A.

SOCIOLOGÍA DE LA MÚSICA BARROCA Esquema HMyD

INSTITUCIONES MUSICALES CORTESANAS: Mecenazgo privado

• La transición del Renacimiento al Barroco coincide en religión con la contrarreforma (iglesia
católica-influencia política) y en política con el triunfo del absolutismo y consolidación de
los estados Nacionales.
• Ambas instituciones usan el arte (música) como medio para representar el poder, era la
función social más importante (más dinero = más poder).
• La música se vio unida a la aristocracia y nobleza y clero sirvieron de mecenas.
• La ópera: Institución musical cortesana más representativa del barroco (s.XVII)
◦ Clasificación
▪ Desde un punto de vista social
• Ópera cortesana
◦ Primer tipo de ópera que existió, solo para los miembros de la nobleza, para
asistir debías tener una invitación.
◦ Estaba movida por razones sociológicas, No atraían público por su música
sino por los decorados y cantantes.
◦ La temática hablaba de héroes mitológicos y aparecían conflictos
estereotipados entre amor y honor
◦ El héroe representaba al monarca por lo que solían tener finales felices.
◦ Se comercializó mediante compañías profesionales
◦ Los libretos no representaban personajes individualizados
◦ Contaba con grandes orquestas, coros, grupos de solistas, esplendor
contrapuntístico, decorados y atrezo elaborado.
• Ópera comercial
◦ Surgió en centros mercantiles; la nobleza y los ricos patricios apoyaron las
empresas mediante un sistema de compra de acciones que permitía a sus
suscriptores asistir a las representaciones.
◦ Los libretos no representaban personajes individualizados.
◦ Los argumentos hacían hincapié en las intrigas amorosas y era típica la
mezcla de escenas cómicas y heroicas.
◦ No había coros y la orquesta y los decorados eran menores que en la ópera
cortesana debido a los bajos presupuestos
• Ópera cómica/de clase media
◦ Los protagonistas eran de la clase media y destinada para la misma (no
exclusivamente)
◦ Recursos musicales extremadamente molestos
▪ Desde un punto de vista musical
• Ópera buffa/cómica
◦ Forma preferida por la clase media
◦ No estaba relacionada con la corte y de su organización se encargaban las
compañías comerciales.
◦ Estaban escritas en idiomas regionales y lenguas vernáculas originarias del
país de interpretación.
 ◦ Los protagonistas son miembros de la clase media, representan escenas
cotidianas, triunfan al final y la nobleza se ve ridiculizada.
• Ópera seria
◦ Los factores más costosos de la ópera eran los decorados y los cantantes. Las estrellas
recién nacidas eran las cantantes femeninas y los castrati.
◦ Al clero le hechizaba tanto el virtuosismo vocal de la ópera que quiso meterlo también
en las iglesias, pero las mujeres no podían participar en la vida religiosa (mulier tacet in
ecclesia), pero con los castrati, son prácticas esenciales en el barroco (junto con el bajo
cifrado).
• Los Castrati: en Roma, año 1562. Hasta el momento su papel era interpretado por niños o
por hombres especializados en falsete. Se convirtió en una auténtica industria italiana,
aunque la operación hacia que engordaran mucho. La poderosa colocación o proyección
de la voz hacía que el público se volviese loco. Unos de los castrati más famosos del
barroco fueron Carestini, Senesino y Farinelli.
• La música de cámara y la religiosa fueron también instituciones cortesanas y viajaban
siempre junto a la corte. Su función era entretener o proporcionar música de fondo y tocar
en los servicios religiosos oficiales.
• Los músicos se veían muy afectados por la vida política. En las cortes ricas los compositores
podían amasar fortunas (como el caso de Lully), les ayudaba a aumentar su patrimonio y su
economía, aunque también se les pagaba en especie (otros bienes materiales). El servir en
una corte era un alto prestigio social y era un bien por el que merecía la pena pagar.

INSTITUCIONES MUSICALES CÍVICAS: Mecenazgo colectivo

• El empleo en casa de un noble privado era la colocación más corriente de la época.
• La distribución del trabajo se organizaba mediante consejos burocráticos. Las reglas que
regían las pruebas de acceso demuestran que las exigencias de los músicos eran muy altas,
la elección tenía carácter democrático y se hacía mediante un sufragio secreto, en caso de
ser admitido, el músico pasaba a formar parte de la jerarquía musical para siempre. Pero, se
elegía a aquel que estaba dispuesto a someterse al acostumbrado soborno público o a
reconocer su gratitud mediante la donación de dinero bajo cuerda, práctica que se
concertaba en la venta del puesto al mejor postor.
• En Alemania, los puestos más importantes eran los de cantor y organista, el cantor dirigía el
coro de la iglesia (Kantorei) formado por niños indigentes de escuelas públicas, además
actuaban como maestros en las escuelas públicas.
• Los salarios incluían la vivienda, naturalia y las expectativas legitimas de hace dinero extra.
Las principales fuentes eran bodas, bautizos y funerales. J.S. Bach ocupó uno de los más
importantes puestos como cantor dentro de la música de la iglesia protestante.
• La organización de la vida musical dependía de las clases más altas (nobleza, clero y
comerciantes). La música aristócrata se dirigía a un público restringido, solo la escuchaban
en aquellas circunstancias representativas de su clase. La iglesia era el único lugar dónde la
música era realmente accesible para todos.
• La música privada de la clase media se organizaba en conjuntos de aficionados preparados
en grupos musicales de carácter amistoso; los virtuosos que viajaban de un lado a otro,
debían ponerse en contacto con estos grupos.
• Las academias: los conciertos realizados por artistas individuales y virtuosos en gira. Se
convirtieron en sociedades de carácter profesional. Después de las cortes y las iglesias,
representan los centros más importantes de la vida musical. Los primeros indicios de
academias públicas aparecen en Inglaterra, s. XVIII.
• El mejor modo de describir las instituciones musicales del barroco es debido a la falta de
salas públicas en concierto y de un público asistente. La distribución de la música dependía
de círculos privados.
ASPECTOS SOCIALES Y ECONÓMICOS DE LA MÚSICA Y DE LOS MÚSICOS

• La posición social de un músico dependía en un principio de un mecenas (aunque Haendel

llegó a ser independiente gracias a sus obras, pero incluso entonces recibía una pensión
anual vitalicia de la corte inglesa), el músico, al depender de un mecenas aristócrata tenía la
categoría de sirviente. Era un carácter municipal que le proporcionaba prestigio social y
colocación en la corte.
• Los músicos se organizaban gremios, corporaciones o sindicatos. En Alemania, debían pasar
por tres etapas: aprendiz, oficial y maestro. (Haendel y Mattherson prefirieron hacer los
breves años del periodo "oficial" a casarse con la hija de su maestro Buxtehude, se los
habría ahorrado).
• La educación musical en el barroco empezaba muy pronto bajo la dirección de un maestro.
En un principio, los conservatorios fueron instituciones que nada tenían que ver con la
música (orfanatos) pero luego se convirtieron en instituciones musicales donde los niños
pobres aprenderían música de forma gratuita y excelente durante ocho años.
• Los músicos eran uno de los "artículos de exportación" más valiosos de la economía italiana
ya que ocupaban los puestos operísticos y orquestales claves y recibían el doble de salario
que un músico nativo. El comercio de castrati fue uno de los mayores negocios musicales
de la época barroca.
• Los lutieres: en cuanto a la creación de violines destacan Cremona y los famosos talleres
de Amanti, Stradivarius y Guarneri. Los países del norte se especializaron en la
construcción de órganos la familia Rucker fabricó los mejores clavicémbalos del siglo XVII.
• La impresión y edición de la música poco a poco dio pie a una industria, aunque la música
aun no era un producto libre en un mercado libre, el mecenazgo aseguraba al compositor
una relación esencialmente sana entre el productor y el consumidor. El músico componía
para agrupaciones y metas claramente definidas (corte, iglesia o grupos de solistas), con lo
cual hay que clasificar la mayor parte de las composiciones como obras ocasionales (por
ejemplo, la "pasión según san Mateo" de JS Bach) o como las óperas de Haendel, que no
valía la pena ni imprimir la partitura completa.
• La creación musical estaba regida por un mandato de la corte o un contrato.
• La fatal separación existente entre el compositor y el público que caracteriza a la moderna
vía musical no se daba en el barroco.

B. CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL BARROCO MUSICAL

Introducción:
• Se considera Barroco al periodo comprendido entre 160 y 1750, en él se pueden distinguir varias
etapas:
◦ Barroco temprano (1580-1630): oposición contrapuntística, expresión violenta y recitativos con
verso libre.
◦ Barroco medio (1630-1680): distinción entre ária y recitativo, aparición del bel canto,
utilización del contrapunto, misma importancia de música vocal e instrumental. Son los
principios de la tonalidad.
◦ Barroco tardío (1680-1730): Tonalidad plenamente establecida, ritmo mecánico y la
música instrumental predomina sobre la vocal.
• Es un periodo en el que los ideales de claridad, unidad y proporción renacentistas fueron
sustituidos por conceptos básicos de la nueva época: el contraste y la expresión de
sentimientos. (Muy representados en la música de Giovani Gabrieli).
 • El barroco es una expresión de emociones universales del ser humano (pasión, ira, amor,
libertad). Todavía mantiene la relación de importancia superior del texto con respecto a la
música (lo que se dice y cómo se dice). El barroco nace en Italia
◦ Italia durante siglos 15 y 16 tiene un desarrollo importante en lo que es renacimiento
◦ Hay un apoyo muy importante por parte de nobleza y papado.
◦ Riqueza en creación de instrumentos que dan lugar a muchos compositores
fundamentales en la historia de la música (Vivaldi compone MUCHAS obras)
• Está basado en una idea antropocentrista- hay una idea de la importancia del hombre
(como en el arte) Hombre como ser humano, no a nivel individual. El baroco es un
contraste (contraste rítmico, dinámicas, instrumento). "El barroco es puro teatro con mucha
técnica q hace q esto sea así".
Armonía tonal
• Los modos son una sucesión de notas una detrás de otra. La tonalidad en el patrón de los
modos establecidos de una función determinada en función de si es M o m. Y la
temperación es la afinación (afinación temperada) En el barroco no se mezclaban, por
ejemplo, alteraciones sostenidas en una tonalidad bemol, ni viceversa. Características de la
música del periodo barroco
Formas, técnicas y lenguajes que todavía sobreviven
◦ Es la época del nacimiento de la ópera, de la cantata, del oratorio, sonata (solista, dúo y
trio), concierto grosso, concerto solista y de la fuga.
◦ Los compositores componen de un modo específico para un instrumento u otro, se
perfeccionan técnicamente, se desarrollan los instrumentos de viento, y se diferencian
más los estilos vocales e instrumentales.
◦ La música es una representación del sentimiento, no de los del artista individual sino de
las emociones en general representadas de un modo intelectual.
◦ Existen un repertorio de figuras musicales que ilustran y subrayan el significado de un
texto características del barroco.
▪ El ritmo, entendido de dos maneras:
1. Regular y medio, que no variaba durante la pieza
2. Irregular y flexible, improvisatorio y característico de los recitativos vocales
A veces se combinaban los dos tipos para lograr contrastes como en recitativo-aria /
tocatta-fuga.
▪ El bajo continuo, característico del barroco, elemento unificador que acompañaba
las distintas voces, lo realizaba un instrumento polifónico y otro de apoyo grave. El
grave realizaba una línea del bajo y el polifónico completaba además la armonía.
▪ La armonía juega un papel importante ya que la consideración de la polifonía como
un elemento anticuado hizo necesario otro modo de estructurar las obras. Se
desarrolla el sentido de la tonalidad de las progresiones armónicas, de las cadencias
como puntos de reposo y del contrapunto como elemento gobernado por la
armonía.
▪ Se establece un sistema tonal de los modos mayor y menor organizadas en torno a
una nota fundamental.
▪ Las texturas de las voces las distinguen entre una principal y otras que hacen la
función de acompañamiento.
▪ Las melodías son largas y fluidas
▪ EL timbre nace en la orquesta y se fija en los instrumentos de cuerda.
▪ Aparece el ballet de cour, en Francia s.XVII, desarrollado en gran parte por el músico Lully.
 • Formas instrumentales barrocas
◦ El ideal de la monodia con bajo continuo se adaptó a la música instrumental adquiriendo tanta
importancia
como la vocal.
◦ Procedimientos que dan distintos tipos de composición
1. Obras en contrapunto imitativo, como el ricercare y la fuga.
2. Divididas en secciones, mezcla de otros estilos: sonata de chiesa, sonata di cámera,
concierto grossi y concierto solista.
3. Obras basadas en una melodía o bajo dados: tema con variaciones, passacaglia y chacona.
4. Agrupaciones de danzas: suite barroca
5. Piezas de estilo improvisatorio: tocatta, fantasía o preludio.
6. Las suites Caracterizadas por cambios bruscos en el ritmo, en la misma tonalidad
toda la obra, aunque suele tener modulaciones. (Las suites de Haendel: "Música
acuática" "Música para fuegos artificiales" Las suites de Bach: "Suites para Chelo de
Johan Sebastián Bach”)

• Formas vocales barrocas

◦ Géneros de épocas pasadas: madrigal, arias estóficas y canzonetas
◦ Nuevos géneros: Cantata (voz solista con acompañamiento de continuo en la que se
entremezclan recitativos y arias sobre un texto lírico o casi dramático), que después de
una década pasará a ser para solistas, coros y otras agrupaciones vocales. También
surge el oratorio (mesías-Haendel), combinaban elementos de diálogo narrativo
dramático y la meditación o exhortación. La pasión es un oratorio basado en el tema de
la muerte de Cristo, llega a su culminación con J.S. Bach y Haendel. Tuvo una
importancia muy recalcable la ópera, diferenciando entre dos tipos de recitativo: el
secco y el acompañado luego apareció el airoso.
◦ El compositor francés más importante fue Jean-Baptiste Lully, quien mezcló elementos
del ballette y del drama en una forma que denominó tragedia lírica, con la utilización de
coros masivos y espectaculares, estableció la forma de la abertura cuya finalidad era
crear un ambiente festivo para la opera que venía a continuación.

El barroco francés
• Floreció desde el ballet Comique de la reina de 1581 y el interés de los escritores franceses
por los textos y el carácter de la tragedia clásica.
• Destaca el compositor J-B Lully que mezcló elementos de ambos estilos creando la
tragedie lyrique. El objetivo de esta ópera era la glorificación de la nación francesa y los
reyes. Acomodó el recitativo y las arias italianas a los ritmos franceses, lo que más utilizó
fue el estilo de declamación característico del teatro por lo que no resultaba tan musical
(menos ornamentación y virtuosismo vocal).
• Estableció también la estructura fija de la "obertura": lenta – rápida – lenta.
• Lully era quien dirigía la orquesta de parís "los violines del rey"
• Entre las óperas francesas más conocidas destacamos "Acis y Galatea", "Alceste" y "El burgués
Genilhombre"
basada en un texto de Moliere
El barroco inglés
• Compositor destacable de este periodo es Henry Purcell, su única ópera es Dido y Eneas,
pero compuso música incidental para obras teatrales tan extensas que se pueden
considerar óperas.
• Hay que destacar la importancia de Haendel, perteneciente al barroco tardío, que destaca
en el campo de la ópera, oratorios y único instrumental (Suites de Haendel: "música
acuática" y "música para fuegos artificiales".
Aspectos socioculturales:

• El barroco tiene origen portugués (def. Perla de forma irregular/en bruto), el hombre
barroco adquiere conciencia por las épocas de crisis y a nivel social también hay un periodo
de crisis, recesión, baja natalidad, hambruna ...etc.
• Destacar como apoyo musical la corte de Luis XIV, en Francia.
• Frente al renacimiento, el barroco es una época más democrática y comunal, supone una
vuelta al poder absoluto de la aristocracia.
• Es una época de grandes artistas en todos los aspectos del concepto "artista" (escritores,
músicos, pintores, arquitectos, escultores, filósofos, científicos...).

C. AUDICIONES
Toccata y prólogo del Orfeo de Monteverdi
1. Tocatta
◦ Timbre: a modo de fanfarria o ◦ Tempo: moderatto, solemne y animado
"llamada" tocada por instrumentos ◦ Textura: melodía acompañada
de vento metal y percusión.
◦ Armonía: Sistema tonal y obra
◦ Compás y ritmo: empieza en
escrita en Do mayor.
anacrusa de semicorcheas con un
motivo rítmico de corcheas con ◦ Dinámica: Contraste de
puntillo y semicorchea. Tiene un intensidades forte-piano- forte con
compás cuaternario. grupos de instrumentos totalmente
◦ Melodía: simple y desarrollada diferenciados y de carácter triunfal.
por grados conjuntos y en
ámbito reducido. Se repite 3
veces de forma alternada
fanfarria - orquesta ◦ Ritmo: Ritmo mecánico con contraste
rítmico respecto a las estrofas
2. Prólogo cantadas con un ritmo más flexible.
◦ Voz: soprano o mezzosoprano ◦ El tempo: los ritonellos son más
rápidos en la pare vocal y tienen un
◦ Melodía: los ritornelos instrumentales
carácter más alegre.
son mucho más pegadizos que las
◦ Texto: el libreto de la ópera es de
estrofas cantadas, el texto está por
Alessandro Striggio el Joven, se
encima que lo melódico.
basa en la obre de Ruccini.
◦ Textura: melodía acompañada ◦ Estructura: (A-B-A) y la estructura del
por bajo continuo prólogo: (R R E R E R E R E R E R R).
◦ Instrumentos: acompañamiento de la
voz realizado por un bajo continuo y
muchos otros en los ritornelos.

Camerata Fiorentina
Extravagante circulo de influyentes investigadores de la antigüedad puso en tela de juicio todo el
orden de la música occidental. Afirmó haber descubierto la música verdadera.
Segundo movimiento (adagio e piano - presto e forte) del concerto nº3 en Gm, Op.8: "El
verano" de Antonio Vivaldi.
• Timbre: Conjunto instrumental barroco de
cuerda, el solista es un violín y alterna con
el resto de la orquesta enlazados entre sí
mediante trémolos.
• El tempo: contraste entre adagio y presto
• Compás y ritmo: cuaternario contraste
entre notas largas de violín solista frente
a los valores mucho más cortos del resto
de la orquesta.
• Dinámica: mismo efecto contrastante
entre piano y solista las cuerdas que
acompañan a la melodía en posición al
forte del trémolo del tutti orquestal
"Kommt, ihr Töchter, helf mir klagen" la pasión de San Mateo de J.S. Bach
Versión del primer coro de la pasión de san mateo de Bach perteneciente al barroco tardío alemán.
Es música vocal dramática, con acompañamiento instrumental, religioso y culto.
• Instrumentos: dos orquestas y un bajo
continuo
• Textura: Contrapuntística, aunque la parte
vocal en general bastante homofónica
• Voces: Introducción instrumental, se
incorpora el coro. Hay dos grupos corales
que se van alternando.
• Ritmo: ternario y muy marcado al
principio, compás es un 12/8, tempo
lento y solemne y carácter dramático,
aunque sereno.
• Melodía: Se mueve por grados conjuntos
creando un perfil ondulado, fragmentos
melódicos importantes (motivo de
introducción instrumental, motivo inicial
del coro y motivo dialogado entre los dos
coros). El canto es silábico la mayor parte
del tiempo.
• Tonalidad: Mi menor.
• Texto: La primera parte pertenece al
evangelio según san mateo, es un llanto
al dolor y a cristo en la cruz, la parte de la
coral es un comentario de lo anterior.
Todo el texto está en alemán, el coro es
una representación del propio pueblo
alemán.
• Melodía: se centra en notas agudas y no
sobrepasa la octava
• Armonía: La tonalidad para el concierto es
Sol m. Melodías tonales y en acordes
perfectos.
• Textura: Melodía acompañada que
sobresale por encima del resto de
melodías que rellenan.
• Forma: 2ºmovimiento de un concierto
solista para violín y orquesta. (El concierto
consta de 1ºmov.allegro non molto,
2ºmov.adagio e piano/presto-forte, 3º
mov. Presto
• Función social: solamente ser escuchada y
lucir los instrumentos solistas
• Estructura formal:
1. Introducción orquestal (Em)
2. Entrada del coro1 y dialogo coro1 y coro2
3. Interludio orquestal
4. Dialogo entre dos coros y coro de niños
5. Interludio orquestal
6. Dialogo coros
7. Interludio orquestal
8. Dialogo de coros
9. Interludio orquestal
10. Sección final
• Género: Obra religiosa, vocal con
acompañamiento instrumental para la
liturgia. Música dramática y culta en
alemán.
OTRAS AUDICIONES ESCUCHADAS EN CLASE

Purcell. Dido and Aneas – Area: Dido´s lament: When I´m laid
Empieza sonando una viola de gamba, es una obra relativamente fácil, con un ritmo
sencillo (negras, blancas y algún puntillo) juega con las distancias de tonos y
semitonos= bajada en cromatismo a medio tono.
Existen saltos de octava, sobre todo en el acompañamiento, la nota más aguda,
coincide con la parte más importante del texto ("recuérdame")

-Andrea Schöll "Auver, guiustiza, amor"

-Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi:

Dos primeros movimientos de "El Verano"

-Haendel: Suites"Música acuática"

(Escuchada en clase)
"Música para uegos artificiales" -Johan Sebastian Bach:
Suites "suites para chelo de J.S. Bach"
Las suites son caracterizadas por cambios bruscos en el ritmo, en la misma tonalidad
toda la obra, aunque suele tener modulaciones.
La estructura de una suite varía entre las combinaciones (A, A´) o (A, B)

-Lully: "La marcha de los turcos"