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Universidad de los Andes

Facultad de Humanidades y Educación

Escuela de Educación

Mención básica integral

Catedra Arte y expresión

Técnica de marionetas y otros


temas del arte

Elaborado por:

Rossimar Márquez

C. I N° 22.657.718

Animadora pedagógica: Betty Osorio

Mérida, marzo del 2018


ÍNDICE
❖ Introducción

1. Técnica
1.1 Técnica de marionetas (T. Mat)
2. Aplicación de formación estética
2.1 Dibujo
2.2 Pintura
2.3 Escultura
2.4 Diseño grafico
2.5 Arquitectura
3. Texto creativo
3.1 Cuento ilustrado
3.1.1 Dibujo
3.1.2 Fotografía
4. Medios de comunicación
4.1 Medios impresos
5. Artes escénicas
5.1 Danza
6. Tratamiento curricular
6.1 Estructura curricular
6.1.1 Área
6.1.2 Bloque
6.1.3 Contenido
7. Tratamiento pedagógico
7.1 Desarrollo integral
8. sistemas de inteligencia aplicada
8.1 Lenguaje

❖ Conclusión
❖ Bibliografía
INTRODUCCIÓN
Existen diferentes formas para expresar nuestros sentimientos o emociones. Las obras
teatrales, la música, la danza, los dibujos, cuentos, poesía, etc., son la manera mas divertida
para lograr transmitir a otros, todo aquello que nos gusta, desagrada, preocupa, interesa y
nos apasiona.

El arte puede ser definido como la acción subjetiva del ser humano con fines marcados por
la estética y su visión sensible del mundo, por la cual expresa emociones, percepciones, ideas
y sentimientos a través de la materia o el sonido.

Dicho arte, proviene desde hace miles de año, es decir, desde la época prehistórica hasta
el presente, evolucionando y transformándose con el tiempo, presentando nuestros orígenes
y dando a conocer al mundo, la capacidad creativa, innovadora e imaginaria, que es el ser
humano, puede desarrollar.

Ahora bien, el ámbito educativo en su etapa básica, contiene un área dedicada especialmente
a este tema, llamada Educación estética. Este trabajo tiene la finalidad, de enseñar, la
importancia del arte en los niños, contiendo temas como el títere de marioneta, aplicación
de la formación estética visual a través del dibujo, la pintura, escultura, arquitectura y
diseño gráfico; los textos creativos a partir de cuentos ilustrados, los medios de
comunicación impreso, las artes escénicas como la danza, el desarrollo integral y el lenguaje
como sistema de inteligencia aplicada.

A su vez, se busca la integración de la educación estética con las otras áreas de aprendizaje,
a través, de las situaciones vivenciales de formación.

El diseño utilizado en esta asignatura, será el diseño hermenéutico, siendo este trabajo, el
primer momento de dicho diseño, llamado compresión (investigación).
1. técnica de marioneta
Las marionetas son muñecos manipulados en una representación para el público.

La marioneta es una figura hecha de diversos materiales como: madera, trapo, metal,
plástico etc., manipulada gracias a un conjunto de hilos o cuerdas que cobran movimiento.

Desde su creación, aproximadamente a mediados del siglo XVII, las marionetas son
juguetes infantiles que los niños han usado de generación en generación, para pasar un
rato entretenido inventando historias y creando situaciones. Los títeres o marionetas
suelen gustar a todos los niños pueden crear personajes diversos y crear con ello
historias, momentos y aventuras.

Proviene del francés marionnette, representa una figura o un animal, articulado o no,
accionado mediante la mano o por medio de hilos. Se utilizaron en Egipto y China, y se
extendieron como juguete entre los niños en la Grecia del siglo de Pericles (s. V a. de C.),
donde además se usaban para rituales religiosos en forma de figuras de barro tiradas por
cuerdas. Durante la Edad Media, las marionetas alcanzaron gran auge en los teatros
ambulantes, y aparecieron tipos sociales como el polichinela inglés o Punch, el turco o
Karagöz, etc.

Las marionetas son un buen elemento pedagógico, favorece a la imaginación y la explicación


de temas sociales, permite en el niño:

✓ Desarrollar la creatividad y la imaginación, se le da la libertad al niño para que crea


sus propias historias, con esto se invita al niño para que vuele su imaginación.
✓ Incrementar la capacidad de atención: estimula la concentración del niño ya que ha de
mantenerse atento para crear su personaje de la historia.
✓ Educar en valores: los cuentos tradicionales que se representan con las marionetas,
hablan de valores como tolerancia, generosidad o bondad. Siempre suele trasmitir un
mensaje positivo a los niños.
✓ Favorecer la empatía: el niño tiene que ponerse del lado de uno de los personajes y lo
ayuda durante la historia, esto ayuda a los más pequeños a ponerse en el lugar de
otras personas y valorar los sentimientos que ciertas acciones pueden producir.
✓ Son juguetes sencillos de crear por el niño.
✓ Aprender jugando, sin darse cuenta, los niños amplían su vocabulario y trabajan la
lógica.
2. APLICACIÓN FORMACIÓN ESTÉTICA VISUAL
2.1 DIBUJO

Desde sus orígenes, el hombre ha tratado de comunicarse mediante grafismos o dibujos.


Las primeras representaciones que conocemos son las pinturas rupestres, en ellas no solo
se intentaba representar la realidad que le rodeaba, animales, astros, al propio ser humano,
etc., sino también sensaciones, como la alegría de las danzas, o la tensión de las cacerías.

A lo largo de la historia, esa necesidad de comunicarse mediante dibujos, ha evolucionado,


dando lugar por un lado al dibujo artístico y por otro al dibujo técnico. Mientras que el
primero intenta comunicar ideas y sensaciones, basándose en la sugerencia y estimulando la
imaginación del espectador, el dibujo técnico, tiene como fin, la representación de los
objetos lo más exactamente posible, en forma y dimensiones. El dibujo blanco y negro se
divide en:

✓ Grafito y lápiz. Quizás uno de los medios para dibujar más difundidos. Su nombre se
origina del latín pencillus y posteriormente del francés antiguo pincel, pero ésta en
realidad se trataba de una pequeña brocha hecha con pelo de camello. Dado su tamaño
igual al lápiz actual, se generalizó bajo ese nombre y así se patentó la mina de grafito
envuelta en una barrita de madera y que además produce una gran variedad de tonos
según su dureza.
✓ Carbón o carboncillo. En su forma más pura, se emplea al tiempo en que se descubrió
como hacer fuego casi por accidente y esto lo podemos apreciar en la pintura rupestre
de todos ya conocida. Posteriormente se emplea para hacer apuntes o bosquejos que
servían como modelos para obras de mayor envergadura como en los frescos. Lo podemos
apreciar en los cartones de Rafael, el término Cartón lo emplea por primera vez el
historiador alemán Oscar Fischel para describir esta técnica empleada por este artista
que posteriormente transfería a otros soportes.
✓ Trois Crayons. Estos también fueron otra técnica empleada principalmente por Jean
Antoine Watteau quien empleaba solamente tres colores de crayón rojo, negro y
blanco. Creando así dibujos con color y sombras en sus estudios

2.2 PINTURA
La pintura es una manifestación artística de carácter visual que se sirve de un conjunto de
técnicas y materiales para plasmar, sobre una superficie determinada, una composición
gráfica según ciertos principios estéticos. Proceso en el que una materia colorante se aplica,
mediante algún método, a una superficie o soporte, con el propósito de representar o sugerir
a través de la línea, color y materia, alguna entidad visible o imaginaria.

Como tal, es una disciplina que consiste en aplicar sobre una superficie determinada (una
tela, una hoja de papel, una lámina de madera, un muro) una serie de pigmentos o sustancias
orgánicas, para crear una composición de formas, colores y texturas que dan lugar a una
obra de arte. Conjuga elementos de la representación plástica como las formas, los colores,
las texturas, la armonía, el equilibrio, la perspectiva, la luz, el movimiento, etc., para
trasmitir al espectador una experiencia estética que evoque emociones, conceptos, ideas, e
innumerables interpretaciones en un sentido social, psicológico, cultural, político, religioso,
etc.

La pintura es una de las actividades humanas más antiguas, ya que aparece antes que la
escritura, convirtiéndose en una de las expresiones más importantes para definir y
caracterizar una época.

La historia de la pintura comenzó aproximadamente hace 30 mil años y no ha parado en su


evolución, existiendo hoy en día innumerables tendencias y movimientos artísticos.

A lo largo de la historia del arte, y de la historia de la pintura en concreto, se han producido


infinidad de transformaciones de la función, gusto, realización, etc. de la pintura.

Los temas y motivos de la pintura son muy diversos, ya que tienen directa relación con los
autores, su vida y época que vivían.

A su vez, los motivos pueden clasificarse en géneros:

✓ Autorretrato: retrato de una persona hecha por ella misma.


✓ Desnudo: Representación de un cuerpo humano desnudo.
✓ Naturaleza muerta: género pictórico que consiste en la representación de objetos
como frutas, animales muertos, flores u objetos cotidianos y que a menudo tiene un
carácter simbólico. Alcanzo un considerable auge en la pintura holandesa del siglo
XVII.
✓ Paisajes: Representación pictórica de un paisaje. Si al principio el paisaje sólo era
secundario para dar forma a un segundo plano, a finales del siglo XVI se convirtió en
un género pictórico propio.
✓ Pintura figurativa: Aquella que representa figuras de realidades concretas, en
oposición a la abstracta.
✓ Pintura de género: Pintura que representa escenas de la vida cotidiana. En la
jerarquía académica está considerada como "pintura inferior" y se caracteriza por su
gran realismo y acercamiento a la vida. Se diferencia entre pintura de género de tipo
burgués, campesino o cortés.
✓ Retrato: Figuración que refleja los rasgos de un ser humano. Pueden ser
autorretratos, retrato de otra persona, dobles o incluso de todo un grupo.

La pintura, además, presenta diferentes técnicas. Dichas técnicas han variado a lo largo de
la historia, resaltando las siguientes:

✓ Acuarela: pigmentos ligeramente transparentes, los colores se disuelven en agua.


✓ Aguada: pigmentos opacos, diluidos en agua, que permiten capas espesas.
✓ Encáustica: pigmento combinado con cera. Diluido para su aplicación por medio del
calor o la trementina.
✓ Fresco: pintura con colores diluidos en agua con cal que se aplican en una pared.
✓ Óleo: los colores se disuelven en aceite y se aplican en un lienzo o tela. Puede aplicarse
opaco o transparente, tenue o espeso.
✓ Tapiz o gobelino: se utiliza para cubrir los muros y consiste en un paño tejido de lana
o seda con figuras.
✓ Temple: son pigmentos diluidos en clara de huevo.
✓ Vitral: consiste en trozos de vidrio pintados unidos por plomo.

La pintura también, puede clasificarse de diferentes formas:

✓ Según criterios históricos: prehistórica, grecorromana, gótica, renacentista, barroca,


moderna, etc.
✓ Según las tendencias o movimientos en que se sitúe: realismo, impresionismo,
simbolismo, vanguardismo, hiperrealismo, etc.

Entre las pinturas y pintores famosos, se puede destacar:


✓ La Gioconda (1517), Leonardo da Vinci.
✓ La ronda de noche (1642), de Rembrandt.
✓ La menina (1656), de Diego Velázquez.
✓ El tres de mayo de 1808 en Madrid (1814), de Francisco de Goya.
✓ La perla del mercader (1884), de Alfredo Valenzuela Puelma.
✓ El dormitorio en Arlés (1888), de Vincent van Gogh.
✓ El grito (1893), de Edvard Munch.
✓ La persistencia de la memoria (1931), de Salvador Dalí.
✓ Guernica (1937), de Pablo Picasso.
✓ Mercado de Tlatelolco (1942), de Diego Rivera.
✓ Una familia (1989), de Fernando Botero.
2.3 ESCULTURA:

La escultura es el arte de modelar, tallar y esculpir en barro, piedra, madera, metal u otra
materia conveniente, representando en volumen, figuras de personas, animales u otros
objetos de la naturaleza o el asunto y composición que el ingenio concibe.

Se llama también escultura a la obra hecha por un escultor.

El origen de la escultura puede explicarse considerando cuán natural es en el hombre la


tendencia a imitar, en volumen, las formas de la naturaleza y qué espontáneo placer
experimenta el alma humana en la rítmica combinación de la línea y la masa.

Este arte ha creado en el curso de su historia, dos clases de belleza: la imitativa y la


imaginativa. En esa esfera de la expresión humana que denominamos creación artística, la
actividad específica de la escultura es el proceso de representación de una figura en tres
dimensiones. El objeto escultórico es por tanto sólido, tridimensional y ocupa un espacio.

Desde los tiempos más remotos el hombre ha tenido la necesidad y la oportunidad de


esculpir. Al principio lo hacían con los materiales más simples y que estaban a la mano: barro
y madera. Después fueron empleándose la piedra, los metales y todos los demás que pueden
verse en la sección "Materiales y técnicas tradicionales" y en "Materiales y técnicas de los
tiempos modernos". Los pueblos de la prehistoria hicieron esculturas relacionadas con la
religión y los mitos. A veces eran simples amuletos. Se han encontrado también en algunos
enterramientos de niños, muñecos de todo tipo, algunos articulados como las marionetas.

Las grandes civilizaciones antiguas (Roma, Grecia, Mesopotamia, Egipto, Asia) realizaron
grandes esculturas que representaban a sus dioses a sus gobernantes y a sus héroes.
Utilizaban los bajorrelieves para narrar grandes batallas y escenas de la vida cotidiana.
Estas civilizaciones supieron admirar la escultura como arte y dejaron para la posteridad
figuras de adorno hechas por el simple placer de su contemplación.

El procedimiento para generar dicho objeto nos remite a las variedades técnicas de la
escultura. Según los tratadistas italianos del Renacimiento (Alberti, Leonardo da Vinci,
Miguel Ángel), un escultor es aquel que quita materia de un bloque hasta obtener una figura.
Por consiguiente, esculpir o tallar es quitar, y es escultor quien sabe quitar lo que sobra en
un bloque, de material sólido, que contiene un objeto escultórico en potencia. Así lo
manifestaban dichos escritores para poner de relieve el contraste entre escultura y
pintura, ya que esta última consiste, por el contrario, en añadir.

En la eliminación de la masa sobrante estriba la dificultad de la escultura, Se trata de una


operación conceptual y técnica a la vez. Para poder extraer la figura del claustro en que
está recluida, el escultor tiene previamente que verla, y después, valerse del oficio. Un
escultor que no haya previsto cabalmente la imagen que desea expresar puede, con todo,
llevar a cabo una escultura, pero el resultado apenas convencerá al contemplador. Ya la
inversa, de poco le servirá la idea si desconoce los medios para convertirla en objeto
artístico.

Pero también es escultor el modelador, el que efectúa un modelado, quien lo mismo que el
pintor, agrega, valiéndose de un material blando (Cera, Arcilla, Yeso). El modelado
pertenece, pues, al campo de la escultura, pero difiere radicalmente de la escultura
propiamente dicha por lo que concierne al procedimiento. No será ya necesario adivinar, se
podrá concebir sobre la marcha, e incluso cambiar el plan previsto. En sentido estricto, sólo
es escultura la primera. Hoy, sin embargo, no se tiene una apreciación tan radical, y en
materia de creación artística se considera la operación de modelar tan válida como la de
quitar de un bloque.

El modelado es especialmente apto para el momento creativo, como lo es el dibujo. El artista


podrá, indistintamente, añadir o quitar de la masa blanda. De ordinario, hará numerosos
bocetos de tamaño pequeño, y finalmente un modelo a escala de la escultura que pretenda
llevar a cabo. Pero también hacen escultura los que modelan con intención definitiva, bien
para ofrecernos el material ya endurecido, bien para trasladarlo a otro material (vaciado)
por mediación de un molde. El fundido en bronce y metales nobles será, pues, una manera de
hacer escultura.

Para realizar este arte, se debe contar con diferentes materiales, los cuales son:

✓ Barro: es uno de los materiales más antiguos utilizados por el hombre por ser fácil
de modelar y no necesitar de utensilios especiales, ya que se pueden utilizar
simplemente las manos. Con el barro se pueden sacar moldes para después trabajar
con otros materiales. Si se emplea como material definitivo debe cocerse; en este
caso recibe el nombre de terracota.
✓ Piedra: este material es usado desde muy antiguo por encontrarse muy a mano en la
naturaleza. Para manejar la piedra se necesitan unas herramientas especiales. Las
piedras más comunes en la escultura son:
✓ Mármol: Roca metamórfica dura, con grano fino y compacto. Su tratamiento de la
superficie puede ser muy variable, obteniendo distintas tesituras, como tersura,
morbidez, aspereza, etc. Al ser un material muy perdurable es uno de los preferidos
por los grandes artistas de la Antigüedad y el Renacimiento.
✓ Alabastro: Es un mineral de yeso, de color amarillento, parecido al mármol a simple
vista. Es frágil y quebradizo, pero fácil de trabajar. Ligeramente traslúcido.
✓ Piedra caliza: Es blanda y fácil de trabajar; se emplea en labores minuciosas. Tiene
la particularidad de hacerse más dura con el paso del tiempo. Su conservación
depende mucho de la calidad de las canteras ubicadas en distintas zonas geográficas.
Se ha utilizado mucho para la escultura monumental.
✓ Otras piedras duras, como la Diorita o el Granito.
✓ Bronce: es quizás es material más duradero pero al mismo tiempo es el más difícil de
trabajar y necesita la ayuda de otras técnicas como el modelado en barro o escayola.
Se ha utilizado sobre todo para escultura urbana de monumentos de personajes,
fuentes, etc. La técnica más destacada en el trabajo con bronce es la denominada
«cera perdida», consistente en realizar el molde en cera y recubrirlo de barro u otra
sustancia refractaria. Una vez seco se vierte el bronce colado que va fundiendo la
cera y ocupando su lugar. La cera líquida se evacua a través de orificios practicados
en el barro.
✓ Madera: es un material muy apreciado por los escultores, por sus propiedades físicas
y buenos resultados. Hay muchos tipos de madera y según sus cualidades puede
dejarse la escultura en su color natural o por el contrario pintarse en un policromado
adecuado a cada textura. Las maderas llamadas nobles se dejan en su color natural.
Son el Nogal, Roble, Haya, Cedro, Caoba y otras. La madera se corta al menos cinco
años antes de ejecutar la obra, en la estación de invierno cuando la savia está en las
raíces y de esta manera se consigue que esté bien seca y sin dar lugar a
descomposición de la materia. Los árboles presentan unos troncos con diámetros más
o menos limitados y eso obliga a veces a que se hagan piezas diferentes y apropiadas
para llevar a cabo la obra. Los trozos se unen con espigas y se pegan a veces con una
cola especial. Si la escultura tiene un acabado de policromía, las juntas pueden
disimularse menos, ya que la pintura tapará el material de relleno, de lo contrario hay
que hacer una labor de verdadero artista. A veces las esculturas de madera se
aligeran haciendo hueco su interior.
✓ Policromía: primero se tapan las juntas con tiras de tela encolada. Se da en toda la
obra una capa de yeso mezclado con agua y cola y a continuación se procede al lijado.
Se aplica una serie de pigmentos que imitan la piel, las vestiduras, el pelo y todo lo
demás. Finalmente viene el proceso del dorado. Las partes a dorar llevan una capa de
arcilla roja disuelta en cola, como soporte de las finísimas láminas llamadas “pan de
oro” que se iban aplicando en pequeñas porciones hasta recubrir la superficie
deseada. Encima del oro también se puede pintar o resaltar rayando con un punzón de
madera, formando así todo tipo de dibujos necesarios para la obra, como estrellas,
flores, dibujos geométricos, etc.
✓ Oro y la plata: por ser metales nobles, confieren a la obra un carácter santuario.
Será escultura en tamaño pequeño pero dotada del cariño de lo menudo. El orfebre
también puede ser escultor, como lo era Benvenuto Cellini. Es escultura de tamaño
pequeño en la que el valor intrínseco es inseparable del valor artístico. Así, cuando el
Oro y el arte se reúnen en una obra, ésta asciende a lo trascendental.

Hay además materiales a los que se les otorga una significación mágica o religiosa. Llega un
momento en que pierden la significación original, y, depurados, quintaesenciados por su
duración histórica, resultan atributos esenciales de determinados géneros. Es lo que ocurre
con el jade, material sagrado en extremo Oriente, o con el azabache, con el que se
fabricaron tantos exvotos en la Edad Media. Nadie puede pensar en una imagen antigua de
Santiago apóstol o una venera de la peregrinación que no fuera de azabache. Y lo mismo
puede decirse del cristal de roca, materia con que se ha expresado el arte cortesano de la
Europa barroca; y del marfil, destinado a objetos pequeños, depurados, en que se adora a
Dios o al rey.

La escultura, tiene varias funciones. A lo largo de la historia, y dependiendo de cada cultura


o civilización, han preponderado unas u otras. Entre ellas se destacan:

✓ La función religiosa queda patente a lo largo de toda la historia de la humanidad. Se trata


de representar a los dioses de los diversos pueblos, desde el Egipto antiguo, a
Mesopotamia, la civilización hindú, etc., hasta casi nuestros días.
✓ De la función funeraria de la escultura tenemos constancia desde el Egipto antiguo,
revitalizada después mediante numerosos mausoleos y monumentos funerarios que
recorren desde el Imperio Romano, al gótico, el barroco e incluso la época
contemporánea, incluyendo culturas orientales, como es bien visible en el Taj Mahal.
✓ La función conmemorativa la han empleado muchas civilizaciones y regímenes políticos.
Con ella se trata de realzar la figura de un personaje importante (emperadores, reyes,
gobernantes, héroes...), o sus gestas u obras. También las gestas de algún pueblo o un
algún hecho destacable de su historia. Suele ocupar espacios públicos abiertos como
plazas, cumpliendo además una función ornamental. Aunque predomina el bulto redondo,
puede ser también en relieve como ocurre con la Columna Trajana o el Arco de Tito en
Roma.
✓ La función ornamental puede darse ligada a alguna de las otras funciones, aunque a veces
puede ser el objetivo principal, como ocurre con la decoración vegetal o la geométrica.
En los estilos aniónicos como el islámico o el hebreo, cumple un papel fundamental.
También en gran medida la escultura del siglo XX, sobre todo la abstracta, cumple
principalmente esta función.

Ahora bien, par trabajar la escultura, debemos disponer de herramientas que nos facilitaran
el trabajo los cuales son:

✓ Hacha y Azuela para el desbastado.


✓ Gubias y Formones para la talla.
✓ Maza de madera para golpear el mango de estos útiles
✓ Escofinas de diferentes tamaños para el acabado.

La aparición de nuevos materiales a causa de la Revolución Industrial junto a los deseos


innovadores de las vanguardias artísticas de principios del siglo XX tuvo como consecuencia
la ejecución de obras con materiales y técnicas nuevas. Así serán frecuentes las obras en
hierro, aluminio u hormigón. A estas novedades se le añaden otras características como el
papel que se le llega a conceder al hueco o la aparición de la escultura cinética (los llamados
«móviles»). Además, se incorpora el llamado «objeto encontrado», lo que significa que un
objeto cualquiera puede pasar considerarse escultura, como ocurrió con la famosa Fuente
de Marcel Duchamp.

En definitiva, las técnicas y materiales se diversifican y se hacen más complejas. A menudo,


sobre todo las grandes realizaciones, requieren el concurso de instalaciones industriales
para su realización. En ellas el escultor se limita al diseño y la dirección de los trabajos,
pero apenas toca la obra. En fábricas, los obreros funden los metales, los cortan y los
sueldan. O vierten el hormigón sobre encofrados realizados por otros obreros.

En las pequeñas realizaciones el autor puede hacer este trabajo, en el que se llega a utilizar
planchas de hierro, alambre, hojalata, madera o una mezcla de estos componentes. También
se utilizan distintas variedades del plástico, el vidrio o los fragmentos de azulejo. En
definitiva, el material deja ser una limitación para el escultor contemporáneo, que puede así
dar rienda suelta a su libertad creadora.

El procedimiento fundamental y clásico seguido por los escultores es el esculpido,


sirviéndose de escoplo y buril o cincel según los casos pues incluso los otros procedimientos
de fundir y moldear exigen más o menos retoques de cincel si la obra ha de salir perfecta.
Se usan además el moldeado o vaciado, el cincelado, el repujado, el embutido, el grabado y
el estampado o troquelado.

✓ Esculpir consiste en quitar partículas al bloque ya desbastado hasta lograr obtener la


figura que se pretende.
✓ Moldear es dar a una pasta la deseada forma añadiendo o quitando porciones de masa.
✓ Vaciar es obtener una forma en hueco o vacío para llenarla después con fundición o con
una pasta cualquiera y lograr la positiva.
✓ Cincelar es retocar con cincel las figuras obtenidas por el vaciado y también formar bajo
relieves con el cincel en una lámina metálica.
✓ Repujar es producir en una lámina de metal a fuerza de martillo sobre algún molde los
relieves y los huecos necesarios para conseguir la forma que se pretende.
✓ Grabar es rehundir o fijar por incisión (mediante cincel, buril o agua fuerte) sobre
material duro un dibujo cualquiera.
✓ Estampar o troquelar es imprimir sobre una lámina de metal o de pasta un cuño o troquel
con las figuras en hueco para que éstas resulten de relieve.
✓ Embutir es aplicar sobre un molde duro una delgada chapa de metal precioso para que a
fuerza de golpes tome sus formas y después, quitando la chapa y uniendo los bordes de
ella quede una estatua u objeto artístico hueco, pero con apariencia maciza. También se
llama embutido e incrustado el resultado de introducir algunas piezas en las abertura o
surcos practicados en otras. Son variedades de estas incrustaciones muy usadas en artes
decorativas, la taracea que se hace con madera o marfil embutiéndolo en la superficie
de algún mueble de madera y la ataujía o damasquinado que se practica introduciendo
laminillas de metal precioso en los dibujos abiertos en bronce, hierro o acero. Con estas
formas decorativas se relaciona el granulado y la filigrana. Ésta se hace aplicando hilos
o cordoncillos de metal precioso encima de otro de la misma clase o inferior produciendo
dibujo y aquél sembrando de perlitas metálicas la superficie de la joya o pieza similar.

2.4 DISEÑO GRAFICO


El diseño gráfico, es una disciplina que esta entre el arte y la publicidad; puede definirse
como un sistema de comunicación visual, logrado a través de la combinación de un objetivo,
una estética y una proyección, difunde un mensaje y debe hacerlo de una forma clara. El
lenguaje gráfico utilizado debe ser apropiado y con el buen gusto de un artista que
manifiesta su sentir en una obra de arte. La palabra diseño proviene del vocablo italiano
disegno y llego al castellano como diseño.

Es importante saber, que el diseño gráfico se apoya en diversos componentes para llevar a
cabo su tarea, estos son: el color, las formas geométricas, la fotografía, la tipografía, la
ilustración, la diagramación, entre otros. Además, debe tener una razón de ser, una clara
intención y un público objetivo bien definido.

Los expertos discrepan sobre las raíces del diseño gráfico. Algunos identifican las pinturas
rupestres como ejemplos ancestrales de los signos gráficos; otros reconocen sus formas
embrionarias en Egipto, Grecia, México y Roma. Varios autores consideran que el diseño
gráfico surge al mismo tiempo que la imprenta. Una corriente apunta a las vanguardias
artísticas del inicio de este siglo. Otros, todavía, emplazan al pensamiento contemporáneo,
con respecto al diseño gráfico, después de la segunda guerra mundial, como un fenómeno
adjunto al fuerte desarrollo industrial y de los medios de comunicación.

James Craig y Bruce Barton buscan aclarar las fuentes del diseño gráfico: "La historia del
diseño gráfico es una infinita fascinación: la magia de las primeras imágenes; la belleza de
los jeroglíficos egipcios; la evolución del alfabeto fonético; la genial invención de Gutenberg;
la acelerada mecanización de la composición gráfica y la explosión de la imaginación en el
siglo veinte. Con una herencia tan fértil, desafortunadamente muchos diseñadores gráficos
saben más sobre la historia de la pintura que sobre la historia del diseño gráfico. Una de las
razones para esta contradicción tal vez sea la creencia de que el diseño gráfico es una
innovación del siglo veinte y que es una profesión sin historia. Esto no es verdad porque el
diseño gráfico -o comunicación visual- empezó en los tiempos prehistóricos y ha sido
practicado durante siglos por artesanos, escribanos, impresores, artistas comerciales e
incluso pintores"

En definitiva, es posible admitir que, en un sentido más amplio, la comunicación visual tiene
una historia muy larga. Cuando el hombre primitivo buscaba alimento y encontraba una huella
de animal impresa en el lodo, en realidad estaba recibiendo un mensaje a través de un signo
gráfico.
Sin embargo, a pesar del largo recorrido hacia la actualidad de la comunicación visual, es
posible balizar que el diseño como actividad moderna se constituirá como una demanda de
la revolución industrial.

Herbert Spencer asegura que las raíces de la tipografía y del diseño gráfico modernos se
entrecruzan con las de la pintura, la poesía y la arquitectura del siglo XX: "El nuevo
vocabulario de la tipografía y del diseño gráfico se fraguó en menos de veinte años (...) Por
supuesto, la tipografía moderna no fue fruto de la repentina invención de un hombre, ni
siquiera de un grupo. Nació como una respuesta a las nuevas exigencias y a las nuevas
oportunidades que el siglo XIX trajo consigo. La violencia con la que la tipografía moderna
irrumpe en escena a comienzos del siglo XX refleja la agresividad con la que los nuevos
conceptos sobre arte y diseño, en cada campo, barrieron convenciones agotadas y atacaron
actitudes que no tenían relevancia en una sociedad altamente industrializada."

Desde su origen formal como disciplina, el diseño gráfico ha estado en constante evolución,
derivada del crecimiento de la publicidad y los medios de comunicación masivos.

El diseño gráfico fue llamado a solucionar problemas de comunicación y acabó siendo


reconocido por los consumidores como sinónimo de moda y buen gusto.

Las principales aplicaciones del diseño gráfico en la actualidad son:

✓ Edición, diseño de todo tipo de libros, periódicos, y revistas. Publicidad, diseño de


carteles publicitarios, anuncios, folletos.
✓ Identidad, diseño de una imagen corporativa de una empresa.
✓ Multimedia, creación de aplicaciones interactivas en CD o DVD.
✓ Web, diseño de páginas y portales para internet.

Como los otros subtemas de la aplicación de la formación estética visual, el diseño gráfico
también presenta una clasificación, según el tipo. Entre esos están:

✓ Bidimensional: logotipos, símbolos, volantes, avisos publicitarios, afiches, pancartas,


vallas, CD, señalizaciones internas y externas, medios audiovisuales, fotografía,
ilustración.
✓ Tridimensional: envases, empaques, habladores, stand, display y otros contenedores.
✓ Digital: aplicaciones multimedia, web, interfaces de software. Su soporte son pantallas
o dispositivos de exposición
2.5 ARQUITECTURA:

La arquitectura representa los inicios del arte, pues en sus inicios el arte todavía no ha
hallado para la representación de su contenido espiritual, los materiales apropiados ni las
formas correspondientes. Los materiales con los que trabaja este primer arte están
desprovistos de espiritualidad; se trata de la pesada materia sometida a las leyes de la
gravedad; en cuanto a la forma, consiste en reunir de modo regular y simétrico las
formaciones de la naturaleza exterior.

A través de la arquitectura y de su alter ego, el urbanismo, podemos definir no ya sólo una


estética sino toda una historia antropológica. En la arquitectura se encuentra la relación de
las sociedades con su entorno, de la unidad mínima habitacional hasta los edificios más
complejos que integran diversidad de elementos y necesidades del ser humano.

Los edificios están presentes en nuestro entorno sin que pensemos la razón de que tengan
una forma determinada. Simplemente, constituyen el escenario donde transcurren nuestras
vidas desde hace milenios sin que seamos muy conscientes sobre que nos han llevado a
habitar esos espacios construidos de la manera en que lo hacemos. Mucho menos, a
reconocer que cosas influyeron en esa delimitación de nuestro entorno creadora de recintos
en los que recluirnos del ambiente natural. Volver a las raíces y preguntarnos sobre los
principios de las cosas es un ejercicio intelectual estimulante. ¿ Como las causas de la
reunión humana que pudo dar origen a la arquitectura?.

Geográfica y cronológicamente la arquitectura aparece haberse originado en el valle del


Nilo. Un segundo centro de desarrollo se encontraba en el valle del Tigris y Éufrates, que
no influenciados por el arte antiguo egipcio. A través de varios canales los griegos heredaron
de tanto los egipcios como asirios las dos influencias se distinguen bastante de
la arquitectura de la Grecia antigua. Los romanos adoptaron los detalles externos de
la arquitectura griega, sustituyendo el arco etrusco por las formas griegas. Desarrollaron
un sistema completo y original de construcción y decoración y lo esparcieron al mundo
civilizado.

Con la caída de Roma y el levantamiento de Constantinopla estas formas se sometieron a una


nueva transformación, llamada Bizantina en el desarrollo de las iglesias cristianas. En el
norte y el oeste, mientras tanto bajo el crecimiento de instituciones papales y las órdenes
monásticas y el surgimiento de la civilización feudal la constante preocupación de la
arquitectura fue evolucionar desde el tipo de basílica a una estructura abovedada.
La arquitectura gótica fue el resultado de esta preocupación y prevaleció desde el norte
y oeste de Europa en el siglo 16 y se desarrolló por dos siglos, después del cual el período
de clasicismo fue seguido por un rápido declive del gusto. En el siglo XIX
vemos eclecticismo y confusión a partir del rápido crecimiento de nuevos requerimientos en
el desarrollo de nuevas formas de construcción.

Durante el siglo XV, el Renacimiento triunfó en Italia, sobre las modas góticas y produjo
maravillosas series de monumentos cívicos, palacios, iglesias, adornados con formas
prestadas o imitadas del arte clásico romano.

En las tierras del Este tres grandes escuelas de arquitectura se desarrollaron. Una con la
influencia de la civilización mahometana, otra con la arquitectura budista en India y la
tercera en China y Japón. La primera es la más rica e importante, primeramente inspirada
en el arte bizantino y fortaleciendo la decoración más que la construcción y dio al mundo los
palacios del norte de África, Persia, Turquía y la España morisca. Las otras dos escuelas
parece que no se relacionaban al principio y no tenían ninguna afinidad con la arquitectura
occidental.

De la historia de la arquitectura de México, Sud y Centro América sus inicios tienen que ver
con las construcciones indígenas del imperio Maya, Inca y Azteca. Luego el legado
arquitectónico europeo es vastísimo ligado al período renacentista

3.TEXTO CREATIVO
El texto es la unidad superior de comunicación y de la competencia organizacional del
hablante. La extensión de un texto es variable y corresponde a un todo comprensible que
tiene una finalidad comunicativa en un contexto dado. El carácter comunicativo, pragmático
y estructural permiten su identificación.

La creatividad o el pensamiento original, es un proceso mental que nace de la imaginación y


engloba varios procesos mentales entrelazados. Estos procesos no han sido completamente
descifrados por la fisiología. La cualidad de la creatividad puede ser valorada por el
resultado final y esta es un proceso que se desarrolla en el tiempo y que se caracteriza por
la originalidad, por la adaptabilidad y por sus posibilidades de realización concreta.

El cerebro humano tiene dos hemisferios con competencias diferentes entre ellos y parece
que esta diferencia de competencias es exclusiva del ser humano. Aunque la creatividad
también se da en muchas especies animales, sus cerebros difieren totalmente del nuestro,
porque están especializados en dar respuesta a estímulos y necesidades visuales, olfativas,
etc.

Tradicionalmente, la literatura ha sido considerada como el mejor exponente de la escritura


creativa, incluyendo en seno los tres géneros mayores: poesía, narrativa y teatro. Sin
embargo, la escritura creativa se da en muchos más ámbitos. Algunos también se relacionan
con la ficción, como por ejemplo los cómics, las novelas gráficas, el cine, las series de
televisión o los videojuegos. Otros forman parte de lo que se denomina la no-ficción creativa,
la cual incluye algunas obras periodísticas como las crónicas, los ensayos, los libros de viajes,
las memorias o géneros más modernos como la escritura en blogs y redes sociales

3.1CUENTO ILUSTRADO

El libro ilustrado es el conjunto de la imagen gráfica y el relato literario; de alguna manera


ambas manifestaciones artísticas se complementan: la ilustración prolonga el sentido de
relato y el relato busca las orientaciones que conducen a la fantasía por el camino de lo
nuevo y diferente. Un libro ilustrado ofrece a los lectores placer, entretenimiento y sobre
todo una experiencia creativa y estética. La ilustración en los libros infantiles no es un
adorno, ni pretende facilitar la lectura de los textos. Ofrece una nueva lectura que
sobrepasa los límites del texto y que no se realiza de forma lineal, sino que permite un
trayecto más libre, donde el lector es quien elige los detalles en que recrearse.

En un libro ilustrado, la imagen es lo primero que el lector ve, es la primera impresión de la


historia. Tiene varias funciones:

✓ Crea la atmósfera de la obra: los colores, la técnica que el ilustrador utiliza, nos indican
el ambiente en que se sitúa la historia. Aporta información al lector sobre el entorno,
los personajes, etc.

✓ Da el tono. Las ilustraciones nos sugieren el contenido humorístico, poético, irónico, del
cuento.

✓ Provoca al espectador en su sensibilidad más íntima, poniendo en escena situaciones que


favorecen tomas de postura en relación con lo expuesto por el autor.

✓ Ofrece la oportunidad de un diálogo. El lector mira la imagen y ésta a su vez penetra


en el lector, produciéndole sensaciones, como risa, miedo, sorpresa, ternura.

"La lectura de imágenes siempre deja una huella sobre la sensibilidad de un niño pequeño.
Las imágenes participan en la elaboración del recuerdo y ayudan en el proceso de
estructuración de su propia personalidad." (Jeanine Despinette. Presidenta del Centro de
Estudios para la Literatura infantil y juvenil. París.)

El cuento creativo se puede ilustrar de varias maneras, las cuales son:

3.1.1DIBUJO

El dibujo es un arte gráfica, que consiste en plasmar sobre algún soporte real o virtual:
papel, cartón, vidrio, madera, o el ordenador (en este último caso se denomina dibujo digital)
los contornos de un objeto real o ficticio, el que puede pintarse con colores o ser blanco y
negro o sombreado. Por lo tanto, un dibujo puede o no estar pintado. El lápiz es el
instrumento fundamental del dibujante.

El dibujo fue una expresión cultural que ya practicaron los primeros hombres en
la Prehistoria y una muestra de ello son las pinturas rupestres. En la Edad Media como
expresión del pensamiento oscurantista de su época, los dibujos representaban figuras
esencialmente religiosas. Con el Renacimiento, los dibujos comenzaron a graficar imágenes
humanas, en consonancia con un mundo cuyo fin era satisfacer las necesidades de las
personas.

La palabra dibujo se deriva del término francés “débossier”, mismo que significa dibujar, es
decir, tiene dos formas de referirse: por un lado, hace referencia a la idea de desarrollar
el arte de dibujar y; por otro lado, hace referencia a aquella imagen que se encuentra
plasmada en determinada superficie, sea esta plana, mediante herramientas como el lápiz.

Ahora bien, según la función que cumpla el dibujo existen los siguientes:

✓ Artístico: por medio de este tipo de dibujo se representan ideas estéticas o


filosóficas, así como también sentimientos y emociones. El artista, a la hora de realizar
sus dibujos, los hace de acuerdo a cómo perciba la realidad, siempre desde su
subjetividad.
✓ Técnico: por medio de este se realizan expresiones exactas y precisas, siendo estos
sus objetivos. Se lo considera el lenguaje técnico universal. Mientras que en el artístico
se requieren aptitudes personales y naturales, en el técnico se precisa pasar por una
serie de aprendizajes y adquirir conocimientos. Dentro del dibujo técnico existe una
simbología propia, que suele estar legalizada.
✓ Geométrico: este dibujo es representado por medio de gráficas planas y es a través
de este que se garantiza a los estudiantes del bachillerato y universitarios un manejo
rápido y el dominio de las manos para dibujar sobre planos.
✓ Mecánico: este es el que se utiliza a la hora de representar piezas de una máquina,
maquinarias, motos, aviones, helicópteros, grúas o maquinarias industriales. Si en el
plano se representa alguna parte de las máquinas mencionadas se los conoce bajo el
nombre de plano de pieza. En cambio, si el plano representa a una maquinaria en su
totalidad, con las piezas que la componen, se lo conoce bajo el nombre de plano de
conjunto. Por otro lado, están aquellos en los que se indica cómo deben colocarse las
distintas piezas para el armado de un todo. A estos planos se los conoce bajo el nombre
de plano de montaje.
✓ Dibujo a mano alzada: En esta forma de dibujar, sólo se requiere el uso hábil del papel
y lápiz, usados como herramientas para elaborar los dibujos. Se debe trabajar entre
otras cosas, temas sobre claridad, profundidad y oscuridad que se requiere en el dibujo
para presentar la idea preconcebida. Para lograr eso, se requiere de una precisión
adecuada en el uso de la presión que se ejerce con la muñeca de la mano.
✓ Croquis: Es un tipo de dibujo que se realiza de una manera rápida sin que por eso se
preste a errores, el resultado de los dibujos plasma claridad, precisión y refleja de
manera importante los esbozos de lo que se plasmará en otro dibujo más elaborado, por
tal motivo cuando se realiza dicho croquis, no se detiene el dibujante en los detalles
mínimos.
✓ Caricatura: Es un dibujo a manera de retrato en el que se reflejan ciertas
exageraciones o distorsiones en relación a la fisionomía de la persona que ha sido
retratada. La finalidad de este tipo de dibujos es llevarlo a un plan humorístico.
✓ Dibujo animado: Este se logra a través de una serie de secuencias a cierta velocidad
de dibujos bidimensionales que le dan un sentido de movimiento a dichas imágenes,
cuando el ojo lo ve en el momento en que ese movimiento se da de manera progresiva.
Ese movimiento también se puede realizar a manera de regresión. Para que lo
anteriormente descrito se lleve a cabo de manera adecuada, es necesario que se
desarrolle una secuencia lógica de los dibujos para que se pueda lograr el movimiento
de las imágenes de manera adecuada
✓ Storyboard: Este tipo de dibujo se implementa cuando se tiene el objetivo de filmar
una película, por lo que además de que se debe contar con un guion, se debe tener claro
toda la parte visual de los escenarios y el cómo se llevarán a cabo las acciones. De ahí
la importancia de este tipo de dibujo
3.1.2 FOTOGRAFÍA:

La fotografía es la técnica de captar imágenes permanentes con una cámara, por medio de
la acción fotoquímica de la luz o de otras formas de energía radiante, para luego
reproducirlas en un papel especial.

La palabra fotografía se deriva de los vocablos de origen griego: phos (luz)


y grafis (escritura), lo cual significa escribir o dibujar con luz.

Los primeros experimentos de la fotografía proceden a finales del siglo XVIII, sólo los
profesionales podían utilizar las cámaras que en esas épocas eran grandes y pesadas, ya
para el siglo XX estaban accesibles para el público general, surgieron las cámaras
fotográficas portátiles e instantáneas, además el color blanco y negro de las fotos pasó a
ser de color. Hoy en día, existen las conocidas cámaras digitales, que, con la ayuda del
computador, se pueden obtener fácilmente las imágenes.

Toda cámara fotográfica tiene una cámara oscura, la cual es una caja rectangular con un
único orificio por el que entra la luz. La imagen se refleja en la superficie opuesta al
agujero, sobre un lente de vidrio, que hace ver lo que hemos captado mucho más nítido, más
claro. Posteriormente, dicha imagen se fija sobre la película fotográfica y se prepara para
el revelado.

La fotografía es una herramienta de expresión muy potente. Con una sola imagen se pueden
contar historias verdaderamente complejas.

Cuando se recrea una historia con fotografías, se pueden dar dos casos:

✓ La historia retratada: vemos algo que nos llama la atención y lo capturamos. Las
especialidades que más juegan con esta visión fotográfica son la fotografía urbana, la
de deportes o el fotoperiodismo, entre otras. En general, tiene más importancia la
capacidad de transmitir aquello que se está viendo que los parámetros técnicos de la
fotografía (aunque, evidentemente, éstos no se deben olvidar).
✓ La historia (re)creada: consiste en recrear una historia real o inventada a través de un
escenario y uno o varios sujetos. Las disciplinas fotográficas que más se sirven de esta
visión son la fotografía de moda, la fotografía macro, etc. Consiste en planear hasta el
más mínimo detalle la fotografía resultante, vigilando que todos los detalles tengan
algún significado y que, por lo tanto, no haya nada fortuito.

Para muchos la fotografía es considerada un arte, pero no toda fotografía es artística.


La artística es un tipo de fotografía que no resulta fácil de definir. Sin entrar en los
conceptos e ideas de arte, podemos decir que una fotografía se considera artística cuando
es creada por el autor con el fin de transmitir un sentimiento o una sensación.

El resto de la fotografía, la no considerada como artística, captura los aspectos puramente


físicos de algo sin la intencionalidad del fotógrafo de transformar nuestro humor o estado
de ánimo. Si bien es cierto que existen fotografías que no son genuinamente ideadas por el
fotógrafo, sino que surgen delante de él, que transmiten sensaciones y nos emocionan.

http://www.fotonostra.com/fotografia/fotoartistica.htm

Precisamente, lo que convierte la fotografía en algo fascinante, es la sutileza con que nos
atrapa y nos sumerge en la emoción y en la historia que nos intenta transmitir.

Para que tu foto cuente una historia, no necesitas incluir forzosamente todos estos puntos,
pero son elementos “ambientadores” que, cuantos más sean, más fácil le resultará al
espectador percibir la historia que le cuentas.

✓ Un contexto físico: Una localización, el lugar donde sucede la foto, donde ocurre la
pequeña historia que estamos contando. Puede ser una ciudad, una calle, el salón de una
casa, o el interior del pétalo de una flor si lo que cuentas es la historia de una mariquita.
Tiene que ser relativamente fácil deducir de tu foto la naturaleza del lugar en el que
ha sido tomada. No que se sepa la ciudad en concreto, ni el nombre de la calle ni nada
de eso. Simplemente que se entienda que es una foto tomada en una calle, en la playa,
al lado de un árbol o en el interior de una cafetería. Esto es una referencia física que
indudablemente ayudará al espectador a recrear la historia.
✓ Un contexto temporal: ¿Puedes, de manera visual, transmitir una referencia del
momento en el que se tomó la fotografía? Las fotografías que expresan un momento
del día como el amanecer, atardecer, o que llevan algún tipo de referencia horaria, año,
etc., suelen transmitir mayor carga narrativa que una foto en la que, por mucho que
mires, no encuentras ninguna indicación temporal.
✓ Un contexto emocional: En tu foto, asegúrate de tener bien definida una emoción
predominante. Puede haber varias emociones en una misma foto, pero una tiene que
dominar y quedarse plasmada en la retina del espectador.
La dirección visual que hayas escogido para tu foto tiene que acompañar esta emoción
dominante. Sería difícil reflejar sentimientos como el miedo o la soledad con una foto
de colores cálidos y vívidos, de la misma manera que una foto de color predominante
gris, con una composición llena de espacios negativos, es difícil que cuente historias de
alegría (imposible en fotografía no hay nada, digo difícil).
✓ Un elemento protagonista: Y digo “elemento” porque puede ser persona, puede ser
objeto, paisaje, animal, cualquier cosa es susceptible de convertirse en un buen
protagonista de una foto, pero define contigo mismo un protagonista. Di “la persona o
cosa protagonista de mi foto es ésta, o aquella”. No lo dejes al azar, no dispares por
disparar, a ver qué sale.

Una narrativa fotográfica puede consistir en una sola fotografía que exprese una historia.
Sin embargo, la verdadera complicación surge cuando se quiere realizar una serie de
fotografías con una historia que las una.

✓ Lo primero de todo es hacer una lista de todos los personajes y definirlos bien (¿es
hombre, mujer, animal, ...? ¿cómo es físicamente? ¿tiene alguna obsesión? ¿qué lo hace
especial? etc.). Profundiza bien en tus personajes, define bien sus problemas, sus
sueños y su vida en general. Aunque toda esta información luego no llegue al espectador
de tu narrativa, te ayudará mucho a elaborar toda la historia sin que ésta tenga
incongruencias.

✓ Después debes crear la historia: escríbela en algún sitio. Para que tu narrativa
fotográfica tenga un sentido completo y no haya incongruencias entre las distintas
fotografías-capítulos es necesario tener presente lo que vas a explicar.

✓ El siguiente paso es empezar a planear las imágenes que formarán tu historia. ¿De
cuántas imágenes estamos hablando? En realidad, de todas las que quieras. Puedes
explicar una historia en un par de imágenes o hacer un serial con veinte fotos por
temporada. En función de la complejidad de tu historia, te irá mejor un formato u otro.
Sea como sea, para poder controlar bien hasta el más mínimo detalle, debes tener las
imágenes en tu cabeza antes de tomarlas. También deberás empezar a pensar el
escenario en el que tomarás tus fotos, el ángulo que usarás, el mejor objetivo.

✓ El timing es importante. O sea, debes organizar muy bien el calendario. ¿Cuándo


tomarás las fotos? ¿En qué orden lo harás? ¿Qué luz te va mejor para cada escenario?
Lo ideal sería que, antes de ir a tomar las fotos, visites tus escenarios para conocer la
luz que hay en cada momento y, así, poder decidir cuándo debes ir a tomar las imágenes.
De esta manera, también, podrás controlar que todas las imágenes tengan la misma luz
y, así, sean más una serie que un conjunto de fotos independientes.
Busca bien a tus modelos. Los modelos serán la cara de tu proyecto, así que debes
escogerlos bien.

4. MEDIOS IMPRESOS
Los medios impresos de comunicación son muy antiguos, los pueblos de la antigüedad dejaban
constancia de su vida y costumbres utilizando papiros, códices, pinturas, estelas
jeroglíficas.

Además, los medios impresos muestran la mayor diversidad de todos, en términos de


propiedad y contenidos. Comprenden desde diarios hasta revistas semanales, enciclopedias
escolares, hasta libros de literatura y demás. Son creados para intereses especiales y
utilizados por nosotros de acuerdo a nuestros intereses (gusto) y necesidades. Entre los
tipos de medios impresos, se destaca:

✓ El papiro. Mucho más próximos a los libros actuales eran los rollos de los egipcios,
griegos y romanos, compuestos por largas tiras de papiro —un material parecido al papel
que se extraía de los juncos del delta del río Nilo— que se enrollaban alrededor de un
palo de madera. El texto, que se escribía con una pluma también de junco, en densas
columnas y por una sola cara, se podía leer desplegando el rollo.
✓ El pergamino y algunos materiales derivados de las pieles secas de animales no
presentan tantos problemas de conservación como los papiros. Los utilizaron los persas,
los hebreos
✓ De enseñanza (libros de texto, enciclopedias, cuadernos de lectura, fichas de
actividades, cómics, diccionarios, cuentos, ...) son con mucho los recursos más usados
en el sistema escolar. En muchos casos son medios exclusivos, en numerosas aulas son
predominantes y en otras son complementarios de medios audiovisuales y/o
informáticos, pero en todas, de una forma u otra, están presentes. Se podría afirmar
que los materiales impresos representan la tecnología dominante y gnomónica en gran
parte de los procesos de enseñanza aprendizaje que se producen en el contexto escolar.
✓ Libros. Un libro es un trabajo escrito o impreso, producido y publicado como una unidad
independiente, Son el tipo de material impreso más utilizado en los procesos educativos.
Los primeros libros consistían en planchas de barro que contenían caracteres o dibujos
incididos con un punzón. Se cree que las primeras civilizaciones en utilizarla fueron los
pueblos de Mesopotamia, como los sumerios y los babilonios. Existen libros científicos,
literarios, literarios infantiles, de cocina, instruccionales, de texto, de imágenes, de
consulta, ilustrados, de resoluciones, etc.
✓ Los folletos. Se entiende por folletos todas aquellas publicaciones independientes,
generalmente sin encuadernar, que suelen tener menos de cincuenta páginas. Estas
publicaciones pueden ser individuales o en serie. Su formato, tamaño, extensión y
temática es enormemente diversificada.
✓ Periódicos y revistas. Aunque las publicaciones periódicas impresas, como son los
periódicos y las revistas, no están elaboradas con propósitos específicamente
instructivos ya que son medios de comunicación social al igual que la televisión o la radio,
pueden y deben ser materiales habituales en la práctica de la enseñanza. Nos
proporcionan información, estan divididos por segmentos, en el caso de las revistas, su
contenido puede variar, de acuerdo a los intereses.
✓ Los cómics. El cómic o tebeo es una historia en imágenes secuenciales ligadas o ancladas
por un texto (en forma de diálogos, de onomatopeyas, de comentarios, de ruidos, etc.)
publicadas en episodios o bien como una historia completa. Se caracteriza, como
acabamos de indicar, por ser un material impreso en el que se cuenta una historia
mediante la combinación de códigos icónicos con textuales, siendo la imagen
secuenciada el elemento simbólico predominante.

5. ARTES ESCÉNICAS

Las artes escénicas son todas aquellas manifestaciones artísticas creadas para ser
representadas sobre un escenario, principalmente el teatro y la danza, pero también la
música.

Las artes escénicas tienen fundamentalmente tres elementos esenciales e indisociables, que
son la interpretación, el escenario y el público receptor. En este sentido, se trata de un
arte vivo y efímero.

Aunque son fundamentalmente tres disciplinas artísticas las que son representadas en los
escenarios como el teatro, la danza y la música, estas a su vez se subdividen o se conjugan
en otras tantas, como, por ejemplo, la ópera, la zarzuela, el teatro musical, el performance,
el cabaret, el recital, los guiñoles, los títeres o el circo, entre otras.

Todas las artes escénicas tienen un director encargado de coordinar los elementos que
conforman el escenario (iluminación, decorado, vestuario, ambientación) y la interpretación
para lograr trasmitir una viva representación artística.

5.1 DANZA

Los primeros bailes o danzas tenían carácter ritual. Se realizaban bailes para los astros
(como el Sol o la Luna), los animales y las cosechas. Por otra parte, se les rendía tributo a
los dioses, también las guerras, la fecundidad, la muerte, los nacimientos tenían sus propias
danzas. Con el tiempo, el baile pasó a considerarse como un entretenimiento o como un
espectáculo artístico.

La danza, el primer impulso de comunicar, de expresar, existe mucho antes del lenguaje
hablado; relaciona al ser humano con la naturaleza en donde animales, mamíferos, aves,
insectos, peces… danzan con finalidades específicas de cortejo, de señalización de peligros,
de ubicación de alimento, de luchas territoriales… y danzan con coreografías y códigos
transmitidos por generaciones. La danza son movimientos corporales rítmicos que siguen un
patrón, acompañados generalmente de música y que sirven como forma de comunicación o
expresión. Todo ser humano tiene la cualidad de expresarse a través del movimiento.

Además, la danza puede incluir un vocabulario preestablecido de movimientos, como el ballet


y la danza folklórica, o pueden utilizarse gestos simbólicos o efectuar determinadas
acciones comunes como mímica, es decir, sin hablar, sólo con el lenguaje del cuerpo, un
ejemplo de esta es la danza proveniente de lugares tan lejanos como China o Japón.
Asimismo, la danza se manifiesta de diferentes maneras de acuerdo al lugar de donde
proviene, y es por eso que usualmente revelan mucho sobre su forma de vivir.

La danza es un baile, la acción o forma de bailar generalmente siguiendo el ritmo de una


música. se realiza por motivos lúdicos, sociales, religiosos y artísticos.

Algunos de los elementos que componen una danza son el ritmo, el movimiento, la expresión
corporal, el estilo y el espacio. De un modo coloquial, la locución 'en danza' significa trajín,
actividad o movimiento continuo.

Quien ejecuta la danza, mediante movimientos corporales rítmicos, generalmente


acompañados de música, expresa sentimientos, sensaciones, ideas, conceptos e historias.
El cuerpo puede realizar acciones como rotar, doblarse, estirarse, saltar y girar. Si
combinamos estas actividades físicas con una dinámica distinta, los seres humanos podemos
crear un número indeterminado de movimientos, y es ahí donde es importante la cultura, ya
que es el cuerpo el elemento que permite distinguir los distintos tipos de danzas. Siempre
el cuerpo alcanzará un mayor nivel en los movimientos de este arte, para lo que es necesario
largos períodos de entrenamiento especializado. El vestuario también aumenta las
posibilidades físicas: zapatillas de puntas, zancos y arneses para volar, son algunos de los
elementos que se usan para bailar, y que además otorgan un atractivo visual al espectáculo.
aumente por el mero placer de la estética.

Existen diferentes tipos de danza, por lo general, en todos ellos se incluyen características
comunes como la expresividad, flexibilidad y la coordinación de los movimientos con el ritmo
de la música. La danza puede realizarse individualmente o en grupo. También puede ser
improvisada o responder a una coreografía o pasos de baile.

✓ La danza clásica es conocida como sinónimo del ballet clásico o simplemente ballet. Las
técnicas de la danza clásica surgen en el siglo XVII y tiene su mayor expresión en la
época del Romanticismo. La danza clásica no se refiere a la danza tradicional o folclórica,
sino más bien a aquella danza creada en el mundo occidental en el período clásico que
abarca los siglos XVII hasta principios del siglo XIX. La danza clásica se caracteriza
porque integra no sólo la danza sino también la música, coreografía y escenografía.
✓ Ballet. Es una danza específica, ya que sus movimientos se enseñan a través de métodos
y técnicas “claves”; es una forma de contar una historia utilizando el movimiento del
cuerpo. También se utiliza el término ballet para designar la pieza musical compuesta, a
propósito, para que sea interpretada por medio de la danza.
✓ Danza folclórica: También llamada tradicional. Son danzas populares asociadas a
determinada cultura, con elementos propios como la vestimenta, el tipo de música y los
instrumentos musicales empleados. Algunos ejemplos son la danza azteca y el flamenco.
✓ Danza moderna: Son aquellos bailes propios del siglo XX y XXI muy populares durante
su máximo apogeo entre el público juvenil y forman parte especialmente de la cultura
occidental de los últimos años. Con el desarrollo de las nuevas tecnologías muchos de
ellos se difundieron y se difunden a través del cine, la televisión e internet. Algunos de
ellos se identifican con una determinada década y un estilo musical.
✓ Danza Contemporánea. Este tipo de danza no se basa en el ballet clásico por lo que no
tiene la rigidez de movimientos que el ballet posee y comparte con la danza moderna.
Mediante la danza contemporánea se busca la expresión máxima de los sentimientos,
mismos que son expuestos mediante los movimientos del cuerpo, buscando que con los
movimientos del bailarín se exprese una idea, una emoción o sentimiento, usando
movimientos muy efusivos en cuanto a su ejecución, combinando algunos movimientos
clásicos, tradicionales y propios de las danzas actuales, así como de la mímica. Si bien
suele estar acompasada con la música, puede realizarse sin ella, en especial en la
denominada danza abstracta. En ocasiones suelen utilizarse como complementos de la
expresión dancística, imágenes de fondo e incluso videos proyectados.
✓ Danza del vientre: en esta se alternan elementos propios del norte africano y de
Oriente Medio. Esta danza se caracteriza por la falta de desplazamientos y el
predominio de movimientos de caderas y vientre. En sus inicios, esta danza era llevada a
cabo por una sola bailarina, mientras que en la actualidad se acostumbra a que varías
participen del mismo e incluso lo hagan respetando una coreografía. Las bailarinas usan
un atuendo compuesto por un cinturón en la cadera, top, y pollera o pantalón.

Es importante en la danza, el lenguaje corporal humano ya que representa una forma de


expresión que abarca múltiples planos. Es comunicación espontánea e instintiva, pero al
mismo tiempo calculada. El lenguaje corporal es un paralenguaje y acompaña a toda expresión
verbal. El lenguaje del cuerpo puede ser independiente del lenguaje de las palabras cuando
actúa conscientemente con gestos mímicos en la vida cotidiana o en el ámbito artístico;
también puede hacer las veces de acción intencionada o movimientos que hace abstracción
del gesto mímico, como en la danza. Los elementos fundamentales del lenguaje corporal:
espacio, tiempo, energía, comunicación, se efectúa en un momento determinado y no es
recuperable con un gasto energético en el espacio.

elementos de la danza:

✓ Coreografía: Es la forma de evolución que sigue una propuesta de danza, se puede


presentar con diferentes elementos; sean estos naturales, como los brazos, pies, manos
y todo lo que naturalmente sea parte del cuerpo, o accesorios, telas, sombreros y todo
lo que se le pueda agregar, Mímica, gesto simbólico, canto y palabra que también puedan
ser elementos importantes en un espectáculo de danza.
Una coreografía es el ordenamiento del desplazamiento efectuado en el espacio por una
o todas las partes del cuerpo del bailarín (o compañía de bailarines), diseñando una forma,
impulsado por una energía determinada, con un ritmo previamente acordado, durante un
tiempo de mayor o menor duración.
✓ Cuerpo: Es la figura móvil, o la forma del bailarín, percibida por los demás. A veces el
cuerpo permanece quieto, relativamente, y otras cambia cuando el bailarín se mueve de
lugar o viaja a través del área de baile. Los bailarines pueden enfatizar específicas
partes de sus cuerpos, o su cuerpo entero, mediante una expresión de danza.
✓ La acción: es cualquier movimiento humano, incluido el acto de bailar – puede incluir
pasos de baile, movimientos faciales, elevaciones, rotaciones, capturas, e incluso
cualquier movimiento realizado de forma diaria, como el caminar. Los bailarines pueden
escoger movimientos que han reproducido en otras ocasiones, o pueden añadir
movimientos propios, originales, vinculados al vocabulario del movimiento de la danza.
También pueden revisar o adornar pasos que han aprendido de otros.
✓ El espacio: Los bailarines interactúan con el espacio de miles de formas. Ellos pueden
permanecer en un único lugar y mover partes de su cuerpo o su cuerpo entero, o pueden
viajar de un lugar a otro. Pueden alterar la dirección, el nivel, el tamaño y las vías de sus
movimientos.
✓ El tiempo: Los patrones rítmicos pueden ser medidos o tener un rimo libre. Gran parte
de la música occidental utiliza patrones repetitivos (por ejemplo 2/4 o ¾), pero los
conceptos de tiempo y medida son usados de manera muy diferente a lo largo del mundo.
Los movimientos de la danza pueden mostrar también diferentes relaciones temporales
como ser simultáneos o secuenciales; de breve o de larga duración; de velocidad rápida
a lenta; o tener acentos en intervalos predecibles o impredecibles.
✓ La energía: Las decisiones sobre la energía incluyen variaciones en el flujo de
movimiento y en el uso de la fuerza, la tensión y el peso. Las decisiones sobre la energía
podrían revelar estados emocionales.

6. ESTRUCTURA CURRICULAR
Nuestro sistema educativo básico venezolano, se rige por una serie de metodologías, áreas,
contenidos, etc.; estipulados por el currículo de la educación inicial.

El Currículo constituye una guía con orientaciones metodológicas que dan coherencia y
pertinencia al proceso educativo, lo que permitirá cumplir con el compromiso social de
preparar y formar a un ser humano social e integral. Con ello, se busca la integración del
niño en el ambiente en que se desenvuelve: comunidad-escuela-familia.

Ahora bien, dicho currículo se divide en: ejes transversales, áreas, bloques y contenidos.
Cada área de estudio, va a contener bloques o temas a tratar y a su vez, cada bloque será
desarrollado en contenidos conceptuales, procedimentales y actitudinales.
En este trabajo se presentará las áreas, bloques y contenidos, presentes en el Currículo
Básico Nacional de tercer grado (3°). Es importante señalar, que en esta cátedra llamada
arte y expresión, se busca la integración de todas las áreas con énfasis en el área de
educación estética.

6.1 AREAS:

Las Áreas Académicas y Asignaturas constituyen un sistema de organización del saber a


partir de su propia naturaleza, lógica interna y sistematicidad, proporcionan un cuerpo
coherente de conocimientos y poseen su propio lenguaje, su propio sistema de conceptos y
procedimientos e integran los ejes transversales, dando al proceso enseñanza - aprendizaje
un sentido de globalidad, tal como se ilustra a continuación en el Diseño Curricular para la
primera etapa del Nivel de Educación Básica.

En el currículo básico nacional (de 1ero a 6to grado), estipula, que el niño debe formarse en
las seis áreas de aprendizaje:

✓ Lengua y literatura
✓ Ciencias sociales
✓ Ciencia de la naturaleza y tecnología
✓ Matemática
✓ Educación física
✓ Educación estética

6.2 BLOQUES:

En el Diseño curricular del Nivel de Educación Básica los contenidos se han organizado en
Bloques de Contenido. Estos bloques constituyen un elemento organizador de los contenidos
de las distintas áreas académicas, guardan estrecha relación con lo planteado en
los objetivos de etapa y de área.

Un Bloque de Contenido, según la naturaleza del área académica y de su mayor o menor nivel
de complejidad, puede variar de un grado a otro o puede mantenerse a lo largo de varios
grados o varias de las etapas educativas del nivel.

En el caso de nuestra área de interés (educación estética) y nuestro grado (3er grado), los
bloques pertenecientes son:

✓ Movimientos del cuerpo, formas e imágenes: desplazamientos del cuerpo, formas e


imágenes como medio de expresión y comunicación
✓ El ritmo, el sonido en manifestaciones artísticas
✓ Relación tiempo y espacio: tiempo, espacio y volumen
✓ Elementos de expresión plástica, dibujo, pintura, música y artes escénicas
✓ Lenguaje artístico, lo cotidiano y la cultura

6.3 CONTENIDOS:

Son el conjunto de los saberes relacionados con lo cultural, lo social, lo político, lo económico,
lo científico, lo tecnológico, etc., que conforman las distintas Áreas Académicas y
Asignaturas, cuya asimilación y apropiación por los alumnos es considerada esencial para su
desarrollo y socialización. (Coll y otros, 1992)

Los contenidos esta clasificados en tres tipos:

✓ Conceptuales. se refieren al conocimiento que tenemos acerca de las cosas, datos,


hechos, conceptos, principios, y leyes que se expresan con un conocimiento.
✓ Procedimentales. Esta referido a cómo ejecutar acciones interiorizadas como las
habilidades intelectuales y motrices; abarcan destrezas, estrategias y procesos que
implican una secuencia de acciones u operaciones a ejecutar de manera ordenada para
conseguir un fin. Es la aplicación del contenido conceptual, para identificar si el niño
comprendió lo que se quiso enseñar, es decir, si el niño asimilo y acomodo los nuevos
conocimientos.
✓ Actitudinales. están constituidos por valores, normas, creencias y actitudes dirigidas
al equilibrio personal y la convivencia social.

7. TRATAMIENTO PEDAGÓGICO
7.1 DESARROLLO INTEGRAL:

Disfrutar de salud, nutrición, y educación, así como de un buen cuidado y afecto por parte
de los padres y madres en las etapas tempranas seria lo ideal. El desarrollo integral de los
niños, no depende solamente de los padres, depende también de las escuelas o instituciones,
pues es allí, donde pasan gran parte del tiempo.

Un desarrollo integral es aquel que logra una armonía entre lo perceptivo, lingüístico, físico,
mental, emocional y social.

En el ámbito educativo el niño debe lograr la formación integral en todas las áreas, pues
cada una de ellas, le va proveer el desarrollo que necesite para su vida. Se desea que en las
planificaciones de docentes logre haber la inclusión y la integración, del área educación
estética, en relación con las otras áreas presentes, pues en la educación estética se estimula
la creatividad, sensibilidad, memoria, lenguajes, expresiones corporales, espirituales, etc.

Como aspectos del desarrollo integral están:

✓ Aspecto afectivo – espiritual. Este es el aspecto de los sentimientos, sensibilidad,


gustos, intuiciones y emociones.
✓ Aspecto físico – motriz. Este aspecto va ligado a la edad del niño, es decir, primero
gatea, luego camina y ya después corre. Este aspecto involucra al cuerpo, la mente y
el sentido de la vista. Permite la motricidad gruesa (saltar, correr, lanzar, etc.),
motricidad fina (dibujar, recortar, etc.) que requiere la coordinación óculo manual,
velocidad y resistencia.
✓ Aspecto cognitivo. es la relación que existe entre el sujeto que conoce y el objeto
que será conocido y que generalmente se inicia cuando este logra realizar una
representación interna del fenómeno convertido en objeto del conocimiento (proceso
de asimilación y acomodación). Se centra en los pensamientos y la conducta. Involucra
las sensaciones, percepciones, elaboraciones mentales, memoria, lenguaje.
✓ Aspecto social – ético. Este es el aspecto por el que el ser humano se rige para
lograr vivir en sociedad. Se diferencia del aspecto personal, pues lo social nos permite
adaptarnos y moldearnos para convivir con otros seres humanos, a través de un
proceso complejo, como la educación.

Las artes plásticas desarrollan la creatividad, la capacidad de expresión e imaginación,


coopera en la formación integral del individuo y apoya la manifestación espontánea de la
personalidad. El dibujo, el teatro, los cuentos, la danza y la música, va a permitir que el niño
exprese aquello que no se atreve a decir verbalmente, sirve para estimular la imaginación,
el orden, la planificación, realizar elaboraciones, comparaciones con hechos de la vida real,
dar explicaciones de temas complejos, etc.

El arte es una alternativa sumamente valiosa dentro de la educación en todos sus niveles y
modalidades, y debe reconocerse su importancia como una herramienta indispensable, pues
con el, logramos formar niños autónomos, flexibles, sensibles y felices.

8.SISTEMAS DE INTELIGENCIA APLICADA


La Teoría de las Inteligencias Múltiples fue ideada por el psicólogo estadounidense Howard
Gardner como contrapeso al paradigma de una inteligencia única.
Gardner propuso que la vida humana requiere del desarrollo de varios tipos de inteligencia.
Así pues, Gardner no entra en contradicción con la definición científica de la inteligencia,
como la «capacidad de solucionar problemas o elaborar bienes valiosos».

8.1 LENGUAJE

La comunicación humana y el lenguaje, como parte de la misma, constituyen un fenómeno de


enorme complejidad.

En la Psicolingüística, podemos ver modelos explicativos del lenguaje tan diferentes como
son los que nos ofrecen el conductismo y la Psicolingüística generativa de Chomsky. Otra
perspectiva distinta sobre el lenguaje y su relación con el desarrollo cognitivo del ser
humano nos la ofrece Vygotski. Para este autor la función primaria del lenguaje es la
comunicación, el intercambio social, constituyendo un instrumento regulador y controlador
de los intercambios comunicativos. Aunque este autor destaca la comunicación como la
función principal del lenguaje, también señala otra serie de funciones básicas del mismo.

La capacidad de dominar el lenguaje y poder comunicarnos con los demás es transversal a


todas las culturas. Desde pequeños aprendemos a usar el idioma materno para podernos
comunicar de manera eficaz. La inteligencia lingüística no solo hace referencia a la habilidad
para la comunicación oral, sino a otras formas de comunicarse como la escritura, la
gestualidad, etc. Quienes mejor dominan esta capacidad de comunicar tienen una
inteligencia lingüística superior. Profesiones en las cuales destaca este tipo de inteligencia
podrían ser políticos, escritores, poetas, periodista.

Pero, el lenguaje no solo es oral, también puede ser visual y lo podríamos entender, como al
conjunto de principios que rigen las imágenes y que pueden ser de gran utilidad a quienes
las producen, por lo tanto; se le puede definir como un sistema de comunicación que utiliza
las imágenes como medio de expresión, es decir, transmite mensajes visuales.

Según la finalidad que se pretenda al transmitir el mensaje podemos distinguir tres clases
distintas de lenguajes visuales:

✓ Lenguaje visual objetivo: es el que transmite una información de modo que posea sólo
una interpretación. Por ejemplo, un dibujo científico.
✓ Lenguaje publicitario: su objetivo es informar, convencer y/o vender es parte esencial
de la mercadotecnia detrás de un producto.
✓ Lenguaje artístico: posee una función estética, por encima de otras

El lenguaje visual, posee sus propias características:


✓ Es de carácter universal pues su código es directo y de fácil interpretación, su mensaje
traspasa fronteras de ahí su importancia en un mundo cada vez más globalizado.
✓ Puede ser intencional si es emitido por el hombre. Por ejemplo: las banderas de colores
que califican el estado del mar en las playas.
✓ Puede ser casual si está fuera de su control. Por ejemplo: la imagen en el horizonte de
un tornado acercándose.
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