Dadaísmo

Introducción al movimiento artístico del Dadaísmo

El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el
mundo del arte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la
existencia del arte, la literatura y la poesía. Se presenta como una ideología total, como una forma
de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.

Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la
lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un
cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción,
defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.

Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación, con la ayuda de
medios de expresión irónico-satíricos. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor e introducen
el caos en sus escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales. Se sirvieron también del
montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano.

El origen del término Dadaísmo es confuso. La versión más aceptada dice que al abrir un
diccionario al azar apareció la palabra dada, que significa caballito de juguete, y fue adoptada por
el grupo.

El movimiento dada nació en un café cantante de Zurich en 1916, donde se recitaban poemas. Esta
ciudad, se había convertido a partir del estallido de la Primera Guerra Mundial en un centro de
refugio para emigrantes procedentes de toda Europa que querían escapar de la guerra. Allí se
reunieron representantes de diversas escuelas como el expresionismo alemán, el futurismo
italiano y el cubismo francés. Esto da al dadaísmo la particularidad de no ser un movimiento de
rebeldía contra una escuela anterior, sino que cuestiona el concepto del arte antes de la Primera
Guerra Mundial.

Hugo Ball, director de teatro y su mujer, concibieron el proyecto de crear un café literario que
acogiera a todos estos artistas exiliados, el Cabaret Voltaire, que abrió sus puertas el 1 de Febrero
de 1916. Allí se congregaron Tristan Tzara (poeta, líder y fundador del movimiento), Jean Arp,
Marcel Janko, Hans Richter y Richard Huelsenbeck entre otros.

La difusión del dadaísmo se debió a la publicación de la revista Dada, que gracias a ella, sus ideas
se extendieron por Berlín, Colonia, París y Nueva York.

Jean Arp

Realizó relieves, collages y bordados donde combina las técnicas del automatismo y las imágenes
oníricas, desarrollando una iconografía muy personal de formas orgánicas que él mismo llamó
escultura biomórfica.

Un día, al mirar un dibujo que había roto en muchos pedacitos y tirado al suelo porque no le
gustaba, se dio cuenta de que la disposición que les había dado la caída reflejaba mucho mejor la
novedad plástica que trataba de obtener. Reunió los fragmentos y los pegó, yuxtaponiéndolos en
la forma que dictaba la casualidad.
Bloque: forma terrestre es una construcción realizada en madera cortada y pintada que presenta
formas elementales agrupadas siguiendo el impulso del azar.

Pez y bigote es una obra humorística creada sobre una base de madera recortada y pintada que
aúna cierto infantilismo en las formas y la espontaneidad del azar.

Raul Hausmann

Su aportación más importante es el fotomontaje, que consiste, en el montaje, sin plan definido, de
recortes de fotografía, periódicos y dibujos, con la intención de obtener una obra plásticamente
nueva que asumiera un mensaje político, moral o poético.

En El crítico de arte ofrece la visión de un experto de arte y lo representa desdentado y con un

zapato en la cabeza para denunciar la vaciedad y la inutilidad de sus pensamientos.

Kurt Schwitter

Creó ensamblajes de cartón, madera, alambre y objetos rotos, así como collages con diversos
objetos, billetes de autobús, envolturas de quesos, suelas desgastadas, colillas, etc.

En su casa elaboró una obra a la que llamó Merz-Säule. Se trataba de una escultura hecha de
bultos y concavidades con hallazgos cotidianos o con objetos tomados a sus visitantes como
mechones de cabello o uñas cortadas, y que tenía la propiedad de crecer como si fuera un
organismo vivo. Cada día le agregaba algo y llegó a crecer tanto que ocupó dos pisos.

Max Ernst

Max Ernst, junto con Baargeld, organizaron una exposición que obligaba al publico a pasar entre
unos urinarios, mientras una niña vestida para primera comunión recitaba poemas obscenos.

En medio de la sala se levantaba un gran bloque de madera que sostenía una hacha enganchada
por una cadena y se invitaba al público a que destruyera aquel objeto a hachazos. En las paredes
colgaban collages de diversos artistas cuyo contenido provocaban malestar entre los
espectadores. La exposición fue prohibida.

La Primera Guerra Mundial también llevó a Nueva York a grupos de artistas refugiados como
Duchamp o Picabia, que junto con los americanos como Man Ray dan vida al dada neoyorquino.

Marcel Duchamp

Su principal aportación es el ready-made, que consiste en sacar un objeto de su contexto para

situarlo en el ámbito de lo artístico. Solo con el hecho de titularlos y firmarlos confería a los
objetos la categoría de obra de arte.

En 1913 concibió una obra a partir de una rueda de bicicleta colocada sobre un taburete de cocina.
En 1915 presentó un urinario de loza puesto al revés y lo tituló Fontaine.

Man Ray
Realizó un conjunto de obras que llamó "objetos de mi afecto". Entre ellas está Cadeau, que
consiste en una plancha de cuya base salen algunos clavos, o la obra llamada La puericultura II,
que es una base cilíndrica de bronce en cuya parte superior sobresale una mano color verde.

El movimiento dada construye el ambiente propicio para que surjan otras grandes corrientes,
como el Surrealismo, y propone una nueva definición del arte al romper con los esquemas
tradicionales integrando objetos del entorno cotidiano dentro de los medios de expresión
plásticos
Alice Bailly

"Autorretrato" 1917

Alice Bailly (25 de febrero de 1872 - 1 de enero de 1938) fue una pintora suiza radical, conocida
por sus interpretaciones sobre el cubismo , el fauvismo , sus pinturas de lana y su participación en
el movimiento Dada . En 1906, Bailly se estableció en París, donde se hizo amiga de Juan Gris ,
Francis Picabia y Marie Laurencin , pintores modernistas de vanguardia que influyeron en sus
obras y su vida posterior. [1]

Originalmente, el apellido de la familia era Bally, pero después de que un crítico confundiera su
nombre con el de "Bolly" en una revisión, lo cambió a "Bailly" para evitar confusiones. Ella nació
en una familia modestamente situada en Ginebra, Suiza. El padre de Bailly, que trabajaba como
funcionario de la oficina de correos, murió cuando Bailly tenía catorce años. Su madre, una
maestra de alemán, enseñó a Bailly y sus dos hermanas a ser cultas y llenas de energía. [2]

Educación y carrera temprana

A los diecisiete años, asistió a la École des Beaux-Arts y tomó cursos solo para mujeres. Ella creía
que el propósito de la escuela era desarrollar su talento individual, no presentarle sus ideas.
Durante su tiempo allí estudió con Hugues Bovy y Denise Sarkiss. Ella ganó una beca para estudiar
en Munich, Alemania , pero después de una temporada desastrosa y de corta duración en clase,
pasó el resto de su tiempo estudiando Rubens , Van Dyck y otros artistas maestros en la Galería de
Arte de Munich. [2] Bailly pasó un par de años en Ginebra , trabajando en pintura y grabado en
madera (con un éxito limitado). En 1904, a la edad de treinta y dos años, Bailly se mudó a París,
Francia [3] donde se hizo amiga de un número de notables pintores modernistas como Juan Gris ,
Francis Picabia , Albert Gleizes , Jean Metzinger , Fernand Léger , Sonia Lewitska y Marie Laurencin
. Al año siguiente, Bailly fue invitado a pasar un par de semanas en la Villa Médicis-Libre , un
santuario para artistas que no habían tenido el privilegio de tener una educación artística formal
en Roma. [2]

Inspiración y Fauvismo

Mientras estaba en París exhibiendo sus grabados en madera, se interesó en el fauvismo . Lo que
atrajo a Bailly al fauvismo fue el "uso audaz del estilo de colores intensos, contornos oscuros y una
anatomía y espacio enfáticamente irrealistas". Sus pinturas en este estilo finalmente se mostraron
en el Salon d'Automne en 1908 junto con muchos otros pintores distinguidos de Fauv. [1]

Cubismo y pinturas de lana

En 1912, el trabajo de Bailly fue elegido para representar a artistas suizos en una exposición que
viajó por Rusia , Inglaterra y España . [1] Después de esto, se sumergió en la estética futurista y la
vanguardia. [4] Al comienzo de la Primera Guerra Mundial , Bailly regresó a su país natal de Suiza e
inventó sus "pinturas de lana", que eran sus propias variaciones del cubismo . El estilo consistía en
hilos cortos de hilo de colores que actuaban como pinceladas. Ella hizo aproximadamente 50 de
estas pinturas de lana entre 1913 y 1922.

Dadaísmo

Durante la Primera Guerra Mundial , se produjo el fenómeno Dada , del cual Bailly estuvo
brevemente involucrado. El movimiento, que comenzó en Suiza, consistió en una variedad de
formas de arte y tuvo como objetivo provocar reacciones violentas fuera de sus espectadores, no
para agradar al público. Muchos creen que el arte de performance moderno se desarrolló debido a
este movimiento. [5]

Salón de Independientes

El Salón de Independientes se estableció en 1884 para artistas que no cumplían con los estándares
tradicionales de estilo artístico de la época. La sociedad estaba abierta a todos y permitió a las
artistas femeninas un lugar para exhibir sus obras. Alice Bailly se exhibía regularmente en la
sociedad, junto con muchas otras artistas femeninas especializadas en el cubismo . [6] Las piezas
presentadas en el Salón de Independientes de 1913, así como aquellas en el Salon d'Automne de
1914 fueron criticadas en su casa de Ginebra por ser "embuste, o peor, devasiones cerebrales que
provocaban enfermedades oculares y dolores de cabeza". [7]

Obras famosas

Se dice que la obra más famosa de Bailly es su pintura titulada "Autorretrato", pintada en 1917. La
pintura representa un enfoque más vanguardista para los autorretratos de lo que normalmente se
aceptaba en su época. La pintura incorpora muchos estilos. Su pose de tres cuartos girada indica
un autorretrato tradicional, mientras que los tonos rojo, naranja y azul muestran influencias
fauves. Al mirar sus brazos y manos, las líneas arqueadas representan la influencia del arte
futurista italiano. [8]

Algunas de sus otras obras notables incluyen At the Ball (1927), The Battle of Tolochenaz (1916),
Geneva Harbour (1915), Landscape at Orsay (1912) y Vacation '(1922). [9]

Vida posterior

En 1923 se mudó a Lausana y permaneció allí hasta su muerte. En 1936, el Teatro de Lausana le
encargó que pintara ocho grandes murales para el vestíbulo. Esta tarea desalentadora llevó al
agotamiento que muchos especular contribuyeron a su muerte en 1938 de tuberculosis . En su
testamento, estableció un fondo fiduciario para ayudar a los jóvenes artistas suizos con el dinero
obtenido mediante la venta de su arte.
Arthur Segal (pintor)

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Autorretrato (1908)

Arthur Segal, Helgoland , 1923

Arthur Segal (23 de julio de 1875 - 23 de junio de 1944) [1] fue un artista y autor rumano .

Segal nació de padres judíos en Iaşi , Rumania , y estudió en la Academia de Berlín desde 1892.
Estudió con Schmid-Reutte ( de ) y Hölzel en Munich en 1896, y luego estudió en París e Italia a
principios del siglo XX. [2]

Carrera
Después de estudiar en París e Italia , finalmente se trasladó a Berlín en 1904 donde expuso su
trabajo con Die Brucke y Der Blaue Reiter, dos grupos de expresión alemanes líderes. En 1910
cofundó Neue Sezession , un grupo de artistas cuyo trabajo fue rechazado por Berliner Sezession .

Al estallar la guerra en 1914 se trasladó a Ascona , Suiza , con su familia, y permaneció allí hasta
1920. Durante la guerra, Suiza se convirtió en refugio para muchos artistas como Segal, y mientras
estuvo allí expuso parte de su trabajo con Arp. y Dada en el Cabaret Voltaire en Zurich . En 1920,
regresó a Berlín, donde fundó su propia escuela de arte en 1923, Novembergruppe . Le ofrecieron
un trabajo de enseñanza en la Bauhaus en Dessau , pero él lo rechazó. Debido a su origen judío se
le impidió exhibir su trabajo en Alemania, [3] y así en 1933 se mudó a Palma , Mallorca y luego a
Londres, donde estableció otra escuela con su hija Marianne. Él murió en Londres.

Segal fue en primer lugar un pintor, y sus primeros trabajos estuvieron fuertemente influenciados
por el impresionismo y el neoimpresionismo . Desde alrededor de 1910 comenzó un estilo más
expresionista y dadaísta , y alrededor de 1916 encontró su propio estilo moderno. Además de
pintar, también produjo xilografías de 1910, muchas de las cuales tenían temática antibélica. Segal
también fue el autor de muchos libros, artículos y, a menudo, dio conferencias.

Su hijo fue el arquitecto Walter Segal .

Jean Arp

(1887/09/16 - 1966/06/07)

Escultor, pintor y poeta francés

Nació el 16 de septiembre de 1887 en Estrasburgo.

Entre 1905 y 1909 cursó estudios de arte en Weimar y en la Academia Julian de París.

En 1912 conoce a Paul Klee y se une, por poco tiempo, al grupo conocido como Blaue Reiter (El
Jinete Azul). En 1914, vuelve a París donde entabla amistad con artistas como Picasso, Jacob,
Modigliani y Delaunay.

La obra de Arp durante esos años (1915-1916) estuvo dedicada a los tapices de motivos angulares
y totalmente abstractos, así como a los dibujos. Al estallar la Primera Guerra Mundial se traslada a
Zurich donde en 1916 funda el movimiento dadá. En 1917 transformó su estilo artístico hacia una
abstracción de formas curvilíneas que caracteriza su obra posterior, la más conocida actualmente.

En 1921 contrae matrimonio con Sophie Taeuber, artista Suiza, trasladándose, un año después a
París, donde se unió a los surrealistas participando en varias de las exposiciones que éste
movimiento realiza. En 1926 se establece en Meudon, cerca de País, donde se une al grupo
Abstracción-Creación. En la década de 1930 Arp comenzó a realizar esculturas exentas, tallando y
modelando en los más diversos materiales. Su obra está representada en la Tate Gallery de
Londres, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en el Museo de Arte de la ciudad de
Filadelfia y en el Museo de Arte de Basilea. A lo largo de toda su vida escribió poesía y ensayo.

Jean Arp falleció en Basilea el 7 de junio de 1966.