Tecnológico Nacional de México

Instituto Tecnológico de Chetumal

Ciencias de la Tierra

Arquitectura

Expresión Artística Como Reflejo Del Alma

Arq. Juan Antonio Cob

Martha Beatriz Martínez Loza

4° Semestre

Grupo AD

Chetumal, Q. Roo, a 24 de Abril del 2018

 ARTE FIGURATIVO
El arte figurativo apareció al comienzo de los años
1960 en Francia en oposición de la abstracción y del
nuevo realismo.

 ORIGENES:

Se hizo conocer con la exposición "Mitologías

cotidianas", organizada por el crítico de arte Gerard
Gassiot Talabot que reunió a treinta y cuatro artistas
en el Museo de Arte Moderno de París en 1964.
A partir de los sesenta, una gran cantidad de jóvenes
artistas la cual se concretiza a través de grafismos deliberadamente escuetos e
imágenes inspiradas en las historietas, los graffitis callejeros y la publicidad.

 ¿Qué es el arte figurativo?

Arte figurativo, figurativismo o arte

representacional es el arte que, al contrario
que el arte abstracto, se define por la
representación1 de figuras, entendiendo
éstas como objetos identificables mediante
imágenes reconocibles; bien sea
procurando la verosimilitud (realismo
artístico), bien sea distorsionándolas de
alguna forma: idealizándolas (idealismo
artístico), intensificando alguno de sus aspectos (caricatura, expresionismo), u
optando por una u otra forma de representación (arcaísmo, simbolismo,
esquematismo, colosalismo, hieratismo, detallismo, preciosismo, feísmo, etc.)

En las obras de arte figurativo se reconoce por su apariencia externa el modelo

representado. El artista puede tener el modelo delante, lo que le permite comprobar
su aspecto a medida que va realizando su tarea, o bien lo tiene en su memoria.
Puede realizar parte de su tarea frente al modelo (apunte “del natural”) y luego
terminarla en su taller (la mayor parte del trabajo de pintores y escultores); o
realizarla toda en el entorno donde se encuentra su modelo (plen air, especialmente
en la pintura del paisaje) o donde va a permanecer la obra sobre la que se trabaja
(pintura mural, tallas in situ). En el caso de la fotografía, la correspondencia con el
objeto representado es resultado de su propia técnica. Algo similar se obtiene con
algunas técnicas escultóricas (moldes).

 CARACTERISTICAS:
 Se relaciona generalmente a la figuración
narrativa con la nueva figuración o con el pop
art.
 Entre sus fuentes de inspiración se cuenta
la historieta, la fotografía y el conjunto de las
imágenes de lo cotidiano.
 Los temas de las obras se relacionan
generalmente con las escenas de lo cotidiano y
las reivindicaciones sociales o políticas.
 (pretende alterar el orden público o destruir
la estabilidad política o social de un país).
 La pintura es una novela negra.
 Mitologías cotidianas.
 Objetos e historietas.

 Artistas adscritos a la figuración narrativa:

 Valerio Adami
 Gilles Aillaud
 Eduardo Arroyo
 Rafael Canogar
 Leonardo Cremonini
 ARTE ABSTRACTO
 ORIGENES:

La abstracción no es un invento del arte

moderno occidental. Hay una infinidad de muestras
de formas geométricas y estilizadas empleadas
desde el origen del arte en la prehistoria y otras
culturas llevan siglos practicando y admirando artes
visuales abstractas como la caligrafía.

 ¿Qué es el arte abstracto?

Arte abstracto es un concepto general, opuesto al

concepto de arte figurativo, que remite a lo más esencial del arte, reducido a sus
aspectos cromáticos, formales y estructurales. La abstracción acentúa las formas,
abstrayéndolas, alejándolas de la imitación o
reproducción fiel o verosímil de lo natural
(mimesis); rechaza cualquier forma de copia de
cualquier modelo exterior a la conciencia del
artista.

El arte abstracto deja de considerar justificada la

necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual
autónomo, dotado de sus propias significaciones (iconografía). El arte abstracto usa
un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede
existir con independencia de referencias visuales del mundo real.

 En que se aplica:

El concepto de arte abstracto se aplica a muchas y distintas artes visuales: pintura

(pintura abstracta), escultura (escultura abstracta) y artes gráficas (artes gráficas
abstractas). Su aplicación a otras artes plásticas, como la arquitectura (arquitectura
abstracta) o a artes no plásticas (música abstracta, danza abstracta o literatura
abstracta), es menos evidente, pero existe uso bibliográfico de tales expresiones.
Se entiende por arte abstracto el que prescinde de toda figuración (espacio real,
objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se
representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva). Una obra
abstracta, entendida de forma estricta, no puede hacer referencia a algo exterior a
la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.

El arte occidental había estado, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo
XIX, sometido a la lógica de la perspectiva y a un intento de reproducir una ilusión
de realidad visible. El arte de culturas distintas a la europea se hizo accesibles y
mostraban formas alternativas de describir experiencias visuales a los artistas.

A finales del siglo XIX muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo
de arte que asumiría los cambios fundamentales que se estaban produciendo en
tecnología, ciencias y filosofía. Las fuentes de las que los artistas individuales
tomaban sus argumentos teóricos eran diversas, y reflejaban las preocupaciones
intelectuales y sociales en todas las áreas de la cultura occidental de aquella época.

 Vanguardia rusa:

En la misma época, en Rusia, Mijaíl Lariónov y Natalia Goncharova llevaron hasta

la abstracción pura su método de transcripción del fenómeno luminoso, al que
denominaron rayonismo (Luchizm). Sus dibujos usaban
líneas como rayos de luz para hacer una construcción.
Muchos de los artistas abstractos en Rusia se
convirtieron en constructivistas creyendo que el arte no
era ya nunca más algo remoto, sino la vida misma. El
artista debía convertirse en un técnico, aprendiendo a
usar las herramientas y materiales de producción
moderna. ¡El arte a la vida! era el eslógan de Vladímir Tatlin, y de todos los futuros
constructivistas. Varvara Stepánova y Aleksandra Ekster y otros abandonaron la
pintura de caballete y pusieron sus energías en el diseño para teatros y la obra
gráfica.
Kazimir Malévich completó su primera obra enteramente abstracta,
la suprematista, Cuadrado negro en 1915. Otro
miembro del grupo suprematista, liubov
Popova, creó las Construcciones
Arquitectónicas y Construcciones de Fuerza
Espacial entre 1916 y 1921. Malévich, Anton
Pevsner y Naum Gabo argumentaban que el
arte era esencialmente una actividad espiritual;
para crear el lugar del individuo en el mundo, no para organizar la vida en un sentido
materialista y práctico. Muchos de aquellos que eran hostiles a la idea de producción
materialista del arte abandonaron Rusia. Anton Pevsner fue a Francia, Gabo marchó
primero a Berlín, luego a Inglaterra y al final a los Estados Unidos. Vasili
Kandinski estudió en Moscú luego se marchó a la Bauhaus. A mediados de los años
veinte el período revolucionario (de 1917 a 1921) cuando artistas habían sido libres
de experimentar, estaba acabado; y para los años treinta sólo estaba permitido
el arte del realismo social.

 Música:

Algunos acercamientos al arte abstracta tenían

conexiones con la música. La música proporciona un
ejemplo de una forma de arte que usa los elementos
abstractos del sonido y las divisiones del tiempo. El
mismo Vasili Kandinski, que también era músico, fue
inspirado por la posibilidad de marcas y color
asociativo resonando en el alma. La idea había sido
propuesta por Charles Baudelaire, que todos nuestros
sentidos responden a diversos estímulos pero los
sentidos están conectados en un nivel estético más hondo.

Íntimamente relacionado con esto, está la idea de que el arte tiene La dimensión
espiritual y puede transcender la vida de cada día, alcanzando un plano espiritual.
La Sociedad Teosófica popularizó la antigua sabiduría de los libros sagrados de la
India, China en los primeros años del siglo. Fue en este contexto que Piet
Mondrian, Vasili Kandinski, Hilma af Klint y otros artistas trabajando hacia el
«estado sin objeto» se vieron interesados en lo oculto como una manera de crear
un objeto «interior». Las formas universales e intemporales que se encuentran
en geometría: el círculo, el cuadrado y el triángulo se convirtieron en elementos
espaciales en el arte abstracto; eran, como el color, sistemas fundamentales que
estaban por debajo de la realidad visible.

 Abstracción lírica:

Cronológicamente, el lituano Mikalojus

Konstantinas Čiurlionis está considerado, por sus
composiciones no figurativas fechadas en 1904,
como el primer pintor abstracto. Pero la
abstracción como un estilo moderno internacional,
coherente, vio sus verdaderas bases establecidas
por Vasili Kandinski. Su obra ilustra la
llamada abstracción lírica. Llegó, entre 1910 y
1912, a una abstracción impregnada de
sentimiento, idealmente representativa de las aspiraciones de los artistas del grupo
expresionista de Múnich Der Blaue Reiter, del que él mismo formaba parte. A partir
de 1912, casi todos los artistas europeos hicieron experimentos en esta línea.

Para el año 1911 se habían creado muchas obras experimentales que buscaban el
«arte puro». En Francia, Robert Delaunay elaboró, desde 1912, a partir de las
teorías de Chevreul sobre el contraste simultáneo de los colores, sus Ventanas y
sus primeras Formas circulares cósmicas abstractas, mientras que Frank
Kupka exponía en el Salón de Otoño de 1912 Amorfa, fuga de dos colores y en
1913 Planos verticales azules y rojos. En 1913 el poeta Guillaume
Apollinaire llamó orfismo a la obra de Robert y Sonia Delaunay. Lo definió como el
arte de pintar nuevas estructuras a partir de elementos que no han sido tomados
prestados de la esfera visual, sino que habían sido creados totalmente por el
artista... es arte puro.
 ARTE FIGURATIVO-ABSTRACTO

Distinguir los dos estilos ha sido siempre una tarea fácil para los estudiantes de arte
y museos. Cuando se confrontan ambos estilos, sin embargo, con una pintura
predominantemente abstracta y elementos
figurativos de sorpresa, ¿en qué categoría se
encontrarían dichos cuadros? Esta pregunta está
siendo cada vez más común entre los pintores
contemporáneos que juegan con la idea de
realidades fragmentadas, llenando sus
composiciones con figuras abstractas
representadas por perspectivas curiosas, e
insertando objetos simbólicos en sus obras.

El límite entre la abstracción y la figuración nunca ha sido muy sólido, con los
cubistas como Picasso que de construían las imágenes hasta hacerlas casi
irreconocibles. No obstante, la mayoría de los artistas se consideran a sí mismos
que perteneces a una u otra escuela. Los artistas actuales están más abiertos a
borrar los límites, experimentando con un poco de cada cosa.