ESCULTURA
 

ESCULTURA ANTES DA PRIMEIRA GUERRA MUNDIAL
 

Escultura, o mais conservador de artes durante a maior parte do século XIX, encontrou dificuldades para livrar­se do peso da tradição. Manteve­se muito
menos aventureiros em geral do que a pintura , que muitas vezes influenciado ele. Na verdade, o escultor americano David Smith alegou que a escultura
moderna foi criada pelos pintores, e a um grau notável que ele estava certo. Escultura desafiou com sucesso a liderança de pintura somente no nosso
tempo, seguindo um caminho separado.

França
 

Henri Matisse . 

Alguns dos experimentos mais importantes da escultura foram conduzidas por Matisse, nos anos 1907­1914, quando ele foi inspirado pela escultura
etnográfico, embora tenha havido um crescente interesse na arte "primitiva" por parte de pintores como Gauguin mesmo antes das primeiras grandes
públicos coleções começaram a ser formada em 1890. À primeira vista. Reclining Nude I ( fig. 1124 ) parece totalmente removido do pinturas de
Matisse. No entanto, a escultura foi um complemento natural para os seus quadros, que muitas vezes compartilham seu elemento "selvagem". Ele
permitiu­lhe para investigar problemas de forma que, por sua vez forneceu lições importantes para seus quadros. Apesar das distorções abaulamento na
anatomia, que criam uma tensão muscular surpreendente, o artista estava preocupado acima de tudo com "arabesco": o contorno rítmico que definir o
nu. Vamos reconhecer o parentesco da estatueta com as reclinadas figuras em The Joy of Life ( fig. 1036 ), que também foram concebidas em linhas
gerais. Mas agora esses ritmos são exploradas plasticamente e manipulado para o efeito expressivo. Notavelmente, Matisse faz isso sem diminuir o
caráter fundamentalmente clássica do nu.

1124. Henri Matisse . Nu Reclinado 1. 1907.
Bronze. O Museu de Arte de Baltimore. 

1124. Henri Matisse . Nu Reclinado 1. 1907.
Bronze. . O Museu de Arte de Baltimore 

Henri Matisse .
Large nu assentada 
bronze, cera perdida elenco 
1922­1929 Henri Matisse . O servo Henri Matisse . The Back Series, bronze: The Back I, 1908­1909, The Back II, 1913 Museum of Modern Art, New York City
Henri Matisse . The Back Series, bronze: The Back III 1916, The Back IV, c. 1931 Museum of Modern Art, New York City Henri Matisse . A Serpentine 
Henri Matisse . TIARI (Le Tiaré), 1930. Bronze. 
Raymond e Patsy Nasher Collection, em Dallas, Texas Henri Matisse .

Duas Mulheres, 1907 Bronze. 
Raymond e Patsy Nasher Coleção , Dallas, Texas 

Henri Matisse . Venus em um Shell II Henri Matisse . pequeno Fina Torso. 1929, bronze. O Museu de Arte de Baltimore

 
Henri Matisse . Magadliene I 
1901 

Henri Matisse . Encostado II Nude 
1927 

Constantin Brancusi .

Escultura permaneceu apenas um lateral para Matisse. Talvez por esse motivo. Expressionismo foi uma corrente muito menos importante na escultura
do que na pintura . Isto pode parecer surpreendente, já que a redescoberta da escultura etnográfico pelas Fauves poderia ter sido esperado para evocar
uma resposta forte entre escultores. No entanto, o único que compartilhou nesta interesse era Constantin Brancusi (1876­1957), um romeno que foi a
Paris em 1904. No entanto, ele estava mais preocupado com a simplicidade formal e da coerência das esculturas primitivas do que em sua
expressividade selvagem. Isto é evidente em O Beijo ( fig. 1125 ). executado em 1909 e, agora, colocado sobre um túmulo em um cemitério parisiense.
A compacidade e auto­suficiência deste arco grupo um passo radical além Mulher assentada de Maillol (ver fig. 1009 ), a que ela está relacionada tanto
quanto os fauvistas são para Postar ­Impressionism. Brancusi tem um "gênio da omissão" não ao contrário de Matisse. E a sua atitude para com a arte
expressa a mesma fé otimista, tão característico do início do Modernismo: "Não olhe para mistérios", disse ele. "Dou­lhe a alegria pura." Para ele, um
monumento é um marcador permanente, como as estelas dos antigos: uma laje na posição vertical, simétrico e imóveis, e ele perturba esta forma
básica o mínimo possível. Os amantes abraçando são diferenciados apenas o suficiente para ser identificáveis ​​
separadamente, e parecem mais primitivo
do que primitivo. Eles são um intemporal símbolo da geração, inocente e anonymous­o exato oposto do de Rodin O beijo (ver fig. 971 ), onde o
contraste de carne e de pedra espelha o dualismo ou culpa e desejo. Aqui reside a genialidade de Brancusi: ele colocou a primeira alternativa de sucesso
para Rodin, cuja vasta autoridade oprimido a criatividade de muitos escultores mais jovens. No processo, Brancusi deu escultura moderna a sua
independência. A obra de Brancusi deu mais um passo ousado por volta de 1910, quando começou a produzir peças não representacionais em mármore
ou metal. (Ele reservou seu estilo "primitivo" para madeira e pedra.) O ex­queda em dois grupos: as variações na forma de ovo e subindo, vertical
"Bird" motivos. Ao concentrar­se em duas formas básicas de uma simplicidade tão intransigente, Brancusi se esforçou para essências, e não para a
ilusão do crescimento de Rodin. Ele ficou fascinado com a antítese da vida como potencial e como energia cinética.: A perfeição contido­sell do ovo, que
esconde o mistério de toda a criação, e as dinâmicas puros da criatura liberada a partir desta shell O recém­nascido ( Fig. 1126 ) é um
maravilhosamente concisa e espirituoso, mas surpreendentemente simpático, retrato de primeiro grito de uma criança ao entrar no mundo. Pássaro no
espaço ( fig. 1127 ), fez mais de uma década depois, é o ponto culminante da arte de Brancusi. Começou como a figura de um pássaro mítico que fala,
que ele gradualmente simplificado até que não é mais a imagem abstrata de um pássaro. Pelo contrário, é próprio vôo, tornada visível e concreto: "Toda
a minha vida, tenho procurado a essência do vôo", afirmou Brancusi, e ele repetiu o motivo em variantes de cada vez maior requinte. Sua qualidade
desencarnado é enfatizada pela alta polonês que dá a superfície da refletividade de um espelho , estabelecendo assim um novo continuidade entre o
espaço moldado dentro e o espaço livre sem. 

1126. Constantin Brancusi . 
O recém­nascido . 1915. 
Mármore, comprimento de 20,7 cm. 
O Museu de Arte de Filadélfia

​
1125. Constantin Brancusi . O Kiss. ​
1909. 112 7 . Constantin
Pedra, altura 89,5 cm.  Brancusi . 
Túmulo de T. Rachevskaia, Cemitério de Pássaro do espaço.
Montparnasse, Paris 1928. Bronze. 
O Museu de Arte
Moderna de 
Nova York

Constantin Brancusi

Constantin Brancusi, nome original romeno Constantin Brîncuşi (nascido em 21 de fevereiro de 1876, Hobiţa,
Romania­morreu 16 março de 1957, Paris, França), pioneiro da escultura abstrata moderna cujas obras em bronze e
mármore são caracterizados por um contido, elegante utilização de forma pura e acabamento requintado. Um
apaixonado entalhador, ele produziu inúmeras esculturas de madeira, muitas vezes com um sabor popular, e ele
protótipos para obras mais tarde executados em outros materiais freqüentemente esculpida. Ele é mais conhecido
por suas esculturas abstratas de cabeças ovóides e pássaros em vôo .

Início da vida e trabalha 
pais de Brancusi, Nicolas e Maria Brancusi, eram camponeses que viviam no campo romeno; como as outras
crianças da aldeia da época, Constantin não ir à escola. A partir da idade de sete anos, ele trabalhou como pastor,
primeiro observando o rebanho da família, em seguida, trabalhar para outras pessoas nas montanhas dos Cárpatos.
Foi então que o jovem pastor aprendeu a esculpir madeira, uma arte popular na Romênia rural para fazer colheres,
 bedposts, prensas de queijo, e fachadas de casas, todos os quais foram ornamentados com esculturas. O estilo
desses enfeites influenciaria diversas obras de Brancusi. Em seus gostos, seu porte, e seu modo de vida que ele iria
para sempre manter os gostos não complicados de suas origens.

Quando tinha nove anos de idade foi para Brancusi Tîrgu Jiu, uma cidade perto de Pestisani, na região de Oltenia da
Roménia, à procura de trabalho. Primeiro, ele trabalhou por um tintureiro; dois anos depois, ele foi para o serviço
de uma mercearia em Slatina; e, em seguida, ele se tornou um interno em uma pública casa em Craiova, principal
cidade do Oltenia, onde permaneceu por vários anos. Ele manteve o seu gosto pelo trabalho em madeira e
empreendeu projetos de escultura elaborados, como a construção de um violino de um caixote de laranja. Essas
façanhas atraiu a atenção de um industrial, que em 1894 entrou nele na Escola Craiova de Artes e Ofícios. A fim de
freqüentar a escola, Brancusi teve de aprender a ler e escrever por conta própria.

Em 1896, aos 20 anos, Brancusi começou a viajar pela primeira vez: ele foi para Viena sobre o Danúbio e
empregar­se como um marceneiro para ganhar dinheiro para a sua permanência. Desde a sua ambição era ser um
escultor, em 1898, ele entrou para o concurso de admissão à Escola de Belas Artes de Bucareste e foi admitido.
Embora ele tenha sido muito mais atraídos para o trabalho dos "independentes" do que a dos acadêmicos em sua
escola, ele, no entanto, estudou modelagem e anatomia sério.

Em 1903, em seu retorno do serviço militar, o interesse de Brancusi foi despertado pela fama de Auguste Rodin, que
havia se espalhado a partir de Paris para Bucareste. Concepções audaciosas de Rodin inspirou o entusiasmo do
avant­garde e a indignação dos acadêmicos. A exemplo de Rodin inspirada Brancusi para tornar­se curioso sobre o
que estava acontecendo no mundo da arte para além das fronteiras de seu país, e por isso ele foi para Munique, na
Alemanha, onde permaneceu até a primavera de 1904. Ele, então, decidiu ir para Paris , uma viagem dispendiosa
para um homem de posses modestas. Ele fez a maior parte da viagem a pé, com a mochila nas costas, e teve de
vender o relógio para pagar uma passagem de barco no Lago Constance. Ele chegou em Paris em julho.

Brancusi entrou na École des Beaux­Arts, onde ele entrou novamente oficina de um acadêmico, que de Antonin
Mercié, que derivou seu trabalho a partir de Florentine Renaissance estatuária. Brancusi trabalhou com ele por dois
anos, mas, a fim de ganhar a vida, ele trabalhou biscates. As encomendas de retratos de alguns compatriotas
também o ajudou a atravessar tempos difíceis. Em 1906 expôs pela primeira vez em Paris, no Salon patrocinada
pelo Estado e, em seguida, no Salon d'Automne. Com um espírito que ainda era muito clássico, mas mostrando
grande energia, seus primeiros trabalhos foram influenciados pelo trabalho vigoroso de Rodin. A fim de se afastar
de que a influência, Brancusi se recusou a entrar oficina de Rodin, para, segundo ele, "não podemos fazer nada sob
grandes árvores."

Em 1907, contratado para executar monumento fúnebre de um rico proprietário de terras no Cemitério Buzau, na
Roménia, Brancusi esculpiu uma estátua de um jovem ajoelhado menina, intitulado The Prayer, que representou a
primeira fase de sua evolução para formas simplificadas. Ele participou, pela primeira vez na exposição Tinerimea
Artistica, uma exposição anual de novos talentos, em Bucareste, e alugou um workshop na área de Montparnasse,
em Paris. A influência de Rodin apareceu na obra de Brancusi, pela última vez, em 1908, na primeira versão do
Muse Dormir, uma escultura de um rosto de mulher em que as características sugerem um bloco informe de
mármore. Também em 1908 Brancusi executou seu primeiro trabalho verdadeiramente original, The Kiss, em que as
figuras verticais de dois adolescentes entrelaçadas formam um volume fechado com linhas simétricas. Em uma de
suas primeiras experiências com escultura em directo, afirmou o uso puro, orgânico de forma que se tornaria sua
marca registrada e que iria influenciar o trabalho de inúmeros artistas, a maioria imediatamente uma série de
esculturas executadas por seu amigo Amedeo Modigliani, a partir de 1910 .

Maturidade 
Em 1910 Brancusi executada uma versão seminal do Muse sono. A escultura é, uma cabeça em forma ovóide­
  isolado executada em bronze, com detalhes do rosto drasticamente reduzidos para que o trabalho tem polido,
curvas imaculadas. Brancusi iria experimentar com esta forma ovóide com freqüência ao longo dos anos, tanto em
gesso e bronze. Em 1924, ele criou uma forma ovóide puro mármore desprovido de qualquer detalhe direito
Princípio do Mundo; como o título sugere, por Brancusi, esta massa ovóide representava a própria essência da
forma, ou uma espécie de alicerce primordial de forma que o artista não se importava de alterar com técnicas
escultóricas tradicionais de modelagem.

Brancusi estendeu suas experiências com a simplificação dos formulários para sua exploração do pássaro em 1912
com Maiastra, uma escultura em homenagem a um pássaro milagrosa de lendas populares romenas. A primeira
versão da obra foi feita de mármore, com o pássaro, purificado em forma, representado com a cabeça levantada
em vôo. Brancusi seguida com 28 outras versões ao longo das próximas duas décadas. Depois de 1919 os seus
pássaros evoluíram para uma série de esculturas de bronze polido, todos Pássaro direito no Espaço. As linhas
elípticas, esbeltos destas figuras colocar a própria essência do vôo rápido em forma concreta.

Durante estes anos de experimentação radical, a obra de Brancusi começou a ter um público cada vez maior,
internacional. Em 1913, continuando a expor em Paris o Salon des Indépendants, ele participou do Armory Show, em
Nova York, Chicago e Boston, que mostra cinco obras, incluindo Mademoiselle Pogany, um busto esquematizada que
teria inúmeras variações. Já conhecido nos Estados Unidos, Brancusi encontrado colecionadores fiéis ali ao longo de
décadas subseqüentes. Enquanto isso, os críticos de todo o mundo atacou a natureza radical de sua obra.

Acima de tudo, Brancusi amei esculpindo em si, o que exigiu, disse ele, "um confronto sem piedade entre o artista e
seus materiais." Ele sempre esculpida em madeira de carvalho ou de castanheiro em objetos que mais tarde viria a
tratar em bronze ou mármore. Sua obra reflete a tradição Africano de carving direto. Na verdade, como muitos
artistas europeus no momento avant­garde, Brancusi estava interessado nas qualidades "primitivos" de artes
africanas. Sua primeira escultura em madeira, O Filho Pródigo, em 1914, esteve muito perto de abstração; é um
pedaço de carvalho rudemente esculpida com as características quase imperceptíveis de um ser humano. Ele iria
seguir este caminho com toda uma série de esculturas de madeira que estão entre suas obras mais estranhas. Ele
atribuiu grande importância à base de madeira de uma escultura e sempre construiu­se, por vezes, de cinco ou seis
peças sobrepostas. (Brancusi mesmo construiu seu mobiliário, a maioria de seus utensílios, e seu cachimbo com
suas próprias mãos.) Em 1918, ele esculpiu em madeira a primeira versão da coluna infinita. Criado por meio da
repetição de elementos simétricos sobrepostas, esta coluna, inspirado nos pilares de casas de camponeses romenos,
encarna a necessidade de elevação espiritual que Brancusi muitas vezes expressa em suas obras.

A contribuição de Brancusi para o Salon de 1920, a Princesa X, um retrato de uma pessoa imaginária que assume
uma forma fálica curiosamente, criou um escândalo. A polícia interveio e obrigou­o a retirar a obra porque levou a
interpretação inadequada. Em 1922, ele esculpiu as primeiras versões de The Fish em mármore e do torso de um
 homem novo em madeira. Ele voltou para a Romênia pela primeira vez em 1924, e em 1926 ele visitou os Estados
Unidos para uma importante exposição de suas obras na Galeria Brummer, em Nova York. Seus embarques de
França envolveu­o em um processo judicial de dois anos com funcionários da alfândega dos EUA, porque um
trabalho em cobre, Pássaro no espaço, era tão abstrato que os funcionários se recusaram a acreditar que era a
escultura: Brancusi foi acusado de introduzir clandestinamente uma parte industrial na Estados Unidos. Em 1928, ele
novamente viajou para os Estados Unidos, onde teve numerosos compradores, e ganhou o seu caso em tribunal.

Vida tardia e trabalha 
O marajá de Indore foi ver Brancusi em Paris em 1933 e encarregou­o de criar um templo para abrigar suas
esculturas. Brancusi trabalhou vários anos para criar este templo, e em 1937 ele foi para a Índia a convite do
marajá. A morte do último, no entanto, impediu Brancusi de realizar o projeto. Entretanto Brancusi havia retornado
a Nova York para uma nova exposição na galeria de Brummer, em 1933, e em 1934 ele participou da exposição
"Pintura e Escultura do século 20" no Chicago Renaissance Society. Ele voltou para a Roménia novamente em 1937 e
em 1938 para a inauguração de três obras monumentais em um jardim público no Tîrgu Jiu: novas versões enorme
de aço da coluna infinita, Gate of the Kiss, e Table of Silence.

Em 1939 Brancusi fez sua última viagem aos Estados Unidos para participar do "Art in Our Time" exposição no
Museu de Arte Moderna de Nova York. Ele continuou a explorar seus temas favoritos em seus últimos anos,
incluindo o pássaro. Seu último trabalho importante foi o Turtle vôo em 1943. A partir daí, inúmeras exposições nos
Estados Unidos e na Europa iria garantir a sua fama. O maior foi uma exposição no Museu Solomon R. Guggenheim,
em Nova York, em 1955. Por um decreto de naturalização de 13 de junho de 1952, ele adquiriu a cidadania francesa.

Brancusi quis o Musée National d'Art Moderne, em Paris tudo sua oficina contido (mais de 80 esculturas) com a
condição de que a própria oficina ser transferida para o museu e restaurado a sua condição original. Parte deste
dom incluiu centenas de impressões fotográficas que ele tomou, a partir de 1920, do seu trabalho e estúdio.

Jean Selz 

Encyclopædia Britannica
 

CUBISM.

Na segunda década do século um número de artistas abordou o problema das relações corpo­espaço com as ferramentas formais do cubismo­não é
tarefa simples, já que o cubismo foi a abordagem de um pintor mais adequado para alívio rasas e noteasily adaptado para objetos no round. A maioria
dos pintores cubistas ensaiado pelo menos algumas esculturas, mas os resultados foram geralmente tímido. Esforços hesitantes de Picasso na escultura
atestam as dificuldades que enfrentou, mas eles foram de fundamental importância, no entanto. Suas tentativas de traduzir o Cubismo Analítico visto em
Ambroise Vollard Retrato de ( fig. 1049 ) em forma tridimensional conseguiu apenas parcialmente em quebrar a superfície sólida. Precisamente porque
as suas facetas são ambíguos em densidade e localização, pintura proporcionou uma experiência infinitamente mais rico visualmente e de forma
expressiva.

Raymond Duchamp­Villon.

A solução mais ousada para os problemas colocados pela Analytic Cubismo na escultura foi conseguida pelo escultor Raymond Duchamp­Villon (1876­1916), um irmão mais
velho de Marcel Duchamp. em A Grande Cavalo ( fig. 1128 ). Ele começou com estudos abstratos do animal, mas sua versão final é uma imagem de "potência", em que o corpo se
tornou uma mola enrolada e as pernas se assemelham bielas. Devido a este afastamento de seu modelo anatômico, essas formas quase­mecânico tem um dinamismo que é
totalmente convincente.
1128. Raymond Duchamp­Villon . A Grande Horse. 1914. 
Bronze, altura de 100 cm. O Instituto de Arte de Chicago.
 

 
Raymond Duchamp­Villon

( b Damville, Eure, 05 novembro de 1876; d Cannes, 07 de outubro de 1918). escultor e desenhista francês. O
segundo filho de um notário Normandy, ele desempenhou um papel central no desenvolvimento da estética
moderna, assim como seu irmão mais velho JACQUES VILLON e seu irmão mais novo Marcel Duchamp. Ele veio de
uma família educada e era um aluno assíduo na escola secundária em Rouen; em 1894, registrado na Faculté de
Médecine em Paris, onde frequentou aulas durante vários anos. A febre reumática obrigou­o a interromper seus
estudos em 1898, pouco antes de conclusão e deixou­o imobilizado por um período considerável de tempo; este
acontecimento imprevisto alterou todo o curso da sua vida. Durante este período de lazer executada (1899­1900),
ele modelou pequenas estatuetas (de temas como animais familiares e figuras femininas), descobrindo sua
verdadeira vocação como um escultor. Ele era essencialmente autodidata e rapidamente alcançou um elevado nível
de mestria e maturidade. Instalou­se em Paris c. 1901 e mudou seu nome para Duchamp­Villon por insistência de
seu pai. Já em 1902, ele exibiu um retrato de sua futura esposa (com quem se casou em 1903) na Société
Nationale, e ele exibiu obras regularmente no Salon d'Automne desde a sua fundação em 1903. Em 1905, realizou
sua primeira exposição privada com Jacques Villon na Galerie Legrip, Rouen.

 
Raymond Duchamp­Villon .
assise Femme

Raymond Duchamp­Villon .
O Cavalo Grande

 
Raymond Duchamp­Villon .
Retrato do Professor Gosset 
1917

Raymond Duchamp­Villon .
Torso de um homem novo 
1910

Raymond Duchamp­Villon .
Os Amantes
1913

Itália

Umberto Boccioni.

Em 1912 os futuristas de repente tornou­se absorvida em fazer escultura, que procuraram redefinir tão radicalmente quanto pintura. Eles usaram "força­
linhas" para criar um "arabesco de curvas direcionais", como parte de uma "sistematização de interpenetração de planos." Por isso, como Umberto
Boccioni , declarou: "Nós quebramos abrir a figura e coloque­o meio ambiente." Sua figura running intitulada Formas Únicas da Continuidade no Espaço
( fig. 1129 ) é como tirar o fôlego em sua complexidade como de Brancusi Pássaro no espaço é simples. Boccioni tentou representar não a própria
forma humana, mas a marca do seu movimento sobre o meio em que ele se move. A figura em si permanece oculta por trás de sua "roupa" da
turbulência aérea. A estátua pitoresca recorda a famosa afirmação futurista que "o automóvel que ruge é mais bonito do que a Vitória Alada", embora,
obviamente, deve­se mais ao Vitória voada (a Nike de Samotrácia , fig. 216 ) do que para o design de automóveis. (. Fins e racionalização, em 1913,
ainda estavam por vir) fonte de inspiração de Boccioni pode ter sido ainda mais à mão: ele poderia ter visto o trabalho de Niccolo dell'Arca (compare f
ig 620. ).
 

1129. Umberto Boccioni . 
Yorms originais da continuidade no espaço. 1913. Bronze . 
O Museu de Arte Moderna, em Nova York.

 
Umberto Boccioni

Umberto Boccioni, (nascido em 19 de outubro de 1882, Reggio di Calabria, Itália morreu 16 de agosto de 1916,
Verona), pintor italiano, escultor e teórico do movimento futurista no art.

Boccioni foi treinado 1898­1902 no estúdio do pintor Giacomo Balla, onde aprendeu a pintar à maneira de os
Pontilhistas. Em 1907 estabeleceu­se em Milão e, gradualmente, veio sob a influência do poeta Filippo Marinetti, que
lançou o Futurismo movimento literário, que glorificou o dinamismo da tecnologia moderna. Boccioni adaptado idéias
de Marinetti às artes visuais e tornou­se o principal teórico da arte futurista. Em 1910, ele e outros pintores
elaborou e publicou o Manifesto Técnico dos Pintores Futuristas, promovendo a representação dos símbolos da
moderna tecnologia de violência, poder e velocidade.

Primeira pintura futurista major de Boccioni, Motim no Gallery (1909), manteve­se próximo Pontilhismo e mostrou
uma associação com o futurismo, principalmente em seu assunto violento e composição dinâmica. A cidade aumenta
(1910­1911), no entanto, é uma pintura futurista exemplar na sua representação de dinamismo, movimento e
velocidade. As figuras humanas de roda nessas cenas de multidão são repetidamente fragmentado de acordo com o
estilo futurista, mas a energia rítmica, muscular que eles geram não está relacionada com o culto futurista da
máquina.

Boccioni foi provavelmente influenciado pelo cubismo em 1911­1912, e sobre este tempo ele também se interessou
em escultura. Em 1912, ele publicou o Manifesto Futurista de Escultura, vários de cujas sugestões evolução da
escultura moderna antecipado. Boccioni defendeu o uso na escultura de materiais não tradicionais, tais como vidro,
madeira, cimento, pano, e luzes elétricas, e chamou para a combinação de uma variedade de materiais em uma
peça de escultura. Ele também previu um novo tipo de escultura que iria moldar e colocar o espaço em si. Na
prática, porém, a escultura de Boccioni era muito mais tradicional do que suas teorias. Só Desenvolvimento de uma
garrafa no Espaço (1912) cria com sucesso um ambiente escultural. Sua obra mais famosa, Formas Únicas de
Continuidade no Espaço (1913), é uma das obras­primas da escultura moderna.

Boccioni se alistou no exército durante a Primeira Guerra Mundial e foi morto por uma queda de cavalo em 1916. Ele
era o mais talentoso dos artistas futuristas, e sua morte prematura marcou o fim virtual do movimento. 
 

Encyclopædia Britannica
 
Umberto Boccioni . Desenvolvimento de uma garrafa em Espaço 

Umberto Boccioni . Dinamismo de um Horse Racing 
Umberto Boccioni . Antigraceful 

Umberto Boccioni . Desenvolvimento de uma garrafa em Espaço 
Umberto Boccioni . 
Synthesis of Human Dinamismo 

Umberto Boccioni . Anti­gracioso 

Umberto Boccioni . 
Abstract Vazios e sólidos de um Chefe 
 Umberto Boccioni . 
Cabeça + Casa + Luz

Discutir Art
Por favor, note: administrador do site não responder a quaisquer perguntas. Este é o nosso leitores única discussão. 

Add a comment...

Also post on Facebook   Posting as Juliano Weronka ▾ Comment

Facebook social plugin

Casa Público Calendário Serviço Manutenção Cursos on‐line Ganhe dinheiro rápido Soluções de Energia Símbolos

história da arte | pré­histórico para a arte românica | arte do século 20 | artistas que mudaram o mundo | arquitetura e escultura | fotografia |

música clássica
 
© COPYRIGHT | PRIVACIDADE