UKIYO - E Y EL ART
NOUVEAU
El incremento en el comercio
y las comunicaciones entre
los países asiáticos y
europeos durante los últimos
años del siglo XIX causaron
una colisión cultural.
El arte asiático proporcionó a
los artistas y diseñadores
europeos y estadounidenses
nuevos enfoques del espacio,
color. Esto revitalizó el
diseño gráfico durante la
última década del siglo XIX.
Ukiyo-e
producción de una impresión
Ukiyo-e significa “imágenes
del mundo flotante” y define
un movimiento artístico del
periodo Tokugawa japonés
(1603-1867).
Ukiyo-e mezcló las narrativas
realistas de emaki
(pergaminos de imágenes
tradicionales) con influencias
de diseño de arte decorativo.
Ukiyo-e mezcló las narrativas
realistas de emaki
(pergaminos de imágenes
tradicionales) con influencias
de diseño de arte decorativo.
Los primeros trabajos ukiyo-
e fueron pantallas pintadas
que representaban los
distritos de entretenimiento,
llamados “el mundo flotante”
de Edo (Tokio moderno) y
otras ciudades. Temas
eróticos, fueron los primeros
temas de estos trabajos.
Los artistas de ukiyo-e
rápidamente adoptaron la
impresión en bloques de
madera. Hishikawa
Moronobu (1618-1694) es
ampliamente respetado
como el primer maestro del
estilo de impresión ukiyo-e.
Moronobu se dedicó a
ilustrar libros, usando
técnicas de grabado chinas
con los que logró llegar a un
público numeroso.
Las impresiones de grabados
de bloques de madera
japonesas se realizaban con
la colaboración cuidadosa de
editores, artistas, talladores
de bloques e impresores.
Los editores financiaban la
y coordinaban el trabajo de
los otros tres socios.
El artista proporcionaba un
dibujo separado por cada
color. Después todos se
pegaban en los bloques de
madera y el negativo o áreas
negras se cortaban,
destruyendo el dibujo origi-
nal en el proceso.
Una vez que todos los
bloques para una impresión
estaban cortados se iniciaba
la impresión. Para ello se
usaban a base de agua y
mezclas que requerían gran
habilidad y velocidad por
parte de los impresores. Sólo
después de que todos los
colores se imprimían el
artista podía ver el diseño por
completo.
Okumura Masanobu (1686-
1764) fue de los primeros
artistas que cambiaron los
grabados coloreados a mano
de un solo color por las
impresiones a dos colores.
Él experimentó con la
impresión en relieve, tintas
poco comunes, y la aplicación
de polvo de oro y plata
espolvoreado en la tinta que
contenía pegamento.
En 1765, Suzuki Harunobu
(1725-1770) introdujo
impresiones a todo color a
partir de numerosos bloques,
cada uno impreso en un color
diferente.
Kitagawa Utamaro (ca. 1753-
1806) se le considera el poeta
supremo de la impresión
japonesa. Su devoción por la
observación de la naturaleza
resultó en impresiones de
insectos, aves, flores y
mujeres que poseían una
gran belleza y sensibilidad.
El más reconocido y prolífico
artista del periodo ukiyo-e
fue Katsushika Hokusai
(1760-1849), quien produjo
un estimado de 35.000
trabajos durante siete
décadas de continua creación
artística.
Las ilustraciones del libro
japonés desarrollaron un
extraordinario sentimiento
por el ritmo cinético del libro,
usando escala, densidad,
textura y acción dramática
para lograr una secuencia
dinámica de imágenes.
Las impresiones
policromáticas de una sola
hoja se consideran la cumbre
del arte ukiyo-e.
Ya entrado en los 70 años de
edad diseñó las series Treinta
y seis vistas del Monte Fuji.
Las impresiones del Monte
Fuji de Hokusai llevaron a la
impresión del paisaje japonés
a un alto nivel de expresión a
través de la grandeza de su
representación de las formas
naturales.

El trabajo de Hokusai abarcó

la proyección de los temas de
ukiyo-e: impresiones de
álbumes, escenas de obras
literarias, eventos históricos,
ilustraciones para novelas,
series de paisajes incluyendo
vistas de ríos, montañas,
cascadas y puentes; estudios
de la naturaleza de flores,
aves, conchas y peces;
pinturas en seda, libros de
bocetos e impresiones por
encargo privadas para
ocasiones especiales,
llamadas surimono.

Desde los 20 años hasta que

murió, Hokusai ilustró más
de 270 títulos, entre ellos
varios libros de su propio arte
en las que se incluye Hokusai
Gashiki (Estilo de dibujo
Hokusai, 1819) y Hokusai
Soga (Dibujos burdos de
Hokusai, 1820).
Ando Hiroshige (1797-1858),
un rival de Hokusai, fue el
último gran maestro de los
grabados en madera japonés.
Su brillante composición
espacial y su habilidad para
capturar los momentos
transitorios del paisaje,
inspiraron a los
expresionistas europeos.
En la serie Fifty- Three
Stages of the Tokaido
(Cincuenta y tres etapas del
Tokaido), Hiroshige ilustró
las 53 estaciones de paso a lo
largo del Eastern Sea Road
desde Edo a Kyoto,
capturando las variaciones
sutiles de luz, atmósfera y
temporada.
Los practicantes de ukiyo-e
en Japón eran considerados
nada más que artesanos; sin
embargo, cautivaron a los
artistas europeos, quienes se
inspiraron en el dibujo de
líneas caligráficas, en la
abstracción y simplificación
de las apariencias naturales,
los colores pasteles y siluetas,
el uso no convencional de
formas negras fuertes y
modelos decorativos.

La muerte de Hiroshige
durante una epidemia de
cólera en 1858 se tomó como
amenaza de choque entre las
culturas europeas y asiática
que ocasionaría una
influencia importante en el
arte y diseño occidental.

La manía del occidente de

finales del siglo por todas las
cosas de origen japonés se
llama Japonisme. Los
artefactos japoneses llegaban
a raudales a Europa y varios
libros sobre arte y
ornamentación japonesa
fueron publicados durante la
década de 1880.
 EL ART NOUVEAU

Fue un estilo decorativo

internacional que prospero
durante 2 décadas que
envolvieron el final del siglo

Comprende todas las artes del

diseño, arquitectura, diseño de
mobiliario y productos, moda y
gráficas y por consiguiente
abarco todos los aspectos del
entorno hechos por el hombre:
carteles, empaques y anuncios;
teteras, platos y cucharas; sillas,
marcos de puertas y escaleras

La calidad gráfica del Art

Nouveau es una línea orgánica
en forma de planta. Liberada de
raíces y gravedad, puede
ondular con energía cambiante
o fluir con gracia elegante a
medida que define, modula y
decora un cierto espacio. Las
ramas de las enredaderas, las
flores, las aves y la forma de la
mujer fueron motivos
frecuentes desde los cuales fue
adaptada esta línea fluida

Ideas, procesos y formas en el

arte del siglo XX son testimonio
de esta importancia catalítica.
La arquitectura moderna, el
diseño gráfico e industrial, el
surrealismo y el arte abstracto
tienen sus raíces en la teoría y
conceptos del Art Nouveau
 Cheret y Grasset
La transición de las gráficas
victorianas al estilo Nouveau
fue gradual. Dos artistas
gráficos que trabajaban en
Paris, Jules Cheret y Eugene
Grasset
En 1881 una nueva ley francesa
respecto de la libertad de
impresión levanto muchas
restricciones de la censura y
permitió la colocación de
carteles en todas partes
excepto en las iglesias
Artista, cartelista e ilustrador
suizo de la Belle Epoque que
trabajó en París, Francia. Es
considerado un pionero en Art
Nouveau Francés. Inspirado por
la mujer ideal, de pelo largo, y
los diseños decorativos florales.
Además diseñó joyería e ilustró
libros, pero fue su trabajo en
posters el que tuvo un impacto
inmediato y duradero en el arte.

Una carencia económica que

significó que Jules Chéret
tuviese una educación muy
limitada. Su hermano pequeño
era Joseph Chéret. A los trece
años, comenzó un aprendizaje
de tres años con un litógrafo y
entonces su interés por la
pintura lo llevó a tomar un
curso de arte en la École
Nationale de Dessin.

Chéret estudió las técnicas de

varios artistas, antiguos y
modernos, visitando los museos
de París. Aunque algunas de sus
pinturas le dieron cierto
respeto, fue su trabajo de crear
carteles de anuncios lo que le
permitió pagar sus cuentas y
que se convirtió después en
objeto de su dedicación y por lo
que es recordado hoy
 Art Nouveau ingles

En Inglaterra el movimiento
de Art Nouveau estuvo
involucrado principalmente
con el diseño gráfico y con la
ilustración más que con el
diseño arquitectónico y de
productos

Una calidad tonal más

naturalista, y los contornos
punteados suavizaron la línea
decisiva. Aunque si influencia
fulminante penetro el diseño e
ilustración de cada país
europeo y estadounidense

Entro los diseñadores gráficos

ingleses que trabajan en el
despertar del movimiento de
las Artes y los oficios y en la
cumbre del Art Nouveau

El Art Nouveau inglés, fue un

movimiento de Inglaterra
enfocado plenamente en el
Diseño Gráfico e ilustraciones,
en donde el arte gótico y la
pintura victoriana fueron su
mayor influencia. Abreu
Beardsley fue el niño terrible de
este poca (1872-1898) ya sea
por su excelente manejo con la
pluma reproduciendo vibrantes
blancos y negros, conservaba
completa fidelidad del arte
original. Luego de su muerte su
influencia perduro y se
expandió por todos los países
europeos, como también en
Norteamérica.
El Art Nouveau llega a El arte grafico britanico y frances
Estados Unidos unieron sus fuerzas para invadir
Estados Unidos.
Estas primeras presentaciones de
un Nuevo enfoque al diseño grafico
fueron literalmente importadas, ya
que los diseños de Grasset fueron
impresos en Paris y enviados por
barco a Nueva York para ser
encuadernados en las revistas.
Rhead adopto las doncellas altas y
esbeltas de Grasset, el contorno de
linea y colores pasteles, pero
rechazo los colores palidos a favor
de combinaciones vibrantemente
inesperadas, como las lineas de
contorno rojo sobre cabello de
color azul brillante frente a un cielo
de color gris intenso.
Ethel Reed fue la primera mujer
estadounidense que alcanzo una
importancia nacional como
diseñadora grafica e ilustradora.
En 1889 y de Nuevo en 1891 y
1892, la revista Harper le
comisiono cubiertas a Eugene
Grasset.
El cartel visual fue adoptado por
la industria publicitaria de Estados
Unidos y pequeños anuncios
coloridos comenzaron a aparecer
en los estanquillos comerciales de
periodicos anunciando los nuevos
libros y principales revistas,
incluyendo Harper, Scribnes y
Century.
Su trabajo mezclaba en algunas
ocasiones una profusion de
influencias
Adornos decorativos de los
diseños vitorianos, formas
inspiradas por el movimiento de
Artes y oficios y modelos curvos,
lineales y abstractos fueron
algunas veces combinados en sus
diseños.
Nacida y criada en Massachusetts,
se volvio una conocida ilustradora
de libros y diseñadora de carteles
a la temprana edad de 18 años.
La innovacion en Belgica El Art Nouveau nacio en Belgica a
mediados de la decada de 1890
Van de Velde, arquitecto, pintor,
diseñador y educador,
prepresentaba el rumbo nuevo en
un solo hombre.
El sintetizo fuentes incluyendo la
impression japonesa, el Art
Nouveau frances, el movimiento
de las artes y oficios ingles, y mas
tarde la escuela de Glasgow para
lograr un estilo unificado.
Su trabajo evoluciono de formas
inspiradas por motivos de plantas e
ideas simbolicas a modelos lineales
ritmicos.
Van Velde atraia la atencion del
espectador con formas simbolicas
y color.
El argumentaba que los objetos
fabricados con maquinas, debian
ser fieles a su proceso de
manufactura, en fez de tratar
engañosamente, de aparecer como
hechos a mano.
Anidado entre Francia y
Alemania, este pequeño pais
experimento los inicios del
fermento creativo durante la
decada de 1880, cuando se
formo el Cercie des XX (Grupo de
20) para mostrar el arte
progresivo ignorado por el salon
establecido y encluyendo las
primeras exposiciones de pintura
de Gauguin en 1889 y de Van
Gogh en 1890
El trabajo de Van de Velde se
puede ver como un serio
esfuerzo por desarrollar nuevas
formas para la epoca
Van Velde fue el precursor de la
pintura del siglo XX
Van Velde trajo una demanda
moral a su exigencia de que el
trabajo contemporaneo para ser
modeno debia expresar las
necesidades de la epoca.
El movimiento aleman El Art Nouveau llego a De Munich, el Jugendstill se propago a
Jugendstill Alemania, donde fue Berlin, Darmstadt y a toda Alemania.
llamado jugendstill (estilo
joven) nombre tomado de
una revista, Jugend Muchos artistas alemanes adoptaron el
(juventud) que comenzo a diseño grafico y el diseño de productos.
publicarse en Munich en
1896.

Durante el primer año de publicacion de

El Art Nouveau aleman
la revista Jugend, la circulacion ascendio a
tuvo fuertes influencias
30000 copias por semana.
francesas y britanicas.

A lo largo de un año el logotipo de Jugend

Permitian al diseñador de aparecio de distintas formas, con letras
la portada de la semana gifantescas, con estilo Art Nouveau
que diseñara tambien el enramado con solo la palabra Jugend
nombre de la publicacion sobre la imagen compuesta en una
de acuerdo con el diseño tipografia de 24 puntos porque el
de la portada diseñador de la semana habia ignorado u
olvidado que tenia que incluir el logotipo
en el diseño
La fundidora Klingspor fue
la primera fundidora de
tipos alemana a la cual le Dibujado con un pincel en vez de una
encargaban nuevas pluma, el tipo Eckmannschrift fue un
fuentes los artistas. intento consciente a revitalizar la
tipografia combinando atributos
medievales y romanos con la influencia de
las impresiones japonesas