1. Introducción
Periodización: 1730-1780
Cultura de la Ilustración: idea-luz; enciclopedia-conocimiento
Corrientes filosóficas:
- Racionalismo.
- Naturalismo.
Ambiente de libertad política, diversidad religiosa y prosperidad económica: En América
nos encontramos con la revolución de las 13 colonias y la firma de la primera
constitución democrática. Trece años después de la firma de la Carta Magna (1776), en
1789, estalla la Revolución Francesa. En el caldo de cultivo de la Revolución Francesa
encontramos el cambio del voto por estamentos al voto por persona. El Día de la
Independencia de Francia se celebra el 14 de julio con motivo de conmemoración de la
Toma de la Bastilla.
Durante el siglo XVIII asistimos al progreso de las ciencias y del conocimiento en general.
Estudio tanto de las disciplinas científicas como de las artísticas desde la lente de las
ciencias (la música es matemática).
Surge el Despotismo Ilustrado “todo para el pueblo, pero sin el pueblo”: Se trataba de
dar ciertas mejoras al pueblo para hacerle creer que el monarca se preocupa por sus
necesidades, mientras está sometido a este, sin libertad. La debilidad e inestabilidad de
las monarquías afectará al ambiente musical, y las guerras harán que algunos músicos
se exilien.
Como características musicales tenemos:
- Surtirán los nuevos ideales musicales, triunfando la armonía y la melodía sobre
el rígido contrapunto barroco.
- También se abandonará progresivamente el bajo continuo tradicional debido a
que la melodía se desarrolla de manera más vertical.
- Las voces se mueven de forma homofónica, no hay necesidad de bordón.
- La tonalidad está perfectamente asentada y se puede desarrollar de forma
vertical en todas y cada una de las voces sin que se necesite desarrollar de
manera horizontal con un bajo cifrado.
2. Estilos compositivos
2.1. Estilo Rococó
Corte de Luis XV. Desarrollado en el esplendor de la monarquía borbónica.
Es música para entretener y para evocar los sentimientos. Aunque tenga ese
embellecimiento de los adornos no es recargada, no es agotadora auditivamente.
Entre los instrumentos principales encontramos el clave, el laúd, el oboe, el
conjunto de flautas y la viola da gamba.
Como compositores destacamos a Rameau y Couperin.
- J. F. Rameau (1683- 1764): destaca su Tratado de Armonía (1722). Dio especial
cuidado al viento. Compuso tres libros de Piezas para Clavecín (1706, 1724,
1728). Su obra refleja el resumen de la evolución de la técnica francesa para
clave.
*Clave: cuerda pulsada; clavicordio: cuerda percutida.
- Françoise Couperin (1668-1733): Destacan sus Ordres, composiciones en varios
movimientos que superaban en número de movimientos a las suites italianas y
alemanas. Cuatro libros: “Piezas de clavecín”. “El arte de tocar el Clavecín” (fue
el método más relevante del siglo XVIII).
Ordres: composiciones del mundo de la danza, una manera de agrupar las danzas tipo
suite en Francia. Luego se dejó de utilizar este concepto para utilizar el de suite.
3. Composiciones preclásicas
3.1. Sonata preclásica
Es una composición sencilla estructurada en movimientos (influencia de la suite).
El desarrollo de la sonata en este periodo es paralelo al desarrollo de la sinfonía-
obertura.
La sonata preclásica se diferencia de la barroca porque tiene elementos de contraste
musical, dando importancia a la modulación y al fraseo. La modulación es lo que
enriquece tanto las sonatas como las sinfonías, dándole mayor contraste y dinamismo.
El contraste también existe entre sus dos temas, tema A y tema B.
En un principio son monotemáticas, pero luego se desarrolla el siguiente esquema (1º
movimiento):
Exposición: 1º tema - encadenamiento al 2º tema - Elementos cadenciales
Diversión o transición
Re-exposición: 1º tema - encadenamiento al 2 tema - Elementos cadenciales
4. Escuelas preclásicas
4.1. Escuela italiana
- Giovanni Battista Sammartini: Algunos los consideran el verdadero padre de la
sinfonía italiana, iniciador de esta forma de música. Destaca su Sinfonía en Fa
(1744). La sinfonía nace de las oberturas de las óperas. Fue en este periodo en el
que las sinfonías empezaron a desligarse de las óperas y tener material temático
diferente. Comenzaron en un movimiento, con una duración de cinco minutos,
luego pasaron a tener dos movimientos contrastantes para luego tener tres
movimientos contrastantes. Este contraste es una clara herencia de las danzas
contrastantes del Renacimiento (que se comenzaron a englobar en suites). La
sinfonía se exporta muy rápido al resto de Europa.
Repertorio destacable
Las bodas de Fígaro
Don Giovanni
Così fan tutte
Esta trilogía surge debido a que, el emperador José II de Habsburgo pidió una ópera a
Mozart y lo juntó con Da Ponte (quien escribió el libreto), triunfando.
- Estrenan una ópera bufa, procedente de la historia de Las Bodas de Fígaro, la
cual tira por lo cómico. Pese a esto, el emperador queda sorprendentemente
encantado. Esto se consigue gracias a que se consiguen esconder los tintes
revolucionarios que esta presenta.
- La segunda ópera es Don Giovanni, un drama con tintes cómicos, basado en uno
de los mitos más importantes, “Don Juan” y es una crítica mucho más clara que
en las anteriores, por ello no llega a Viena. Se estrena en Praga, en el barrio
donde vivían.
Don Giovanni (Don Juan), era un noble que, por serlo, quedaba impune si tenía
relaciones con las mujeres de otros (vasallaje). Se supone, que, si las leyes de los
reyes le libraban de su castigo, el más allá sería el encargado de hacérselo pagar.
Tienen gran valor al estrenar esta obra, ya que es una crítica clara a la sociedad
estamental. Esta ópera es posible representarse gracias a las innovaciones de la
ilustración.
- Por último, estrenan en Viena (al igual que la anterior), Così fan tutte, ópera en
la que se habla de la facilidad de ser infiel en la juventud.
Todas estas visiones de cambio, crítica, etc… Vienen dadas por la ILUSTRACION.
Su última ópera, fue La Flauta Mágica, la cual escribe en su último año de vida y que
está escrita en alemán (en un singspiel). Tiene muchos elementos fantasmagóricos y de
masonería.
La presenta el último año de su vida, en el cual ya está muy enfermo y no puede asistir
a su estreno.
Tiene muchos elementos ilustrativos: un ejemplo es que utiliza tonalidades como Sol M
o Do M, que indican conocimiento. Esta ópera esta en MibM, que destaca por sus 3b, y
el 3 tiene mucha importancia en la ópera de masonería. También muestra mucha
búsqueda del conocimiento, lo podemos ver reflejado en la historia que representa:
Reino de la
noche
(oscuridad) Pamina, es hija de ambos.
La reina manda, que mate a
su padre
Reino de la
sabiduría
(Zarastro)
Es una reflexión sobre el poder del conocimiento, la madurez y como al tener un mayor
conocimiento, las cosas pueden doler más.
En esta ópera Mozart da fuerza a todas las voces, igual que los compositores del s. XVIII,
voces que antes habían tenido un papel secundario. También juega con los diferentes
planos sonoros y colores. Ya en esta ópera no hay castrattos (esto se ha ido
abandonando paulatinamente a favor de los tenores y sopranos).
4.1. Haydn
Era muy devoto, y esto se nota en sus obras. Comienza su música religiosa con “In
nomine Domini” y finaliza con “Laus Deo”.
Compone 14 misas, siendo las 6 últimas la mejor muestra de su maestría en el repertorio
litúrgico y religioso.
Obras que podemos destacar:
- Oratorio 7 palabras de Cristo en la cruz, la cual fue encargada por la Hermandad
de la Santa cueva (Cádiz).
- 14 misas. Siendo las 6 últimas compuestas entre 1796-1802 (periodo en el que
se desliga de la casa Esterhazy).
- Stabat Mater (1767): Se interpreta en viernes de Dolores.
- 2 Te Deum: Himnos de acción de gracias a Dios, son de los más primitivo del
cristianismo. Y el último de ellos se lo dedica a la Emperatriz Maria Teresa.
5. España en el S. XVIII
En cuanto a figuras de compositores españoles del siglo XVIII, destacamos las figuras de
Sebastián de Albero (ff SXVII y pp SXVIII), el cual fue organista en la corte con tan solo
24 años. Compuso mucho repertorio para tecla y destacamos sus 30 sonatas, ricercares,
etc…
Antonio Soler; fue niño cantor. Su producción más importante, fue la religiosa. Era
maestro de capilla del Escorial y cuenta con numerosas misas, réquiems, salmos…Llave
de la modulación es una de sus obras más importantes, publicada en 1762, y que causo
mucho revuelo debido a que era demasiado moderna para la época. Tiene mucha
música instrumental, 120 sonatas para tecla, siendo este su contenido profano. Por otra
parte, tiene música camerística y música semireligiosa como sus villancicos, (entre ellos
3 gitanos)…
Y finalmente también podemos destacar a José de Nebra.
En ese entonces se hizo mucho repertorio para la casa de Montijo, para la familia real…
No solo para la corte, sino también para la nobleza. En los inventarios de la casa de
Benavente, se ha encontrado mucho repertorio habiendo incluso obras de Haydn. Con
esto se demuestra que la nobleza y española, no está aislada de las cortes y de las casas
nobles europeas.
Demandan mucho repertorio camerístico, pero también demandan zarzuela y ópera.
Comenzarán demandando ópera en italiano y en español, habiendo pocos ejemplos de
esta última.
Digamos que la ópera y la zarzuela en la España de aquel entonces rivalizaron, pero la
ópera no tendrá el mismo éxito en España que en el resto de Europa.
Además de estos géneros también se comenzará a demandar la tonadilla escénica,
siendo este un género que al principio solo gusta al pueblo y que acabará gustando tanto
a la burguesía como a la corte.
5.4. La Zarzuela
La zarzuela nació en el SXVIII y convivió junto a la ópera, compartiendo incluso mismos
teatros. La ópera italiana y en español no calaron tanto en nuestra corte como en el
resto de cortes europeas. Por la idiosincrasia del pueblo español, porque se repudiaba
lo italiano, etc…
El desarrollo de la zarzuela fue el siguiente:
- Las primeras dos décadas del s XVIII. Destacamos la figura de Antonio de Literes
o Sebastián Durón. Junto a Antonio de Literes es el mejor autor de música
escénica de su época. Nuestra zarzuela se ve afectada por elementos internos de
la ópera.
- La segunda etapa del siglo XVIII. Destacamos la figura de José de Nebra. Músico
de corte que terminó convirtiéndose en Maestro de Capilla. Fue uno de los
músicos más cercanos al rey. Unas de sus zarzuelas más destacadas fueron
“Vendado es amor que no ciego” y “Donde hubo violencia no hay culpa”.
Poco a poco la temática se va alejando de la mitología y va tratando cada vez más sobre
temas cotidianos. Evoluciona a su vez la orquesta, ampliándose y habiendo un mayor
contraste entre vientos y cuerdas.
A finales del siglo XVIII, bajo el reinado de Carlos III, el género de la zarzuela decayó, ya
que no era del agrado del rey. Con todo esto, la financiación para la zarzuela se vio
afectada, afectando a su vez a la producción musical.
Pretenden que la zarzuela sea más realista y que no se someta a la tiranía del aria da
cappo. Intentarán utilizar un elemento a medio camino, el arioso. Este se encuentra
entre aria y recitativo. Varia también el lenguaje siendo este más directo, natural y
realista.
- Presentaba escenografía, vestuario, tramoya, en cambio las tonadillas no, era
algo muy modesto.
- La zarzuela es más culta, estando el folklore popular más presente en la tonadilla.
- La orquesta en la zarzuela era lo normal, es decir, una orquesta que estaba
constituida por las partes que normalmente la formaban, con las tonadillas se
formaban una amalgama de distintos instrumentos un tanto extraño.
- Por otra parte, en la zarzuela aparecía una danza culta como el ballet, frente a la
danza popular en la tonadilla.
- Y finalmente, en la zarzuela encontrábamos 2 actos y un gran aparato escénico,
frente a la tonadilla en la que encontrábamos un acto con un escenario y montaje
muy modesto.
5.5. La tonadilla
Nació a mediados del s XVIII y teniendo su apogeo a continuación. Quedando casi
olvidada en el s XIX. No presenta muchos personajes en escena, unos 2 o 4, nunca más
de 6.
Casi siempre tienen presente un elemento extranjero, generalmente francés como
medio de crítica. Su contenido era cómico, satírico y de crítica social. Solo duraba lo que
duraba un entreacto. Eran muy directos y con mucha agilidad en la historia. Esto era lo
que atraía de este género, la velocidad de la historia y la interpretación de esta.
Su orquesta, estaba extrañamente conformada. La formación era tan extraña que
termino llamándose murga.
Tiene 3 partes:
- Entable, que nos presenta la historia.
- Las coplas, que desarrollan el argumento.
- Y el remate, donde se encuentra la resolución de los posibles conflictos que se
presentaban en la historia.
Está compuesta por partes habladas, cantadas, música sola, o partes instrumentales.
Finalmente, el género fue en descenso hasta caer en el ostracismo y el olvido. No es
hasta el siglo XX cuando se vuelve a recuperar. Una tonadilla como ejemplo es La tirana
contra Mambrú.
Romanticismo
1.Introducción
1.1. Características generales (mirar en el dropbox los apuntes de Lidia)
- Historia, nación, pueblo, naturaleza
Culto de la nacionalidad.
Tradiciones populares.
Sentimiento de la Historia y la Naturaleza.
Hoffmann y su pasión por lo infinito.
Mitos y leyendas.
Genio y genios. Estudios historiográficos en el S. XIX.
Los “nacionalismos”.
Revalorización de polifonía S. XV.
Inclinación hacia un Catolicismo ferviente (Misticismo).
“Back to Bach” (en 1829, Mendelshonn toca en concierto “La Pasión según
San Mateo” y además lo hace fuera del ámbito religioso).
Revalorización del “canto popular” (sobre todo del canto a capella).
Exotismo.
- Condición del músico
Nuevo mecenazgo.
Dependencia hacia la corte y hacia la Iglesia.
Proliferación de música editada.
Autoría de obras.
- Contradicciones, ambivalencia, antítesis
Tendencia hacia lo objetivo y lo subjetivo.
Culto a lo poético frente a lo virtuosístico.
Romanticismo burgués o antiburgués.
Música absoluta VS. Música programática (en la que se busca un contenido
extramusical).
2. Música camerística s XIX
Hablaremos del cuarteto clásico, para el que se hizo la mayor cantidad de repertorio en
esta época. Pero no solo se van a crear composiciones para las agrupaciones
convencionales, sino también para quintetos, nonetos, octetos. Con esto vemos que se
amplían los registros para hacer música de cámara. Cabe destacar la figura de
Beethoven y sus composiciones camerísticas, compuesta para piano y voz, duos, tríos,
cuartetos… Además, también mencionaremos su patética, y sus últimas 5 sonatas (1816-
1821), pertenecientes a su último periodo.
3. La música sinfónica
3.1. La sinfonía
3.1.1. Beethoven
De él destacamos sus sinfonías a partir de la tercera, ya que, con esta, inaugura la
evolución de la sinfonía al ser la primera sinfonía que presenta un scherzo como tercer
movimiento.
Tiene intención de dedicársela a Napoleón, pero este acabó corrompiéndose llenándose
de ideas casi dictatoriales y Beethoven cambia de idea y acaba por no dedicársela. Se
llama “la heroica” porque es un fiel reflejo de unidad y defensa contra el opresor y un
reflejo de los ideales liberales que marcaron a Beethoven durante su vida.
Su cuarta sinfonía bebe de los ideales y características clásicas.
La quinta sinfonía, es muy densa y rompe un poco con las reglas compositivas de aquel
entonces por esas 5ª y 8ª paralelas. Esta sinfonía se mueve por motivos, células que
evolucionan.
En realidad, escribió primero la sexta y luego la quinta.
Su sexta sinfonía dilata el género sinfónico, ya que presenta 5 movimientos.
Su sordera es cada vez más notable y esto lo traslada a un ostracismo, y a una soledad.
No es una sinfonía programática, él no es programático, es descriptivo, describe
sensaciones, atmosferas, situaciones…
5ª Y 6ª se estrenaron en un mismo concierto junto a piezas para piano, un concierto
para piano…
La séptima sinfonía (1811-12) compositivamente hablando tiene mucha calidad,
llegando a ser considerada perfecta. Es una sinfonía jovial y con sentido del humor, El
2do movimiento es tan sencillo, que ahí radica su perfección.
La octava (1812), fue un homenaje a la tradición, a la escuela, a los maestros el s XVIII.
Beethoven y Schubert fueron alumnos de Salieri. Y esta obra es un homenaje a Haydn y
sus contemporáneos. Se encuentra tan metida en el estilo clásico, que es la única de sus
sinfonías escrita a posteriori de su tercera qué presenta un tercer movimiento como
minuetto.
Finalmente, la novena, la cual dirige sordo. Esta sinfonía incluye voz, algo
completamente innovador. Esta sección se encuentra en el último movimiento,
incluyendo a 4 miembros solistas de voz, uno para cada tesitura.
Lo que da la fuerza a esta obra, unidad y masa, es el coro, remarcando esa idea de unidad
del pueblo. Además de la letra del coro, un canto de unidad y fraternidad escrito por
Schiller. Se estrenó en 1824, falleciendo Beethoven tres años después.
Esta obra marca a compositores posteriores.
Destacamos la 6ª, 9ª y la incompleta de Schubert.
La 3ª y la 4ª de Mendelssohn.
La 3ª de Schumann.
Y la 2ª de Brahms.
4. Ópera romántica
4.1. Italia
4.1.1. Rossini
Con la música de Rossini, podemos ver, que el ámbito vocal lo tiene muy estudiado, se
ve la escuela del bel canto, se necesita un gran control y precisión, ya que, en cuanto a
lo vocal, tiene papeles muy exigentes y virtuosísticos.
Tiene cerca de las 40 óperas. Pero también tiene cantatas, dramas con coro, comedias.
Empezó muy joven, ya que venía de una familia de músicos.
Sus trabajos teatrales/escénicos tuvieron éxito en el mismo momento en el que vivió.
Supo darle al pueblo lo que quería, lo que le gustaba. Cuando Rossini estrenaba una
obra, era fácilmente de recordar, presentaban sus obras melodías muy pegadizas.
Aporta mayor protagonismo al tenor (que normalmente es el prota, el héroe) y a la
mezzosoprano (que suele ser la compañera del tenor, y es la amada, o la enamorada),
todo esto frente al anterior dominio de los castrati.
El descenso del protagonismo de la figura del castrato, fue algo que se inició a finales
del s XVIII.
A inicios del s XIX, el protagonista, será el tenor, la mezzo o la soprano.
Rossini, tuvo un gran éxito en la opera cómica. Pese a todo, hizo una gran aportación en
el género serio eliminando las arias da cappo y aquellos recitativos acompañados por el
clavecín, que ahora serán acompañados por la orquesta.
Introduces un elemento que solo se veía en la ópera bufa. La escena estructurada en
números. Con esto consigue darle una complejidad y a su vez una ligereza a la ópera del
s XIX.
Le da una continuidad y un sentido a la historia que transcurre. Para que se entienda y
que haya una direccionalidad dramática y relación entre todas las partes.
Esta estructura se divide en 4 o 5 partes:
1) Scena-Recitativo: Hay avance argumental acompañado por la orquesta. Y utiliza
instrumentos solistas para acompañar a los solistas vocales.
2) Adagio Cantabile (cavatina): Se presenta una situación dramática y presenta a
los personajes que intervienen en la obra. Hay un freno argumental (es un aria).
Se carga el argumento y la tensión añadiendo personajes secundarios.
3) Tempo de mezzo: Hay un aumento en la acción cinética/ sección cinética, es
decir, un avance argumental. Puede haber un cambio argumental por la
intervención de “x”, o puede ser un cambio en el personaje principal por una
experiencia, un cambio anímico, algo producido por un filtro de amor, etc…
4) Caballeta: Sección estática. Musicalmente es muy brillante y movida, aunque no
haya avance del drama. Es el colofón del número, cargada de virtuosismo.
A esta estructura se le conocía como “números cerrados”. Y era normalmente una
estructura presenta en la ópera bufa, pero que Rossini trasladó e incorporó en la opera
seria con Tancredi.
También podemos mencionar el Barbero de Sevilla.
Su última ópera fue Guillermo Tell (estrenada en 1829). Presenta una duración de cerca
de 6 horas, exigiendo muchísimo a los cantantes, sobre todo al tenor.
Tras esto se retiró como compositor. Había ganado mucho dinero en vida, y cuando deja
de componer se dedica a la repostería y la jardinería.
4.1.2. Donizetti y Bellini
Eran contemporáneos, aunque hay muchas diferencias entre ellos.
- Bellini: Solo escribió opera seria, para ser más exactos 9. Las más importantes la
escribió en sus últimos 3 o 4 años de vida. Fueron La sonámbula, Il puritani (su
última ópera, en 1835) y Norma (en la que vemos el aria de casta diva). Fue
admirado por Wagner, Chopin, estuvo muy bien valorado.
- Donizetti: Criticó la obra de Bellini. Triunfó en el género bufo y serio. Supo
retratar a los personajes gracias al apoyo tímbrico de los instrumentos con los
que acompañaba a los cantantes.
En sus dramas (en ópera seria), no prima el decoro, no busca quedar bien. Son
obras en las que los personajes son dominados por sus pasiones y no dejan que
funcione la razón. La pasión está muy marcada. Puede situarse, ser como esa
antesala que precede a Amilcare Ponchielli, y sobre todo al verismo musical
(corriente compositiva de finales del s XIX).
Óperas importantes:El elixir del amor, Lucrecia Borgia y Lucia de
Lammenmor (esta última es muy exigente y sobretodo con la voz de la
soprano, 1835).
Fue bastante gestor de sus obras. Algunas de sus óperas estaban en
italiano y en francés. Con esto conseguía más dinero por derechos de
autor por ejemplos La hija del regimiento (aún que se interpreta más la
versión en francés) que contiene una de las arias para tenor más difíciles,
teniendo 9 do de pecho seguidos.
4.1.3. Verdi
Para muchos fue el compositor más importante del s XIX. No solo por lo que trascendió
en el mundo de la ópera, sino por la política, siendo una figura que se posicionó en Il
risorgimiento italiano. Con este movimiento se ve un sentimiento de resurgimiento
unitario italiano.
Tiene un total de 16 óperas
- Empezó a componer bastante joven, con la ópera de Milán. Su obra destacada
fue Nabucco. Nabucco se convirtió en un canto de libertad para los italianos.
Sobre todo, su Va pensiero, en el que cantan todos a una, representando la
unificación del pueblo.
En sus primeras obras, definió que ese periodo de su vida, se veía sometido, que
le pedían muchas obras, pero puede ser que esto le salvará de una profunda
depresión por la reciente perdida de su esposa e hijo.
También destacamos Luisa Miller, Macbeth.
- Su segunda etapa creativa/compositiva, estuvo “marcada” por la trilogía
verdiana. La cual realmente no es una trilogía, simplemente son obras que tienen
aspectos en común.
Estas son Rigoletto, La traviatta e Il trovatore. En las tres vemos como los
protagonistas son personas desdichadas, o tarados, lo que diciendo claro sería
los despojos de la sociedad. Ya que son un bufón de la corte con taras físicas y
mentales, una prostituta y un trovador.
Con estas obras, vemos la falsa y doble moral de la sociedad burguesa. Verdi
sitúa estas obras en el tiempo en el que viven, con lo cual, la idea de crítica es
más clara.
Él suele darle más protagonismo a las voces que solían tener papeles
secundarios, es decir, los contraltos, bajos…
- En su tercera etapa compositiva es donde llega el verdadero dramatismo. Vemos
cierta influencia de la prosa wagneriana. La forza del destino, Aida.
Explota, explora y lleva a sus más altas cotas el drama. Tiene ciertos
acercamientos a la densa ópera francesa. Está muy alejado de la sociedad.
Escribe de una manera muy privada, está muy harto y asqueado de la sociedad.
Sus últimas obras son Falstaff y Otello.
Muere en Milán en 1901.
Trabajó para la abolición/separación entre recitativos y arias.
Lo que antes llamábamos los números cerrados pasa a llamarse la solita forma.
Supo elegir el recurso musical más adecuado para cada momento. Tenía melodías muy
pegadizas y consiguió hacer partícipe del drama a la orquesta. Su última etapa se ve
marcada sobre todo por el drama. En algunas cuestiones enlaza ideas con el verismo.
4.2. El verismo
Destacamos la figura de Almicare Ponchielli, iniciador del verismo. Esta corriente nos
cuenta la realidad tal y como es, oscura, nos muestran las capas más bajas y corruptas
de la sociedad. Los argumentos son la vida en el extrarradio, las bajas pasiones, lucha de
clases…
Musicalmente son muy bruscos, no se busca el lirismo. Hay una instrumentación muy
fuerte, con la que se pretende demostrar todo tal y como es, crudo.
Ponchielli crea una escuela/tendencia cuyos alumnos más destacados son Pietro
Mascagni, Giacomo Puccini y Ruggiero Leoncavallo, que fueron muy fieles al verismo.
Es todo muy contrastante con la música de Wagner, ya que él hace música sobre mitos,
habla de dioses… Mientras que, con el verismo, se demuestra la realidad. También se
diferencian musicalmente.
Obras del verismo italiano:
- Cavalleria Rusticana (Mascagni). En esta obra se narra la historia de amor de
Turiddu, un joven del pueblo que ha vuelto del servicio militar para encontrarse
con el hecho de que, mientras él estaba afuera, su amor Lola, se ha casado con
Alfio, el próspero carretero del pueblo. En venganza, Turiddu seduce a Santuzza,
una muchacha del pueblo. Al empezar la ópera, Lola, muerta de celos por
Santuzza, ha comenzado una relación adúltera con Turiddu. Tras toda la trama
argumental vemos el final en el que Turiddu es asesinado por Alfio.
- Pagliacci (Leoncavallo).
4.2.1. Puccini
Le gustaban las sonoridades del lejano oriente, lo cual podemos ver reflejado en sus
obras como por ejemplo con Turandot o Madame Butterfly.
También le inspiró el mundo del lejano oeste, escribiendo una obra inspirada en este La
Fanciulla del West. La estrenó en New York y tiene 3 actos.
Tenía una manera de tratar a la figura de la mujer un tanto peculiar, y esto lo podemos
ver en cierto modo reflejado en sus obras, como La Bohème (muere por tuberculosis),
Madame Butterfly (muere por suicidio al acuchillarse) y Tosca (se lanza al vacío desde
una muralla), obras en las que las protagonistas acaban muertas.
Su primera obra es Le Villi. Teniendo un total de 12 óperas. Hemos de destacar “El
Tríptico”, que fue escrita para ser la musicalización de la Divina Comedia de Dante,
aunque finalmente no toma ese camino del todo.
Podemos diferenciar tres movimientos:
- Il Tabarro: lo que podría ser el infierno, siguiendo el argumento de la Divina
Comedia.
- Sor Angélica: que vendría siendo el purgatorio.
- Gianni Schichi: que es el que más se pareció argumentalmente al cielo, el más
allá de la Divina Comedia. Siendo esta la más jovial.
Su última obra es Turandot, la cual no termina, ya que él fallece en 1924, y esta se
estrena en 1926. Fue acabada por Franco Alfano y orquestada por Luciano Berio.
Era consciente de lo que se hacía a su alrededor musicalmente hablando, y tomaba
ejemplos de los estilos de sus contemporáneos mezclando distintas influencias. Se ven
conexiones e influencias con Debussy o con la orquestación de Strauss.
Aunque tenga un gran repertorio operístico también tiene música instrumental, como
su Cuarteto de cuerda en Re m, su Capricho sinfónico o incluso música religiosa como
su misa (1880).