alarifes

limeños. En el interior del virreinato la situación no fue diferente. En

Cuzco, Arequipa, Cajamarca, Huamanga, Puno y Trujillo hubo una

clara tendencia hacia la búsqueda de lenguajes propios, basados en la

utilización de elementos locales.

La utilización del sillar en Arequipa o la Piedra en Cuzco es

muestra clara de la adaptación del arte europeo y su transformación

para el uso local.Otro punto a resaltar en el derrotero de las artes en el

11
virreinato peruano es la llegada del barroco. Como parte de la

contrarreforma de la iglesia, el barroco buscó sensibilizar al

espectador a través de los sentidos antes que por la razón. Es por ello

que este estilo se caracterizó por la gran concentración de elementos

y ornamentos (mayormente vinculados a temas religiosos) y también

por la meticulosidad que tuvieron los artistas en colocarlos de tal

manera que crearan una atmósfera mística y ascética. El barroco

dominó casi por 200 años las artes en el Perú e impuso su sello en la

pintura, escultura, arquitectura, música y literatura.

1.3. PINTURA

Las diferencias entre el simbolismo andino (basado en una

concepción geométrica de la realidad) y el realismo español no

permitieron una adecuada interpretación de las obras producidas antes

12
de la llegada de los peninsulares. La tradición de la que provenían los

españoles no exigía un conocimiento previo de los elementos, bastaba

mirar la pintura para entender el mensaje del autor. En cambio, la

tradición andina exigía un conocimiento de los símbolos que muchas

veces estuvieron restringidos a un sector elite.Fue esta falta de

entendimiento la que llevó a los españoles restarle importancia a las

obras producidas por los andinos y lo que los condujo a destruirlos en

su mayoría. Tan solo quedaron los quipus y algunos uncus con tocapus

como muestra de la complejidad simbólica del mundo andino.

Ante esta situación, los indígenas fueron apropiándose poco a

poco del lenguaje artístico traído por los españoles. Otros, los más

13
hábiles, lograron plasmar sus creencias en pinturas representativas de

la sagrada familia, superponiendo para ello elementos andinos sobre

figuras sagradas. Las pinturas jugaron un rol importante después del

primer desencuentro entre las tradiciones españolas e incaicas. Los

peninsulares se dieron cuenta de este gran obstáculo y decidieron

romper la falta de comunicación entre ambos grupos utilizando la

pintura.

En la etapa de evangelización los cuadros de la sagrada familia,

de Cristo crucificado, de santos y mártires fueron utilizados como

herramientas para la enseñanza de la fe católica. Así, durante la

segunda parte del siglo XVI, la pintura al igual que otras

manifestaciones artísticas fueron monopolizadas por la iglesia. Con el

afán de una mejor evangelización encargaban muchos cuadros con

temas específicos (alusivos a la sagrada familia, pasión de Cristo, etc.)

14
a los más importantes talleres andaluces y sevillanos.En estos trabajos

se nota la influencia del renacimiento italiano. La época de mayor auge

de esta tendencia fue cuando llegó al Perú el jesuita Bernardo Bitti.

Desde 1575 difundió su obra por todo el virreinato, a pesar de que su

taller se encontraba en Lima. Bitti fue el primero de una serie de

pintores extranjeros que llegaron al Perú para ponerse al servicio de la

iglesia. Junto al maestro jesuita Leonardo Bitti destacan, dentro de la

corriente italiana llegada al Perú, Mateo Pérez de Alesio y Angelino

Medoro. Con los años, la iglesia optó por el naturalismo y por el

realismo descriptivo, tal vez prefigurando la escena local para la

llegada del barroco. (CEVALLOS, 2016)

En este tránsito el anti manierismo y contra manierismo fueron utilizados con

fuerza entre los pintores locales. El antimanierismo apeló a crear mayor

sensibilidad a través de los efectos visuales que el autor le otorgaba a la

15
pintura. Manos y cuellos alargados, posturas rebuscadas y efectos dramáticos

demostraban la manera que tenía el artista a la hora de representar al mundo.

Destacan la Virgen de la leche (Pérez de Alesio), La coronación de la virgen

(Bernardo Bitti).El barroco llegó al virreinato peruano con las pinturas

encargadas por el convento de Santo Domingo al gran pintor sevillano

Miguel Güelles. Sus obras reunidas bajo la serie La muerte de Santo

Domingo tuvo un impacto profundo en el medio limeño, pues su naturalismo

e idealismo fueron las características comunes en las pinturas locales del

siglo XVII. En este siglo la proliferación de aristas españoles propició la

apertura de varios talleres no solo en Lima, sino también en las principales

ciudades del virreinato peruano. Estos talleres tuvieron en Zurbarán (artista

español, 1598-1664) uno de sus principales referentes. Muchos de sus

cuadros fueron copiados o sirvieron de molde para nuevas producciones. De

igual manera, algunas de sus obras llegaron al Perú y fueron motivo de

orgullo y satisfacción para la orden religiosa que lo había encargado (En

16
Lima algunas de sus obras se pueden apreciar en el iglesia de la Buena

Muerte).Sin duda, Cuzco fue durante el siglo XVII uno de los referentes

pictóricos mas importantes del virreinato peruano.

La presencia de Bernardo Bitti (1583-1585 y 1596-1598) en el Cuzco tuvo

un gran impacto en la plástica cuzqueña. Sin embargo, a pesar de que el

"movimiento italiano" fue base para muchas de las obras producidas en esta

ciudad, lo cierto es que se empezó a dejar elementos y a incorporarse otros

propios de la región. En otras palabras, se desarrolló con los años una

personalidad y lenguaje diferenciado que sin duda reflejan la personalidad de

los pintores (la gran mayoría andinos y mestizos) y también cual era su base

de inspiración (fue Rubens el artista predilecto por los talleres cuzqueños).

Uno de ellos fue Diego Quispe Tito, pintor vernacular que se inspiró en los

cuadros flamencos naturalistas y de los que tomó el paisaje para recrearlo con

17
motivos andinos. Ya en el siglo XVIII los talleres pictóricos cuzqueños

tuvieron una producción casi en serie. Sólo los maestros firmaban el lienzo

pues tenían a una serie de artistas especializados dedicados a la pintura de un

sector del cuadro (manos, rostros, cuerpo, fondo, etc). Es por ello que los

artistas anónimos fueron los verdaderos impulsores de la corriente cuzqueña

pues a su trabajo le añadieron los elementos propios de la cultura local. En

este punto es importante agregar la trascendencia que tuvo la afirmación de

los señores étnicos y la nobleza andina, que para mediados del siglo XVIII

tuvieron una fuerte posición económica y social.

En su reafirmación andina encargaron cuadros de incas y retratos en los que

dejaban muy en claro el orgullo por su pasado.Durante el siglo XVIII, Lima

continuó produciendo pinturas barrocas de gran influencia hispana. Sin

embargo el arte ya no fue exclusividad de la iglesia. La corte virreinal y la

nobleza tuvieron acceso a la pintura a través de los retratos. Estas pinturas

eran más festivas y con un lenguaje pictórico mucho mas profuso que el del

siglo anterior. Las pinturas de Cristóbal de Lozano y Cristóbal de Aguilar son

las más afamadas, pues retrataron a los virreyes más importantes del siglo de

las luces.Al final de la centuria dieciochesca ingresó al virreinato peruano el

rococó francés, aunque su mayor influencia se dio en la arquitectura. De igual

manera, el neoclasicismo tuvo poca influencia en la pintura peruana, aunque

resaltan ciertas obras de Matías Maestro. (CEVALLOS, 2016)

1.4. Escultura

18
La escultura, al igual que todas las artes, fue introducida al

virreinato peruano por la iglesia. Desde un primer momento tuvo una

función práctica: sirvió como una herramienta eficaz en las campañas

de evangelización y de extirpación de idolatrías durante la segunda

mitad del siglo XVI y la primera del XVII. Inclusive el Concilio de

Trento (2563) se encargó de dar las directrices para la buena

utilización de las imágenes en la difusión de la fe católica. Así, la

virgen María, Jesucristo y los principales santos debían tener un papel

hegemónico en las iglesias y conventos.Los curas doctrineros llegaban

hasta los lugares más recónditos de los Andes y con sus imágenes y

cajas-retablo, lograban el entendimiento de los indígenas a pesar de

que no hubo una buena comunicación entre ambos grupos a causa del

idioma.

19
En el siglo XVI el renacimiento tardío continuaba inspirando a

los artistas locales. Utilizaron para sus primeras obras madera,

mármol, piedra, marfiles y metales, aunque muchas veces tuvieron

que importar los materiales del reino español. En Lima surgieron

varios talleres que satisfacieron la demanda de los encomenderos y

también de las órdenes religiosas, porque se encontraban necesitadas

de producción artística, ya sea para la decoración de sus nuevos

templos e iglesias o para el adoctrinamiento de indígenas. De este

periodo resaltan la Virgen de la anunciación (1551), Virgen del

Rosario (c. 1555), Virgen Patrona de la orden dominica (1558), todas

obras del escultor flamenco Roque de Balduque. Cabe resaltar que la

importación de obras fue practica común durante todo el virreinato

peruano.

1.5. Arquitectura

(CEVALLOS, 2016)Si bien la arquitectura colonial peruana nació

a partir de modelos peninsulares y europeos, con el devenir de los años

20
logró afirmarse como una arquitectura con personalidad propia, única

en América. La fundación de ciudades españolas fue el inicio de la

ocupación del territorio andino. Sobre las antiguas ciudades

prehispánicas se asentaron los primeros poblados españoles y en ellas

plasmaron su ideario del mundo conocido. Sus reglas definieron la

configuración de la ciudad pues de acuerdo a la posición en el plano se

sabia la condición de la persona. Las primeras construcciones en

edificarse fueron el cabildo, la catedral y las casas alrededor de la plaza

mayor. Las construcciones más cercanas a la plaza eran propiedad de

los vecinos más prominentes de la ciudad, es decir, aquellos que habían

sobresalido en las empresas de conquista. Sin embargo, son pocos los

ejemplos de arquitectura del siglo XVI. Tan solo algunas casas o patios

ubicados en Lima o Cuzco o algunas iglesias en provincia son la única

muestra de las construcciones de aquella época, pues los terremotos de

1687, 1746 y las obras edilicias del siglo XX, fueron los principales

agentes de destrucción de dichos monumentos.

1.5.1. Del siglo XVI destacan: la casa de Jerónimo de Aliaga (Lima), La

Merced (Ayacucho), Iglesia de San Jerónimo (Cuzco) y la

Asunción (Juli, Puno).La mayoría de las iglesias de fines del siglo

XVI poseían planta gótica-isabelina con nave alargada y separada

por presbiterio o capilla mayor por un gran arco denominado

triunfal.

21
Las portadas de las iglesias conservaron las formas clásicas italianas, a pesar

de que los alarifes tuvieron gran libertad para interpretarlas, haciendo

hincapié en un sentido bastante decorativo. Como indica Antonio San

Cristóbal, acaso el estudioso más importante de la arquitectura virreinal

peruana, la portada lateral de la iglesia limeña de San Agustín es una de las

poquísimas portadas existentes de Francisco Morales (alarife) que muestra

en todo su esplendor sus formas clásicas, propias del renacimiento tardío. El

siglo XVII estuvo marcado por la llegada del barroco. Este estilo arribó al

Perú en un momento de gran madurez artística de los alarifes afincados en el

Perú. La reinterpretación del estilo y su adaptación al medio local hicieron

que el virreinato del Perú se conviertiera en la expresión del barroco

americano.

Como se mencionó líneas arriba, en el siglo XVII hubo un transito de la

planta isabelina a la cruz latina. No obstante, las catedrales de Lima y Cuzco

escapan a esta clasificación. Las dos fueron construidas sobre una planta

22
procesional de tres naves con capillas laterales y coro de canónigos colocado

en medio de la nave central (García Bryce, 1995: 368). Son del tipo

hallenkirche o iglesia salón con las bóvedas a la misma altura. Lo que llama

la atención en ambas es que si bien poseen una misma planta, fueron

construidas con materiales completamente diferentes, pues siguieron la

tradición constructiva de su respectiva región (Lima-costa, Cuzco-sierra).Las

iglesias del siglo XVII destacaron también por la construcción de portadas-

retablo en sus fachadas. Construidas principalmente en piedra, tuvieron un

papel simbólico y evangelizador, ya que anunciaban a los transeúntes la

importancia de la iglesia, su carácter monumental e invitaban a su

contemplación.El virreinato peruano tuvo una diversidad de centros

arquitectónicos importantes. Las tradiciones y elementos regionales

permitieron el desarrollo de escuelas y de áreas de influencia. Cuzco,

Arequipa y Puno fueron las difusoras de las principales técnicas constructivas

locales.

23
1.6. Cultura

(CEVALLOS, 2016)La vida intelectual en el virreinato

peruano estuvo capitalizada por la república de españoles. Fueron los

peninsulares en primer término y luego los criollos los que se

dedicaron al desarrollo de una cultura colonial basada en las

tendencias que llegaban de Europa.Una de las primeras acciones fue

la implementación de colegios y universidades en todo el virreinato.

Las principales universidades se encontraban en Lima y Cuzco, siendo

la Universidad de San Marcos la más antigua fundada en América.

Los colegios mayores se fundaron para la educación de los hijos de

los españoles, sin embargo también se crearon colegios para la elite

indígena. Sobresalieron el Colegio Príncipe de Lima y el Colegio San

Francisco de Borja en la ciudad del Cuzco.

24
En estos colegios los indígenas eran introducidos al castellano, se les

adoctrinaba y se les impartía conocimientos básicos de cálculo,

retórica, escritura y canto. Los estudios estuvieron separados por

niveles denominados primeras letras, estudios menores y mayores y el

paso de un nivel a otro no lo determinaba la edad sino las aptitudes del

estudiante. Los colegios Mayores para españoles más importantes se

encontraron en Lima y Cuzco. Fueron reputados los colegios-

seminarios de las órdenes religiosas, pues en ellos los estudios

estuvieron dirigidos al cultivo de las humanidades. Los estudios más

comunes estuvieron dirigidos hacia el derecho, la medicina y la

teología. La medicina: el conocimiento médico durante el virreinato

fue rudimentario y empírico. A pesar de enseñarse en las

universidades, la medicina solo se restringió a aminorar las dolencias

que no causaban muerte, como el caso de un resfrío o torceduras

de huesos.

25
La medicina no fue propiedad de los doctores salidos de las

universidades. Fue común que los barberos, entre sus muchas

actividades, se dedicaran a la práctica empírica de la medicina. Los

escritos indican que fueron especialistas en sacar muelas y en preparar

ungüentos y "parches" para los huesos. Barbero y médico empírico

fue San Martín de Porras antes de consagrarse hermano lego

dominico.

26
II. ARTE POPULAR

27
(Merino., 2011)Es un concepto que procede del vocablo latino

ars y que refiere a las creaciones del hombre que expresan su visión

sensible acerca del mundo a través de la utilización de diversos

recursos sonoros, lingüísticos y plásticos.

En el caso de popular, tendríamos que decir que también es una

palabra que procede, etimológicamente hablando, del latín. En

concreto, de ella podríamos resaltar que emana del sustantivo

“popularis”, que está conformado por dos componentes: el vocablo

“populus”, que puede traducirse como “pueblo”, y el sufijo “-ar”, que

es equivalente a “relativo a”. Popular, por su parte, es un adjetivo que

indica lo perteneciente o relativo al pueblo. Entre sus diversos

significados, el término hace mención a lo que procede de la población

y a lo que alcanza a la mayoría de la gente.

La noción de arte popular, por lo tanto, puede tener distintas

acepciones. Hay quienes consideran que el arte popular está formado

por las manifestaciones artísticas que crea y consume el pueblo, en

oposición a la alta cultura o la cultura académica.

Una vasija de barro creada por un artesano para recoger agua

es un ejemplo de arte popular, mientras que una pintura en un lienzo

expuesto en un museo pertenecería al arte elitista. Estos límites, de

todas formas, son difusos.

28
El arte popular, por otra parte, puede estar dado por las

creaciones artísticas que son consumidas en forma masiva y que

suelen ser susceptibles de reproducción a escala industrial. En este

sentido, un cantante de música latina que vende millones de discos

puede ser considerado como un artista popular.

2.1. Rasgos generales del arte popular

(definicionabc, 2016)La característica principal de cualquier

arte popular es su orientación hacia el público en general. Se podría

afirmar que el pueblo es el protagonista del arte popular. Hay que tener

presente que el arte se ha vinculado tradicionalmente con las élites

sociales y, por lo tanto, con sectores minoritarios y, en consecuencia,

resulta lógico que el pueblo fuera creando sus propias formas de

expresión artística.

29
El concepto de popular vinculado al arte implica que una

manifestación artística pretende conectar con la mayoría de la gente.

De esta manera, esta modalidad de arte es eminentemente

participativa, abierta y callejera.

El estilo del arte popular suele ser directo y asequible. Así, todo

lo que sea sofisticado y enigmático se aleja del espíritu de lo popular.

Esto no significa que el arte popular tenga una categoría inferior sino

que tiene otro lenguaje y un planteamiento distinto. Pongamos un

ejemplo ilustrativo: la danza clásica es elitista (se realiza en teatros

con cierto lujo y las entradas son normalmente caras) pero la danza

popular o folclore se puede bailar en una plaza y en un ambiente

distendido y muy alejado de las formalidades. Así, bailar puede ser

elitista o popular y esta diferencia se podría aplicar a cualquier

expresión artística.

El concepto de popular vinculado al arte implica que una

manifestación artística pretende conectar con la mayoría de la gente.

De esta manera, esta modalidad de arte es eminentemente

participativa, abierta y callejera.

El estilo del arte popular suele ser directo y asequible. Así, todo lo que

sea sofisticado y enigmático se aleja del espíritu de lo popular. Esto

no significa que el arte popular tenga una categoría inferior sino que

30
tiene otro lenguaje y un planteamiento distinto. Pongamos un ejemplo

ilustrativo: la danza clásica es elitista (se realiza en teatros con cierto

lujo y las entradas son normalmente caras) pero la danza popular o

folclore se puede bailar en una plaza y en un ambiente distendido y

muy alejado de las formalidades. Así, bailar puede ser elitista o

popular y esta diferencia se podría aplicar a cualquier expresión

artística.

2.2. algunos ejemplos

 Los juglares de la Edad Media recitaban poemas por las calles de

los pueblos y su actividad no la ejercían normalmente en palacios

lujosos. (definicionabc, 2016)

 Si pensamos en el cine, nos encontramos con las películas

dirigidas al gran público, en las que se pretende el entretenimiento

del espectador. (definicionabc, 2016)

 En los mercados suelen encontrarse artesanos que fabrican objetos

dirigidos al gran público. (definicionabc, 2016)

31
 En las calles de las grandes ciudades es habitual encontrarse con

grafitis, que normalmente presentan mensajes relacionados con la

cultura del pueblo. (definicionabc, 2016)

 La poesía es un género literario que también ofrece dos caras:

poemas llenos de símbolos y figuras retóricas y poemas

claramente populares (muchas canciones tradicionales se inspiran

en estos poemas). (definicionabc, 2016)

 A pesar de las diferencias entre lo que es popular y lo que no lo

es, en ocasiones la frontera entre ambas manifestaciones se

difumina. Un ejemplo serían las novelas por entregas del siglo

XlX (surgieron para ser leídas por el gran público pero con el paso

del tiempo han adquirido otro significado, tal y como se pone de

manifiesto con las novelas por entregas de Charles Dickens o

Víctor Hugo). (definicionabc, 2016)

III. EL ARTE POPULAR PERUANO

3.1. EL ARTE POPULAR PERUANO CONTEMPORÁNEO

CONCEPTO Es el conjunto de las arte en el mundo actual

andino como producto de sus raíces ancestral peruanas y que es tratado

en sus diferentes técnicas para ser plasmadas total o parcialmente a

mano con materiales simples y de escaso costo para expresar y

32
comunicar riqueza estética en cualquiera de las expresiones: la

Textilería, Cerámica, Imaginería, así como en la Platería, el Retablo,

la Hojalatería, el Mate Burilado, etc.

En el Arte popular, aglomera artesanos de la ciudad (Arte

Urbano) y los artesanos campesinos (Arte rural) que realzan el valor

de nuestro arte popular tradicional, que es la suma de eficacia, técnica

y destreza de nuestros artesanos y la identidad cultural de nuestro

pueblo, como es también fruto de la fusión ancestral andina con el

enfoque Europeo del mundo de los siglos XIV y XV.

TRADICIÓN ARTÍSTICA POPULAR

Se honra la creatividad y la magia milenaria de nuestro pueblo

con la perseverancia de resguardar la identidad cultural, en un mundo

33
cambiante, por lo que es de interés público incentivar y difundir los

valores artísticos de las creaciones de nuestro pueblo.

LA EVOLUCIÓN DEL ARTE POPULAR PERUANO

Se da a través de los diversos cambios, inicialmente asociados

a cultos religiosos, que fueron evolucionando en piezas decorativas

que no sólo representan escenas religiosas sino también; escenas de la

vida cotidiana: creación de tejidos y cerámicas e inclusive festejos.

NACIMIENTO ANDINO

34
OBRA DE ARÍSTIDES QUISPE, AYACUCHO.

LA IDENTIDAD NACIONAL Actualmente los artesanos artistas peruanos

tienen que luchar por expresar su propia esencia e identidad cultural en un

ambiente de cambiantes valores ancestrales, el artesano artista debe dirigir su

concepción a reexaminar sus propios valores y percepción estéticas de su arte

para continuar vigente en el mercado, al cual se dirige su arte, sin perder su

identidad y tradición cultural. Apoyar el reconocimiento, la defensa y la

difusión de los bienes culturales; es proteger lo nuestro, a esto manifiesta:

Bákula Budge. “Si hace unas décadas había que apoyar la batalla por el

reconocimiento, la defensa y la difusión de los bienes culturales, hoy debe

darse una batalla similar para protegerlos”, escribe. “Los artesanos deben

resistir a los medios de comunicación y la globalización que llevan a la

despersonalización, el agotamiento y la muerte de la expresión estética”. Pero

esto no significa negar la necesidad de cambio, agrega, en tanto el artista

trabaje “solo, a su ritmo y en su universo”, y no como el artesano que trabaja“

en equipo, en un taller y responde a necesidades colectivas”, y es por eso que:

“El arte popular tiene que incorporar las vivencias del presente”.

El artesano del arte popular debe presentar y dirigir e incidir sus obras sobre

las costumbres mágico-religiosas y sus festividades populares,

que constituya la expresión de su comunidad para encarar los desafíos que

nos plantea el uso de manejos de tecnologías.

35
EL RETABLO AYACUCHANO

Es una especie de altar portátil tallado y decorado profusamente por

artesanos de Ayacucho para representar un personaje o un hecho religioso.

El término deriva del Latin Retabulus o Retrotabule (lo que va detrás de la

mesa). Antiguamente fue llamado “Cajones de San Marcos o San Lucas” en

honor a estos santos, éstos no eran objetos de una silenciosa devoción, sino

que eran llevados por los campesinos andinos a las montañas para celebrar la

marca del ganado o fiesta de Santiago.

HISTORIA La tradición española de tener portátiles y nacimientos,

conocidos como "belenes" fue muy bien acogida en el mundo andino. Estas

cajas contenían santos y otras efigies sagradas- estas eran usadas para cuidar

las viviendas y a los viajeros que las llevaban consigo. El antecedente más

cercano al retablo actual es el sanmarkos o caja de San Marcos, patrón del

ganado de Santiago.

36
LA CERÁMICA

DEFINICIÓN: Son creaciones realizadas en arcilla, que siguen la tradición

creadora de nuestros antepasados que con gran destrezas expresan y

comunican con originalidad, perfección estética, calidad y su histórica

evolución cultural en sus trabajos artesanales, permitiendo enfocar su arte

con gran potencial y productiva. La cerámica popular peruana es actualmente

muy cotizada por su inigualable acabado, ingenio y creatividad.

LA CERÁMICA DEL CUZCO Los ceramistas cuzqueños, son los que

mejor demuestran este arte. Son tributarios de dos altísimas participaciones:

La Inca y la colonial, que hoy se encuentra en constante evolución estética,

seguramente por la demanda turística, siendo una de sus características

técnicas el pulido, naturalidad y noblezas en sus representaciones expresivas.

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OBRA DE LA CASA DE LOS MERIDAS

En la palabras de Hubert Mérida el legado familiar se resume de esta forma:

“La capacidad creadora de nuestros pueblos son parte fundamental de nuestra

cultura, y la cerámica fue uno de los aspectos más representativos de la vida

en el mundo precolombino.

CERÁMICA CHULUCANAS La cerámica de Chulucanas tiene raíces

culturales profundas que nacen en las culturas prehispánicas Tallán y Vicus

(500 años d.C.), donde desarrollaron técnica de decoración "en negativo” y

la técnica del “paleteado”, forma de modelar las vasijas con una paleta de

madera y una piedra redondeada. Fue en 1978 que Gerásimo Sosa lo vuelve

a utilizar con ciertas mejoras, y que perdura su uso con una decoración

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artística con uso costumbrista. Es en el Distrito de La Encantada que labora

estos trabajos utilizando finos matices es su decoración, actualmente le han

añadido diseños más modernos.

CERÁMICA DE QUINUA

En distrito de Quinua, provincia de Huamanga, donde grandes maestros

artesanos nos proporciona una cerámica de alta calidad, que han traspasado

la región y el país, que con sus obras lo han convertido en arte, por su alta

calidad técnica en el manejo de la arcilla. Sus piezas de iglesias y los toros

de Quinua lo hacen mágico porque creen en la influencia de la protección de

sus casas de los rayos y también como protector del ganado, por esa razón

Ayacucho, es considerada la “Capital del Arte Popular y de la Artesanía del

Perú”, por sus reconocidos artesanos.

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Uno de sus grandes maestro artesano esMamerto Sánchez, que llego aprender

este oficio por tradición familiar, que paso hacer de trabajos útiles y de uso

cotidiano para pasar a dar formas a personajes de la tradición ayacuchana,

como músicos. En una entrevista había manifestado: "Yo no hago molde, no

hago dos trabajos iguales. Tampoco utilizo tecnocolores, yo hago mis propias

pinturas con la tierra de Quinua", eso es lo que lo hace grande, porque realiza

piezas únicas y originales.

LOS MATES BURILADO

Es una artesanías ancestral y milenaria de uso ornamental elaboradas de los

frutos de la calabaza (Lagenaria vulgaris), tratado con buril para grabar las

figuras con incisiones en filigrana e incluso con incrustaciones de plata.

Actualmente su mayor producción se da en el Valle del Mantaro en la región

Junín y en la provincia de Huanta en Ayacucho. Esta técnica es heredada de

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generación en generación por los artesanos peruanos, su elaboración se

remonta hacía 3,500 años de antigüedad en dos pequeñas calabazas

grabadas, que fueron hallados en Huaca Prieta (valle de Chicama) en La

Libertad.

ARTESANIA EN PIEDRA DE HUAMANGA

La piedra de Huamanga (Ayacucho) es un alabastro (sulfato de cal), de

origen volcánico es utilizado por los artesanos para tallar esculturas incluso

preciosas miniaturas de gran refinamiento y creatividad. Es una piedra de una

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formación geológica sedimentaria, de color blanco y a veces con tonalidades

tenues que van del gris o plomo al sepia, siendo menos dura que el mármol y

más que la arcilla con cierta transparencia que representan escenas

religioso, bíblicas, nacimientos, festividades y la vida campesina.

MASCARAS EN EL PERÚ

Es un acompañamiento ornamental en las danzas de que se ha valido el

hombre andino para comunicar y expresar las costumbres del poblador

andino para imitar, burlarse o satanizar al dominador con gracia y arte. En el

Perú prehispánico destacan las máscaras de las culturas Chimú y Mochica,

elaboradas en oro, plata y cobre con una belleza inigualable. Actualmente se

elaboran con diversos materiales como madera, yeso, badana, hojalata, malla

de alambre y tela encolada.

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Las máscaras sobreviven como un arte creado por el pueblo, al servicio de

sus creencias, es así que en Puno utilizan las máscaras en la fiesta de la

Virgen de la Candelaria, siendo la más conocida la máscara del diablo rey

con sus 7 pequeñas cabezas con cuernos y dragones que representan los

pecados capitales, la mujer del diablo ostenta un decorado de reptiles y dos

cuernos sobre la cabellera dorada, otra es el rey moreno personaje de la

morenada .

MUÑECAS PERUANAS ARTESANALES

Las Muñecas Artesanales Peruanas son confeccionadas a mano, embellecidas

con trajes típicos y con la cara bordada a puntos, trenzas de lana y gorro de

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yute, elaboradas por artesanas Cuzqueñas y Ayacuchanas como artículos de

decoración o colección siendo su continuidad parte de la cultura peruana.

En el barrio de San Blas en el Cusco, encontramos a la artesana de muñecas

Doña Máximiliana Palomino de Sierra, que presenta gran destreza y

habilidad estética hermosas muñecas vestidas con atuendo propio de cada

región resaltando la calidad estética y su gran finura, que junto a su esposo

Enrique Sierra Carrasco desarrollaron una técnica especial de imaginería

llamadas “Muñecas tradicionales” o “Muñecas documentadas”; verdaderas

esculturas hechas a base de cartón prensado con pasta de yeso y alambres.

EL ARTE TEXTIL

El mundo andino se ha distinguido por poseer excelentes tejedores que ha

sido heredera de una larga tradición prehispánica desarrollada a los largo de

todo el país, entre los que destacan los mantos Paracas y los tejidos Inca y

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Wari ayacuchano. Los textiles más antiguos, encontrados en Huaca Prieta –

Chicama, datan de hace unos 4,000 años. Actualmente se utilizan lana de

ovino, de alpaca y llama y el algodón marrón y el blanco, como también

se utilizan los cabellos humanos y los pelos de murciélago, y, más

frecuentemente, los hilos de oro y plata. Además, todavía se mantiene el uso

de algunos tintes naturales que se combinan con la anilina y otros tintes

industriales, y el telar vertical y el telar a pedales continúan siendo las

herramientas con que se tejen la mayoría de mantas y telas.

Los departamentos donde el tejido tiene mayor vigencia son Ayacucho,

Puno, Cusco, Junín, Apurimac y Lima, con técnicas diferentes, diseños,

estilos y el empleo de diversas combinaciones cromáticas. Unos de los

grandes y reconocidos maestros es Don Alfonso Sulca Chávez, nació el 27

de abril en 1944 Ayacucho, quien aprendió el oficio de su padre el patriarca

de la textilería ayacuchana, don Ambrosio Sulca Pérez, consideradouno de

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los artistas más completos, interesantes y dinámicos que ha dado la textilería

peruana, sus obras representan innovaciones temáticas de una efervescencia

creativa con figuras geométricas, el universo mitológico y religioso de la

cultura andina, es por eso que algunos de sus trabajos son parte de galerías

de arte y de coleccionistas privados, y que le ha valido ser reconocido a nivel

nacional e internacional.

MUJERES ANDINAS TEJIENDO.

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Textilería Ayacuchana: la capital peruana de la artesanía con una

variedad de diseños y una temática novedosa.

IV. CONCLUSION

Los pueblos de América, África y Asia fueron sometidos a la

esclavitud y explotación por una sola razón importante:

Sus recursos vírgenes.

Hoy día, Asia y América han salido a flote (por decirlo así),

mientras que África ha vivido en la miseria y olvido por años, su

situación empeora cada día mas y las grandes potencias que un día

la utilizaron hoy ni siquiera le dan su apoyo.

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Esto nos pone a pensar en si la situación de esclavitud que vivimos

ayer, la estamos viviendo hoy día, ya que los países mas

desarrollados intervienen en nuestros asuntos como si todavía

fuéramos colonia.

Pensamos que cada país debe ser libre y soberano y que no hay

diferencia entre el hoy y el ayer. Debimos ser independientes

siempre, pero tal vez no tuvimos la potestad de asumir nuestro rol.

BIBLIOGRAFÍA

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http://www.monografias.com/trabajos10/arco/arco.shtml

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wikipedia. (2015). wikipedia. Obtenido de


https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_colonial_hispanoamericano

ANEXOS

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