Resumen Libro Historia Del Diseno Industrial

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Resumen - libro "historia del diseño industrial"
Teoría y estética del diseño industrial (Universidad de Cádiz)
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EL DISEÑO IÑDUSTRIAL EÑ EL
CAMBIO DE MILEÑIO.
La crisis sociopolítica y financiera de los años 80 provoca un descenso en las ventas,
por tanto, se buscan formas más duraderas y ofrecer productos más equilibrados en sus
vertientes estéticas y técnicas. Los 90 no fueron unos años rupturistas, no surge ningún estilo
propio. Se caracterizó por su atención hacia algunos valores que ya estaban presentes en
épocas pasadas.
El ideal de belleza se vuelve más suave y estilizado. La nitidez de los objetos tiende a
alejarse de las formas y de los colores impactantes. Sin embargo, la novedad se ve en nuevos
aspectos formales en sitios donde no se habían dado en años anteriores. Se introduce color,
pero sigue habiendo objetos que conservan el blanco tradicional: lavadoras y frigoríficos.
También se da el uso de plásticos traslúcidos como recubrimiento de algunos objetos.

Por ejemplo, destaca el portarrollos de celo Hannibal con forma de elefante.
Los 90 siguen siendo eclécticos. Se busca sobretodo la identificación personal con el

producto más que la proyección de una imagen hacia el exterior. Cabe destacar el giro hacia
un consumo más ético y ecológico. Como figura importante, destacamos a Philippe Starck, ya
que se puede apreciar un cambio en su orientación. Fue una figura muy importante del diseño
industrial a finales del siglo XX. Estudió en la escuela de Camondo (París) donde se dio a
conocer por su proyecto de casa hinchable. Con el diseño de interior de la habitación de
Madame Mitterrand y del salón-biblioteca del Ppalacio de Eliseo se hizo célebre en Francia.
Tuvo una gran actividad dentro del diseño industrial. No tiene un estilo claro, pero la
belleza suave, estilizada o emotiva son algunas de sus características. De él podemos destacar
su silla de tres patas sillón-trípode Costes), la cual exige más atención y exigencia intelectual
por parte del usuario. También destacamos la tetera Hot Bertaa, en forma de obús inclinado y
cortado por la base y su hiperfamoso exprimidor Juicy Salif, que pese a su deficiente
funcionalidad tuvo un gran éxito escultórico que triunfó en los 80.
Principalmente, pretendía democratizar el producto, es decir, es fundamental

desestilizarlos para dar lo mejor al máximo de la gente. Las preocupaciones medioambientales
también están presentes en el trabajo de Starcks. Las principales estrategias de su diseño
ecológico están en la búsqueda de productos duraderos y reciclables. Podemos destacar su
silla Louis 20, una sola pieza de plástico moldeado forma el respaldo, el asiento y las patas
delanteras, mientras que las patas traseras están formadas por un tubular de aluminio
atornillado para posibilitar el desmontaje por separado de las piezas. También podemos
destacar la silla La Marie y el sillón Dr. No.
Otro diseñador cuya carrera profesional arrancó en los 80 fue Jasper Morrison. La
fama le llegó incluso antes de terminar los estudios gracias a la silla Laundry Box. Presentó en
Berlín una habitación de madera amueblada con dos sillas, una mesa y tres botellas verdes que
sorprendió por su austeridad extrema.

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En sus inicios se centró prioritariamente en el diseño de muebles, peculiares por lograr

transmitir calidez a sus líneas minimal. Posteriormente diversificó sus productos para marcas
de primera línea como Alessi o Capellini, destacando su funcional y ecológico diseño del
tranvía de Hannover Tram.
Destaca su búsqueda de simplicidad y su voluntad de diseñar con honestidad para el

gran público. Una de sus mejores virtudes es reducir los objetos a lo esencial: funcionalidad,
buenos materiales y calidad estética.
También podemos hablar sobre James Irvine. Sus elegantes muebles alcanzan una
gran presencialidad a través de líneas minimalistas.
El diseño de los años 90 abandonó progresivamente los valores epidérmicos de la

década anterior. El humor y el juego permanecieron como valores, pero no como expresión del
desenfado y la frivolidad, sino como vínculos emocionales interactivos entre los objetos y los
usuarios. Se buscó que los productos emocionasen, dramatizasen el tiempo e hiciesen sonreír
como los relojes Joe Boxer, diseñados por Tucker Viemeister.
Los diseños de los hermanos Fernando y Humberto Campana transmiten esta calidad
emocional que tiende a incrementarse en una parte significativa del diseño del final del
milenio. Buscan un diseño que se mire en la cultura de su lugar de origen, pero que disponga,
como ellos mismos afirman, de “una mentalidad universal”. Parten de la recuperación del
desecho industrial. Destacamos la silla Favela y la silla Vermelha.
Los productos vanguardistas de los hermanos Campana tienen una fusión de formas
étnicas y estética contemporánea, una síntesis entre las innovaciones ténicas y la metodología
artesanal.
En sus productos, Karim Radish recoge algunas de las características más significativas
del diseño doméstico en el cambio de milenio. Su cubo de basura Garbo es un ejemplo de
“objeto desestresante” que conjuga valores comunicativos y funcionales: un polímero
traslúcido con el que está realizado confiere optimismo a la amabilidad de sus formas
orgánicas; el doble fondo con el interior redondeado facilita su limpieza al eliminar los ángulos
rectos. El resurgimiento de estas formas orgánicas recibe el nombre de Blobism según éste.
Las formas orgánicas están presentes también en los diseños de George J. Sowden., así
como de Ross Lovegrove. Éste último trabajó para Frogdesign participando en proyectos como
Walkman para Sony y los ordenadores de Apple. Uno de sus principios es “la forma sigue a la
emoción”, su producción reúne tecnología y emotividad.
Jam Design, Droog Design y snowcrash son tres grupos que, desde planteamientos y
sensibilidades diferentes, han demostrado en los últimos años una innovadora creatividad
conceptual. Los dos primeros coinciden, además, en su interés por inventar nuevos usos para
objetos y elementos que existían previamente.
La compañía Jam Design & communications fue fundada por Jamie Anley y Astrid Zala.
Desde su primer proyecto ¡, consistente en la utilización de película de cine desechada para

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realizar lámparas, ésta compañía ha destacado por la reutilización de objetos. Destacamos su

Robostacker, una unidad de almacenamiento construida por tambores de lavadoras.
Por otro lado, Droog Design nació en Amsterdam, dentro del ámbito de la cultura
underground. La finalidad de esta asociación es difundir los trabajos de los jóvenes
diseñadores que tienen en común ascetismo formal. Reduce a modo radical los aspectos
formales y decorativos en un pos de objetos esenciales, realizados con materiales pobres que
atraen por su extrema austeridad estética. Uno de los objetos más destacados es la cajonera
de Tejo Remy You can Lay Down Your Dreams, concebida como una pila de viejos cajones, cada
uno diferente, que habían sido recogidos de la calle y unidos por una banda de cuero.
En 1997, los diseñadores finlandeses Ikka Suppanen, Timo Ssalli y los miembros del
grupo Valvomo presentaon trabajo en la feria del mueble bajo el nombre de Snowcrash.
Compartían el deseo de romper con la imagen estereotipada del diseño nórdico mediante la
realización de productos vanguardistas que sintonizasen con el espíritu de la “era de la red”.
Podemos destacar la lámpara de pie Globlow, la tumbona Chip Lounger y Bouloum, así como la
silla Airbag. Todos estos productos albergan una solidez conceptual que se resuelve en formas
puras y simples, elaboradas con nuevos materiales de los que se hace un uso restrictivo. Poco
después la marca snowcrash es adquirida por Proventus AB y se trasladó a Estocolmo.
La sobriedad formal y el uso frugal de los materiales que muestran estos grupos se
traducen en nuevo funcionalismo cuyas piezas son sencillas, pequeñas, personalizadas,
divertidas, fáciles de hacer y con apariencia útil, aunque obtenidas con la ayuda de un
progreso tecnológico que permite un mayor grado de libertad en el ciclo productivo.
Al margen de las tendencias apuntadas, el concepto estrella en los últimos años del
siglo XX y durante los primeros del XXI es el de globalización: las empresas, en especial, las
grandes corporaciones, emprendieron en los años 90 proyectos encaminados a transmitir una
imagen más global. No se trata de producir productos estandarizados que pueden configurarse
de modo flexible para ofrecer gran variedad de formas y satisfacer múltiples necesidades.
DISEÑO E INNOVACIÓN TECNOLÓGICA.
A lo largo de la década de los 90 hay un gran desarrollo en los trenes de alta velocidad,
siendo unos de los proyectos más emblemáticos de la ingeniería. En el ámbito del hogar se
produce un gran número de innovaciones sobretodo en el sector del electrodoméstico
(aunque en las lavadoras observamos pocos cambios, aunque podemos destacar el modelo
Titán, con un tambor de plástico extraíble que puede usarse como cesto para la ropa sucia). Es
en las aspiradoras donde hay un gran cambio. Destaca el modelo ideado por Dyson, donde no
hay bolsa.
Las novedades introducidas en el sector electrónico han sido muy significativas. Los
aparatos de televisión son destacables, primero, la pantalla Triniton de Sony, más tarde, llegan
las pantallas planas y las de plasma, que se colgaban en la pared haciéndose pasar por un
cuadro minimalista. David Lewis cambió la apariencia de alta fidelidad con sus sitema

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integrado Biosystem. Diseñó en la segunda mitad de los 90 el BeoSound. El Beosound 1

presenta un rejilla frontal de aluminio anodizado que describe un suave arco que se estrecha
en los bordes y se ensancha en el centro para dar cabida a los altavoces y a los mecanismos
electrónicos de la radio y el reproductor de CD.
En 1996, Nokia lanzó su Nokia 9000 communicator, el primer móvil de comunicación

global que reunía voz, acceso a fax, a Internet y correo SMS.
En los próximos años, el avance tecnológico se aceleró. Destacamos a Apple, que no

nos deja de sorprender con sus productos novedosos, como la llegada del iMac, iBook, iPod
etc. También aparece el sistema MP3, para comprimir música.

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DISEÑO ESPAÑOL
No encontramos en una época en la que la industria nacional se encuentra en

condiciones de inferioridad con respecto a la extranjera: importamos mucho pero no
exportamos nada o casi nada. Estos años de escasez no se recuperaron hasta los años 50. El
retraso del producto español se observa en las grandes exposiciones que van teniendo lugar a
partir de la segunda mitad del siglo XIX.
LOS PRIMEROS SIGNOS DEL DISEÑO INDUSTRIAL. DESDE EL CAMBIO DE

SIGLO HASTA LA GUERRA CIVIL.
La exposición universal de Barcelona de 1888 comenzó sin embargo a ofrecer signos de

cambio, puesto que participaron un gran número de empresas y se ofrecieron muestras
significativas de lo que en esos momentos se hacía en el país. Sin embargo, el resultado no fue
tan bueno como se esperó, ya que los productos que se presentaron se eligieron en vista al
pasado, y se vio que la industria nacional tenía mucho que aprender.
El Palacio de la Industria que albergó el grueso de la Exposición no se aproximaba a los

edificios progresistas de otras muestras internacionales. Sin embargo, en la misma exposición,
el Café-Restaurante de Lluis Domènech nos remite a nuevos planteamientos. El edificio no se
llegó a utilizar para el fin previsto. Dispuesto a ofrecer un uso práctico, Lluis Domènech
estableció allí el Castell dels tres dragons, un taller de artes aplicadas que suministró gran
número de objetos para las construcciones arquitectónicas del momento. Se trabajó el bronce,
la forja de hierro, terracotas, mobiliario o vidrio.
Otros arquitectos como Joseph Puig y Antonio Gaudí se interesaron por las actividades
vinculadas al arte y la industria. En el caso del modernismo catalán, los arquitectos trabajaban
para la burguesía, pero aparte realizaban sus propias obras. Gaspar Homar fue el más
destacado artífice modernista en el campo del mueble.
El modernismo consiguió que se revalorizase el mundo del objeto de uso. Los

empresarios catalanes veían necesario un cambio formal al tiempo que buscaban la
competitividad de los mismos. El movimiento modernista contribuyó a que se revalorizasen las
artes aplicadas y a que se promocionase su enseñanza. Una de las consecuencias más
significativas fue la creación del FAD en el año 1903.
El FAD nació como una alternativa nacionalista para apoyar a los gremios, que aunque
tuvo continuos problemas económicos debido a su independencia, consiguió ser una auténtica
referencia internacional. Los objetos del FAD eran similares a los de Artes y Oficios, pero
incorporando otras actividades como la fotografía o el diseño industrial.

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También se dio un impulso de empresas tecnológicas en España, como la creación de

la Hispano-Suiza en Barcelona, una fábrica de automóviles. Los modelos más destacados son el
T-20 y el Alfonso XIII. Este último fue uno de los primeros deportivos comercializados de
sistema biplaza, el cual tiene una gran preocupación estética que se observa sobre todo en las
ruedas, con líneas redondeadas y protección de faros.
La expansión de la empresa se hace a partir de 1911, cuando abre una sucursal en las
afueras de París. Tras el desarrollo modernista en Cataluña, otros de los grandes estilos
internacionales, el Art Déco, hace su aparición en España, teniendo a Santiago Marco como
uno de sus principales representantes. Por otro lado, el FAD, había abierto un concurso de
mobiliario y decoración para el hogar sencillo.
En 1925 tiene lugar la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París. El stand

del FAD se situaba bajo una cúpula con decoración en forma de rayos de sol, y parecía
presidirlo una escultura de Josep Clará. A su alrededor, obras de arte y objetos de mobiliario,
algunos de ellos con referencias al estilo Decó que se había venido produciendo en París. Éste
estilo se va apreciando en Cataluña.
La experiencia Decó se deja sentir en otros muchos campos, especialmente en el

diseño gráfico, en el cual Rafael Penagos nos transmite sus reflejos de la vida moderna a través
de imágenes sofisticadas. Es autor de diversas series donde nos presenta a mujeres en
reuniones sociales o practicando diversos deportes.
A través de otra exposición, la Universal de Barcelona celebrada en 1929, pudieron

observarse los caminos diferentes que recorrían tanto la arquitectura como el diseño de la
época. Destacamos la silla Barcelona, de Mies van de Rohe, cuyo diseño fue de gran interés
para los jóvenes arquitectos españoles del momento.
En nuestro país se comienza a observar un interés hacia el racionalismo. Fue en 1930

cuando se creó el grupo de arquitectos y técnicos españoles para el progreso de la
arquitectura contemporánea (GATEPAC). Contó con tres subagrupaciones: La central, de
Madrid, y la Este (GATCPAC, la catalana). Esta última tuvo como figuras a Joseph Lluís Sert y
Josep Torres Clavé. Ambos eran unos activos arquitectos recién titulados que apostaron por la
renovación en la arquitectura. Los grupos Centro y Norte fueron menos compactos que el
catalán, aunque no por ello dejaron de ofrecer planteamientos interesantes.
La GATEPAC significó un primer paso hacia la racionalización del diseño español. El

mueble se encuentra en más contacto directo con el individuo. Otro de los hitos del diseño de
la preguerra lo constituye la empresa madrileña Rolaco, con el objetivo de fabricar muebles
metálicos. Esta última sociedad se había interesado por la producción del mobiliario
bauhausiano de acero, tras conocer su técnica en la misma Alemania.

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TRAS LA GUERRA CIVIL. UN LENTO PROCESO.
La guerra civil puso un freno a las expectativas creadas por las agrupaciones y
arquitectos citados. Muchas de las personalidades vinculadas a los campos de creación
tuvieron que frenar sus propuestas n el marco de la dura posguerra, o salieron de España. Éste
fue el caso de Aantoni Bonet, el cual creó la silla BKF.
En plena contienda hubo dos exposiciones en el exterior (una en París y otra en

Venecia), en las que el pabellón español fue inolvidable precisamente por el conjunto de obras
artísticas que presentaba, como el Guernica de Picasso.
Significativamente, en 1976, al año siguiente de morir Franco, se hizo una parcial

reconstrucción del pabellón en la Bienal de Venecia, en una exposición que se organizó al
margen del gobierno y que estuvo dirigida por Tomás Llorens y Valeriano Bozal, entre otros.
La posguerra española fue muy larga y la situación muy dura para los exhaustos
ciudadanos. La industria tardaba en recuperarse y con ella el diseño que acompañaba a la
bonanza tecnológica. Las actividades plásticas experimentaron algún movimiento a través de la
Academia Breve de Crítica de Arte, creada por Eugenio d’Ors ya en el temprano 1941. A finales
de la década, la aparición de grupos como Dau al Set en Barcelona o la escuela de Altamira en
Santander, fueron poniendo pequeños parches en el desértico ambiente cultural.
La creación en Barcelona del Grupo R fue uno de los hechos más significativos del año
1951. El primer equipo directivo de la R estuvo presidido por Josep Pratmarsó, contando con la
presencia de Oriol Bohigas, Joaquim Gili, Antonio de Moragas, etc. Su primera exposición fue
en 1952, en las Galerías Laietanas de Barcelona, y no fue la única, sino que hubo más
exposiciones. Se disolvió en 1958.
En la tecnología y el diseño también hay un gran avance durante estos años, como el
caso de Wilfredo Ricart. Éste había trabajo en diseños de automóviles antes de la guerra. Fue
en 1945 cuando se traslada desde Italia a España, en un momento en el que la economía de
nuestro país se encontraba en plena etapa autárquica. Ricart aceptó el reto de sacar adelante
una empresa que en principio debía dedicarse especialmente a la construcción de camiones y
y tractores, además de otras tecnologías para el campo civil y militar.
Por otra parte, en 1950 funcionaría con perfecta normalidad el Talgo, tren articulado
ligero Goicoeche Oriol). Ofrecía gran estabilidad, velocidades altas y buen grado de confort.
Sus coches eran fabricados de aluminio, lo que hacía que fueran muy ligeros. El Talgo fue una
de esas excepciones en el que el desarrollo tecnológico de nuestro país sirvió para crear una
equívoca aureola de progreso.
En otros lugares, puntuales experiencias de personalidades imaginativas dabansus

frutos a través de artefactos de menor complicación tecnológica pero de grandes
implicaciones en el día a día.
El año 1957 será muy importantes para el campo crativo en España: el arte y el diseño
comienzan a mostrarse como actividades emergentes. Se crearon diferentes grupos, como El

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Paso, Equipo 57, en Madrid el SEDI y en Barcelona el IDIB. El IDIB tuvo su origen en las
inquietudes de un grupo de arquitectos encabezado por Moragas y surgió en una reunión
convocada por el grupo R. La cosa fue que el instituto no se pudo formar ya que no se
consiguieron los correspondientes permisos. La notica llegó hasta André Ricard, que
individualmente se había acercado al campo del diseño industrial y buscaba interlocutores
activos. Éste comprendía la necesidad del desarrollo del diseño como factor de crecimiento del
país. El resultado de la creación fue el ADI FAD.
En 1961, el AID FAD crearía los premios delta de diseño industrial, los más prestigiosos
del país. El año de su creación coincide también con el periodo en el que la economía española
comienza a desarrollarse. El ADI FAD constituyó un excelente referente para el diseño catalán.
Además, se comienzan a potenciar escuelas de diseño, como el FAD.
Es en este contexto donde debemos situar las realizaciones prácticas de los primeros
diseñadores industriales a los que llamamos pioneros: profesionales que participan en el
nacimiento de esta actividad a partir de finales de los 50. Podemos destacar a André Ricar,
Rafael Marquina y Miguel Milá.
Miguel Milá es uno de los maestros del funcionalismo. Sus diseños, racionales y
austeros, adoptan formas simples y lógicas, como su lámpara TMC. Usa líneas y formas
sencillas y funcionales. En sus trabajos para el metro de Barcelona podemos ver su faceta
como diseñador de interiores, pues le interesa, no solo el objeto aislado, sino el conjunto en sí.
André Ricard es muy probablemente la persona que más ha contribuido a la

especialización del diseño en nuestro país. Sus contactos con personajes como Loewy hicieron
que empezara a conocerse en España lo que se hacía en el exterior, aunque él personalmente
no siguió los planteamientos de aquel diseñador estilista, sino que se haya más cercano al
diseño de los países nórdicos. Ha elaborado objetos muy diversos para Puig, desde envases de
baño hasta los más sofisticados frascos de perfumes, como el de Agua Brava.
En estos momentos de emergencia del diseño en nuestro país se crearon algunos

objetos que han perdurado hasta nuestros días. En los años 60 se produjeron algunas piezas
de diseño industrial significativas de la historia de la disciplina en España.
HACIA LA DIFÍCIL CONSOLIDACIÓN. LOS AÑOS 70.
La década de los 70 se inició con un gran acontecimiento para el diseño español: a

celebración en Ibiza del VIII congreso del ICSID. La isla fue el lugar idóneo para esa reunión que
tuvo también carácter lúdico, potenciado por el espacio y las actividades que allí también se
desarrollaron. Para ello, se creó la estructura hinchable Instant City a fin de alojar a los
estudiantes. Era una bóveda de plástico con múltiples ramificaciones, construida por sus
propios habitantes, a quienes se les daban los medios necesarios para su confección. Fue un
elemento lúdico.

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Se vivieron jornadas en la naturaleza, cuya dinámica, como ya hemos dicho, algunos no

entendieron. Otro acontecimiento significativo en los inicios de la década fue la aparición de la
revista Temas De Diseño, dedicada enteramente al diseño industrial.
En 1972 se funda BD, empresa editora de diseño, que saca a la calle piezas de sus
propios socios y de otros creadores de planteamientos afines. Durante esta década comienza a
destacar una nueva generación de diseñadores que podríamos llamar la generación
intermedia. Aquí podemos destacar a Óscar Tusquets, cuyas creaciones son de gran renombre,
como el banco Catalano o el Fustano.
En los años 70 comienzan a darse una serie de productos poco habituales dentro de
nuestro diseño, vinculados con la ingeniería a través sobre todo del pequeño
electrodoméstico. En Valencia comienzan a formarse algunos grupos de diseñadores para
intentar unir esfuerzos ante un ambiente todavía hostil y cerrado. Personas jóvenes formadas
en la escuela de Artes Y Oficios.
DESDE LOS 80.
La situación económica se presentaba con mejores perspectivas. El diseño comenzaba

a ser considerado como un factor de modernidad, elemento que podía añadir un plus de
competitividad para los productos españoles. Se convierte en una profesión cada vez más
alejada del voluntarismo pionero y de los arquitectos con vocación de hacedores de objetos.
En 1984 se crea la revista De Diseño. El diseño industrial se convierte en un boom, sin

embargo, es contemplado con preocupación por los diseñadores más veteranos, que temen su
frivolización.
Uno de los más destacados del diseño español en los 80 es Javier Mariscal, el cual
contribuyó, sin duda, a la difusión de esta disciplina tanto dentro como fuera de las fronteras
de nuestro país. Es valenciano. Se movía dentro de un ámbito formalista, haciendo objetos
eclécticos que en muchas ocasiones se relacionan con la estética del comic. Ha intervenido en
múltiples sectores, como el textil, diseño de objetos y de mobiliario.
En Valencia se forma La Nave. Los componentes de este particular estudio trabajan por
separado, o en todo caso se respetaban grupos reducidos. En esta ciudad se produce un
diseño sobrio, que tiene como máximo exponente a Vincent Martínez. Su actividad
profesional se inicia a través de la vertiente artesano-pictórica. Se dedica al diseño gráfico y
más tarde al del mueble, faceta en la que interviene no sólo desde la dimensión creativa, sino
también desde la empresarial.
En 1984, se crea el DZ en Bilbao, centro de diseño con amplio objetivo de promocionar

el diseño industrial, prestar servicios a empresas y contribuir a la formación de diseñadores.
A fines de los 90 se puede dar por clausurada la polémica en torno a la necesidad del
diseño. En los 90 comenzaron los hitos de la Olimpiada de Barcelona y la Expo de Sevilla,

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acontecimientos fundamentales para el diseño, pues fueron el escenario adecuado para

mostrar el grado de creatividad y avance tecnológico al que se había llegado en nuestro país. El
diseño de los 90 fue más serio, menos dado a los excesos formales. Sobreviven las empresas
que pueden presentar unos productos asequibles y susceptibles de encajar en las casas.
Pasado el año 92, el diseño español experimenta un proceso de normalización.

Durante esta última década los diseñadores han estado sometidos a una menor presión, en el
sentido de que ya no se les reclama la novedad por la novedad, y sí ajustase a la lógica del
producto, lo que por otra parte resulta más difícil.
Durante estos años el mueble sigue siendo el elemento de referencia de la creatividad

de nuestro país. El volumen del negocio y el número de diseñadores que se dedican al
mobiliario siguen ocupando, con diferencia, el primer lugar en España.

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TEMA 1: DESARROLLOS NACIONALES HASTA LA

DECADA DE LOS 80.
Debido al avance de la comunicación entre diferentes países podemos ver como la

creación puede tender a uniformarse, pero debido a que algunos países la tradición del diseño
era fuerte, se siguen conservando una serie de características que nos permiten hablar de
diseño escandinavo, italiano, alemán, etc.
FUNDAMENTOS IDEOLÓGICOS DEL FUNCIONALISMO RACIONALISTA.
Las principales tesis del funcionalismo surgen de la confluencia de tres elementos: la

consolidación del proceso de industrialización, el auge del racionalismo positivista y la herencia
de la ética de la austeridad.
La máquina se convierte en un símbolo de progreso. Además, el funcionalismo

reivindica la téchne clásica (conjunto de conocimientos cuya finalidad es sobretodo práctica).
Éste impone a la arquitectura y al diseño las mismas restricciones que el positivismo puso
desde principios del siglo XX (prescindimos de las funciones ornamentales y simbólicas para
centrarnos las funciones primarias, indicativas y mecánicas).
Su ideología tiene unos claros rasgos platónicos, como el rechazo del sensualismo de
fácil gratificación en favor de un intelectualismo de tinte ascético; y la tendencia a la forma
pura, perfecta, que deriva de las formas geométricas (simplicidad formal).
Generalmente, entre los factores que ayudaron a la consolidación del funcionalismo

racionalista están los museos (capaces de generar corrientes de opinión a favor o en contra de
diferentes tendencias), como el Design Museum de Londres, las iniciativas gubernamentales,
así como las multinacionales (ya que el funcionalismo encarnaba a la perfección los ideales de
racionalidad). Estas últimas experimentaron una gran expansión debido a dos factores:
Político, debido a que el nuevo escenario internacional necesitaba crear lazos entre los
diferentes países aliados frente al comunismo; Económico: ya que la propia dinámica del
capitalismo tiende a la concentración del capital para afrontar la competencia con mayores
recursos.

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ESTADOS UNIDOS.
Mientras que la Primera Guerra Mundial convierte al territorio europeo en un gran

escenario bélico que acabaría arrasado, Estados Unidos se convierte en una economía
emergente. Al finalizar la contienda la gente comienza a pedir una serie de productos que en
Europa no empiezan a consumirse hasta finales de los años 50, por lo que aparece la primera
generación de creadores, donde podemos destacar a Russel Wright (no aborda sus diseños
dentro del Styling, sino que sus creaciones gozan de una mayor funcionalidad y simplicidad
formal. Destacó en su creación objetos domésticos, que además ponía al alcance de la clase
media con precios asequibles (Con su línea Modern Living)), Henry Dreyfuss o Raymond Loewy.
Se interesan por el aspecto exterior del producto, por lo que inician la profesión de diseñador
industrial en Estados Unidos, teniendo mayor auge en el periodo de entreguerras.
Pero su etapa de mayor esplendor va quedando atrás, aunque todavía la situación era
mucho mejor que en Europa. Pero con el ascenso del nacionalsocialismo en Alemania, muchos
diseñadores europeos encuentran acogida en Estados Unidos (como Gropius o Mies Van der
Rohe, antiguos maestros de la Bauhaus).
Comienza la recepción del movimiento Moderno. Se comienza a elaborar un concepto

de producto, con el Good Design, el cual se opone a la ornamentación de los productos
domésticos, como el formalismo del Styling. La difusión de estas ideas fue llevada a cabo sobre
todo gracias a la actividad del Museoum of Modern Art de Nueva York.
En el campo del mueble, las productoras más importantes son Knoll Associates Inc. y
Herman Miller. La primera, creada en 1937 siendo sus propietarios Hans y Florence Knoll,
comienzan a reeditar en los años 50 los muebles delos maestros de la Bauhaus. Florence Knoll
destaca en el diseño de muebles de oficina y despachos, convirtiéndose en uno de los
principales artífices del “estilo guinga” (donde destaca la comodidad, brillantez, orden,
higiene, sin ornamentos, etc.). La segunda, dirigida por George Nelson, el cual creó el proyecto
“Action Office”, un conjunto de muebles de oficina, adaptables y flexibles.
Con la Segunda Guerra Mundial las multinacionales tienen la necesidad de desarrollar

una imagen corporativa coherente. Una identidad sólida y diferenciada que constituirá la
mejor cobertura para los productos globales de estas corporaciones. Este proceso de creación
de identidad corporativa se puede ver con el desarrollo de IBM.
Eliot Noyes (conocido también por su máquina de escribir Selectric, con la cual se
podían utilizar diferentes tipos de letras) fue encargado para ser director de diseño y para
llevar a cabo el programa de creación de la imagen corporativa. Para ello busca asesoramiento
de antiguos miembros de la Bauhaus y también contó con la colaboración de impulsores del
“Good Design”.

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Jhon Heskett señala que el mayor problema para la búsqueda de identidad corporativa
es la confusión entre imagen (lo que le permite a los clientes reconocer fácilmente a la
empresa) e identidad (como llega esa imagen a los clientes).
Con respecto al transporte, se abandona el ferrocarril por el avión y las grandes

autopistas. Aunque en la postguerra, los diseñadores se centraban sobretodo en el diseño de
pequeños electrodomésticos, como televisores portátiles, la Polaroid, etc. También aparecen
nuevos productos de uso cotidiano como el Post-it, Note o los recipientes Tupperware.
PAÍSES ESCANDINAVOS
Debido a la escasez de recursos y a la necesidad de elaborar sus propias herramientas

están en el origen del artesanado, lo cual se prolonga hasta la Segunda Guerra Mundial y
proporciona un gran desarrollo industrial al sector del mueble, vidrio y diseño textil.
El desarrollo en el entorno del mueble es debido sobre todo a su clima, lo cual hacía
que apareciera la necesidad de tener un entorno vital agradable y cómodo. Los primeros
materiales que se usaban era la madera (abedul), la teca y el contrachapado.
En Escandinavia se mantenían una serie de consideraciones ecológicas debido a su

entorno, que además caracterizan su diseño. Una de las características más importantes es la
armonía, el equilibrio entre las partes, además de su sencillez y sobriedad. Las características
principales de sus muebles eran: La pureza de la línea, la ausencia de decoración y la
perfección en el acabado, además de formas suaves y ángulos redondeados (funcionalismo
curvilíneo).
Debido a las influencias de la ética protestante, el diseño escandinavo tiene una

responsabilidad social.
Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de diseñadores, que
sin abandonar su compromiso social (crear objetos funcionales y bellos a bajo coste) dotan a
sus objetos de hogar una gran calidad formal. Una de las figuras destacables más destacables
es Arne Jacobsen. Estuvo influido por el funcionalismo racionalista en sus inicios, pero con el
tiempo va centrándose en las formas orgánicas. Son destacables su silla hormiga y su silla egg,
las cuales fueron creadas (aparte de otras) para su proyecto más importante, la terminal aérea
y el Royal Hotel de Copenhague.
Con el tiempo el diseño escandinavo va alcanzando fama en otros países europeos

conquistando múltiples galardones, como las Trienales de Milán.
Por lo general la madera seguí siendo el material principal. Los nuevos lenguajes
expresivos de los años 60 y 70 estuvieron presentes, pero los diseñadores se centraban más
bien en la funcionalidad que en el estilo de sus creaciones. Más adelante, Jan Dranger y Johan
Huldt comienzan a comercializar sus diseños de forma anónima, muebles duraderos, fáciles de

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montar y económicos, los cuales empiezan a venderse en tiendas como IKEA (el bajo precio del
producto se debía sobre todo a que eran fáciles de montar por el cliente).
El diseño en Escandinavia comienza a cambiar. La silla Concrete del sueco Jonas Bohlin
(hecha de hormigón y tubos de acero) supuso la carta de presentación del diseño
postmoderno en Escandinavia. Sin embargo, ni siquiera en la década de los 80, el
postmodernismo acaba de asentarse.
El vidrio también alcanza un gran desarrollo, pero a diferencia del mueble, los procesos
industriales conviven con los artesanales, alcanzando un gran reconocimiento internacional.
Cabe destacar al finlandés Tapio Wirkkala. Era un diseñador polifacético (muebles, envases,
diseño gráfico, etc.) que buscaba nuevas técnicas. Sus creaciones estaban inspiradas en la
naturaleza, aunque también incorporaba formas orgánicas y geométricas. Sus diseños son
elegantes, de bordes irregulares con texturas en bajorrelieveEra un diseñador polifacético
(muebles, envases, diseño gráfico, etc.)
El espíritu funcional también lo observamos en el campo del automóvil (automóviles

de Saab). El primero en fabricarse fue el Saab 92, considerado el coche del pueblo (con líneas
aerodinámicas y futuristas), además del Saab 96 y Saab 92, pasando más tarde a la producción
de coches de lujo. Muchos de estos modelos fueron creados por Sixten Sason, pero también
diseñó numerosos electrodomésticos, máquinas de coser y múltiples bienes de consumo.
El diseño escandinavo también ha estado presente en el sector de las comunicaciones, sobre

todo a través de las empresas Nokia (comercializó el primero teléfono portátil del mundo) y
Ericsson. A través de la creación de diferentes modelos de teléfonos.
ALEMANIA Y LA “GUTE FORM”. LA ESCUELA DE ULM.
Fueron sobre todo los países vencidos en la Segunda Guerra Mundial los que utilizaron
la disciplina del diseño como vía para un desarrollo industrial.
Alemania había quedado marcada por la experiencia de la Bauhaus, por lo que se

pretende seguir en la línea del funcionalismo racional. Con esa intención, Inge Scholl crea la
escuela superior de diseño HfG en la ciudad de Ulm. Max Bill, un ex alumno de la Bauhaus fue
su primer rector. A su juicio, el diseño no debe renunciar a las bellas formas siempre que sean
honestas, no como un maquillaje para aumentar las ventas.
Sin embargo, pronto surge un desacuerdo entre los diferentes profesores más jóvenes
de la escuela, que comienzan a discutir sobre la “Gute form”, Buen diseño, movimiento
apoyado por críticos, industriales, artistas, etc, como fenómeno cultural.
Tras la dimisión de Max Bill, entramos en una nueva etapa con una orientación técnica
y racional. Tomás Maldonado fue el encargado en poner en práctica los nuevos presupuestos
del racionalismo alemán solicitados por la emergente industria del país. Cambia el plan de

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estudios, el planteamiento didáctica, es decir, el programa de diseño industrial. El diseño de

producto se enfocó hacia una producción industrial, dejando al lado todo proyecto artesanal.
La HfG se propuso ofrecer una alternativa al Styling americano. Se pretendía crear

productos de líneas austeras y bellas. Se buscaba además un diseño práctico, seguro, de larga
duración, alta cualidad formal, etc.
El centro cerró en 1968 debido a diferentes factores. Uno de ellos fue su desastrosa
situación financiera además del despego que se extendió entre los estudiantes al constatar la
negativa de los directivos de la Escuela a asumir cualquiera de las críticas al funcionalismo.
Pero nominalmente la escuela siguió existiendo, perdiendo su autonomía al subordinarse a la
tutela de la Universidad de Stuttgart. Ahí fue cuando firmó su propia sentencia de muerte,
pasándose a llamar “Instituto para el Diseño Ambiental”.
Entre los productos más significativos cabe destacar la vajilla TC100, pero lo más
significativo de la escuela de Ulm fue la colaboración que se estableció con la firma Braun,
empresa que marcó un hito dentro del diseño alemán. Erwin y Arthur Braun encontraron en la
escuela un ideario funcionalista coincidente con el suyo propio: utilidad del producto,
seguridad y duración. Fabricaron un gran número de electrodomésticos de todo tipo.
También podemos destacar a Raymond Loewy, en concreto por sus aparatos de radio,
a Wilhelm Wagenfeld con su salero/pimentero Max y Moritz. Dieter Rams también colabora
con Braun, que junto con Gugelot elaboró algunos proyectos como el radiogramófono SK4.
Rams ve en la técnica la posibilidad de mejorar las condiciones de vida de la gente. Considera
las máquinas como mayordomos silenciosos. Sus diseños son armónicos, guiados por los
criterios de máxima utilidad y durabilidad del producto. Con éste se consolida la unformidad
del estilo Braun.
Por otro lado nos encontramos con Richard Sapper, cuya trayectoria presenta una
magnífica síntesis del racionalismo alemán con la sensibilidad estética italiana. Cabe destacar
su lámpara Tizio, que se convertiría en un objeto de culto por su aire vaguarista, elegante y
minimal.
ITALIA Y EL “BEL DESIGN”.
Se suele decir que el diseño italiano basa su éxito en dos pilares. Por una parte,
tenemos un empresario que confió muy pronto en el diseño como vía de mejora de la
competitividad de sus productos, como es el caso de Olivetti. Olivetti solía establecer con los
diseñadores contratos a tiempo parcial o para la realización de proyectos concretos con la
finalidad de evitar su acomodamiento, facilitar su apertura a una realidad cambiante. Las
aportaciones creativas de los diseñadores que trabajaron para ella reforzaron la identidad de
la empresa. Es la corporación líder en el mundo occidental en el campo del diseño.
Otras empresas también realizan aportaciones imprescindibles, como la productora de

muebles Casina con su serie Mestros. Destaca la calidad de sus creativos; especialmente el de

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los arquitectos, los cuales estuvieron presentes en todos los campos del diseño, menos en la
locomoción. En Italia, el diseño del producto estuvo ligado a ellos ya que les permitía estar en
contacto con los usuarios y les daba una vía para que su imaginación pudiera materializarse
con mayor facilidad y libertad.
En los años 30, grupos como MIAR introducen en Italia las ideas racionalistas que
defienden la simplicidad de los objetos y apuestas por la reducción de la ornamentación.
El sector del automóvil tuvo bastante importancia dentro del diseño italiano. Fiat lanzó
el primero coche de precio asequible, el Balilla 508.
El diseño italiano, a diferencia del nórdico no ha tenido una vocación social, es más, a
menudo ha sido pensado y producido para la clase acomodada y urbana. Dado que este
segmento de la población italiana era minoritario, la producción vinculada al diseño era escasa
y enfocada a la exportación. Sin embargo, tras la Segunda Guerra Mundial se busca una
democratización en el producto, es decir, ponerlos al alcance de la mayoría. Nacen dos líneas
de productos, la económica y la lujosa. En el sector del automóvil se lanza La Vespa, línea
económica, de d’Ascanio. Tenía un aspecto aerodinámico permitiendo al usuario una
conducción segura además de cómoda en posición sentada.
En otros sectores, como en el mueble también se aprecian estas dos líneas. Se

necesitaban muebles baratos, funcionales y bellos para amueblar 15 millones de habitaciones
que preveían los proyectos de reconstrucción. En los primeros años de postguerra, el ingenio
de los diseñadores se enfrentaban a realizar esto con la ausencia de recursos.
En la década de los 50, al mismo tiempo que la importación de materiales y

tecnologías avanzadas, permitía la creación de objetos y formas novedosas, se asentó a la
figura del diseñador como intermediario cultural entre la tradición y la técnica, entre el usuario
y la industria. Cabe destacar la silla Superleggera de Gió Ponti, el sillón-sofá P 40 de Borsani o
el sofá-cama de Zanuso. Trataron de alcanzar el ideal del buen diseño conjugando las
motivaciones estéticas con la necesaria protección del núcleo del objeto y la claridad/facilidad
de uso.
En cuanto a innovación de materiales, los diseñadores italianos se interesan por el

plástico, sin embargo, confirieron a este material una dignidad industrial propia y
contribuyeron a borrar su antigua imagen de sustitutivo barato. La empresa Kartell se
caracteriza por dotar de belleza a sus productos elaborados con plástico. La mayoría de los
diseños italianos influidos por el lenguaje pop incorporan este material (sillas Selene).
Carlo Mollino sorprendió a mediados de siglo XX por su fantasía rica y sensual. Algunos
ven en sus formas orgánicas influencias de Gaudí, mientras que otros pensaban que sus curvas
caracterizaban un nuevo estilo, “surrealismo aerodinámico”. Cabe destacar su mesa Arabesca.
En los años 60 y 70 el diseño italiano logró consolidar un estilo propio capaz de

arrebatar la primacía del diseño escandinavo. Los diseñadores italianos no solo habían lanzado
su consagración internacional, sino que ayudaban a otras industrias, como la alemana y
japonesa a expandir sus mercados.

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TEMA 2: DESENFADO Y
HETERODOXIA.
El crecimiento económico de la década anterior provocó una expansión en la clase

media además de una clase obrera que halla en el consumo no sólo una fuente de
gratificación, sino también un vehículo de identificación social. Los nuevos consumidores
reclamaban sin complejos, tanto a los productos del arte como a los de la industria, una
gratificación sensual y visual inmediata.
En este nuevo paisaje social, encontrará el pop el terreno ideal para su desarrollo, que
aun habiendo nacido en Gran Bretaña, adquiere en Estados Unidos su dimensión más
significativa. Éste país busca acabar con la seriedad del expresionismo abstracto. Se potenció el
arte figurativo, y se buscó que esa figuración encontrase sus motivos en elementos de la
cotidianidad. El pop rehuyó la seriedad del arte abstracto y convirtió en motivo artístico todo
aquello que la sociedad de consumo producía de forma masiva.
Éste movimiento tuvo éxito porque se desarrolló en un lugar adecuado. En los años 60,
el pop se presenta como un arte divertido y sobre todo comprensible. Nacido de la sociedad
de consumo, el pop mantiene una actitud ambivalente hacia la misma que oscila entre la ironía
y la celebración, que varía según el autor y la obra.
En las pinturas y esculturas pop nos encontramos continuamente con imágenes de los
ídolos modernos, pero también de las comidas y bebidas propias del momento, o con los
electrodomésticos que nos acompañan en el hogar. Con igual frecuencia aparecen elementos
de cómic o imágenes publicitarias. Los recursos de la publicidad son utilizados continuamente
por los artistas, como colores planos y contrastados, además de recursos hiperfigurativos.
También se emplea reiteradamente el cuerpo de la mujer, siempre con actitudes seductoras
(por ejemplo la silla, perchero, mesa de Allen Jones).
Cabe destacar el sillón UP 5 Donna de Gaetano Pesce, acompañado con el reposapiés

esférico UP 6. Eran modelos fabricados con espuma de poliuretano y tapizados con tela de
Nailon, los cuales se empaquetaban al vacío y se vendían comprimidos en una caja de PVC, de
tal forma que cuando el consumidor lo extraía, recuperaba su forma orignal.
El pop es un fenómeno artístico más que de diseño. Tuvo más importancia dentro de la
vertiente gráfica, pero en cualquier caso envolvió la vida de los años 60. Durante algunos años
todo parecía ser pop. Algunos artistas intentaban quitarle el glamour al objeto artístico, otros
querían conseguir lo contrario. Podemos destacar el asiento infantil Spotty, así como la silla
Sacco, que se convirtió en u símbolo del desenfado de la época, por la informal manera de
sentarse que exige al usuario.
Pero no todos los objetos pop son figurativos, muchos se resuelven mediante líneas
curvas o elementos amorfos y transformables, como el conjunto Malitte. Es u conjunto

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escultórico formado por 5 piezas de espuma recortada y forrada de tela. Por separado
funcionan como asientos de formas diferentes, juntos pueden agruparse a modo de
rompecabezas.
También Ettore Sottsass reconoce la influencia del estilo pop, sobre todo en su
máquina de escribir Valentine, la cual se creó para ser utilizada en cualquier sitio menos en
una oficina, para que nadie se acordara de las horas monótonas de trabajo.
A mediados de los 60 aparece una nueva faceta artística: el op art. La exposición “The
Responsive Eye” organizada por el MOMA popularizó este estilo. Se trata de experimentar
sensaciones visuales a partir de líneas en blanco y negro, pero también en colores, que se
curvan e interrelacionas.
La historia de estos años se relaciona con los nuevos hábitos introducidos por los
jóvenes de la contracultura. El movimiento hippie nació en San Francisco, a mitad de la década
de los 60. No creó ningún estilo de diseño propio, lo cual parece lógico atendiendo a su
reivindicación de las formas de producción artesanales. La forma de vida alternativa que
buscaban los jóvenes hippies estuvo acompañada de una actitud crítica hacia el consumo.
La experimentación con drogas (como el LSD) también tuvo una gran repercusión entre
los miembros de la contracultura. Si el op buscaba producir ilusiones visuales, la psicodelia se
adentra en un universo alucinando/alucinante en el que predominan los elementos oníricos,
los colores acentuados y a menudo disonantes, además de las curvas exageradas.
Desde el punto de vista formal, recibe diversas influencias de estilos del pasado como
el Jugendstil, los simbolistas y los surrealistas. El gran protagonista del estilo psicodélico fue
Wes Wilson, en Estados Unidos, que trabajó para la promoción de salas de conciertos. No
existe una línea de productos de estilo psicodélico, pero si podemos reconocer su influencia en
producciones aisaldas como en la silla Ribbon de Pierre Paulin.
Ahora bien, el mejor diseñador que mejor representa el enfado y la heterodoxia fue
Verner Panton, el cual trabajó en el estudio de Arne Jacobsen hasta que en 1955 abrió el suyo
propio. Utilizaba los materiales más característicos de la época, como los plásticos y espuma
de poliuretano. La silla Panton se convirtió en un símbolo de la cultura pop. Fue concebida
para ser la primera silla moldeada por inyección, pero la búsqueda del material idóneo fue un
desafío durante décadas. La versión final entró a producción en serie en Vitra, hecha de
Baydur, una espuma de poliuretano de alta resistencia, lástima que a largo plazo no soportara
adecuadamente la tensión dinámica.
Curiosamente, en esta misma época impregnada de calidez emocional del movimiento

hippie, coexistió también el estilo frío y aséptico de la “era espacial”. La Unión Soviética lanzó
la primera nave espacial Sputnik I. Estados Unidos también se implicó bastante, hasta que
consiguió mandar a Neil Armstrong a la Luna. La iconografía espacial y los objetos con aires
futuristas colonizaron el entorno. Sus manifestaciones obtuvieron gran repercusión en el
mundo de la moda a través de las colecciones de André Courrèges o Paco Rabanne. Pero
también en el estilo del diseño aterrizó este estilo. Así lo demuestra el finlandés Eero Aarnio, el
máximo exponente de esta tendencia. Como muchos diseñadores escandinavos, comenzó

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construyendo muebles de forma artesanal, pero a principio de los 60 comenzó a experimentar

con materiales prásticos y fibras de vidrio. De su trabajo cabe destacar su silla globo y su Buble
Chair, similar a la anterior pero concebida para ser suspendida desde el techo.
Aarnio realizó numerosos productos de inspiración espacial pero también otros que
por su colorido y espíritu lúdico se aproximan al estilo pop, como su silla Pastilli.
Por lo general, en las creaciones del frío estilo espacial predomina el uso de los
materiales plásticos, las formas esféricas que tienden a envolverlo todo, los colores blanco y
gris, aunque también se contrastan con colores vivos como el rojo y el naranja, siendo
entonces cuando más se aprecia su proximidad estilística con el pop.
Mención especial merece la producción futurista de Joe Colombo, por su coherencia y

por la solidez de los fundamentos sobre los que se asiente su talento innovador. En “Visiona I”,
Colombo presentó la vivienda modelo 1969. Una casa en palabras de su diseñador "para“vivir
en un mundo nuevo”. En ella los muebles habituales fueron sustituidos por unidades
funcionales, con excepción de su silla 4867, además de una cocina completamente
automatizada.
El optimismo de ciencia-ficción que emanaba de la era espacial se fue disipando a

medida que la carrera espacial pasaba a un segundo plano, lastrada por las terribles cargas de
la guerra de Vietnam.

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TEMA 3: EL DISEÑO POSTMODERÑO

DE LA DECADA DE LOS 80.
La postmodernidad estética, tal como nosotros la entendemos, alcanza su máximo

esplendor en los años 80. Una vez la economía se había recuperado del desastre de la
Segunda Guerra mundial empezaron a apreciarse importantes alteraciones estructurales en las
sociedades capitalistas. Se pasó de una sociedad basada en el trabajo y en el ahorro a una
sociedad basada en la producción y en el consumo. Este cambio facilitó el abandono de la
austera sencillez del estilo funcionalista a favor de otras formas más complejas y exuberantes.
Hubo una serie de cambios ideológicos. La sociedad postmoderna se ha vuelto más

flexible, más tolerante y permisiva. Se trata de una sociedad hedonista, donde el placer se
convierte en una aspiración legítima. Esta era del vacío sin dramatismos, resulta propicia para
el auge de la moda, del humor y del esteticismo que mostrarán sus productos.
Progresivamente, en los campos del arte, de la arquitectura y del diseño se abandonan los
sueños de reforma social propios de las vanguardias históricas y militantes. Se da la espalda a
la pesadez de cualquier dogma esencialista; y lo light se convierte en un valor en alza. Es una
época de ligereza que rehúye toda profundidad en favor del deslizamiento sobre la superficie
de las cosas.
Los postmodernos no se limitaron a realizar una descalificación estética del

funcionalismo racionalista, sino que dirigieron sus críticas a sus presupuestos ideológicos. Fue
Robert Venturi uno de los primeros en analizar las deficiencias y los excesos del estilo
moderno-funcionalista-racionalista y anunciar su crisis.
La primera crítica se dirigió a la supuesta rigidez del funcionalismo racionalista. Por

otro lado, la excesiva y en ocasiones antinatural planificación urbanística, así como a las
formas esquemáticamente amoldadas a una función predeterminada. Carecen de la
complejidad vital necesaria, de la variedad. El funcionalismo racionalista no sólo no superó la
noción del estilo, sino que se convirtió en el propio de la élite intelectual y económica. La
postmodernidad reconocerá la dimensión connotativa y simbólica que la arquitectura nunca
había dejado poseer.
La arquitectura y el diseño postmodernos son eclécticos. Poseen una fresa memoria

del pasado, del cual toman numerosos préstamos. La modernidad no quería mirar hacia atrás,
el postmodernismo revisita el pasado.

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EL DISEÑO RADICAL EN MEMPHIS.
Estamos pasando una época de gran efervescencia cultural, donde los grupos aparecen
y se disuelven con insólita rapidez.
Uno de los grupos pioneros fue Studio 65, fundado en Turín en 1965, que se dedicó a la
arquitectura y al diseño experimental. En sus obras, realizadas con espuma de poliuretano, se
aprecia la influencia del pop, la estética del cómic y del lenguaje publicitario. Podemos
destacar el sillón Capitello y el perchero cactus. Estos productos fueron editados por la
productora Gufran, cuya apuesta por el diseño alternativo permitió materializar los proyectos
innovadores.
Surgido también en Turín, a mediados de los 60, el grupo Strum pertenece al ámbito
de las agrupaciones del diseño radical italiano por relación que establece entre diseño y crítica
cultural-política. Sus creaciones también recurren al lenguaje pop.
El grupo SuperStudio, fundado en 1966 por Adolfo Natalini, en Florencia, buscaba de

igual modo un camino alternativo al diseño racionalista, quería escapar de la fea cotidianidad a
la cual el pop todavía alude. Destacamos la serie de muebles Quardena.
La sociedad Archizoom fue fundada en Florencia en 1966. Este importante grupo

radical centró sus reflexiones en la cultura urbana, criticando sus reflexiones en la cultura
urbana, criticando el estado aburguesado del diseño y los hábitos consumistas de la sociedad.
Acusan al racionalismo de generalizar una arquitectura industrial cuyo máximo exponente son
el supermercado y la fábrica. Destacamos la silla AEO, de Paolo Deganello. Cada una de sus
partes está fabricada por diferentes especialistas y pequeños industriales que no precisan de
una gran inversión para llevarlas a cabo, mientras que el editor controla el montaje y la calidad
final del producto.
El Studio Alchimia, fundado en 1976 en Milán por Alessandro y Adriana Guerriero

empezó produciendo y vendiendo artesanía artística. Abogaban en favor del ornamento y,
precisamente, fueron las superficies decoradas uno de los ejes de investigación. Trabajaban en
series reducidas y piezas únicas. Destaca el sillón Proust. En estas obras ya quedan manifiestas
dos características del diseño postmoderno: las revisitaciones de obras del pasado y el
sincretismo estilístico. Mendini destaca como teórico y extraordinario dinamizador cultural.
Atacó la estrecha concepción de función, desarrollando su definición de mueble como
“minimonumentos para uso espiritual”.
Entre los numerosos e importantes diseñadores implicados en estos grupos cabe

destacar a Ettore Sottsass. Fue uno de los iniciadores de la corriente “antidiseño” italiano, y
posteriormente se convirtió en uno de los diseñadores más influyentes de los años 80. Ya tenía
para entonces una sólida carrera a sus espaldas. Fue diplomado por la Escuela de Ulm, pero
resulta imposible etiquetar su carrera afiliándole a una sola escuela o estilo.

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Podemos destacar la máquina de escribir portátil valentine, o su silla de oficina

synthesis. Consideraba a los objetos como vehículos comunicativos, por lo que hay que cuidar
especialmente sus dimensiones cultural, simbólica y emocional. El color, el interés por la
riqueza formal y el componente semántico de los productos se convirtieron en las
características fundamentales de su diseño. Los objetos de diseño deben transmitir mensajes y
emociones a quien los contempla y disfruta.
Sottsass fue una de las figuras centrales de Memphis. La cooperativa Memphis

significó la transición del Diseño Radical al diseño postmoderno de los 80, más exuberante y
menos comprometido. Fundada por éste, el proyecto de la cooperativa Memphis consistía, en
principio, en diseñar una colección absolutamente innovadora de muebles y producirla en
pequeños talleres artesanales.
Muchos jóvenes diseñadores participaron en la cooperativa, como Marco

Zanini, Aldo Cibic, Michele de Lucchi, etc. Sottsass estaba encargado de crear ua colección
inédita de muebles para Brunella y Mario Godani. El resultado del proyecto inicial se
materializó en treinta muebles, tres relojes, once lámparas y once cerámicas.
Memphis refrescó los aires del diseño de muebles introduciendo con ingenio y
atrevimiento nuevos colores y materiales. Las características de Memphis son: la consideración
escultórica del mueble como u objeto que, al margen de su función tiene que tener entidad
propia; por otra parte, un eclecticismo extremo que toma préstamos formales y simbólicos de
múltiples contextos culturales, tanto del presente como del pasado. Ejemplo: su estantería,
Carlton.
El laminado plástico de colores con el que está recubierta muestra la tendencia a la

aplicación de materiales baratos, unos materiales que son elegidos por su calidez comunicativa
antes que por su idoneidad funcional. También es significativo el desenfado en el uso del color
y el atrevimiento de sus estantes inclinados.
Michele de Lucchi, también estuvo presente en la primera exposición con varios

productos ilustrativos del estilo Memphis. Por ejemplo, destacamos su sofá Lido y su mesa
Kristall. Aunque empezó su carrera investigando con piezas únicas, realizó productos como la
silla First, cuyas líneas relativamente recatadas, la convirtieron en uno de los éxitos
comerciales de la cooperativa. Al margen de Memphis, diseñó productos industriales para
diferentes empresas relevantes, como Olivetti. En la década de los 90 retomaría el diseño
experimental.
En cierto modo, Memphis significa el paso de los proyectos colectivos y utópicos a la

creación de productos caros, con una estética impactante, destinados a una élite cultural, a
menudo relacionada con el mundo de la moda y el espectáculo. Memphis obedeció a que los
diseñadores implicados “no querían muebles de coleccionista”, sino objetos que se pudieran
vender en los comercios y que se pudieran utilizar. Muchos de sus productos terminaron en las
galerías de arte. De hecho, el contraste entre los materiales baratos utilizados (madera
contrachapada, láminas de plástico decoradas) y los precios elevados, no encuentra otra
justificación que el supuesto plus artístico de los objetos y los redcuidos ejemplares editados
de muchos de ellos.

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La cooperativa presentó 8 colecciones, esperadas con expectación. Memphis proponía

un estilo basado en u provocativo lenguaje figurativo que tendía a priorizar el elemento
espectacular, o la imagen, en detrimento de la funcionalidad. Sus realizaciones estuvieron
caracterizadas por materiales baratos, colores fuertes y decoración de superficies, por la
renuncia la producción industrial y precios escalofriantes.
La producción se planificó de tal modo que aquello que el diseñador tradicional solía
considerar un defecto, por ejemplo, el bajo número de piezas y la breve duración se
transformase en un mérito para un mercado muy restringido, compuesto, principalmente, por
colecciones. La ausencia de equilibrio de esas composiciones volumétricas juegan con el efecto
equívoco de centro de gravedad cuidadosamente evitaos con objeto de subrayar el equilibrio
absurdo de la forma.
El objeto en los años 80 está cargado de características semánticas que no le son

propias; se hacen sillas que no parecen sillas, mesas multiuso que prácticamente no pueden
utilizarse como mesas. Hay objetos camaleónicos de finalidades múltiples, parte de las cuales
son más bien vagas. Gracias a una publicidad abundante e insistente y al revival constante de
toda clase de fenómenos artísticos, incluso las creaciones más horrendas gozan de la
oportunidad de convertirse en cosas absolutamente chic.
LOS AÑOS 80: LA APOTEOSIS DE LA POSTMODERNIDAD.
En Europa se sentía un clima de desmovilización social carente de compromiso

político. En suma, se respiraba un ambiente propicio para la ligereza, el juego y el desenfado.
La selección de los productos, vino a depender cada vez más de impulsos emocionales,
identificación social personal. Los objetos adquieren un papel comunicativo que codifica y
transmite la imagen que el consumidor quiere reflejar en sí mismo.
El consumo de ciertos productos ya no supone tanto la integración en una clase

económico-social como la adopción de un determinad estilo cultural. Una sociedad plural
sustituye al antiguo modelo piramidal.
Este contexto social explica la importancia que alcanzó la dimensión simbólica del
producto y , especialmente, de “producto de diseño”. Los 80 representan una evolución de la
sociedad del espectáculo. Se preocupan más de la imagen que del propio producto material.
Otras características principales del diseño de esta época fueron el eclecticismo, la

vocación lúdica y el formalismo esteticista. La fragmentación ideológica y social acaecida en los
años 80, tuvo sus reflejos en el eclecticismo que predominó en el mundo del arte y del diseño.
Podemos destacar el conjunto Tangram, de Morozzi. Puede ser considerado como una
metáfora de la fragmentación de los años 80, cuyas partes se yuxtaponen, sin integrarse.
Aparece así toda una línea de objetos que destacan por su talante fresco, espontaneo
y humorístico. Sin embargo, la característica que ensombreció a las demás hasta el punto de

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convertirse en el rasgo distintivo del diseño postmoderno de los 80 fue, quizás por su
espectacularidad, su formalismo esteticista. Muchos diseñadores intentaron transformar el
máximo de función en forma, y dotar a sus productos de una plusvalía estética. Se trataban los
objetos como si fuesen edificios a los que había que dotar de una presencia espectacular,
como el frigorífico Pyramid.
Hubo diseñadores que quisieron ser artistas, y viceversa. En Alemani surgieron grupos
de diseño como Pentagon, algunas de cuyas creaciones sorprenden por su consciente rudeza y
estética hostil. En Londres surgieron talleres que comenzaron a crear productos fronterizos
con el arte y a recuperar métodos artesanales.
En el ámbito en el que se difumina la frontera del arte y el diseño destacan las

aportaciones de Ron Arad. Israelí de nacimiento y formado en Inglaterra, éste creó la
productora de diseño One-off, (una pieza) que se convirtió en uno de los ejes del diseño
alternativo Inglés. Se renunciaba a la producción en serie, característica del diseño industrial,
centrando su interés en piezas únicas, algunas de las cuales eran realizadas a mano. Un
ejemplo es el sillón Rover¸que está formado por los asientos de un coche de la misma marca.
En estas piezas se aprecia con toda claridad la fuerte presencialidad del diseño postmoderno.
En las décadas siguientes, Arad ha continuado mostrando su preferencia por los

metales y ha mantenido el carácter escultórico de sus diseños, que está presente incluso en los
productos más comerciales que ha diseñado para Vitra y Kartell.
Otro miembro de la generación de diseñadores británicos que en la década de los 80

estuvieron desarrollando un tipo de diseño artístico, alternativo y abierto a las tendencias
culturales del momento, fue Tom Dixon. Aunque en sus primeras obras con metal y materiales
reciclados se aprecia las influencias de la estética punk, también ha diseñado productos que
han despertado el interés de las productoras que los han comercializado en serie.
Mario Botta también utilizó armazones de metal y enrejados, como en su silla Quarta o
su lámpara Agamenón.Ya en los 70, Shiro Kuramata sorprendió con su Furniture in Irregular
Forms Side, una cajonera en forma de S alargada. En los 80 consolidó su renombre como
interiorista y diseñador de muebles. Sus productos son fruto de una curiosa y acertada
confluencia de sentido poético y aplicaciones tecnológicas, adoptando cierto aire industrial.
También destacamos la figura de Gaetano Pesce, artista, arquitecto y diseñador

italiano. Su temprano rechazo de la tesis del racionalismo le impulsó a colaborar con varios
grupos de diseño experimental en Francia, Alemania y con el diseño radical italiano. Su
profundo conocimeitno del arte contemporáneo le ha permitido incorporar a sus proyectos
influencias de las más diversas vanguardias. Esto podemos encontrarlo en su silla Greene
Street, mediante su apertura de tres agujeros consigue transformar esta silla en una cara de
desamparo. La torpeza que transmiten sus 8 patas refuerza la imagen de angustiado
monstruito. También podemos destacar su sofá Tramonto a New York.
Al margen de la originalidad de sus creaciones, Pesce destaca por sus investigaciones

sobre materiales moldeables (espuma de poliuretano, resina de poliéster, fieltro): En este
último material depositó muchas esperanzas tanto por sus posibilidades expresivas como por

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su naturaleza envolvente, y también por ser, en principio un material barato, susceptible de

ser reciclado.
El sector de la iluminación también mostró numerosos ejemplos de la tendencia

formalista de los 80, algo que no debe extrañarnos ya que para muchos diseñadores, una
lámpara solo es una lámpara cuando está encendida, si no se trata de una escultura. Destaca la
lámpara Scaragoo, fish lamp scultures o Grulla.
En el campo del menaje, los diseños fueron por lo general más comediosos que en el
sector del mueble. No obstante, tampoco resulta difícil encontrar objetos que incorporan la
sensibilidad lúdica y las críticas a la frialdad racionalista propias del diseño postmoderno, como
el juego de Té Village.
Entre otros proyectos realizados en este ámbito destaca el emprendido por la empresa
Alessi. Dio el salto a la popularidad cuando creó su departamento Officina Alessi y encargó
“diseños arísticos” de servicio de té y de café a algunos de los más renombrados arquitectos y
diseñadores del mundo. Se trata de conferir un valor añadido a los objetos domésticos que,
más allá de su utilidad, los convierte en caros productos elitistas.
El éxito comercial del proyecto Alessi ha servido como argumento y ejemplo de una
empresa cuya expansión se ha basado en la confianza del diseño. Más adelante establece
acuerdos de colaboración con otras empresas de gran renombre, como Philips.

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TEMA 1: Fundamentos de la estetica.
La estética es la ciencia que trata de la belleza y de la teoría fundamental y filosofía del

arte (trata los elementos de la naturaleza y aquellos creados por el ser humano, susceptibles
de ser contemplados). Conjunto de elementos estilísticos que caracterizan un determinado
movimiento o autor. Relacionado con la -çapreciación de la belleza. Algo agradable a la vista,
que inspire armonía, que tiene alguien o algo desde el punto de vista de la belleza.
La estética aborde dos actitudes diferentes: actitudes estéticas y no estéticas. Las

actitudes estéticas son aquellas en la que no nos fijamos en la actitud práctica, solo nos
interesamos por la sensaciones que nos produce el objeto, por el placer. Las actitudes no
estéticas son todo lo contrario, nos fijamos más bien en la funcionalidad del objeto. También
hay otros criterios:
- Relaciones internas/externas: tenemos que tener en cuenta el entorno, el

conocimiento del observador, el autor, etc.
- El objeto fenoménico: ¿Cómo se ha hecho?
Conceptos y medios del arte.
- Asunto: no todas las artes tienen uno (¿de qué trata?).

- Representación: A veces si cambiamos el título de una obra no cambia lo que
representa.
- Significado: Solamente la literatura tiene un significado concreto debido a que
utiliza la palabra.
Aspecto de las obras de arte.
- Valores sensoriales: sensaciones.

- Valores formales: forma, unidad, figura.
- Valores vitales: externos a la obra, de los que se nutre para su realización.
Contextualismo y aislacionismo.
- Contextualismo: Consiste en considerar la obra en su contexto ya que así se

enriquece.
- Aislacionismo: defiende la observación de la obra sin tener ningún tipo de
conocimiento previo de esta.
Teorías del arte.
- Teoría formalista: Solo considera los valores sensoriales y formales.

- Arte como expresión: la obra de arte, aparte de apoyarse en la forma, también es
expresiva (los sentimientos del ser humano). Puede producir emociones al
observador.

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- Arte como símbolo: Según la teoría de la significación, las obras de arte son un
signo icónico del proceso psicológico que tiene lugar en los hombres y
específicamente en los sentimientos humanos.
Arte y verdad/moralidad.
El valor de una obra de arte en cuanto a objeto estético no tiene nada que con su valor
de mejorar la moralidad de los observadores.

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TEMA 2: los inicios del diseno

industrial.
El diseño industrial nace a partir de un desarrollo tecnológico que permitió crear

productos seriados e iguales. Estos avances tecnológicos se produjeron principalmente en
Gran Bretaña (XVIII). A partir de la segunda mitad de este siglo, en Inglaterra existe una
expansión industrial, en especial porque hacía falta satisfacer una gran demanda de objetos
que no podían cubrirse con los antiguos procedimientos, además de factores principalmente
económicos, como el desarrollo del comercio (aunque también sociales) que contribuyen a
dicho avance.
A lo largo de la historia ya vamos viendo la aparición de esta disciplina. Comenzamos a

ver la separación entre el diseño del objeto y el proceso de fabricación, y aunque algunas
necesidades se podían cubrir mediante procesos artesanales, la especialización del trabajo y la
aparición de la seriación presionan el avance tecnológico, pero debido a la gran cantidad de
mano de obra existente en periodos anteriores, este cambio no se producía. La aparición de la
imprenta tuvo espectaculares repercusiones y contribuyó al desarrollo de los llamados libros
de patrones, donde ya podemos ver la diferencia entre el diseñador y los operarios
encargados de pasar los diseños a las telas.
En el siglo XVII van apareciendo síntomas que favorecen una Revolución Industrial,
como la competencia de precios. La aparición de la mecanización trae consigo problemas
sociales, el ser humano se separaba radicalmente del producto que elaboraba en la medida de
que no contaba su destreza en el acabado final (aparición del ludismo).
AUTORES QUE DESTACAN
BOULTON (experimentación con objetos de metal): Se empeña en encontrar un

producto que pueda llegar a un sector amplio del mercado (abaratar el producto). Sus
productos iban dirigidos a un mercado de moda en el que los gustos cambiaban rápidamente.
Se asoció a James Watt para poder utilizar en su empresa la máquina de vapor. Esto permitió
la utilización de técnicas como el Sheffield Plate (fundir plata y cobre), o el similor, que daba a
los objetos un aspecto dorado. El gusto estilístico era más bien el neoclásico debido a su
simplicidad constructiva.
WEDGWOOD (experimentación con objetos de cerámica): sus objetos iban dirigidos a

la clase media, pero también para clientes con un gran poder adquisitivo, así como a un
mercado en el que predomine la utilidad y durabilidad (no modas). Se empeñó en que de su
fábrica saliera otra clase de producto de carácter utilitario, elegante y simple, a un coste
conveniente. Aunque se utilizara maquinaria, el acabado requería un alto nivel de artesanado

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ya que los diseños eran encargados a los artistas del momento. Contribuye al perfeccionismo
del torno, mejora de los constituyentes químicos de las cretas y los esmaltes, introducción
del banco rotante, así como el descubrimiento de otro tipo de cerámicas (basaltos negros y
jaspes). También inventó un pirómetro para controlar la temperatura de los hornos y la
utilización del vapor para accionar tornos y triturar materiales.
ESTADOS UNIDOS
Acompañó a Inglaterra en el proceso tecnológico, aunque de forma diferente. Al

contrario que en Gran Bretaña, había escasez de mano de obra, por lo tanto se desarrolló una
corriente investigadora de la técnica. El sistema americano es lo que les va a distinguir del
resto de países. Consiste en la fabricación a gran escala de productos estandarizados cuyas
partes pudieran ser intercambiables (sustituibles en caso de rotura). Esto aumentaba la
eficiencia del producto, puesto que reduce costes al optimizar cada una de las piezas. Este
sistema no podía utilizarse para todo ya que no todo objeto industrial era sometido a un
proceso de seriación. Este sistema se empleó sobre todo en el campo armamentístico. Los
objetos eran cada vez más sencillos ya que a menos piezas, más sencillo es su montaje.
Aparece la fresadora, inventada por Whitney, con la que consiguió sustituir el

procedimiento del cincel. Este también fue invento de la desmontadora de algodón.
La industria del mueble también destaca en EE.UU, pero lo más destacable sin duda
fueron las comunidades Shaker, que constituían una comunidad religiosa fundada por una
joven inglesa, Ann Lee. Impulsaban la creación de objetos en los que el adorno no tenía cabida
alguna.
THONET.
En el continente europeo también se produce alguna brillante experiencia gracias a

Michael Thonet en el mobiliario de madera. Éste había inaugurado una técnica de tratamiento
de madera consistente en unir finas láminas que, mediante un proceso de encolado, adquirían
forma definitiva tras su paso por moldes. Pero el escaso desarrollo de las colas hacía que,
sometidas a determinadas condiciones térmicas se despegaran, además de que la madera
corría el riesgo de quebrarse. Uno de sus logros fue unir las distintas piezas de los objetos
mediante tornillos. Sus sillas y sillones tienen conseguido un puesto en la historia.

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TEMA 2: La evolucion de la estetica.
GRECIA CLÁSICA.
PLATÓN: abarca todos los problemas de la estética, algunos más profundizados que
otros, distribuidos en todas sus obras.
Trata “arte como destreza, como imitación”. Llama destreza a cualquier trabajo. Las
artes son representadas como el alejamiento de la forma, arte como imitación, donde
se engloban todas las imágenes y apariencias engañosas.
Define la belleza. Para él, la belleza es todo lo agradable al sentido de la vista u oído.
También se basa en la proporción, según cálculos matemáticos. La medida y
proporción constituyen la belleza y excelencia.
Por otra parte, “arte y conocimiento”. Éste afirma que tenemos que tener
conocimientos de lo original, de la exactitud de la copia así como de la percepción que
se tuvo para llevarla a cabo, es decir, debemos conocer todo el proceso.
Por último, “arte y moralidad”. El arte, al poseer belleza, produce placeres puros, sin
adulteraciones o inocuos. El arte tiene un efecto educador, por tanto el artista tenía
una responsabilidad social. El arte influye en la sociedad.
ARISTÓTELES: Fue discípulo de Platón, pero aun así tiene una concepción diferente de
la estética, la cual basa en la tragedia y se encuentra recogida en su obra la poética.
Tarta principalmente dos placeres:
1. La imitación: El placer estético básico es algo que se puede conocer.
2. La belleza: donde habla sobre la melodía y el ritmo como elementos
decorativos, los cuales deben tener unidad, principio, mitad y fin.
FILÓSOFOS CLÁSICOS: Había sobre todo cuatro corrientes:
1. Epicureísmo:
2. Escepticismo: corriente que se basa en la duda.
3. Estoicismo: la belleza depende de la disposición de las partes.
4. Neoplatonismo: Donde destaca Plotino y su idea de que la simetría no es
sinónimo de belleza, la unidad y forma sí.
EDAD MEDIA.
Los problemas estéticos no forman parte de la filosofía medieval. El arte estaba muy
centrado en la religión y estaban más preocupados en que la belleza no pasara a la idolatría.
Destacan:

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1. San Agustín: Cuando habla de la belleza distingue los aspectos de unidad, orden,
proporción, número (con respecto a orden) e igualdad.
2. Santo Tomás de Aquino: la belleza es todo lo agradable a la vista. Incluye tres
condiciones:
2.1. Integridad/perfección: Solo es bella la obra acabada.
2.2. Proporción/Armonía.
2.3. Luminosidad/claridad.
RENACIMIENTO.
La religión pasa a un segundo plano. La filosofía es antropocéntrica, es decir, el

humano se toma como medida principal, es el centro. También comienza a haber mayor
relación con la naturaleza. Destaca el Platonismo y el Neoplatonismo.
ILUSTRACIÓN.
Se ve a la mente humana por encima de la tiranía, de la superstición, etc. Se piensa

que se puede crear un mundo mejor. F. Hutcherson crear el primer tratado de estética.
Destacan dos movimientos:
1. Racionalismo Cartesiano (Francia).

2. Empirismo (Inglaterra): Se trata el problema del gusto, donde se intentó hacer el
análisis de ciertas cualidades estéticas, así como la justificación del juicio crítico.
También se trata lo sublime como una cualidad estética distinta a la belleza.

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TEMA 3: SEMIÓTICA.
Es el estudio de los signos sociales, los relaciona con la comunicación.
1. Acercamineot a la semiología.
Saussure decía que era una ciencia perteneciente a la psicología socia, que trata más
directamente a la comunicación. Pierce decía que era una lógica en sentido general.
Engloba no solo un estudio de comunicaciones a través de señales no lingÜisticas, sino

la noción del signo y del código a forma de comunicación social. En definitiva, la
semiolgía es una forma de comunicación que tenemos. También estudia las artes y la
literatura como modos de comunicación basados en el empleo de sitema de signos. La
semiología engloba odas las formas de comunicación, ya haya lenguaje o no, como el
arte y la literatura.
2. Funciones del signo.
Consiste en comunicar ideas por medio de mensajes. Para ello se requiere un emisor que
transmite un mensaje a través de un medio con un código que trendrá que descrifrar el
receptor.
Las funciones son:
1. Referencial: es la base de la comunicación. Define

la relación entre el mensaje y el objeto al que se
hace referencia.
2. Emotiva: esta función define la relación entre el
mensaje y el emisor, la actitud que tiene el emisor
con respecto al objeto.
3. Connotativa: relaciones entre el mensaje y el
receptor. Puede dirigirse a la inteligencia, como
códigos de señalzación, También a la efectividad.
Son códigos sociales estéticos, que tienen por
objeto la participación del receptor, por ejemplo,
la publicidadm que nos incita a comprar algo.
4. Estética o poética: es la relación del mensaje
consigo mismo. En las artes, el referente es el
mensaje que deja de ser un instrumento de la
comunicación para convertirse en su objeto. El

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arte, a parte de comuncar, en sí es un objeto. Ese

objeto más allá de signos inmediatos son
aportadores de su propia significación, tiene su
propia semiología.
5. Fátca: tiene por objeto afirmar, mantener o detener
lacomunicación anterior definida. La relación del
mensaje consigo mismo. Esta función es potenciar
el mensaje como objeto, una obra de arte como tal;
el contenido de la comunicación tiene menos
importacia que la misma, ya que pasa a ser un
objeto. Refuerza al receptor esa imagen poética o
estética de la obra de arte ayudándole a entederla.
6. Metalingüística: esta función tiene por objeto
definir el sentido de los signos que corren el riesgo
de no ser entendido por el receptor. Desempeñan
un papel considerable en todas las artes, por
ejemplo, un retrato puede ser objeto de muchas
interpretciones dependiendo del estilo.
3. signo y significado.
El signo es una marca de una intención de comunicar un sentido, por ejemplo, las nubes
alertan de lluvia. Implica dos términos, el significante (lo que significa) y el significado
( el sentido que tiene dicho significado). En códigos poéticos el significado puede
remitir a varios significados o viceversa. El signo es más aberto, tiene más opciones de
comunicar. Sin mebargo, en lengua científica, cada significado corresponde a un
significante y viceversa.
Los códigos científicoseliminan las posibilidades de variaciones estilísticas y de

connotaciones que sin embargo se multiplican en los códigos lingüísticos.
1. Niveles de significación.
Un mensjae tiene dos niveles de significación: srntido teórico (basado en sus códigos) y
poético (dado por el receptor a partir de sistemas explícitos más o menos socializados y
comercializados por el uso).
A medidad que se logra consenso con respecto a la significación de estos signos,

podemos considerar que aquieren el estatus de código técnico.
Los códigos técnicos significan un sistema de relaciones objetivas reles, observables y

verificables, mientras que los códigos estéticos crean representaciones imaginarias que

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adquieren valor de signo. El mensaje stético es lo análogo a lo subreal, o de una relidad

que los signos técnicos no son capaces de explicar.
3.4 Códigos estéticos
Los códigos técnicos representan lo que vemos objetivamente cuyos elementos son
abarcados por la razón en un sistema de relación.
Sin embargo, los códigos estéticos corresponden a un sentimiento íntimo y puramente

subjetivo que emite el individuo con respecto a la realidad (subjetividad). El término
estético aquí está justificado en la medida en que es el modo de expresión de las artes.
La expresión “estético” no solo se aplica a lo bello, sino también a lo concreto y lo
sensible. Las artes son el modo de figuración de la realidad, y los significantes estéticos
son objetos sensibles. El mensaje estético no tiene la simple función transitiva de
conducir hasta el sentido sino que tiene un valor en sí mismo.
Las artes son representaciones de la naturaleza y de la sociedad, representaciones que

pueden ser reales o imaginarias, visibles o invisibles, objetivas o subjetivas. Las artes
utilizan los medios y los códigos correspondientes pero a partir de esta primera
significación crean significados y a su vez significantes.
3.5 Hacia una semiología del arte
Estos aspectos adquieren un sentido dentro de un marco estético. Si nos preguntamos si

el arte es un medio de comunicación desde el plano semiológico, el arte con su
simbología siempre comunica algo. En principio la obra puede tener unos valores que el
autor no pretendía mostrar, sin embargo el observador puede interpretar la obra de una
manera personal.
Observar una obra de arte no consiste solo en mirar, sino que también hay que hallar su
sentido. Para poder precisar ese sentido de la obra es necesario contextualizar el origen
y proyección de la misma en la sociedad en que se creó, siendo necesario para ello un
conocimiento previo. Conociendo todos los precedentes podremos analizar mejor la
obra.

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Análisis semiológico de una obra de arte
En esta obra de arte vamos a estudiar los diferentes niveles semiológicos considerando
la importancia de la interacción entre los aspectos…
“Marat asesinado.” J.L. David
Durante la revolución francesa un periodista fue asesinado por una joven aristócrata.
Este personaje tenía muchos enemigos, no solo de la aristocracia, sino que también
estaba en contra del rey y de la burguesía (revolucionarios como él).
La obra representa un plan político y un alegato en contra. En esta obra simboliza la

perpetuidad de la revolución (porque una pintura va a durar para siempre).
Nos fijamos en que lo representa enfermo (porque estaba enfermo) pero con un rostro
dulce. Con ello quiere representar el heroísmo.
Lo representa dentro de una bañera porque fue la última imagen que tuvo J.L. David de
Marat, ya que al estar enfermo, tenía jaquecas y los baños calientes le calmaban.

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La posición del personaje con el brazo caído y la cabeza apoyada sobre su hombro
recuerda mucho a la posición de Jesucristo. Con ello busca dar la imagen de mártir.
Por otra parte la caja de madera es una “mesita” que tenía siempre al lado para
responder la multitud de cartas que le enviaban. Con ella quiere representar que Marat
era alguien cercano al pueblo y que contestaba las cartas que le enviaban. Podemos ver
en la mesa la fecha de su muerte fechado por la revolución (el año 2 después de la
revolución)
Luego hay otros detalles que son una carta y un billete. En la carta, Marat envía dinero a
una viuda con 5 hijos cuyo marido había muerto por la revolución.
Por último aparece un símbolo en el cuadro que representa a la asesina de Marat. Ese
detalle es la carta que escribió la asesina a marat (en su mano) y el cuchillo en el suelo
en la línea de la cabeza. “La sangre del héroe es lo que prevalece”
3.6 Diseño y semiología (B.E. Bürdek)
Este autor habla del diseño destacando su función comunicativa, sin embargo, a lo largo
de la historia no se ha tenido en cuenta esta función comunicativa. La forma de los
objetos emite señales que influyen en la percepción y comportamiento del observador.
Sin embargo, a principios de este siglo pasado se dio algunos ejemplos de muebles con
función comunicativa (Emille Gallé). Este autor lo que quiere es transmitir algo con sus
muebles. Transmite formas orgánicas fundamentalmente vejetales (detalles de hojas
marchitándose, estanterías que trepan…).
Para que un diseño transmita algo no solo hay que ver la función del objeto sino
también el lugar donde se va a colocar, su forma, su color… Si hablamos por ejemplo
de una silla, el diseño debe satisfacer las necesidades del trabajador pero también tiene
que representar la posición jerárquica del individuo en la empresa. Por tanto el
diseñador debe entender este tipo de lenguaje y ser capaz de crear objetos que
transmitan este tipo de lenguaje. Debe transmitir Las funciones de un producto a través
de signos de manera que puedan ser comprensibles por el usuario. Es crucial un estudio
de las funciones simbólicas del producto (relación objeto-usuario).

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TEMA 4: EL DISEÑO IÑDUSTRIAL
- ¿Qué es el diseño industrial?

- Factores.
- Relación con la estética y el arte.
- Maquinaria: repetitividad, seriabilidad.
- Propiedad formal: visión formalista, visión funcionalista.
- Diseño y rediseño.
El diseño industrial es una disciplina dentro del diseño que aparece entorno a la
Revolución Industrial. Es una actividad de carácter proyectual, contextual y creativo,
orientada a alcanzar un resultado material con factores previamente determinados, buscando
cubrir una serie de necesidades humanas, contribuyendo al mismo tiempo a la configuración
del medio socio-ambiental en el que se desenvuelve la vida cotidiana de las personas.
Por la propia naturaleza del objeto industrial, se debe a acudir a multitud de disciplinas
para poder realizarse.
Se tienen en cuenta bastantes factores, como el económico, cultural, así como el

contexto socio-ambiental. Otros factores que definen al diseño son la funcionalidad y
finalidad, así como el factor estético (la forma es lo primero que se ve, por tanto tenemos que
hacer un diseño que sea atractivo para las personas).
El diseño industrial tiene mucha relación con la estética ya que todos tienen un
aspecto visual. En todo proceso proyectual tenemos que tener en cuenta el concepto
estético/artístico, fundamentalmente en cuanto a forma. Para diferenciar el objeto de diseño
industrial de un objeto de diseño de industrial ordinal, tenemos que basarnos en lo que nos
transmite dicho objeto.
Por tanto, tenemos claro que debemos incluir un componente estético a la hora de
realizar nuestro diseño. Esto hace que esta disciplina pueda considerarse como arte. Pero a
diferencia del arte, los objetos de diseño industrial no se hace solo para ser contemplados, no
hay solamente un ejemplar.
En esta disciplina, la mano humana es un complemento a la máquina, al contrario que

en el proceso artesanal. La presencia de la maquinaria es casi esencial en el diseño industrial.
Se da mucho la repetitividad, es decir, un objeto de diseño industrial lo podemos seriar. Esto
tiene mucha repercusión en el precio del objeto industrial, ya que si es un objeto con pocas
copias, el valor monetario suele ser más elevado que uno del que se obtienen copias idénticas.
El concepto de repetitividad se produce en los dos, la diferencia es que en el diseño industrial
podemos hacer copias exactas mientras que en la artesanía el objeto puede variar un poco,
además la producción siempre es un poco menor. La relación creador/objeto en la artesanía y

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diseño industrial es diferente. El objeto industrial se fabrica sin intervención del diseñador en
la producción.
Se encarga de determinar la propiedad formal (el objeto industrial no es solo la figura,

lo exterior, sino el conjunto de un determinado número de factores, ya sea el cultural, técnico
económico, etc.) Hay dos visiones diferentes:
- Visión formalista: da prioridad a la forma y a la estética frente al resto de los

factores. Tenemos que buscar formas atractivas para el mercado. Es una
concepción más artística, donde la creatividad se manifiesta en la innovación de
la forma.
- Visión funcionalista: la forma debe seguir la función a la que se destina. Todo
objeto funcional será bello. Se suelen descartar los elementos decorativos, todo lo
que no nos sirve. Suelen ser objetos simples, con claridad estructural y ausencia de
brillos, reflejos… Esta última función fue desmontada por Peter Dormer: “quien
define la función es el diseñador, y por tanto quien determina la forma y la
belleza.”
El diseño así como el rediseño son tareas realizas por el mismo diseñador. Mientras
que el diseño consiste en proyectar un objeto que no existe, solo su necesidad, el rediseño
opera sobre un objeto ya existente, realizándose básicamente dos operaciones: reelaboración
formal y diseño añadiendo funcionalidad.

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TEMA 5: EL OBJETO INDUSTRIAL

Tenemos que distinguir entre objeto, objeto industrial y objeto industrial de diseño:
- Objeto: todo aquello que tiene entidad corporal, física, espiritual, artificial, etc.
- Objeto industrial: Entidad física material, con existencia en el mundo real, por tanto
susceptible de percepción sensible, experimentación y manipulación que ha sido
producido por medios industriales, y que por tanto se caracteriza por su condición
artificial y fabricada.
- Objeto industrial de diseño: Un objeto industrial con intención artística buscando un
determinado estímulo estético.
El objeto industrial de diseño es una unidad compleja, multidimensional y estructurada.

Tiene parte externa e interna. Está compuesta de diferentes dimensiones:
- Dimensión funcional: para un determinado uso o necesidad.

- Formal: Estructura exterior. La fisionomía exterior es lo que se percibe sensorialmente,
además es manipulable.
- Semántica: el objeto tiene un significado.
- Estructural: Se refiere a la estructura interna.
- Estética: La estética del objeto debe estar presente en toda la fase del proyecto. Se
añade como valor y se debe a la intención explícita del diseñador.
La configuración final se ve influenciada por una serie de factores que podemos considerar
externos al objeto. Son los siguientes:
- Técnico-mecánico: El objeto industrial se fabrica a través de un proceso industrial

mecanizado. Podemos distinguir dos aspectos de los que depende la configuración
final del objeto: materiales y técnicas o procesos industriales.
- Técnico-industrial: los países con más tecnología serán los que más rápido y preciso
puedan diseñar.
- Económico-mercantil: tenemos que adaptarnos a una serie de leyes de mercado.
- Político-económico: lo podemos ver en lugares donde está implantado el sistema
capitalista, donde se fomenta el consumo y atraer a compradores.
- Factor diseñador: el diseñador actúa sobre la configuración final del objeto, tanto que
dos diseñadores distintos pueden diseñar un mismo objeto pero de forma diferente.
- Factor usuario: Hay que tener en cuenta la necesidad de facilitar el uso, las exigencias
de gusto, solicitaciones psicológicas.
- Estético: las tendencias estéticas que tienen lugar en una determinada época influyen
en el diseño de ese periodo.
- Ideológico-cultural: la cultura de una sociedad influye mucho en todos sus aspectos.
- Social: todos los objetos se producen para una sociedad.
- Socio-ambiental.

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Así, el objeto industrial de diseño se compone de diferentes valores relacionados con los
diferentes factores anteriores:
- Valor de uso: vinculado a la dimensión funcional, siempre los objetos industriales

tienen un uso.
- Valor de signo: el objeto tiene un significado.
- Valor estético: dimensión estética.
- Valor de cambio: factor económico mercantil, el objeto como bien de consumo.
Conceptos de prototipo y serie:
Los conceptos que definen el diseño industrial se encuentran en la repetitividad y seriabilidad:
El prototipo es parte de un estándar, la cabeza de una serie. A través de una

producción en serie obtenemos un número de objetos idénticos a este prototipo. La
seriabilidad se puede dividir en dos clases establecida por Guillo Dorfles: pequeña serie
(objetos de demanda muy reducida, ya sea por sus dimensiones o estructura, como un avión o
un barco) y gran serie (objetos de gran demanda, de consumo individual y masivo).

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TEMA 6: HACIA EL RACIONALISMO PRODUCTIVO.
Muthesius y la Werkbund, La AEG y Peter Behrens.
Los modernistas habían optado por la simplicidad y la economía de las formas,

pero a principios de siglo no estaba clara la separación entre arte aplicado y diseño. El
movimiento de Artes y Oficio había dejado u na gran importancia ideológica. Se seguí a
trabajando en talleres que recordaba a las estructuras de talleres artesanales, pero era
evidente la mecanización y las nuevas técnicas de mejora.
Muthesius buscaba ofrecer calidad, el cual el usuario medio podía consumir su

producto. La industria era la única que con su producción masiva podía conseguir una
reducción de precio.
Dentro del diseño, una vez conseguida la habilidad con las máquinas, hubo
empeño en producir modelos complejos, para demostrar el dominio de las mismas y
darle a las clases medias objetos que remendasen a los de la clase alta.
Creación del Werkbund, vivió dos impulsos diferentes, ya que comprendía a

muchos artistas, artesanos, industriales y diseñadores. La asociación abarcará lo mejor
del trabajo artesanal por su calidad y dedicación. Se dirige ate todo al sector industrial,
incide en que los artistas como los artesanos deben encaminar sus propuestas a la
industria. En esta asociación tuvo un papel fundamental Muthesius, que se vuelve
activista a favor de la produccion industrial.
En 1907 se reunieron artistas arquitectos y representantes de grandes firmas

para renovar las artes aplicadas. Los productos que salían del Werkbund no llegaron a
los grandes empresarios sino, iba casi siempre a empresas pequeñas. Sin embargo
resultaron muy funcionales y modernos.
Una de las características del Werkbund era por una parte mantener la
tradición artesanal y por otra la colaboración industrial, esto provoca una disputa en el
Werkbund que lo llevó al final.
Maldonado propuso que o se aceptaba un mercado incontrolado sujeto a los

proyectos individuales o se apostaba por un nuevo tipo, basado en la planificación y en
la disciplina.
El diseñador que mejor expresó los postulados de la Werkbund fue Peter

Behrens (estrechamente ligado con la AGE). Empezó como pintor y luego se interesó
por el diseño y la arquitectura, diseñó muebles y objetos modernistas.

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La AGE fue creada en 1887, se basaba en la producción eficaz, pronto empieza

a fabricar motores y dinamos, electrodomésticos, etc. Empiezan a atenderse la parte
estética de los artículos de uso cotidiano. Uno de los éxitos era su producción en serie,
no repetía un mismo modelo, sino que introducía variantes a partir de la pieza básica,
se conseguía la diferenciación del consumidor.
Hizo un logo por el cual el consumidor al comprar uno de sus productos sabría
su procedencia. El éxito de la AGE fue por una parte por Behrens que logró dar una
imagen unitaria de la empresa. Los primeros trabajos de Behrens para la AGE fueron
mayormente publicitarios, el cual hacia dibujos abstractos.
Estados Unidos y la filosofía Fordiana.
Estados Unidos se identificó por no existir una tradición artesanal y por la

utilización de grandes maquinarias para su país para hacer frente a grandes distancias
y sus desiguales poblaciones.
Se desarrollaron los sistemas de normalización para conseguir medidas

estándar para racionalizar sus productos en el mercado, se introdujeron las líneas de
montaje, basadas en una producción ininterrumpida en el que el operario solo
ejecutaba algunos movimientos precisos.
Pertenecieron a la Escuela de Chicago Louis Sullivan y Frank Lloyd (arquitectos),

los avances técnicos en la Escuela de Chicago resolvían problemas de cimentación, lo
que hacía que Sullivan elevara sus rascacielos.

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TEMA 7: LA APORTACIÓN DE LA VANGUARDIA.
La vanguardia es la hija radical del modernismo. La modernidad en arte y

diseño adquiere distintos significados, aunque comparten su principal característica; la
utilización de la novedad como categoría estética, tanto el arte como el diseño se
desprenden del lastre histórico.
En arte esta construcción de movimientos vanguardistas a veces de rasgos

expresivos y otras aliados a la razón; y en el diseño, la modernidad se extendió como
un proceso que encontraba su base en la razón.
La modernidad en arte era lógica constructivista y en diseño era el producto

acoplado a las exigencias funcionales y variaba su forma y métodos constructivos para
su mayor beneficio.
El Movimiento Moderno en Diseño de basa en la convicción de que la belleza se

encuentra antes en la forma que en una función.
La vanguardia en arte es la búsqueda de lo nuevo que inicia la modernidad, se

englobaba dos conceptos: el que vincula la vanguardia a lo social y a los de avanzado
arte.
El concepto de vanguardista va concretando su significado a medida que se

avanza en el arte; a los primeros vanguardistas los pasaron a llamar históricos y a los
del momento, neo y más tarde trans.
Las vanguardias históricas intentan convertir sus obras en 'objeto de ansiedad',

significa que los objetos generen duda al espectador. Otra característica es la
búsqueda de lo nuevo, la idea de cambio, la tercera característica es vincularse en la
lucha social, la vanguardia es un modo de vida. Con la vanguardia la máquina adquiere
un valor cultural universal, la maquina ayudaría al ser humano quitándole trabajo y
aumentando su ocio.
Las vanguardias en diseño no convierte el objeto en 'objeto de ansiedad', no

rechaza lo anterior si no que incluye lo del momento, es consciente de los valores
sociales y está a favor de la industrialización.
Entre los movimientos de vanguardia se encuentra el futurismo, el

suprematismo, el constructivismo el neoplasticismo.
Futurismo

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El futurismo coge una idea heredada del Romanticismo. Apostaron por que la
mecanización llegaría al más alto desarrollo. Los futuristas definen la maquina como
guerra y destrucción.
El futurismo tuvo dos grandes consecuencias para el arte y el diseño:
 Se transfiere el concepto de belleza a la máquina..

 Se valora como bello las características de la máquina; la velocidad, la
eficiencia,...
La pintura futurista se caracteriza por su gran vitalismo y energía, los colores son
fuertes y violentos y la temática tenía vinculación con la máquina. La escultura
futurista es una escultura del movimiento. En la arquitectura futurista se buscaba
abolir la decoración y se inspira en el mundo mecánico, donde la maquina ocupe el
lugar principal.
El Cubismo
Introdujo un cambio radical en el arte: en la pintura, el artista representaba su

obra para que se pudiese ver desde distintos puntos de vista.
El primer cubismo se desinteresa por el color y los objetos retratados se

descomponen hasta llegar a la abstracción. El segundo cubismo se tradujo en una
pintura que volvía a reconstruir los objetos con su color local.
El Cubismo tendría en el diseño una influencia por la geometrización de sus formas. El

mobiliario se distinguía por sus perfiles agudos, patas y respaldos curvos.
Las propuestas cubistas tendrán un eco en el Art Déco, que apostó por la
geometrización de sus formas.
Suprematismo y Constructivismo
El Constructivismo decía que un artista no podía dedicarse exclusivamente a

pintar sino que entre otras cosas también pintasen. Los constructivistas llevaron sus
formas geométricas y abstractas a la arquitectura y al diseño.
El Constructivismo tiene sus antecedentes en el Suprematismo, que decía que

el arte debía ser autónomo y no relacionarse con la religión o el Estado. Se elaboran
pinturas geométricas con diferentes formas y tamaños. Se parte del cubo y de la esfera
para crear.

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Aunque el Constructivismo y el Suprematismo se basaban en formas

geométricas, se diferenciaban en que el Constructivismo abandona la idea de
composición para coger la idea de construcción; y rechazan del color.
En el Constructivismo se produce una división de artistas; los que abandonaron

la pintura y la escultura para adentrarse en el diseño y la arquitectura; y los que los
que seguían considerando el arte como valor independiente.
En Rusia se tuvo la polémica sobre la relación entre arte y diseño y se llega a la

conclusión de que los artistas deben recibir información técnica y los ingenieros,
estética. Surgen escuelas (Proletkult y INKHUNK) .
El gran debate era el significado de composición y construcción.
En el diseño constructivista, los clubes de trabajadores demostraban la relación

entre arte-vida: economía del espacio con piezas plegables,, utilización de formas
geométricas y colores constructivistas.
La arquitectura simbólica, el diseño de objetos y el diseño gráfico fueron

intereses prioritarios de los constructivistas.
Los constructivistas cada vez tenían más problemas en una sociedad que exigía
al diseñador y artista un compromiso con la sociedad, hasta que el movimiento acabó
desapareciendo.
El Neoplasticismo
De Stijl es uno de los movimientos más coherentes e influyentes en el arte la

arquitectura y el diseño. Se funda en Holanda.
Mondrian concibe el arte como expresión de valores metafísicos. Las obras

debían excluir todo lo de la naturaleza y sensualidad. A la hora de las pinturas deben
basarse en planos y colores con claridad absoluta. El ángulo recto será primordial en
sus formas. Los colores primarios más el blanco y el negro serán sus preferencias.
La perspectiva neoplasticista encontró una variante en el elementarismo, que

se basa en la negación de lo positivo y lo negativo y se despierta el interés por la cuarta
dimensión.
La silla Roja y azul de Rietlveld sintetiza, por su forma y colores primarios, el

traspaso de la teoría de la pintura neoplasticista al objeto tridimensional. En
arquitectura, Rietveld con la colaboración de su propia cliente diseñaron una casa en
que los únicos volúmenes fijos eran la escalera y el baño, se emplearon tanto en el
exterior como en el interior colores primarios y neutros.

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Dadá y Surrealismo
A través de De Stilj se dio a conocer a los dadaistas. Con el dadaismo se acaba la

originalidad y se impone lo cotidiano. Para los dadas un billete de tren, una plancha e
incluso un tronco de árbol puede ser arte.
El surrealismo trasmite poesía y se desarrolla en pintura, escultura, literatura y

música. Fue creado por André Breton. Se basaba en explorar lo onírico, plasmar el
mundo de los sueños, la extrañeza.
Dalí fue muy importante en el Surrealismo, diseñó el sofá boca, para una actriz,
se metió en el mondo de las joyas

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TEMA 8: BAUHAUS (casa de

construcción)
Walter Gropius creó la escuela Das Staatliche Bauhaus, alojada en un edificio de

Van de Velde, aunque a lo largo de la historia la Escuela se estableció en tres lugares
diferentes: Weimar, Dessau (La Bauhaus se tuvo que ir de Weimar y se trasladó a
Dessau, donde se construyó su edificio, asimétrico. La nueva sede de divide en 5 a las
principales. También se diseñó las casas para los profesores. En Dessau se desarrolló la
arquitectura, que contó con un taller. Al pasar de Weimar a Dessau algunos talleres
desaparecieron, otros aparecieron y otros se enfocaron diferente, por ejemplo en el
taller de mobiliario se empezó a trabajar con acero) y Berlín. Tuvo un tuvo un carácter
industrial, se pretendía que hubiera relación entre el arte y la industria, donde el
objeto se miraba según su forma y funcionalidad.
El papel asignado a la mujer en la Bauhaus es muy significativo a la hora de

valorar el nivel de democracia existente en esta Escuela, las cuales solo se podían
dedicar al campo textil.
En los primeros años de la escuela se observa una vertiente romántica mística

y expresionista, además no se le prestaba mucha atención al diseño industrial.
Podemos hablar de dos etapas en el Bauhaus: la primera, donde el idealismo
romántico y la vía auto expresiva son los referentes principales y en la segunda fase,
se contemplan las ideas racionalistas.
Gropius deja el cargo por Meyer que tendrá un ideal marxista y por ello se ve
obligado a dimitir.
SEDES, MAESTROS, TALLERES Y PRODUCTOS.
Gropius fue el fundador y director de Bauhaus, que afrontaba y solucionaba

todos los problemas. La Escuela se organizaba en forma de talleres. Se contaba con un
maestro de taller y un maestro de forma, uno para clases de teoría y otro para
prácticas. Se organizó un curso preliminar para estimular la creación a los alumnos.
Johannes Itten intentó que los alumnos captasen la posible unión de la

intuición y del método. Basaba sus enseñanzas en el estudio de la naturaleza y de los

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materiales y el desnudo. Enseñaba las formas, por ejemplo, el círculo sugiere infinito,
paz; el triángulo vida, etc.
El pintor Paul Klee, también impartió clases de forma y color y destaca por
hacer comprender a los alumnos la diferencia entre creación e imitación. En el taller
de metal se creaba formas básicas, aunque con el tiempo cambia su orientación
experimentado con plexiglás y vidrio. El taller de tejido y el de cerámica fueron los
más activos. Gunta Stölzl fue la directora del taller de tejidos, tuvo mucho interés en
fabricar de forma competitiva sin abandonar las preocupaciones estéticas; demostró
que podía asumir el doble principio que se exige en el diseño industrial: la
funcionalidad y la estética.
Los talleres de carpintería fue también el de más éxito. Se llega a la conclusión

de que, por ejemplo “objeto-silla” el asiento y respaldo tienen que ser elásticos, el
asiento tiene que tener una ligera inclinación hacia atrás, la columna vertebral tiene
que tener libertad. Renuncian a cualquier motivo de orden artístico.
En el taller de juguetería se pretendía estimular la fantasía del niño a través de

objetos-juguetes que se podían componer y descomponer. El material preferido era la
madera, que se pintaba de colores vivos.
La escuela diseñó y construyó la Casa Sommerfeld obra de Gropius y Meyer.

Hecha de madera, en el interior destacan sus relieves esculpidos, basados en
elementos abstractos.
Gropius cada vez veía más claro la necesidad de relacionar la Bahuaus con
planteamientos industriales. Se diseñó la Casa Modelo, que demostró que la escuela
cambió totalmente de orientación. Colaboraron Muche, Meyer y Gropius. Sus líneas
nítidas, sus paredes sin adorno y su estructura geométrica. En la habitación de los
niños, estimularon la imaginación, las paredes eran lavables y los muebles se
transformaban en elementos de juego. Las habitaciones de los adultos estaban
pensadas para la funcionalidad y el bienestar.
FIN DEL BAUHAUS. EL ECO EN EEUU
El director Meyer deseaba que los productos del Bauhaus fueran útiles y bellos.
Meyer negó el dualismo propuesto por Gropius. Reorganizó los talleres en sentido
productivo y se preocupó por la arquitectura. Su estricta rigidez le trajo enemigos
hasta tal punto que tuvo que dimitir y lo sustituyó Mies van der Rohe que insistió en la
transformación del Bauhaus en un centro de arquitectura. Su actitud autoritaria le hizo
ganar enemigos, lo cual contribuye al cierre del Bauhaus. Pero Bauhaus no terminó del
todo ni en Alemania ni en EEUU.

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TEMA 9: ART DECO VERSUS FUNCIONALISMO

RACIONALISTA.
El Art Déco comienza a consolidarse en Francia, movimiento que empieza a ser tratado
como tal a partir de 1925, el cual es confundido a veces con el Art Nouveau debido a sus
similitudes. Se caracteriza por su ineludible carga decorativa, aunque también opta por una
simplificación formal que capta la mirada del espectador por su sofisticación y lujo.
Generalmente, es un estilo caro por el fuerte componente de artesanía y sus lujosos
materiales empleados.
Los motivos iconográficos principales son las flores estilizadas, figuras de mujeres o
adornos geométricos en forma de zig-zag, tomados de la decoración egipcia, que se convierte
en la primordial fuente de motivos iconográficos, aunque tiene influencias del arte africano,
del cubismo, futurismo, vanguardias, es una mezcla de muchas ideas. Esto puede hacer que
nos cuestionemos su homogeneidad como estilo, pero lo que nos hace reconocerlo como tal
es el cuidado de su diseño, los materiales sofisticados, los toques inusuales de color, etc.
Destaca su peculiaridad y su originalidad.
Antes de la Primera Guerra Mundial, los franceses comienzan a intervenir en el diseño,

país que, sobretodo París, era el centro de la vanguardia, un espejo para todos los países.
Buscan una nueva forma de entender el objeto y el diseño de interior.
El Déco se desarrolla en tres fases principales. La primera, antes de la guerra, donde

una serie de diseñadores toman conciencia de la inferioridad del diseño francés en
comparación con otros países (sobre todo con Alemania), lo cual les hace buscar una
alternativa para su diseño, basada en reafirmar lo autóctono. La segunda, ya finalizada la
guerra, donde los diseñadores se afirman en una búsqueda de identidad. La tercera, sobre los
años 20. El estilo comienza a tener una gran acogida en los EE.UU, aunque no a través del
campo del mueble, sino de la arquitectura y el diseño de interiores.
Una vez hallado este estilo, se dispusieron a explotarlo. A pesar de que el Art Déco se
encontraba ligado a una clase de alto poder económico, sus formas se fueron popularizando,
por lo que se intentó producir para un sector medio. Esta fue una de los objetivos de la DIM
(Décoration Intérieur Moderne), fundada poco después de la guerra.
El mueble Déco se desarrolló especialmente en París. Destacamos a Émile-Jacques

Ruhlmann, el cual encontró su momento cumbre en la Exposición parisina de 1925, donde
presentó su Hôtel du Collectionneur. Se pudo percibir su sentido del lujo y la búsqueda de la
exclusividad. Muy cuidadoso con las proporciones, delicado en las combinaciones, siempre
exquisito en el tratamiento de los materiales. Maurice Marinot (al principio veía el cristal
como una superficie donde pintar, pero posteriormente fue la propia materia la que se
convirtió en su campo de experimentación con una decoración inscrita en la misma masa del
vidrio o lograda a través de ácidos) y René Lalique (diseñador de joyas) fueron dos de los
grandes artífices de los objetos de cristal del Déco. También destaca el uso del metal,
especialmente el hierro, estaño y cobre.

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El estilo comienza a implantarse en otros países, en Estados Unidos, la ciudad de

Nueva York comienza a seguir este estilo, el cual se desarrolla sobre todo a través de la
arquitectura y del diseño de interiores. Se refleja en la construcción de rascacielos, como el
Chrysler building y el Empire Satate Building, donde los arquitectos miran a París para
encontrar sus motivos de inspiración.
El estadunidense Donald Deskey le impacta el diseño novedoso que ve en París. A

partir de ahí elabora un trabajo que en ocasiones recordaba directamente la decoración déco y
en otras se acercaba al planteamiento de los autores modernos. Se caracteriza por poseer un
estilo sencillo, abierto a las posibilidades de los materiales.
LA ALTERNATIVA RACIONALISTA: LE CORBUSIER Y CHARLOTE

PERRIAND; JEAN PROUVÉ.
El estilo Déco obtiene una reacción dentro de la propia Francia, apareciendo la UAM
(Union des Artistes Modernes), donde destaca Charlotte Perriad, Jean Prouvé y Le Corbusier.
Este último es una de las figuras más representativas del movimiento Moderno, el cual
considera la máquina como paradigma de eficacia y fuente de inspiración formal.
A partir de 1930, Le Corbusier se centró en sus proyectos arquitectónicos,

abandonando el diseño del mobiliario. No es este el caso de Charlotte Perriand, la cual sigue
con su investigación sobre el mueble tras abandonar su colaboración con este.
Jean Prouvé fue otro de los impulsores del movimiento Moderno en Francia. Durante
años investigó la posibilidad de crear sistemas de producción industrial de viviendas como si
fuesen piezas de mecano.
LA RECEPCIÓN DEL FUNCIONALISMO RACIONALISTA EN

ESCANDINAVIA: ALVAR AALTO.
En los países nórdicos destacamos a Alvar Aalto. Este prefiere la sensualidad de las
curvas a las líneas rectas. En su arquitectura dominaba su interés por ofrecer edificios a escala
humana, mientras que en el diseño también pretende humanizar el producto. Cree que puede
haber objetos perfectamente funcionales sin olvidar las fuentes de la tradición y la familiaridad
de materiales como la madera. Junto con su mujer, experimentan la posibilidad de curvatura
de la madera, lo cual lo hacen no solo como Thonet, a través del vapor, sino que utilizaron la
humedad natural de la madera de abedul para proceder a la curvatura. A través de esto
crearon un proceso que partía de la disposición de láminas de madera contrachapadas
superpuestas y pegadas entre sí que luego se serraban según el ancho deseado y procedían a
curvarse. Destaca su Sillón 41.
Este también realiza diseños con vidrio, donde se aprecia su interés por conferir
solidez y calidad a las piezas de uso cotidiano.

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TEMA 10: PROFESIONALIZACION

DEL DISENO EN EE.UU. LA CURVA
AERODINAMICA Y LA CURVA
ORGANICA.
Debido al hundimiento de la bolsa de Nueva York en 1929, el consumo decae, por lo
que los diseñadores industriales deben buscar nuevas formas más atractivas para estimular el
consumo.
Aparecen dos modalidades de diseño industrial: styling y streamline. El STYLING da

prioridad al aspecto exterior del objeto, los cuales podían tener influencias futuristas o incluso
del Art Déco. Se encarga de manipular la estética de los objetos sin que tenga que afectar a su
función. Además, deben ser modernos, los cuales contaban con el apoyo de la publicidad para
su venta. El STREAMLINE se refiere a la línea aerodinámica, así como a lo moderno y eficaz. Los
aerodinamistas querían un todo integrado, un objeto de contorno liso.
El aerodinamismo se convierte en uno de los principales recursos utilizados en los años

30 y 50, sobre todo en el sector automovilístico, aeronáutico y ferroviario, aunque también se
aerodinamizaban electrodomésticos. Se utilizaba en muchos casos en exceso y a veces se
olvidaba la función que debía cumplir dicho objeto, se prestaba más atención a la forma
atractiva que debía tener este.
Se producían continuamente nuevos modelos utilizando la excusa “ya no se usa”, y

aunque el sentido común hubiera sido optar por productos más duraderos y que no fueran
afectados por las modas debido al crack de la bolsa de Nueva York, es el momento de la
innovación, incluso se estaba dispuesto a pagar más por objetos que llevaran los signos de la
nueva época.
Uno de los diseñadores más importantes es Loewy, el cual afirmaba que “lo feo no se
vende”. Hizo muchas contribuciones al diseño, recordado sobre todo por el diseño gráfico,
como el diseño del paquete de cigarrillos Lucky Strike. Este funda La sociedad de diseñadores
industriales, en 1944, junto con Dreyfruss y Walter Teague. Dreyfuss se relaciona sobre todo
con la empresa de teléfonos Bell Telephones, diseñando el teléfono modelo 300, donde el
micro y el auricular están integrados en una misma pieza. Walter Teague trabaja sobre todo
para kodak, el cual le contrata para dar un aire moderno y funcional a sus cámaras, destacando
la Bantam Special.
Cabe destacar la exposición mundial de Nueva York y su gran cúpula formada por
triángulos unidos entre sí con el fin de poder disminuir el esfuerzo estructural.

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EL DISEÑO EN EL PERIODO DE ENTREGUERRAS.
Comienza la Segunda Guerra Mundial y el diseño comienza a tener un enfoque bélico.

Creación de coches para el desplazamiento por los diferentes terrenos de la forma más rápida
y eficaz posible, desarrollo de poliamidas para la confección de los paracaídas, así como
resinas, el PVC, los poliésteres… aunque también se imponen nuevas necesidades para los
diseñadores.
Se presta más atención a la correcta funcionalidad del objeto antes que a su forma
exterior, por eso algunos diseños son fríos y angulosos.
EXPANSIÓN AERODINÁMICA Y ORGANICISMO.
La línea aerodinámica se extiende por Europa Occidental y Japón. El diseño de los

objetos no es parecido a la forma alargada de una lágrima, como antes, sino más abombada.
Todo esto se ve bien reflejado en el diseño de los automóviles.
Sobre los años 40, aparece el organicismo, vertiente más del movimiento moderno, el
cual busca ofrecer un objeto con aspecto contemporáneo sin renunciar al humanismo,
eliminando las formas rígidas. Las formas eran más redondeadas. Podemos destacar a Charles
Eames y Ray Kaiser.

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TEMA 3: HACIA LA DEFINICIÓN DE

UN PRÓCESÓ.
Aparece el conflicto de querer separar la ética de la estética, conceptos que hasta el

momento habían estado amparados bajo el contexto global de la filosofía. Esto se manifiesta
en dos grupos:
- Pragmáticos o reformistas: pensaban que era necesario aprovechar las nuevas

tecnologías para fabricar objetos de uso, planteando que éstos podían tener un valor
estético.
- Utópicos: cuestionaban el que la máquina tuviera que intervenir en procesos hasta
ahora reservados al ser humano o, en todo caso, no aceptaban que los objetos
cotidianos perdiesen su carácter personalizado.
Sin embargo, ambos coincidían en considerar el arte como algo superior al hacerlo
portador de valores inherentes a la propia condición humana. Así resultaba muy difícil que
el diseño industrial caminara hacia su autonomía.
El conflicto siguió durante la época Victoriana. Los pragmáticos buscaban una

simplificación del producto que no pudo llevarse a cabo. Los utópicos encontrarían un
referente en Morris.
El estilo neoclásico sigue predominando, pero también es el rococó otro de los estilos
que hacen hincapié, acercado a través de la Revolución Francesa el cual es utilizado por
muchos para dar aires de elegancia. Durante la primera mitad del siglo XIX en Inglaterra
predomina el neoclasicismo a la vez que el Neorococó, mientras que se afianza el neogótico. El
gótico si fue un elemento más del eclecticismo de la época. Destaca Pugin, para él, “construir
un gótico” no significaba dotar a una obra de arte de determinados recursos estilísticos, sino
que tendría que convertirse en una especie de deber para una sociedad enferma. Otro autor
destacable de la época fue John Ruskin. Éste influyó de manera decisiva en Morris, y se sitúa
como uno de los referentes ineludibles del movimiento de Artes y Oficios. No pensaron que la
máquina podría ofrecer alternativas válidas para la elaboración de utensilios y plantearon la
vuelta al trabajo manual.
Entre aquellos que atendían a la función práctica, debemos referirnos a Henry Cole,
creador del libro grammar of ornaments, donde se recogen patrones de diseño de diversas
culturas, una de las figuras más representativas de un importante grupo con ideas similares
que trabajaron también en el proyecto de revista (Journal of design and manufactures), como
Owen Jones y Richard Redgrave. Para ellos, los excesos ornamentales estaban fuera de lugar y
crearon una campaña para eliminarlos, pero contradictoriamente no dejaron de reproducir
alguno de los rasgos que desaprobaban. El diseño del momento (ecléctico y sin norma

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aparente) estaba muy bien representado por Pevsner. La sustitución universal de la línea recta
por la curva es una de las características del diseño a mediados de la época victoriana. La curva
victoriana es generosa, lo cual la diferencia de otros estilos. Debe haber decoración superficial
o un grueso relieve en todas las superficies disponibles. Era un planteamiento sobrecargado de
formas pesadas.
LA EXPOSICIÓN UNIVERSAL DE LONDRES, 1851. INDUSTRIA Y

ESTETICISMO.
Estas exposiciones nacieron de la necesidad de los industriales de mostrar sus

productos. Se trataba de dar a conocer los últimos avances de la técnica. El edifico que
albergaba dicha exposición es el primero en ser considerado de “arquitectura industrial” ya
que estaba construido a través de elementos prefabricados en talleres (Palacio de cristal).
Estados Unidos era de los pabellones más visitados, pero también podemos destacar el francés
y su virtuosismo en la talla de madera y sus delicados trabajos de marfil, así como en India, con
sus tejidos y diversas piezas.
Aparece la cuestión de la mímesis, si los objetos deben o no recoger en sí las

referencias visuales o lo conocido. Arte como imitación. Esta condena del arte imitativo ha
influido en la historia del arte. Se comienza a recuperar el pensamiento aristotélico, el arte se
aproxima a la realidad terrenal. Por su parte, en el diseño del siglo XIX, las posibilidades que las
máquinas otorgaban para la copia naturalista impulsaron a los empresarios a reflejar en los
objetos esta circunstancia. No es hasta el siglo XX cuando el diseño comienza a eliminar
cualquier elemento naturalista de los objetos de uso.
MOVIMIENTO DE ARTES Y OFICIOS.
Es un movimiento típicamente británico. Su historia se halla estudiada a través de

Morris. Se buscaba recuperar la relación entre los seres humanos y los enseres por ellos
utilizados. Esta relación perdida tenía tanto que ver con el hacer del objeto como con el
usuario. Rechaza la industrialización, donde se piensa que todavía es posible el trabajo
artesanal. La oposición a esto es que el objeto artesanal no puede competir económicamente
contra el objeto industrial, por tanto estará dirigido a un sector económico fuerte (alta
burguesía).
Se plantea de nuevo el problema de la forma y la función, al igual que el de la

decoración. Para Morris es imprescindible atender a la funcionalidad de los objetos (aunque
también consustancial buscar la belleza); la forma se acoplará a ella de modo sencillo y
adecuado. Para este la máquina no puede fabricar productos auténticos, para este la
posibilidad de futuro está en una vuelta atrás, que no significa un retroceso, sino retomar el

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progreso desde el mismo punto en el que se había abandonado: desde la pérdida del
humanismo.
Se recurre al estilo gótico, el cual es capaz de unificar la función, forma y decoración.

El goticismo se traduce en detalles como la disposición de vanos ojivales y volúmenes afilados,
así como la utilización del ladrillo visto. En general, las formas de Artes y Oficios se
expresaban preferentemente a través de líneas sencillas, mientras la decoración se inspiraba
en elementos de la naturaleza.
Uno de los gremios más importantes que se formaron fue la Century Guild, cuyo
miembro principal fue Arthur H. Mackmurdo, que debe ser recordado por su principal
anticipación al modernismo. Otro gremio importante fue el de Los trabajadores del Arte,
cuyos miembros trabajaron ya de forma individual. Destacan Walter Crane y Lethaby. Sin
duda, tenemos que tener muy en cuenta a Voysey, uno de los más significativos diseñadores y
arquitectos del momento. Sus piezas gozan de mucha simplicidad. Finalmente, cabe mencionar
el gremio formado por Charles Robert Ashbee, que siguiendo las ideas de Morris, buscaba
lograr la satisfacción del artesanado en relación con su trabajo.

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TEMA 4: DISEÑO E IÑVEÑCIOÑ.

El siglo XIX es el siglo de la “fiebre inventora”, consolidándose en el siglo XX. En el
último tercio del siglo XIX hay un gran desarrollo inventivo debido a que se tenían que
satisfacer una serie de necesidades de una nueva sociedad que ya ha cambiado sus
parámetros económicos.
MEDIOS DE LOCOMOCIÓN Y TRANSPORTE.
El primero en nombrar será la bicicleta, observándose diseños de esta desde Leonardo

Da Vinci. El caballo de madera puede considerarse como la primera bicicleta, la cual no tenía
ni sillín, ni dirección ni manillar, solo se componía de dos ruedas de carros agarradas mediante
horquillas a un travesaño de madera (bautizado más tarde como celerífero). Pasan bastantes
años hasta que aparece la draisiana, que ya consta de dirección y de un apoya barrigas, para
conseguir más impulso con los pies. Tenemos que esperar unos 40 años para que Ernest
Michaux, reparando su draisiana, invente un sistema de apoyo para los pies durante las
bajadas, que le hizo pensar en la posibilidad de unirlo con la rueda anterior: se inventaron los
pedales y la tracción exenta. Fue en los años 60 cuando aparece la cadena por Starley,
considerándose esta como el primer diseño moderno de bicicleta.
El ferrocarril constituye el primero de los grandes medios colectivos. Se compone

principalmente de dos partes: la locomotora y los vagones. La locomotora tenía un diseño
muy rudimentario ya que la principal preocupación de los ingenieros y mecánicos era el
funcionamiento, pero con el paso del tiempo y el auge de dicho medio de transporte se
empezó a considerar la apariencia formal. Se empezaron a cuidar las formas de las chimeneas,
cúpulas de las calderas y válvulas de seguridad, que incluso llegaron a imitar formas clásicas. El
diseño de los vagones sin embargo evolucionó más lentamente y recordaban al estilo de las
diligencias.
La llegada de la máquina de vapor revoluciona el mundo de la navegación, que

durante milenios estuvo utilizando la vela. La experiencia acumulada durante siglos fue
perfilando el casco y la arboladura de los barcos hacia líneas cada vez más estables y veloces.
La aparición del barco de vapor va sustituyendo a los veleros.
El automóvil nace de la necesidad que aparece debido al bienestar económico de

tener un medio de transporte propio que les permitiera la movilidad a placer, individual pero a
la vez capaz de transportar a un grupo pequeño de personas. Esto fue posible gracias al motor
de explosión o de combustión interna. Con respecto al diseño, los primeros recordaban a los
modelos de coches de caballo. No se puede atribuir un inventor del automóvil, pero si es
verdad que fueron Dailmer y Benz quienes alcanzaron un grado de funcionalidad aceptable.
Centrémonos ahora en la idea de volar. Fue Leonardo Da Vinci el primero que

proyectó unos significativos artefactos que, basándose en el vuelo de los pájaros pretendía
elevarse del suelo mediante impulso humano, pero debido a los pesados materiales de la
época este proyecto no puedo llevarse a cabo. Aparecen los primeros globos (los hermanos

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Montgolfier), dando lugar más tarde al Zeppelin. Con el tiempo se va dando la separación
entre el sistema portante y el sistema de propulsión (planeadores). Los principios de los
planeadores eran: alas finas y curvas, introducción de superficies horizontales posteriores para
asegurar la estabilidad longitudinal y de superficies verticales fijas para la estabilidad
direccional. El primer aeroplano de motor de gasolina por los hermanos Wright fue capaz de
recorrer 40 metros.
OTROS PRODUCTOS DE LA CASA Y DE LA OFICINA.
Cabe destacar la máquina de coser, cuyo diseño inicial era austero, pero poco a poco
se complica a motivos decorativos florales sobre su cubierta de metal. Iban dirigidas sobre
todo a la mujer.
Algunas máquinas de escribir poseían el mismo tipo de dibujos que las de coser ya que
se dirigían al público femenino. El aspecto formal de este objeto no era la prioridad de los
fabricantes e investigadores (a excepción de la decoración). No es hasta el siglo XX cuando se
le da importancia a su diseño.
A finales del siglo XIX aparece la primera cámara plegable de bolsillo kodak, con un
diseño sobrio (una sencilla caja negra). Más tarde apareció la cámara Brownie, un aparato con
forma de paralelepípedo como una sencilla caja de zapatos. El material era de cartón, con un
aspecto exterior infantil (dirigida sobre todo a un sector infantil).
También aparece el teléfono, por Graham Bell, diseño que se tomó como modelo para
avances posteriores en el objeto, hasta que comienzan a fabricarse modelos propios de otras
empresas.
Otros inventos destacables son la aspiradora (Hoover), la bombilla eléctrica (Edison), la

primera lavadora eléctrica (Fisher).

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TEMA 5: EL MODERNISMO.
Las dos características más importantes de este movimiento son el énfasis por la línea
y la tendencia al espectáculo, son una fuente constante de sorpresas para el espectador,
donde el objeto destaca sobre todo por su función estética.
Es conocido internacionalmente como Art Nouveau (apelativo que procede de una

tienda de París (Héctor Guimard como mayor representante) La Maison de l’Art Nouveau, más
conocido en España como Modernismo, Secession en Australia, etc), y comienza a través de los
objetos de uso, donde alcanzó su máximo auge. Era un estilo fundamentalmente decorativo
donde el ornamento se integraba en la misma estructura constructiva del objeto gracias a
los nuevos materiales y a su posibilidad de curvatura.
Tiene gran influencia oriental, sobre todo japonesa, pero que también coge
referencias muy concretas del gótico y rococó. El gótico de Artes y Oficios se reescribe en el
modernismo enfatizando la libertad expresiva, donde la línea era un elemento común, la cual
podía ser ondulante, sinuosa, con un rápido crecimiento vertical, etc. Dependiendo del uso de
esta podemos distinguir dos vertientes: una que se desarrolla más bien por Escocia o Austria
(apariencias más sobrias) y otra por Francia o Bélgica (amantes de lo sinuoso).
Era común el uso del color y de giros inesperados en la forma de los objetos
(espectáculo). Las plantas de tallo alto y los animales estilizados (aunque la mujer también
adquiere un papel importante) se convierten en los principales elementos decorativos,
elementos muy bien utilizados por Tiffany.
Autores que destacan son Henry Van De Velde, admirador de Morris, Aubrey
Beardsley, Émile Gallé, Tiffany, Gaudí, Hoffmann, Olbrich, Guimard.
Uno de los primeros en contribuir a la afirmación del estilo fue el vidrio, que pronto va
a impregnarse de organicismo, tomando formas y coloraciones insólitas. Ofrecía todo un
mundo de posibilidades estéticas.
Émile Gallé tenía a la naturaleza como fuente de inspiración. Tenía productos de

diferentes texturas y matices, donde también incluía efectos de relieve. Algunas de sus obras
guardaban inscritos versos de sus escritores favoritos. Tenía principalmente influencias del
rococó, pero evoluciona hasta ser plenamente modernista.
En EE.UU el cristal alcanza grandes cotas con Louis Comfort Tiffany. Sus lámparas tan
conocidas rememoran el desarrollo de una planta. Sus jarrones y copas tiene formas más
abstractas que las de Gallé, donde el cristal engarzado en forma de vidriera adquiere un color
casi impresionista. Propuso el método del fabrile glass, con el que se podían conseguir
bastantes juegos abstractos con el vidrio.
Sullivan sin embargo unía poderosos ornamentos vegetales a líneas estructurales más
bien austeras.

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El Art Nouveau también encuentra otro sector en la joyería, donde el mismo Tiffany se
interesó por sus formulaciones. Las piedras utilizadas no se elegían por su riqueza, sino por su
capacidad de evocación y sugerencia, por su color o textura (destaca Lalique).
El cartel se convierte en un elemento a través del cual los modernistas dieron a

conocer al gran público el nuevo gusto, en los cuales vuelven a destacar la línea, la figura de la
mujer, formas vivas, fluyentes y en movimiento.
DE MAKINTOSH A GAUDÍ.
Makintosh, arquitecto y diseñador escocés, fue uno de los máximos

representantes del Art Nouveau en Escocia. Trata de reformar rompiendo con lo
anterior. Saltó a la fama después de exponer sus muebles en la Secesión de Viena en
1900. Formó parte del grupo “Los cuatro” de Glasgow, creado en 1897. Fue su
principal figura. Quería dar a su obra una orientación funcional y espiritual, gracias a
una aproximación de la arquitectura y del dibujo, asociando el simbolismo y el
equilibrio entre factores opuestos: modernidad-tradición, masculino-femenino,7 luz-
oscuridad, sensualidad-castidad.
Su línea es más previsible, ascendiendo con suavidad y evitando los fuertes
contrastes. También comparten el interés por la naturaleza, aunque buscando en ella
estructuras esenciales, dibujando paisajes que nos remiten más al inicio de la
primavera que a su estallido.
Los juegos entre simetría y asimetría, que le van a acompañar siempre, se
pueden seguir fácilmente desde el armario-cajón de su despacho, a la fachada de la
Glasgow School of Art. También diseñará tejidos con estampados rítmicos de gran
colorido que anticipan el Art Déco.
Aparece la SECESIÓN, un grupo de arquitectos y artistas que conformó una
nueva variante del Art Nouveau. Destacamos a Otto Wagner con la estación de
Karlsplatz del metro vienés, con una decoración pictórica además de curvaturas en
relieve propias del modernismo de otros países. En la secesión se consiste en una
ruptura con lo anterior y en la búsqueda de una nueva identidad. Olbrich crea la casa
de la Secesión, donde buscaba ofrecer al amante del arte un lugar sereno de reflexión.
Más tarde se crean los Talleres de viene por Hoffman y Moser, que tenían un
referente claro en el gremio creado por Ashbee, cuyo objetivo es crear y comercializar
objetos de uso doméstico de gran calidad a través de métodos artesanales.
Henry Van De Velde, situado en la órbita neoimpresionista, deja la arquitectura por el
diseño de interior, muebles, gráfico y de producto. Tenía sus referencias en Morris y en el
movimiento de Artes y Oficios. El estilo de Van de Velde evolucionó, desde formas
inspiradas en plantas e ideas simbólicas, hasta el estilo abstracto y de gran simplicidad,

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uniendo con mucha armonía los artístico o bello con lo pero teniendo en cuenta que
estos objetos debían poder fabricarse de manera industrial, permitiendo que llegaran
de esta manera a toda la sociedad. Los rasgos característicos de sus diseños son: el
retorno a una interpretación racional, una lógica en el empleo de los materiales y la
renuncia a todo ornamento naturalista inútil y a la utilización de elementos de estilos
pasados.
Por último, Gaudí. Antoni Gaudí fue un arquitecto atípico; pocas veces
realizaba personalmente planos detallados de sus obras. Imaginaba mentalmente el
conjunto del proyecto, dibujaba sus ideas y acababa plasmándolas en maquetas
tridimensionales. Son los arquitectos que colaboran con él quienes se hacen cargo del
trabajo técnico. Es indudable que su fuente de inspiración surge de la naturaleza (de la
montaña de Montserrat, las cuevas de Mallorca o la Cueva del Salnitre en Barcelona),
Gaudí estudió con profundidad las formas orgánicas, buscando un lenguaje para
plasmarlas en la arquitectura. Entre sus diseños destacan los de metal. Como
diseñador de muebles trabaja sobre todo en madera y en combinación de ésta con el
hierro.

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Resumen - libro "historia del diseño industrial"

Teoría y estética del diseño industrial (Universidad de Cádiz)

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También se da el uso de plásticos traslúcidos como recubrimiento de algunos objetos.

Los 90 siguen siendo eclécticos. Se busca sobretodo la identificación personal con el

Principalmente, pretendía democratizar el producto, es decir, es fundamental

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Destaca su búsqueda de simplicidad y su voluntad de diseñar con honestidad para el

El diseño de los años 90 abandonó progresivamente los valores epidérmicos de la

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realizar lámparas, ésta compañía ha destacado por la reutilización de objetos. Destacamos su

DISEÑO E INNOVACIÓN TECNOLÓGICA.

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integrado Biosystem. Diseñó en la segunda mitad de los 90 el BeoSound. El Beosound 1

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