Concepto de arte
El arte es una noción abstracta, fruto del concepto del ser humano, de su obra y de la
naturaleza. Sin embargo es atemporal, porque el observador de la obra de arte la interpreta
según su sistema de valores.
Lo que llamamos arte ha evolucionado hasta tener exclusivamente un sentido estético. A Marcel
Duchamp le importa poco haber producido la obra con sus propias manos, lo importante es que
adquiere un nuevo pensamiento para el objeto: puede ser pensado como obra de arte.
Siempre ha habido en el arte una tensión entre realismo y abstracción. Pero en la medida que
interpreta la realidad, sirve como espejo de la época, y como vehículo de denuncia y de
transformación humana. La fotografía ha liberado al arte de su obsesión por la imitación.
No hay, pues, un concepto de arte universal, ni un lenguaje universal del arte, cada época y cada
cultura tiene el suyo e interpreta las manifestaciones artísticas desde su punto de vista.
El arte es pensamiento no verbal. Daniel Arasse.
PENSAR SIN PALABRAS. EL PENSAMIENTO NO VERBAL. (Carta de Einstein a Hadamard)
El arte tradicional estaba obsesionado con la reproducción fiel de la realidad; pero la fotografía
acabará con todo esto. Para que la pintura continúe teniendo sentido es necesario tratar de
descubrir las leyes que rigen la comunicación por signos y figuras.
¿Por qué dos obras formalmente iguales una es inolvidable y se queda permanentemente en
nuestra retina y la otra no? Kandinsky afirmará que por sus aspectos espirituales.
Cada uno ve cosas diferentes según las vivencias personales y el conocimiento del lenguaje
codificado en esa obra. Se analizan la forma y el contenido, si es posible distinguirlos, el soporte,
el color, el dibujo, el volumen, la perspectiva, el tema, la composición interna, etc.
La obra de arte es una estructura dinámica que necesita de la interpretación, de la interacción
activa con el observador. La obra de arte es intencional. Esto implica una formación ideológica
del artista y del observador.
Desde el punto de vista semántico se tiene en cuenta un haz temático primario (emociones), un
haz temático convencional (contexto histórico), un haz temático intrínseco (intencionalidad y
momento del artista) y un haz temático sintagmático (técnica y lenguaje artístico).
Cada época tiene unas normas estéticas en las que se reconoce. Son los estilos artísticos, sobre
los que se estudia en la Historia del Arte.
LAS EMOCIONES
El otro gran elemento, imprescindible y motor del arte es la sensibilidad humana a través de las
emociones. Un breve comentario sobre ellas.
Por emoción entendemos una reacción psicofisiológica (sentimientos) ante estímulos. Según su
naturaleza las llamamos primarias o secundarias.
En la obra “La expresión de las emociones en el hombre y en los animales'” Charles Darwin
planteó que “los principales actos de expresión que manifiestan el hombre y otros animales
inferiores son innatos o heredados, es decir, el individuo no los ha adquirido”. Como prueba de
que las emociones son innatas, señaló la similitud de las expresiones en una misma especie y
entre diferentes especies. A Darwin le impresionó bastante el hecho de que las expresiones
corporales del hombre que tienen lugar cuando se producen las emociones, sobre todo las
faciales, son las mismas en todo el mundo, con independencia de los orígenes étnicos o
culturales. También indicó que estas mismas expresiones están presentes en personas que han
nacido ciegas y que, por tanto, carecen de la posibilidad de haber aprendido los movimientos
musculares viéndolos en los demás, y que también están presentes en los niños que tampoco
han tenido mucho tiempo para aprender a imitarlas.
Las emociones primarias suelen estar acompañadas de claros indicios físicos. Cuando uno está
deprimido/a, su cuerpo se moviliza (o se desmoviliza) para desconectarse. Y cuando es feliz, su
cuerpo se moviliza para asumir compromisos y acciones positivas. Se activan determinados
músculos para apoyar ciertas acciones, y su cerebro envía mensajes especiales a sus glándulas
endocrinas (que controlan la producción y la liberación de hormonas) y a su sistema nervioso
autónomo (que regula los órganos sobre los cuales usted no ejerce control voluntario, como el
corazón y el estómago).
Se entienden como reacciones con carácter defensivo que ocultan emociones más profundas.
Por ejemplo a los hombres se les inculca que hay que ser valientes y cuando surgen dificultades
rechazan el miedo (lo relacionan inconscientemente con la cobardía) con una reacción de
enfado. Actualmente, para la mayoría de los autores existen ocho emociones básicas, de las
cuales cuatro son primarias (como ya vimos) y otras cuatro son secundarias.
Las secundarias, con sus respectivas variedades de manifestaciones, son éstas:
1. Amor: aceptación, adoración, afinidad, amabilidad, amor desinteresado, caridad, confianza,
devoción, dedicación, gentileza y amor obsesivo.
2. Sorpresa: asombro, estupefacción, maravilla y shock.
3. Vergüenza: arrepentimiento, humillación, mortificación, pena, remordimiento, culpa y
vergüenza.
4. Aversión: repulsión, asco, desdén, desprecio, menosprecio y aberración.
ANÁLISIS DE UNA OBRA DE ARTE
- Intenta entender por qué el autor llega a hacer una obra así. No te quedes en que te guste o
no (el gusto es muy personal).
- No veas sólo la obra en sí, sino la evolución que llega a hacer en este resultado final (por qué
llega a Blanco sobre blanco).
- Intenta entender la belleza - lo que es bonito - como algo muy personal (“la belleza ideal se
refleja en el amor” Platón).
- Mucha gente opina: “esto lo hago yo también”. Físicamente, sí, pero mentalmente, no.
Recuerda que toda creación tiene su parte formal – física – que muchos la pueden hacer, pero
hay una parte de creación – intelectual, mental, espiritual -, que es mucho más difícil.
Por ejemplo: el signo y símbolo de “La Caixa”, hecho por Miró. La canción “Macarena” de los
Del Río.
- También muchos dicen: “si lo hago yo, ninguno lo querrá, no lo pondrán en ningún museo”.
Hazlo a ver qué sucede. Es posible que la obra que contemplas sea el resultado de todo un
trabajo de formación y búsqueda, que sea el resultado de una trayectoria de lucha y
superación. Ese es su valor, su vida. Por lo tanto, es muy importante entender su evolución
desde el principio (mucha gente cree que este tipo de artista no sabe pintar figurativo, cosa
totalmente falsa).
Por ejemplo (artistas iniciados con dominio de lo figurativo): Picasso, Miró, Rotko, Mondrian,…
- Los verdaderos artistas evolucionan, van más allá de lo aprendido y el dominio formal.
Por ejemplo, comparad las dos “Piedades” de Miguel Ángel -1475-1564 (la “Piedad del
Vaticano”1498 y la “Piedad Rondanini”1552). O también comparad las obras de juventud de
Picasso con obras suyas de los años 50 o posteriores.
Arthur Danto (crítico de arte norteamericano). “Para ver alguna cosa como obra de arte se
requiere algo que el ojo no puede describir: una atmósfera de teoría artística, un conocimiento
de historia del arte: un mundo del arte.”
Paul Cézanne: (pintor Postimpresionista) Parte de la Naturaleza, no se cansa de afirmarlo, pero
sobre la pintura, dice, “es una armonía paralela a la Naturaleza”, y las paralelas no se tocan. La
pintura empieza a considerarse un mundo propio.
Christo Javacheff (artista conceptual).Preguntado sobre el porqué envuelve cosas, responde:
“Simplemente porque es bonito. El arte no esconde ningún mensaje... ¿o acaso tiene mensaje
las manzanas de Cézanne? El verdadero arte carece de significado”.
Mondrian (artista abstracto): expresaba que el arte no debe ser figurativo, no debe representar
la realidad; su abstracción geométrica tenía una base filosófica “encontrar la estructura básica
del universo”.
- Documentación general:
-Composición Suprematista: Blanco sobre blanco.
-Kasimir Malévich (1878-1935)
-1918
-Óleo sobre tela
-78,7 x 78,7 cm (79,4 x 79,4 cm)
-The Museum of Modern Art (MOMA), Nova York.
- Primera aproximación:
Compuesto a base de dos cuadrados que se superponen y en la forma del cuadrado aparece y
desaparece la energía del blanco. Es la nada, el silencio.
Estilo: Suprematismo. Malévich decía: “El suprematismo se caracteriza por una supremacía
absoluta de la sensibilidad plástica pura en les artes figurativas”.
- Análisis y descripción
Esta obra, posiblemente, pintada a finales a finales de 1917 no fue mostrada en público hasta la
Segunda Exposición Estatal de 1919 junto con otras obras.
Obra muy difícil de reproducir en fotografía sin que el blanco se tiña ligeramente, el cuadrado
blanco sobre el fondo blanco fue en su momento una proeza técnica: del cuadrado propiamente
dicho no está pintado con el mismo tipo de pincelado que el blanco que le rodea y es esto
precisamente, por encima de los blancos, lo que hace que el “dibujo” tenga forma y contorno.
Suprematismo
Es una de las tendencias abstractas que dominan la segunda década del siglo XX. (Y puede ser,
el movimiento más radical y profundo del arte de nuestro siglo, que no tuvo la repercusión que
hubiera sido lógica dado que los hechos políticos rusos lo impidieron.)
Para el suprematismo, el arte tiene que ser una actividad que se justifique por sí misma, de
aspiraciones espirituales más que prácticas, tiene que ocuparse de cuestiones generales más
que de particulares. En suma es una actividad pura como la filosofía o las matemáticas.
Características
-Simplicidad de formas (se tenderá a la máxima simplicidad formal: el cuadrado como único
elemento geométrico). Una reducción a les figuras elementales de la geometría: el cuadrado, el
rectángulo, el triángulo, la línea y la circunferencia.
-Con el cuadrado (semilla de todas las formas): partiendo de la forma geométrica del cuadrado,
desarrolló todo un repertorio de formas: del cuadrado, mediante la acción rotatoria, surgió el
círculo; mediante la división, dos rectángulos, con los cuales se podía hacer la cruz; partiendo, el
triángulo;...
-Uso restringido del color (se tenderá al uso exclusivo del blanco y el negro: a través de ellos el
resto de gamas).
-Las formas: fusionándose en el color. Malévich, decía: “La pintura era, sobre todo, color que
irradia la forma y a la vez la diluye”.
“El infinito suprematismo blanco permite los rayos de la vista que avancen sin encontrar
límites”.
Comparemos esta idea con esta secuencia cinematográfica: ¿Cuál es la escena considerada más
seductora y erótica del cine?: Cuando Gilda se saca el guante. Es una escena muy mínima, solo
empieza a enseñar el brazo (ninguna parte sexual del cuerpo). Intenta llegar a la esencia de la
seducción, lo más importante es la idea que transmite –“la sensibilidad seductora”-. Es una
escena de otro contexto histórico. Piensa en ejemplos más actuales.
El blanco sobre blanco: la pureza máxima. Es la esencia del arte, lo máximo, lo sublime. El arte
total.
Otro ejemplo: canciones de otras épocas que aunque vaya pasando el tiempo siempre están
presentes, actuales y de moda. ¿A qué se debe? Es posible que sea, más que por la música en sí,
lo sea por la sensibilidad que emanan. ¿No crees? ¿Alguna canción intemporal en especial?
El mundo de la objetividad es una distracción para buscar el verdadero fin del arte. Quiere hacer
un “desierto” en su alrededor: entonces llegar a escuchar la verdadera voz del arte, que no se
puede escuchar con la ensordecedora vida del mundo objetivo.
Por ejemplo: ¿Qué es más hermoso, o transmite hermosura? Una modelo actual o el cuadro
Blanco sobre blanco. La modelo puede ser una imagen inmediata pero no perdurable. Te
pregunto, ¿crees que gustarían hoy en día Las Tres Gracias de Rubens?
¿No crees que la idea es perdurable para siempre?
Por ejemplo: la necesidad de volar, los tipos y formas de aviones pasan, pero lo que queda y el
origen de todo son las ganas de volar, de ingravidez. Malévich piensa: “ojalá pudiesen volar sin
carcasa”.
En resumen:
El Blanco sobre blanco: es hacer de una manera objetiva visual la idea de la sensibilidad del
arte. Es el grado “0” de la pintura, la no gravedad, el nirvana, el desierto,…
Es como decir: “la mejor manera de hablar es el silencio”. (Una imagen vale más que mil
palabras). Lo más importante es la idea de lo que se quiere decir. La manera en cómo se dice, el
tipo de palabras, la entonación,… puede hacer que la otra persona no coja verdaderamente la
idea. Todo esta objetividad puede ser un freno, un inconveniente.
Kandisky (padre del arte abstracto) ejemplifica esto de una forma muy clara:
“Cuando tenemos una conversación interesante con una persona, intentamos bucear en su
alma, buscamos su rostro interior, sus pensamientos y sentimientos y no pensamos que está
utilizando palabras que constan de letras, que éstas no son más que sonidos que exigen la
aspiración de aire por los pulmones, que producen una vibración y que llegan a nuestra
consciencia y obtienen un efecto nervioso. Sabemos que todas estas partes son completamente
secundarias, puramente accesorias en nuestra conversación, que las utilizamos como medios
externos y que lo esencial del diálogo es la comunicación de ideas y sentimientos.”
Si tomamos el rostro como idea, es escapar de la mímesis. Piensa que durante mucho tiempo la
imitación de la naturaleza era el fin esencial del arte. La exploración del yo interior es la
preocupación del artista contemporáneo.
¿Qué es el retrato? Un asunto de miradas entre el modelo, el pintor y el espectador.
El secreto mágico del arte es mostrar lo que vive y siempre vivirá en el espíritu.
Cada vez que un artista hace un rostro reinicia el arte.
Qué diversidad de personas y personajes.
Estamos hechos de mil otros. La ilusión es el yo que pretende ser uno.
Jean Bertrand Pontalis 2006
“Cada vez que veo, que miro, quedo maravillado, porque ya no puedo creer en la realidad -
¿cómo calificarla?- material, absoluta. Todo es apariencia y sólo apariencia, ¿no? Y si la persona
se acerca dejo de mirar, pero ella casi deja de existir también. O si no, todo se vuelve afectivo,
me entran ganas de tocarla, ¿no es cierto? La visión ya no tiene interés”. Alberto Giacomet
http://kedin.es/eventos/exposicion-retratos-obras-maestras-centre-pompidou-fundacion-
mapfre/imagenes
Hoy es arte:
http://www.hoyesarte.com/