Escuela de Educación
CI: 23.583.354
Julio 2018
Índice
Introducción
I. Formación Estética
1.2.1 El Dibujo
1.2.2 La Pintura
1.2.3 La Escultura
1.2.4 Arquitectura
3.1 Heráclito
3.2 Sócrates
3.3 Platón
3.4 Aristóteles
Conclusión
Referencias Bibliográficas
Anexos (Talleres)
Introducción
El arte visual se encuentra formado por dos conceptos bien diferenciados pero que
trabajan en conjunto para lograr un fin, los cuales son: arte y visual. Arte es una palabra
que sirve para referirse a aquellas creaciones hechas por el hombre, a través de las
cuales manifiesta su visión sensible del mundo, ya sea real o imaginario. Y el término
visual que proviene de un vocablo latino que se encuentra vinculado con lo
perteneciente o relativo a la visión (sentido que permite detectar e interpretar la luz y la
capacidad propia de ver que tienen los seres vivos del reino animal gracias a sus
sistemas naturales).
Las artes visuales son una manifestación artística, expresiva, de percepción visual en la
cual el individuo crea y recrea mundos naturales o fantásticos mediante elementos
materiales utilizando diversas técnicas que le permiten expresar sus sentimientos,
emociones y percepciones del mundo que lo rodea.
Asimismo vamos a conectar con los temas desarrollo integral y aprendizaje integral, que
son vitales conocerlos puesto que servirán de base y apoyo para el trabajo que se
realizara más adelante relacionado con las situaciones vivenciales de formación y otros
aspectos básicos de la materia, además como futuras docentes es primordial que estos
temas se manejen con antelación. Por último nos introduciremos en la estética y el arte
en la pedagogía, que son importantes, puesto que sirven para desarrollar el trabajo
artístico liberador en los niños, asimismo permite que se posean y construyan las
herramientas necesarias para aplicarlas dentro de las aulas de clase en cuanto al
aprendizaje integral y el desarrollo artístico de los niños, para ello también es de vital
importancia conocer temas como la Inteligencia Arte.
Con este trabajo se pretende no sólo lograr un mejor aprendizaje sino establecer la
importancia que tienen los temas tratados y entender las distintas dinámicas con que se
pueden trabajar los temas para que así el niño en edad escolar pueda disfrutar una
manera diferente de aprender mejorando su aspecto cognitivo y realizar conexiones
acerca de las distintas culturas y como son sus manifestaciones artísticas.
I Formación Estética
La formación estética y las artes visuales son una representación artística y expresiva,
cuya apreciación visual está basada en el artista que crea y rehace mundos fantásticos o
naturales mediante materiales usados con diferentes y variadas técnicas que permite al
artista manifestar todas sus emociones, sentimientos y apreciación del mundo que lo
rodea. Por eso las artes visuales son una especialización de arte que también introduce a
las tradicionales artes plásticas e incluye varias maneras nuevas de expresión artística
que aparecen en el siglo XX, además de eso también se introduce el uso de los
progresos realizados en la tecnología, que se denominan como un nuevo medio. Por
todo esto se da origen a nuevas maneras de entrecruzamiento y expresión de distintas
modalidades artísticas. Todas las artes visuales están enfocadas a la visión de la
naturaleza y se pueden clasificar en los siguientes grupos: Pintura, Arquitectura,
Fotografía, Escultura, también está en este grupo el video, la producción audiovisual y
la instalación. Podemos integrar las artes plásticas como el dibujo, grabado, cerámica,
artesanía y diseño, aunque estas disciplinas pueden ser integradas en otras modalidades
artísticas a parte del arte visual. En sentido general, son aquellas creaciones artísticas
que pueden ser observadas, entre ellas se encuentran: Dibujo, Pintura , Escultura ,
Arquitectura. (Aporte Lubia Márquez)
1.2.1 El Dibujo: El dibujo es un arte visual en el que se utilizan diferentes medios para
representar algo en un medio bidimensional. Para realizar el dibujo, se utilizan diversos
materiales, siendo los más comunes los lápices de grafito, la pluma estilográfica,
creyones, carbón, etc. El dibujo es la expresión de una imagen que se hace en forma
manual, es decir, se usa la mano para realizarlo. Los materiales para dibujar pueden
variar así como las superficies. Los más usados son el papel como soporte y el lápiz
como el instrumento, pero actualmente se usan medios tecnológicos como las
computadoras utilizando un lapicero óptico. (Aporte Lubia Márquez)
La línea: Puede ser considerada como la traza que deja el punto al moverse, o como la
unión de dos o más puntos. A su vez es una suma de puntos que son conectados en el
espacio.
La sombra: Se refiere a la luz y a sus efectos sobre los objetos, ya que para poder
percibir la estructura de los objetos y la posición que estos ocupan en el espacio, es
necesario que estén iluminados, y por consiguiente que arrojen sombra.
María Molina añade que: Existes distintas técnicas de dibujo entre las principales
podemos mencionar el lápiz de grafito, carbón o carboncillo, sanguina, y tinta.
Paloma de la Paz.Picasso.
Dibujada con trazo seguro.
Pablo Ruiz Picasso1 (Málaga, 25 de octubre de 1881-Mougins, 8 de abril
de 1973) fue un pintor, dibujante y escultor español, además, abordó
otros géneros como, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la
cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.
Carboncillo: Este material es de los más antiguos, ya se lo utilizaba para realizar los
dibujos en las cavernas. Esta técnica se caracteriza por permitir realizar dibujos muy
elaborados. Si bien el carbón es madera quemada, actualmente este material es sometido
a diversos procedimientos químicos. Generalmente al carbón utilizado para dibujar se lo
denomina carboncillo y el soporte ideal para utilizarlo son los papeles granulosos y
suaves, que facilitan los frotados y borrados y además retienen mejor al carbón. El
carboncillo permite confeccionar bocetos previos, ya que es muy sencillo de borrar,
también se lo usa para manchas y líneas de distintos grosor. Otra ventaja que presenta
esta técnica es la creación de distintos tonos a partir del difumino.
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wX_Eo2MMI/AAAAAAAAAc8/BvOSJz3RUow/s400/c.jpg
Sanguina: La sanguina está compuesta por una barra de pigmentos en polvo, es una
técnica muy utilizada para la realización de retratos, paisajes, esbozos desnudos y
vestimenta ya que permite resaltar con facilidad las expresiones y formas. Por medio de
esta técnica se logra crear el efecto de imágenes a todo color utilizando sólo tres: negro,
blanco y sanguina. Los dibujos realizados se destacan por su suavidad, calidez y
luminosidad.
Tinta: La tinta utilizada en esta técnica se seca sobre películas duras y brillantes, lo que
da la posibilidad de colocar nuevas capas encima. El soporte que se utiliza en esta
técnica debe ser grueso, duro y sin superficies porosas ni absorbentes. La pluma en la
que se introduce la tinta crea marcas inequívocas y directas, caracterizadas por ser
permanentes y fijas.
Dibujo Artístico: tipo de dibujo que sirve para expresar ideas, sentimientos y
emociones. El artista cuando dibuja cosas, las dibuja tal como las ve emocionalmente de
acuerdo con su propia y peculiar manera de percibir la realidad de su entorno. Este tipo
de dibujo requiere aptitudes especiales como las personales y naturales.
1.2.2 La Pintura:
La pintura tiene tres finalidades principales; expresar, representar y decorar. Para los
niños pintar es cubrir superficies de colores, la pintura contribuye al dominio del gesto
manual y del espacio geográfico. A través de la pintura los niños descubren a un medio
lleno de colores, formas, trazos y un mundo de imaginación, a su vez estimula la
comunicación, la creatividad y la sensibilidad aumentado la capacidad de construcción y
expresión de los niños. (Aporte de María Molina)
Lubia Márquez nos señala: Es el arte que se emplean técnicas de pintura, conocimientos
de teoría del color y de composición pictórica, y el dibujo. La práctica del arte de pintar,
consiste en aplicar, en una superficie determinada —una hoja de papel, un lienzo, un
muro, una madera, un recorte de tejido, etc.— una técnica determinada, para obtener
una composición de formas, colores, texturas, dibujo, etc. Dando lugar a una arte según
unos principios estéticos.
1. Primarios: Son aquellos que constituyen las bases de todas las mezclas, también se
les llaman colores puros.
2. Secundarios: Son los resultantes de las mezclas de dos colores primarios entre sí.
Monocromía
Es una composición artística producida por un solo color en sus diferentes tonalidades,
sin que intervenga ningún otro color. El blanco y el negro están estrechamente
relacionados con la escala monocromática ya que indican la escala en la que el color
produzca los diferentes tonos de radiación.
Policromía
Es el arte de pintar o decorar con varios colores, se utilizan todas las gamas de colores
contrastando para producir las armonías en los tonos. Cuya característica principal es la
variedad de su colorido.
Técnicas de Pintura: se dividen de acuerdo a cómo se diluyen y fijan los pigmentos en
el soporte a pintar. (Aporte de Marioly Gutiérrez)
Óleo: La pintura al óleo se hace básicamente con pigmento pulverizado seco, mezclado
en la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal.
Acuarela: La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en
agua. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla)
y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se
compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel.
Thomas Girtin, Abadía Jedburgh desde el río, acuarela sobre
papel, 1798-99
Temple: La pintura al temple tiene como aglutinante una emulsión de agua, clara y
yema de huevo y aceite. Conviene primero hacer la mezcla del huevo con el aceite hasta
lograr una mezcla homogénea, después gradualmente agregar el agua hasta crear la
emulsión o médium de la técnica al temple.
El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli fue pintado con la
técnica del Temple. Botticelli fue un pintor renacentista, nació y
murió en Florencia, Italia (1 de marzo de 1445/ 17 de mayo de
1510). http://www.pinturayartistas.com/wordpress/wp-
content/uploads/2008/06/nacimientodevenus_temple.jpg
Puntillismo: El puntillismo es la técnica que surgió en el neoimpresionismo por el
estudio practicado principalmente por el pintor Georges Seurat, que consiste en colocar
puntos pequeños esféricos de colores puros, en lugar de la técnica de pinceladas sobre el
soporte para pintar. Al haber relaciones físicas entre los colores, la interacción entre los
primarios y complementarios, consiguen con la posición de unos junto a otros la mezcla
óptica, a partir de una cierta distancia del cuadro, que es capaz de producir el efecto de
la unión entre ellos.
Dripping: El dripping es una pintura automática, que según los surrealistas se consigue
con ella una pintura casual, hecha con gotas y salpicaduras de pintura, es la técnica
pictórica característica de la «action painting» estadounidense (pintura de acción). La
pintura se realiza por el artista caminando sobre la superficie a pintar con grandes
brochas o con el mismo bote de pintura, dejando caer el goteo del color, normalmente
esmalte, que es el que forma las manchas sobre el soporte.
Esta obra de Jackson Pollock fue compuesta
entre los años 1943-1947, etapa caracterizada
por el action-painting
https://xgfk13ist.files.wordpress.com/2014/01/
mffin.jpg
1.2.3 La Escultura: (del latín sculpere, esculpir) es una forma de expresión artística
consistente en tallar, moldear, esculpir o cincelar un material para crear una forma con
volumen. Esto quiere decir que, a diferencia de la pintura, que es bidimensional y plana,
las esculturas tienen volumen y pueden ser apreciadas no sólo de frente sino desde
distintos puntos. La escultura prehistórica es realizada principalmente en piedra y hueso.
Como primeras manifestaciones de escultura prehistórica encontramos utensilios y
plaquetas de marfil, y hueso grabados, además de ser un arte mobiliar, realizado
principalmente con piedra y hueso, materiales empleados por el hombre primitivo.
(Aporte de Yusmary Maldonado)
Por su parte Lubia Marquez agrega: Este arte ha creado en el curso de su historia, dos
clases de belleza: la imitativa y la imaginativa. En esa esfera de la expresión humana
que denominamos creación artística, la actividad específica de la escultura es el proceso
de representación de una figura en tres dimensiones. El objeto escultórico es por tanto
sólido, tridimensional y ocupa un espacio.
Madera: si bien este tipo de esculturas suelen ser relacionados con la religión, estas
tienen un alcance mucho más amplio ya que pueden hallarse estas piezas en diversas
culturas y en diversos momentos de la historia.
Bronce: estas esculturas son muy apreciadas por durabilidad de su materia prima. Sin
embargo resulta muy difícil de manipular.
Hierro: este material comenzó a ser forjado hace más de tres mil años. Durante mucho
tiempo fue utilizada con diversos fines sean decorativos o para la fabricación de
herramientas o armas. Sin embargo fue a partir del Renacimiento cuando adquirió un
carácter artístico y durante la modernidad comenzó a ser muy importante.
Piedra: en este caso son utilizados distintos minerales, el más usado es el mármol. Se
considera que las mejores obras realizadas a partir de la piedra fueron creadas durante el
renacimiento. Algunos de los artistas más reconocidos hoy en día son Miguel Ángel y
Leonardo Da Vinci.
De Bulto Redondo: Es aquella que se puede contemplar desde cualquier punto de vista
a su alrededor. Si se representa la figura humana se denomina estatua y si representa
imágenes divina recibe el nombre de imagen.
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YACENTE: Tumbada.
Canova. Paulina Bonaparte
http://www.ildefonsosuarez.es/Arte2bat/Tema_Neoclasico_al_Re
alismo.Goya/Imágenes_Neoclasico_al_Realismo-
Goya/Neoclasico/Extranjero/Importante/arles_gallery/images/Can
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ORANTE: De rodillas.
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kPyrNDgsB7s-TsgbHU2_IfqgavStEP5Oiri1dg
ECUESTRE: A caballo.
Escultura de Felipe IV
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BP0uxo/UcIc6Kd86yI/AAAAAAAAA_M/hdHFHkxtznA/s1600/Feli
pe+IV.JPG
Françios Rude
http://www.xtec.cat/~jarrimad/contemp/rude.jpg
http://estaticos2.catai.es/content/media/fotos/samples/large/reli
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Tipos de Arquitectura
Arquitectura Histórica o estilística: Se denomina así a aquella arquitectura que ha
surgido a través del tiempo en diversos lugares y tiene sus propias características y sus
propios estilos arquitectónicos Suelen clasificarse dependiendo del periodo dominante
en cuanto al estilo, en donde ejerció influencia dicho tipo o estilo arquitectónico.
Dentro de este tipo está los monumentos y edificaciones del tipo público, como
religiosos o militares, y los de tipo particular, como las casas particulares.
Arquitectura Popular o tradicional: Se denomina así a aquellas edificaciones que
son realizadas por la propia gente o por artesanos que poseen poca instrucción, como
albañiles, aprendices y peones, quienes realizan construcción de casas, para vivir o para
el ganado, de tipo rural, sin grandezas, para un uso cotidiano y sencillo, construidas
materiales como madera, piedra etc, variando según los países, el clima de la región o el
estilo local.
1.2.5 Diseño gráfico: (Ariana Peña nos señala que): Se entiende por diseño gráfico a la
práctica de desarrollo y ejecución de mensajes visuales que contemplan aspectos
informativos, estilísticos, de identidad, de persuasión, tecnológicos, productivos y de
innovación.
La Impresión en el Diseño Gráfico
Tipografía: Los motivos que se van a imprimir (texto, imágenes) están en altorrelieve
en la plancha. En su forma más tradicional, imprimía los textos componiéndolos con los
tipos móviles de metal de los que hablábamos antes y las ilustraciones con grabados.
Marioly Gutierréz aporta: que durante los últimos años la tecnología ha avanzado
mucho dando cambios enormes en los sistemas relacionados al diseños gráfico
cambiando por completo el proceso de producción editorial, y como se preparan los
textos y gráficos que constituyen las publicaciones impresas o digitales. Los sistemas
digitales se han impuesto por completo.
URL2PNG
Es una aplicación web muy útil para los diseñadores gráficos que se dediquen a elaborar
diseños de páginas web, ya que obtendrán una imagen preliminar sin importar el
sistema operativo o el navegador que estén utilizando.
Pixie: Este es un programa que sirve como selector de color para todos los ordenadores
que tengan instalado alguna versión del sistema operativo de Microsoft Windows, entre
otros.
Según los libros, la civilización mesopotámica es la más antigua, pero ahora, tras un
hallazgo, expertos chinos dicen que el título es de sus antecesores. La teoría más
extendida señala que la civilización china nació hace unos 5.000 años, unos dos
milenios después de la mesopotámica, pero un grupo de expertos ha asegurado, tras el
reciente descubrimiento de unas antiguas ruinas, que la cultura china tiene 10.000 años
y es la más antigua del mundo. (Aporte de Yusmary Maldonado)
Ahora bien el Arte Antiguo de Mesopotamia hace referencia a las expresiones artísticas
de las culturas que florecieron en las riberas de los ríos Tigris y Éufrates desde el
Neolítico (hacia el VII milenio antes de la edad cero) hasta la caída de Babilonia ante
los persas en el año 539 antes de la edad cero.
La arquitectura mesopotámica
La escultura
La Pintura
La arquitectura
Los principales rasgos de la arquitectura del antiguo Egipto son las líneas sobrias, la
grandiosidad y la omnipresente religiosidad. Los edificios son adintelados o
alquitranados, sin arcos ni bóvedas. Destaca el uso profuso de columnas, de fuste liso o
fasciculado y con diversos tipos de capiteles. El otro elemento constante es la
penumbra, que otorga a los ambientes mayor sacralidad y misterio. (Aporte de Paola
Nieves)
.
La Esfinge. Al fondo Gran
Pirámide de Guiza
La principal característica del arte pictórico egipcio es la reducción de todas las formas
a una representación bidimensional. En general, el torso aparece reproducido de frente,
la cabeza de perfil, el ojo de frente y las piernas también de perfil. Las figuras adelantan
la pierna o el brazo más alejado del espectador y muestran casi siempre el lado derecho
de su cuerpo.
En el imperio medio, los relieves son menos abundantes y tienden a ser sustituidos por
pinturas. Éstas se ejecutan con pigmentos naturales aglutinados con cola soluble. El
soporte era el constituido por las superficies verticales, preparadas con estuco, de las
tumbas. No se recurría a matices ni a sombras, sólo los plumajes o los pelajes de los
animales daban pie a cierto efecto de difuminado.
La diosa Isis, huecorrelieve de los pilonos del templo de File, cuya construcción se
inició en el reinado de Tolomeo II, siglo III a. C.
El Discóbolo de Mirón
https://listas.20minutos.es/lista/arte-griego-360067/
Estilo elaborado por los antiguos artistas griegos, caracterizado por la búsqueda de la
«belleza ideal», recreando el «mundo ideal» del modelo platónico, o mediante la
«imitación de la naturaleza» en el sentido de la mímesisaristotélica. La cultura
desarrollada por los antiguos griegos establece los fundamentos de la cultura occidental.
De ella surgieron los conceptos y principios del arte, la filosofía y el saber posterior.
El periodo geométrico
Se data en torno al año 1000 a. C., aunque se conoce poco sobre el arte griego durante
los 200 años precedentes (tradicionalmente conocido como edad oscura griega); el
período del siglo VII a. C. atestiguó el lento desarrollo del estilo arcaico según lo
observado por el estilo de pintura de ‘figura-negra’. El inicio de las Guerras Médicas
marcará el final del período arcaico y el comienzo del clásico; el reinado de Alejandro
Magno (336 a. C. a 323 a. C.) es tomado como la separación entre el arte clásico y el
helenístico.
http://slideplayer.es/3469736/12/images/51/%C3%81nfora+del+Dip
yl%C3%B3n.+Siglo+VIII+a.C..jpg
El periodo arcaico
Se inicia a finales del siglo VIII a.C. y abarca hasta comienzos del siglo V a.C. el arte
desempeña en esta etapa un nuevo papel propagandístico de la tiranía, cuyos
gobernantes lo utilizan para justificar su poder escasamente legitimado. A partir del
siglo VI a.C. el centro político de la polis se convierte en un lugar de gran relevancia
artística, convirtiéndose la plaza pública o ágora en el corazón de las actividades cívicas
de la sociedad. Se crean ahora santuarios panhelénicos, como Delfos y Olimpia, donde
los distintos tiranos realizan grandes ofrendas votivas para exhibir su poder, y se
fomentan nuevos cultos populares, al tiempo que surgen mitos relacionados con dioses
y héroes locales, lo que incrementa las identidades políticas de las distintas polis que
necesitan sentirse independientes y destacar sobre el resto.
La Arquitectura
Las obras arquitectónicas griegas están bien proporcionadas y son armónicas, por lo que
destacan el equilibrio y sus proporciones. Se expresa la belleza como resultante de la
proporción y la medida. Casi toda es de sillería uniforme y el material preferido fue el
mármol blanco.
Destacan sobre todo Los órdenes que son las sucesiones de las diversas partes del
soporte, Las columnas y de la cubierta siguiendo tres distintas modalidades:
Orden Dórico: muestra un sentido rígido y sobrio. Destaca por su sencillez tanto en las
proporciones como en la decoración. Emplea elementos constructivos indispensables y
ofrece la imagen de robustez. Descansa sobre unas gradas que lo aíslan del terreno
circundante.
Orden Corintio: se desarrolla en la segunda mitad del siglo V A.C. y viene a ser como
una variante del jónico. Sus formas siguen variando únicamente en el capitel que está
formado por un cesto forrado te hojas adornado con pencas que terminan en voluta.
El Templo Griego: es de medianas proporciones,
construido para albergar únicamente a la divinidad
o a su imagen. Los fieles no se reunían en él para
las celebraciones.
Al principio tendían a ser rígidas pero con los años adquirieron flexibilidad mediante la
observación de la naturaleza con un sentido idealista.
Venus de Milo
La Pintura Lubia Márquez nos aporta que:
Todas las pinturas griegas han desaparecido. Solamente se han conservado las
decoraciones pictóricas realizadas sobre cerámica y vasos de pequeño tamaño.
Presentan maestría en el dibujo pero poco se puede determinar según esto.
Existen numerosos testimonios escritos que nos permiten entrever que era una pintura
extraordinaria o más que la propia escultura.
Algunos pintores griegos fueron: Polignoto, Zeusis, Parrasío y Apeles. Sus pinturas y
frescos se presume que reflejan sus estilos bastante laboriosos.
Periodo Helenista:
Esta época corresponde al fin del arte griego, las obras de esta época toma modelos de
las anteriores, perfeccionándolos, demostrando una gran capacidad de realización, entra
la figura del niño como tema. La escultura adquiere caracteres de monumentalidad,
dominando lo pintoresco, lo grotesco, lo episódico, etc. El retrato pasa a un primer
plano. En este período surgen diferentes escuelas, entre las más importantes: las Escuela
de Pérgamo, la de Rodas y la de Alejandría.
El Toro Farnesio
https://i.pinimg.com/originals/ac/79/65/ac7965290823a4ddd67813b02eb5
c2e8.jpg
Arquitectura Romana
Se caracterizó por un carácter civil basado en la línea curva, en el cual se introducen
novedades técnicas como el arco, la bóveda y el uso de cúpulas.
• Las termas: Eran los centros sociales, los cuales se dividían en tres grandes salas de
baño, salas de masajes, vestuarios y jardines. Ejemplo: Las termas de Trajano, Caracalla
y Dioclesiano.
• El teatro: Edificación con similitud griega la cual es adaptada a sus necesidades. Los
romanos varían su construcción abovedando las galerías. Ejemplo: Teatro de Liptis
Magna (Libia).
• Los anfiteatros: Otra construcción de carácter monumental la cual se conforma por una
planta elíptica, se divide en: el graderío para el público, la arena para el espectáculo y un
conjunto de galerías subterráneas bajo la arena y el graderío, para las fieras, luchadores,
etc.
• Los arcos del triunfo: Inicialmente tienen como utilidad conmemorar victorias y
posteriormente se empiezan a ver en todas las entradas de las ciudades.
A partir del siglo III el retrato inició una rápida evolución hacia la simplificación
geométrica. El parecido físico dejó de interesar al artista, para optar por una
representación simbólica caracterizada por el hieratismo. Propios de este periodo son los
retratos de Constantino I el Grande (h. 280-337).
Con la aparición por primera vez de la arquitectura hindú los edificios que se realizaron
fueron a través del ladrillo y se iban levantando sus estructuras con madera. Sin
embargo, estos modelos fueron desapareciendo poco a poco a lo largo de todos los
siglos y se volvieron a construir utilizando piedra. Sin embargo, es así imposible
ordenar de manera cronológica los monumentos y edificios que se crearon mediante la
arquitectura hindú. Lo único que se puede decir a ciencia cierta es que la gran mayoría
de los edificios o monumentos que se crearon tenían como tema principal la religión.
Además de que no se han hallado templos más antiguos del siglo XV ya que fueron
desapareciendo por la mala calidad de los materiales que se utilizaron y los templos que
se hallaron del arte indio (que es diferente al arte musulmán) son bastante pocos. La
tipología más común de la arquitectura hindú fue:
•La gopura
•La stupa.
Las pinturas de la India poseen un continuo estético que se extiende desde las primeras
civilizaciones hasta nuestros días. En sus comienzos su naturaleza era esencialmente
religiosa, pero luego la pintura de la India evolucionó a través de los años para
convertirse en una fusión de varias culturas y tradiciones. La pintura de la India ha
estado expuesta a influencias greco-romanas, iraníes y chinas. Las pinturas en cavernas
que se observan en distintas partes de la India son un testimonio de estas influencias y la
evolución continua de nuevos idiomas pictóricos es evidente. (Aporte realizado por
María Molina)
Radha
2.1.6 Arte Antiguo China: (Paola Nieves en su investigación nos indica que):
El Arte en China ha sido objeto de grandes discusiones entre los conocedores de arte en
todo el mundo. China tiene una historia asombrosa en todas las formas de arte, a saber,
bellas artes, artes escénicas y artes populares. Las antiguas formas de arte chino
evolucionaron de acuerdo con las cambiantes dinastías que gobernaron el país durante
los años.
La civilización china se remonta a más de cuatro mil años atrás. A lo largo de los años,
los chinos han logrado desarrollar una colección de obras de arte extremamente
diversas. Los arqueólogos han podido encontrar obras de arte de la región que precede a
la época en que comenzó a escribirse la historia.La obra de arte más temprana de la
región hizo uso de rocas y piedras como medio de expresión. Esto fue cuando los chinos
aún no habían aprendido a trabajar con metal. Sin embargo, después de algún tiempo,
los chinos aprendieron a hacer uso del bronce, y esa época se conoce como la Edad del
Bronce. Este período fue seguido por la Edad de Piedra y luego por la Edad de Piedra
Neolítica.
El país de China ha sido gobernado por muchas dinastías diferentes a lo largo del
tiempo. La dinastía Tang, la dinastía Qin, la dinastía Han y la dinastía Zhou hicieron sus
propias contribuciones al arte chino antiguo. Cada dinastía tenía su propio estilo, el cual
evolucionaba con el paso del tiempo.
Arquitectura
Escultura China.
Tiene origen milenario, pero a diferencia del resto de las artes (sobre todo en el arte de
la pintura y la literatura) poco se sabe sobre los autores de las grandes esculturas que
hoy en día yacen a lo largo de todo China. Esto se debe a que los escultores eran
considerados de clase muy inferior, y por este motivo no eran mencionados en los libros
y documentos históricos.
Las esculturas chinas por lo general se relacionaban con la religión y los próceres tanto
verdaderos como ficticios, encontrándose en su gran mayoría dentro de templos
budistas y taoístas y como también se manifestaban coronando los mausoleos. Una
característica típica de las esculturas chinas, es la enfatización de las vestiduras de los
personajes, marcando una gran diferencia con respecto a la escultura tradicional
occidental. Los mejores ejemplos se encuentran en las grutas de Longmen, Yungang, y
Dazu. (Aporte de Marioly Gutiérrez)
La porcelana
La seda
La cultura China fue la primera en utilizar tinta para escribir y se estima que habría sido
inventada hace 4.500 años atrás, siendo las primeras realizadas de pigmentos negros que
obtenían del humo; el papel también es de origen chino y fue inventado en la dinastía
Han realizándose con una mezcla de fibras de bambú, cortezas de árbol y agua. Las
primeras manifestaciones de caligrafía china se encuentran sobre huesos pertenecientes
a la Edad de Bronce, durante la dinastía Shang, del siglo XVII al XI a.C. Mientras que
los primeros pictogramas que se descubren son imágenes simples que permiten apreciar
un vocabulario extenso al conceptualizarse objetos concretos y abstractos mediante la
combinación de unos pictogramas con otros. Por otro lado las ideas complejas se
obtienen mediante la unión de dos o más símbolos. Se descubre así que el concepto de
“Hombre” (Ren) en combinación con el concepto de “Árbol” (Wu) significa
“Descansar” – Xiuxi. La escritura china, los ideogramas, no son signos que representan
fonemas: Los signos del sistema de escritura chino no representan sonidos sino
conceptos. Es decir, el signo tiene naturaleza conceptual, de significado y no guarda
relación directa con el sonido.
http://china.globalasia.com/wp-content/uploads/2011/09/idioma-pluma-300x169.jpg
Los primeros emplazamientos urbanos que se conocen en África son las ciudades
amuralladas del sur de Mauritania, construidas hace unos 4.000 años. Mucho más
próximo a nosotros, hace unos 2.600 años y a lo largo de los 400 años siguientes se
produce una explosión urbana inmediatamente al sur del Sahara. De este tiempo son los
emplazamientos más antiguos: Jenne, Gao, y Kumbi (Kumbi Saleh más tarde, la capital
del reino de Ghana). Todos estos centros urbanos crecieron en los oasis y riberas de los
ríos que les permitieron desarrollar y mantener grandes poblaciones urbanas.
La arquitectura africana usa una amplia variedad de
materiales. Un muro en África del Norte podría ser
construido de piedra o de tierra apisonada; en África
occidental, de barro o adobe; en África central, de
madera; en África meridional, de madera o piedra; y
en África oriental, de todos estos materiales.
Escultura
Como ejemplo tenemos las piezas como el Altar de la Mano, que ejemplifican la
maestría con la que los artistas manipulaban el bronce, así como la importancia de los
elementos simbólicos en el arte. En la parte central de esta obra aparecen una serie de
figurillas en relieve que veneran al rey y glorifican su poder divino. El monarca es la
figura central del conjunto; lleva en las manos los símbolos de su poder, y su cabeza es
mayor que las de sus cortesanos.
Las más antiguas esculturas de madera conocidas son los retratos de los reyes de Kuba,
de la zona central de la actual República Democrática del Congo, que datan del siglo
XVII. Sin embargo, muchas de las mejores esculturas en madera corresponde a la
segunda década del siglo XX: por ejemplo, los trabajos de los maestros yorubas Olowe
de Ise (después de 1939) y Areogun de Osi-llorin (hacia 1880-1954).
El escultor africano cuando crea, parte siempre de la naturaleza, de quien toma las
formas más elementales. En ellas el artista va a plasmar el sentimiento que tiene de una
dimensión más profunda de las cosas. Estas formas elementales son casi siempre el
hombre y el animal.
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Los fetiches
Son objetos a los que se atribuye un poder sobrenatural para ejercer influencias
maléficas o beneficiosas. Cabe distinguir entre figuras-relicario, con cavidades para
guardar objetos, fetiches de clavos, que ejercen influencias malignas, fetiches que
transmiten los mensajes de los espíritus y tallas conmemorativas de personajes
relevantes.
Fetiche de Nkisi de la tribu de Bakongo del Congo
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Las máscaras
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Pintura
El estilo y simbolismo de las pinturas, figuras y máscaras dependen del contexto social,
cultural y religioso de la región. Los mitos, los rituales y las ceremonias se reflejan en
las diferentes manifestaciones artísticas. Refleja las dificultades de sus formas de vida,
las distintas actividades que desarrollan para su subsistencia. Utilizan temas como los
espíritus del agua, el viento, de la lluvia.
Al haber recurrido al arte africano como medio de inspiración y experimentación de
diferentes formas de expresión, los movimientos de arte europeos modernos como el
cubismo y el expresionismo, ayudaron, sin pretenderlo, a crear un mayor interés por
esas artes antes desconocidas. El carácter abstracto del arte africano inspiró a pintores
modernos como Pablo Picasso y Henry Moore. Picasso, que negó al principio esta
relación, después admitió la gran influencia que el arte africano tenía en una parte
importante de su obra. Artistas americanos como Meta Warrick Fuller y Martin Puryear
se inspiraron en creaciones del arte tradicional centroafricano, y el americano Renée
Stout, en 1990 presentaba su exposición de esculturas basadas en figuras creadas por el
pueblo Kongo.
3.1 Heráclito:
Heráclito de Éfeso nació en la ciudad de Éfeso Grecia, en torno a 540 antes de la edad
cero. Fuerte personalidad, Heráclito no apreciaba la vida pública y se alejó de temas
como el arte y la religión. El filósofo basa sus ideas sobre la ley fundamental de la
naturaleza, por lo que, dijo, “Todo fluye” y “Nada es permanente excepto el cambio.” A
partir de esto creemos que todo lo que existe está en cambio o transformación constante,
concepto llamado “Devenir” (devenir, la venida-a-ser), sujeto a los “logos” (razón o
derecho). Fue el creador del pensamiento dialéctico, siendo así que la dialéctica se
propone la búsqueda de la verdad a través de la relación entre dos conceptos opuestos
en una relación de interdependencia. (Aporte de Ariana Peña)
Nació en Atenas (Antigua Grecia) en el 470 antes de la edad cero. Propuso su método
de la mayéutica para ayudar a las personas a encontrar la verdad, que se encuentra en el
interior de cada uno. Siendo la mayéutica un método o una técnica que consiste en
realizar preguntas a una persona hasta que ésta descubra conceptos que estaban latentes
u ocultos en su mente. Es una simple palabra griega (μαιευτικη) dicha "maieutik" y que
se traduce como obstetricia, es decir, la que se ocupa del parto o embarazo, Sócrates
modificó el significado médico que tenía mayéutica y lo reorientó al ámbito filosófico.
Mientras el significado real de mayéutica es «el arte de hacer nacer (bebés)», Sócrates
lo focalizó en «el arte de hacer nacer o arte de dar a luz (al humano pensador)».
Respecto a la belleza afirmo Sócrates que el filósofo no es aquél que contempla las
cosas bellas, sino aquél que contempla la belleza tal como es en sí misma. Por esto, la
belleza puede manifestarse de infinitas maneras: en una rosa, un paisaje, una música,
una buena obra lo cual propone un relativismo. Sócrates decía que la pintura es una
representación de lo que se ve. Sócrates explica que, mientras las otras artes, las del
herrero o del zapatero, por ejemplo, crean objetos que a naturaleza no produce, la
pintura y la escultura repiten e imitan lo que ya existe en la naturaleza. Es decir, que las
segundas tienen un carácter imitativo y representativo que las diferencia de las otras.
Afirma que el arte no representa sólo el cuerpo, sino también el alma, que “es seductor,
dulce, amable, deseable y encantador”.
3.3 Platón:
Es que el mérito que existe entre todas las artes y las Musas se lo debemos a Platón,
quién estableció este orden divino, atribuyendo a las Musas el poder de dotar a los
artistas de influencias creativas y creadoras: la inspiración. Pues para los griegos, la
inspiración es ese estímulo que consigue de repente que un artista crea una obra, es un
elemento creativo diferenciador. Así, el talento artístico depende de los momentos
inspiradores. Es ese instante en que "las Musas soplan en el oído sintonías de
creatividad". Digamos que hay mezcla en los conceptos y ese soplido que llega del
interior de cada artista, sirve para iluminar el sendero de su trabajo.
Así, oímos siempre que todo ser humano es un artista en potencia y que solo depende de
las circunstancias de la vida para que cada uno aplique su arte a la vida. Siempre oímos
"somos pequeños Dioses en potencia". Pero es que estamos inspirados por esas Musas y
a veces no percibimos "el suave susurro melódico que ellas nos quieren contar" (Aporte
de Judit Contreras)
Las Musas eran divinidades relacionadas con ríos y fuentes, espíritus de las aguas. Se
les atribuían virtudes proféticas, así como la capacidad de inspirar toda clase de poesía.
En un desarrollo ulterior se convirtieron en inspiradoras y protectoras de toda forma de
Arte y pasaron a presidir toda manifestación de inteligencia.
Aristóteles:
Filósofo griego, nació en el 384 antes de la edad cero. Para Aristóteles la estética o
belleza no se relaciona con lo que es agradable a los sentidos, porque es objeto de
contemplación y no de deseo. Lo que es bello agrada porque es bueno, quiere decir que
lo bello es lo bueno, aunque lo bueno también implica movimiento y no solamente lo
estático. (Aporte de Paola Nieves)
Las bases del arte dramático o teatro clásico fueron establecidas por Aristóteles quien
describió y catalogó el teatro de su época a través de su obra LA POETICA (que
proviene del griego que significa crear, artísticamente hablando). Para Aristóteles, las
artes se pueden diferenciar entre sí según la imitación (del gr. mimesis que viene a
sustentar casi todas las teorías teatrales y de actuación). Él las define por sus medios o
por sus modos de imitación. Según los medios de imitación, distingue entre las artes que
son poéticas y las que no lo son; siendo las artes poéticas aquellas que utilizan el
lenguaje y sus recursos como el ritmo, el verso y el canto (tales como el teatro).
El propósito de la educación es brindar las bases para que los niños y niñas evolucionen,
se desarrollen y se perfeccionen en todos los aspectos del ser humano, como son:
cognitivos, sociales, afectivos y físico-motriz, buscando con ello la integralidad de los
mismos. El desarrollo integral se construye a lo largo de la vida del ser humano, por
tanto se necesita de una efectiva actuación por parte del sistema escolar y familiar, para
que se incremente así el bienestar integral individual y colectivo de la persona. Por otra
parte el desarrollo integral busca que los niños y niñas logren comprender críticamente
su mundo y al mismo tiempo actué para transformarlo, preparándolo constantemente
para la vida.
Aspecto cognitivo: Es el producto de los esfuerzos del niño por comprender y actuar en
su mundo. Se inicia con una capacidad innata de adaptación al ambiente. Consta de una
serie de etapas que representan los patrones universales del desarrollo. En cada etapa la
mente del niño desarrolla una nueva forma de operar. Se relaciona con la expansión de
habilidades intelectuales o metales del niño, el conocimiento implica reconocer,
procesar y organizar información y luego utilizarla apropiadamente.
Lenguaje: El lenguaje verbal emplea signos que transmiten significados y que pueden
articularse formando estructuras complejas que adquieren nuevas capacidades de
significación (morfemas, palabras, oraciones, párrafos, textos). Filósofos como Martin
Heidegger consideran que el lenguaje propiamente dicho es sólo privativo del hombre.
Es famosa su tesis según la cual el lenguaje es la casa del ser (Haus des Seins) y la
morada de la esencia del hombre. La importancia del lenguaje radica que en las palabras
y la comunicación entre personas son esenciales para todos los aspectos y todo tipo de
interacciones en la vida cotidiana. Siempre usamos el lenguaje como herramienta de
información y de comunicación entre las personas que nos rodean y mediante el
lenguaje es ómo podemos expresar lo que sentimos, lo que deseamos y comprender, un
poco mejor si cabe, el mundo que nos rodea.
La Creatividad: Es una de las capacidades más importantes y útiles del ser humano.
Esto es así porque le permite, justamente, crear e inventar nuevas cosas, objetos,
elementos a partir de lo que ya existe en el mundo. La idea de creatividad proviene
justamente de la idea previa de “crear”, por lo cual el acto de inventar o generar algo
nuevo está vinculado siempre en mayor o menor grado con el uso de la mencionada
habilidad. Si tenemos en cuenta que el ser humano se caracteriza por adaptar la
naturaleza y lo que lo rodea a sus necesidades, comprenderemos por qué entonces en
esto es central la creatividad: la capacidad de pensar en algo nuevo y mejor es lo que
hace que la sociedad y la civilización humana avance en definitiva hacia nuevas y
mejores formas de convivencia.
Aspecto Social: Son todas aquellas habilidades que permiten al ser humano integrarse y
convivir con un grupo social determinado. Lo social puede otorgar un sentido de
pertenencia ya que implica algo que se comparte a nivel colectivo, para promover el
bienestar social y con ello mejorar la calidad de vida de las personas. Los procesos
sociales básicos permitirán al niño crear lazos de afectividad, independencia y
comunicación con su entorno; por eso es indispensable colaborar con su desarrollo
mediante la estimulación sensorial que pueda recibir. En el aspecto social el niño
muestran orgullo por sus logros, comienzan a ser exigentes y a estar más de acuerdo con
las reglas, entre otros.
V. Tratamiento Curricular
Es la combinación de diversos elementos que estimulan los recursos del ser humano
(mente consciente, mente inconsciente, sentidos, emociones y cuerpo) para que aprenda
fácilmente y logre mayor retención a largo plazo, mayor profundidad del conocimiento,
mayor velocidad de asimilación, menor dificultad y mayor interés.
Marioly Gutiérrez añade que: El arte y la psicología son disciplinas que pueden
encontrar puntos de encuentro. De hecho, algunas corrientes de la psicología han
hallado en el arte un objetivo de investigación de notable interés. En este sentido,
algunos estudios de psicología han investigado el trabajo de los artistas en su dimensión
de creadores con el fin de analizar la mente del artista. El creador de una obra de arte es
alguien especialmente llamativo para la psicología. Así, el actor, el bailarín o el músico
interpretan aquello que otros artistas han creado previamente. Los psicólogos que se
dedican a esta disciplina intentan comprender los mecanismos mentales que ponen en
funcionamiento los intérpretes de una obra de arte para ejecutarla de manera exitosa.
En la psicología del arte se estudian cuáles son los impulsos creadores de los artistas y,
al mismo tiempo, se analiza qué teorías psicológicas se adaptan mejor a dichos
impulsos.
“Puede gozar como ‘grande’, entregarse sin temor a mociones sofocadas, como lo son
sus ansias de libertad en lo religioso, lo político, lo social y lo sexual, y desahogarse en
todas las direcciones dentro de cada una de las grandiosas escenas de esa vida que ahí se
figura” (Freud, 1905-1906/1996: 278). Con ello, Freud refiere a la posibilidad que
presenta el espectador de extraer placer o goce frente a la actuación dramática; siendo
condición que la obra artística no genere sufrimiento en el mismo. Es decir, que debe
equilibrar “la piedad que excita” (Freud, 1905-1906/1996: 278) con la satisfacción que
posibilita extraer de ella.
La objetividad buscada por Vigotsky en el arte consiste en alejar al arte del análisis
individual. Es en el arte donde cada individuo trasciende su propia persona para fundirse
en los demás. Ya es claro que el ser humano encuentra su sentido en los otros, el sentido
entonces, de la manifestación artística es participar al otro las más profundas emociones
y provocarlas en él.
Inteligencia en Arte:
Arte Terapia:
La Terapia del Arte es un tipo de psicoterapia que utiliza medios de arte y artísticos para
ayudar a la gente a explorar sus pensamientos y emociones de una manera única. La
idea detrás de este tipo de terapia es utilizar el arte como medio principal de
comunicación, algo que puede ser útil para aquellos que tienen dificultades para
verbalizar sus sentimientos. Al ser práctica y el uso de objetos físicos, tales como
pinceles y papel, a menudo ayuda a las personas a sentirse más conectadas con el
mundo que les rodea.
Además de ayudar a las personas con problemas de salud mental, la Terapia del Arte
puede ser beneficiosa para una amplia gama de personas, incluyendo niños pequeños,
los ancianos y otros. No se requiere experiencia o habilidad en el arte, ya que no será
criticado su trabajo, se trata más de las emociones expresadas y se sintió en todo el
proceso. (Aporte María Molina)
Son todas aquellas pruebas, métodos o elementos utilizados con el fin de evaluar o
medir una o más de una de las diferentes características que forman parte de la psique
del individuo utilizando como instrumento el arte. Los test se basan en la conducta
observable y en la expresión de la subjetividad del analizado de cara a inferir las
características y estado mental del sujeto, siendo necesario un análisis posterior con el
fin de poder extraer información con significación clínica.
El Test de Rorschach
El test de Rorschach consta de diez láminas compuestas por manchas de tinta sobre un
fondo blanco. De estas láminas, cinco son acromáticas, es decir, en blanco y negro, y las
otras cinco son en colores, de las cuales dos en rojo y negro y otras tres presentan
múltiples colores en variadas tonalidades (rojos, verdes, azules, etc).
Tipos de Test
Test colectivos o grupales: son aquellos que se realizan en grupo. Suelen requerir
menor nivel de entrenamiento para su aplicación que los individuales
Test de Inteligencia: La capacidad intelectual es uno de los aspectos que más se han
evaluado a lo largo de la historia. Con su uso se pretende descubrir el potencial y
la capacidad de adaptación y de utilización de diversas estrategias, junto con la
capacidad de almacenar y utilizar los propios recursos mentales es evaluado con dichos
test.
Test de aptitudes: Pero las capacidades mentales no se limitan solo a la inteligencia,
habiendo otras muchas características que permiten que nuestras conductas sean más o
menos efectivas en una o varias áreas.
Test neuropsicológicos: Este tipo de test psicológicos se emplean con el fin de ayudar
a determinar el estado mental y perceptivo de un individuo, aplicándose por lo general
en sujetos que han padecido una lesión de algún tipo. Por consiguiente, el objetivo con
el que son diseñados es el alcance de los posibles daños en diferentes tipos de procesos
mentales.
Multi – inteligencias:
Howard Gardner.
Gardner menciona que los seres humanos poseemos una gama de capacidades y
potenciales ―inteligencias múltiples― que se pueden emplear de muchas maneras
productivas, tanto juntas como por separado. Y el conocimiento de las múltiples
inteligencias ofrece la posibilidad de poder desplegar con la máxima flexibilidad y
eficacia en el desempeño de las distintas funciones definidas por cada sociedad.
Inteligencia auditiva-musical: Atraídos por los sonidos de la naturaleza y por todo tipo
de melodías.
Arte y Sociocultura
Paola Nieves menciona que: Estas dos definiciones, arte y cultura, usualmente se
utilizan de manera indistinta, pues están relacionadas con aspectos muy afines. Ambos
términos, abarcan el resultado de todo esfuerzo artístico que identifica a la sociedad, su
estilo de vida y la forma de verse a sí misma. La cultura, se refiere a las convicciones, a
la ideología y al pensamiento, que identifica a un grupo social. Por su parte, el arte
permite generar expresiones artísticas, en base a diversos símbolos, técnicas y
materiales, aplicando la creatividad o inventiva del creador.
Por otro lado, no se debe considerar que la cultura solamente se refiera a las ideas de los
individuos, pues, todo lo que sea creado por la humanidad debe ser observado como un
valor cultural. Incluye, manifestaciones como el folclore, las costumbres, tradiciones
culturales, modas, doctrinas, políticas, economía, ciencia, tecnología y mucho más. Del
mismo modo, permite la metamorfosis y actualización de los aspectos estéticos, que a
través de la innovación, cuestionan lo preestablecido, en cuanto a modelos ya aceptados.
Así, el arte también plasma los diversos rasgos de la cultura, especialmente en este
mundo actual, donde están presentes toda clase de expresiones artísticas, a causa de la
gran mezcla de grupos sociales existentes. De esta manera, más allá de un uso utilitario,
representa el desarrollo de la creatividad, de la sensibilidad, del ingenio, promoviendo la
creación, para cumplir con objetivos estéticos inspirados en muchas manifestaciones,
influyendo en el individuo, en la cultura y en la sociedad.
Del mismo modo, se dice que los individuos con cultura son esas personas que han
desarrollado su nivel de preparación y de instrucción, así como, sus capacidades
intelectuales. Igualmente, se puede afirmar que toda manifestación artística es cultura,
sin embargo, para que la cultura sea arte, ésta, debe lograr que tenga un impacto en el
colectivo, promoviendo su interés en la humanidad.
El arte, no solo está destinado a satisfacer el disfrute y la contemplación del público o
de los consumidores de estas piezas artísticas que producen, sino que además, cumple
con el objetivo de fomentar el equilibrio espiritual, la sensibilidad y la estética. Implica,
abundancia de creatividad y de imaginación al momento de crear.
Es así como, se puede decir que la cultura y el arte son ambas relevantes para lograrla
evolución de la sociedad, en base a las facultades intelectuales del individuo y a través
de, ideas o expresiones que identifican a los diferentes grupos sociales.
La sociología del arte es una disciplina de las ciencias sociales que estudia el arte desde
un planteamiento metodológico basado en la sociología. Su objeto de estudio es el arte
como producto de la sociedad humana, analizando los diversos componentes sociales
que concurren en la génesis y difusión de la obra artística. La sociología del arte es una
ciencia multidisciplinar, recurriendo para sus análisis a diversas disciplinas como la
cultura, la política, la economía, la antropología, la lingüística, la filosofía, y demás
ciencias sociales que influyan en el devenir de la sociedad. Entre los diversos objetos de
estudio de la sociología del arte se encuentran varios factores que intervienen desde un
punto de vista social en la creación artística, desde aspectos más genéricos como la
situación social del artista o la estructura sociocultural del público, hasta más
específicos como el mecenazgo, el mercantilismo y comercialización del arte, las
galerías de arte, la crítica de arte, el coleccionismo, la museografía, las instituciones y
fundaciones artísticas, etc. También cabe remarcar en el siglo XX la aparición de
nuevos factores como el avance en la difusión de los medios de comunicación, la
cultura de masas, la categorización de la moda, la incorporación de nuevas tecnologías o
la apertura de conceptos en la creación material de la obra de arte (arte conceptual, arte
de acción).
Gracias, al arte podemos vincular diversas áreas del currículo que maneja las escuela,
porque con solo conocer e investigar, libremente podemos realizar una actividades de
campo, para conocer de la historia y poder conocer puntos de vista de los estudiantes. El
arte y la estética ha formado parte dentro de las sociedades desde el principio de los tiempos
como medio de expresión, el cual tiene diferentes dimensiones y transformaciones según el
artista y la época en la que se desarrolla permite mantener una postura importante en la sociedad y
reflejar nuestras actitudes por medios de todas estas expresiones y actividades artísticas que
podemos desarrollar.
Las artes visuales para los niños debe ser un tema de gran importancia, así como la
lengua o las matemáticas, porque ellas le van aportar al niño primeramente; el desarrollo
de la percepción, una buena percepción en los niños les va a permitir que capten los
temas con mayor rapidez, en segundo; la capacidad de creación – producción, se va a
desarrollar mejor su creatividad y así van a sentir más confianza al realizar alguna
actividad, tercero; la apreciación, los estudiantes aprenden sobre las diversas culturas y
formas de hacer y de ver el mundo, desde las diferentes perspectivas históricas y
evolución de las diferentes civilizaciones. Y por último; que tengan raciocinio, en base
de una buena educación artística y visual, el niño desarrolla la capacidad de observar y
describir los símbolos visuales, de entender su significado, de interpretar, de emitir
juicio, y de explicar el significado de lo que ve y observa en su entorno. Estas y muchas
habilidades más pueden ser desarrolladas y fortalecidas en los niños si se realiza una
buena planificación, organización de la educación y de la formación estética visual y de
otras áreas también.
Por último cabe señalar que como docentes debemos conocer, analizar y comprender todos
los aspectos que intervienen en el mundo de la expresión visual (el dibujo, la pintura, el
diseño gráfico, la escultura, la arquitectura) así como todas aquellos aspectos que hemos
conectado durante todo el contenido recorrido en esta investigación para lograr ofrecer a los
niños un aprendizaje amplio, veraz y que sea de utilidad.
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