8. ¿Por qué, según Lyotard, «la filosofía nace a la vez que algo muere»?
La filosofía, es una propuesta de visión del mundo, el planteamiento con el
conjunto de lo real, se conecta con lo real y va con los argumentos.
La filosofía nace cuando perdemos una imagen del mundo, una realidad, la
filosofía no es un entretenimiento de eruditos y mucho menos no es una
biblioteca en silencio.
Filosofía propone una existencia y profundo: amor a la sabiduría, verdad.
Filosofía no se trata de un hobby, filosofía es ir por sabiduría y verdad, es un
dialogo, es un encuentro de miradas, un tratar de entender y habitar el mundo.
La filosofía cuando se ha perdido, pierde la claridad del mundo.
Porque cuando llegamos a la verdad, a veces la verdad no es lo que esperamos o la
que siempre habíamos creído. Muere ese cuestionamiento, pero nace otro, uno nuevo.
Cuando nuestra seguridad se pierde quedamos en una desolación, lo cual nos lleva a
la filosofía. La filosofía es una actividad fundamental que tiene relación con el
mundo.
9. Según Löwith, ¿cuál es la reacción humana más frecuente cuando «se
apaga la luz del astro que ilumina a todos»?
Según Löwith, al no reconocer la realidad, al caer el astro que nos ilumina a
todos, el mundo se encuentra a oscuras. Y lo que les queda a las personas es
alumbrarse con sus propias lámparas.
Cuando el astro que ilumina se apaga, hace que el hombre se individualice y
provoca una inmediata acción de encierro, hacia la propia individualidad o crisis,
me da una mínima seguridad.
Una lámpara privada no ilumina mucho, por eso, es que la gente en tiempo de
crisis retrocede hacia su individualidad, pierde la conexión con los demás.
Encender una lámpara privada alimenta espíritus individualizados. En tiempos
de crisis se pierde más aun el lazo de concesión con los demás, se rompe todo
relación con el entorno, solo vela por sí mismo.
En tiempos de crisis, cuando el sentido del mundo se apaga, muchas personas
se contentan con su privacidad, se refugian y nace la tendencia a la
individualidad, la conexión con el entorno y los demás se pierden.
Cuando se apaga el astro que ilumina a todos, sienten que sus esquemas se han
desboronado, las personas entran en un ámbito de privacidad, hay crisis y
retracción hacia la individualidad.
Es como si las lámparas privadas, que representan nuestra individualidad, no
ayudarían a iluminar a todo porque solo logran iluminar nuestros pasos, por lo
tanto, el sentido del mundo se quiebra.
Si se apaga la iluminación del astro hará que nos individualicemos y nos aísla del
mundo, si ya no existe ya no podremos movernos de ese mundo porque ya no
confías en él, te retraes y poco a poco te apartas.
Un tiempo de crisis nos lleva a buen recaudo una lámpara privada, nos da una mínima
seguridad, pero no restaurara el mundo ya perdido.
10. ¿Qué se entiende por “privado”? ¿Qué consecuencias sobre lo público
tiene una mentalidad concentrada en el cultivo de lo privado?
¿Qué se entiende por “privado”?
Lo privado es arrebatar de lo público; pero no significa algo que encierra todo lo
que yo soy. Si la felicidad la encerramos en el ámbito de lo privado, abandonamos
la casa, la calle, el país, convirtiéndolo eso en algo lejano, remoto, al que no se
pertenece.
Los tiempos de crisis son tiempos en los cuales los individuos buscan sus mundos
privados además que pone el acento a la individualidad
Lo público es como la matriz de lo privado, lo que significa que si se abandona lo
público es abandonar lo privado.
Porque Constantinopla era la pérdida de las rutas comerciantes, pero no solo eso,
sino que además la Caída de Constantinopla simboliza también la amenaza
musulmana, un reordenamiento de la economía y de la política.
Constantinopla, impulsa un cambio económico político porque
experimentaron las navegaciones.
Interior: luz
ROMA Exterior: caos
15. ¿De qué modo el arte románico refleja el contemptus mundi medieval?
¿Eran necesariamente ineptos sus autores?
¿De qué modo el arte románico refleja el contemptus mundi
medieval?
El arte románico no se inspira en la expresión de belleza y sentimientos
porque el arte románico no distingue la diferencia de los rostros, omiten
la individualidad, el rostro de cada quién, solo comunican algo invariable,
solo se limita a recurrir a elementos simbólicos, las pinturas, omite
deliberadamente un paisaje. Es por esto que refleja contemptus mundi
medieval, no le interesa la naturaleza, no le importa reconocer la
materialidad de las cosas, recurría a lo esquemático. Su estilo reflejaba el
contemptus mundi porque reflejaba una despreocupación por el mundo,
no pintaban rostros exactos, o paisajes hermosos, buscaban tan solo
difundir un mensaje de salvación.
En la representación pictórica las pinturas no aparecen tener diversidad,
no hay paisajes, sombras, perspectivas. El arte solamente muestra lo
relevante, no los detalles humanos. En este arte se obvia lo irrelevante
(materia cambiante, corrupta, desagradable), el que observa la pintura no
debe ser aplastado por los colores o adornos; para este arte lo relevante es el
mensaje.
¿Eran necesariamente ineptos sus autores?
No tenían un propósito de lucimiento o exhibición sino de transmitir un
mensaje a los demás. El creyente no debe distraerse con los detalles.
Lo que necesitaba enseñar, tenía una finalidad instructivas para los
demás. Indivisibilidad de los autores, ineptos que tienen como propósito
trasmitir la enseñanza.
16. ¿Qué diferencias visibles existen entre las iglesias románicas y las
góticas?
Las iglesias románicas; eran construcciones pequeñas y bajas con muy pocas
ventanas y por tanto iluminación escaza, oscuras cerradas; por lo que el
creyente no debe distraerse con ningún arte. Tenían un aire sombrío y estaban
bastante alejadas de la ciudad. Sus techos tenía forma cóncava y las paredes no
tenían diseños muy elaborados, eran generalmente planas. Hay una oscuridad,
por lo que el creyente, si se deslumbra se pierde su mirada en la tierra. El arco
de una iglesia románica es templado a la arquitectura romana. El arco redondo,
bajas columnas y grandes cúpulas.
Las iglesias románicas tenían, tenían poca iluminación y se encontraban lejos de
las ciudades. Ellos buscaron no adornar para no interferir el contacto de las
almas con lo divino, oscurecer el mundo físico, incluso eliminarlo para que surja
el reino de la gracia, tal como expresa Todorov, no merece la pena, perder el
tiempo con el mundo visible.
Las iglesias románicas fortificaciones sólidas, escasas de adorno, no fueron
construidas con aportaciones comerciales. Casi a oscuras porque no importaba
ver al exterior, no hay propósito alguno de exhibición, pues solo buscaban
mostrar su excelencia espiritual.
Las catedrales góticas; por el contrario eran edificaciones grandes y muy altas,
tenían grandes vitrales alrededor de toda la construcción y los techos
terminaban en puntas muy altas. Estaban ubicadas en medio de la ciudad y su
diseño exterior era majestuoso, sus columnas y fachadas eran imponentes y
presentaban pequeñas esculturas llamadas gárgolas.
Torres terminadas en punta, columnas delgadas y altas, ventanas con vidrios de
colores.
Una catedral gótica es vista de un tamaño aplastante, reflejando así una
impaciencia por alcanzar el cielo. Desde el punto de vista estético, es
considerada una majestuosidad, esto se debe a los comerciantes que la
financiaron, es una exhibición de poder financiero, una declaración de desafío.
Las catedrales góticas, ponen a la vista una habilidad, un arte, es orgullo
mundano. Arte gótico no es semicircular esta modificada por la superficie, ya
que de ese modo llega a una gran altura.
En cambio una iglesia gótica eran construcciones gigantescas, tenían una
impaciencia por alcanzar lo elevado el cielo , debido a sus características
(agotantes , puertas ojivales, , pináculo, rosetones) además de enormes vitrales
, parecía que cuando la gente se encontraba triste y llegaba luz a ellos por medio
de las enormes ventanas , sentían como un éxtasis , hay un contemptus mundi
, pero extremo, hay una declaración de fuerza sobre todo , hay un deseo de poner
todo a la vista , todo lo contrario a las iglesias románicas.
17. ¿En qué sentido las catedrales góticas son una exaltación del
contemptus mundi, y en qué otro sentido son una negación de esta misma
mentalidad?
Era una exaltación del contemptus mundi, puesto que dentro de ellas se sentía
un anticipo del cielo, el espectáculo que se vivía llenaba a los fieles de júbilo y
éxtasis y les hacía desear estar en el cielo. Sin embargo es una negación también
porque su edificación era tan majestuosa que invitaba a la personas a verlas,
los vitrales y la arquitectura empleada invitaba a concentrar la atención en ellas.
Una catedral gótica la exaltación de contemptus mundi al ser vista por su gran
tamaño, que sugiere ligereza, ya que, es una manera de reflejar su impaciencia
por alcanzar el cielo. Pero, es también negación al mostrarse ya en ella, una
habilidad, un arte, es orgullo mundano, contrario de contemptus mundi.
El interior de la catedral gótica añade unos trajes gloriosos, un contexto mundi
exaltado
19. ¿Cuáles fueron las grandes catástrofes que asolaron a la Europa del
siglo XIV?
Es un siglo de crisis, empezando por lo sucedido:
La guerra de los cien años (1337-1453): entre Inglaterra, Francia y aliados.
Generaciones nacidas en zozobra, inseguridad, caminos amenazados, vidas en vilo
que mantenían un estado general de guerra. Un estado de guerra prolongado, una
sensación de vida que no vale nada, brevedad de la vida misma acompañado
de desesperanza. La peste negra, la mortandad de la gente, las supersticiones,
malas cosechas.
La Iglesia se divide (1338-1409): La iglesia de occidente se separa, esto resulta en
la existencia de dos papas. El Cisma (división) de Occidente, la división de la
Iglesia Cristiana, resulta dramático porque durante ese tiempo tuvimos 3 papas,
porque al momento de elegir al papa no se pusieron de acuerdo, esto llevo a un
estado de guerra también, lo que supuso confusión, dilema de conciencias,
sensación que el fin de los tiempos se aproximaba, pues en el apocalipsis hacía
mención de la llegada de un anticristo. Tres papas se proclamaban a la vez y
entre la población surgieron dudas innumerables puesto que no sabían a quién
nombrar en sus oraciones. Además en las sagradas escrituras las personas
habían leído que el maligno se disfrazaría en algún momento y ellos temían
nombrar a alguno y ser condenado al infierno.
Predicador Geiler, manifiesta en sus prédicas que más le vale al cristiano ponerse a
rezar o un “sálvense quien pueda”. Estas expresiones de individualidad, se asemejan
a la reacción humana que describe Bocaccio La peste negra lleno los campos de
figuras demacradas, jaquecas insoportables, la peste toco los cimientos sociales.
cuando narra hablando del horror de la muerte “…engendraron diversos y grandes
miedos e imaginaciones en los que quedaban con vida, de tal modo que todos
estuvieron de acuerdo en poner en práctica un proceder bastante inhumano y
cruel: el de no visitar a los enfermos ni entrar en sus casas, creyendo que cada
uno aseguraba tanto más su buena salud, cuando más de ellos se mantenía
apartado.(…)” y es que rotos los vínculos con cada uno queda como a la intemperie
de una vida individual, no a la protección una vida colectiva.
Tienen una igualdad a la lámpara que se apagan, generando así la tendencia la
individualidad, hacia lo privado, el encierro del yo destrucción física. En un
estado en donde la imagen del mundo se ha derrumbado. El abandono de lo
común de lo colectivo o público.
Para Geiler “sálvese quien pueda”, Más le vale en un rincón, sálvese quien pueda,
olvídese de los demás. Rompen los vínculos, la asistencia personal, por lo que la
sociedad queda rota. Muestra el desapego con el mundo, la despreocupación por
los demás, surge el individualismo, tratan de alejarse del mundo se concentran
en sí mismo muestran una indiferencia hacia el mundo, no comparten un lazo con
las personas, se individualizan. No existía ya esperanza de que algo mejorase,
existía el sentimiento de que todo acabaría. Geiler, predicaba en la catedral de
Estrasburgo, “lo mejor que puede hacer es mantenerse quieto en un rincón
tratando de seguir los mandamientos para ganar la salvación eterna, para Geiler
no existía una esperanza de que la humanidad mejorase, el final de un mundo
corrompido constituía algo cercano, “el fin de los tiempos”.
Será en la neutralidad de la muerte, aparece una dimensión individual de la
existencia a través de la muerte, que es a un tiempo el destino de todos y la suerte
de cada uno. Y, a partir de ese individualismo, uno siente amor por su vida, aun
sabiendo que es breve. Y alberga una profunda melancolía ante el abandono
de los goces terrenales.
No podríamos hablar de la belleza renacentista sin dedicar un breve espacio a Leonardo da Vinci quien
dedicó buena parte de su Tratado de pintura a expresar las proporciones más armónicas entre todas las
partes del cuerpo con el hombre de Vitruvio. En él, el ombligo era el punto central natural del cuerpo humano
y el centro de la circunferencia y del cuadrado en el que se inscribe el cuerpo del hombre extendido. En
este dibujo Leonardo Da Vinci representa las proporciones que podían establecerse en el cuerpo humano,
la proporción áurea que viene representada por el número 1"618. Esta proporción refleja la máxima belleza
y perfección, es decir la belleza divina. Para Leonardo, el hombre era el modelo del universo y lo más
importante era vincular lo que descubría en el interior del cuerpo humano con lo que observaba en
la naturaleza.
24. ¿Por qué las palabras finales de Bocaccio sobre la Peste Negra, y la
pasión por la moda a partir del siglo XIV, según Lipovetsky, revelan un
retroceso del contemptus mundi?
SOLO HAY LAMNETO POR LA PERDIDA SI HA HABIDO APEGO. Adhesión (aceptación) a
las cosas. Bocaccio cuenta con sinceridad lo que vivió personalmente en medio
de la peste. Es doloroso y lamentable como tantas herencias quedan a la deriva
que nosotros deducimos que hay una atención puesta sobre lo material. Bocaccio
lamento al ver perdido el apego a las cosas mundanas. Un tono de queja,
protesta en el Decamerón, cuantas mansiones se quedaron ilegitimo por lo que
eran objetos grandes.
Durante la Peste Negra del siglo XIV no se refleja contemptus mundi. La peste
pone la muerte en un plano diferente, la gente llora por la pérdida de los bienes.
La Peste Negra manifiesta un apego a las cosas, a los bienes materiales.
Bocaccio refleja que la muerte arraiga consigo todo lo que toca, en el escrito, se
deslumbra una señal que el contemptus mundi ha desaparecido puesto que una
cosa es saber que algo ha de morir y otra es que te las arrebaten. Ya la muerte
no es un objetivo, un reencuentro de paz con el creador; sino algo que temer,
algo que te arrebata vida y también todo lo adquirido. La peste negra acelera la
extinción del Contemptus Mundi.
“Oh cuantos grandes palacios, cuantas nobles habitaciones…”. Dice, cuantas
espléndidas propiedades se quedaron sin heredero, revela un apagamiento del
contemptus mundi. Lamenta las perdidas, se queja del abandono de todos los
patrimonios, solo hay lamento por la pérdida si ha habido un apego, un adhesión
emocional a tales cosas. Es su revelación de que es doloroso ver, como tantas
herencias quedan a la deriva. Hay una ilusión puesta en sus bienes materiales,
esos bienes que provienen de la fortuna formada por la nueva clase burguesa.
Bocaccio se queja del estado de abandono en que quedan todas esas
posesiones, solo hay lamento por la pérdida de los bienes materiales, si es que
hubo un apego hacia ellos.
26. ¿Por qué los poemas de Petrarca dedicados a Laura ilustran un cambio
respecto del contemptus mundi medieval? ¿Cuál es la actitud ante la
muerte en estos versos?
¿Por qué los poemas de Petrarca dedicados a Laura ilustran un
cambio respecto del contemptus mundi medieval?
Petrarca describe un “cruel alejamiento”, que es la muerte. Esta entonces trae
consigo una protesta, que es un gesto de rebeldía ante la muerte. La muerte es
un cruel alejamiento. Ya no es la mala muerte sino la maldita muerte.
La muerte le ha arrebatado su dulce bien, esa muerte le deja pesaroso
(apenado).
No hay un cambio total. “Correr hacia la muerte” es un lenguaje del contemptus
mundi, pero no la acepta, esta muerte provoca una protesta.
La muerte ya no es aceptada con tranquilidad, ya no hay conformidad
con ella. La muerte no es el desenlace natural. La muerte para Petrarca,
lastima, le provoca un daño. La muerte de su amada Laura hace pesar,
le quitaron de forma abrupta a su amada. Hay una rebeldía, un deseo
que la muerte puede deshacer lo ocurrido. Petrarca desea morir,
quiere morir para volver a ver a su amada.
Petrarca decía: Una simple mortal puede enaltecer al cielo, refiriéndose
a Laura, es así como reflejaba que algo mundano engalana a lo
celestial. El cielo entonces, resulta una prolongación de la tierra,
queriendo extender un bien terreno, el amor por Laura. Lo que él
quiere, es mantener lo que tenía. La muerte a todos nos vuelve triste,
dice el autor, pero para él, será alegría porque se encontraría con el
amor de su vida.
Tras la muerte de Laura, Petrarca se demuestra apesadumbrado
(dolorido), ya no ve más a la muerte como liberadora. Ahora es un
verdugo (cruel o martirio), hace daño, es cruel y una enemiga.
Petrarca habla del deseo de deshacer lo que ya hizo la muerte, pues
ésta priva, oprime y lo vuelve infeliz.
30. ¿Por qué el retrato de Laura, de Simone Martini, refleja los dos paradigmas
de la modernidad también reflejados por el ascenso de Petrarca al Ventoux?
Simone Martini pinto un retrato de Laura que fue atesorado por el poeta Petrarca ,
Simone Martini al pintar a Laura, la pinto tal cual era, irrepetible e inigualable,
resalto en la pintura una identidad propia de Laura que le hacía distinta a otra
mujer. Para Petrarca la identidad personal, corporal y la apariencia carnal,
merecen ser fijadas; ya que este conjunto hace a la persona, por tal motivo, no se
puede mostrar uno sin lo otro, en el caso que se quiera mostrar tal cual a la
persona.
Simone Martini quien pinta a Laura tal cual se veía, lo cual también va en contra de
la mentalidad del contemptus mundi. Significa admira la belleza de alguien
contemplado, reflejado.
Para Martini también debemos suponer es fidelidad a querer representar a Laura,
lo corpóreo era importante, que el retrato sea parecido al cuerpo original. Esto
reconoce un reencuentro entre lo mundano (mundo externo) con lo corpóreo
(lo interno, lo individual).
31. ¿Por qué las ilustraciones de los hermanos Limbourg para el Duque de
Berry reflejan, según Todorov, una representación del objeto y también del
sujeto?
Las escenas de los hermanos Limbourg son cotidianas, como un tejado agujereado, una
mujer en la nieve muriéndose de frio, faenas del campo, cosas completamente
prosaicas, pedestres, triviales ya no son escenas que tienen un propósito evangélico,
sino que es una mirada del mundo real tal y como es.
Las ilustraciones de “Las más ricas boras de duque de Berry” a diferencia de la pintura
románica; pinta la mirada del pintor. Aquí no se pinta la individualidad de las cosas,
sino, la individualidad de la mirada; mostrando así la fidelidad del pintor ya que se
pinta tal cual como se mira. Se pinta la fidelidad no solo al objeto, de la visibilidad;
sino, la fidelidad a la individualidad del sujeto. Se pinta al mundo desde el mundo;
tomando en cuenta, sobretodo, lo mundano, lo cotidiano, lo que se nos es frecuente
a diario. Se pinta tanto a personas de la realeza como a plebeyos. La toma alude a la
ubicación del pintor, se pinta según la perspectiva del pintor. No se pinta las cosas
como se ven o como el ámbito del pintor las ve, sino, de acuerdo de la estación, al
instante, al día, a la hora. A diferencia de la románica, aquí el pintor no se mide al
pintar tal cual es el mundo con todas sus imperfecciones, no le importa recrearse hasta
en lo más rustico. Aquí se abren los sentidos al mundo real, no se pinta algo platónico;
se pinta al mundo tal cual.
32. ¿Por qué pintar las sombras de los caballos en una de las ilustraciones de
los Limbourg revela un cambio importante respecto del contemptus mundi
medieval?
33. ¿Por qué El matrimonio Arnolfini es una muestra tanto del orgullo
burgués cuanto del orgullo del pintor?
Jan Van Eyck; pinta el matrimonio Arnolfini que es un retrato en donde se están
contrayendo nupcias entre un comerciante millonario, que ha intentado
aposentarse una fortuna con ambiciones. Hay una presencia de ostentación
descarada. Se presenta orgullo, declarar tu propia fortuna, dar a conocer o realzar
tu posición económica y social.
En la pintura se observa que están en su habitación, hay zapatos, duraznos que
son frutas caras lo cual querían representar su orgullo material mundano.
También se observa un perrito junto a ellos completando el retrato. En el fondo
hay un espejo y arriba de éste se encuentra la firma del pintor. Como ha estado
allí, quiere hacerse presente. En el espejo también se puede ver al pintor, puesto
que lo que él quiere es mostrar su presencia. Hay un deseo por exaltar la mirada
dándole un poder extraordinario.
Al llegar a ese grado de precisión quiere mostrarnos su aptitud para el arte
coincidiendo con la voluntad de quien lo pinta. Existe por parte del pintor una
ostentación, comunicando a través de las pinturas que el contemptus mundi va
quedando atrás.
Antes el arte medieval era anónimos, ahora en este cuadro pintado por Jan Van
Eyck se ve representado un orgullo de su capacidad, donde se aprecia una
manifestación del orgullo de una clase social. En la ilustración el pintor Jan Van
Eyck tiene consciencia de sí mismo porque al pintar pone su nombre y muestra
su reflejo en el espejo.
La pintura también está compuesta con los puntos de vista del autor, realizado
también en un espacio, esa perfección de una visión sobrehumana e inaccesible
para el humano, el pintor pinta para darnos una mirada inalcanzable donde
presentaba una ambición o deseo o alcanzar una perfección de mirar más.
Verlo todo y captarlo todo es una típica voluntad de lo moderno, el deseo de
superar una mirada natural y de imitar el poder divino.
El cuadro tiene un implacable realismo. Observar el nivel de detalle en el cuadro
representa una ruptura con los límites de la condición humana, es casi como
emular una mirada divina, sobrenatural. Mucho más allá de las posibilidades
ópticas humanas. Nuestras miradas no son totales no absorbentes .La imagen
muestra una perfección a cada elemento y a cada detalle que no aparecen en una
mirada normal. Con esto se vislumbra que aquel hombre azotado por la muerte
es capaz de hacer obras magníficas. Sin conciencia todo empeño y exhibición de
talento y capacidad, esconde una humanidad que quiere erguirse.
El detalle es de a ver recordado una tentación, hay un orgullo burgués si no
también un orgullo artístico. Es un intento de superar la capacidad humana o
rebeldía o aspiración o ambición de verlo todo.
El deseo de poder de la mirada y dominio sobre las cosas, queriendo ser lo
imposible para ser como dios, esa ambición de estudiar la naturaleza.
34. ¿Qué relación tiene El matrimonio Arnolfini con el relato del pecado
original en el Génesis y el paradigma prometeico de a modernidad?
El rito de Prometeo al que ambición da el deseo de alcanzar a todo, el paradigma
tercero es el dominio de la naturaleza de una mentalidad prometeica que de
querer alcanzar, para que la naturaleza no nos vuelta a arrasar. Esto viene de un
trauma.
35. ¿De qué modo Pico della Mirandola abre la mirada europea a las voces
de otras culturas? ¿Por qué la Escuela de Atenas de Rafael refleja esta
apertura ecuménica?
¿De qué modo Pico della Mirandola abre la mirada europea a las
voces de otras culturas?
Discurso sobre la dignidad del humano.
Los griegos, hebreos, persas, árabes.
No hay una voluntad
Abrir la mirada, buscan referentes universales, según autores hebreos,
italanos
Esa voluntad de abrir la fuente
Abrir la mirada a la tradición occidental a otras fuentes, comunica cierta
disconformidad
Un deseo de irnos alla, romper unas barreras
Reunir varias miradas o voces una conciencia de la unidad del genero
humano somo uno solo la multiplicidad
Esa conciencia de la diversidad
Es que si hubiera algo todavía, ese asombro al humano
Voceroo de todoso los hombres: represnetante
El humano es el que habla de todos las criaturas para pensar
La única especie capaz del mundo
En el humano y solo se siente y se encuentra en la naturleza, reflejo,
admiración solo el humano puede hablar de la naturaleza
36. ¿Qué significa que el humano sea, como cita Pico della Mirandola,
«vocero de todas las criaturas» y «puente entre la eternidad estable y el
tiempo fluyente»?
Según Pico della Mirandola, el humano posee la voz, posee pensamiento. Es
vocero porque es una criatura, tiene una similitud familiar, es parte de todo lo
terrestre, sin embargo, necesita tener otra capacidad, la del pensamiento. Y ya
no es parte de todas las criaturas, porque las supera y está por encima de ellas,
volviéndose puente. El humano es un ser hibrido, fronterizo, mitad tierra, mitad
cielo, en él se unen dos posiciones contrarias, lo inmaterial y lo material, el
humano es un resumen de todo lo existente. Participa de ambos mundos, por eso
es llamado copula del mundo. El humano para Pico era admirable pues poseía
libertad, y esto se debe a que es su propio modelador. El humano es dueño de sí
mismo, de él depende si cae al fango o logra elevarse a lo divino. Esto demuestra
que tiene poder para decidir y no tiene una naturaleza prescrita en leyes. El
humano no es terrestre ni celeste, es el humano mismo el que forjará su vida.
El humano es vocero de todas las criaturas, el humano es el cielo y la tierra, el
humano es microcosmos, contiene las dos partes en que se reparte lo material
lo inmaterial, con eterno o lo corporal.
El hombre está en ambas partes es celeste y terrestre, es puente entre el cielo y
la tierra, el puente es un pasaje que va a varias miradas.
37. ¿Cuál es el atributo que, para Pico della Mirandola, hace del humano
el ser más admirable del universo? ¿Qué huellas de la mentalidad
burguesa hay en esta idea?
¿Cuál es el atributo que, para Pico della Mirandola, hace del
humano el ser más admirable del universo?
Es admirable porque posee libertad porque tú mismo puede ser tu
modelador diseñador. El humano si sabe quién es y decidirá que ser. Es
dueño de donde va, se abrillanta si quiere.
La vida del humano ahora ya depende de sí mismo. Ya no está supeditado
a alguien. No se trata solo de preparar el más allá, también se trata de
construir nuestro propio destino. Hay una declaración de confianza del
propio mundo para distinguirse de la multitud.
El humano es admirable porque tiene libertad y esto se debe a que es su
propio modelador, El humano es dueño de sí mismo, de él depende su
vuelta al fango o su consagración con lo divino, esto refleja que ostenta
poder de decisión.
Solo el humano tiene las facultades de percepción, palabras solo en el
humano usa la palabra.
¿Qué huellas de la mentalidad burguesa hay en esta idea?
Al hablar de la libertad estamos refiriéndonos a una facultad
revolucionaria, la vida del humano depende de sí mismo y es
revolucionario porque sale de lo común (en el sentido de subraya está en
manos de cada cual, por lo cual indica individualidad, frente a la
preponderancia a lo colectivo de la clase social). Y todo esto proviene del
orgullo burgués, toda esta gente ahora son los forjadores de su destino,
eso revela una dependencia y rebeldía. Es como una invocación a todas las
potencias que hace que tengamos una vida excelsa. Nada está asegurado,
todo depende de uno mismo. Ahora hay un acento puesto en la
individualidad de cada mirada, del instante, del tiempo y espacio. Se
empieza a asomar una esfera íntima propia.
Por ejemplo el hijo del artesano no siempre puede ser el artesano no está
atrapado por el oficio de sus padres, porque puede superarse a sí mismo,
realzar la individualidad del horizonte del humano, realzarse de la libertad
para diferenciarse de lo colectivo.
38. ¿Por qué el gusto burgués por tener una habitación individual refleja
la nueva concepción del ser humano planteada por Pico della Mirandola?
Jesús Navarro Reyes:
Asesoría: Picco dice que el motivo del humano del porque es admirable, es su
propia libertad. El humano se hace así mismo, construye su propia vida. Es
distinto, porque la individualidad pertenecía a un grupo, la vida estaba escrita
según donde provenías, una impresión de que la individualidad es investida por
lazos colectivos. Por eso Picco dice, que el humano no está condenado a su
pasado, el humano es libre. Navarro explica que esa pertenencia de estar a sola
es también extraño, pues, se compartían los espacios, estar solo es calificado
como un síndrome de locura, es impropio pensar una vida a solas.
Porque durante la Edad Media, estar solo era síntoma de locura o de
inhumanidad, no era concebida como tal la idea de privacidad en intimidad hasta
con los primeros esbozos de disponer un tiempo y espacio para estar
completamente solo como un pequeño lujo burgués.
Bauman afirma respecto a esto que antes la privacidad se encontraba al cerrar la
puerta de la casa, ahora se advierte eso al cerrar la puerta de la habitación.
Pico asoma, tímidamente esbozado. Él dice que el motivo por que el humano es
admirable es su libertad, es decir la capacidad que tiene para ser su propio
modelador. El humano no tiene una vida trazada, el humano la construye. Esto
es inaudito para la época porque la individualidad estaba diluida en el grupo. La
individualidad se encuentra como perteneciente a un grupo. (Hijos con la misma
clase social, oficio, posición económica). Esto lleva a pensar que la vida individual
está marcada por esas pertenencias. La individualidad queda en manos de sí
misma, el humano queda posicionado por su propia existencia. El humano no está
atrapado por condiciones que confluyen en su vida.
Navarro explica que efectivamente esa pertenencia colectiva quedaba
evidenciada en que estar a solas era algo extraño, todo se hacía en compañía de
otros, compartiendo espacios. (Como los griegos exiliados)
41. ¿Qué cambio respecto del medioevo recogen las palabras de Vives: «ni
aquellos fueron gigantes ni nosotros somos enanos, todos tenemos la
misma estatura»?
Confianza en uno mismo y las propias ideas capaces, eran tan humanas como
nosotros. Las mismas cualidades o capacidades, la tenemos nosotros. Hay un
anuncio de la igualdad, todos somos iguales o los mismos. Puedo confiar en mi
razón y experiencia.
Vasari está enceguecido por su realidad., se siente orgulloso y siente todo lo
demás como primitivo, inferior e incapaz. Los renacentistas e ilustrados llaman
media a la edad porque los separa de lo antiguo.
Es una inversión a los que dice Salisbury que “somos enanos a hombres de
gigantes” y con ello Salisbury quería transmitir el respeto, la devoción por las
autoridades, por los autores. En cambio Juan Luis vives al decir que «ni somos
enanos ni aquellos fueron gigantes, sino que todos tenemos la misma estatura»,
está contando que todos tenemos derecho a pensar lo mismo, a investigar lo
mismo que hicieron los anteriores autores, que tenemos las mismas facultades
que ellos, que tenemos los mismos recursos, los mismos medios
Además lo que ellos miraron también tenemos derecho a mirarlo, no somos
inferiores, si ellos son capaces nosotros también, todos tenemos capacidades,
habilidades, todos podemos hacer algo si tenemos confianza en nosotros
mismos, no existe limites, existe una revelación entre los seres de la naturaleza,
no se limita a conservar, a repetir, y es un implícito llamado a cambiar, a discutir,
a cuestionar, todos tenemos la capacidad de superación, se siente un llamado
hacer nuestro propio destino sin límites, las cosas han cambiado.
42. ¿Cuál es el ideal de arte que defiende Vasari? ¿Qué opinión tiene de
la pintura medieval? ¿Son justas sus palabras?
¿Cuál es el ideal de arte que defiende Vasari?
Gracias a Giotto el arte pictórico llego a su apogeo, reproduciendo de esta
manera la presencia titánica del humano en un contexto de impetuosidad.
Vasari asegura que Giotto resucitó el moderno y buen arte de la pintura,
introduciendo la práctica de retratar fielmente del natural a las personas
vivientes, cosa que desde más de doscientos años atrás no se practicaba.
No es igual con la contemporánea, Vasari pintaba lo que veía, el arte no
necesariamente expresa la belleza, no es un ejercicio de reflejo.
43. ¿Qué se proponía Da Vinci con su arte, según Gombrich? ¿Por qué sus
bocetos y hasta sus disecciones de cadáveres obedecen a ese propósito?
¿Qué se proponía Da Vinci con su arte, según Gombrich?
Resaltar fielmente, explorar el mundo visible y con intensidad. Para
explorar observa, experimentas. Explorar en los hechos mismos o el
mundo con las manos.
No hay en él la idea de lo bello en Da Vinci
En uno de sus propósitos estaba en descubrir en su mecanismo se su vida.
46. ¿Qué tienen en común lo que Da Vinci buscaba con su pintura y los
inventos técnicos que diseñó? ¿Por qué hay en ambos casos una actitud
prometeica?
. ¿Qué tienen en común lo que Da Vinci buscaba con su pintura y los
inventos técnicos que diseñó?
¿Por qué hay en ambos casos una actitud prometeica?
RESPUESTA: MITO DE PREMETEO, Titán que se reveló contra
Zeus robándose el fuego de los dioses para otorgárselo a los
humanos y que ello dominen la naturaleza.
La pintura de Da Vinci es prometeica porque muestra un deseo por
igualar a Dios, imitar una idea divina. La triple rebeldía es
consecuencia del descontento que tuvo Da Vinci con la creación que
Dios le ha dado.
La pintura de Da Vinci es prometeica pues pretendía otorgar y
adoptar la propia fuerza de la naturaleza a los cuerpos humanos que
no estaban diseñados para eso. El humano quiere potenciar su
naturaleza y romper los límites del organismo que ha recibido.
Da Vinci encarga la rebeldía contra la muerte, contra los autores
y los libros y contra la naturaleza.
Alcanzar un poder. Da Vinci pretende retratar lo que en la naturaleza
perece mediante la pintura
Sentido prometeico, hay ganas de aspirar al don divino , al pretender
superar y remediar la naturaleza , como si sobre ella pudiéramos
ejercer la autoridad , El poder humano está por encima de la
naturaleza y también sus diseños de inventos , hay una
disconformidad con lo recibido.
Rebeldía contra la muerte (tiempo), la pintura para el fija, detiene,
captura, lo que en la naturaleza inexorablemente sucumbe.
Frente a la tradición: empeño por no pintar de acuerdo a lo que otros
testimonian, a otras voces. (Autores y libros)/ Disección x ejemplo
Naturaleza, la pintura declara la insuficiencia de un naturaleza que
cae por obra del tiempo. Remediar sus imperfecciones y no
conformarse de lo que de ella recibe.
47. ¿La relación de Da Vinci con los libros recuerda más a Salisbury o a
Vives?
50. ¿Qué significa el ser «llevado del ronzal» por los autores antiguos,
como dice Adelardo de Bath? ¿Es siempre rechazable esta condición en la
vida personal?
¿Qué significa el ser «llevado del ronzal» por los autores antiguos,
como dice Adelardo de Bath?
Abelardo con la frase el ser “llevado del ronzal”, critica un comportamiento
que hacía referencia a las personas que estudian la naturaleza y se dejan
llevar por otros, por que los discípulos no deben seguir con el maestro,
por el contrario, deben buscar, y continuar con la misión. Por eso el motivo
de tal frase porque sin ronzal, yo puedo moverme, puedo ser un hombre
libre y preguntar. No puedo repetir, tengo que seguir buscando. Es una
actitud nueva, el ya no apegarse a la tradición.
52. ¿Qué crítica hace Francis Bacon de Aristóteles, y por qué es injusta?
Sin embargo, ¿qué coincidencia con Da Vinci se expresa en esa crítica?
¿Qué crítica hace Francis Bacon de Aristóteles, y por qué es injusta?
Bacon es un personaje moderno
Según Bacon, Aristóteles ha marginado la experiencia.
La reflexión ha de pasar la experiencia
Esclavizó filosofía natural y la lógica
53. ¿Qué entiende Francis Bacon por “ídolos”? ¿Qué clasificación hace de
ellos? ¿Qué consecuencias tendría realmente expulsarlos por completo
del espíritu?
Cita 48: F.Bacon
¿Qué entiende Francis Bacon por “ídolos”?
Pretende que nos deshagamos de lo que él llama los ídolos,
deshacernos de cualquier cosa que no sea nuestra, de
cualquier influencia, para él, los ídolos son todas esas ideas
que nosotros utilizamos sin espíritu crítico, todo aquello que
repetimos porque otros lo dicen.
Acabar con cualquier influencia para quedarnos con una
subjetividad limpia sin contaminación alguna.
Concibe a experiencia con tanta energía que pretende que
nuestra experiencia sea una, que no esté contaminador
ninguna interferencia. El pretenda que esa experiencia a un
contacto puro con la naturaleza, quiere al sujeto y la
naturaleza a solas.
Bacon afirma que se debe sacar a intruso, al extraño, al
intruso al que él llama ídolos.
54. ¿Qué permite deducir que, para Francis Bacon, la ciencia es una
divinidad?
Poner es nombre es la divinidad de cierto, señorío
Bacon, esa caída nos despojó de esos dones o esa preminencia de la naturaleza,
por ese momento de la naturaleza.
La ciencia va ser la verdad
La ciencia es potencia o poder, paradigma de la modernidad, la cual seguimos
viendo paradigma.
Si el conocimiento es útil o algo no vale la pena.
El giro al mundo
El giro a la humanidad
La mentalidad prometeica
55. ¿Cuál es el cuarto paradigma de la modernidad que Francis Bacon
declara? ¿Qué señales de su persistencia en nuestro tiempo se podrían
mencionar?
56. ¿Qué significa que, según Francis Bacon, «quien conoce la causa, podrá
producir el efecto»?
57. ¿Cómo cambian las ideas de John de Salisbury y Juan Luis Vives en el
pensamiento de Francis Bacon?
58. ¿De qué trata La nueva Atlántida de Bacon? ¿Qué imagen de su tiempo
transmite?
59. ¿Qué significados tiene el elogio que hace Marinetti del automóvil en
desmedro de la Victoria de Samotracia?
Cita 55: Manifiesto futurista de Filippo Tommaso Marinetti
Según Marinetti, “un automóvil es más hermoso que una pintura”. Es un
orgullo, es un éxtasis ante la producción, lo que se fabrico es mucho mejor
que lo que fabricaron los antiguos. Las piezas utilitarias son más hermosas
que una obra de arte. Marinetti parece que celebrará la mentalidad
industrial.
Asesoría: Un orgullo preceptista. El elogio de un producto presente y el
desprecio implícito de un orgullo pasado, el desprecio de lo antiguo. Es
como decir, un celular es más bello que el Pabellón de Atenas, es un
desprecio por todo lo anterior. Celebrar el automóvil y despreciar una obra
de arte es declarar la preponderancia de la utilidad sobre cualquier otro
valor. Es una mentalidad pragmática. El conocimiento vale únicamente
mientras sea aplicado. La Gioconda es insignificante comparada con mi
lapicero, porque a diferencia del lapicero que me es útil, la pintura no me
brinde nada. El utilitarismo sobre cualquier otro valor. Por otro lado, el
automóvil es un producto idéntico a otros en cambio la Victoria, es una
pieza única e irrepetible, lo que refleja la celebración de lo multiplicado,
una pérdida del sentido individual. Empieza a importar más lo repetitivo, la
cantidad.
RESPUESTA: Los significados son:
Elogio de un producto presente y el desprecio implícito de una pieza del
pasado, como Giorgio Vasari, Francis Bacon. (ORGULLO
PRESENTISTA).
Celebrar el automóvil y despreciar una obra de arte, es sin duda declarar
la preponderancia de la utilidad sobre lo bello, cualquier otro valor. Asoma
una mentalidad pragmática, que era mencionada por Francis Bacon
(ciencia es poder). Cuestión de utilidad, solo importa porque puede ser
usado. (UTILITARISMO)
Lo útil es superior a lo bello, lo nuevo es mejor que lo viejo, lo útil es
superior a lo bello, el ahora es mejor que ayer, hay un gesto despectivo
con lo anterior, hay diversos síntomas de hostilidad hacia el pasado.
Bacon: la ciencia es poder
Nos dice que solo puede ser obra maestra lo que es agresivo.
Exaltación del humano sobre la tierra, ya no se trata de averiguar sus
secretos, se trata ahora de minimizarla.
El automóvil era un producto en serie, diseño repetido en otros ejemplares,
idéntico a otros. La obra de arte es una pieza única e irrepetible (Hay una
celebración de lo multiplicado y masificado). Esto responde a un
predominio del esquema industrial.(MASIICACIÓN)
60. ¿Qué ideas del Manifiesto futurista de Marinetti son una extensión del
pensamiento de Francis Bacon?
Cita 55: Manifiesto futurista de Filippo Tommaso Marinetti
61. ¿Por qué el elogio de la guerra y el desprecio de la mujer son derivados
del ciego entusiasmo de Marinetti por la máquina y la industria?
62. ¿Qué ha ocurrido entre las ideas de Marinetti y nuestro actual rechazo
de las chimeneas, nuestro odio de la guerra y nuestra reivindicación de la
feminidad?
63. ¿Qué quiere decir que vivimos en una era posmoderna? ¿Qué
ejemplos prueban que nuestra mirada del futuro ya no es utópica sino
distópica?
67. ¿Qué significa la comparación del universo con un libro que propone
Galileo?
Galileo retoma a los números como el arché de la physis, igual que los
pitagóricos. Como el mundo está hecho en lenguaje matemático, deja de
ser un misterio para convertirse en un tomo pequeño.
El libro empieza hacer un objeto menos escaso, multiplicado, menos lejano más
asequible, además tiene coherencia es un todo, tiene una estructura, está
dividido adecuadamente, esta ordenado se puede ver.
El libro está al alcance del humano, revela que la naturaleza, no es un objeto
extraño
La naturaleza, como algo prohibido, algo como nuestro alcance
El universo pierde esa vieja imagen de algo como desconocido
La naturaleza no es una fiera.
La naturaleza antes algo inalcanzable, ahora un objeto entre manos.
El mundo con números o figuras geométricas, no da un camino liberado con
orden o sistematizado.
Si manejamos o desciframos los números, ya no habrá más oscuridad, misterio o
preguntas o una zona de comprensión.
Con los números tenemos una claridad total, se instaura lo real
Galileo, esta prometiendo una ciencia total, la mirada humana la podrá cubir
todo.
Jeam Delumeau. Cita esta por qe el ojo..
Leer…. Se asemeja
Esta idea de Galileo de que el universo ya no nos impedirá ver como dice galileo
El misterio tiene su encanto, la disposición a lo distinto.
La naturaleza algo doméstico.
El reloj la organizó, hizo que todo tiempo tenga una actividad, al ver que el tiempo
era medido
El reloj estimula a medir la …………… continuidad o cuantitatividad
Si no tuviéramos mas lejos estuviéramos mas traquilos
El mundo está cuantitativizado, cuantitativización
Si el mundo es pura cantidad o materialidad
Si todo esta cuantitativizado: Ahora para galileo es un conjunto de mecanismos
como una maquina
El mundo es un gigantesco aparato que tiene mecanismos y tenemos esos
mecanismos para analizarlos
A este procesos de cuantitativización
, podemos ya mecanizarlo
71. ¿Cómo llega Galileo a la idea del mundo como una máquina? ¿Qué
promesas en la ciencia del universo y de la sociedad hace Laplace a partir
de este mecanicismo?
¿Cómo llega Galileo a la idea del mundo como una máquina?
La mecanización a lo terrenal
La convicción numerizante al
77. ¿Qué temor tiene Platón de los libros, y por qué ese temor es actual
en relación con nuestros dispositivos electrónicos?
78. ¿Qué revelan los testimonios de San Agustín y Battista Guarino sobre
los hábitos de lectura antes de la imprenta?