Danza renacentista
Artículo principal: Danza renacentista
Los primeros manuales supervivientes de danza provienen del Renacimiento, que incluyen
ejemplos de Guglielmo Ebreo da Pesaro, Fabritio Caroso y Thoinot Arbeau. Estos nos
permiten reconstruir las danzas con un mayor grado de certeza. Hay que tener en cuenta el
gran número de danzas de origen español, lo que refleja la influencia cultural de los que
dominan el poder en esa época. Algunos tipos de danza renacentista son:
Alemanda | Baja
danza | Branle | Canario | Courante | Dompe | Gallarda | Lavolta (variación de la gallarda)
| Danza Morris | Pavana | Zarabanda | Spagnoletta | Turdión(gallarda rápida).
DANZA DE LA INDIA
denominan danzas clásicas de la India a las incluidas en el "Nâtya-shâstra",1 un tratado
artístico que se atribuye al rishi Bhârata escrito alrededor del año 400 a. C.
Esta obra se divide en treinta y ocho capítulos, que describen las convenciones del teatro,
el drama, la poesía, el canto y la música. Incluye reglas sobre temas tan diversos como los
edificios ideales para interpretar estas artes, las reglas de prosodia y dicción, los tipos de
personaje, la forma de representar los sentimientos, y los movimientos de cada miembro. Se
describen en detalle sesenta y siete mudrâ (posiciones de las manos) y treinta y seis
movimientos de ojos.
Diferencias conceptuales[editar]
Una cuestión importante a tener en cuenta es que la concepción de "danza clásica" es de
cuño netamente occidental, y -por analogía- alude en el caso de India a representaciones
artísticas de tradición milenaria: en realidad el término nâtya,traducido en forma simplificada
como "danza"2 tiene un significado más amplio que el que representa la palabra en occidente,
ya que involucra canto, música, teatro y otras disciplinas.
Bailarina de mohiniyattam.
Mohiniyaattam (sánscrito: मममममम मममम) es la danza tradicional de Kerala. Consiste en
una danza muy graciosa, protagonizada únicamente por mujeres.
El término deriva de "Mohini" que significa "mujer que encanta a quienes la miran", y "aattam";
"movimientos gráciles y sensuales". Así el concepto significa "Danza de la encantadora".
La danza incluye ágiles saltos y movimientos suaves con el torso erecto. Se dice que es una
representación del canto de las palmeras y el fluir de los ríos, ambos abundantes en Kerala.
La coreografía sigue los textos del Hastha Lakshanadeepika, que incluye
elaboradosmudras.4 Existen unos cuarenta movimientos básicos, conocidos como "atavukal".
La vestimenta de la bailarina es un sarí blanco con brillantes brocados dorados. Dado su
carácter, tradicionalmente solo las mujeres bellas podían interpretar esta danza.
La música vocal del mohiniattam incluye variaciones en la estructura rítmica
denominadas chollu. La letra está en Manipravala, una combinación de sánscrito y malayalam.
Kuchipudi[editar]
Bailarina de kuchipudi.
Artículo principal: Kuchipudi
Kuchipudi (मममममममम) es una danza grupal tradicionalmente masculina, reservada a los
miembros de la casta sacerdotal brahman. En ella incluso los papeles femeninos eran
representados por bailarines varones, aunque en épocas modernas también han incursionado
en este género las mujeres. Es originaria de la villa homónima, junto al golfo de Bengala, en el
estado de Andhra Pradesh.
La interpretación comienza usualmente con algunos ritos y ofrendas, en los que cada artista
arriba a escena y se lo presenta mediante un "daru"5 que describe al personaje y su rol en el
drama.
Luego de esta introducción, la danza se acompaña con música carnática. El cantante es
acompañado por mridangam,6 violín, flauta ytambura.7
Los ornamentos que usan los artistas se construyen habitualmente de una madera blanda
llamada boorugu.
Ya iniciado el siglo XX, el estudio y la interpretación del patrimonio folclórico llevó a incorporar
al estudio de estas formas de expresión otras variantes más recientes, en particular originadas
en el norte del país. Por este motivo es frecuente hablar de nueve formas de danza clásica,
sumando a las cuatro ya mencionadas las siguientes:
Kathak[editar]
Bailarina de kathak.
Artículo principal: Kathak
Danza narrativa del norte del Indostán, con influencias del imperio mogol, caracterizada por
giros, rápido trabajo de pies y una fuerte conexión entre danza y música, predominando en su
interpretación la tabla.
Kathakali[editar]
Intérpretes de kathakali.
Artículo principal: Kathakali
Originada en Kerala en el siglo XVII, es una forma de drama danzado que incluye formas
del Bharatanatyam, mudras y música vocal e instrumental.
Manipuri[editar]
Intérprete de manipuri.
Artículo principal: Manipuri
Procedente del estado de Manipur, fronterizo con Birmania, es una representación devocional
dedicada a Krishna y Radha, plena de movimientos gráciles y delicados.
Sattriya[editar]
Es una danza ceremonial orginada en Assam en el siglo XV, con temas por lo
general mitológicos.
Chhau[editar]
Forma tribal de danza marcial de Orissa, surgido originalmente como parte de las festividades
solares correspondientes al mes entre marzo y abril.
DANZA CHINA
Historia[editar]
Una bailarina de ladinastía Tang en un mural descubierto en Xi'an bailando con un chal.
Existe un amplio registro histórico de las diversas formas de la danza en China. El carácter
chino más antiguo de la palabra «baile», , escrito en los huesos oraculares, es en sí mismo
una representación de una bailarina en una celebración sosteniendo rabos de bueyes en cada
mano.1Algunas características de los bailes chinos de la actualidad, como ser bailar con
mangas largas, se han registrado desde los primeros períodos, que se remontan a la dinastía
Zhou. Las danzas más importantes de los primeros tiempos fueron las danzas rituales y
ceremoniales llamadas «yayue», este tipo de danza se bailó hasta la dinastía Qing, pero hoy
solo sobrevive en actuaciones durante ceremonias confucianas.
En la era de las Seis Dinastías (220-589 dC), hubo fuertes influencias de Asia Central en la
música y en la danza. El arte de la danza alcanzó un pico en la dinastía Tang, y los bailes de
la época eran muy diversos y cosmopolitas; los bailes de Asia central fueron muy populares.
Se registró un gran número de danzas en la dinastía Tang; por ejemplo, hay más de 60
composiciones grandes que son actuaciones a gran escala de la corte Tang.2 El arte de la
danza, sin embargo, declinó como una forma de arte independiente en dinastías posteriores, y
los bailes quedaron absorbidos en la ópera china. En tiempos más recientes, el arte de la
danza en China ha disfrutado de un resurgimiento, y los desarrollos modernos de danzas
chinas continúan a buen ritmo.
Danza tradicional[editar]
Muchas de las danzas tradicionales tienen una larga historia. Estos son bailes folclóricos, o
bailes realizados como rituales o como espectáculo de entretenimiento, y algunos pueden
haber sido realizados en la corte imperial. Entre las danzas danzas tradicionales chinas más
conocidas se encuentran la danza del dragón y la danza del león. Una forma de la danza del
león similar a la danza realizada en la actualidad fue descrita ya en la dinastía Tang; sin
embargo la forma moderna de la danza del dragón, puede ser un desarrollo más reciente.
Sus orígenes se encuentran en las danzas ceremoniales de la Corte (Bugaku), en las danzas
con sentido ritual (Kagura), en los bailes y festejos populares y en las danzas budistas
llamadas Ennen. Las expresiones artísticas medievales como el Noh y el Kowaka mai,
también imprimieron razgos importantes en sus técnicas y principios estéticos.
Posteriormente el teatro Kabuki terminó por definir el estilo de lo que se califica como
danza japonesa “tradicional”.
Las piernas algo inclinadas y los pasos cortos, presentan a los bailarines como seres
sólidos y compactos. Los hombros siempre permanecen alineados y los delicados y
precisos movimientos de cabeza se encargan de transmitir toda la energía y
expresión del espíritu japonés.
Vestuario y escenografía:
El kimono, con sus telas y diseños apropiados al acontecimiento, época del año y
edad de la persona que lo viste, otorga a los eventos el aire de formalidad que tiñe a
la cultura japonesa. Si bien en la actualidad la ropa occidental es lo corriente, para
eventos especiales los japoneses recurren a su atuendo tradicional pues se lo asocia
aún día, como una prenda de vestir exquisita, de alto contenido sentimental y de
extrema elegancia.
Por otro lado, las piezas derivadas del kabuki, intentan resaltar la presencia del
bailarín y el atuendo y el entorno se tornan más vistosos. Es usual utilizar pelucas
propias de la época del medioevo japonés llamadas katsura. Si la escena se
representa en el exterior, el personaje calzará gueta o sandalias de madera. Si la
escena por el contrario, es en el interior de algún recinto, el personaje estará en
medias tabi.
La pintura blanca en la cara es un derivado del teatro Kabuki. Se realzan asi los
ojos, las cejas y los labios y da al cuello y las manos, la textura de una muñeca de
porcelana. La escenografía para esta clase de danzas es más compleja y pueden
representarse casas, jardines, puentes, y locaciones exteriores.
GRIEGA
Historia del baile griego[editar]
Se cree que nació cuando Teseo, quien se metió en el laberinto Knossos para rescatar a su
amada Ariadna, regresó a su país, se dirigió al dios Delos y como ofrenda bailó como
una serpiente en representación de todo a lo que se había enfrentado en su camino. El
apogeo de la danza se efectuó durante la edad clásica, en que más de 200 danzas religiosas,
atléticas, dramáticas y populares eran ejecutadas en el teatro, en el estadio y en el templo;
siendo cuando Terpsícore, la musa de la danza, era más apreciada y honrada. Cuando
Casiopea, reina de Etiopía, ofendió a la diosa Hera, y tuvo que dar a su hija en sacrificio, los
habitantes ejecutaron las bellas danzas de Andrómeda a la orilla del mar, en donde se
esperaba la llegada del Kráken (titán marino) para devorar a la bella Andrómeda y salvar el
reino. Tras la victoria de Perseo sobre este monstruo marino, y por haber rescatado a su
amada, el pueblo se llenó de júbilo, ejecutando danzas de alegría.
Algunas danzas[editar]
De todas las danzas de la antigua Grecia, alrededor de 30 han llegado a nuestros días. Los
pasos y los movimientos de los bailarines eran muy parecidos a los que caracterizan las
danzas griegas de hoy.
Rembétika: originada cuando los griegos que emigraron a Turquía regresaron a Grecia
tras ser expulsados después de la guerra. Se afincaron en los arrabales de Atenas y
Salónica e iniciaron el movimiento rembétiko, que hace referencia a manifestar la tristeza.
Los griegos repatriados reciclaron varios ritmos tradicionales para expresar la
problemática del hombre y la mujer de la gran ciudad. A este grupo pertenecen danzas
como el hasápiko, hassaposerviko, tsifteteli o el sirtaki popularizado por la películaZorba el
Griego.
Hasápiko: Fue la danza de la Asociación de Carniceros de Constantinopla durante el
periodo bizantino, aunque luego se la conoció como Makelarikos (carnicero). La danza se
realiza con las manos en los hombros de los compañeros, los bailarines improvisan el
orden de las variaciones, comunicándose con palmadas en los hombros.
Tsestos: Danza procedente de la frontera con Bulgaria. Fue adoptada por los griegos
expulsados de Bulgaria tras la primera guerra mundial. La bailan hombres y mujeres.
Comienza con un ritmo moderado, y tiene numerosas figuras que se van encadenando
una tras otra.
Antigua Roma[editar]
Entre los romanos se usaba una especie de danza que mejor debería llamarse pantomima en
los entierros o funerales. Un hombre tomaba el vestido del difunto y, cubierta su cara con
una máscara, iba delante de la pompa lúgubre remedando las costumbres y modales más
conocidos del sujeto que representaba, de modo que venía a ser un orador fúnebre sin hablar
una palabra, de todas las costumbres del muerto.
El baile o danza de los salios fue instituido por Numa Pompilio, segundo rey de Roma, en
honor de Marte, el que ejecutaban doce sacerdotes llamados salios escogidos de las más
ilustres familias de Roma.
El baile del Himeneo o «danza nupcial» estaba en uso entre los romanos. Se ejecutaba en los
matrimonios de los antiguos por jóvenes y doncellas coronados de flores, que con sus figuras
y con sus pasos expresaban la alegría que reina en una feliz unión. Con el tiempo este baile,
tan sencillo en su origen, pasó a ser un vivo ejemplo y una pintura la más obscena de las
funciones más secretas del matrimonio. La licencia y el libertinaje llegaron a tal punto que
el Senado se vio precisado a echar de Roma a todos los danzarines y maestros de semejante
baile.
Todos los pueblos, como hemos dicho, tuvieron sus bailes sagrados, que eran considerados
como una parte del culto que debía tributarse a sus divinidades. Los galos, los españoles, los
alemanes, los ingleses tenían sus danzas sagradas. En todas las religiones antiguas fueron
los sacerdotes danzadores por estado. Si hemos de dar crédito a Scaligero, los obispos fueron
llamados præsules en lalengua latina (a præsiliendo) porque ellas principiaban la danza
sagrada. Así es que en casi todas las iglesias que se construyeron en los primeros tiempos se
dejaba un terreno elevado al que se daba el nombre de coro; este era una especie de teatro
separado del altar, tal como se ve aún en el día de hoy en las iglesias de san Clemente o de
san Pancracio de Roma, en el que se ejecutaban las danzas sagradas con la mayor pompa en
todas las fiestas solemnes. Aunque estos bailes hayan sido sucesivamente desterrados de las
ceremonias de la Iglesia, no obstante se conservan todavía en algunos pueblos católicos en
honor de los misterios más augustos de esta religión.3
COMTEMPORANEA
ibremente con el cuerpo. Es una clase de danza en la que se busca expresar, a través
del bailarín , una idea, un sentimiento, una emoción, al igual que el ballet clásico, pero
mezclando movimientos corporales propios del siglo XX y XXI.
Su origen se remonta hasta finales del siglo XIX. En los inicios se buscaba una alternativa a la
estricta técnica del ballet clásico, empezaron a aparecer bailarines danzando descalzos y
realizando saltos menos rígidos que los tradicionales en el escenario. Con el tiempo, fueron
apareciendo variaciones en las que la técnica clásica brillaba por su ausencia e incluso se
introducían movimientos de otras técnicas corporales, como el flamenco, movimientos de
danzas tribales y hasta del yoga. Hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, este renovado
estilo de danza se llamó danza moderna, pero su evolución desde finales de los años 1940 en
adelante llevó a que se prefiriese a partir de entonces emplear la expresión danza
contemporánea. Hoy en día, las técnicas modernas dejan paso a un torbellino de mezclas de
estilos, llegándose incluso a no dejar claro a qué estilo se asemeja o qué patrones se siguen.
Se dice[¿quién?] que en la danza contemporánea (hoy día) "todo vale".[cita requerida]
Se pueden distinguir en los inicios dos escuelas, la Americana y la Europea.
Una característica distintiva es el uso de multimedia para acompañar las coreografías, como
video e imágenes usados de fondo.
La danza clásica tiene una dramaturgia con principio, clímax y desenlace. La danza
contemporánea puede seguir esta estructura o bien, contar historias de una forma no lineal.
La danza contemporánea puede hablar de un concepto, proponer un ambiente o presentar
movimientos con el propósito de conseguir una estética determinada, no siempre tiene que
contar una historia. Por otro lado, la danza clásica se construye a través de pasos ya
existentes y siempre codificados mientras que la danza contemporánea busca la innovación y
la creación de nuevas formas de movimiento de acuerdo con las necesidades del coreógrafo o
el intérprete. La danza clásica busca el preciosismo, lo estructurado y perfecto, la conexión
con lo etéreo, con lo celestial; más bien está ligada al concepto de lo apolíneo . La danza
contemporánea busca la conexión con lo terrenal, con lo humano y sus pasiones, la no
estructura, la transgresión; está ligada al concepto de lo dionisíaco.
Escuela americana[editar]
Primera generación: los pioneros americanos[editar]
Isadora Duncan
Loïe Fuller
Diana Presuel
Segunda Generación: los fundadores de la "Modern Dance" en
Estados Unidos[editar]
Ted Shawn
Ruth Saint Denis
Generación histórica: precedentes de la Denishawn[editar]
Louis Horst
Martha Graham
Doris Humphrey
Charles Weidman
Los otros creadores de técnicas[editar]
José Limón
Lester Horton
Anna Sokolow
Tercera Generación[editar]
Merce Cunningham
Paul Taylor
Alwin Nikolais
Alvin Ailey
Eleo Pomares
Donald McKaylee
Escuela Europea[editar]
Primera generación: pioneros europeos[editar]
Filósofos y pensadores[editar]
François Delsarte (francés, 1811-1871)[editar]
Fue el inspirador de la danza contemporánea, primeramente con el nombre de «gimnasia
expresiva» (Bode) o, posteriormente, «gimnasia rítmica». Afirma que los estados espirituales
se deben representar a través de actitudes y movimientos del cuerpo como unidad, y no
únicamente del rostro. La preocupación por la técnica es mucho mayor que en el anterior.
Divide el cuerpo en tres zonas variables:
Los miembros inferiores, expresan fuerza
El torso y brazos, expresan lo espiritual y emocional
Y la cabeza–cuello, el gesto, reflejan el estado mental
Sus ideas fueron llevadas a EE.UU. por uno de sus discípulos, Steele Mackaye, que junto con
Genevieve Sebbins difundieron e introdujeron estas ideas por las mejores escuelas de Nueva
York.
En Europa es Hedwig Kallmeyer, alumna de Sebbins, quien difunde sus ideas. En 1930, funda
en Alemania el Instituto de Cultura Expresiva y Corporal, donde enseña como forma de EF
para la mujer, el sistema de Delsarte, y con ello logra su inclusión en la escuela; además
publica Belleza y salud, que supone una reacción contra los movimientos gimnásticos
tradicionales.
Delsarte desarrolla las «leyes del movimiento armonioso», que son:
1. Ley de la postura armónica: posición equilibrada y natural como la posición de reposo
perfecta de las estatuas griegas.
2. Ley del movimiento opuesto: todo movimiento exige por principios de equilibrio un
movimiento opuesto de los otros segmentos.
3. Ley de la función muscular armónica: la fuerza muscular debe estar en relación directa
con el tamaño de los músculos.
Emile Jaques-Dalcroze (suizo, 1865-1950)[editar]
Fue el creador de la gimnasia rítmica, euritmia. Fue un hombre polifacético: músico,
coreógrafo, actor, compositor y pedagogo. Sus conocimientos musicales y corporales le
llevaron a percatarse de la necesidad del aprendizaje de estas dos actividades para el
desarrollo de la persona y a partir de aquí empezó a investigar las leyes del ritmo musical
mediante el movimiento corporal .
Las observaciones que efectuaba en sus alumnos de solfeo del Conservatorio de Ginebra
fueron el origen de su método de gimnasia rítmica:
Observó que algunos progresaban auditivamente de una manera normal; sin embargo, les
faltaba la capacidad de medir los sonidos, la sensación de duración y el ritmar las
sucesiones.
Comprobó que frecuentemente reaccionaban con movimientos involuntarios de ciertas
partes del cuerpo a consecuencia de la música (pe: golpeando el suelo con los pies),
deduciendo así que podía existir alguna relación entre la acústica y los centros nerviosos
superiores.
No todos los niños reaccionaban de la misma manera. Muchos no conseguían coordinar
sus movimientos, al no responder correctamente el cuerpo a las órdenes nerviosas.
Basándose en estas observaciones concluyó que:
Todo lo que en la música es de naturaleza motriz y dinámica, depende no sólo del oído,
sino también del tacto.
Consideró que la musicalidad puramente auditiva era incompleta.
La arritmia musical es fruto de una arritmia de carácter general.
No es posible crear armonías musicales sin poseer un estado musical armónico interior.
El método de Dalcroze es un método de enseñanza musical a través del ritmo y el
movimiento. Utiliza una gran variedad de movimientos como analogías para hacer referencia a
los conceptos musicales, para desarrollar un sentimiento integrado y natural para la expresión
musical. Para su método, señala tres elementos centrales: ritmo, solfeo e improvisación. Su
finalidad consiste en armonizar las facultades de percepción, conciencia y acción por parte del
alumno. Pretende regularizar las reacciones nerviosas del niño, desarrollar sus reflejos,
proporcionarle automatismos temporales, luchar contra sus inhibiciones, afinar su sensibilidad
y reforzar sus dinamismos.
Para Dalcroze la rítmica no es un arte en sí, sino un medio o instrumento para llegar a las
demás artes. Su aportación fue revolucionaria al ser el primero que señala la importancia de la
música en el desarrollo personal y por marcar los inicios de lo que más adelante sería la
musicoterapia.
Los contenidos de trabajo empleados son:
ejercicios de reacondicionamiento físico
ejercicios para la educación de la mente
estudio activo y creador del ritmo corporal.
estudio activo y creador del ritmo musical.
Creadores de técnicas[editar]
Rudolf Laban (húngaro, 1879-1958)[editar]
Interesado en las ciencias esenciales para la comprensión del movimiento, estudió
matemáticas, física, química, anatomía y fisiología. Viajó alrededor del mundo en busca de la
actividad natural y cultivada. El ballet reclamó su mayor atención. Fue enemigo declarado de
las “puntas” y creía que el gesto expresivo tenía que dar origen a una liberación total del alma
y del cuerpo, en la misma línea que Isadora Duncan.
Laban elabora e interpreta los conceptos sobre el movimiento y la danza, definiendo tres
sistemas:
Labanotación: es una forma de recordar los movimientos por medio de símbolos.
Consigue establecer una técnica de lenguaje escrito y fiable de los movimientos, de los
dinamismos, del espacio y de todas las acciones motrices del cuerpo.
La técnica del icosaedro: permite a los estudiantes de danza ver los puntos hacia y desde
los cuales se mueven, mejorando su precisión en el movimiento.
La danza expresiva, libre, creativa o danza educativa moderna: establece un conjunto de
principios y conceptos sobre el movimiento con la finalidad de servir como guía de
investigación y de reflexión sobre la manera de efectuar y concebir el movimiento. De esta
forma el individuo, a partir de unos temas específicos, ha de explorar y familiarizarse con
el movimiento, llegando a descubrir su propia técnica y elaborando su propio lenguaje
corporal.
Para Laban la danza es una forma de expresión corporal de un individuo o grupo, y cada uno
tiene su propia danza; por eso la técnica de la misma ha de facilitar diversas posibilidades de
acción que le hagan reforzar su personalidad.
Una sesión de danza contemporánea podría contener los siguientes elementos:
1. Training corporal: acondicionamiento corporal y físico.
2. Estudio del movimiento: es el centro de la sesión; se experimentan y realizan
secuencias de movimientos individuales y grupales.
3. Composición: verifica el dominio del tema trabajado anteriormente.
4. Observación consciente: observación de las composiciones anteriores para favorecer
el espíritu crítico, y relajación activa o pasiva.
Otras aportaciones de Laban son:
Los coros de movimiento: que se caracterizan por el énfasis que pone en los movimientos
idénticos de varios danzantes para expresar emociones.
Una técnica de los movimientos considerándolos desde cuatro aspectos:
Tiempo: le interesa la rapidez y la lentitud y los cambios entre las dos (aceleración y
desaceleración).
Peso: considera el movimiento fuerte y ligero. Los factores tiempo y peso dan la
cualidad dinámica al movimiento.
Espacio: lo relaciona tanto con el modo en que nos movemos como con la dirección
en que lo hacemos.
Flujo: este factor penetra en todo el movimiento y confiere la sensación de ser
detenido o sujetado.
Mary Wigman (alemana, 1886-1973)[editar]
Discípula de R. V. Laban, aporta como elemento la “intuición creadora”. Considera que el
oficio de bailarín es una vocación. Influyó en la formación de bailarines, creando su propia
escuela. Su influencia sobre la evolución de la gimnasia moderna se basa en la expresividad
exagerada de los gestos y en la alternancia entre contracción y relajación, manteniendo
actitudes continuadas tensas y crispadas que varían hacia movimientos dinámicos y alegres
ritmos. Utiliza distintas etapas en su enseñanza y entrenamiento de la danza: parte de la
danza sin ningún acompañamiento musical, luego introduce instrumentos de percusión (en los
que destacan los tambores) y finalmente llega la música.
Kurt Jooss (alemán, 1901-1979)[editar]
Segunda Generación[editar]
Herald Kreutzberg
Gret Palucca
Vera Skonel
Dore Hoyer
Los Sajarov: Alexandre Sajarov y Clotilde von Derp
Tercera Generación[editar]
En plena Guerra Fría se desarrolla la danza contemporánea-clásica de muy distinta manera
en los distintos países europeos. La influencia de las escuelas de Laban y Mary Wigman se
ejerce sobre numerosos artistas y aparecen en todas partes unos cuantos intérpretes-
coreógrafos que no llegan a crear escuela. Tampoco la situación económica (Europa se
recupera de dos guerras) como geopolítica (Europa dividida por el "Telón de acero") propician
la creación de escuelas o movimientos estables de Danza.
También es importante el establecimiento de diversos coreógrafos y pedagogos
norteamercicanos, provenientes de la Modern Dance en Francia, España, Suecia, Alemania y
Austria. La difusión de las técnicas Graham, Limón, Horton y Cunningham serán importantes
en el futuro desarrollo de la danza actual europea.
No es hasta la década de 1980 que la danza contemporánea europea, sus intérpretes y
creadores toman consciencia y comienzan a desarrollarse compañías con sus particularidades
en cada uno de los países:
Danza contemporánea en Alemania
Danza contemporánea en Austria
Danza contemporánea en España
Danza contemporánea en Francia
Danza contemporánea en Italia
DANZA MODERNA
El concepto de la danza moderna se define en general sobre el desarrollo
de la danza, desde finales del siglo XIX, dio lugar a una nueva manera de
pensar acerca de la escena dance, en contraste con el ballet clásico-
académico. En algunos casos, la adopción de una terminología propia de la
anglo-mundo sajón, el término también indica algún tipo de baile de salón
que se desarrolló en el siglo XX.
Fundada como una rebelión en contra de la danza académica por ser
demasiado rígida y esquemática, danza moderna, tienen la intención de
encontrar una danza libre, que originalmente fue practicada a menudo por
la forma provocativa de la absoluta (también conocido hoy solamente),
realizada a menudo en zonas no teatrales, en marcado contraste con el
esplendor de los grandes ballets.
No fue inicialmente una rebelión deliberada contra, pero el resultado de
una serie de cambios de pensamiento [1] que encontró una base fértil sobre
todo en las teorías de François Delsarte, transmitido en Estados Unidos
entre 1830 y 1870 por algunos de sus estudiantes y discípulos.
Loie Fuller, Isadora Duncan y Ruth St. Denis, seguido por Martha Graham
y Doris Humphrey, se impusieron en el escenario mundial mediante el
desarrollo de un estilo particular de danza libre, que luego dio origen a la
danza moderna se caracteriza por su propia estética y sus patrones de
expresión y la educación.
En Europa, las tendencias, regresó y revisado por Émile Jaques-Dalcroze y
Rudolf von Laban, marca el camino del cambio, acompañado de los métodos
de enseñanza que poco a poco llevó al desarrollo de la danza moderna y,
especialmente, la danza expresionista (Ausdruckstanz).
Las características distintivas de la danza moderna
La definición de "moderno" en las actuales (también llamado "nueva danza"),
se debe al hecho de que ciertas características en agudo contraste con el
ballet. Danza moderna se niega a usar el cuerpo natural, las seis posiciones
de los pies y brazos. Vamos a usar en lugar del gesto y del movimiento que
expresa la personalidad de la bailarina de la naturalidad.
Desaparece el esplendor de los trajes y los conjuntos se han reducido a un
fondo de color único o de unos pocos elementos simples u objetos. La figura
del bailarín y el coreógrafo a menudo coinciden. En algunas producciones,
el coreógrafo y bailarín también es escenógrafo, diseñador de vestuario y
el director de iluminación. Danza moderna, utilizando un lenguaje codificado,
como en el caso del ballet clásico, y el tanque de la improvisación. Los
movimientos de la danza moderna, sin embargo, también una "gramática",
precisa. La técnica de Graham, por ejemplo, el baile no es "libre" a la
manera de Isadora Duncan o un "lenguaje personal", sino una técnica de la
danza verdadera y rigurosa. Lo mismo va para la técnica de Cunningham,
Horton, Limón y otros muchos países desarrollados más tarde. Confundir la
danza moderna y danza libre es por tanto un error.
Otro elemento que distingue a la danza moderna de la producción académica,
por un gran número de coreógrafos, de los escritos teóricos. Danza
moderna, a veces también se inspira en el estudio histórico y antropológico
de las danzas étnicas de la no-los países occidentales, a través del cual
puede mejorar la danza de los diferentes elementos, la forma renovada y
sustancia de la expresión. Este es el caso de muchos de los pioneros de la
danza estadounidense, como Isadora Duncan, Ruth St. Denis y Ted Shawn.
Uno de los más conocidos ejemplos contemporáneos de estampación Jiri
Kylian's Ground es una coreografía de 1983, inspirada en las danzas de los
aborígenes australianos.
En la danza moderna, el cuerpo se mueve respetando los nuevos cargos
técnicos y expresivos, pero no libremente, impulsados por un deseo de
encontrar una nueva relación con el espacio y el tiempo. De hecho, da gran
importancia al estudio del movimiento como medio de análisis de la dinámica
física que participan en los cuerpos en movimiento en el espacio (por ejemplo,
la fuerza de gravedad). Los bailarines de ballet se muestran de frente al
público y todos sus movimientos crecimiento de este tipo de relaciones
espaciales. La posición del tronco es recta y las piernas giran hacia el
exterior de la cadera artículo. En la danza moderna, sin embargo, la danza
los bailarines que ocupan todo el espacio del teatro, mostrando la cara o
de espaldas a la audiencia. La posición del tronco sobre las piernas puede
variar, los bailarines también se puede bailar acostado en el escenario. De
acuerdo con la técnica del ballet clásico, el bailarín tenía que crear la ilusión
de ser capaces de romper las leyes de la gravedad para crear la sensación
de que flotaban en el aire con facilidad. En contraste, la danza moderna
en el peso del cuerpo reconoce el principio básico del movimiento, y por lo
tanto la relación con la tierra es privilegiada.
La relación con la música
Danza moderna no tiene por qué seguir el ritmo de la música, como en la
danza académica. A veces la música también puede estar completamente
ausente: en este caso la danza bailarina siguientes sólo su propio ritmo
interno. En general, la coreografía es creada con o sin una correlación
directa con la música, que también se puede escribir en un segundo tiempo
a la luz de los movimientos. En estos casos, la danza puede seguir el ritmo
de la música o en oposición a ella, en una especie de diálogo de oposición.
La historia de la danza moderna se puede dividir en tres períodos:
• la ruptura con el ballet clásico y la investigación, que data de finales del
siglo XIX y principios del siglo XX.
• la definición de técnicas, incluyendo los años treinta y cuarenta.
• el período de la innovación, que van desde la Segunda Guerra Mundial
hasta nuestros días.
Debe hacer una distinción entre la danza moderna y danza moderna de
América de Europa central. Gracias a los numerosos intercambios culturales
entre los artistas, la relación entre los dos continentes, siempre han
permanecido constantes.
En el siglo XX, el deseo de cambio llevado al desarrollo de dos tendencias:
la de los Rusos Ballets, que proponía una renovación desde dentro, y los que
apoyaban la creación de una nueva danza. En los primeros treinta años de
1900 fue testigo de la introducción de innovaciones por el compositor suizo
y maestro Jaques-Dalcroze, la bailarina Isadora Duncan y Ruth St. Denis,
Mary Wigman y alemán.
Los bailarines de la Edad Moderna buscó una danza que fue más expresiva
del ballet clásico, así que algunos coreógrafos del ballet como Michel Fokine,
se inspiraron en las danzas de la no tradiciones occidentales. Isadora
Duncan, por ejemplo, se deshizo de los primeros zapatos con los dedos de
los pies y el tutu. Se realizó en París en 1900, descalzo, el pelo suelto y
con un abrigo grande, porque quería encontrar los gestos naturales y
expresar las pasiones de los bailarines imitan los movimientos de la
antigüedad griega. El Duncan argumentó que la fuente de todos los
movimientos del cuerpo yacía en el plexo solar, por lo que propuso un baile
en el que ahora se podría mover en oposición a la gravedad, ahora a favor.
El estilo de Ruth St Denis, muy característico, que se inspira en las danzas
de la India, Egipto y Asia. En 1915 fundó con su marido Ted Shawn escuela
Denishawn, que será el caldo de cultivo de nuevos autores.
Mary Wigman, uno de los máximos representantes de la danza expresionista
alemana, a veces inspiradas en las danzas de África y de Asia oriental y,
con frecuencia hizo uso de máscaras. Al igual que la realización Ruth St.
Denis es el trabajo del grupo, a menudo en los ciclos de la reunión, es
absoluta. El movimiento de la danza moderna alemana fue interrumpido por
el ascenso del nazismo al poder. Se recupera sólo entre los años sesenta y
setenta con el nacimiento del teatro Tanz.