Anda di halaman 1dari 19

1

ARQUITECTURA HOY
El arquitecto mexicano Fernando Romero es uno de los líderes de la arquitectura contemporánea
en América Latina. Sus innovadoras tesis urbanas y de diseño siempre se han destacado, primero
durante sus años de estudio en la Universidad Iberoamericana de México, y luego como colaborador
del estudio OMA, del arquitecto holandés Rem Koolhaas.
Protorracionalismo
Uno de los primeros referentes de este estilo fue el arquitecto Peter Behrens quien construyó en
1909 la fábrica de turbinas en Berlín. Otro arquitecto protorracionalista fue Adolfo Loos quien
diseñó la Casa Steiner en Viena en 1910. También diseñó la casa Gustav Scheu en 1912 igualmente
en Viena. Auguste Perret por su parte, contribuyó con el protorracionalismo con la Iglesia Notre
Dame Le Raincy en Francia en 1923. Tiende a simplificar las formas y a la austeridad. Una de las
primeras obras del protorracionalismo fue el palacio Stoclet construido por Joseph Hoffman en
Bruselas en 1905. Anterior a esta fue en 1903 el sanatorio Purkersdorf. La geometría es austera, y
las formas de una extrema sencillez. Busca la economía estética simplificando las formas y liberando
lo decorativo. Creían en la practicidad de los edificios.
Futurismo
Movimiento artístico de vanguardia que se originó en Italia a principios del siglo XX y que intenta
romper con los valores estéticos del pasado reivindicando el futuro y con él la era de la técnica
moderna, la velocidad, la violencia y las máquinas.
El futurismo surge en 1909 con un manifiesto del poeta italiano Marinetti.
Antonio Sant’Elia fue el referente indiscutido de esta tendencia. Construyó en 1914 una central
eléctrica que se enmarca dentro del futurismo. El futurismo rechaza al pasado y a la tradición, y
defiende el anticlasicismo orientado al futuro, para responder a las necesidades de las grandes
masas afincadas en las urbes. Se basaba en la dinámica de la velocidad. La arquitectura futurista es

Documento de Trabajo, preparado para el espacio académico “Teoría de Arquitectura”, de la Universidad de La Salle
Arq. Edgard Vanegas Durán, 2018
2

la arquitectura del hormigón armado, del hierro, del cristal, del cartón de la fibra, la piedra, el
ladrillo para obtener ligereza y elasticidad.
En la actualidad, Norman Foster, Zaha Hadid y David Fisher son algunos de los representantes de
la arquitectura futurista.
Expresionismo
Movimiento artístico y literario de origen europeo surgido a principios del siglo XX que se caracteriza
por la intensidad de la expresión de los sentimientos y las sensaciones.
El expresionismo pictórico se caracteriza por el desequilibrio y la fuerza de los colores y las formas;
en literatura, el expresionismo se desarrolló principalmente en Alemania entre 1900 y el principio
de la década de 1920.
Se desarrolló principalmente en Alemania, Países Bajos, Austria, Checoslovaquia y
Dinamarca. Refleja la necesidad del ser humano por expresarse cuando cundían los resabios de la
revolución industrial: la producción en serie, la repetición, el protagonismo de las máquinas. El
expresionismo decide romper con los cánones de la rigidez, el orden y el hiper racionalismo. Surge
en Alemania a finales del siglo XIX. Libertad en el uso de las formas y el color y la deformación de la
realidad.
Pabellón de Cristal de la Exposición de Colonia de 1914 de Bruno Taut.
La Escuela de Amsterdam
Neoplasticismo
El Neoplasticismo es una de las formas que toma la abstracción en las primeras décadas del siglo
XX. Es una doctrina estética propuesta por Mondrian en 1920, se basa en una concepción analítica
de la pintura, en la búsqueda de un arte que trascienda la realidad externa, material, reduciéndola
a formas geométricas y colores puros para hacerla universal.
Protorracionalismo.
Comienza a gestarse desde 1910 hasta el final de la primera guerra mundial. Coincide con la
expresión a los problemas populares de la sociedad Alemana. Se diferencia del Art Nouveau en el
sentido de que rechaza las sobrecargadas morfologías buscando su reducción al mínimo, pero
también se desarrolla en cierto modo de continuidad ya que ambos tienen en cuenta la
problemática socio-cultural que se desato mediante los avances tecnológicos y la industria.
La producción arquitectónica de la época comienza a tener en cuenta otras variables:
 la calidad de la construcción,
 la función práctica,
 su relación con la urbanística,
 su relación con la industria,
 la actitud con la técnica.
Si la arquitectura desde la ingeniería había resuelto el arte en la técnica y si el Art Nouveau había
intentado instalar los productos de la industria a la fantasía del artista, el protorracionalismo, que
coincide por otra parte con la difusión del hormigón armado, la urgencia social y los bajos
presupuestos de la Alemania derrotada de la primer guerra, aprovecha las posibilidades de los
materiales para conseguir la simplificación y máxima economía, siendo la de la economía otra
variante del estilo.

Documento de Trabajo, preparado para el espacio académico “Teoría de Arquitectura”, de la Universidad de La Salle
Arq. Edgard Vanegas Durán, 2018
3

La variable económica encuentra un buen camino, gracias al cambio de gusto a morfologías puras
provenientes de la abstracción de las formas que se evidencian en el Art Nouveau geométrico,
donde se reducen o eliminan la totalidad de ornamentos, elementos sin carga de simbologías.
No se liberan del todo, ya que en este periodo subsiste un retorno a lo clásico mediante el uso de
simetrías, bloques cerrados, composiciones que se habían dejado de lado. Para la época se nota algo
estéril sin el aporte de las vanguardias figurativas, aunque arquitectos como Loos, se empeñaron en
su ideología y se produce una arquitectura autónoma de toda figuración y de formas puras.
Esta simplificación se contrapone con el ostentoso despilfarro del Art Nouveau orgánico y su
relación con la burguesía. Las formas adquieren una significancia moral mesurada.
La clase obrera como actor de la sociedad comienza a tomar relevancia en el medio, con ello se
encuentra un justificativo que avala esta característica del protorracionalismo. A su vez las formas
geométricas, moduladas, como producto industrializado se alimenta y contribuye con la industria,
resolviendo el dilema tecnológico de la época.
Uno de los primeros referentes de este estilo fue el arquitecto Peter Behrens quien construyó en
1909 la fábrica de turbinas en Berlín. Otro arquitecto protorracionalista fue Adolfo Loos quien
diseñó la Casa Steiner en Viena en 1910. También diseñó la casa Gustav Scheu en 1912 en Viena.
Auguste Perret por su parte, contribuyó con el protorracionalismo con la Iglesia Notre Dame Le
Raincy en Francia en 1923. Tiende a simplificar las formas y a la austeridad. Una de las primeras
obras del protorracionalismo fue el palacio Stoclet construido por Joseph Hoffman en Bruselas en
1905. Anterior a esta fue en 1903 el sanatorio Purkersdorf. La geometría es austera, y las formas de
una extrema sencillez. Busca la economía estética simplificando las formas y liberando lo
decorativo.Creían en la practicidad de los edificios.
Walter Gropius. Arquitecto
Fue un arquitecto y profesor judío-alemán que fundó la Escuela Bauhaus de diseño. Nació en 1883
en Berlin, Alemania y murió el 5 de Julio de 1969. Gropius creía que todos los diseños deberían ser
funcionales y sin estética. La construcción debía ser severamente simple en cuanto a estilo, y un
amplio uso de vidrio. La Bauhaus atrajo a muchos artistas incluyendo pintores como Paul Klee y
Wassily Kandinsky.
En 1946 Gropius fundó un grupo de jóvenes arquitectos, que se denominó The Architects
Collaborative, Inc., más conocido como TAC.
Obras de Walter Gropius
1. Fábrica de porcelana Rosenthal (Selb Alemania)
2. Ciudad Gropius (Berlín)
3. Universidad de Bagdad (Bagdad)
4. Edificios Packaged House System (Lincoln, Massachusetts)
5. Fábrica de zapatos Fagus (Leine, Alemania). (Diseñada con Adolf Meyer. Arquitectura
Moderna)
6. Edificios de Oficinas y Fábricas en Colonia en Alemania
7. Casa Sommerfeld en Berlín en Alemania
8. Monumento Memoria Víctimas Golpe Estado en Weimar en Alemania
9. Proyecto Sede del Diario Chicago Tribune en Chicago en Estados Unidos
10. Casa Auerbach en Jena en Alemania
11. Edificio Sede de la Bauhaus en Dessau en Alemania
Documento de Trabajo, preparado para el espacio académico “Teoría de Arquitectura”, de la Universidad de La Salle
Arq. Edgard Vanegas Durán, 2018
4

12. Casas de los Maestros de la Bauhaus en Dessau en Alemania


13. Colonia Törten en Dessau
14. Proyecto Teatro Total
15. Oficinas de Empleo en Dessau
16. Colonia Siemensstadt en Berlín en Alemania
17. Sección de Metales no Férreos Exposición “Deutsches Volk – Deutsche Arbeit” en Berlín
en Alemania
18. Casa Ben Levy en Londres en el Reino Unido
19. Casa W. Gropius en Lincoln en Estados Unidos
20. Impington Village College en Cambridgeshire
21. Centro de Graduación de la Universidad Harvard en Cambridge en Estados Unidos
22. Bloque de Viviendas Interbau en Berlín en Alemania
23. Embajada de Estados Unidos en Atenas Grecia
24. Sede de la Compañía Pan Am Airways (con el arquitecto italo-estadounidense Pietro
Beluschi) en New York
25. Fábrica de Vidrio Thomas en Amberg en Alemania
26. Archivos de la Bauhaus en Berlín en Alemania junto con Konrad Wachsmann y autor de
publicaciones como: Internationale Architektur – Bauhausbauten Dessau The New
Architecture and the Bauhaus Rebuilding our Communities Architecture and Design in the
Age of Science -1.952 y Scope of Total Architecture
Rafael Viñoly. Arquitecto
Nació en Montevideo, Uruguay en 1944 y estudió en Arquitectura en Buenos Aires, Argentina. Es
hijo del director teatral y cineasta uruguayo Román Viñoly Barreto. En 1964 funda en Argentina uno
de los estudios de diseño más importantes de Latinoamérica. En este período, construyó el Proyecto
Town Hall, Ayacucho (Argentina) el Municipio de Adrogué, el Clubhouse del San Isidro Boating Club,
el Saavedra Park Cultural Center y el edificio para la Asociacion Dental Argentina entre muchos otros
como la fábrica de Electrolux y numerosos bancos, la embajada argentina en Brasilia, el hospital
Durand, la fábrica de Aluar en Puerto Madryn, el edificio central de Aerolíneas Argentinas (1975)
edificios privados y residenciales así como la renovación de la estación ferroviaria de Martínez. En
1979 decide radicarse definitivamente en Nueva York hasta que en 1983 funda Rafael Viñoly
Architects en 65 Bleecker Street. A partir de ahí desarrolló casi un centenar de obras desde
universidades, edificios privados, municipales y de salud.
Obras de Rafael Viñoly, adicional a las mencionadas antes:
1. El aeropuerto internacional de Carrasco (Montevideo)
2. VDARA Hotel & Spa en el City Center (Las Vegas)
3. Centro Perelman de Medicina Avanzada de la Universidad de Pennsylvania
4. Edificio Acqua. Punta del Este, Uruguay 2009
5. Lehman College Physical Education Facility, Bronx, Nueva York, 1994
6. Tokyo International Forum, Tokio, Japón, 1996
7. Bronx Housing Court, Bronx, Nueva York, 1997
8. Princeton University Stadium, Princeton, New Jersey, 1998
9. Columbia University, Lamont-Doherty Earth Observatory, Palisades, New York, 2000
10. The Kimmel Center for the Performing Arts, Philadelphia, Pennsylvania, 2001
11. Van Andel Institute, Grand Rapids, Michigan, 2002
12. Brown University, Watson Institute for Internat. Studies, Providence, Rhode Island, 2002
Documento de Trabajo, preparado para el espacio académico “Teoría de Arquitectura”, de la Universidad de La Salle
Arq. Edgard Vanegas Durán, 2018
5

13. Pennsylvania State University, Information Sciences and Technology Building, State College,
Pennsylvania, 2003
14. David L. Lawrence Convention Center, Pittsburgh, Pennsylvania, 2003
15. Princeton University, Carl Icahn Laboratory, Lewis Sigler Institute for Integrative Genomics,
Princeton, New Jersey, 2004
16. University of Chicago Booth School of Business, Chicago, Illinois, 2004
17. Boston Convention and Exhibition Center, Boston, Massachusetts, 2004
18. National Institutes of Health, John Edward Porter Neurosciences Research Center,
Bethesda, Maryland, 2004
19. Jazz at Lincoln Center, Nueva York, 2004
20. Duke University, Nasher Museum of Art, Durham, North Carolina, 2005
21. Mahler 4 Office Tower, Ámsterdam, Holanda, 2005
22. Howard Hughes Medical Institute, Janelia Farm Research Campus, Ashburn, Virginia, 2006
23. Wageningen University and Research Centre, Atlas Building, Wageningen, Holanda, 2006
24. Bard College, The Gabrielle H. Reem and Herbert J. Kayden Center for Science and
Computation, Annandale-on-Hudson, New York, 2007
25. Bronx County Hall of Justice, Bronx, Nueva York, 2007
26. University of California Los Angeles, California NanoSystems Institute, Los Ángeles,
California, 2007
27. Curve (theatre), Leicester, Inglaterra, 2008
Richard Neutra. Arquitecto
La vida de ningún otro arquitecto del siglo XX resumió la arquitectura moderna internacional como
Richard Neutra (1892-1970) que ganó el reconocimiento mundial como defensor del diseño
moderno. En los Estados Unidos, tuvo una fuerte influencia en la arquitectura, particularmente en
California.
En 1922 llegó a América, donde trabajó brevemente para Frank Lloyd Wright (1867-1959) en Taliesin
y para Holabird y Roche en Chicago, una experiencia que formó el tema de su primer libro, Wie Baut
Amerika, publicado en Stuttgart en 1927. Su diseño para Lovell (Health) House (1929) Los Ángeles,
con balcones suspendidos por cables de acero desde el marco del techo, fue, retrospectivamente,
una de las obras más importantes de su carrera. El esqueleto de tela abierta fue transportado a la
empinada colina por camión. Cuando la casa fue presentada en el segundo libro de Neutra, Amerika,
publicado en Viena en 1930, fue aclamado como un asistente tecnológico.
Regresó a Europa en 1930 y fue invitado a dar conferencias en la Bauhaus y en Japón. La arquitectura
de Neutra usualmente era rectangular y recta, sin duda hecha por el hombre, pero siempre sensible
al sitio. En los años previos a la Segunda Guerra Mundial, la Casa de la Barba (1934) Altadena y la
casa de campo de Joseph von Sternberg (1935) Valle de San Fernando, fueron construidos con los
últimos paneles sándwich de acero prefabricados. Otro ejemplo es la Casa Kauffmann. Sus edificios
públicos posteriores nunca ganaron el reconocimiento de sus diseños domésticos anteriores.
Peter Zumthor. Arquitecto
Peter Zumthor, nació en Basilea, Suiza el 26 de abril de 1943. Se formó como ebanista, diseñador y
arquitecto en la Kunstgewerbeschule de Basilea y en el Pratt Institute de Nueva York. Es profesor en
la Accademia di Architettura de la Università della Svizzera Italiana en Mendrisio, Suiza.
Vive y trabaja en una villa remota de Haldestein en el cantón suizo de Graubünden. Su estilo de
arquitectura es modernista. Sus trabajos se encuentran por toda Europa.

Documento de Trabajo, preparado para el espacio académico “Teoría de Arquitectura”, de la Universidad de La Salle
Arq. Edgard Vanegas Durán, 2018
6

Una de sus obras más destacadas es Kolumba el museo de la arquidiócesis de Colonia, Alemania, el
Museo Zink Mine de Noruega, La casa de los siete jardines para el Sheik Saoud Al Thani en Qatar. Es
Ganador de la Medalla de oro del RIBA 2013 y del Pritzker 2009.
Entre otras de sus obras destacan:
Casa Räth, Haldenstein, Graubünden, Suiza.
Termas de Vals, Vals, Cantón de los Grisones, Suiza
Museo de arte de Chur, Chur, Cantón de los Grisones, Suiza.
Museo de Arte de Bregenz, Bregenz, Vorarlberg, Austria.

Zaha Hadid. Arquitecta


Nació en Bagdad, Irak el 31 de octubre de 1950. Es una arquitecta que trabaja dentro de la corriente
conocida como deconstructivismo. Este estilo se basa en el diseño no lineal y la manipulación de
geometrías no rectilíneas con apariencia caótica. Algunos críticos creen que es la arquitecta
vanguardista más importante viva.
La mayor parte de su vida la ha pasado en Londres donde ahora tiene su estudio. Ha sido la primera
mujer en obtener el Premio Pritzker (2004). También ganó el Premio de arquitectura
contemporánea Mies van der Rohe.
Se graduó en matemáticas por la Universidad Americana de Beirut, más tarde estudió en la
Architectural Association en Londres. Hadid se convirtió en socio de la Office for Metropolitan
Architecture (OMA) de Londres, donde trabajó con sus fundadores, los prestigiosos arquitectos Rem
Koolhaas y Elia Zenghelis, que habían sido sus profesores. Construyó el edificio de oficinas de
Kurfürstendamm, en Berlín (Alemania) en 1986.
En 1987 se abocó al dictado de clases que la llevó por las universidades más prestigiosas del mundo.
Harvard, Illinois, Hamburgo o Nueva York, entre otras. En la primera mitad de los ’90 diseñó el Bar
Moonsoon de Sapporo (Japón) y la estación de Bomberos Vitra.
Sus obras se destacan por el uso de volúmenes livianos, las formas puntiagudas y angulosas, los
juegos de luz y la integración de los edificios con el paisaje. Hacia fines de los ’90 agregó formas
espiraladas a sus diseños como se puede ver en el Centro de Arte Contemporáneo Rosenthal de
Cincinnati (Ohio, Estados Unidos). En 1999 llevó a cabo otro de sus proyectos destacados, la Mind
Zone de Greenwich, en Londres. Paralelamente logró un reconocimiento internacional sin
precedentes en una mujer como ser miembro honorario de la Academia de las Artes y las Letras de
Estados Unidos e integrante del Instituto Americano de Arquitectura (2000), entre otros.
En 2001 diseñó la terminal ferroviaria Hoenheim-North Terminus & Parqueo, en Estrasburgo
(Francia), y de un año más tarde data la plataforma de saltos de esquí Bergisel de Innsbruck (Austria),
así como el diseño del Plan Maestro de la ciudad de Singapur.
En 2003 recibió Hadid un nuevo galardón de carácter internacional, el Premio de Arquitectura
Contemporánea Mies Van Der Rohe de la Unión Europea, concedido por el proyecto para la estación
de Estrasburgo.En 2005 se impuso en el concurso de diseño del Pabellón Puente de la Exposición
Internacional de Zaragoza 2008, en el que volvió a demostrar su capacidad de adaptación a los
proyectos más diversos, y fue la encargada de diseñar el Nuevo Casino de Basilea (Suiza). Un año
más tarde ganó el Proyecto de Reestructuración y Renovación de Zorrozaurre, un barrio de Bilbao
(España) que planea convertir en isla. Otros de sus proyectos en España son el cine de la plaza de
Les Arts y la Spiralling Tower o Torre Espiral, en Barcelona; los interiores del Hotel Puerta América
de Madrid; la biblioteca de la Universidad de Sevilla; y los rascacielos de Durango (Vizcaya).

Documento de Trabajo, preparado para el espacio académico “Teoría de Arquitectura”, de la Universidad de La Salle
Arq. Edgard Vanegas Durán, 2018
7

Obras de Zaha Hadid


1. La estación de Bomberos Vitra,
2. El centro de arte contemporáneo Rosenthal,
3. Casa central de BMW en Leipzig, Alemania
4. El plan general de Zorrozaurre
5. El pabellón-puente de la expo de Zaragoza 2008
6. Hotel Puerta América
7. MAXXI: Museo Nacional de las Artes del Siglo 21 (Roma)
8. El Centro Phaeno de Ciencia en Wolfsburg, Alemania
9. La Torre Espiral, Barcelona
10. Azabu-Jyuban Building
11. Cardiff Bay Opera House CityLifre Milano
12. Dorobanti Tower (Rumania)
13. Nile Tower
14. Next Gene Architectural Museum
15. Madrid Civil Courts of Justice
16. Hamburg River Promenade
17. Riverside Museum of Glasgow
Recientes
18. El centro acuático para las Olimpíadas 2012 en Londres
19. Estaciones de tren en Nápoles y Durango
20. La torre de CMA CGM Headquarters in Marseille
21. Centros culturales en Jordania, Marruecos, Algeria, Azerbaijan, Abu Dhabi y Arabia Saudita.
22. El Banco Central de Irak
23. Abu Dhabi Performing Arts Centre
24. Las Torres bailarinas de Dubai
25. Galaxy Soho (2012)
26. Complejo Soho Wangjing
Norman Foster
Arquitecto británico - 1935. Ha sido galardonado con el premio Pritzker en 1999 y el Premio Príncipe
de Asturias de las Artes en 2009.
Presidente de la Norman Foster Foundation, inaugurada en 2017, con sede en Madrid, fomenta el
pensamiento y la investigación interdisciplinar para ayudar a las nuevas generaciones de
arquitectos, diseñadores y urbanistas a anticiparse al futuro. La Norman Foster Foundation, que se
inauguró el 1 de junio de 2017, tiene su sede en Madrid y realiza proyectos a nivel global.
Estudió arquitectura en la Universidad de Mánchester y prosiguió sus estudios en la Universidad de
Yale (Connecticut, USA), luego regresa a Inglaterra, trabajando un tiempo con el arquitecto Richard
Buckminster Fuller y fundó más tarde en 1965 el estudio de arquitectos Team 4, junto a su primera
esposa y la esposa de Richard Rogers.
Dos años más tarde el nombre del estudio fue cambiado y quedó en Foster and Partners (UK).
Los proyectos iniciales de Foster se caracterizan por enmarcarse fuertemente en el estilo "High-
tech". Más adelante las líneas de sus edificios se suavizan y desaparece en buena parte ese carácter
técnico llevado al extremo.

Documento de Trabajo, preparado para el espacio académico “Teoría de Arquitectura”, de la Universidad de La Salle
Arq. Edgard Vanegas Durán, 2018
8

Los proyectos de Foster y sus socios llevan un marcado sello industrial, en el sentido de que emplean
en los edificios elementos que se repiten muchas veces, por lo que son fabricados en lugares
alejados de la obra.
Foster fue armado Caballero en 1990 (Sir Norman Foster) y en 1997 se le confirió la Orden de Mérito.
En 1999, La reina Isabel II le otorgó el título nobiliario vitalicio de Barón Foster de Thames Bank (Lord
Foster of Thames Bank).
En julio de 2010 fue uno de los 5 miembros de la Cámara de los Lores que renunció a su escaño para
evitar, en cumplimiento de una nueva ley, fijar su residencia fiscal en el Reino Unido.
En noviembre de 2016, fue elegido para la nueva ampliación del Museo del Prado.
I.M. Pei. Arquitecto
Ieoh Ming Pei es un arquitecto chino-estadounidense a menudo llamado “el maestro de la
arquitectura moderna”. Hijo de un prominente banquero, nació el 26 de abril de 1917 en el cantón
y se crió entre Hong Kong y Shangai. A la edad de 17 años, Pei emigró a los Estados Unidos con el
objetivo de estudiar arquitectura y se graduó en el MIT en 1940. En 1942 se inscribió en la Escuela
para graduados de Diseño de Harvard y estudió con Walter Gropius. Seis meses después, ofreció
sus servicios en forma voluntaria al Comité de Investigación Nacional de Defensa en la Universidad
de Princeton. Pei volvió a Harvard en 1944 y completó su master en arquitectura en 1946,
enseñando en la Facultad como asistente del profesor (1945/48).
Ganó el premio Wheelwright Traveling Fellowship que le dió Harvard en 1951 y luego viajó por
Inglaterra, Francia, Italia y Grecia. Se convirtió en ciudadano estadounidense en 1954.
En 1948 William Zeckendorf le propuso el cargo de Director de Arquitectura en Webb & Knapp, una
corporación de desarrollo de bienes raíces, lo que le posibilitó involucrarse en muchos proyectos de
gran envergadura en todo el país. En 1955 abrió el estudio I. M. Pei & Associates que cambió a I. M.
Pei & Partners en 1966 y Pei Cobb Freed & Partners en 1989. En 1968 el estudio recibió el
Architectural Firm Award del Instituto Americano de Arquitectos.
El estilo personal de Pei floreció con el diseño para el Centro Nacional para la Investigación
Atmosférica (National Center for Atmospheric Research) en Boulder, Colorado (1961-1967). Más
tarde sería noticia a nivel nacional por el East Building of the National Gallery of Art en Washington
(1968-78) y la Biblioteca John Fitzgerald Kennedy en Boston (1965-79) dos de los treinta edificios
institucionales realizados por Pei incluídas iglesias, hospitales, edificios municipales, así como
colegios, bibliotecas y una docena de museos. Uno de sus trabajos más recientes es el Morton H.
Meyerson Symphony Center en Dallas, la Pirámide del Louvre en Paris, el Museo Miho en Shiga,
Japón, la Schauhaus en el Museo Alemán de Historia (German Historical Museum) de Berlin y
el Museo de Arte Moderno en el Gran ducado de Luxemburgo. También diseñó el Centro de
Convenciones Jacob K. Javits, de Nueva York (1980-1986), la Chase Tower (1982), en Houston
(Estados Unidos).
Entre los rascacielos de Pei encontramos la torre del Banco de China en Hong Kong y el Hotel Four
Seasons en Manhattan. En China ejecutó dos obras:
el Fragrant Hill Hotel en Beijing (1982) y el Suzhou Museum en Suzhou (2006) cada diseño realizado
con la tecnología avanzada para reemplazar la construcción antigua anterior y con ello sembrar la
semilla de una nueva forma, claramente china de la arquitectura moderna.

Documento de Trabajo, preparado para el espacio académico “Teoría de Arquitectura”, de la Universidad de La Salle
Arq. Edgard Vanegas Durán, 2018
9

En sus proyectos Pei busca la pureza de líneas, unida a una eficacia funcional, siguiendo el
llamado estilo internacional y los criterios de Gropius.
Tom Wright. Arquitecto
Tom Wright nació el 8 de septiembre de 1957 en un pueblo del Gran Londres en el Reino Unido.
Estudió arquitectura en la Kingston University School of Architecture. Con sólo 36 años llevó
adelante el proyecto más ambicioso del mundo: la construcción del hotel El Burj Al Arab en Dubai.
Wright diseñó en 1993 el hotel más csro del mundo y el proyecto se terminó en 1999. La idea fue
crear un ícono de Dubai. Wright fue el líder del proyecto mientras que el equipo de arquitectos fue
de la empresa más grande de arquitectura: Atkins.
Desde que terminó de construir el Burj Al Arab, Tom Wright ha continuado trabajando con Atkins
con proyectos para los más prestigiosos clientes como la Torre Trump y numerosos edificios de
similar envergadura del Burj Al Arab en Medio Oriente. Entre sus proyectos están los rascacielos
French Quarter en Brisbane, Australia, el Teheran Mall en Irán, las torres Millenium en Bangkok y
un desarrollo para correr regatas en Jakarta. Atkins tiene su sede central en el barrio de Epsom, en
Londres y numerosas oficinas en todo el mundo.
Frank Owen Gehry. Arquitecto
Nacido en Toronto, Canadá en 1929. Arquitecto asentado en Estados Unidos, ganador del Premio
Pritzker, reconocido por las innovadoras y peculiares formas de los edificios que diseña.
En 1947 se trasladó con sus padres a la ciudad de Los Ángeles y en 1954 se graduó en arquitectura en
la Universidad del Sur de California (USC), obteniendo más tarde la nacionalidad estadounidense.1
Su familia era de origen judío-polaco, con un padre que se dedicaba al comercio de materiales y una
madre melómana. Se graduó en la Universidad del Sur de California en 1954 (año en que se cambió
el nombre por presiones de su exmujer) de sus estudios de arquitectura.
Cuando regresó a Los Ángeles, después de vivir en París y haber estudiado en Harvard Gehry abrió
su propio despacho de arquitectura. En los años siguientes fue desarrollando su estilo
arquitectónico personal y ganando reconocimiento nacional e internacional. Su arquitectura es
impactante, realizada frecuentemente con materiales inacabados. En un mismo edificio incorpora
varias formas geométricas simples, que crean una corriente visual entre ellas. Sus diseños no son
fáciles de valorar para el observador inexperto, ya que una buena parte de la calidad de diseño se
encuentra en el juego de volúmenes y en los materiales empleados en las fachadas,
preferentemente el metal, en todo lo cual sólo el entendido reconoce enteramente la armonía y el
diseño estructural.
Gehry es uno de los arquitectos contemporáneos que considera que la arquitectura es un arte, en
el sentido de que una vez terminado un edificio, este debe ser una obra de arte, como si fuese
una escultura. Para acercarse cada vez más a este ideal, Gehry ha ido trabajando en sus sucesivos
proyectos en esta dirección, sin abandonar otros aspectos primordiales de la arquitectura, como la
funcionalidad del edificio o la integración de éste en el entorno.
En reconocimiento a su labor, Frank Gehry ha recibido numerosos y prestigiosos premios y
distinciones, como las siguientes:
 1977 - Arnold W. Brunner Memorial Prize in Architecture (American Academy of Arts and
Letters.)
 1989 - Premio Pritzker.
 1992 - Premio de la Fundación Wolf de las Artes (Arquitectura).
 1992 - Praemium Imperiale Award for Architecture, de la «Japan Art Association».
Documento de Trabajo, preparado para el espacio académico “Teoría de Arquitectura”, de la Universidad de La Salle
Arq. Edgard Vanegas Durán, 2018
10

 1994 - Premio Dorothy and Lillian Gish.


 1998 - National Medal of Arts (AEB).
 1998 - Premio Friedrich Kiesler.
 1999 - Medalla de Oro del AIA, American Institute of Architects (AEB).
 2000 - Medalla de Oro, Royal Institute of British Architects.
 2002 - Gold Medal for Architecture (American Academy of Arts and Letters).
 2002 - Comendador de la Orden de Canadá.
 2003 - Medalla de Plata de Caldes de Malavella.
 2008 - Gran Cruz de la Orden de Carlomagno del Principado de Andorra (luego la rechazó).
 2014 - Premio Príncipe de Asturias de las Artes.
Obras más destacadas de Gehry
1. Casa Frank Gehry (California).
2. Lou Ruvo Brain Institute, Las Vegas, EE. UU.
3. Museo Guggenheim Bilbao, Bilbao, España.
4. Bodega-Hotel Marqués de Riscal, Elciego (Álava), España.
5. Casa Danzante, Praga, República Checa.
6. Edificio del Banco DG, Berlín, Alemania.
7. Centro Stata, Instituto Tecnológico de Massachusetts, Boston, EE. UU.
8. Edificio Peter B. Lewis, Cleveland, Ohio, EE. UU.
9. Escuela de Management Weatherhead, Cleveland, Ohio, EE. UU.
10. Centro de Exposiciones, Columbia, Maryland, EE. UU.
11. Centro postal Merriweather, Columbia, Maryland, EE. UU.
12. Sede principal de Rouse Company, Columbia, Maryland, EE. UU.
13. Centro Maggie's Dundee, Dundee, Escocia.
14. Torre Gehry, Hanóver, Alemania.
15. Sala de Conciertos Walt Disney, Los Ángeles, EE. UU.
16. Museo Experience Music Project, Seattle, EE. UU.
17. Universidad de Minnesota, Minneapolis, Minnesota, EE. UU.
18. Museo de Arte Weisman, Minneapolis, Minnesota, EE. UU.
19. Pabellón Jay Pritzker, Chicago, Illinois, EE. UU.
20. El Pez dorado en el Puerto Olímpico de Barcelona, España.
21. Vitra Design Museum en Weil am Rhein.
22. Biomuseo en la ciudad de Panamá.
Piet Mondrian (1872-1944) - Como introducción al movimiento artístico del
Neoplasticismo
El Neoplasticismo es una de las formas que toma la abstracción en las primeras décadas del siglo
XX. Es una doctrina estética propuesta por Mondrian en 1920, se basa en una concepción analítica
de la pintura, en la búsqueda de un arte que trascienda la realidad externa, material, reduciéndola
a formas geométricas y colores puros para hacerla universal.
Piet Mondrian, nació en Holanda. Sus primeras obras son escenas rurales donde se observa la
influencia de su tío, Frits Mondrian, pintor impresionista de la Escuela de La Haya.
Un ejemplo de estos paisajes es Vista de Winterswijk. Aquí apunta ya la idea que guiará toda su
pintura, el deseo de sobrepasar la apariencia material de la realidad sometiéndola a un orden visual
Documento de Trabajo, preparado para el espacio académico “Teoría de Arquitectura”, de la Universidad de La Salle
Arq. Edgard Vanegas Durán, 2018
11

que la sitúe en un plano de universalidad. La composición enfatiza la verticalidad de la torre y la


horizontalidad de la línea del cielo, convirtiéndolos en ejes perpendiculares que organizan la
estructura visual de la pintura, más allá de la pura descripción de un paisaje concreto.
Vista de Amstel es otro ejemplo de paisaje donde se muestra su afán ordenador. Las horizontales y
las verticales están muy marcadas.
Mondrian continúa en su búsqueda de un arte en que la forma sea expresión de contenidos
universales. Los paisajes crepusculares de la serie del Árbol solitario (1906), son paisajes en los que
progresivamente desaparecen los detalles individuales para hacernos más conscientes de lo
universal.
Poco a poco, entre 1908 y 1912, avanza hacia un estilo en el que la realidad es reducida a sus rasgos
esenciales. El tema pierde toda relevancia, la línea y el color son los únicos vehículos de expresión
del contenido del cuadro.
Estos años son muy importantes para la obra de Mondrian. Desde 1908 viajará con frecuencia a
Domburg, una ciudad costera a la que acudían intelectuales y escritores. En Domburg desarrolla un
tipo de paisajes costeros en los que cada vez da más relevancia a los rasgos más simples, las fuertes
verticales de los faros, las horizontales del mar o del horizonte y la rotundidad geométrica de las
dunas. Ejemplos: la serie de Los Faros y la serie de Las Dunas.
Hay un lugar que cobró mucha importancia en la obra de este artista y es Domburg. Lugar al que
visitara con frecuencia y el que se había convertido en centro de reunión de intelectuales y artistas
En ese lugar, Mondrian, desarrolla un tipo de cuadros con paisajes costeros que conservan los rasgos
simples. Los faros, el mar, el mismo horizonte, las dunas, están representadas geométricamente.
En Paris Mondrian queda tan impresionado del cubismo que hará de él la base de su lenguaje para
su técnica Neoplástica. El cubismo le llega a impresionar por la forma cómo logra descomponer las
formas en planos yuxtapuestos y por la manera cómo la paleta hace gala de austeridad
reduciéndose al blanco y al negro. Esto, con el sólo objetivo de lograr la simplificación, que fueron
los principios básicos del trabajo de Mondrian. Muelle y Oceano o Composición X en blanco y negro,
es una interpretación, muy personal, que Mondrian hace del lenguaje que utilizaba Picasso. En este
cuadro Mondrian elimina cualquier alusión a la realidad, y más bien enfatiza las formas verticales y
horizontales hasta llevarlas a convertirlas en los focos centrales del cuadro.
Lentamente va acercándose a su ideal de abstracción. Se lo ve prefiriendo las líneas negras con las
que circunscribía ciertas superficies a las que rellenaba con tonos fuertes. En ese estilo destacan
Tableau No. II y Tableau No. IV
Las obras de este artista están lejos de ser pinturas emocionales, como se considera a las
convencionales. Pero “Broadway Boogie-woodie” está impregnada de un toque diferente gracias a
la influencia de música Jazz. Su estadía en Nueva York, 1940, despertó en Mondrian una serie de
emociones que integraría a su obra. A ese periodo se lo considera el más interesante de su carrera.
En 1912 siente la necesidad de trasladarse a París, ya que en esta ciudad se estaban forjando las
nuevas ideas artísticas. Conocerá de cerca el fauvismo, el futurismo y el cubismo. Mondrian, que
buscaba desde hacía algunos años la simplificación de la representación de la realidad, quedó tan
impresionado al ver las obras de Picasso y Braque, que experimentó con la nueva disciplina.
Naturaleza muerta con jarro de Jengibre I hace referencia a la obra de Cézanne, en cuanto a la
composición y al tema, que nos sitúa en un contexto anterior al cubismo. Se trataba de un paso
previo necesario para poder asumir plenamente el cubismo.

Documento de Trabajo, preparado para el espacio académico “Teoría de Arquitectura”, de la Universidad de La Salle
Arq. Edgard Vanegas Durán, 2018
12

En Naturaleza muerta con jarro de Jengibre II ya muestra un lenguaje plenamente cubista


introduciendo la descomposición formal propia de este estilo. Toma las partes esenciales de
Naturaleza muerta con jarro de Jengibre I traduciéndolas a reducciones esquemáticas en las que el
motivo todavía es reconocible.
Él mismo escribió sobre la deuda que el neoplasticismo tiene con el cubismo:
No puede apreciarse suficientemente el espléndido esfuerzo del cubismo, que rompió con la
apariencia natural de las cosas y parcialmente con la forma limitada. La determinación del espacio
que hace el cubismo mediante la exacta construcción de volúmenes es prodigiosa. Así se fundaron
los cimientos sobre los cuales pudo levantarse una plástica de "relaciones puras", de "ritmo libre",
antes aprisionado por las formas limitadas.
Paul Cézanne fue un pintor francés postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna,
cuyas obras establecieron las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica.
Muere el 22 de octubre de 1906, Aix-en-Provence, Francia. Períodos: Posimpresionismo, Arte
moderno, Impresionismo, Romanticismo, Cubismo
Mondrian se hace eco del cubismo en el que las formas se descomponen en planos que se yuxtaponen
en el lienzo con gran austeridad cromática. Composición X en blanco y negro, también conocida
como Muelle y océano es una interpretación personal del lenguaje cubista, en la que suprime toda
alusión a modelos de la realidad y enfatiza la estructura de verticales y horizontales convirtiéndolas
en los protagonistas de la obra. Con esto ya estaba anunciado el lenguaje esencial del Neoplasticismo.
Los años de la Primera Guerra Mundial los pasa en Holanda y de su colaboración con Theo van
Doesburg nace en 1917 la revista De Stijl, que reunió a un grupo de artistas cuyo objetivo era hacer
visible la esencia de la realidad. De Stijl aspiraba a la expresión de lo universal y Mondrian definió
este objetivo para el cual encontró el nombre de Neoplasticismo.
En su búsqueda de universalidad, utilizó los principios geométricos en el análisis de la estructura
interna de las cosas, lo que lo llevó a reducirlas sólo a forma y color. Pero irá más lejos, reducirá
todas las formas a la oposición y el equilibrio entre la línea vertical y la horizontal, que forman
ángulos rectos y todos los colores a los tres primarios, además de incorporar la negación del color
(el blanco, el negro y el gris) a la composición de la obra.
En Tableu II de Pier Mondrian propone una ordenación geométrica del mundo. Reduce al máximo
los elementos integrantes y convierte los colores elementales azul, amarillo y el rojo y el cruce de
líneas verticales y horizontales en la base de toda la gramática estructural.
En Tableu IV Pier Mondrian, o Composición en rombo con rojo, gris, amarillo y negro el vacío
constituye un elemento fundamental de su sistema cromático. Si el vacío domina la composición es
en parte gracias a las gruesas franjas negras que separan los tres colores primarios rojo, amarillo y
azul.
En Composición con rojo, amarillo y azul (1935) el artista traza sobre el blanco de la tela líneas
negras, horizontales y verticales, que determinan una trama de cuadrados y rectángulos. Tres de
ellos los ilumina con el rojo, el amarillo y el azul. Busca representar el cuadro en dos dimensiones,
evitando crear la ilusión de profundidad. Por eso omite cualquier línea curva o diagonal ya que éstas
dan la sensación de perspectiva.
En 1924 se separa de Theo van Doesburg cuando éste quiere introducir la diagonal como signo de
dinamismo y abandona De Stijl para trasladarse finalmente a Nueva York.
La simplicidad de este lenguaje ha influido notablemente en la arquitectura y el diseño del siglo XX
y en diversas tendencias de la abstracción.

Documento de Trabajo, preparado para el espacio académico “Teoría de Arquitectura”, de la Universidad de La Salle
Arq. Edgard Vanegas Durán, 2018
13

Alexander Calder
Nace en Pensilvania en 1898 y muere en New York, USA. Hijo y nieto de escultores. Su madre era,
además, pintora. Estudió ingeniería mecánica y en 1923 asistió a la Liga de Estudiantes de Arte de
Los Ángeles, donde recibió la influencia de los artistas de la escuela.
En 1925 contribuyó con unas ilustraciones en la National Police Gazette. Se traslada mas tarde a
París y allí comenzó a crear figurillas de madera y alambre, germen del posterior desarrollo de sus
famosas miniaturas circenses.
En los años 1930, se hizo célebre en París y en los Estados Unidos por sus esculturas de alambre, al
igual que por sus retratos, sus bosquejos de línea continua y sus abstractas construcciones
motorizadas.
En 1967 creo un móvil en la fábrica Biémont de Tours (Francia), incluido el "HOMBRE", todo de acero
inoxidable de 24 metros de altura, encargado por la International Nickel de Canadá (Inco) para
la Exposición Universal de Montreal.
Es más conocido como el inventor del móvil o chupin (juguete móvil colgante), un precursor de
la escultura cinética. También elaboró obras esculturales inmóviles, conocidas como stabiles.
Aunque los primeros chupines y stabiles de Calder fueron relativamente pequeños, poco a poco fue
orientándose hacia la monumentalidad en sus trabajos posteriores. Entre sus obras más
importantes destacan las llamadas "Nubes de Calder", que son 31 paneles de madera
contrachapada que reflejan el sonido y actúan de soporte acústico. Se encuentran suspendidos en
el cielo raso y en las paredes laterales del Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela. Estas
esculturas flotantes creadas por el ingenio de Calder, por requerimiento del arquitecto Carlos Raúl
Villanueva, convierten al recinto teatral en una de las cinco salas con mejor acústica del mundo.
Obras destacadas:
Flamingo, 1973
Localizada en la Plaza Federal de Chicago, esta escultura fija tiene 16 metros de altura, está
realizada en acero color rojo y pesa 50 toneladas.
Fish, 1944
Realizado con varillas pintadas, alambre y cuerda y decorado con cerámica esmaltada y vidrio.
Cique Calder, 1926
Su poder popular en circo en miniatura. En 1926 comenzó un trabajo artesanal con la
elaboración de pequeños animales en madera y alambre que se convertirían en una legión
para el circo.
Acoustic Clouds, 1953
Las "Nubes de Calder", son 31 paneles de madera contrachapada que reflejan el sonido y
actúan de soporte acústico. Se encuentran suspendidos en el cielo raso y en las paredes
laterales del Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela.
Black Widow, 1948
Una de sus piezas más grandes, que el autor donó en 1948 al Instituto brasileño de
Arquitectos, con sede en Sao Paulo. Es una constelación de collages en chapa negra unidos y
suspendidos del techo por tiras de alambre.
The Brass Family, 1929

Documento de Trabajo, preparado para el espacio académico “Teoría de Arquitectura”, de la Universidad de La Salle
Arq. Edgard Vanegas Durán, 2018
14

Su primera gran muestra fue en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1943; durante
esa década se llevaron a cabo retrospectivas de su trabajo en ciudades como Ámsterdam o
Brasil.
Four Big Dots, 1963
En 1931, Marcel Duchamp bautizó las obras del escultor Alexander Calder como “móviles”,
término que sería utilizado posteriormente para designar las piezas del artista americano.
Josephine Baker III, 1927
La famosa artista de cabaret de la época es retratada en alambre por Calder en una escultura
llena de energía y con la voluptuosidad necesaria que recrea con alambre.
Vertical Foliage, 1941
En 1952 ganó el Primer Premio de Escultura en la Bienal de Venecia, y en 1958 el Premio de
Escultura en Pittsburgh.
Red Petals, 1942
En 1941, el presidente del Arts Club de Chicago, Rue Shaw comisionó a Alexander Calder para
crear el móvil "Pétalos Rojos", una parte importante de la colección del club.
Wassily Kandinsky,
Pintor ruso, nacido en 1866, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte. Se considera
que con él comienza la abstracción lírica y el expresionismo.
Su padre Vasili Silvéstrovich Kandinski era un comerciante de té procedente de una población
siberiana cercana a la frontera con Mongolia. La abuela de Vasili era una aristócrata mongola de
la dinastía Gantimúrov. Pasó su infancia y juventud entre Moscú y Odesa,
En Odesa tomó clases de piano y de violonchelo. En 1886 Kandinski comenzó sus estudios de
Derecho y Ciencias económicas en la Universidad de Moscú. También estudió etnografía y tomaba
clases de dibujo y música Estudió un tiempo en la academia privada de Anton Ažbe hasta 1900,
impartió clases teóricas para la Escuela de la Bauhaus. Pintó temas fantásticos basados en
tradiciones rusas o en la Edad Media alemana. Este período estuvo marcado por la experimentación
técnica, en particular en el uso del temple sobre un papel oscuro, para dar una impresión de
superficie transparente, iluminada desde atrás. La consistencia tonal del claroscuro enfatiza el
esquema, borrando la distinción entre las figuras y el fondo, resultando una composición casi
abstracta.
Sus obras destacan por una abstracción controlada y sistemática, en las que cada elemento está
previamente meditado con el fin de provocar una determinada reacción en el espectador. Uno de
los objetivos primordiales de Kandinsky no solo era transmitir con sus pinturas, sino también
persuadir a través de los colores y las formas.
En 1895 asiste a una exposición de Claude Monet, quedando fascinado por el estilo impresionista
del pintor francés. Un año después, en 1896, toma la decisión de centrarse profesionalmente en el
arte y se traslada a Múnich para emprender sus estudios en pintura.
Al llegar a Alemania, se inicia pintando obras paisajistas, como ‘Ciudad Antigua II’, en las que se
aprecia una clara influencia postimpresionista. A partir de 1908 continúa representando paisajes,
en este caso, como un pretexto para explorar las formas y los colores. Es entonces cuando se
observan los primeros pasos de Kandinsky hacia el arte abstracto, utilizando un tratamiento más
artificial de los colores para representar la realidad, tal y como se puede apreciar en obras como
‘Murnau’ (1909).

Documento de Trabajo, preparado para el espacio académico “Teoría de Arquitectura”, de la Universidad de La Salle
Arq. Edgard Vanegas Durán, 2018
15

En 1911 Kandinsky pinta ‘Círculos dentro de círculo’, acuarela que fue descubierta en 1999 con la
inscripción “la primera obra abstracta” escrita en su dorso. Otro de los aspectos más relevantes fue
su aporte como teórico del arte abstracto. A lo largo de su trayectoria profesional destacan sus
libros ‘De lo espiritual en el arte’ (1910) y ‘Punto y línea sobre el plano’ (1926), ambos centrados en
sus experimentaciones artísticas.
Con la llegada de Hitler al poder, la Escuela de la Bauhaus es clausurada por los nazis en 1933 y
Kandinsky se traslada a Francia, donde se establece hasta su fallecimiento en 1944. Aquí conoce
a Joan Miró, con quien entabla una buena relación. Algunas de sus últimas obras, como ‘Cielo azul’
(1940), recuerdan al estilo artístico del pintor catalán.
Postimpresionista, expresionista, autor del arte abstracto, paisajista y retratista.
Los cuadros de Kandinsky muestran grandes explosiones de color y siluetas que constantemente se
transforman ante el espectador. Las influencias artísticas principales de este pintor fueron Monet,
Fauves y Matisse.
Se considera que las pinturas de Kandinsky funden la percepción del oído y la vista. Él visualizaba
sonidos como parches de color (arte sinestésico), era amante de la música de Wagner, y esta
emergía en sus más abstractas creaciones. El entendimiento del papel que juegan: matices, música
e iconografía en las obras de este maestro, nos puede abrir nuevos caminos en la apreciación de su
arte y del ideal que lo guió durante su vida por su camino de abstracción y asombrosas imágenes.

Documento de Trabajo, preparado para el espacio académico “Teoría de Arquitectura”, de la Universidad de La Salle
Arq. Edgard Vanegas Durán, 2018
16

ESTILOS ARQUITECTONICOS
Historia
El estilo arquitectónico se puede definir como el medio de expresión que aparece en la arquitectura
a través de la composición y los materiales con los que se construye en diferentes periodos
históricos. Por tanto a lo largo de la historia se han desarrollado diferentes estilos
arquitectónicos con los que representar los valores y las aspiraciones de una determinada etapa
histórica.
La arquitectura cómo medio de expresión a gran escala ha evolucionado a medida que las
sociedades han ido cambiando con el paso de los siglos. Así, a medida que el poder de los
gobernantes ya fueran faraones, emperadores o monarcas, pasó de ser un poder absoluto a
equipararse al de los habitantes de las ciudades y los estados, la arquitectura cambió en sus formas y
en su estilo. Como consecuencia, el carácter monumental y simbólico de la arquitectura de las
primeras civilizaciones fue evolucionando hacia una arquitectura al servicio primero de la sociedad
civil y posteriormente al servicio del individuo, ya bien entrado el siglo XX. En el momento actual se
puede hablar incluso de un estilo arquitectónico que convive en equilibrio con el medio natural en
el que se construye (la arquitectura bioclimática), con un estilo por tanto completamente diferente
al de épocas anteriores.
La historia de occidente tradicionalmente se ha dividido en:
Edad Antigua, Edad Media y Edad Moderna:
La Edad Antigua transcurre aproximadamente desde el año 3.000 A.C. hasta el siglo IX de nuestra
era y abarca todos los grandes imperios de la antigüedad, desde Egipto hasta el Imperio Romano.
En el Antiguo Egipto la arquitectura es concebida a través de grandes monumentos funerarios. Las
pirámides son por tanto el arquetipo de arquitectura monumental, símbolo de una época donde el
poder absoluto de los faraones se pone de manifiesto con grandes edificaciones de piedra en forma
de pirámides de planta cuadrangular. En estos mausoleos se trabajaba durante décadas para
asegurar el tránsito hacia el más allá de los faraones. Curiosamente los estilos de la antigüedad
cambian a medida que las inquietudes de los gobernantes también lo hacen. Sucede así en
la Arquitectura Clásica, griega y romana, en la que se puede apreciar una evolución en el estilo
arquitectónico a medida que los gustos y la vida de las clases gobernantes se refinan y se vuelven
más sofisticadas, es decir a medida que la guerra y la conquista de territorios deja paso a una vida
más rica en cultura y conocimientos. Se puede destacar en este sentido la evolución desde el orden
dórico, sencillo y austero hasta el orden jónico y corintio donde formas más complejas y motivos
vegetales convierten columnas y basamentos en objetos recargados y revestidos de ornamento.
Durante la Edad Media de nuevo el poder se vuelve absoluto. En este caso los reyes, los nobles y la
Iglesia son los que ejercen un poder absoluto sobre los campesinos que forman la mayor parte de
la sociedad. Curiosamente, de nuevo la evolución dentro de esta sociedad y la relajación de ese
poder absoluto trae consigo una evolución en las formas y el gusto por la arquitectura. De la
austeridad del Estilo Románico se pasa al Gótico donde las formas se estilizan con los nuevos arcos
ojivales y diferentes elementos ornamentales invaden por completo las catedrales. Es en ese
momento cuando aparece una nueva clase social, la burguesía que trae consigo nuevos valores y
nuevas relaciones de poder: aparece la figura del individuo dentro de la sociedad y con él
Documento de Trabajo, preparado para el espacio académico “Teoría de Arquitectura”, de la Universidad de La Salle
Arq. Edgard Vanegas Durán, 2018
17

el Renacimiento, un nuevo estilo donde el genio individual de artistas y arquitectos pasa a ser el
talento creador que con el que se construyen las nuevas edificaciones.
Con el inicio de la revolución industrial y la llegada del siglo XX, la historia entra en la Edad Moderna.
Grandes movimientos sociales cambian por completo la estructura de la sociedad occidental. Los
grandes grupos sociales de la edad media, nobles, reyes y campesinos se transforman en una
sociedad civil en la que formalmente se reconocen los derechos de todos sus individuos. El poder
absoluto se convierte en democrático y los edificios en “grandes máquinas” al servicio de esa nueva
sociedad moderna. El racionalismo como nuevo estilo del siglo XX abandona la monumentalidad y
el ornamento para que prevalezcan los nuevos valores como la igualdad entre individuos y las
condiciones de higiene y salubridad en la arquitectura.

ESTILOS ARQUITECTONICOS A LO LARGO DE LA HISTORIA


BREVE CRONOLOGÍA
323 ARQUITECTURA HELENÍSTICA
La arquitectura helenística abarca desde el año 323 a.C. con la muerte de Alejandro Magno al año
30 a.C. con la dominación de Roma. El arte helenístico es una fusión del arte griego con las culturas
de otros países que estaban dominados por Grecia. Por ello, las obras helenísticas se encuentran en
Asia y África.
350 ARQUITECTURA EN LA ANTIGUA ROMA
La arquitectura romana comienza siglos antes de Cristo pero continúa durante los siglos II y III d.C.
Esta arquitectura se caracteriza por sus grandes y sólidas edificaciones, lo que permite que algunas
sigan en pie actualmente. Debido a las técnicas constructivas que tenían podemos observar obras
muy parecidas en puntos geográficos muy distanciados.
400 ARQUITECTURA EN LA ANTIGUA GRECIA
La arquitectura griega abarca los siglos V y IV a.C. En este tipo de arquitectura eran el Estado y las
personas ricas quienes empleaban a los arquitectos, estos diseñaban sus edificios y contrataban sus
los obreros y eran los responsables del presupuesto y de acabar la obra a tiempo. Por otro lado, los
arquitectos no eran considerados nobles, sino que eran desconocidos.
900 ARQUITECTURA ISLÁMICA
Esta arquitectura puede clasificarse en dos categorías: edificios destinados a las prácticas y
enseñanzas del Islam: como es el caso de las mezquitas, madrasas (nombre que se da en la cultura
árabe a cualquier tipo de escuela, sea religiosa o secular) y los mausoleos; y los relacionados con los
asuntos políticos, económicos o militar: los palacios, los caravansarays (antiguo tipo de edificación
surgido a lo largo de los principales caminos donde las caravanas que hacían largos viajes de muchas
jornadas, de comercio, peregrinaje o militares), y las fortificaciones.
1100 ARQUITECTURA ROMÁNICA
Las construcciones más elaboradas en esta arquitectura son las iglesias, puesto que los arquitectos
desarrollaban su obra en torno al arte religioso. El aspecto de los edificios varía en función del país
y la época en la que se construyeron, pero tienen en común el uso de las piedras, las formas
geométricas básicas y edificios de baja altura.

Documento de Trabajo, preparado para el espacio académico “Teoría de Arquitectura”, de la Universidad de La Salle
Arq. Edgard Vanegas Durán, 2018
18

1300 ARQUITECTURA GÓTICA


El arte gótico se caracteriza por la verticalidad y la luz, y en las obras predominan las plantas de cruz
latina. También destaca la bóveda de crucería, el arbotante y el arco ojival apuntado. Las catedrales
y los edificios civiles son las construcciones más destacadas de este periodo.
1500 ARQUITECTURA RENACENTISTA
La arquitectura del renacimiento se caracteriza por utilizar cúpulas grandes hechas con aristas y con
ventanas redondas. Reaparece el arco de medio punto y bóvedas de cañón y de aristas. Los
arquitectos de esta época salieron del anonimato y se dieron a conocer. Los principales arquitectos
son: Philipo Brunelleschi, Leone Batista Alberti, Donato Bramante y Miguel Ángel.
1650 ARQUITECTURA BARROCA
Una característica de este tipo de arquitectura es que utilizaba composiciones basadas en curvas,
elipses y espirales. Las fachadas suelen utilizar muchos elementos decorativos como cornisas y
columnas griegas, romanas y salomónicas. Las plantas de los templos suelen ser circulares, elípticas
o mixtilíneas, esto permite una mejor adaptación al lugar donde se construye el edificio. Las
principales construcciones son las religiosas pero también destacan los palacios y el urbanismo.
1820 ARQUITECTURA NEOCLÁSICA
La arquitectura neoclásica se caracteriza por contener líneas arquitectónicas simétricas; le gusta la
sencillez y predomina lo arquitectónico frente a lo decorativo; y emplea elementos básicos de la
arquitectura clásica como columnas, bóvedas, cúpulas, etc. Algunos de los autores que se pueden
destacar por apuntar hacia una nueva arquitectura son: Ventura Rodríguez, Diego de Villanueva y
José Hermosilla.
1920 ARQUITECTURA MODERNA
La arquitectura moderna introdujo obras de forma simple, con paredes de superficie plana,
ventanales grandes con marcos de metal, etc. En esta época se disponía de más materiales como el
acero, el hormigón, el cemento... lo que llevó a desarrollar nuevas técnicas constructivas y a
construir estructuras más altas.
2007 ARQUITECTURA POSMODERNA
La arquitectura posmoderna se caracteriza por darle importancia a la fachada; uso de luz neón; uso
de colores fuertes y que contrasten los detalles; uso de molduras, cornisas y crecerías; ojos de buey
y perforaciones simbólicas, etc.
300 a 400 ARQUITECTURA CLÁSICA
La arquitectura clásica abarca los siglos V y IV a.C. Este tipo de arquitectura se divide en arquitectura
de la Antigua Grecia, arquitectura en la Antigua Roma y arquitectura helenística. En los puntos
referidos arriba se encuentran definidos estos tres tipos de arquitectura.
900 a 999 ARQUITECTURA ISLÁMICA
La arquitectura islámica abarca el siglo X. Este tipo de arquitectura no tiene un estilo propio sino
que se deja influir por los estilos de los pueblos conquistados. Los edificios suelen ser de poca altura
y suelen tener un volumen cúbico. En estos edificios la columna, el arco y la cúpula son tres
características que dan belleza y originalidad. Los materiales más utilizados son: el ladrillo, el
mampuesto, el yeso, la madera y la piedra.

Documento de Trabajo, preparado para el espacio académico “Teoría de Arquitectura”, de la Universidad de La Salle
Arq. Edgard Vanegas Durán, 2018
19

Finales del 1000 a último de 1199 ARQUITECTURA ROMÁNICA


La arquitectura románica abarca los siglos XI y XII. Nace en Francia y se desarrolla, principalmente,
en Italia, España y Alemania. La principal característica de este tipo de arquitectura es que es
producto de la aplicación de varias técnicas constructivas y estéticas de diversa procedencia:
romana, prerrománica, bizantina, germánica y árabe. Lo más utilizado son los elementos
geométricos más sencillos de cada cultura, lo que, al final, crea edificios de apariencia sólida y
sencilla.
1100 a 1499 ARQUITECTURA GÓTICA
La arquitectura gótica se da en Europa entre los siglos XII y XV. Aparece en Francia. En Inglaterra se
desarrolla en tres etapas: el estilo primitivo, el estilo decorativo y el estilo perpendicular. En Italia
destacan los edificios civiles. En España destaca el camino de Santiago y las ciudades comerciales de
la Corona de Aragón y se comienzan a construir catedrales en diversas ciudades españolas. En
Portugal la arquitectura gótica llega gracias a España.
1400 a 1599 ARQUITECTURA RENACENTISTA
La arquitectura renacentista abarca los siglos XV y XVI. Se desarrolla, principalmente, en Italia. Esta
arquitectura estaba sostenida por dos pilares: el clasicismo y el humanismo. Además, produjo
innovaciones en las técnicas y los materiales de construcción y en el lenguaje arquitectónico.
1600 a 1799 ARQUITECTURA BARROCA
La arquitectura barroca abarca los siglos XVII y XVIII. Se generó en Roma, pero se rápidamente se
extendió por el resto de Italia y por Europa. A través de España y Portugal este tipo de arquitectura
también llegó a las colonias americanas. Las características de la arquitectura barroca son: la
grandiosidad y el lujo; el dinamismo, que dota a los edificios de movimiento; el uso de las formas
clásicas pero transformadas; bóvedas y cúpulas ovaladas; y el empleo de muchos elementos
decorativos.
1700 a 1899 ARQUITECTURA NEOCLÁSICA
Abarca los siglos XVIII y XIX. La revolución industrial, el despotismo ilustrado, la Ilustración, la crisis
del Antiguo Régimen, el enciclopedismo, etc. son algunos de los factores políticos, sociales y
económicos que influyeron en la aparición de la arquitectura neoclásica.
1900 a 1999 ARQUITECTURA MODERNA
Abarca el siglo XX y se desarrolla en todo el mundo. La arquitectura moderna se caracteriza por la
simplificación de las formas, por la ausencia de ornamento y la renuncia a la composición clásica,
que fue sustituida por tendencias como el cubismo, el expresionismo, el futurismo, etc.
1950 a finales de 2014 ARQUITECTURA POSMODERNA
Aparece desde mediados del siglo XX hasta la actualidad. Este tipo de arquitectura se caracteriza
por la división de los edificios altos en base, fuste y remate; y la introducción de órdenes clásicos.
Los primeros arquitectos posmodernos más importantes son: Philip Johnson, Charles Moore, Aldo
Rossi, Robert Venturi y Michael Graves. Estos arquitectos respetaban las formas y materiales del
entorno, recuperaban formas históricas y buscaban el humor y la sorpresa.

Documento de Trabajo, preparado para el espacio académico “Teoría de Arquitectura”, de la Universidad de La Salle
Arq. Edgard Vanegas Durán, 2018