DIRECCIÓN DISTRITAL DE EDUCACIÓN EL ALTO-1

UNIDAD EDUCATIVA

“REPÚBLICA FEDERAL DE ALEMANIA”

IV FERIA SOCIO COMUNITARIA 2018

“SEGURIDAD CIUDADANA TAREA DE TODOS PARA VIVIR BIEN”

MONOGRAFÍA

“FORMACIÓN ACADÉMICA DE LA CARRERA ADMINISTRACIÓN DE

EMPRESAS”

PARTICIPANTES:

PROFESOR:

CURSO:

EL ALTO – LA PAZ – 2018

Agradecimiento

Quisiéramos agradecer a las personas que

siempre nos apoyan en las actividades
que realizamos, decirles que sin su
confianza no lograríamos avanzar y tener
el nivel de estudio que tengo, sin el
apoyo de estas personas no estaríamos
donde estamos.
Dedicatoria

Este trabajo va dedicado a nuestro

profesor, que gracias a sus enseñanzas
logramos establecer esta monografía,
también a nuestras familias y amigos que
siempre nos dan ánimo para continuar
con nuestros estudios.
ÍNDICE

1. INTRODUCCIÓN .......................................................................................................................... 1

2. JUSTIFICACIÓN ........................................................................................................................... 2

3. OBJETIVOS ................................................................................................................................... 3

3.1 Objetivo general ........................................................................................................................ 3

Objetivos específicos ...................................................................................................................... 3

4. MARCO TEÓRICO ........................................................................................................................ 4

4.1 Conceptualización ..................................................................................................................... 4

4.1.1 ARTE ................................................................................................................................. 4

4.1.2 ARQUITECTURA ............................................................................................................. 4

4.1.3 ESCULTURA .................................................................................................................... 4

4.1.4 PINTURA .......................................................................................................................... 5

4.1.5 ARTES VISUALES ........................................................................................................... 5

4.2 Historia del arte ......................................................................................................................... 5

4.2.1 Origen del arte .................................................................................................................... 5

4.2.2 Prehistoria........................................................................................................................... 6

4.2.3 Egipto ................................................................................................................................. 9

4.2.3.1 Pintura Egipcia. ........................................................................................................... 9

4.2.3.2 Características ........................................................................................................... 10

4.2.3.3 Representación de la Figura Humana. ....................................................................... 10

4.2.4 Grecia ............................................................................................................................... 11

4.2.4.1 Pintura ....................................................................................................................... 11

4.2.4.2 Escultura .................................................................................................................... 11

4.2.5 Edad Media ...................................................................................................................... 12

4.2.6 Renacimiento.................................................................................................................... 14
 4.2.7 Barroco ............................................................................................................................. 15

4.2.8 Romanticismo................................................................................................................... 17

4.2.9 Vanguardismo .................................................................................................................. 18

4.3 Diseño de la Figura Humana ................................................................................................... 19

4.3.1 Relación con figuras geométricas..................................................................................... 19

4.3.2 Conversión ....................................................................................................................... 19

4.3.3 Proporciones de cuerpo Femenino ................................................................................... 20

4.3.4 Proporciones de cuerpo Masculino .................................................................................. 20

4.3.5 Dibujo de estructura y cuerpo .......................................................................................... 21

5. CONCLUSIÓN ............................................................................................................................. 23

6. RECOMENDACIONES ............................................................................................................... 23

7. BIBLIOGRAFÍA ........................................................................................................................... 24

8. ANEXOS....................................................................................................................................... 25
1. INTRODUCCIÓN

El arte es el resultado de la mezcla de muchos elementos diferentes. Ellos a lo largo de su

historia desarrollaron todos esos elementos y han creado un arte que fue la base de todas las
culturas.

En este trabajo se ahondará en el arte de las figuras humanas en todas sus expresiones:
arquitectura, Escultura, Pintura y cerámica y también se responderán algunas interrogantes
acerca del mismo.

1
2. JUSTIFICACIÓN

El arte y la expresión artística, tiene como finalidad intencional producir y expresar la

experiencia artística. Por medio de ella el ser humano, contempla y admira al mundo, a sí
mismo y a los demás.

Es una manera una forma de conocer y de transformar la realidad; por esto, la Educación
artística, es una de las dimensiones fundamentales que constituyen a todo ser humano,
siendo entonces educable. Es básica por lo tanto, en el proceso de formación integral.

La educación por el arte se propone incentivar en todos los alumnos, un mínimo de

producción artística que favorezca la expresión de pensamiento, sentimientos y
percepciones, en una organización integrada tanto de formas como de colores, sonidos,
movimientos que desarrollen su sentido artístico y su personalidad integralmente a la vez
que permite la comunicación de lo que percibe, siente y piensa a través de un trabajo de un
trabajo creador.

2
3. OBJETIVOS

3.1 Objetivo general

Mostrar el dibujo artístico que consolida la figura humana para que podamos conocer sobre
la representación de la figura humana a través de la historia.

Objetivos específicos

- Analizar los elementos gráficos de este lenguaje.

- Propiciar el conocimiento técnico.
- Fomentar la autoexpresión.

3
4. MARCO TEÓRICO

4.1 Conceptualización

4.1.1 ARTE

Acto mediante el cual, valiéndose de la materia o de lo visible, imita o expresa el hombre lo

material o lo invisible, y crea copiando o fantaseando. En sentido amplio, podemos
denominar como Arte a toda creación u obra que exprese lo que el hombre desea
exteriorizar, obedeciendo a sus propios patrones de belleza y estética. El artista para crear,
requiere ante todo estar dotado de imaginación, a través de la cual responde al vasto y
multiforme mundo externo expresando sus sentimientos por medio de palabras, formas,
colores y sonidos.

4.1.2 ARQUITECTURA

En un sentido corriente, la Arquitectura es el arte de construir, de acuerdo con un programa

y empleando los medios diversos de que se dispone en cada época; así podemos definirla
como el arte de proyectar y construir estructuras. La misma tiene un sólido fundamento
científico y obedece a una técnica compleja, por esta razón se dice que sólo es arte cuando
la construcción es expresiva de la voluntad espiritual de una época y esa expresión
arquitectónica es el resultado de todos los elementos constitutivos que emanan
esencialmente de las relaciones que se entablan con el espacio que conforma la obra y el
espacio que lo circunda. De allí cabe resaltar que la Arquitectura es el arte de conformar el
espacio, transformándolo. En sus más acabadas manifestaciones, la Arquitectura logra unir
la belleza y la utilidad, a tal punto que una depende de la otra, pues una obra no es hermosa
si no se adapta al fin para el cual se destina.

4.1.3 ESCULTURA

La Escultura es el arte de crear formas expresivas de tres dimensiones reales, sean

volúmenes, cuando se emplean materiales compactos, sean objetos en los que predomina el
espacio, apenas delimitado o indicado mediante ejes que lo recorren, cuando se emplean
materiales que pueden reducirse a hilos, cintas, cuerdas, etc. o materiales transparentes. La
primera forma es la tradicional, la segunda se desprende del carácter que tiene la escultura
de vanguardia, pero ambas afirman la tridimensionalidad. El escultor tradicional crea

4
formas volumétricas modelando una sustancia dotada de cierta plasticidad, como la cera y
la arcilla húmeda, o tallando materias duras como la piedra, el granito, la madera, el marfil,
o bien haciendo moldes que le permiten reproducir en relieve lo que aquellos representan
en hueco. El escultor moderno crea formas espaciales utilizando piezas de hiero fundido,
hilos de alambre, cintas de acero, filamentos de madera, cuerdas de violín y materiales
plásticos variados.

4.1.4 PINTURA

Arte que representa en superficie plana cualquier objeto real o imaginario por medio del
dibujo y el color. Los testimonios más antiguos del arte humano son dibujos y pinturas que
los primitivos habitantes del planeta dejaron en cavernas prehistóricas, estas pinturas fueron
llamadas Rupestres. Desde el punto de vista técnico la pintura se dice que es al fresco
cuando se aplica a paredes y techo usando colores disueltos en agua y cal; al óleo cuando
ha sido elaborada con colores desleídos en aceite secante, por lo general sobre una tela. La
pintura al pastel se efectúa con lápices blandos y pastosos; la acuarela emplea colores
transparentes diluidos en agua; a la aguada se llama el procedimiento de emplear colores
espesos, templados con agua de goma y miel; pintura al temple es la preparada con líquidos
glutinosos y calientes, en ella se emplea entre otros productos, el agua de cola. En la
llamada de porcelana se usan colores minerales endurecidos y unidos por medio del fuego.

4.1.5 ARTES VISUALES

En su sentido más general, son las que se relacionan con la impresión e ilustración, las que
se expresan por medio de gráficos e imágenes; abarca todas las artes que se representan
sobre una superficie plana. Las Artes Visuales tienen como función el comunicar lo que el
artista desea expresar por medio de un lenguaje visual, atendiendo tanto a los elementos
compositivos como a los principios compositivos, para que la obra en sí resulte agradable y
de buen gusto para quien la observe.

4.2 Historia del arte

4.2.1 Origen del arte

Entendido como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con finalidad
estética o comunicativa, a través del que expresa ideas, emociones o, en general, una visión

5
del mundo, el arte emplea diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o
mixtos.

La historiografía del arte, como disciplina académica y entorno institucional (museos,

mercado del arte, departamentos universitarios, producciones editoriales) se suele restringir
a las denominadas artes visuales o plásticas (esencialmente a pintura, escultura y
arquitectura), mientras que otras artes son más específicamente objeto de estudio de otras
disciplinas claramente delimitadas, como la historia de la literatura o la historia de la
música, siendo todas ellas objeto de atención por la denominada historia de la cultura o
historia cultural, junto con las historias sectoriales enfocadas a otras manifestaciones del
pensamiento, como la historia de la ciencia, la historia de la filosofía o la historia de las
religiones. Algunos campos de conocimiento estrechamente relacionados con la historia del
arte son la estética y la teoría del arte.

4.2.2 Prehistoria

Las primeras obras de arte realizadas por el ser humano, marcas realizadas por las personas
con un objetivo estético, aparecen con la llegada del Paleolítico Superior y la del humano
Homo sapiens-sapiens, hace unos 35.000 o 30.000 años.

El arte de la Prehistoria se ha dividido en dos bloques principales, el arte mueble o portátil

abarca las representaciones realizadas sobre piezas que una persona de complexión normal
puede transportar, se ha clasificado como tal cualquier pieza con una marca de origen
humano. Por otro lado está el arte rupestre, son obras de arte realizadas en grandes rocas o
en paredes de cuevas, imposibles de mover, tiene que ser el espectador quien se mueva a
ver las figuras.

Se pueden identificar los temas del arte prehistórico en tres grandes bloques, por un lado
están las figuras humanas o antropomorfos, por otro las representaciones de animales o
zoomorfos, y por último los ideomorfos o signos.

Las representaciones de seres humanos no son muy habituales en el arte prehistórico, se

pueden ver figuras masculinas y femeninas, aparecen figuras completas, pero también
parciales, y son más habituales en el arte mueble que en el arte rupestre.

6
En lo que respecta al arte mueble, las más comunes son las imágenes que representan
mujeres, los retratos se consideran un tipo muy raro de representación, cuando se habla de
representaciones parciales, nos referimos a figuras que se han interpretado como vulvas. A
finales de la glaciación, aparecen numerosas siluetas femeninas, conformando contornos
estilizados.

Pero las principales representaciones femeninas y las más conocidas de este tipo de este
tipo de arte son las venus esteatopigias, hay que situar su cronología enla época
Gravetiense, a principios del Paleolítico Superior.

Se trata de figurillas de bulto redondo, realizadas sobre diferentes materiales y se han

interpretado como elementos relacionados con la fertilidad, muchas veces son figuras
femeninas desnudas y con las partes relacionadas con la maternidad (pechos y caderas)
muy abultadas. Las halladas en el occidente de Europa carecen de rostro, las de Europa
oriental suelen presentar adornos trabajados, en las conocidas como “siberianas” el rostro y
el pelo adquieren gran importancia y aparecen vestidas.

En el arte mueble son más raras las figuras que representan hombres, se hallan muy pocas
siluetas o retratos, en lo referente a las representaciones parciales, la mayoría son signos
interpretados como falos. Una gran parte de las figuras masculinas representadas en este
tipo de arte presentan características animales, algunas partes de las figuras masculinas se
transforman en animales.

Los temas también son limitados en el arte rupestre del Paleolítico Superior, y nuevamente
hay que distinguir figuras humanas o antropomorfos, zoomorfos o figuras de animales, e
ideomorfos o signos.

No es nada habitual encontrar representaciones de seres humanos en el arte rupestre,

especialmente masculinas, por ese motivo, tradicionalmente se ha pensado que las figuras
humanas pueden ser un tema tabú.

Las representaciones de hombres son escasas, existe una serie de figuras aisladas
identificadas como falos, pero son más comunes las imágenes completas clasificadas como
masculinas, catalogadas como tales por presentar pene o carecer de pechos.

7
Se han encontrado también cabezas aisladas que pueden ser humanas, trabajadas de frente o
de perfil. De vez en cuando también se encuentran escenas de coito, o situaciones en las
que el hombre aparece como víctima, muchas veces esas imágenes aparecen asociadas a
representaciones de caballo.

Durante el Magdaleniense, muchas figuras masculinas presentan cabezas de animales, pero

son claramente bípedas, se ha creído que pueden ser los brujos de la comunidad.

Las representaciones de mujeres son más numerosas que las masculinas, pero no
habituales. Se trata a menudo de representaciones parciales, por ejemplo triángulos con el
vórtice hacia abajo y atravesadas por una raya en la mitad, que se han interpretado como
vulvas, aunque también hay vulvas de aspecto más naturalista. En ocasiones, aparecen
grietas de la roca (vulvas) o salientes (pechos) coloreados en rojo o negro.

Hay pocas representaciones femeninas realistas y las que hay aparecen relacionadas con el
bisonte o el mamut. Cuando aparecen siluetas estilizadas, se representan frecuentemente sin
cabeza o piernas, marcando mucho la línea de los glúteos.

Las improntas de manos son imágenes que llaman la atención en el arte rupestre, no son
muy habituales, tienen una cronología muy concreta, se limitan al Gravetiense, y pueden
ser un buen elemento de datación.

Esas manos aparecen pintadas en rojo y en negro, se ven en grupos homogéneos, aisladas o
acompañadas de animales, y muestran posiciones diferentes, se piensa que pueden ser parte
de un código comunicativo.

Atendiendo a la técnica utilizada para trabajarlas, se distinguen manos directas o positivas e

indirectas o negativas. Las directas se obtienen metiendo la mano en la pintura y
plasmándola enla roca. Paraobtener las indirectas, se pone la mano en la pared limpia y se
pinta por encima con una especie de spray obtenido con una técnica llamada aerógrafo, de
esa forma, mientras la marca de la mano queda en blanco, lo que aparece pintado es el
contorno.

8
4.2.3 Egipto

4.2.3.1 Pintura Egipcia.

Hace más de 5.000 años los artistas egipcios empezaron a pintar los muros de las tumbas de
los faraones con representaciones mitológicas y escenas de las actividades cotidianas, como
la caza, la pesca, la agricultura o la celebración de banquetes. Igual que en la escultura
egipcia, prevalecen dos constantes estilísticas. En primer lugar, las imágenes, más
conceptuales que realistas, presentan los rasgos anatómicos más característicos,
combinando las vistas frontales y de perfil de la misma figura; en segundo lugar, la escala
de las figuras indica la importancia de las mismas, y así el faraón aparece más alto que su
consorte, hijos o cortesanos.

Los egipcios pintaban sobre piedra madera y muro. Para alisar el muro lo primero que
hacían era poner una capa de yeso, después se pintaba con pigmentos (croma arábiga y
yema de huevo). Primero utilizan una línea de color oscura que se rellena con color plano y
homogéneo, por lo tanto no le interesa el volumen de la figura, no le preocupan las
perspectivas. Realizaban las pinturas al fresco antes de que el muro se secara. En un mismo
plano colocan dos puntos de vista de una misma figura. Predomina la ley de la frontalidad
(las caras se dibujan de perfil y los ojos de frente). Pintan la vida del faraón, dioses y
escenas de la vida cotidiana. Según el nivel social que tenga la figura es mas grande o más
pequeña.

La aplicación de la pintura se realizaba pintando los contornos en ocre rojo, y coloreando el

fondo en amarillento o blanco. A continuación se recubría la superficie de los personajes
con colores vivos, aunque planos, sin mezcla, ni sombras. Los colores utilizados en pintura
eran los siguientes: - Azul: representado por el Nilo, se usaba para el cielo, el agua y la
noche. - Verde: símbolo de la fecundidad y la vegetación, color con que se representaba al
dios Osiris, y era utilizado para representar la naturaleza y motivos vegetalens.

Blanco: usado como fondo para los dibujos, paracolorear la ropa, la corona blanca, y para
representarel pan.

Rojo: representado por el dios Set, se usaba para lacorona roja, la piel masculina, la
cerámica, lamadera, y para el desierto.

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Amarillo: representado por el sol, usado para el oro y la piel femenina.

Negro: color de la fertilidad, representado por el limo del Nilo. Se usaba para pintar los
cabellos y los ojos.

4.2.3.2 Características

Los conjuntos se presentan por planos, uno encima de otro; el primero siempre abajo.

El tamaño de las figuras corresponde al rango social e importancia del personaje:

grandísimo para el Faraón; minúsculo para los esclavos, artesanos, soldados.

La ley del canon impera sobre la figura humana.

Trazado convencional, muy típico del arte egipcio:

La cabeza es representada de perfil, el ojo de frente;

Los hombros de frente;

Los miembros inferiores y los pies vuelven a la posición de perfil.

No conocieron la perspectiva.

4.2.3.3 Representación de la Figura Humana.

Ley de la Frontalidad: Consiste en representar rectas la línea de los hombros y la de las

caderas.

Perspectiva Jerárquica: El tamaño de la figura dependía del rango social.

La visión rectilínea: Consiste en dividir el cuerpo en varios planos: el ojo y el torso de

frente, la cabeza y las extremidades de perfil. Las figuras estaban compuestas por 4 puntos
de vista, el frontal, el dorsal y los dos laterales.

La Proporción: El cuerpo humano debía estar armónicamente proporcionado, el puño

sería el módulo regulador y codificaron la longitud perfecta del individuo en 18 puños: 2
para el rostro, 10 desde los hombres hasta las rodillas y los 6 restantes para las piernas y los
pies. Consecuentemente, un hombre o una mujer eran “bellos” si medían 18 veces su
propio puño y estaban armónicamente proporcionados.

10
4.2.4 Grecia

Los griegos pintaban figuras imperfectas pero que aun así mostraban expresión y vida.

La figura humana pintada se caracterizaba por ser simple y estilizada. En cambio las
esculturas eran sumamente detalladas logrando alcanzar la perfección del ser humano.

El arte fue mayoritariamente esculturas. Las pinturas se pueden observar en los utensilios.

4.2.4.1 Pintura

Para hablar de la pintura griega es necesario hacer referencia a la cerámica, ya que

precisamente en la decoración de ánforas, platos y vasijas,cuya comercialización era un
negocio muy productivo en la antigua Grecia, fue donde pudo desarrollarse este arte.

Al comienzo los diseños eran elementales formas geométricas -de ahí la denominación de
geométrico que recibe este primer período ( siglos IX y VIII a. C. )- que apenas se
destacaban sobre la superficie.

Con el correr del tiempo, éstas se fueron enriqueciendo progresivamente hasta cobrar
volumen. Aparecieron, entonces, los primeros dibujos de plantas y animales enmarcados
por guardas denominadas "meandros". En un próximo paso, ya en el período arcaico (
siglos VII y VI a. C. ), se incluyó la figura humana, de un grafismo muy estilizado. En
medio de las nuevas tendencias naturalistas, ésta cobró mayor importancia al servicio de la
representaciones mitológicas.

Las escenas se organizaron en franjas horizontales paralelas que permitían su lectura

girando la pieza de cerámica. Con el reemplazo del punzón por el pincel los trazados se
volvieron más exactos y detallistas. Las piezas de cerámica pintadas comienzan a
experimentar una notable decadencia durante el clasicismo (siglos IV y V a. C.) para
resurgir triunfantes en el períodohelenístico (siglo III), totalmente renovadas, plenas de
color y ricamente decoradas.

4.2.4.2 Escultura

Las primeras esculturas griegas (siglo IX a. C.) fueron pequeñas figuras humanas hechas en
materiales muy maleables tales como la arcilla, el marfil o la cera. No fue hasta el período
arcaico (siglos VII y VI a. C.)que los griegos comenzaron a trabajar la piedra. Los motivos

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más comunes de las primeras obras eran sencillas estatuas de muchachos (kouros) y
muchachas (korés). De formas lisas y redondeadas, estas figuras plasmaban en la piedra
una belleza ideal.

Estas figuras guardaban una gran similitud con las esculturas egipcias que habían servido
de modelo. Con la llegada del clasicismo ( siglos V y IV a. C. ), la estatuaria griega fue
tomando un carácter propio y abandonó definitivamente los primitivos patrones orientales.
Gracias al estudio de las proporciones se pudo copiar fielmente la anatomía humana y los
rostros ganaron definitivamente en expresividad y realismo.

Se introdujo el concepto de "contrapposto", posición por la cual la escultura se apoyaba

totalmente sobre una pierna, dejando la otra libre, y el principio del dinamismo cobró forma
en las representaciones de atletas en plena acción. Algunos de los grandes artistas del
clasicismo fueron Policleto, Mirón, Praxíteles y Fidias, aunque tampoco se puede dejar de
mencionar a Lisipo, que intentando plasmar las verdaderas facciones del rostro, logró los
primeros retratos.

Durante el período helenístico (siglo III a. C.) se enfatizaron y sofisticaron las formas
heredadas del clasicismo. Así, producto de esta recepción, surgieron obras de inigualable
monumentalidad y belleza, como "El coloso de Rodas", de treinta y dos metros de altura.
Cabe aclarar, que tanto por su función religiosa como decorativa, la escultura se hallaba
estrechamente ligada a la arquitectura. Así lo evidencian los trabajos estatuarios de las
fachadas, columnas e interior de los templos.

4.2.5 Edad Media

El arte de la edad media era mayoritariamente de carácter religioso.

Las características de las obras en esta época se pueden apreciar en vírgenes, ángeles,
santos, reyes, profetas, etc., que eran composiciones magnificas y claras con pliegues
ligeramente angulosos en los ropajes.

En el siglo XV la figura humana se hace más naturalista y los rostros se convierten en

auténticos retratos.

En realidad, las formas artísticas del Románico no surgen espontáneamente; los

antecedentes de las formas en la Edad Media debemos buscarlos en el Bajo Imperio

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Romano (última etapa de la historia de la antigua Roma que culmina con la invasión de los
pueblos bárbaros en el 476 dC). Como consecuencia de la decadencia política y económica
las proporciones de las obras comienzan a desvirtuarse, fijándose más en el mensaje que en
el propio logro de conseguir una obra semejante a las proporciones de la realidad. Éste será
el quid de la cuestión para interpretar la obra figurativa de la Edad Media: el mensaje.
Como consecuencia de lo anterior citado, la técnica que lograron tan avanzada los romanos
no se transmite en los años siguientes, los artistas parten de los modelos del Bajo Imperio
Romano. En el siglo IX durante el reinado de Carlomagno (monarca galo) se mira hacia las
obras romanas, se intentan copiar las formas y se trata de emular la grandeza de Roma. Esto
hace que se cree una forma muy particular y característica de representar la figura humana
en la Edad Media, ya que adapta lo conseguido por los romanos a una sociedad fuertemente
jerarquizada y con un catolicismo muy arraigado.

Respecto a las características que presentan las figuras humanas podemos enumerar las
siguientes:

- Desproporción entre cabeza- cuerpo.

- Posiciones frontales (ley de la frontalidad)
- Posiciones muy forzadas
- Pies dispuestos en ángulo de 120º
- Manos rígidas
- Falta de comunicación y expresión en las figuras
- Isocefalia (se representan las figuras del mismo tamaño ya esten en primer plano o
más alejadas y como "apiladas", como si estuvieran por filas subidas a un escalón)
- En el caso de la escultura adaptación al marco propuesto y frecuentemente sufren
horror vacui (literalmente miedo al vacío, por lo que decoran mucho las escenas)
- En el caso de la pintura las figuras suelen ser lineales y planas, presentan un grueso
perfil en color oscuro y las sombras se consiguen mediante la aplicación de blanco
en los colores para conseguir brillo, no aplican negro para oscurecer).
- En cuanto a las escenas representadas suelen ser religiosas (comentamos el fuerte
catolicismo que existe en la época) ya que la mayoría de las personas no sabian leer
y servia para enseñar los pasajes de la Biblia (funcion didáctica). Suelen encontrarse
en los claustros (Ej: Monasterio de Silos) en construcciones religiosas en los

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 capiteles, fustes, portadas monumentales,... Y las escenas representadas suelen ser
el tetramorfos (4 evangelistas con sus atributos) con Cristo entronizado, escenas
diversas del Apocalipsis y el Juicio Final, la Creación, el pecado original...
- También disponemos de imagenes laicas como por ejemplo en las portadas de San
Miguel de Lillo en la que un saltimbanqui aparece en movimiento.

4.2.6 Renacimiento

En el Renacimiento la belleza es la armonía de partes, pero también es brillo, se gozaba de

la objetividad y de la naturaleza espiritual, esto quiere decir que "la hermosura de los
cuerpos depende de la imagen espiritual que transparenta la apariencia de los mismos“.

Se procura destacar la expresión facial, que algunas veces revelaba los grandes conflictos
del alma.

La figura fue pintada o esculpida con tanta perfección que difícilmente se puede ver un
desperfecto.

Se pinta la figura humana independientemente de lo que represente, Virgen o cortesana,

Apolo o Cristo, lo que importa es la figura humana. El tema interesa poco, pero sí lo bello
frente a lo representativo.

El objeto del arte es el mundo natural, la imagen del mundo que se identifica con la
civilización. Hay un nuevo humanismo y una mentalidad burguesa que busca al hombre
ideal en equilibrio con la naturaleza.

En su última etapa, cuando están conseguidas todas las soluciones técnicas, es cuando se
pinta "a la manera de" un maestro o de otro, corriente a la que se llama manierismo, que
utilizará todos los tipos clásicos de forma alambicada y "virtuosista".

El Renacimiento hace al ser humano medida de todas las cosas

Como arte esencialmente cultural presupone en el artista una formación científica, que le
hace liberarse de actitudes medievales y elevarse al más alto rango social.

Los supuestos históricos que permitieron desarrollar el nuevo estilo se remontan al siglo
XIV cuando, con el Humanismo, progresa un ideal individualista de la cultura y un

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profundo interés por la literatura clásica, que acabaría dirigiendo, forzosamente, la atención
sobre los restos monumentales clásicos.

Italia en ese momento está integrada por una serie de estados entre los que destacan
Venecia, Florencia, Milán, el Estado Pontificio y Nápoles.

La presión que se ejerce desde el exterior impidió que, como en otras naciones, se
desarrollara la unión de los reinos o estados; sin embargo, sí se produjo el fortalecimiento
de la conciencia cultural de los italianos.

Desde estos supuestos fueron las ciudades las que se convierten en centros de renovación
artística.

En Florencia el desarrollo de una rica burguesía ayudará al despliegue de las fuerzas del
Renacimiento, la ciudad se convierte en punto de partida del nuevo estilo, y surgen, bajo la
protección de los Médicis, las primeras obras que desde aquí se van a extender al resto de
Italia.

4.2.7 Barroco

El estilo Barroco ha sido uno de los más arraigados en el arte occidental.

Posee dos núcleos distintos: el norte dominado por la reforma protestante y el sur por la
contrarreforma católica.

Transcurrió entre los siglos XVII al XVIII.

La monarquía utilizó la magnificencia de este arte para poder hacer propagandas que los
beneficiasen, ya sea en el arte o en la sociedad.

En las representaciones se buscaba capturar el momento de mayor dramatismo.

Dentro de la figura humana barroquista el artista muestra un gran sentido de movimiento,

energía y tensión. Una intensa espiritualidad se mostraba con frecuencia en las escenas de
éxtasis, martirios y apariciones milagrosas.

Las principales características eran:

Movimiento: las figuras eran representadas en acciones violentas o de esfuerzo. En la ropa

se apreciaba la agitación, mayormente en los pliegues de estas.

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Teatralidad: se muestra todo de forma exagerada y con actitudes elocuentes lo que hacen
del barroco una representación dramática.

Claroscuro: Se busca que los personajes se vean envueltos en una atmosfera de

luminosidad.

Patetismo: se muestras estados de animo como: éxtasis, miedo, ansiedad, etc., donde se
pueden percibir en los rostros de la manera mas realista.

Entre los más grandes pintores del período barroco se encuentran Caravaggio, Rembrandt,
Rubens, Velázquez, Poussin y Vermeer. Caravaggio es heredero de la pintura humanista
del Alto Renacimiento. Su enfoque realista de la figura humana, pintada directamente del
natural e iluminada dramáticamente contra un fondo oscuro, sorprendió a sus
contemporáneos y abrió un nuevo capítulo en la historia de la pintura. La pintura barroca a
menudo dramatiza las escenas usando los efectos lumínicos del claroscuro; esto puede
verse en obras de Rembrandt, Vermeer, Le Nain y La Tour. El pintor flamenco Antón Van
Dyck desarrolló un estilo de retrato cortesano, con gracia, que influyó mucho,
especialmente en Inglaterra.

En España, el barroco supone el momento culmen de la actividad pictórica, destacando

sobre un magnífico plantel de pintores, la genialidad y maestría de Diego Velázquez,
Ribera, Bartolomé Esteban Murillo o Francisco de Zurbarán. El periodo fue conocido como
Siglo de Oro, como muestra de la gran cantidad de importantes figuras que trabajaron, a
pesar de la crisis económica que sufría el país.

Los pintores españoles usan como inspiración a artistas italianos como Caravaggio y su
tenebrismo. La pintura flamenca barroca influye notablemente en España, debido al
mandato que se ejerce en la zona, y a la llegada de Rubens al país como pintor de la corte.

Las principales escuelas del arte barroco serán las de Madrid, Sevilla y Valencia.

La temática en España, católica y monárquica, es claramente religiosa. La mayoría de obras

fueron encargadas directamente por la iglesia. Por otra parte, muchas pinturas tratan de
reyes, nobles y sus guerras, como en el famoso cuadro Las Lanzas, que pintó Velázquez en
1635 para el Palacio del Buen Retiro de Madrid. La mitología y los temas clásicos también
serán una constante. Pero es la religión cristiana la que más se repite, sirva como ejemplo

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El martirio de San Felipe, gran obra de José de Ribera. El realismo de las obras se usará
para transmitir al fiel la idea religiosa, por lo que el barroco fue un arma para la iglesia.

Los colores son vivos, con efectos de múltiples focos de luz que crean otras tantas zonas de
sombras. El tenebrismo italiano se dejará sentir en todos los pintores españoles. Las figuras
no suelen posar, son captadas con un movimiento exagerado para darle fuerza a la escena.
Los cuadros al óleo son grandes y habitualmente complejos, con varias figuras y de gestos
expresivos.

4.2.8 Romanticismo

Surge en Francia a principios de siglo XIX.

En el romanticismo el artista crea su obra a partir de sus emociones, sentimientos e ideas

íntimas.

Existía una libertad de expresión.

Era importante lo que el artista quería expresar, no como hacia la obra.

La figura en el estilo del Romanticismo contiene líneas suaves y onduladas haciendo así la
pintura un poco con más sentimiento.

El color es tenue y matizado, la composición es más dinámica.

La figura humana en este movimiento es transmitida en el pasado medieval, en la historia

nacional y en culturas del lado Oriente.

Se presentaba entre lo real y lo ideal.

Centró su atención en el paisaje y la naturaleza, así como la figura humana y la supremacía

del orden natural por encima de la voluntad de la Humanidad. Se sigue una filosofía
panteísta (véase Spinoza y Hegel). Es una concepción opuesta a los ideales ilustrados, pues
ve el destino de la humanidad bajo una luz más trágica o pesimista. La idea que los seres
humanos no están por encima de las fuerzas de la Naturaleza entra en contradicción con los
ideales de la Antigua Grecia y del Renacimiento, en los que la Humanidad estaba por
encima de todas las cosas y era dueña de su destino. Este pensamiento llevó a los artistas
románticos a representar lo sublime, iglesias en ruinas, naufragios, masacres y locura.

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Las artes figurativas vivieron, sobre todo en Alemania e Inglaterra, un resurgimiento del
paisaje, género que hasta entonces había sido frecuentemente desdeñado y considerado
como secundario. Suele tener a la figura humana como centro y una intención moralizante.
Pero lo que realmente se trataba de expresar por medio de estos paisajes eran los
sentimientos y pensamientos personales. Todo ello determinó que se le diera preferencia a
determinados temas, aquéllos donde parecía manifestarse un movimiento desencadenado
por la naturaleza: cascadas, incendios, tormentas, mares embravecidos, abismos,
crepúsculos, soledad, silencio, etc. La interpretación dada por los pintores de la naturaleza
resulta muy diversa. Así, en base a un sistema representativo naturalista, unos aportaron a
sus cuadros un carácter simbólico y hasta visionario, a veces místico (Friedrich), a veces
dramático y dinámico en el que se advierte cierto preimpresionismo (Turner), y otros
realista y sereno (Constable).

4.2.9 Vanguardismo

Los movimientos de vanguardias de fines del siglo XIX y principios del XX, llevan
nombres como cubismo, dadaísmo, surrealismo, pop art, etc.

Cubismo: la figura humana se representa con figuras muy geométricas.

Dadaísmo: los artistas utilizan figuras amorfas. La figura humana es totalmente abstracta y
queda a la imaginación de quien ve la obra.

Surrealismo: La figura humana puede llegar a ser un elemento de atención en las obras pero
con cierta simbología. se caracteriza por crear cualquier forma de expresión en la que la
mente no ejerza ningún tipo de control.

Pop art: iniciado en el continente Americano, usaba la figura humana como personajes
populares para obtener una nueva estética o para conseguir una visión crítica de la
sociedad.

El Vanguardismo pictórico es la época que sigue luego del impresionismo y presenta a la

figura humana como un rechazo a la tradición estética, busca que la figura humana se
diferencie de las artes anteriores y pretende encontrar creaciones originales, nuevas,
distintas, que tengan características propias, expresando un rechazo total a todos los
movimientos artísticos anteriores. Es por ésta razón que las obras creadas en éste período

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prsentan al ser humano con una forma similar a la de los "dibujos animados" y a pesar del
rechazo hacia las otras artes, el ser humano tiene formas geométricas antes vistas como las
de la época prehistórica, formas triangulares, cuadradas o redondas que provocan una
mayor concentración de ondas, formas y colores. Una de las obras más representativas de el
arte vanguardista es "el grito" de Eduard Munch

4.3 Diseño de la Figura Humana

El dibujo de la figura humana, si bien fue la especialidad de los pintores naturalistas y los
artistas plásticos, resulta de gran interés cuando se está estudiando diseño como en el caso
que nos ocupa. Para los diseñadores que inician el camino de la comunicación frente a un
lápiz y un papel, le será especialmente útil, por no decir indispensable.

Existen diferencias evidentes en las formas masculina y femenina, como la cintura más
estrecha y las caderas más anchas en el caso de las mujeres y el pecho y el rostro más
cuadrado en los hombres. Sin embargo estás variaciones deben incorporarse una vez que se
hayan realizado los trabajos básicos.

4.3.1 Relación con figuras geométricas

Los cuerpos masculinos y femeninos se pueden dividir en los mismos bloques simples. La
cabeza puede representarse como un huevo. El pecho como una papelera; la zona pélvica
como un potro de gimnasia muy amplio; las extremidades como tubos en disminución; los
pies y manos como conos, y las articulaciones como pelotitas.

Una vez que hayas dibujado estas formas con el tamaño relativo que se ha mostrado en un
perfil frontal, puedes moverlas como las partes de un muñeco de madera para crear las
poses que desees.

4.3.2 Conversión

Existe una convención en la ilustración de moda según la cuál una figura debería alargarse
para resultar más elegante, pero basta con alargar sólo las piernas. Un cuerpo real mide
aproximadamente siete cabezas y media. En moda se hacen de ocho cabezas y media. el
resto da proporciones de los bloques que deberían mantenerse fieles a la realidad.

Cuando te pongas a dibujar del natural, te ayudará muchísimo haber captado estos
principios para comprender la mecánica de la figura que tienes delante. Siempre es bueno

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recordar que estas reglas - son solamente convenciones, pero si asumes una idea básica de
la estructura y las proporciones del cuerpo humano te encontrarás en una posición mejor
para romper después las reglas.

4.3.3 Proporciones de cuerpo Femenino

Comenzamos con las proporciones de una mujer, para empezar decimos que la figura
femenina es un poco más estrecha en comparación con la del hombre.

Estas son las características que podemos sacar de esta imagen utilizando la cabeza
femenina como referencia de medición.

- Para el punto más ancho verticalmente, tenemos que mide dos cabezas, que vendría
siendo la parte de los hombros.
- Nos encontramos que los pezones de una mujer se ubican más abajo que los
pezones del hombre.
- La cintura mide una cabeza como unidad.
- Tenemos que la medida de los glúteos en forma vertical de frente, mide una cabeza
y media.
- Los gemelos o las batatas de frente en su parte más ancha mide una cabeza.
- Por último tenemos que la altura ideal de una mujer vendría siendo 8 cabezas.

Sabiendo esto ya tienes una mínima idea de cómo se debe dibujar una mujer, pero claro,
siempre se puede alterar esas variables a la hora de dibujar personajes propios. (Anexos:
Proporciones de figura femenina)

4.3.4 Proporciones de cuerpo Masculino

Seguimos con las proporciones masculinas, que igual que las femeninas, tomaremos como
referencia de medición la cabeza masculina.

Veremos que el hombre es más ancho que una mujer, es más grande, claro, en su forma
ideal, y estas son algunas de las características que podremos ver.

- Los pezones se encuentran más arriba que los de una mujer, pero no solo eso,
porque también están más juntos.
- De pezón a pezón hay una longitud de una cabeza.
- La cintura es un poco más ancha que una cabeza.

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 - Los gemelos o batatas miden 1 cabeza de ancho y de frente.

Para dibujar estas figuras te recomiendo agarrar estas imágenes de proporciones que te
acabo de dejar y dibújalas en un papel para que las tengas a la mano. (Anexos:
proporciones de figura masculina)

4.3.5 Dibujo de estructura y cuerpo

A continuación se detallara en forma explicativa los pasos para poder realizar un dibujo en
base a la estructura y cuerpo.

Estructura

Como debes saber, primero empezamos dibujando la estructura del cuerpo humano, y por
ahí empieza todo principiante del dibujo.

Esta estructura es básica, utilizando un círculo para la cabeza, un círculo para la parte
superior del torso y también un círculo para la parte de la cadera y luego las extremidades
las unimos con líneas y más círculos.

Si quieres ser un poco más experimentado, entonces puedes darle un poco más de figura al
cuerpo que simples círculos, pero siempre partiendo de las formas básicas.

Apuesto que si eres un poco más experimentado, te saltarás ciertos paso porque ya no te
hacen falta, y si no eres tan experimentado entonces sigue practicando para que aprendas a
saltarte pasos y a dibujar más rápido.

La estructura del cuerpo humano está hecha básicamente de palitos así como los dibujamos
en la escuela cuando éramos jóvenes.

Te recomiendo que estas figuras de palitos las dibujes de distintas formas, no solamente de
pie, también hazlas realizando distintas acciones.

Como por ejemplo estar sentado, bailando, jugando algún deporte etc…

De esta forma le darás más movilidad a tus muñecos cuando ya estén terminados.

Cuerpo

Ahora que ya tenemos nuestro muñeco de palitos dibujado, entonces toca dibujar el resto de
nuestra persona, que vendría siendo agregar músculos y carne a nuestro cuerpo.

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Para dibujar bien una persona, entonces ahora tenemos que agregarles masa a nuestro
esqueleto, y en realidad es bastante sencillo.

Esa masa puede realizarse con óvalos y círculos, para luego ir uniéndolas poco a poco para
formas la figura humana.

En realidad es bastante sencillo, solo se debe practicar y listo.

Seguro que estás buscando paso a paso como dibujar una persona, pero te digo que en estos
2 simples pasos se resume absolutamente todo, porque seguro que por ahí encontrarás
pasos que te digan.

Dibuja el esqueleto, luego dibuja una esfera para la cabeza, luego un círculo para el pecho y
para concretar, dibuja círculos y óvalos para cada parte, y te los separan paso por paso.

Bueno, la verdad es que eso no es nada necesario porque se llega a lo mismo con estos 2
simples pasos que te acabo de dar.

Lo único que tienes que hacer es ver la figura de una persona y empezar a dibujarla
partiendo de una estructura de palitos, eso es todo.

Y claro, darle movilidad a esa figura, no te acostumbres a dibujarlos siempre de pie, realiza
acciones con tus figuras.

Los gráficos para estos pasos se encontraran en anexos para ser mas detallada.

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5. CONCLUSIÓN

Al conocer el aspecto histórico de las figuras humanas nos damos cuenta que esta
evoluciono de simples trazos a diseños más complejos el claro ejemplo es que hoy en día
podemos realizar dibujos con diseño de trazos y rellenos usando tanto figuras geométricas
como líneas, en conclusión logramos obtener el conocimiento y la información necesaria
para poder mostrar al público que para aprender a dibujar no se requiere un talento neto.

6. RECOMENDACIONES

Tras lo aprendido en el contenido de este tema recomendamos tanto a profesores como al

público en general que se den tiempo de apreciar las pinturas, esculturas, y otros diseños
que lleven figuras humanas puesto que estas están hechos desde puntos más básicos hasta
los diseños finales que vemos y nos hacen admirar el arte.

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7. BIBLIOGRAFÍA

Textos

Historia del Arte y de la Cultura. 6º. Ediciones SM, 1961. Poe Saiz Conde y Arenaza
Lasagabaster.

WENTINCK, Charles. La Figura Humana en el arte

Web

https://es.slideshare.net

http://tecnicasdedibujoenlamoda.blogspot.com

http://practicarte.com

https://es.wikipedia.org

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8. ANEXOS
PREHISTORIA

EGIPTO

GRECIA

25
 EDAD MEDIA

RENACIMIENTO

BARROCO

26
 ROMANTICISMO

VANGUARDISMO

FIGURAS GEOMÉTRICAS, PROPORCIÓN Y CUERPO

27
PROPORCIÓN CUERPO FEMENINO, MASCULINO Y EDADES

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