Aprenda a desenhar um cão em quatro

etapas fáceis
Aprender a desenhar um cão, não é nada difícil se você seguir
algumas etapas simples. do "melhor amigo do homem" é um
tema popular constantemente para os artistas.

Pode ser um esboço geral de um cão que se encaixa em um

quadro maior.

Poderia ser uma pintura mais detalhada de uma raça específica.

Ou pode ser um animal de estimação favorito da família,
passada ou presente, cuja aparência e personalidade que
queremos preservar para sempre.

Aqui, vamos apresentar um esboço de um golden retriever - um

cão adorável que é um animal de estimação favorito da família
em todo o mundo.

No entanto, parte de aprender a desenhar um cão é olhar para fotos de raças como
muitos como você pode.

Olhe para a formas básicas que você pode usar para

formar o compõem de um touro cão e comparar
essas formas que criaria um galgo crível, por
exemplo.

Você deve achar que as formas reais (triângulos de

cabeça e nas pernas, oblongo para o corpo, etc)
permanecem praticamente os mesmos para ambos.

O que muda é a proporção dessas formas, ou seja,

os triângulos de pernas bulldogs seria mais do que o
agachamento muito mais fino, mais para aqueles
triangels do galgo.

Se você ainda não tem certeza, dê uma olhada na

foto ao lado. Eu super-impostas algumas formas
básicas sobre a fotografia no topo da página para mostrar como é simples.

Direita. Vamos começar.

Tudo que você precisa é de um lápis, papel e uma borracha. Eu costumo usar uma
massa de borracha, pois ele pode ser moldado para uma ponta fina ou ponta de cinzel
para levantar os detalhes finos ea criação de destaques.

Portanto, não é apenas uma borracha, é também uma ferramenta de desenho também.
Como desenhar um cachorro - Fase 1

Se você olhou para nenhum dos meus outros "como desenhar" artigos, você verá, como
aqui, eu uso as formas básicas, como uma forma oblonga, triângulo e círculo para criar
uma espécie de andaime antes de eu tirar o assunto em destaque detalhe.

Eu fiz estas linhas em vermelho e removeu a foto para que você possa vê-los mais
fáceis, mas você deve desenhá-los em muito levemente com um lápis.

Isso, eu acho, então dá aos alunos a confiança real que temos a configuração básica
correta, bem como as proporções importante direito em relação uns aos outros, como a
cabeça, corpo e pernas.

No entanto, se você vê um potencial de forma diferente ou seja, uma forma oval em vez
de um oblongo para o corpo, vá em frente e usá-lo. Eu vou ser feliz porque isso
significa que você já pegou um elemento importante para aprender a desenhar um cão.

Uma vez feito isso, adicione alguns triângulos retângulos de base ou qualquer outra
forma você acha que melhor se adequa até obter um esboço do seu cão.

Como desenhar um cachorro - Fase 2

Agora, começar a trabalhar um esboço mais realista usar essas formas básicas como um
guia. Mantenha a luz linhas. É surpreendente, mas se você pode desenvolver um leve
toque com suas linhas, você vai encontrar as suas habilidades de desenho vai realmente
melhorar.

Penso que a razão para isto é que você desenvolva mais confiança, porque você não
sente que uma linha incompleta luz (ou até mesmo vários deles) é um problema para
apagar se necessário.

No entanto, muito trabalhado, linha pesada sente como você nunca vai tirá-lo do papel
se ele está errado. E pensar sobre isso que você chama de perto o papel, como você se
concentrar em pôr as linhas exatamente certo o lugar.

O toque de luz ajuda a evitar ficar muito perto de seu desenho. Você tende a realizar
seu trabalho um pouco mais longe, assim que você é - literalmente - para poder ver a
foto maior!

Eu coloquei minhas falas em um pouco mais pesado e em tinta e eu removi as linhas de

construção vermelho para que você possa ver o que eu estou me referindo.

Não vá para o detalhe ainda, como os olhos ou o nariz ainda. Isso pode vir mais tarde.
Como eu disse, eu já excluída as linhas vermelhas de clareza, mas você deve manter
suas linhas de construção própria, até que você esteja feliz com o contorno realista que
está criando.
 E não se preocupe se, em primeiro lugar, apagando as linhas de construção (ou a
imagem final) começa a tomar a superfície fora de seu papel. É tudo excelente prática -
e você vai melhorar!

Como desenhar um cachorro - Etapa 3

Trabalho com 2 ª fase Como desenhar um cachorro até que você tenha o contorno nas
formas de base correcta.

Eu vou dizer outra vez. Não se preocupar com esfregar-se e voltar a fazer nesta altura.
Lembre-se, isto é aprender a desenhar um cão e aprendizagem significa cometer erros ...

Acredite em mim, quando você acertou nas formas de base, ele ainda vai olhar como
você sabe como desenhar um cão!

Agora vem a pouco emocionante, quando você iniciar com cuidado (ainda muito
levemente) começam a desenvolver o cão formas mais realistas. Isto é onde você
realmente sente que você está aprendendo a desenhar um cão!

Olhe para o esboço concluído no final da página e confira como as linhas são
desenhadas em uma forma muito raggedy. Isto cria a ilusão de um cão de pêlo longo,
que é característico do retriever.

Ele tem uma grande vantagem, bem como nas que quando aprender a desenhar um cão,
você não precisa se preocupar com as linhas retas se o pêlo é um pouco desgrenhado.

Na Fase 3, eu completei o contorno do cão e começou a colocar algumas linhas de

sombra com chocados. Lembre-se neste esquema, o sol está vindo da direita. Bem
como a simulação de um casaco de pêlo longo, essas linhas também nasceram de ajuda
para criar um cão de três dimensões.

Como desenhar um cachorro - Etapa 4

Finalmente, depois de ter criado um esquema real

de seu cão, se você não tiver feito isso,
cuidadosamente apagar todas as linhas de
construção.

Agora você vê o valor de colocar estas em muito

levemente para começar!

Eu estou supondo que você terá que utilizar um

lápis para o desenho e se você tiver, use o betume
de borracha para criar alguns destaques, se
necessário.
 Lembre-se, tendo decidido que a sua fonte de luz direção está vindo, você deve
cumpri-lo durante todo o desenho.

Neste esquema, a luz está vindo da mesma direção como na foto principais - ou seja: a
partir do topo e à direita, ou cerca de duas horas. Isto significa que a maioria das áreas
mais escuras de sombra estão na frente, lado esquerdo do cão.

Observe também a forma como eu adicionei um pouco flicks da caneta para representar
a grama ao redor do cão pés. Isso ajuda a defini-la no chão. A área mais escura da
sombra debaixo do labrador também ajuda a fazer isso tão bem, por isso não parece
estar flutuando no espaço.

Veja como eu tenho observado atentamente a foto e adicionar sombras em torno do

rosto para criar a sua forma distintiva.

Os olhos não são mais do que uma pequena letra "C" virado para baixo.

E não esqueça o cabelo ligeiramente ondulado você encontra no cão estas caixas.

Assim, com um pouco de perseverança, você terá aprendido a desenhar um cão - um

desenho que eu espero que lhe traz uma boa dose de satisfação e desejo de continuar
praticando e se surpreende com o que você pode conseguir!

Se você encontrou este "Como desenhar um" tutorial, útil porque não obter acesso a um
cão muito mais "como" tutoriais Draw logo que são produzidos.

Pele de Pintura em Acrílico

"Kes", o cão de demonstração de pintura

Gostaria de partilhar a minha técnica de pintura de peles em tintas acrílicas, neste caso
pêlo, branco. pintura de peles, leva tempo e paciência. Com a prática, ele também pode
ser divertido. Você pode obter uma boa noção do que está acontecendo com a pintura a
partir de fotos e suas descrições. Alguns passos são o mesmo processo se repetiu, com
base no nível anterior de tinta, por isso estou mostrando as fotos de progresso.

Minha paleta para isto era limitado. Eu usei Raw Sienna, Burnt Sienna, Utramarine
azul, branco, amarelo e óxido de cádmio Red Médio. As escovas foram basicamente de
idade, escovas redondas que sobraram de explorar a pintura decorativa. Eu me sinto
mais compfortable com uma escova que tem sido bem usado e se move facilmente em
minha mão. A superfície é um pré-condicionadas lona, estendeu que é vendido no
abastecimento de toda a arte e lojas online.

Espero que vocês gostem do artigo, tanto como eu a criar.

 Ao olhar para uma foto muito grande de peles de referência, me deparei com esta
fotografia de Kes. Seu rosto bonito e pele realmente chamou minha atenção. Eu
gostaria de agradecer muito tempo com WC! membro Joe Majury por me permitir usar
sua foto como referência para este artigo.

Minha primeira decisão foi cortar a foto para se concentrar em seu belo rosto.
 O primeiro passo para o retrato é um esboço detalhado. É importante não ficar preso a
detalhes demais. Eu desenho em apenas o que é necessário para começar. Isso me
permite trabalhar mais livremente possível durante a fase de pintura.

Após o sorteio é satisfatória, vou começar a bloquear nas áreas escuras; fundo, nariz e
olhos, etc .. Para esta etapa, as cores que usei foram Burnt Sienna e azul ultramarino.
Aqui está a primeira camada de muitos que eu começar a bloquear no tom e valores.
Com o branco da tela e da tinta escura eu adicionado anteriormente, é fácil determinar
os valores e os tons entre eles.

Nesta fase, eu uso todas as cores. Misturando-os com água ajuda a fazer uma pintura
fina aquosa. Eu uso isso para a pintura em camadas, esperando cada camada secar
completamente antes de prosseguir.

Meu objetivo é construir lentamente os valores do fundo para a camada superior da

pele. Isto cria a ilusão de que a pele tem volume e é mole. Enquanto as camadas
construir, alguns ajustes são feitos, mas como você pode ver que eles são muito sutis.
 Às vezes, torna-se difícil ver as coisas claramente, uma vez que eu olhava para a
imagem por muito tempo. Para ajudar, eu viro a cabeça para baixo e tela de pintura,
como que por pouco tempo.
 Esta é a peça acabada. Espero que tenham gostado de ver as várias fases. Eu realmente
gostei de Kes pintura. Obrigado mais uma vez, Joe Majury.
Wolf, Vida Selvagem Arte
 Demo Acrílico
Acrílico, Instrução Arte Livre

Esta demonstração é do livro, A Arte de pintura acrílica (Collector's Series), publicado

por Walter Foster Publishing Inc. Reproduzido com permissão do artista.

Uma manifestação em Acrílico

por Lawrence Rod

De cultivo em

Gostei muito do ângulo da cabeça deste lobo ea iluminação brilhante. Quando o corte
no na cabeça, deixei bastante espaço negativo em torno dele para fechar-se sobre o lobo
sem confiná-lo muito bem.
Primeiro Passo

Primeiro eu misturar a cor base global para a cabeça, usando bue cerúleo, branco, e
quantidades menores de carmim queimado, violeta e azul ultramarino. Para o fundo, eu
crio diversos valores usando diferentes combinações de carmim queimado, azul cerúleo,
azul ultramarino violeta, azul e branco - às vezes acrescentando amarelo ocre e amarelo
de cádmio claro. Eu aplicar essas misturas molhado molhado na, misturando-se como
eu pinto.

Passo dois

Agora eu transfiro as principais linhas dos ramos de fundo do meu desenho para a
pintura, começando com o fundo mixagens de uma etapa. Aplico lavagens de ambos os
valores mais claros e escuros para suavizar as bordas e lentamente construir as formas
de folhagem. Então eu uso uma mais escura valor na área à esquerda do lobo, e
aplicam-se tanto valores claros e escuros para as áreas acima e à direita da cabeça do
lobo. No canto inferior esquerdo, eu começo a acrescentar valor mais claro "furos"
(espaços negativos) para o fundo.

Passo três

Agora eu lavar-me as luzes de fundo com uma mistura de ocre, branco amarelo e
laranja. Eu crio as áreas mais claras usando branco misturado com amarelo ocre, luz
cádmio amarelo e azul cerúleo. Então eu transferir os detalhes faciais e de pele do meu
desenho, pintando-os com um valor ligeiramente mais escuro que a cor de base, eu
também construir as obscuridades olhos e nariz, aplicando várias lavagens. E eu
adicionar detalhes de peles com um valor entre a cor de base e os valores mais escuros.
Passo Quatro

Ao pintar as áreas mais claras, eu uso lava fina e lentamente construir a minha pintura
em camadas mais espessas. Então eu coloco em um valor mais escuro para criar
profundidade, indicando as áreas mais profundas da pele e manchas escuras. Quando a
pintura de peles, procure tufos de cabelo, bem como padrões de cores. Fur varia de
comprimento e cor, e ela tende a aglutinar-se em áreas onde é mais espessa, ou quando
ele está constantemente comprimido pelo movimento. Aproveite o tempo para ver
realmente como os aglomerados de sobreposição, a sombra do outro, e tecem dentro e
para fora. Isso irá ajudá-lo a pintar peles mais realista.
Passo Cinco

Agora é hora de lavagens de cor (veja os exemplos abaixo), que irão reforçar o lobo e
começar a mudar a aparência geral da cor de base em algumas áreas. Eu uso um monte
de água, tratamento destas misturas como aguarelas subtis. Quando seca, estas cores
ficarão mais escuras do que quando aplicado, de modo que você deve usar alguma
restrição ao pintar-los. Este lobo é principalmente um branco-acinzentada, então eu não
quero acrescentar muita cor para o corpo.
 amarelo + branco + queimada umber + mais carmim carmim queimado queimada umber + mais queimado
cádmio luz amarela azul cerúleo + azul queimado + mais + azul ultramarino azul cerúleo + + ferrugem azul
ultramarino + azul cerúleo + mais + violeta + azul azul ultramarino cerúleo + + mais azul
branco + violeta + azul ultramarino + cerúleo + bagatela violeta + branco ultramarino + violeta
dab de amarelo violeta + branco + de buff + branco
ocre pincelada de ocre

Passo Seis
 Eu estabeleço os olhos com amarelo ocre e adicionar uma cádmio lavam a luz amarela
em todo o lobo para aquecer os destaques. Então eu pintar o próximo valor mais
escuro, acrescentando azul cerúleo onde eu quero mais uma ferrugem azul-acinzentado
e adicionando mais queimada onde eu quero mais intensidade e calor.

Passo Sete

Agora que eu terminei com os valores mais escuros. Em seguida eu aplico lava
amarelo ocre na cabeça e no peito, às vezes acrescentando carmim queimado e azul
cerúleo. Para os olhos, que precisam de lavagens sutil para fazê-los parecer mais
realista, eu também adicionar um pouco de branco e amarelo de cádmio.
Passo Oito

Para maior contraste, destaco os olhos, nariz e orelhas com uma mistura de azul
cerúleo, azul ultramarino ferrugem, azul queimado, e violeta. Eu começo a lavar acima
dos olhos e entre as orelhas, continuando sobre a base da orelha do lado esquerdo.
Seguinte eu uso mais grossa de tinta para construir as zonas mais escuras. Eu continuo
adicionando o valor mais escuro em toda a cabeça do lobo, a aplicação de lavagens de
pequenas mudanças e várias camadas de tinta para cobrir áreas muito escuro. Então eu
misturo o meu valor mais escuro - carmim queimado, azul ultramarino, e violeta - e
aplicá-lo ovoer a última lavagem.
Passo Nove

Com um azul cerúleo amarelo, violeta, ocre, branco e misture, eu soco até o detalhe das
pontas da pele ao redor dos olhos, nas bochechas e no focinho e no peito. Seguinte eu
uso branca com uma pitada de violeta para pintar as bordas backlit, começando com as
lavagens e depois mudar para camadas espessas de tinta. Que eu arraste a ponta da
minha escova redonda para o fundo para criar o cabelo mais fino destaques. Em
seguida adicionar os detalhes finais, começando com as lavagens de branco tingido de
amarelo em torno da orelha esquerda. Eu também pintar algumas peles mais escuras e
mais leves no rosto e na garganta para enfatizar o contraste. Eu aplico um tom azulado-
roxa no nariz, então eu traço da coima, bigodes delicada.
 Por Eric Wilson
Tiger Lição Art Painting
Pastel, Instrução Arte Livre

A Passo a Passo Pastel de demonstração de arte

Um tigre à beira da água, Royal Chitwan, Nepal.

Muitas vezes as pessoas me perguntam: "Como você fez isso?"

Isto é como ....

Estou usando o papel Royal Sovereign pastel, como sempre, você notará a partir das
imagens abaixo, que esta pintura começou com o desenho muito pequeno. Este é
frequentemente o caso com a minha pastelworks. Eu gosto de fazer marcas proporcional
onde as coisas podem ser, como os olhos, um contorno ou listras do tigre, mas estas não são
mais do que qualquer guia de marcas underdrawing seriam perdidos imediatamente com a
quantidade de pastel Fiquei ontop dele.

Uma imagem:

A segunda foto mostra que eu estou trabalhando em primeiro lugar sobre a cabeça,
concentrando-se sobre o contraste que terá contra ele a fundo. Isto é muito importante para
o sucesso de toda a imagem, e assim eu ter tempo para fazer um pouco de detalhe e obter
um bom contraste de cores profundas para o fundo firmemente no lugar. Outra razão para
fazer isso é que eu achei inspirador para ter o rosto semi feito nesta fase, que tornou mais
fácil para mim visualizar a imagem completa.

A terceira imagem mostra que eu estou trabalhando as cores de fundo mais baixo, testando
minhas idéias com as cores experimental para a grama e também experimentar alguns dos
eixos de luz que, mais tarde, melhorar a imagem. Estes são apenas idéias, nesta fase, e se
você olhar para a pintura final, você vai ver eu mudei a direção da luz eixos para melhorar a
composição.
 A imagem mostra quarto me espalhar as cores undercoat em todo o corpo do tigre e
levemente desenho no listras. Eu também estou acrescentando alguns detalhes para as
pernas.
 Você pode notar que tudo é feito de ânimo leve, nesta fase, nada muito drástica e severa.
Costumo descrever o que eu sinto como se eu estivesse mergulhando meu dedo do pé na
água, testando as coisas. Eu nunca rush dentro Se eu errar, nesta fase, é fácil corrigi-los e
todas as opções estão sempre abertos para qualquer nova idéia que possa surgir, olhando
para o que eu fiz até hoje. Estou sempre procurando, sempre parar e pensar, este é o
momento quando as pinturas são ganhas ou perdidas e que eu estou procurando é um
modelo que eu sei com segurança pode tomar para a próxima fase.

Muitas vezes as pessoas me perguntam sobre composição. Foi tudo planejado? Espero
demonstrar com este post que não era. Esta pintura começou em Nepal uma manhã, quando
eu estava nas costas de um elefante procurando tigres, a selva em Chitwan está envolta em
névoa até que o sol se levanta e queima-la. Como o meu elefante foram para a água para
beber eu absorvia a cena diante de mim com a sua luz dramática e remoção de névoa. Eu
não vi o tigre nesse dia, mas na minha mente que eu tinha visto claramente ele ea pintura
nasceu. Isto é, tanto quanto a minha composição passou, um fundo nebuloso e um tigre
imaginado.

Voltei para a Inglaterra com alguns esboços de tigre e fotografias, mas nada tão dramático
como eu tinha imaginado naquele dia.

Meses mais tarde, traçou o tigre que eu queria. Você verá que ele é composto
estranhamente, ele está entrando no espaço do quadro, entrando no quadro incompleto,
assim como a minha imaginação tinha colocado ele na cena real de muitos meses antes. Eu
gosto deste tipo de composição, mas coloca desafios se quiser obtê-lo direito. Eu tive meu
fundo nebuloso para embrulhar ao seu redor e uma vaga idéia da iluminação, mas eu sabia
que algo mais seria necessário se essa pintura foi bem sucedido ...

Você vai ver que, nesta fase, estou espalhando, 'feeling' para os elementos de composição.
No topo eu tenho resolvido sobre a direção dos eixos luz e no fundo eu ter começado na
água. Eu sempre soube que teria poços de luz e água, mas as suas posições exatas deixei até
fazer a pintura. Eu gosto de trabalhar com este tipo de flexibilidade, que se adequa à forma
cautelosa em que eu trabalho, as decisões de um pouco de cada vez. Muitas vezes parece
que as tintas da pintura em si, porque cada decisão leva facilmente para o próximo.

Você pode ver aqui na foto 5 que eu estou trazendo alguns detalhes da grama, sentindo a
minha cor / gama tonal.
 Figura 6 mostra que a conta tem uma idéia para as cores das gramíneas agora estou
confiante o suficiente para estabelecer algumas das gramíneas do primeiro plano, tendo
sempre a luz, ela teve de ser dramática para atender a luz do tigre. Estou vendo com
cuidado a composição aqui, estendendo-se os tigres influência para baixo nas patas reflecte
o que eu gostava, mas comecei a sentir como se o canto inferior direito da pintura era
desconfortável vazio. Você tem que ter muito cuidado quando o animal enche tanto de sua
tela, muito ciente de que qualquer outra coisa que você adicionar deve reforçar, e não
distrair a atenção do assunto principal.
 Figura 7 mostra a minha resposta a esse problema. Resolvi em cima de um log para
equilibrar as coisas um pouco, e eu também acrescentou um toque sutil de estender uma
cegonha de grama para cima, à direita, ambos com um saldo de imagem que estava em
perigo de tornar-se desequilibrada.
 Figura 8 mostra mais refinamento do log, e uma realização da parte superior, lápis de luz
traços dando dicas de uma selva na distância.
 Figura 9 mostra um detalhe pouco mais de como eu estou agora terminando a pele em todo
o corpo dos tigres, traços leves de pele clara elevação de nuances mais escuras mais ricas
que sugerem a anatomia básica do animal. Todo o tempo eu estou amaciando delicadamente
com os dedos.
 Foto 10 é um close-up do corpo acabado, muito mais leves pancadas na parte superior das
costas e, finalmente, as listras mais escuras foram cuidadosamente acrescentou. Bigodes e
os elementos mais brilhantes da pele são sempre feitas passado. Soft pastéis sendo usado
para os brancos elevados, dado que fixar os pigmentos mais poderoso do que o lápis.
E lá você tem isso!

Espero sinceramente que essa manifestação mostra que o realismo fotográfico não é o que
está em minha mente quando eu componho uma imagem. Estou muito mais preocupado
com os desafios da cor e composição. Minha atenção ao pormenor pode me fazer foto-
realistas, mas eu gostaria de pensar que as pessoas podem ver muito mais em meus quadros
que apenas o realismo.

Por Tirrell Kari

Cão Pintura Pastel
Pastel de demonstração da arte da pintura

Uma pintura a pastel do começo ao fim

Eu estou usando uma foto do meu cachorro para esta demonstração. Primeiramente, eu cortei um
pedaço de camurça matboard para o tamanho desejado (neste caso, 10 "x 20"). Eu sempre a fita
matboard a um pedaço de papelão duro para que eu possa movê-lo facilmente, sem tocar no
matboard quando pinto.

Em seguida, eu imprimir uma imagem de boa qualidade da referência em papel fotográfico, em

seguida, gravá-lo em cima da minha matboard. Eu vou estar mostrando fotos que incluem a
referência porque é a chave para o meu processo para ver tanto a pintura ea referência ao mesmo
tempo. Eu muitas vezes a pé para tomar um olhar para a pintura de uma distância de verificar os
meus valores e da veracidade do meu desenho.

Agora estou pronto para pintar.

Primeiro, eu escolher dois pastéis: um valor de leves e médios. Começando com a luz,
eu áspera nas áreas onde os destaques estão na foto de referência. Quando eu sinto que tenho as
luzes razoavelmente correta, eu levo o valor médio e fazer um desenho solto usando as luzes
como um guia.

Agora eu retirar um par de lápis pastel e definir o desenho um pouco melhor.

Em seguida eu bloco no fundo, acima do cão.
Eu, então, tomar uma pastéis poucos valores diferentes e rabiscar no sentido do pêlo.
Basicamente, eu só estou trabalhando no meu desenho agora.
 Eu decido o desenho é precisa o suficiente, neste momento, então eu bloco na primeira camada
na gola. Então eu começo a trabalhar em um pastel escuras valor.
 Agora que meu desenho é relativamente preciso e eu sei onde meu as áreas escuras devem ser, eu
tomo um pastel médio-leve e ir na maior parte do cão. Eu quero ter certeza que é a base do pastel
por toda a área da pele. Eu uso um toque muito leve em algumas áreas assim que eu não perca o
meu desenho. Então eu esfregue levemente o dedo sobre a coisa toda para misturá-lo.
 Em seguida eu vou fazer um vidro pequeno com lápis pastel. Quero adicionar um tom de laranja
para algumas áreas. Dirijo-me a pintura do seu lado e esfregue levemente a lateral da ponta do
lápis nas áreas Quero tom. Às vezes eu faço isso com tons pastéis, às vezes com lápis,
dependendo da quantidade de cor que deseja adicionar. Eu costumo ter um toque mais leve com
lápis. Eu trabalho um pouco em torno de seu olho, sobre seu nariz e patas. Então eu esfregar as
áreas com um dedo, trabalhando o pastel no matboard.
 Em seguida eu trabalho para corrigir o formato da orelha e acrescentando alguma definição para
ele. Eu uso uma combinação de tons pastel e lápis, mergulhando para torná-lo parecido com uma
orelha. Eu também ir para trás sobre o cão com pastéis mais, fazer marcas no sentido do pêlo está
crescendo.
Eu empurro os valores um pouco mais.
 Eu decido Eu preciso de um tom mais amarelo para a pele, para que eu retire a cor apropriada e
adicioná-lo.
 Eu lisa que sair com meu dedo, em seguida, trabalhar sobre como ajustar meus valores
novamente. Neste ponto, estou quase a acabar com o cão. Eu lanço a pintura de cabeça para
baixo porque eu estou indo para esfregar um pouco no fundo e eu não quero que o pastel cor de
fundo cair na pele. Eu reaplicar a cor original. Então eu tomo a mesma cor que o próximo valor
mais escuro e pintar nas bordas. Eu tomo um pincel e esfregue o pastel em um movimento
redondo, misturando as cores juntas.
 Seguinte, eu pinto no tapete. Então eu pintar as áreas claras sobre o cão. Eu só quero acrescentar
a sugestão de peles. Eu não quero tirar em cada pêlo de cão pequeno e sobrecarregar a pintura.
Agora eu puxo o meu pastel Terry Ludwig escura (que eu adoro!) E pintura nas áreas escuras.
 Então eu apontar um lápis pastel escuro âmbar e usá-lo para misturar os tons pastel escuro nas
áreas mais claras. Desde que eu quero que ele veja como peles, eu arrastar o lápis na direção do
pêlo deve ir.
 O próximo passo não é para os sensíveis. Use por sua conta e risco! Eu arranco o vácuo.
Segurando o bico cerca de um centímetro de distância da pintura, eu aceno o bico sobre a pintura
toda. Isso puxa para cima todo o pó solto, e pequenos pêlos e fibras que caem sobre a pintura.
(Eu também uso o aspirador para remover pastel quando necessário. Ele funciona bem com
matboard camurça, mas eu não sei se eu teria coragem de experimentá-lo com qualquer outro
apoio.)
 Neste ponto, eu olho sobre a pintura para garantir que nada precisa de conserto. Eu decido que é
bom o suficiente e assiná-lo.

Terminado!

Por Charles Harrington

Uma demonstração de pintura
 em acrílico
Acrílicos, Instrução Arte Livre

Acrílico: o meio água,

Primeiro Passo Passo dois Passo três Passo Quatro Passo Cinco

Esta demonstração de pintura foi adaptado de um artigo publicado pela Aquarela Magic
Magazine em sua edição de outono de 1996. Para ver a demonstração, leia a introdução
abaixo e clique no link PRÓXIMO PASSO no final de cada etapa consecutiva. medidas
individuais também podem ser vistos clicando no ícone apropriado na parte superior desta
página.

ACRÍLICO: o meio água,

Acrílicos oferecem a maioria dos atributos positivos que os pintores aquarela admirar
e desfrutar, ao mesmo tempo superando aquarela em uma série de áreas importantes.
Essa demonstração se concentrará em três dessas áreas.

Esmaltes acrílicos permitir a aplicação de múltiplas com menor risco de comprometer

a pedidos anteriores. Isso minimiza o efeito lamacento que muitas vezes resulta em
aplicações consecutivas de aguarelas são aplicados uns sobre os outros.

Acrílicos acomodar o uso de um meio de máscara em áreas pintadas sem levantar

pigmentos a partir de aplicações anteriores. Para aqueles de nós que usar um meio de
máscara, isto oferece uma vantagem significativa.

Acrílicos oferece uma fusão confortável, translúcido, transparente e opaco passagens

dentro do mesmo quadro. Este é um atributo libertador watercolorists desde passagens
opacas em uma pintura de aquarela transparente contrário geralmente parecem ser um
compromisso desconfortável.

Da demonstração:

Eu escolhi um tema que vai permitir uma simples demonstração dos três atributos listados.
Vou usar uma paleta limitada constituída por Ultramarine Blue, Sienna queimado, amarelo
ocre e branco de titânio. Além disso, eu uso médio de acrílico fosco para lavagens de
mistura e esmaltes e Miskit como um meio de máscara. Meu superfície da pintura será uma
folha cheia de arcos de 300 #, papel de aguarela CP.
PRIMEIRO PASSO: desenvolvendo um projeto

A maioria das minhas pinturas começam com prestudies múltiplos, este 4 "x 6" sketch que
é típica. Primeiros estudos são geralmente em escala miniatura em um bloco de notas com
qualquer instrumento de desenho por acaso tenho no momento. Essas miniaturas pode ser
uma gravação rápida de uma idéia ou podem simplesmente ser uma maneira rápida de
explorar idéias composição sem o investimento de tempo necessário para um desenho mais
elaborado. Se a idéia é promissora, vou aumentar o tamanho ea complexidade do desenho
para explorar formas e modalidades de valor. Se eu não tenho certeza sobre o projeto, vou
fazer um estudo de cor pequeno, não mais de 9 "x12". Acho que esses estudos
absolutamente necessário para o processo de tomar decisões de design e as alternativas a
estudar. Eu também uso lâminas e fotografias para mais detalhes referência .

SEGUNDA ETAPA DE LAVAGEM: INICIAL

 Quando eu estou satisfeito com meu projeto, eu transfiro o desenho para a superfície da
pintura. Embora haja uma série de métodos adequados para a transposição da informação
desenho preliminar de um pequeno esboço de uma superfície maior pintura, Eu
normalmente prefiro a transferência precisa de alguns pontos de controle principal ou
linhas. Então, eu termino o desenho diretamente sobre a superfície da pintura, usando um
lápis grafite n º 2. Para acomodar esta transferência, eu certifico-me que o meu esboços
preliminares manter a mesma altura / largura como a da pintura final.
Quando o desenho é satisfatório, eu molhar o papel e começar a pintar com lavagens luz de
cor para subjugar todos os brancos que não será uma parte da pintura final. Essas lavagens
ajudar a unificar o quadro acabado e permita-me começar o estabelecimento de zonas
quentes e frias dentro da pintura.

PASSO TRÊS: MÉDIO VALORES

 Depois do papel seco, usei Miskit para mascarar as bordas exteriores dos edifícios. O
Miskit permite múltiplas lavagens para registrar na mesma borda, dando a aparência de uma
única aplicação. Em seguida, bloqueou as principais formas de lavagem valor médios e
leves, e traços de pincel seco com uma mistura de siena queimada e azul ultramar. Minha
composição final está agora a começar a emergir. Neste momento, posso confirmar ou
reformar as decisões de projeto inicial.

QUARTO PASSO: definir formas escuras

 Eu adicionei as formas escuras e alguns detalhes com o mesmo sienna queimado e mix azul
que eu usei nas etapas anteriores. Até este ponto, eu usei apenas as técnicas de aquarela
transparente, que lava mais lava-se com alguns drybrush e técnica respingos. Eu não tenho
tentado salvar muitos dos pequenos detalhes de luz. Em vez disso, vou pintar sobre eles,
sabendo que será capaz de adicioná-los posteriormente com pigmento opaco. Uma falha
notável é um defeito estranho, evidente na parte superior direita do céu. Isso pode
representar um problema em aquarela transparente, porém, será facilmente corrigido mais
tarde com opaco.

PASSO CINCO: DESTAQUES E DETALHES

 Neste ponto, eu começo a refinar e adicionar detalhes translúcidos e opacos em ambas as
formas escuras e claras. Grandes formas escuras em primeiro plano são quebradas pela
adição de traços de luz opaca. Eu também adicionei mais leve destaques e detalhes do
edifício. As manchas no céu foram cobertos com uma nova lavagem semi-opaco,
adicionando uma pequena quantidade de titânio branco para aumentar a opacidade. Após
manchas são abrangidos, uma esmalte transparente, em meio mate, água, pigmento é
aplicado para o céu. Outros foram aplicados os esmaltes para subjugar as luzes inadequadas
e ajustar a temperatura das áreas selecionadas. Vidros transparentes neste momento tende a
unificar passagens transparentes e opacos dando uma aparência transparente para áreas que
realmente são opacos.

Em Conclusão

A tecnologia oferece uma mudança positiva em quase todas as áreas de nossas vidas. Art
não é nenhuma exceção, por isso experimento com acrílicos. Você só poderá se apaixonar
por este meio versátil.
Acrílicos
A tinta acrílica é de secagem rápida da pintura
e pode ser diluído com água, mas que se tornam
resistentes à água quando seco. Dependendo de
quanto a tinta é diluída, a conclusão da pintura
acrílica pode parecer uma aquarela ou uma
pintura a óleo.

Os acrílicos são usados às vezes em lugar de

aquarelas porque acrílicos seca mais perto da
cor desejada (ligeiramente mais escuras,
geralmente), enquanto aquarelas secas mais
leves (e muitas vezes imprevisível,
especialmente para os artistas início).

Acrílicos também pode ser usado como uma

alternativa à pintura de óleo, pois acrílicos seca
muito mais rápido do que as tintas de óleo. As
tintas de óleo, pode levar muito tempo para
secar. Tintas acrílicas pode conseguir um efeito
de pintura de óleo do tipo, e isso em muito
menos tempo.
Aplicada a olhar como tintas a óleo, acrílico são um pouco limitadas devido à gama de cores superior das tintas a
óleo, eo fato de que as tintas acrílicas e seco para um efeito brilhante, liso - não surpreendente, pois as tintas
acrílicas são, basicamente, pintores plastic.Acrylic modificar a aparência, dureza, flexibilidade, textura e outras
características da superfície da tinta acrílica utilizando meios.

O exemplo acima é uma pintura de um cão passo a passo na montagem / matt

bordo. Você pode ver que é melhor para trabalhar forma escura à luz bulding
até as camadas de forma gradual. Os detalhes finais podem ser adicionados
com um pincel fino apontou.

O exemplo à esquerda mostra como você pode criar abckground vibrantes

acylic. é a escolha de muitos artistas paintiners abstrata, pois dá a vibração eo
elemento de secagem rápida também.

pintores Aquarela e óleo também usar os médiuns, mas a gama de meios de

acrílico é muito maior. Acrílicos têm a capacidade de ligação a muitas
superfícies diferentes, e os médiuns podem ser usados para ajustar as suas
características de ligação.
 Por Mike Sibley
DESENHO DE ÁRVORES
Como desenhar árvores realistas e Folhagens
Árvores de Desenho, Arte Livre Lição de Mike Sibley

Eu recentemente questionado por alguns artistas de assistência com o desenho de árvores.

Como a maioria dos indivíduos isto pode ser dividido em fáceis de gerenciar as peças - como
vou explicar ...

Equilíbrio e Forma

Primeiro encontre a sua árvore. Isso não é tão fácil quanto pode parecer ... as árvores têm o hábito de
olhar desequilibrado, estranho ou simplesmente louco! Apesar dos melhores esforços da natureza, nem
todas as árvores fazem bons assuntos. Encontrar um com a aparência de um bom equilíbrio pode demorar
algum tempo.

Talvez você prefira criar o seu próprio? As mesmas regras se aplicam. A menos que uma árvore
inclinada ou totalmente assimétrico vai ser uma vantagem para seu desenho, você iria beneficiar primeiro
as árvores e estudar os seus hábitos de crescimento para aprender as regras básicas. Pessoalmente, eu
quase sempre trabalho a partir de fotografias que eu uso como base para o trabalho. Eu poderia,
ocasionalmente, desenhar um, como eu vi isso, mas muitas vezes eu amalgamar elementos de dois ou mais
árvores em um só. Mas, seja qual for a sua abordagem, um aspecto permanece constante - possuem
árvores forma tridimensional. Para simplificar, vou concentrar-se em comum árvores de folha caduca,
mas as normas e técnicas semelhantes serão aplicadas a sempre-vivas.

Forma e estrutura global

As árvores não são estruturas planas de galhos se entrelaçando. Alguns ramos se estenderá para cada
lado, alguns vão recuar para além do tronco e outras ainda estarão apontando diretamente para você. Uma
caminhada país no inverno oferece uma boa oportunidade para estudar isso. Mais tarde, quando as
árvores estão vestidas de folhas, pode-se estudar os mesmos novamente, mas com pleno conhecimento de
seu esqueleto interno.

Trazido até ao básico em folha de uma árvore é como um pirulito ou algodão doce em uma vara - em
torno de um formato cônico ou em uma vara comprida. Você vai ver que esses básicos, formas
tridimensionais em conformidade com as expectativas normais de iluminação. Eles possuem um lado
sombrio, um lado em destaque e uma sombra abaixo. Você também pode incorporar a luz refletida no
lado escuro do tronco se ele vai ajudá-lo a mostrar que é melhor vantagem.

Manter esta forma básica em mente enquanto você trabalha, juntamente com a direção escolhida de luz,
ea árvore que produz possuirá uma realidade global do formulário.

Analisando o que Você Vê

Há, a meu ver, três aspectos principais de uma árvore que torná-lo o que é. Textura superficial e forma, a
estrutura interna galho e lacunas através do qual você pode ver através do outro lado.

Textura e Modelação

Estes são dois grandes temas que vou voltar mais tarde. Por agora basta estar ciente de que sua árvore
deve olhar como se fosse vestido de folhas crível. É quando você está desenhando estas "folhas",
mantendo a orientação da iluminação em mente que você vai apresentar a formação externa.

Textura e Modelação

Estes são dois grandes temas que vou voltar mais tarde. Por agora basta estar ciente de que sua árvore
deve olhar como se fosse vestido de folhas crível. É quando você está desenhando estas "folhas",
mantendo a orientação da iluminação em mente que você vai apresentar a formação externa.

Buracos e lacunas - áreas negativas

 Buracos através da folhagem são um grande benefício porque permitem que você mostre o outro lado da
árvore e adicione a realidade ao seu desenho. E estes buracos e falhas, muitas vezes expõem as arestas
dos ramos - com estes na silhueta Stark (que raramente recebem a luz direta) contrasta bem com a
folhagem mais enigmático e pode ser usado para dar uma aparência mais suave às folhas.

É só analisar o que você vê que você vai ganhar a plena compreensão de que permite desenhar de forma
realista. Uma árvore não é uma coleção amorfa de elementos em forma de folha ou marcas aleatórias que,
espera, vai enganar o cérebro do espectador para a leitura de "árvore". Uma árvore é um ordenado de
objetos, em camadas com uma camada externa (geralmente parcial) em torno de uma armação interna ou
núcleo. Como você desenha-lo, a técnica que você escolher para usar, é determinada principalmente pela
posição da árvore ou arbusto em sua composição - em primeiro plano (onde cada forma de folha é
discernível), fundo (onde as folhas formam um padrão manchado que descrevem o conjunto
tridimensionalidade) ou midground (algures entre os dois). Para a base deste tutorial eu vou escolher o
cenário midground com ilustrações dos outros dois. Então vamos pegar um lápis e desenhar árvores ...

Vamos iniciar o desenho ...

 Pense na sua árvore não como um desenho, mas como uma escultura - uma superfície tridimensional que
envolve uma armadura interna. A primeira tarefa é, então, para criar a armadura com indicações de onde
as massas principais de folhagem será exibida.

Esta árvore foi fotografada com uma lente zoom 200 milímetros a uma distância de cerca de 150 metros.
A falta de detalhe não é importante - na verdade, é um bônus, uma vez que concentra a atenção sobre as
formas dentro da árvore.

A estrutura interna é bem silhueta permitindo que o olho para seguir os membros principais através da
estrutura.

Eu incorporei esta árvore para a composição do meu desenho feito Balin.

A estrutura interna tem sido explorado em certa medida, os buracos maiores por meio da folhagem e
mapeou as principais áreas de sombra observou. Note-se que a árvore tinha inicialmente dois troncos.
Uma delas foi removido e na ênfase colocada no centro e à direita da árvore, como a composição exige
outras árvores para sobrepor o lado esquerdo.

Esta não é desenhado sobre a superfície de trabalho final, mas é um esboço separadas para posterior
transferência. A vantagem disto é que ele permite a exploração ilimitada da forma - neste caso, as massas
de folhagem tendem a ter altos arredondados quando visto em frente e outros para varrer para baixo do
lado, como eles diminuem em profundidade. Podemos colocar esse entendimento para o bom uso
posterior.
 A árvore concluída como ele aparece no Feito Balin. Observe que o lado esquerdo é inventado, do lado
direito conforma apenas para delinear a fotografia e alguns dos buracos através da folhagem tenham sido
fechadas.

Apenas o "espírito" da árvore tem sido usada para representá-lo - a estrutura real das massas folhagem foi
alterado para atender melhor às minhas exigências. As fotografias podem fornecer detalhes, mas eles são
mais utilizados como compêndios de informação geral - eles dão uma "sensação" para a estrutura e
adicionar realismo ao seu invento.

Demonstração ...

Para facilitar a vida a "roupa" de uma árvore pode ser decomposto em uma coleção de elementos
semelhantes. Basta experimentar com pequenas seções até chegar a uma textura mais parecido com o
efeito que você deseja alcançar. Neste caso, a árvore está no midground assim as "folhas" só precisa de
aparecer como pontos de destaque, onde a luz é refletida em suas superfícies diversas angular.

O desenho orientação básica. Este exercício Aqui eu estou, que estabelece o e tons mais Quando você estabelecer e delimitar as áreas de sombra
de medidas de 2 "x 2 ½" e foi concluída em claras e começando a ter uma ideia para o e destaque adicionar tom geral para fornecer iluminação
pouco mais de uma hora. Não adicione tom ainda o branco e os pontos que está de acordo com sua direção escolhida.
negativos.
 Minha técnica (como mostrado acima) envolve três fases:
 Traçar um quadro flexível para as estruturas internas e externas.
 Trabalhando em padrões aleatórios, criar uma representação plana de profundidade. Com isto quero dizer
variar o peso de suas marcas de lápis, graduando-se da escuridão para a luz, deixando mais espaço negativo entre
as marcas como você progressos. Este método envolve uma combinação de desenho negativas e positivas - as
sombras contam com o positivo, marcas de lápis de peso e as áreas de destaque são produzidos através da
elaboração de todo o branco "folhas". Mais de folhas, mais destaque. Menos de sombra, folhas mais. Trabalhe
rapidamente - tolos velocidade do cérebro. Toque em seu lado criativo, trabalhando muito rapidamente para o seu
lado lógico para acompanhar.
 Por último, reforçar o seu mais profundo sombras (não deixar espaços negativos), em seguida, adicionar
tom geral tal como exigido para cada área de folhagem para que ele possui uma circularidade que está de acordo
com sua direção escolhida de iluminação.

Os ajustes podem ser feitos facilmente com o Blu-Tack, razão pela qual defendo que a final moldar-tom
na parte superior. Blu-Tack pode levantar esta fora tão delicadamente que o pormenor é deixado em
repouso e pode ser continuamente ajustado e reajustado com pouco dano ao abrigo de desenho.

Com a prática algumas das fases iniciais pode ser dispensada. Por exemplo, as árvores à esquerda da
nossa árvore de exemplo (veja abaixo), apenas tiveram suas posições marcadas na minha linha de
desenho. As próprias árvores cresceu organicamente, enquanto eu trabalhava. Eu só tinha de decidir onde
o sol iria pegar seus altos antes de começar.

Feito Balin "- impressão de edição limitada

exemplos de árvores e folhagens ...
 Por Mike Sibley
DESENHO DE GRAMA
Uma introdução ao "desenho" Negative

Uso do Desenho em Arte Negativo

O título deste artigo é realmente muito específicas como as técnicas

descritas aqui se aplicam tanto para o desenho do cabelo como a grama.
Esta é também uma introdução ao uso do "desenho" negativo - desenho em
torno de espaço em branco, que só existe em sua mente até que o rodeiam
com notas positivas. Vou cobrir "desenho negativo" em mais detalhe em um
artigo posterior.

Então, o que é "desenho" negativo? O que você vê quando você olha para esta
fotografia do lado direito? Você vê um copo antigo preto? Talvez um titular castiçal
ébano? Estas são as imagens positivas. Ou você vê dois rostos brancos tanto olhar para
o outro? Pense nesses caras como as áreas negativas ou o que eu chamo de "espaço em
branco." Imagine-se a "ver" estas duas faces de uma folha de papel branco e, em
seguida, preencher o espaço entre elas de preto assim os rostos são revelados. Trata-se
de desenho Negative - ver o espaço e não a linha. Ensinar-se para ver o espaço em
branco é uma das melhores lições que você nunca vai aprender.

DESENHO DE GRAMA

Você pode chamar de grama curso de qualquer maneira que você escolher a partir de
"superficial" (que serve o seu propósito aqui, esse desenho é apenas 1 ½ "de alta ea
grama só existe lugar para o tractor no espaço) ...

... Para onde desempenha um papel preponderante, como parte integrante do

"realidade" do desenho.

Em ambos os casos a técnica é a mesma coisa. O truque é "think erva" e trabalhar tão
rápido suficiente para ... Bem, deixe-me explicar - SPEED engana o cérebro

Ele confunde o elemento racional que tenta controlar o lado criativo. Deixe o seu
subconsciente trabalhar, ele sempre sabe o melhor. Considere os seguintes dois
exemplos que, creio eu, provar o ponto.

"O princípio de coco tímido"

Apanhar uma bola, gire rapidamente ao redor e jogá-lo em um alvo no instante em que
você vê. Você bateu nove vezes fora de dez. Pegar a bola, desta vez frente ao alvo,
mirar, calcule a velocidade inicial de ejeção necessários contra o arco de diminuir a
velocidade, os fatores de vento, a colocação de seus pés e saldo resultante, o ângulo de
seu corpo para o alvo, equiparar-los para conhecer o seu poder muscular, vamos voar ...
e perder!

"O princípio de estacionamento"

"... Você pensa, você desenha, torna-se realidade ..."

 Tente devagar e com cuidado revertendo um carro em um estacionamento apertado e
muitas vezes você vai falhar. Experimente-o em velocidade (apenas ligeiramente mais
rápido do que o seu processo de pensamento pode funcionar) e normalmente você vai
alcançar o sucesso pela primeira vez. Aprendi esse truque no meu táxi de condução dias
- que exige prática que conduz à confiança e, se você tentar isso, não me mande suas
contas reparo!

Em ambos os princípios, a falha decorre de deixar a sua mente consciente de suas ações
e ditar o sucesso vem permitindo a sua intuição natural para governar. Em outras
palavras, você está tentando demasiado duramente - apenas deixe fluir. A beleza do
trabalho em grafite é que você tem uma quase perfeita-mente para manter contato com
mão-de-imagem. Não deixe sua mente consciente interfira - você pensa, você desenha,
torna-se realidade - em um processo ininterrupto e contínuo.

Então, como vamos traduzir isso em grama (ou o cabelo)?

DASH & v refazer SLOW 'N STEADY

Eu tenho duas formas básicas do trabalho - ambos igualmente justificável - "traço e

refazer" e "lento" n estacionário ". O primeiro muitas vezes funciona bem e é o único
que eu recomendo para a elaboração de grama - que contém um elemento de
espontaneidade e de alguns resultados surpreendentes podem surgir. É rápido, é
imediata e requer apenas um pouco, se for o caso, retoques (o rehash "elemento").
Voltaremos ao "Slow n 'Steady" e posteriormente combinar os dois.

Imagine que há apenas duas marcas que podemos fazer: um para cima e para baixo.
Vou usar o curso para cima para "desenhar" as hastes que brotam até a base de uma
touceira de capim. O curso está indo para baixo a desaparecer e definir os topos das
hastes na touceira abaixo do que eu estou desenhando. O curso ascendente desenha
uma marca positiva, o descendente atrai negativo.

Trabalhando rapidamente, ... A área é ampliada ...

mais cursos foram adicionados ... (A caixa inclui a imagem anterior)
... Então me chamar de volta para a Abaixo, o processo começou de novo - cursos positivos
base para definir melhor os espaços no empate base nas formas negativas acima e começar
em branco. a definir novos espaços em branco abaixo ...

Um certo grau de trabalho na seção central Note o traço ocasional positivo que se encontra
combina os dois juntos e uma pequena "atrás" das hastes negativo, atirando-os para a frente...
quantidade de tom está sendo adicionado para
dar corpo à grama negativamente desenhada.
... E na frente para dar profundidade. Para maior clareza eu desenhei estes exemplos muito
maior do que eu faria em condições normais de utilização.
Aqui você vê uma versão avançada da técnica como
costumo aplicá-la.

Tente este exercício para desenvolver o seu desenho "Negativo" habilidades (não
desenhar linhas guia "):

Picture algumas hastes branco ... Preencher os espaços mais ... ... E mais ...
sobre o papel branco e define
um espaço ...

... Até que você definiu todo ... Em seguida, adicione o tom de fixar
o espaço em branco ... as relações espaciais entre todos eles.

N SLOW 'estável DASH incorporando e refazer

Eu tenho o meu amigo Murray Cholowsky de agradecer a foto, pois representa o seu
mais recente desafio e foi ele quem me perguntou como eu poderia resolver o capim.

Considere que a grama aqui é em dois planos - os talos plano de destaque, que dizer
dos olhos "este é o capim" e, atrás, um avião menos distinto que o olho não pode fazer o
sentido real de, mas sabe que é capim, porque o plano da frente dá-lhe as pistas que ele
almeja. É um animal voraz é o cérebro - sempre querendo fazer sentido de tudo o que
se vê! Então, vamos ajudá-lo um pouco. Vamos começar com o plano da frente ...

Aqui gostaria de começar por mapear as hastes principal; levemente desenhar uma
linha de cada lado para delimitar o espaço que constitui o caule e folhas. Lembre-se que
você está definindo um espaço em branco para que esteja ciente de que é a borda interna
da linha que conta - você está desenhando a linha em torno de uma forma branca.
Existe apenas uma consideração importante aqui - o que você começar, você deve
terminar. Cada haste desenhar deve ter um começo e um fim - deve ir a algum lugar. O
olho é perita em elementos percebendo que não pode compreender e será "parado" por
esse elemento de passagem - a atenção do espectador e prejudicando o senso de
realidade que você está tentando alcançar.
 Tendo definido os talos principal (eu chamo-lhes "status" talos - eles são o alimento
para o cérebro), utilizando o "n Slow" Steady "abordagem, vou mudar para um estilo
mais espontâneo do trabalho de chamar a grama menos distintas em o plano mais à
retaguarda. Aqui é onde você deixe sua imaginação solta, trabalhando em um ritmo que
impede intervenção consciente. Seu objetivo é "natural" assim que deixar a natureza
seguir mais - você está, afinal, um dos filhos da Natureza. Natureza e sabe tudo sobre o
equilíbrio - você vai encontrar-se a introdução caules aqui e ali, que pode até
surpreendê-lo com sua colocação. Não se tentados a intervir, apenas deixe a natureza
tomar conta. E não toque os "status" pés - você não pode definir adequadamente os
seus valores tonais até que você termine a grama por trás deles.

Como você trabalha nesta área secundária entre os espaços instituídos em branco que
representam o estado da grama caules, apresentar formas aleatórias e linhas. Enquanto
estes vagamente seguir as regras de grama natural e folhagens, que servirá para enganar
o cérebro para ver mais detalhes do que existe. Na vida você não pode distinguir cada
elemento em tal arranjo (especialmente nas áreas de sombras profundas) assim que você
não deve ser capaz de fazê-lo aqui também.
 Agora imagine, realmente imagem, procurando-se nessa área e começar a acrescentar a
realidade da situação; toning alguns caules um pouco para baixo e outros tanto que eles
são mal discerníveis. Apenas assim na Natureza - Nem tudo é visto com clareza total.
Se você pode ver a realidade na sua mente, você vai conseguir um senso de realidade
em seu desenho.

Finalmente, as hastes são dadas status do corpo, ajustando o tom desses atrás deles, se
necessário.

Pode ajudar-lhe a saber que este pequeno desenho de medidas 5 x 8 cm (2 "x 3") e
demorou cerca de uma hora e meia para ser concluído.

Mais usos para estas técnicas

Hay Bale e grama ...

silvas e raízes ...

e folhagens e plantas daninhas
Desenho de um cão em Grafite
Acompanhe-me como eu demonstrar como desenhar cães e outros bichos peludos em
grafite. Nesta peça eu tenho optado por não adicionar um fundo, por isso a minha
concentração será sobre o tema principal. O desenho será concluída 8x8 ", em tamanho,
desenhadas com um lápis mecânico com 0,7 milímetros de chumbo HB sobre papel
Bristol suave.

Esta é a foto de referência que foi fornecido para o meu desenho de "Sadie".

Primeiro eu
leve o esboço de um desenho de linhas precisas (isto tem sido muito escura para ser
mais fácil de ver). Eu desenho em linhas para indicar as alterações sombra e partes do
corpo principal (olhos, nariz, etc) eu prefiro um esboço valor bastante detalhada de
precisão. O esboço valor pode ser atingido no que quer que seu método preferido é a
seguinte: uma grade, freehand, detecção, etc Eu geralmente uso o método de rede para
obter o meu esboço valor inicial. Acho que me permite boa precisão e permite-me a
ampliar o meu esboço para qualquer tamanho de até mesmo uma foto pequena.

Eu gosto de começar com os meus mais sombrios primeiros valores, que neste caso, é o
nariz, olhos, orelha esquerda e algumas das gengivas. Os olhos são muito importantes
para o desenho final e eu gostaria de terminá-los logo no início.

Eu gosto de trabalhar da direita para a esquerda e de cima para baixo. Eu uso um

pedaço de papel sob minha mão para evitar manchas nas áreas que eu terminei e os
óleos na minha pele entre em contato com o papel.

Eu uso linhas para criar a aparência da pele. É importante prestar atenção ao sentido
que o cabelo mentiras e fazer cursos o lápis na mesma direção. O comprimento do
cabelo também deve ser observada. O cabelo curto usa golpes curtos; usa um cabelo
mais longo curso superior. A largura do cabelo também pode variar. Eu uso o lado
achatado do meu lápis para fazer os cabelos do curso e da ponta para cabelos finos.
 Contraste é o que dá todo o desenho de um olhar tridimensional. Usando toda a gama
de tons, do branco ao preto, ele cria uma sensação de dimensão. Como eu começo a
trabalhar mais no rosto eu observo as áreas da imagem que deve ser mais leve, mais
escura, e os meios tons.
 Quando começam a aprender a desenhar com lápis, às vezes é mais fácil para um artista
para tirar a foto de referência para um programa de edição de fotos e convertê-lo em
escala de cinza. Outro truque é vesgo seus olhos, o que ajuda a reduzir o detalhe que
você pode ver e ajuda visualmente retirar as máscaras grandes em uma imagem melhor
que todos os pequenos detalhes.
 Sadie rosto continua a tomar forma. Sua personalidade que se reflete na fotografia está
começando a aparecer através do desenho.

O desenho de Sadie está completa. A parte inferior de seu peito não é tão em foco na
imagem de seu rosto. Eu embaço peito um pouco com um tecido facial. Posso entrar
com uma goma de borracha amassado e pegar alguns destaques e limpar manchas. As
últimas coisas que faço são para adicionar pequenos detalhes, incluindo os bigodes e
minha assinatura.

Eu fiz exame alguma liberdade artística para remover a correia da coleira e tag.
Também fiz parecer como se ela está sentada, na foto onde ela está deitada.

Aqui está um zoom na foto que mostra detalhes mais específicos dos cursos meu lápis e
sombras.
 Por Eileen Sidney
Como desenhar Fur
Wolf Desenho, Arte Lápis Tutorial

Fur Rendering a lápis de grafite

A foto é de DudeStock

O desenho ilustrado aqui é 5 "x7", no papel de médio dente esboço. É desenhado com
lápis Staedtler Mars Lumograph, durezas, 5B B, 3B e 6B.

Esboce as linhas básicas

Quer ou não usar uma foto de referência, eu sempre começar por desenhar um esboço
do esboço do tema e de fundo (se houver). Tento dar o descreve de forma geral, os
locais de detalhes importantes como olhos, nariz, orelhas, patas, etc, e fornecer uma
impressão de contorno da pele, direção e textura. Também tento me dar uma idéia de
onde a cor ea sombra transições ocorrem, embora eu não estou completamente precisa
nesta fase. Muitas das linhas internas moverá como eu tirar a peça.

Comece a primeira camada de sombreamento

 Eu começo sempre com os olhos e rosto do sujeito. Se o desenho tem mais de assunto,
eu começo com um dominante ou o assunto mais central no papel.

É muito importante para mim planejar o fluxo do desenho, nesta fase, então eu não
acabar manchando a arte com a minha mão depois. Eu descobri que sou incapaz de
manter uma mão firme que estejam em contato direto com a superfície de desenho, por
isso tendem a trabalhar em um padrão circular em torno do papel para fora do rosto.
Em um pequeno pedaço como este (5 "x7"), eu trabalhei a partir da cabeça, na frente, e
depois para a direita já que sou destro.

Eu desenhei no primeiro os olhos, com todos os detalhes, e no nariz, ambos com um

lápis 5B. Eu, então, mudou para um lápis B e levemente atraiu o sombreamento de base
para o rosto. Esta camada de sombreamento deve ser sobre a mesma leveza que o leve
tom em qualquer parte do dado de textura. Olhe para os destaques da textura da pele, e
desenhar em cada sombra.

Certifique-se de desenhar os traços de lápis na direção dos fluxos de peles. Os cursos

normalmente irá mostrar através da imagem final, e ajudar a definir a textura da pele.
duração do curso não é importante, nesta fase a menos que esta camada de
sombreamento será deixado a descoberto no desenho final.
Primeira camada de Pormenor

Após o sombreamento de base é criado, eu continuei com o lápis 3B. Aplicando uma
pressão pouco mais, e com movimentos mais deliberados, eu começo a criar a textura da
pele. Tente manter o lápis mais nítida possível, e manter seus comprimentos stoke
equivalente a cerca do que é visível na referência. Nesta fase você está preenchendo os
cursos de sombreamento mediano. As áreas mais escuras serão preenchidos por isso.

Nesta fase, algumas das áreas de sombreamento criado na primeira camada pode ainda
ser alterado. Eu decidi nesse momento que os ouvidos parecia um pouco pequeno,
então eu estendido as áreas de sombreamento e mudou o posicionamento de alguns
detalhes.

Camada segundo detalhe

Depois que os detalhes de sombreamento mediano estão preenchidos, eu mudar para

um lápis 5B. Em peças maiores, eu também uso 4B, mas eu descobri que, em desenhos
pequenos detalhes, estão completamente perdidos.

Delicadamente adicionar uma pequena quantidade de sombreamento para as áreas que

parecem um pouco liso, mas não são necessariamente deve ser escuro. Cada dureza de
lápis tem um tom diferente para ele, e até mesmo uma aplicação de luz pode fornecer
uma profundidade que um lápis simples não pode. Eu fiz isso na parte superior do nariz
e ao redor dos olhos e focinho.

Tal como acontece com a camada de detalhe em primeiro lugar, manter o seu lápis tão
afiada quanto possível, e restringir o seu comprimento de cursos para o que você vê no
material de referência. Sempre verifique seus cursos no sentido do crescimento do pêlo.

Base de sombreamento, na região

Depois de preencher os detalhes de sombreamento no rosto, Eu mudei para um lápis B.

Grande parte da área ao longo da parte de trás da cabeça, ao redor do pescoço e as
pernas da frente, tem o branco brilhante para a cor de base, então nessas regiões Eu uso
o lápis como uma camada de detalhe, usando a cor do papel para a base sombra. Como
eu adicionei os cursos, se eu visse uma área que não tinha necessidade de que o brilho
branco, eu levemente esfregou o stokes lápis com o meu dedo, criando um muito suave,
o tom da base ligeiramente off-white.

Sombreamento Detalhes

Como antes, eu fui até o sombreamento de base com traços detalhe no lápis 3B e 5B.
Nesta área eu desligado entre os dois, movendo-se em toda a região com mais detalhes.
Eu construí os detalhes, lentamente, tornando-as mais escuras, até que combinava com a
referência.

Na região em torno do cotovelo, eu usei muito curtos e escuros para criar contraste com
a impressão de que a pele é ao mesmo tempo bastante curto e na direção do espectador.
Uma rápida sucessão de compactos, escuro, os carrapatos foram tudo o que foi exigido.
No caso de peles encurtados, eu costumo colocar na tonalidade mais escura,
imediatamente após o tom de base e, em seguida, preencha todos os tons mediana. As
sombras são tão curtos que não há muito contraste.

Eu preenchi as almofadas dos pés com um lápis 6B que eles seriam o mais escuro
possível.

Em seguida Regiões

Continuando com as mesmas técnicas, eu passo para os detalhes da região do tronco, e

adicione base de sombreamento para as pernas traseiras e rabo.

Última região

Adicionado são os detalhes mediana sombreamento sobre as pernas traseiras e rabo,

com alguns dos detalhes mais escuros de sombreamento para o próprio direito do
desenho.
 Desenho Final - "Contemplação"

http://www.artgraphica.net/free-art-lessons/free-art-tutorials/acrylic-tutorial.htm