Arte 0

B I B L I OT E C A D E L P R O F E S O R A D O
Día a día en el aula

Recursos didácticos
y atención a la diversidad
Historia del Arte

BACHILLERATO
Día a día en el aula para 2.º Bachillerato es una obra

colectiva concebida, diseñada y creada en el Departamento
de Ediciones Educativas de Santillana Educación, S. L.,
dirigido por Teresa Grence Ruiz.
En su elaboración ha participado el siguiente equipo:
TEXTO
Albert Ferrer Orts
Mónica Huerta Domínguez
Ma José López Azorín
Beatriu Navarro Buenaventura
EDICIÓN
Elena Alfonso Talavera
EDICIÓN EJECUTIVA
Montserrat Herrero González
DIRECCIÓN DEL PROYECTO

Lourdes Etxebarria Orella
Índice
¿Por qué SABER HACER? . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 5
Recursos didácticos y atención a la diversidad
Comentarios resueltos de obras de arte . . . . . . . . . . . . . . . . 7

Evaluación de contenidos con soluciones . . . . . . . . . . . . . . 53
¿Por qué SABER HACER?
Todos tenemos una pasión. Desde su fundación, hace más de 50 años, Santillana no ha dejado
de trabajar, investigar, realizar productos y servicios y buscar innovaciones que mejoren la
educación, como forma de construir un mundo mejor para todos.
El fruto de este compromiso ha sido una larga historia de grandes proyectos educativos.
Proyectos concebidos desde la realidad social y académica existente en cada momento, naci-
dos con vocación de acompañar a los alumnos en su aventura de aprender y de dotar a los
profesores de todas las herramientas y recursos necesarios para llevar a cabo la tarea
de educar. Así, nuestro nuevo proyecto, SABER HACER, surge como respuesta a una nueva
ley educativa, la LOMCE, y a los intensos cambios que se están produciendo en todos los as-
pectos de nuestra vida.
Hoy, más que nunca, en la sociedad de la información, en un mundo cada vez más global, re-
gido por un cambio rápido y constante, la educación marca la diferencia. Vivimos un presen-
te de grandes interrogantes que merecen grandes respuestas. Hay que educar hoy a los
ciudadanos de un mañana que está por construir.
La educación se ha centrado tradicionalmente en la enseñanza de contenidos, se trataba de
saber. Hoy, la comunidad educativa es consciente de que hay que dar un paso adelante: ade-
más de saber, hay que SABER HACER. El aprendizaje por competencias es el modelo
elegido para alcanzar con éxito los nuevos objetivos que la sociedad reconoce como necesa-
rios en la educación de niños y adolescentes. Saber comunicar, interpretar, deducir, formular,
valorar, seleccionar, elegir, decidir, comprometerse, asumir, etc., es hoy tan importante como
conocer los contenidos tradicionales de nuestras materias. Necesitamos trabajar con ideas, ser
capaces de resolver problemas y tomar decisiones en contextos cambiantes. Necesitamos
ser flexibles, versátiles, creativos…
Pero el nombre de la serie tiene un segundo significado. Para superar el reto que tenemos por
delante, Santillana va a aportar todo su SABER HACER, va a estar al lado de profesores y
alumnos, ofreciendo materiales, servicios, experiencia… para garantizar dicho éxito.
EL IMPULSO QUE NECESITA

SU FUTURO
DÍA A DÍA EN EL AULA HISTORIA DEL ARTE 2.° BACHILLERATO Material fotocopiable © Santillana Educación, S. L. 5
Comentarios de obras
de arte
En esta sección proporcionamos a los profesores una

selección de obras de arte comentadas.
Estas fichas complementan a las que ya aparecen en el
libro del alumno, bien porque se trata de otras obras, o bien
porque se completa la información de los comentarios
del libro.
ÍNDICE
Obras de arte comentadas
1. Pinturas de la cueva de Altamira . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 10

2. Venus de Willendorf . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 11
3. Templo de Poseidón . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 12
4. Kurós de Anavyssos. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 14
5. Arco de Constantino. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 16
6. El descendimiento de la cruz . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 18
7. Políptico de la adoración del Cordero Místico. . . . . . . 20
8. La primavera, de Botticelli. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 22
9. Piedad del Vaticano . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 24
10. La creación de Adán. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 26
11. Liebre. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 27
12. El rapto de las hijas de Leucipo . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 28
13. La primavera, de Arcimboldo. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 30
14. La Trinidad . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 31
15. La joven de la perla. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 32
8 DÍA A DÍA EN EL AULA HISTORIA DEL ARTE 2.° BACHILLERATO Material fotocopiable © Santillana Educación, S. L.
16. La Inmaculada Concepción de Aranjuez. . . . . . . . . . . . 33
17. La plaza de San Marcos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 34
18. El pensador . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 36
19. Clase de danza. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 38
20. Impresión, sol naciente. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 39
21. La habitación de Vincent en Arlés . . . . . . . . . . . . . . . . . . 40
22. La Goulue y su hermana. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 41
23. Tahitianas en la playa. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 42
24. La danza . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 43
25. Obreros del Rockefeller Center. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 44
26. El beso . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 46
27. Latas de sopa Campbell. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 47
28. Peine del viento . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 48
29. La Gran Vía. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 49
30. Los Simpson. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 50
31. Las estructuras cambian, las esencias
permanecen . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 51
1
COMENTARIOS DE OBRAS DE ARTE FICHA 1
Pinturas de la cueva de Altamira
1. FICHA TÉCNICA contextualizadas, pues adquieren un valor narrativo, y denotan

Autor : Desconocido. gran movimiento y acción, aunque se convierten en más es-
quemáticas y se reduce la gama cromática, lo que les confiere
Cronología: Entre 15000 y 12000 a.C.
un carácter plano, ajeno a la búsqueda de volúmenes.
Localización: Santillana del Mar, Cantabria.
3. COMENTARIO
2. DESCRIPCIÓN
Descubiertas en 1879 por Marcelino Sanz de Sautuola, fueron
Las pinturas de Altamira presentan distintos tipos de acabado, consideradas entonces una falsificación. Solo el hallazgo de
pues mientras que de algunas figuras solo se conservan esbo- pinturas similares en Francia vino a confirmar la autenticidad
zos, otras mantienen hasta los más mínimos detalles. General- de las pinturas cántabras y a situarlas en el Paleolítico.
mente, sus contornos se delimitaban con una línea negra, así
A través de una cueva de considerable profundidad se llega
como otras partes de su anatomía que se querían recalcar. In-
hasta el «salón de pinturas», donde aparecen representadas
cluso se llegan a conseguir efectos de relieve a través de varia-
varias decenas de bisontes entre algunos cérvidos. Sin embar-
das tonalidades.
go, no solo se han encontrado estos ejemplares de la fauna del
Los colores utilizados eran principalmente negro, ocre, amarillo, período, pues se han podido estudiar en toda su superficie casi
rojo y castaño. trescientos animales junto a algunos signos.
Los animales aparecen dispersos y no dan la impresión de for- El impacto que dichas representaciones tuvo en la sociedad
mar rebaño alguno; además, se tiene constancia de que las occidental fue tal –pues hasta entonces se tenía la idea de que
cuevas fueron constantemente repintadas y retocadas a lo lar- las creaciones artísticas provenían principalmente de las civili-
go de los siglos. zaciones orientales– que, a partir de su descubrimiento, se
Las principales características de la pintura rupestre paleolítica tomó verdadera conciencia de la capacidad artística del ser
son su notable naturalismo, la plasmación de ejemplares adul- humano prehistórico.
tos conjugando la perspectiva lateral y frontal, y la progresiva Sus artífices, dedicados principalmente a la caza y a la recolec-
aparición de la figura humana de forma esquemática. ción, ya enterraban a sus muertos acompañados de rudimen-
Solo a partir del Mesolítico aparecerá desarrollada la figuración tarios ajuares, por lo que este tipo de «santuarios» contenía un
humana en escenas de recolección o de caza colectiva en abri- alto valor simbólico a la hora de propiciar la caza, fuente de
gos u oquedades de escasa profundidad. Estas escenas están primera magnitud para su sustento.
2
Venus de Willendorf
1. FICHA TÉCNICA

Autor : Desconocido.
Cronología: 25.000 años aproximadamente.
Localización: Museo de Historia Natural de Viena.
2. DESCRIPCIÓN
La Venus de Willendorf es una figura de pequeño tamaño (unos
11 cm de altura). Está esculpida en un tipo de piedra caliza que
no es propia de la región donde se encontró y conserva la po-
licromía con ocre rojo.
Representa a una mujer desnuda. Es una representación figu-
rativa, pero no realista, ya que sus atributos son exagerada-
mente voluminosos: el vientre abultado, los senos enormes y
las piernas obesas. Por esto, muchos estudiosos han deducido
una fuerte relación de esta escultura con el concepto de ferti-
lidad. Los brazos, casi imperceptibles, están doblados bajo los
senos. Su cabeza está cubierta con un tipo de peinado o toca-
do de trenzas. El rostro no se ve, en un intento quizás de no
personalizar la representación. Aunque las piernas son anató-
micamente correctas, los pies no han sido representados o no
se han conservado, de manera que la escultura termina a la
altura de los tobillos.
3. COMENTARIO
La Venus de Willendorf es uno de los principales testimonios ar-
tísticos conservados del Auriñaciense, primera etapa del Paleolí-
tico Superior, y que se desarrolló hacia el 38000-30000 a.C.
Fue hallada en 1908, en el transcurso de unas excavaciones
arqueológicas en el yacimiento austriaco de Willendorf, que es
en realidad un conjunto de siete ocupaciones del Paleolítico
Superior localizadas en el valle del Danubio.
Se enmarca dentro del gran número de figuras femeninas crea-
das en esa etapa del Paleolítico, que manifiestan el importante
papel de la mujer en aquellas sociedades prehistóricas.
Estas estatuillas han aparecido en lugares de habitación y no
en espacios de enterramiento, y se sabe que no eran objetos
con una utilidad práctica, sino que estaban ligados a un cierto
valor simbólico. Aunque no se sabe con certeza la finalidad y el
uso de la estatuilla, se cree que fue un objeto valioso para la
comunidad, puesto que les acompañaba en sus múltiples tras-
lados, ya que eran nómadas.
3
COMENTARIOS DE OBRAS DE ARTE
Templo de Poseidón
FICHA 3
1. FICHA TÉCNICA

Autor : Desconocido.
Cronología: Mediados del siglo v a.C. (hacia 450 a.C.).
Localización: Paestum (antigua Poseidonia), Salerno, Italia.
2. DESCRIPCIÓN
La planta del templo, posiblemente inspirada en el mégaron de los palacios micénicos, cons-
taba de una cámara central o cella, que albergaba la representación del dios. El pronaos y el
opistodomos eran las cámaras anterior y posterior a la cella. El conjunto presentaba un pór-
tico de columnas, que ocupaba la fachada principal en el templo próstilo, se situaba en la
principal y la trasera en el anfipróstilo, y rodeaba por completo el edificio en el templo períp-
tero. La techumbre era casi siempre a dos aguas y el conjunto se elevaba sobre un basamen-
to de tres escalones llamado estereóbato. El estilóbato ocupaba el escalón superior, sopor-
tando directamente el peso de las columnas.
La construcción está considerada el templo dórico mejor conservado. En el orden dórico, las
columnas no tenían basa, el fuste era estriado y se engrosaba en su parte central (éntasis), y
el capitel contaba con una fina moldura (collarino), un núcleo convexo (equino) y un prisma
cuadrangular (ábaco). El arquitrabe era liso y sostenía un friso, generalmente decorado con
triglifos y metopas. Los ejemplos más antiguos de templos dóricos que se conservan perte-
necen al siglo VI a.C., coincidiendo con el comienzo en la utilización de la piedra como mate-
rial de construcción por parte de los griegos, cuyas técnicas fueron importadas de Egipto en
este período.
El templo de Poseidón se acerca mucho a la norma dórica y en él se aprecia ya el proceso
de evolución general experimentado a lo largo del período. La planta de este templo sigue el
patrón continental, definido hacia el siglo v a.C.; este se compone de una cella dividida inter-
namente en tres naves mediante dos columnatas dóricas, formadas ambas por dos órdenes
superpuestos, y una columnata perimetral exterior que define dos fachadas frontales hexás-
tilas y catorce columnas en cada lateral. La impresión que produce este edificio es de sere-
nidad; la carga del entablamento todavía es pesada, pero ya no parece «aplastar» el equino
o «hinchar» el fuste debido a un éntasis exagerado.
3. COMENTARIO
Paestum fue fundada hacia el 600 a.C. por los griegos de Sybaris, una importante ciudad
griega de Calabria. Llamaron a la ciudad Poseidonia, en honor del dios griego del mar, Posei-
dón. En el siglo iv a.C., los lucanos, que habían formado en esta área una rama itálica local de
la tribu de los samnites, se apoderaron de la ciudad y, más tarde, 273 años a.C., los romanos la
convirtieron en colonia con el nombre de Paestum.
En el siglo IX, como resultado de los numerosos ataques de los sarracenos y el clima malsano
(palúdico) originado por la proximidad de los pantanos y del río Sele, la ciudad fue abandona-
da, y así permaneció, oculta y olvidada, durante casi 900 años. A partir de 1748, debido a la
construcción de nuevos caminos, los templos de la ciudad, bien conservados, fueron descu-
biertos de nuevo y excavados.
El templo de Poseidón, posiblemente consagrado a Zeus aunque evoque al dios tutelar de la
ciudad que lleva su nombre (la antigua Poseidonia), es el más impresionante de los templos
de Paestum. Proporciones, planta y forma típicamente cerrada coinciden con los prototipos de
Egina y Olimpia, es decir, con el canon arquitectónico de la alta época clásica.
Su buen estado de conservación ayuda a percatarse de la teoría espacial desarrollada en los
templos clásicos griegos y, más especialmente, de la vitalidad y plasticidad de la obra, carac-
terísticas que el arquitecto ha tomado del templo de Zeus en Olimpia. Tampoco faltan afini-
dades en detalles como el éntasis de las columnas, el perfil de los capiteles y la curvatura de
elementos horizontales, rasgos plasmados por primera vez en Occidente.
4
Kurós de Anavyssos
1. FICHA TÉCNICA

Título: Kurós de Anavyssos.
Cronología: Hacia 530 a.C.
Medidas: 1,94 m de altura.
Localización: Museo Arqueológico Nacional de Atenas.
2. DESCRIPCIÓN
La figura está representada de pie y adelanta la pierna izquier-
da, su cuerpo es rígido y los brazos están pegados al cuerpo
con los puños cerrados. Su anatomía es aún poco natural: los
músculos son planos o apenas modelados, a veces tan solo
marcados por surcos incisos; los ojos aparecen almendrados
y prominentes, y el pelo tiene trazos geométricos. Muestra
una mueca en los labios, la llamada «sonrisa arcaica», que pa-
rece querer dotarlo de una vida que lo hace inconfundible con
las obras egipcias, que son completamente inexpresivas.
Lo esencial de esta escultura es que transmite una sensación
de elasticidad, todo ello debido a las redondeces de sus volú-
menes y al equilibrio conseguido con el estudio de los relieves
musculares, algo pesados pero minuciosos, sin geometrizacio-
nes como en las obras anteriores, lo que lo destaca como dife-
rente o quizás único.
FICHA 4
La espalda está menos trabajada y se simplifica hasta el extremo, ya que fue concebido
para ser visto de frente. El perfil de la pieza es sorprendente, con los muslos extrañamen-
te pesados y el arco pectoral profundo, que se ve compensado con la flexibilidad de los
brazos largos y casi pegados. Vistos de frente, los brazos están prácticamente despega-
dos, con un solo punto de contacto con el cuerpo a la altura de las manos.
Las caderas bien marcadas, ligeramente disimétricas, articulan todo el vientre, que es estre-
cho y geometrizante. Todo el cuerpo se encuentra dulcemente moldeado, aproximándose a
lo real. La caja torácica parece alargarse hacia abajo, descendiendo por los costados de forma
forzada, quizás para estructurar mejor el centro del torso, que baja a su punto de gravedad.
La cabeza es pequeña, el rostro enjuto, con un sólido mentón y pómulos poderosos. Las
comisuras de la boca, apenas marcadas, desdibujan la sonrisa y conforman profundos plie-
gues verticales. Los ojos, ligeramente almendrados, muy poco hundidos en las órbitas, pare-
cen resaltar hacia fuera.
3. COMENTARIO
En un principio, se creyó que estas esculturas eran representaciones de Apolo. Actualmen-
te, se considera que cada una de estas estatuas masculinas de la Grecia primitiva es un
«retrato heroico», idealizado, que seguramente formaba parte de un monumento.
Estos retratos de atletas jóvenes se representan imberbes e impúberes, y algunos de ellos
llevaban larga cabellera, lo que demuestra que no han llegado a la mayoría de edad, puesto
que el efebo griego no se cortaba la cabellera hasta llegar a la completa madurez. A veces,
el cabello de los Apolos arcaicos o kuroi (plural de kurós, palabra que en griego significa «el
mancebo») no cae suelto sobre la espalda, sino recogido o trenzado en varios bucles sobre
los hombros.
Pero lo que justifica la calificación de retratos heroicos que se le ha dado a las figuras (antes
llamadas «apolos arcaicos») es que siempre ciñen sus sienes con unas bandas o cintas (co-
ronas simbólicas) que son la señal distintiva de su carácter heroico semidivino. En la Grecia
primitiva predominaba la ley o costumbre no codificada que prohibía la representación de
personajes que no fueran de carácter divino o semidivino. Esta ley a menudo se transgredía
y hasta llegó a olvidarse completamente en el siglo V a.C. Pero debió de respetarse estricta-
mente en los siglos VIII y VII a.C., y esto explica la abundancia de figuras de atletas impúberes.
Por tanto, no cabe duda de que son héroes, porque de otro modo no llevarían la corona que
los caracteriza indiscutiblemente como inmortales.
Muchos consiguieron la categoría de héroes por haber ganado la carrera de cien metros en
Olimpia. Zeus había concedido este favor a los vencedores de aquella carrera en los Juegos
porque una tradición suponía que al nacer, cuando todavía el dios era un tierno infante,
antes de que su padre Cronos pudiera devorarle como había hecho con sus anteriores
vástagos, unos muchachos dorios que jugaban a correr en la vertiente del monte Ida oyeron
los gritos del recién nacido, lo raptaron y se lo llevaron a la lejana Olimpia. Por este favor,
los mancebos que vencían en la carrera de cien metros tenían derecho a erigirse una esta-
tua; eran considerados héroes. Si ganaban tres veces la misma carrera, al derecho de la
estatua se añadía el del parecido, y la escultura se tallaba entonces con las facciones del
héroe retratado; sin esta triple victoria, la estatua se identificaba solo con una inscripción.
De esta manera se tendría una estatua del atleta corredor por cada Olimpiada, que, natural-
mente, se colocaba en el heroón, lugar sagrado junto a la puerta de la ciudad natal del
muchacho victorioso.
Esta obra fue hallada en 1936 en Anavyssos, en el sur de la península del Peloponeso. Dos
años más tarde se encontró la base, en cuyo segundo peldaño estaba escrito: «Permanece
triste y en pie junto a la estela del fallecido Kroisos, luchador de primera línea a quien el
tempestuoso Ares ha arrebatado». La inscripción dedicatoria nos dice que este kurós es la
estatua funeraria del joven Kroisos.
5
Arco de Constantino
Detalle de los medallones.
Relieves del ático y esculturas

de prisioneros dacios que
rematan las columnas.
FICHA 5
1. FICHA TÉCNICA La fachada norte es similar a la sur, ya que las decoraciones
Autor : Desconocido. menores son las mismas, aunque cambia la temática de los
relieves de los medallones y de las placas del ático. En los me
Cronología: Siglo IV (hacia 312 y 315 d.C.). dallones se representan: la caza del jabalí, el sacrificio a Apolo, la
Localización: Roma. caza del león y el sacrificio a Hércules. En el ático se representa:
la llegada del emperador a la zona del foro de Roma (adventus),
2. DESCRIPCIÓN la salida del emperador (profectio), el emperador sobre un pó
dium repartiendo dinero y alimentos al pueblo (congiarium), y la
El diseño del arco consta de una parte principal estructurada
petición de clemencia de un jefe bárbaro al emperador.
por columnas adosadas y de un ático en el cual se observa
una inscripción con la fecha de su inauguración (25 de julio En el lado oeste, se sitúa el friso continuo y el medallón de
de 315), fecha muy importante, ya que se celebraba el décimo Constantino (que representa la Luna), y se realiza para que siga
aniversario del reinado de Constantino. Está realizado según el el esquema del arco.
modelo del arco de Septimio Severo, es decir, consta de tres En el ático hay una cuarta parte de una placa de época de Tra
vanos, el central mayor que los laterales, y cuatro columnas jano (parte más antigua del arco). La gran placa tenía 20 metros,
sobre altos plintos. pero Constantino la partió en cuatro trozos y colocó uno en la
La parte inferior del monumento está construida con bloques de parte oeste, otro en la este y los otros dos en el interior del vano
mármol y la parte superior es de ladrillo con remates de mármol. central. Se decora con soldados romanos a caballo y bárbaros.
En la fachada sur se observa decoración de relieves en las en En el lado este se sitúan el friso y el medallón de Constantino
jutas del vano central (victorias con trofeos) y de los vanos me (que representa el Sol).
nores (divinidades fluviales). Encima de los vanos menores hay
frisos corridos, que también aparecen en los laterales y en el 3. COMENTARIO
lado norte. Los relieves de estos son de época de Constantino, Es un arco de triunfo que se ubica entre el Coliseo y la co
y narran de una manera continua la victoria sobre Majencio. lina del Palatino. Fue erigido para conmemorar la victoria de
Encima del friso, se disponen cuatro medallones de dos metros Constantino I el Grande sobre Majencio en la batalla del Puente
de diámetro que procedían de un templete que había levanta Milvio.
do Adriano en el Campo de Marte. Representan una cacería del Se trata de uno de los monumentos más importantes de la
emperador, el cual ofrece un sacrificio al dios Silvano, cazando última etapa del arte romano, y sirve además para el estudio
un oso y realizando un sacrificio a Diana. Son relieves de gran de la evolución de la escultura romana, puesto que muchos de
calidad, realizados en el siglo II, en los que Constantino hizo sus relieves fueron tomados de otros monumentos: las cuatro
modificar el rostro de Adriano para poner el suyo. columnas exentas son de época flavia; las esculturas que re
En el ático hay cuatro placas rectangulares de más de tres me matan estas columnas en el friso proceden de la época traja
tros de altura. Son de Marco Aurelio, que aparece transforma na; los medallones pareados sobre los arcos laterales son de
do en Constantino. Narran de manera gráfica la presentación época adriana, y, por último, los bajorrelieves del friso superior
de un jefe bárbaro al emperador, soldados con trofeos que pertenecen a la época aureliana.
conducen a los cautivos al emperador, el discurso del empera
Solo las bandas decoradas sobre los arcos laterales y los zóca
dor a los soldados y un sacrificio ritual.
los son de época de Constantino. Estos representan una nueva
En los cuatro salientes que hay sobre las columnas, se mues estética que surge en el siglo IV y que pone de manifiesto la de
tran cuatro estatuas de prisioneros dacios que proceden del cadencia del clasicismo y el tránsito hacia el medievo. Estas nue
foro de Trajano. vas formas expresivas aparecen a raíz de la influencia oriental.
6
El descendimiento de la cruz
FICHA 6
1. FICHA TÉCNICA

Autor : Rogier van der Weyden.
Título: El descendimiento de la cruz.
Cronología: Hacia 1436.
Técnica: Óleo sobre tabla.
Medidas: 204,5 3 261,5 cm.
Localización: Museo del Prado, Madrid.
2. DESCRIPCIÓN
El cuadro representa la escena contada por los Evangelios en la que José de Arimatea y Ni-
codemo recogen el cuerpo sin vida de Jesús para llevarlo a una sepultura. En el lugar se en-
cuentran también san Juan, la Virgen María, María Magdalena y otras mujeres.
La pintura recuerda la estructura de un retablo. Los personajes están representados a tama-
ño natural y casi todos se encuentran de frente; están en primer plano y adaptados al espacio
de la tabla. Van vestidos según la moda flamenca de la época en la que se pintó el cuadro.
Las figuras destacan sobre el fondo liso dorado, de manera que parecen esculturas policro-
madas. Los detalles de tracería en las esquinas acentúan ese efecto y quizá sea lo único que
contribuye a producir sensación de profundidad.
La composición es el elemento más característico del cuadro. Los personajes se organizan
en torno a la cruz, que sobresale por encima de la tabla, y que actúa como eje de simetría.
En el centro, las figuras paralelas de Cristo muerto y la Virgen María desmayada marcan una
diagonal que rompe con la verticalidad del resto de personajes: José de Arimatea, por detrás
de Cristo, y Nicodemo, a sus pies, sostienen el cuerpo sin vida; en los extremos, san Juan
sujeta a la Virgen María ayudada de otra mujer, mientras que en la parte opuesta María Mag-
dalena llora la muerte de Jesús. Las figuras de san Juan y María Magdalena inclinadas cierran
la escena a modo de paréntesis.
La pintura está realiza con materiales muy ricos, que revelan la importancia de la institución
que realizó el encargo. El manto de la Virgen, por ejemplo, está realizado con un lapislázuli
muy puro.
La técnica pictórica muestra un gran detallismo, que se percibe en las texturas y los pliegues
de las telas (damasquinados, sedas, linos y terciopelos). Destacan los mantos de san Juan
y de la Virgen por la viveza de los colores utilizados; el rojo y el azul de esos ropajes contras-
tan con el dorado predominante en el cuadro.
A pesar del dramatismo de la escena, la representación muestra una gran elegancia. El rostro
de los personajes refleja el dolor de manera serena; tan solo en la figura de María Magdalena
se aprecia una mayor tensión dramática.
3. COMENTARIO
Esta pintura es considerada la obra maestra de Van der Weyden. Constituía la parte central
de un tríptico encargado al pintor por la Cofradía de los Ballesteros de Lovaina.
Las obras de este artista son, en su mayoría, de tema religioso y retratos. Sobre todo en los
primeros años, en que recibe la influencia de Fra Angelico. Sus creaciones fueron evolucio-
nando desde la representación de figuras hieráticas con fondos dorados a la pintura de
cuerpos en posiciones sinuosas y con ropajes de marcados pliegues.
7
Políptico de la adoración del Cordero Místico
FICHA 7
1. FICHA TÉCNICA

Autor : Jan van Eyck.
Título: La adoración del Cordero Místico.
Cronología: Hacia 1424-1432.
Localización: Iglesia de San Bavón, Gante.
2. DESCRIPCIÓN
La parte central e inferior del políptico remite a una imagen del Apocalipsis, donde el Corde-
ro simboliza la inocencia sacrificada de Jesús sobre un altar, degollado pero vivo, mientras su
sangre se recoge en una copa. Este capítulo dará origen a la leyenda del Santo Grial. En la
escena central, rodeando al Cordero, unos ángeles esparcen incienso y otros portan los ins-
trumentos de la Pasión.
Arriba, la paloma del Espíritu Santo difunde sus rayos, indicando una equivalencia entre la
sangre derramada por Cristo y la fuente de la vida.
Destaca en esta obra el gran número de personajes representados. Alrededor, grupos de
santos acuden para adorar al Cordero (los apóstoles, vestidos de blanco, y los profetas, con
sus libros, se arrodillan ante el altar); detrás, los representantes de la Iglesia y multitud de
paganos que se convirtieron al cristianismo. A lo lejos, procesiones de vírgenes y mártires se
acercan.
El portentoso paisaje natural y urbano se abre al infinito, diluido en una tenue neblina, y viene
a representar el Paraíso.
Los colores son brillantes y la luz teatral, iluminando todos los elementos por igual. Los ros-
tros están personalizados, pero no muestran apenas expresiones.
Los ropajes están muy cuidados, y resultan voluminosos y acartonados por los pliegues que
muestran.
3. COMENTARIO
Jan van Eyck tiene la misma importancia para la pintura nórdica que Masaccio para el arte
italiano. Las características más destacadas de este artista flamenco son: la relevancia que
adquiere la figura humana en el espacio, su habilidad para el retrato, la detallada representa-
ción del paisaje, la utilización de la perspectiva para recrear espacios interiores y su inspira-
ción en la realidad.
Este artista no inventó la pintura al óleo, pero aumentó la proporción de aceite transparente
en la mezcla de colores, lo que le permitió crear veladuras y, con ellas, una luminosidad e
intensidad cromáticas desconocidas hasta entonces, particularmente en tejidos, ornamentos
y joyas, en los que alcanzó una calidad y un realismo considerables.
Hasta 1422 trabajó para el duque Juan de Baviera, más tarde lo hizo bajo la protección de
Felipe el Bueno de Borgoña, con quien tuvo la posibilidad de viajar por Europa con fines di-
plomáticos.
Colaboró con su hermano Hubert en el Políptico de Gante, finalizado en 1432, aunque la
muerte de aquel en 1426 permite pensar que su principal autoría recaiga en Jan.
Entre de sus pinturas más conocidas están, además de este políptico, el Retrato del cardenal
Nicola Albergati (hacia 1432), El matrimonio Arnolfini (1434), la Virgen del canciller Rolin (1434-
1436) o la Virgen con el Niño Jesús entronizada en una iglesia (1437).
8
La primavera
Las tres Gracias.
Cloris y Céfiro.
FICHA 8
1. FICHA TÉCNICA

Autor : Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, conocido como Sandro Botticelli.
Título: La primavera.
Medidas: 203 3 314 cm.
Técnica: Temple sobre tabla.
Localización: Galería de los Uffizi, Florencia.
2. DESCRIPCIÓN
En el cuadro aparecen varios personajes relacionados con la mitología clásica, pero en
realidad no representan ninguna escena o suceso que se narre en los textos mitológicos.
Por ello se piensa que en realidad se trata de una alegoría, que puede tener distintas inter-
pretaciones.
De izquierda a derecha, los personajes que aparecen son los siguientes:
• Mercurio, que alza su mano derecha hacia las nubes, portando el caduceo, para dispersar-
las. En la cabeza lleva un casco y porta una espada en el cinto, lo cual puede relacionarse
con su función de guardián del jardín de Venus. Calza sandalias aladas.
• Las tres Gracias. Eran mujeres jóvenes, servidoras de Venus. Representaban el placer, la
castidad y la belleza. Se visten con ropas muy ligeras y llevan peinados muy elaborados.
• Venus. Es el personaje central de la composición y queda enmarcada por una especie de
claro que se abre en el bosque que tiene a sus espaldas.
• Cupido. Se sitúa sobre la cabeza de Venus y tiene su arco preparado para lanzar una de sus
flechas.
• Flora. Diosa de la primavera, aparece vestida con un traje estampado y esparciendo flores.
• La ninfa Cloris y Céfiro. Esta escena recoge el momento en que Céfiro, dios del viento,
atrapa a la ninfa Cloris, de cuya boca salen flores.
Los personajes se disponen sobre un bosque que sirve de telón de fondo. Entre la vegetación
destacan los naranjos, árboles relacionados con la familia Medici; un mirto, planta que se
atribuye a Venus, y laureles.
3. COMENTARIO
Pintor destacado del Renacimiento florentino, Boticelli desarrolló un estilo personal caracte-
rizado por una línea marcada y elegante.
Pasó su vida pintando retratos y cuadros por encargo de las familias importantes de Floren-
cia. También realizó obras religiosas, entre las cuales destacan sus madonas y las pinturas al
fresco realizadas en la Capilla Sixtina del Vaticano.
En sus obras se integran temas cristianos y paganos, siguiendo las teorías del neoplatonismo.
Las figuras de Botticelli son muy estilizadas, y están dotadas de cierta elegancia. Sus contor-
nos se delimitan fuertemente por la línea negra y los colores son vivos y brillantes.
La primavera fue un encargo de la familia Medici para su residencia de Florencia. Lo primero
que destaca es el gran tamaño de la pintura, ya que los cuadros de formato grande solo se
utilizaban para representar temas religiosos y no mitológicos, al contrario que en este caso.
Para algunos autores, su tamaño la relaciona con los tapices, que sí eran muy grandes y en
los que sí se representaban temas profanos.
Esta obra destaca, entre otras cosas, por la minuciosidad en el tratamiento de los detalles;
por ejemplo, en las joyas y en los adornos del pelo de las Gracias.
9
Piedad del Vaticano
FICHA 9
1. FICHA TÉCNICA 3. COMENTARIO

Autor : Michelangelo Buonarroti, conocido como Miguel Ángel desarrolló su trayectoria artística entre Florencia
Miguel Ángel. y Roma, al servicio de los Medici y de los papas. Junto con Leo-
Cronología: 1497-1499. nardo da Vinci, se trata de la figura más destacada del Renaci-
miento italiano. En su condición de arquitecto, escultor, pintor y
Material: Mármol blanco de Carrara. poeta ejerció una enorme influencia tanto en sus contemporá-
Medidas: 174 3 195 cm. neos como en todo el arte occidental posterior a su época.
Localización: Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano, Su obra es representativa del más puro Renacimiento, a la vez
Roma. que superadora de este. Con Miguel Ángel entrarán en crisis
los valores renacentistas de equilibrio y armonía, serenidad y
2. DESCRIPCIÓN belleza, que se verán sustituidos por otros de carácter anticlá-
sico, anunciadores de lo que será el manierismo. Con él se ini-
La composición del grupo escultórico dibuja una estructura pi- cia, por tanto, la crisis del Renacimiento.
ramidal, equilibrada, que expresa tranquilidad, como marcaban
las premisas neoplatónicas. El triángulo viene marcado por la Aunque realizó notables obras arquitectónicas y pictóricas, él
cabeza de la Virgen, que actúa como vértice, y tiene como base se consideró siempre ante todo escultor. El aspecto dominante
la zona inferior del grupo escultórico, es decir, la que ocupan en la obra escultórica de Miguel Ángel es el que sus coetáneos
las piernas de la Virgen y el cuerpo de su hijo. Cabe aquí recor- llamaron terribilitá, es decir, el intenso dramatismo de sus figu-
dar que, entre todas las formas geométricas, el triángulo y el ras, pletóricas de fuerza física y espiritual. Serenas exterior-
círculo son las preferidas para representar la divinidad, por mente, parecen agitadas por una infranqueable energía psíqui-
considerarse perfectos. ca que no encuentra salida en la acción física; de ahí su
dinamismo contenido.
Los cuerpos tienen un tratamiento diferente: el de Jesús apa-
rece con un cuidado estudio anatómico, que muestra el per- A lo largo de su trayectoria artística se aprecian cambios muy
fecto conocimiento que el artista tenía de los recursos expre- significativos. En su primera etapa es un escultor plenamente
sivos propios de su oficio; por ello plasma un cuerpo en el que renacentista, que busca ante todo la belleza, la perfección. Sus
no se esculpen las huellas del inmenso sufrimiento que sopor- ideales artísticos son el equilibrio y la armonía tanto del cuerpo
tó Jesús antes de morir. El cuerpo de la Virgen, en cambio, apa- como del espíritu de las figuras.
rece totalmente cubierto por unos gruesos ropajes que dejan En sus últimos años surge un artista que antepone al ideal de
adivinar una musculatura y proporciones en principio superio- belleza la fuerza expresiva, que ejecuta figuras en actitudes ines-
res a las que corresponderían a su rostro, muestra de nuevo tables, distorsionadas, llenas de dramatismo y angustia espiri-
de esas grandes anatomías tan del gusto del artista. El trata- tual, en clara contradicción con el ideal clásico de armonía. Es el
miento del manto, cincelado a base de pliegues y grandes ca- triunfo del anticlasicismo manierista, la crisis del Renacimiento.
vidades, provoca contrastes de luz y sombra que realzan el
La Piedad fue un encargo del embajador de Francia ante la
valor plástico de la obra.
Santa Sede, para su tumba en la capilla de Santa Petronila del
Precisamente, los rostros muestran una belleza idealizada en el Vaticano.
sentido neoplatónico, ya que vemos que la Virgen es más joven
Esta escultura marca los principios generales de la escultura de
que su hijo, lo cual no es sino un recurso para mostrarla «eter-
la primera etapa del artista, dentro del más puro clasicismo.
namente Virgen».
Miguel Ángel conoce las estatuas antiguas a través de la colec-
Técnicamente es una obra perfecta en cuanto a rostros, anato- ción particular de Lorenzo de Medici, y se deja influir por su
mías, telas… El acabado con abrasivos consigue dotar a las espíritu. Se trata de la única obra que firmó; en la cinta que
superficies de luz que, al resbalar, resalta la belleza formal y cruza el pecho de María aparece grabado: Miguel Ángel Buo-
material de la obra. narroti, florentino, me hizo.
Para Miguel Ángel, lo primordial en su obra artística es el reco- El tema no es novedoso en el Renacimiento, ya había sido trata-
nocimiento de la grandeza del ser humano, como humanista do en el gótico como expresión del dolor inmenso que siente la
convencido que es. Por ello en esta escultura refleja unos sen- Virgen cuando recibe el cuerpo de su hijo muerto. El artista
timientos contenidos, con rostros muy hermosos, sin gestos aporta a este el tratamiento del motivo religioso como si fuera
que los descompongan. La Virgen aparece contenida, dejando un gran mito. De todas maneras, se trata de uno de los grandes
que su profundo dolor quede dentro de ella, sin mostrarlo ha- temas para el escultor florentino, ya que a lo largo de su vida lo
cia fuera; un dolor interno, como de aceptación de este. Esa es retoma en varias ocasiones, lo cual nos sirve un poco de guía
la idea que el artista quiere transmitir; de ahí el tratamiento de para seguir su evolución artística. De hecho, su última obra, que
mito. quedó inconclusa, fue la Piedad Rondanini.
10
La creación de Adán
1. FICHA TÉCNICA

Autor : Miguel Ángel Buonarroti.
Cronología: 1508-1512.
Técnica: Pintura mural al fresco.
Localización: Bóveda de la Capilla Sixtina del Vaticano, Roma.
2. DESCRIPCIÓN El color, a pesar de la homogeneidad de los tonos empleados,

El fresco que representa La creación de Adán es una de las refuerza la expresividad de la escena.
imágenes centrales de las nueve que decoran la bóveda de la
Capilla Sixtina. Representa el instante en que Dios padre crea al 3. COMENTARIO
primer hombre y le infunde su fuerza. A la derecha aparece el Las pinturas de la bóveda de la Capilla Sixtina reproducen dife-
Creador como un hombre anciano pero vigoroso, vestido con rentes escenas del Génesis, a las que el autor aporta una visión
una fina túnica rosada, rodeado de varios ángeles. A la izquier- neoplatónica propia del Renacimiento. Esta técnica consiste en
da se encuentra Adán, representado desnudo, como un hom- pintar al óleo sobre una superficie húmeda preparada con una
bre imberbe que acerca su mano a la de Dios. o varias capas de yeso. Los frescos de Miguel Ángel se realiza-
En las figuras se complementan la belleza pagana y el misticis- ron por jornadas, manteniendo fresca la superficie de trabajo.
mo cristiano. Este método se denomina giornata.
En la composición predomina una línea curva horizontal. Los trabajos para la realización de los frescos de la Capilla Six-
tina comenzaron en 1508. Miguel Ángel rechazó el andamiaje
Al igual que el resto de escenas de la bóveda, está enmarcada creado por Bramante y preparó el suyo propio. No aceptó la
en una arquitectura simulada a base de molduras, sobre la que ayuda de otros artistas y los pintó en solitario, con la única
se apoyan algunas figuras. Las figuras se adaptan al marco. asistencia de unos pocos ayudantes. Los trabajos duraron cua-
Miguel Ángel da mucha importancia al dibujo y representa con tro años y Miguel Ángel sufrió las consecuencias físicas de este
detalle las figuras, que adquieren protagonismo sobre el fondo. esfuerzo el resto de su vida.
11
Liebre
1. FICHA TÉCNICA El pelo de la liebre está realizado con extraordinario detalle. El
resultado muestra un perfecto dominio del dibujo a través de
Autor : Alberto Durero.
la aplicación de una pincelada fina y precisa.
Título: Liebre.
La superposición de pinceladas de diferentes tonos crea distin-
Cronología: 1502. tas texturas. En cuanto a los colores predominan los tonos par-
Técnica: Acuarela. dos, como corresponde al animal representado.
Medidas: 25,1 3 22,6 cm. A pesar del escaso contraste con el fondo, la sensación de re-
lieve está perfectamente conseguida.
Localización: Galería Albertina, Viena.
3. COMENTARIO
2. DESCRIPCIÓN Este artista alemán destaca por sus pinturas, dibujos, grabados
La Liebre es una acuarela realizada a partir de uno de los nu- y escritos teóricos sobre arte, que tuvieron una enorme in-
merosos apuntes del natural tomados por Durero. En el dibujo fluencia en los artistas del siglo XVI.
se percibe el intento de representar la realidad de manera fiel. El autor alemán dejó constancia de su autoría en la mayoría de
Ese naturalismo refleja una gran espontaneidad y muestra un sus obras. Así, están firmadas todas las obras que él considera-
riguroso trabajo de observación y una maestría para plasmar la ba artísticas y solo están sin firmar algunos dibujos o estudios.
imagen del animal. Sin embargo, se sabe que en su madurez firmó algún dibujo
El animal aparece inmóvil, con las formas perfectamente de- para un grabado realizado en sus primeros años. Esto revela el
finidas. Su postura refleja la quietud del instante. concepto tan alto que Durero tenía de su propia obra.
12
El rapto de las hijas de Leucipo
1. FICHA TÉCNICA

Autor : Pedro Pablo Rubens.
Título: El rapto de las hijas de Leucipo.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Localización: Alte Pinakotheck, Múnich.
FICHA 12
2. DESCRIPCIÓN
Se trata de un tema mitológico en el que se reflejan con nitidez todos los elementos de la
pintura barroca europea de su tiempo.
La composición es compleja, ya que la escena es agitada y convulsa. En un primer plano, las
dos hijas de Leucipo (Hilaria y Febe), totalmente desnudas, se agitan ante los raptores, crean-
do con sus movimientos sendas diagonales que se acentúan por el movimiento de los caba-
llos y la actitud de los secuestradores. Estas líneas quedan contrarrestadas por la verticalidad
que nace del brazo de la joven y se prolonga en el hombre que la agarra.
La violencia y el dramatismo del momento quedan realzados por el juego de las túnicas
rojas y anaranjadas que envuelven a las muchachas, de anatomías voluptuosas tan carac-
terísticas en la pintura del artista de origen flamenco.
El paisaje se esboza al fondo y a ambos lados de la composición y se abre a un celaje naca-
rado espectacular y muy propio en su creación.
En resumen, se trata de una obra excepcional que combina la fragilidad femenina con la
brutalidad masculina y la fuerza de los caballos, solo mitigada por los dos geniecillos que
sujetan de las riendas a los corceles.
3. COMENTARIO
La obra trata el mito del rapto de Hilaria y Febe a manos de sus primos, Cástor y Pólux, como
resultado de la rivalidad de los hermanos con otra pareja de gemelos, Idas y Linceo. Estos
últimos estaban prometidos con las hijas de Leucipo, pero los primeros los raptaron y tuvie-
ron hijos con ellas.
Rubens nació en Siegen y creció en Colonia. En 1587 regresó a Flandes y, en la capital del río
Escalda, se instaló rodeado de un ambiente de marcado catolicismo después de la represión
española contra los protestantes.
Tras ser paje de una princesa, entra sucesivamente como aprendiz en los talleres de Tobías
Verhaecht, Adam van Noort y Otto van Veen. En 1598, Rubens ingresa en el gremio de San
Lucas de Amberes y a partir de 1600 viaja a Italia, donde trabaja en Mantua para Vincenzo
Gonzaga y le acompaña a Florencia y Roma. También visita por vez primera España, en 1603.
Su estilo imita en este período a Tiziano, Tintoretto, Rafael, Caravaggio o los Carracci.
En 1608 regresa a la capital flamenca y al año siguiente es nombrado pintor de la corte de
Alberto e Isabel, gobernadores de los Países Bajos, en Bruselas.
Casado con Isabella Brandt, se construye un palacio-taller en Amberes, donde hasta 1622
cuenta con el concurso de Van Dyck, Jordaens, Snyders o Cornelis de Vos, y su estilo se di-
funde por toda Europa gracias al diseño de tapices y a sus grabados.
Recibe el encargo de María de Medici de realizar 21 pinturas para el palacio de Luxemburgo
de París y, entre 1623 y 1631, viaja en misión diplomática a Madrid y Londres, donde es
ennoblecido tanto por Felipe IV como por Carlos I.
En 1630, después de enviudar, vuelve a casarse con Helena Fourment, período del que data
su último encargo: la decoración de la madrileña torre de la Parada, que solo pudo esbozar.
Algunas de las obras más reseñadas en su amplia producción son el Autorretrato con Isa-
bella Brandt en el jardín del amor (1609-1610), La llegada de María de Medici a Marsella
(1622-1625), el Retrato de Susanne Fourment (hacia 1625) o Las tres Gracias (1639).
13
La primavera
1. FICHA TÉCNICA

Autor : Giuseppe Arcimboldo.
Título: La primavera.
Cronología: 1563.
Medidas: 66,7 3 50,4 cm.
Localización: Real Academia de Bellas Artes
de San Fernando, Madrid.
2. DESCRIPCIÓN
La figura de este cuadro representa una alegoría de la primave- La luz que ilumina la figura proviene de un foco situado a la
ra, que se caracteriza por el florecimiento de las especies ve- izquierda de la imagen, por lo que incide en el rostro del per-
getales y florales. sonaje.
Es un retrato de medio cuerpo, de perfil, sobre un fondo oscuro
que evita que la mirada del espectador se detenga en otros 3. COMENTARIO
elementos. La figura está enmarcada por una guirnalda de ele- Esta obra, que pertenece a la serie Las cuatro estaciones, es un
mentos florales (que no aparecen en esta imagen). ejemplo de verismo en la representación de las distintas espe-
El artista ha utilizado elementos vegetales para componer la cies florales y vegetales, que conforman una original e innova-
figura de una persona, con flores y hojas de distintas especies dora representación de la primavera.
representadas con gran fidelidad. Agrupa las especies por co- La obra de Arcimboldo fue muy valorada en su época y ha sido
lores para formar las distintas partes de la figura: el tocado, el objeto de estudio por la crítica actual. Para algunos su origina-
rostro, el cuello, el traje… Mientras que para el rostro utiliza lidad es la propia de un pintor genial, mientras que para otros
margaritas, rosas, amapolas y otras flores, para el torso emplea es solo el producto de una mente desequilibrada.
hojas y frutas, como fresas silvestres, manzanilla o lechuga.
En la actualidad, su obra está dispersa por grandes museos y
Arcimboldo utiliza con precisión el dibujo para definir con detalle colecciones de todo el mundo. Existen infinidad de reproduc-
la imagen. El color es también un elemento imprescindible para ciones de muchos de sus cuadros.
delimitar las formas.
14
La Trinidad
1. FICHA TÉCNICA

Autor : Doménikos Theotokópulos, el Greco.
Título: La Trinidad.
Medidas: 3003 179 cm.
Localización: Museo Nacional del Prado, Madrid.
2. DESCRIPCIÓN
En este cuadro se representa el tema iconográfico de Cristo
muerto tras ser descendido de la cruz. El tema se suele repre-
sentar con María; sin embargo, en este caso el Greco introduce
la figura de Dios padre. La escena tiene lugar en un entorno
celestial y no al pie de la cruz, como en otras representaciones
del tema.
Dios se sitúa en el centro de la composición y sostiene a su hijo
en brazos. Cristo es el eje de simetría de la escena. Padre e Hijo
aparecen coronados por una paloma que representa el Espíritu
Santo. Las tres figuras constituyen la Trinidad.
A ambos lados aparecen ángeles celestiales. Estos presentan
un variado repertorio gestual, lo que contribuye a dar más dra-
matismo a la escena.
Las figuras recuerdan a Miguel Ángel por el tratamiento de la
anatomía. El cuerpo de Cristo, en escorzo, ha sido representa-
do con las extremidades totalmente desproporcionadas, estili-
zadas y contorsionadas de forma inverosímil, como es propio
del manierismo.
Los colores utilizados son característicos de la obra del Greco:
malva, azul, verde, rojo…, e influencia clara de Tintoretto. Esos
colores tan vivos, junto con el juego de luces y sombras, apor-
tan dinamismo a la composición.
El espacio compositivo fue resuelto por medio de grandes
manchas de color, que el Greco utilizaba de manera muy ex-
presiva.
3. COMENTARIO
El Greco realizó esta obra una vez afincado definitivamente en
Toledo. En la ciudad imperial llevó a cabo numerosos encar-
gos, como el del retablo mayor del convento de Santo Domin-
go el Antiguo, lugar para el que ejecutó La Trinidad, que actual-
mente se encuentra entre las colecciones del Museo Nacional
del Prado.
15
La joven de la perla
1. FICHA TÉCNICA

Autor : Johannes Vermeer.
Título: La joven de la perla.
Cronología: 1665.
Medidas: 44,5 3 39 cm.
Localización: Galería Real de Pinturas Mauritshuis,
La Haya.
2. DESCRIPCIÓN pinceladas de pigmento blanco sobre el color grisáceo del

pendiente.
El cuadro es un retrato de medio cuerpo que representa a una
muchacha, tal vez la sirvienta del artista, situada de tal manera
3. COMENTARIO
que da la espalda al espectador, pero que tiene la cabeza vuel-
ta y mira hacia él. Esta postura forzada queda subrayada por el La joven de la perla es una de las obras más conocidas del
exótico turbante que le cuelga por la espalda. pintor, denominada «la Mona Lisa del norte». El cuadro está
firmado por el autor, pero no fechado. La pintura resulta enig-
El fondo negro, neutro, refuerza por contraste la expresividad mática y es prácticamente única en su género. Vermeer se
de las facciones de la joven. El foco de luz se ubica en la posi- basa en los esquemas pictóricos que ya utilizaba Tiziano, pintor
ción que ocupa el espectador, de tal manera que el rostro, el veneciano considerado el renovador del género del retrato.
torso y el turbante quedan iluminados parcialmente con el giro
del cuerpo. La luz incide de manera especial en el pendiente, La producción artística de Vermeer se centra en la representa-
que se convierte en punto focal del cuadro. ción de la vida cotidiana burguesa. Sus lienzos, generalmente
de dimensiones reducidas, reflejan instantes de la vida de la
El espectador que observa esta obra ocupa el mismo lugar que burguesía media y se caracterizan por la captación de momen-
el artista cuando pintó el retrato. La obra presenta un esquema tos íntimos de los personajes representados, en especial, mu-
abierto, puesto que la joven mira directamente al exterior del jeres.Así, reproduce momentos de reflexión y silencio, de escri-
lienzo. tura y recepción de cartas, clases de música, o tareas
El artista emplea una pincelada suelta, con la que esboza el domésticas. Por todo ello, Vermeer se erige en una fuente do-
perfil del rostro, los labios y dientes, la nariz, los ojos y la cumental extraordinaria para reconstruir los interiores de las
sombra de unas finas cejas. Los reflejos en la perla que cuel- casas holandesas, las vestimentas, las costumbres y la forma
ga d e su oreja izquierda han sido trabajados a partir de de vida de una sociedad en concreto.
16
La Inmaculada Concepción de Aranjuez
1. FICHA TÉCNICA

Autor : Bartolomé Esteban Murillo.
Título: Inmaculada Concepción.
Cronología: 1675.
Localización: Museo Nacional del Prado, Madrid.
2. DESCRIPCIÓN
La Virgen, de blanco impoluto y ataviada con una túnica azul
ondulante, se posa sobre la media luna y una especie de peana
formada por nubes y ángeles que portan los símbolos marianos.
En la escena predominan los tonos amarillentos y claros del fon-
do, que contribuyen a crear un ambiente ingrávido y celestial.
La Virgen está representada como una joven, casi niña. Su ros-
tro es de gran belleza y serenidad.
3. COMENTARIO
Esta es una de las numerosas versiones que Murillo realizó del
tema, y una de las más populares.
Representa el dogma que considera a María exenta del pecado
original. España fue el principal defensor de este misterio y
quien luchó con mayor insistencia por convertirlo en dogma de
fe; de ahí que se considere un tema genuinamente local. Aun-
que no fue proclamado dogma hasta el siglo XIX, contó con
numerosas representaciones desde el siglo XVI en la pintura
española, imágenes que fueron muy afines al pensamiento y
creencias de Murillo.
Para su iconografía, el pintor siguió las instrucciones de Pache-
co en El arte de la pintura, editado en 1649, pues en él describe
a la Virgen como «en la flor de su edad, de doce o trece años,
hermosísima niña […] nariz y boca perfectísimas y rosadas me-
jillas, los bellísimos cabellos tendidos, de color oro».
Literatos, escultores y pintores intentaron plasmar en esta épo-
ca la imagen de la Inmaculada Concepción, pero fue Murilo
quien dio con la fórmula que le permitió expresar con una ima-
gen la mencionada devoción popular.
17
La plaza de San Marcos
FICHA 17
1. FICHA TÉCNICA

Autor : Giovanni Antonio Canal, Canaletto.
Título: Plaza de San Marcos.
Medidas: 68,6 3 112,4 cm.
Localización: Museo Metropolitano de Nueva York.
2. DESCRIPCIÓN
La composición del cuadro refleja una perspectiva de la plaza de San Marcos, en Venecia. El
espacio está configurado por medio de planos sucesivos que conducen la mirada del obser-
vador desde el primer plano hasta el final de la escena, en que aparecen algunos de los
edificios más importantes de la ciudad, como la basílica de San Marcos y el campanil. El tra-
tamiento del espacio, la representación de la profundidad, es magistral.
La escena está elaborada con todo detalle, los edificios que rodean la plaza están represen-
tados fielmente y las personas dispersas por esta aparecen perfectamente ataviadas con las
vestimentas de la época. Canaletto emplea la luz, el dibujo y el color como recursos funda-
mentales. El color del cuadro es suave, cálido, y la luz parece proceder directamente del mar,
que se situaría a la derecha de la escena.
Al fondo de la escena aparece un mercado lleno de personas y tiendas que, aunque lejano,
se reconoce perfectamente y transmite tumulto y agitación al observarlo.
La escena resulta tan real, detallada y, en definitiva, tan fotográfica que el espectador parece
estar en un lado de la plaza.
3. COMENTARIO
Canaletto se formó desde muy joven en el taller de su padre. Este se dedicaba a la creación
de escenografías teatrales, por lo que el joven se familiarizó con la pintura de grandes paisa-
jes urbanos. También estudió con otros pintores venecianos de prestigio.
En un viaje que realizó a Roma descubrió la corriente vedutista, es decir, la pintura de grandes
paisajes y ruinas clásicas que desarrollaban algunos artistas romanos.
La plaza de San Marcos formaba parte de una colección que fue encargada a Canaletto por
un noble de Venecia. La colección estaba formada por cuatro obras que representan vistas
de la ciudad. Algunas de estas obras se conservan en Madrid, en el Museo Thyssen-Borne-
misza. Con este mismo encuadre, pero en diferentes momentos del día, realizó diferentes
versiones.
Con su obra, Canaletto se convirtió en el pintor que mejor supo plasmar la imagen que la
propia ciudad de Venecia quería trasladar de sí misma al resto del mundo: los grandiosos
canales que la cruzan, los majestuosos edificios y plazas que posee, las embarcaciones y la
riqueza de estas, todo ello trata de transmitir una idea de esplendor.
Canaletto elaboraba sus cuadros con ayuda de la cámara oscura, un instrumento óptico,
antecedente de la cámara fotográfica, a través del cual se podía captar una imagen exter-
na. También desarrolló la técnica de pintura al aire libre, en la que no había espacio para
la realización de bocetos previos, y que ha sido considerada precursora de la pintura
impresionista.
Sus imágenes se han convertido en la carta de presentación de Venecia. Sus obras han sido
reproducidas y reinterpretadas en numerosas ocasiones y se han convertido en icono de una
ciudad y de una época.
El reconocimiento le llegó a este artista a través de su obra y la de sus discípulos, entre los
que destacó Francesco Guardi.
18
El pensador
FICHA 18
1. FICHA TÉCNICA

Autor : Auguste Rodin.
Título: El pensador.
Material: Bronce.
Localización: Museo Rodin de París.
2. DESCRIPCIÓN
Escultura realizada en bronce fundido que muestra a un hombre desnudo, sentado y que
adopta una postura de reflexión.
Desde el punto de vista compositivo, se trata de una escultura cerrada en sí misma: la mano
izquierda descansa sobre la rodilla izquierda y la mano derecha sostiene la cabeza, cerrando
el gesto con el codo derecho apoyado también sobre la rodilla izquierda. La figura concentra
una gran fuerza interior: parece reposada, pero el brazo derecho apoyado en la pierna pro-
duce una notable rotación del cuerpo. Es decir, si se recorre la forma, la diagonal del brazo
derecho nos dirige la mirada a través de la obra, que finaliza en sus piernas.
De esta manera, la mirada del espectador realiza un itinerario dinámico por la diagonal del
brazo derecho para acabar en el punto donde descansa su brazo izquierdo y en la posición
de sus piernas. A pesar de que el brazo derecho tiene más peso corporal, existe un equilibrio,
ya que las masas de los dos brazos tienen la misma trascendencia y convergen en la misma
pierna. Por tanto, se observa un eje diagonal desde la cabeza hasta el pie izquierdo.
Si bien utiliza grandes diagonales que provocan dinamismo y al mismo tiempo grandes pla-
nos triangulares, abre las formas, como en la parte frontal de sus piernas, que recogen el
espacio. Además, la posición descuidada y natural en la que se encuentra abre los espacios
(entre los brazos, las piernas…). De esta manera, los grandes vacíos circundan la forma e
invitan al espectador a recorrerla y a introducirse dentro de la escultura.
Por otro lado, la mano doblada bajo el mentón (otra diagonal más pequeña) deja al descubier-
to el rostro. Aquí se ve la integración de todo el cuerpo que realiza Rodin, en la que no se
esconde nada. En el cabello se observa el tratamiento discontinuo de los volúmenes, una
forma grotesca, pero muy bien armada.
Rodin consigue la sensación de movimiento imprimiendo gran tensión a sus esculturas, di-
namizando las formas con una gran fuerza interior.
3. COMENTARIO
En un principio, El pensador fue concebido como parte de un portal monumental cuyas es-
culturas estaban basadas en personajes y situaciones de la Divina Comedia, de Dante. Con-
cretamente, representaba a Dante ante las puertas del infierno.
Con esta obra, Rodin busca expresar lo universal. Para el público, El pensador pasó a ser un
icono del hombre meditando acerca de su destino y preparándose para la acción. En el pen-
samiento de Rodin, el significado de la escultura evolucionó desde una representación de
Dante hacia una imagen más general del hombre, que en un convulsivo esfuerzo por alzarse
sobre su vida animal es inspirado por una misteriosa iluminación.
19
Clase de danza
1. FICHA TÉCNICA mente detrás del maestro. Mucho más tamizada, ilumina la fi-
Autor : Hilarie-Germain-Edgar de Gas, conocido como Edgar gura central y las del fondo, advirtiéndose otro rayo de luz en
Degas. la puerta entreabierta. De esta manera, el artista concentra
nuestra atención en estos detalles lumínicos, dispersos por
Cronología: 1870. todo el lienzo. Otro de sus grandes logros es la perspectiva y
Técnica: Óleo sobre lienzo. la profundidad al abrir el espacio a través de un complejo jue-
go de espejos y reflejos, consiguiendo un magnífico efecto de
Medidas: 19,7 3 27 cm.
movimiento y realismo.
Localización: Museo Metropolitano de Nueva York.
El color predominante es el blanco de los vestidos, mientras
que el rosa de las zapatillas y de las cintas ocupa un papel se-
2. DESCRIPCIÓN
cundario. Contrastan el color negro del traje del maestro y los
La obra muestra uno de los temas más representados por De- marrones de suelo y paredes, que crean una pronunciada opo-
gas: el ballet, temática que le permite examinar todas las pos- sición entre las tres tonalidades. No hay que olvidar la sensación
turas, los ademanes y gestos de las bailarinas. En este sentido, atmosférica creada por Degas en la estancia. Para ello aplica
Degas supo recoger el ambiente de las clases de danza y las una pincelada más suelta, sin olvidar una perfecta base de di-
actuaciones de los ballets, que se convertirán en los temas fa- bujo.
voritos, y casi exclusivos, de su obra.
En una amplia habitación observamos a una bailarina en el cen- 3. COMENTARIO
tro, esperando la orden para interpretar su actuación individual. Edgar Degas está considerado uno de los fundadores del im-
Su figura se refleja en el espejo que hay detrás, recurso que en presionismo. No obstante, su estilo se desmarca del grupo en
su momento fue un gran atrevimiento pictórico, al confundirse varios aspectos, fundamentalmente en su preferencia por los
la ilusión con la realidad. Al fondo, otras bailarinas realizan sus temas urbanos con escenas iluminadas artificialmente, en lu-
ejercicios de estiramiento, apoyándose en la tradicional barra gar de la pasión por la naturaleza y la luz natural de otros
de ballet. Entre ellas se sitúa la puerta de la sala, entreabierta miembros del grupo; en que no abandona el dibujo, debido a
para dejar pasar un ligero rayo de luz. En la zona de la izquierda su formación académica, y lo convierte en elemento esencial
aparece el grupo más numeroso de figuras, presidido por el de sus elaboraciones de figuras, predominando, pues, la línea
maestro de baile, monsieur Gard. Tras este grupo de bailarinas, sobre el color; en el abandono de la técnica del óleo para dedi-
en un gran espejo enmarcado se refleja la ventana de la izquier- carse exclusivamente al pastel; y en el uso de encuadres que
da, cubierta con elegantes visillos blancos. lo acercan a la fotografía.
La luz es una de las protagonistas indirectas de la composi- Admiraba a Ingres y a los maestros del Renacimiento italiano,
ción; penetra por la izquierda de la escena a través de los finos pero también recibió la influencia del arte japonés y de las ten-
cortinajes e ilumina a las muchachas que están inmediata- dencias simbolistas.
20
Impresión, sol naciente
1. FICHA TÉCNICA

Autor : Claude Monet.
Cronología: 1873.
Localización: Museo Marmottan, París.
2. DESCRIPCIÓN La línea del horizonte está muy alta y la mayor parte de la es-
El cuadro representa el puerto de Le Havre, al norte de Francia. cena se encuentra en el agua, en un ambiente de humedad en
el que la luz se atenúa y algunas formas solo se adivinan.
Monet explicó el título del cuadro: «El paisaje no es otra cosa
que una impresión, una impresión instantánea, de ahí el título, El uso de colores complementarios contribuye al efecto de ate-
una impresión que me dio el puerto desde mi ventana, sol en la nuación. El azul que predomina en la escena contrasta con el
niebla y unas pocas siluetas de botes destacándose en el fon- rojo del sol, el elemento que más destaca.
do… Me preguntaron por un título para el catálogo, no podía
realmente ser una vista de Le Havre y dije ”pongan Impresión”». 3. COMENTARIO
En la crítica que Louis Leroy realizó de la obra decía: «Impre- A pesar de que habían existido numerosos paisajistas previos
sión..., no me cabe duda. Me decía a mí mismo que, como es- a Monet, en sus obras se apreciaba que habían sido realizadas
taba impresionado, debía haber alguna impresión allí... Y qué dentro de un taller tras un previo esbozo al aire libre. Monet, sin
libertad, qué fácil artesanía. El empapelado en su estado más embargo, pintó muchas de sus obras captando los márgenes
embrionario tiene más terminación que este paisaje marino». del río Sena, particularmente la zona de Argenteuil, desde una
La técnica pictórica muestra el uso de grandes manchas de barca que hacía las veces de taller. Practicaba la pintura al aire
color realizadas con muy pocos toques de pincel y una pince- libre, tratando de captar los cambios de color que produce la
lada muy empastada, que sugieren en vez de delinear. luz a lo largo del día o en las diferentes estaciones del año.
21
La habitación de Vincent en Arlés
1. FICHA TÉCNICA las proporciones erróneas de los objetos, los muebles ladea-
dos, los cuadros que cuelgan torcidos en la pared.
Autor : Vincent van Gogh.
La habitación está representada en una perspectiva bastante
Cronología: 1888.
forzada, con una leve torsión, presente en otras obras del mis-
Técnica: Óleo sobre lienzo. mo autor.
Medidas: 72 3 90 cm. La técnica pictórica refleja la nerviosa espontaneidad del tra-
Localización: Museo van Gogh, Ámsterdam. zo. La fuerza expresiva del color, distribuido por medio de una
pincelada empastada, hace de este lienzo un manifiesto plás-
2. DESCRIPCIÓN tico del estado anímico de su autor.
El cuadro muestra una sencilla habitación; sin embargo, las téc- 3. COMENTARIO
nicas empleadas para la representación dotan a los distintos
elementos de una apariencia irreal, reflejo quizá del propio de- La habitación de Vincent en Arlés reproduce un tema represen-
tado por el artista en varias ocasiones. Existen al menos tres
sequilibrio mental del autor.
versiones, aunque, sin duda, la que se ofrece en esta página es
Según el propio Van Gogh manifestó acerca del cuadro, su in- la que tiene un colorido más brillante.
tención primera era que el color fuera lo único que llamase la
A pesar de sus problemas psíquicos, Vincent van Gogh fue ca-
atención del espectador. El autor hace un uso subjetivo de este,
paz de desarrollar un estilo propio de enorme personalidad. El
cargado de simbolismo.
tratamiento que realiza en sus cuadros de la luz y el color solo
Los objetos, muy simplificados y con los contornos delimitados, puede explicarse a partir de sus amplios conocimientos de la
parecen aislados unos de otros. A pesar de representar un lu- pintura, junto a una contemplación obsesiva de la realidad. Sin
gar de reposo para el autor, existen elementos que producen embargo, hasta después de su muerte no empezaron a ser
inquietud al observar la imagen: el suelo en enorme pendiente, valorados y reconocidos sus méritos como artista.
22
La Goulue y su hermana
1. FICHA TÉCNICA

Autor : Henri Toulouse-Lautrec.
Cronología: 1892.
Técnica: Litografía.
Localización: Colección particular.
2. DESCRIPCIÓN Las líneas sinuosas están presentes en el dibujo, sobre todo en

las figuras femeninas, y están marcadas con acentuadas líneas
El grabado que aparece en esta página pertenece a la serie de
negras. El color es plano, influencia de la estampa japonesa que
numerosas obras que Toulouse-Lautrec realizó sobre el cabaret
tanto atraía a Toulouse-Lautrec.
parisino Moulin Rouge y los personajes que allí solía encontrar.
Se trata de una escena en la que aparece la Goulue, su bailari- 3. COMENTARIO
na principal, del brazo de otra de las bailarinas a la que deno-
minaban «hermana de la Goulue». De la bailarina principal el El cabaret Moulin Rouge se inauguró en París en 1889. El cartel
autor realizó centenares de apuntes al pastel. que lo anunciaba era una escena inspirada en el propio caba-
ret, elaborada por Toulouse-Lautrec. Este fue el primer cartel
El grabado tiene formato vertical. Toulouse-Lautrec dispone los
del pintor francés, cuyo nombre quedó indisolublemente unido
elementos de la escena de manera original al utilizar un plano
al del local para el que fue realizado.
poco habitual. Representa a las figuras femeninas en primer
plano, pero desde una perspectiva lateral trasera, con lo cual la Las obras de Toulouse-Lautrec se caracterizan por un uso es-
cara de la protagonista no se aprecia. En un segundo plano pontáneo del dibujo y del color, a través de los cuales trata de
aparecen pequeños grupos de personas hablando entre ellas. reflejar el movimiento propio de las escenas, al tiempo que
Y, en un tercer plano, se aprecian las ventanas del café a través capta magistralmente la gestualidad de los personajes. Para
de las cuales se ven varias figuras sentadas. ello traza sencillas figuras que colorea de forma expresiva.
23
Tahitianas en la playa
1. FICHA TÉCNICA El dibujo pierde importancia frente al exuberante color. Los paños
Autor : Paul Gauguin. con los que se han vestido las dos mujeres resultan muy expresi-
vos. Ambas mujeres llevan el pelo recogido y adornado con flores.
Cronología: 1891.
Gauguin ha jugado con la combinación de contrastes cromáti-
Técnica: Óleo sobre lienzo. cos para imprimir dinamismo y luminosidad a la escena de la
Medidas: 69 3 91,5 cm. vida cotidiana de las dos mujeres, que resulta muy exótica para
la mirada occidental.
Localización: Museo d’Orsay, París.
Estos dos personajes, debido a sus tonos llamativos y su po-
2. DESCRIPCIÓN tente grafismo, anuncian los efectos coloreados de Matisse y
del fauvismo.
El cuadro representa a dos mujeres tahitianas sentadas en la
arena a la orilla de la playa. La escena se ha compuesto con un
formato horizontal. 3. COMENTARIO
El espacio queda definido mediante una capa de pigmento A partir del año 1891 Gauguin viajó a Tahití, en la Polinesia, y allí
amarillo que traza un contorno rectangular sobre el que repo- el artista encontró su fuente de inspiración y desarrolló una
san las dos figuras. original producción pictórica. Sus composiciones se simplifica-
La mujer de la izquierda da la espalda al espectador con aire ron y el color adquirió la máxima expresividad.
despreocupado y lanza el brazo derecho en escorzo. La mujer Gauguin fue también un reconocido coleccionista de obras de
de la derecha se sitúa de frente; sin embargo, su mirada se arte y llegó a reunir una importante colección de pintores im-
pierde por el lateral derecho del lienzo. Ambas parecen absor- presionistas. El autor escribió sus memorias en un diario al que
tas en sus pensamientos y envueltas en un halo de melancolía. llamó Noa.
24
La danza
1. FICHA TÉCNICA esta razón los críticos bautizaron a los artistas de esa exposi-
Autor : Henri Matisse. ción como les fauves, es decir, las fieras, y de ahí el nombre de
fauvismo.
Cronología: 1909.
Técnica: Óleo sobre lienzo. 2. DESCRIPCIÓN
Medidas: 260 3 391 cm. La composición de la obra se basa en dos manchas de color
Localización: MoMa, Nueva York. plano que llenan el fondo del cuadro: una azul y otra verde.
Según el propio Matisse, la mancha azul representa el cielo del
3. COMENTARIO Mediterráneo en verano, y el verde, una colina con un bosque
Matisse fue el principal representante del fauvismo y uno de de pinos. Sobre este fondo se disponen en círculo las cinco fi-
los artistas más importantes del siglo XX. guras femeninas.
Estudió Derecho y ejerció como abogado hasta 1892, año en En la representación de los cuerpos de las danzantes no hay
que tras abandonar su carrera fue admitido en la escuela de apenas referencias anatómicas. En realidad, representar sus
Bellas Artes de París. A la vez que se formaba en el estilo clasi- rasgos fielmente no era la prioridad de Matisse. El artista se
cista de la escuela, estudiaba el arte contemporáneo, sobre preocupó especialmente por captar el movimiento, el ritmo de
todo a Gauguin, Cézanne y Van Gogh, de los que tomó el uso las bailarinas. Por ello, las figuras humanas aparecen como
predominante del color. manchas de color, delimitadas por líneas negras de distinto
En 1905 realizó una exposición junto a otros artistas, como grosor incluso dentro de la misma figura.
Derain y Vlaminck, en la que los cuadros destacaban por el Hay otro lienzo que representa figuras bailando y que hacía
uso llamativo y aleatorio del color, las figuras distorsionadas y pareja con esta obra. Aquel se encuentra en el Museo del Her-
la captación de las emociones de forma expresionista. Por mitage de San Petersburgo, Rusia.
25
Obreros del Rockefeller Center
FICHA 25
1. FICHA TÉCNICA

Autor : Charles Ebbets.
Cronología: 1932.
Localización: Fue tomada en Nueva York.
2. DESCRIPCIÓN
La fotografía tomada por Charles Ebbets el 29 de septiembre de 1932 muestra a once obreros
suspendidos a cientos de metros, con la ciudad de Nueva York a sus pies. Están sentados
sobre una viga de acero durante el descanso del almuerzo. Los obreros conversan unos con
otros; únicamente uno de ellos, el del extremo de la derecha, parece advertir la presencia del
fotógrafo y levanta la mirada hacia la cámara.
La imagen es, ante todo, testimonio gráfico de un acontecimiento histórico, ya que documen-
ta la construcción de uno de los primeros rascacielos de Nueva York. Aporta datos interesan-
tes acerca de la forma de vida y el aspecto de los obreros estadounidenses (botas oscuras,
pantalones anchos, camisas de manga corta, gorras para protegerse del sol...). De la misma
manera, permite obtener información acerca de las precarias condiciones de trabajo en la
construcción durante los años de la Gran Depresión.
La fotografía de Ebbets revela también una enorme calidad desde el punto de vista estético.
En la composición de la imagen destaca el encuadre de la viga en el centro, ligeramente in-
clinada. El cable de acero en primer plano rompe con la horizontalidad de la viga.
La toma está realizada con una gran profundidad de campo. La perspectiva cónica que mues-
tra la imagen subraya ese mismo efecto.
La luz con la que está realizada la foto produce también un efecto muy peculiar. La atmósfe-
ra que envuelve a la ciudad dota de mayor encanto a la imagen de los obreros.
3. COMENTARIO
En los años treinta del siglo XX, Ebbets fue contratado como director de fotografía del Rocke-
feller Center de Nueva York, para documentar el proceso de construcción del edificio. Enton-
ces tomó la fotografía que aparece en la imagen, una de las más conocidas del siglo. Fue
realizada desde el piso sesenta y nueve de los setenta y uno que finalmente alcanzó el ras-
cacielos.
La imagen de los obreros sobre la viga fue publicada por el New York Herald Tribune en el
suplemento dominical. La agencia propietaria de los derechos sobre la fotografía, Bettman
Archive, no reconoció la autoría de Ebbets hasta 2003, por lo que en muchas publicaciones
aparece como de autor desconocido.
Ebbets tomó numerosas imágenes durante el proceso de construcción del edificio. Es tam-
bién famosa la fotografía que capta una instantánea de los obreros durmiendo sobre la mis-
ma viga del Rockefeller Center.
Esta imagen se ha convertido en icono de denuncia de las precarias condiciones de trabajo
de los obreros que participaban en la construcción de los primeros rascacielos en Estados
Unidos, además de ser uno de los testimonios gráficos más directos del proceso de trabajo.
La fotografía era en esos momentos el medio más eficaz para documentar cualquier hecho.
La técnica fotográfica había surgido a comienzos del siglo XIX, con la invención del daguerro-
tipo, que permitía la obtención de una copia única a partir de la impresión de una imagen por
la incidencia de la luz sobre un soporte metálico impregnado de sales. La invención de la
película fotográfica a finales del mismo siglo supuso un paso trascendental para el desarrollo
de la fotografía, ya que evitaba cambiar de placa después de cada toma.
A ello se unió la invención de cámaras de reducido tamaño, más manejables. La película fo-
tográfica a color, sin embargo, no apareció hasta 1935.
26
El beso
1. FICHA TÉCNICA

Autor : Roy Lichtenstein.
Cronología: 1962.
Técnica: Óleo sobre tela.
Medidas: 144,8 3 172,7 cm.
Localización: Colección
particular.
2. DESCRIPCIÓN
La imagen El beso tiene formato rectangular y representa a una mujer y a un hombre jóvenes
besándose.
Las figuras aparecen a un tamaño de menos de medio cuerpo, en un marcado primer plano
que ocupa casi la totalidad del espacio de la representación. La postura en la que se encuen-
tran los personajes impide apreciar sus rostros en detalle. De sus características destaca
principalmente el color del pelo, rubio el de la chica y moreno el del chico.
Las figuras están delimitadas por gruesas líneas de color negro que separan las figuras y
marcan las sombras de la escena.
Las líneas curvas y onduladas producen una sensación de dinamismo, mientras que los co-
lores planos e intensos dotan a la escena de una profunda expresividad.
Los colores claros focalizan la atención en el rostro de los personajes, que ocupan el centro
de la composición y destacan sobre un fondo oscuro y difuso.
El autor emplea en la obra una estética propia del cómic. El formato, la línea, la técnica de
sombreado e, incluso, los colores son propios de ese medio de expresión. La forma estrellada
en blanco que aparece tras los personajes es un signo gráfico muy utilizado también en los
cómics. Este recurso trata de expresar la intensidad de la unión y añade emoción a la escena.
3. COMENTARIO
Lichtenstein se acercó a la obra de pintores como Matisse, Cézanne y Picasso. Fragmentos
de obras de estos artistas aparecen reinterpretados en algunas de sus viñetas.
Esas viñetas de gran formato con personajes extraídos de los cómics están realizadas a
mano, con la misma técnica de tramas de puntos y líneas, y los mismos colores primarios y
brillantes que se utilizan en esas publicaciones impresas.
27
Latas de sopa Campbell
1. FICHA TÉCNICA

Autor : Andy Warhol.
Cronología: 1962.
Técnica: Pintura acrílica sobre lienzo.
Medidas: 50,8 3 40,6 cm / unidad.
Localización: Colección particular.
2. DESCRIPCIÓN
El motivo de las sopas Campbell fue utili-
zado por Warhol una y otra vez en diferen-
tes soportes y con variadísimas técnicas,
desde la pintura a la reproducción seriada.
El soporte ha sido estructurado en cua-
drados que separan los elementos entre
sí y ordenan la superficie de trabajo. Tam-
bién el color, distribuido por medio de es-
pesas pinceladas anchas y empastadas,
fomenta en el espectador la sensación de
división al rellenar superficies muy con-
cretas sin rebasar las líneas del dibujo.
Sin embargo, para la realización de esta imagen, el artista no partió de la pintura, sino del
dibujo, que se convierte en paso previo. Las formas redondeadas de los botes se oponen,
aunque con equilibrio y armonía, a las líneas rectas de la estructura. Las letras de las etique-
tas han sido trabajadas con limpieza, puesto que en la identificación de la sopa reside el
sentido de estas obras producidas en serie.
3. COMENTARIO
El contexto social que rodeó la creación de Warhol estuvo caracterizado por profundos cam-
bios en los modos de vivir y valorar el arte. El pop art surgió de este modo, influido por con-
ceptos de reciente aparición, como la tecnología, la moda, el capitalismo o el consumo de
masas. Su obra reflejó que en la nueva realidad social los objetos dejaban de ser únicos para
convertirse en productos en serie. Ejemplo de ello fueron los temas de algunas de sus obras,
como en esta, que recrea el envase de sopa Campbell.
Entre sus influencias más destacadas se encuentra la llamada Escuela de los Cubos de Ba-
sura, calificativo peyorativo utilizado para designar a un grupo de ocho pintores de la época
cuyo denominador común era el marcado realismo de su estilo.
En cuanto a las técnicas empleadas por este artista, destaca el uso de fotografías de gran
formato que servían como base para pinturas al óleo o a la tinta. Estas fotografías le permi-
tieron producir series de imágenes repetitivas, con pequeñas variaciones, que se convirtieron
en sus obras más conocidas (fotos de Elvis, las reproducciones seriadas de Marilyn Monroe,
las de Mao o de su propio retrato).
28
Peine del viento
1. FICHA TÉCNICA El Peine del viento es un magnífico ejemplo de lo que Chillida
consideraba como integración de la obra artística en el entorno
Autor : Eduardo Chillida.
y fue creada para estimular en el espectador diferentes sensa
Cronología: 1977. ciones relacionadas con la vista, el oído e, incluso, el tacto.
Técnica: Acero insertado en piedra. El conjunto se abre al mar de San Sebastián e integra el color
anaranjado de la capa de óxido que ha ido generando el tiem
Localización: Paseo de Eduardo Chillida, San Sebastián. po con el color característico del mar; cada figura, además,
oculta en su interior un sistema de tubos por los que penetra el
2. DESCRIPCIÓN viento impulsado por las olas. El viento sale por una serie de
orificios emitiendo un peculiar sonido que se acompaña, en
El Peine del viento es un conjunto escultórico formado por tres
épocas de temporal, con agua pulverizada.
piezas de acero monumentales, de once toneladas cada una.
El grupo se encuentra en el extremo del paseo que recorre la
playa de Ondarreta en San Sebastián. La obra fue instalada en 3. COMENTARIO
ese lugar en el año 1977 y, para llevar a cabo esta tarea, Chillida Chillida investigó y experimentó siempre con nuevos materia
contó con la ayuda del arquitecto Luis Peña Ganchegui. Debido les, como el acero corben, utilizado en obras públicas, y que le
al peso y a las dimensiones de las tres piezas, fue necesario permitió realizar esculturas monumentales al aire libre.
construir unas estructuras, similares a puentes, que las sopor
En el año 2007 se conmemoró el treinta aniversario de la ins
taran durante el montaje.
talación de la obra, y fue celebrado con gran variedad de actos
Las tres piezas metálicas se insertaron en las rocas del acanti culturales, como exposiciones, conciertos, conferencias, etc.
lado separadas por varias decenas de metros y se conectaron El Peine del viento es visita obligada para los turistas que acu
entre sí por escaleras y terrazas talladas en granito rosa. den a la ciudad de San Sebastián.
29
La Gran Vía
1. FICHA TÉCNICA Los aspectos gráficos que otorgan la impresionante sensa
Autor : Antonio López. ción de realidad a esta obra son: la entonación de los diferen
tes elementos y la diferenciación de los planos de profundi
Cronología: 1981. dad a través del color, el uso de la perspectiva para
Técnica: Óleo sobre tabla. representar e l espacio y las relaciones de distancia entre los
elementos, y el dibujo minucioso de los detalles, acorde con
Medidas: 93,5 3 90,5 cm.
cada plano.
Localización: Colección privada,
Un aspecto destacado del cuadro es el riguroso estudio de la
Madrid.
luz que se ha plasmado en el lienzo a través del color, la falta
de estridencias cromáticas y el uso de suaves contrastes para
2. DESCRIPCIÓN
conseguir la sensación de realidad en la escena.
El artista ha representado el arranque de la Gran Vía desde la
calle de Alcalá, en el ángulo en que esta se bifurca. La imagen 3. COMENTARIO
resulta paradójica, ya que muestra una de las calles más tran
La Gran Vía es una de las obras hiperrealistas más conocidas
sitadas de la capital vacía de coches y gente.
del artista español.
López simula en sus obras el deterioro provocado por el paso
Este lienzo es una reproducción casi exacta de la Gran Vía
del tiempo o el uso; por ejemplo, esto se observa en las líneas
madrileña y puede ser fácilmente confundido con una foto
blancas continuas y discontinuas que marcan el trazado de los
grafía. A lo largo de su carrera artística, Antonio López ha de
carriles, así como en las líneas que indican los sentidos de la vía.
sarrollado una obra independiente, en medio de un panorama
Ningún detalle se ha dejado al azar en la elaboración de este artístico estructurado sobre la base del informalismo y la abs
cuadro, cada elemento ha sido representado con absoluta fide tracción.
lidad a través del dibujo y la pintura.
30
Los Simpson
1. FICHA TÉCNICA naranja de manga corta y unos pantalones azules también cor-
Autor : Dibujos originales tos; o el traje verde de Marge y su collar de perlas.
de Matt Groening.
3. COMENTARIO
Cronología: Primera emisión en televisión en 1989. 27 tempo-
radas emitidas. Casi 600 episodios. Los Simpson es una sátira de la sociedad estadounidense con
fuertes componentes de crítica sociocultural: su forma de vida,
2. DESCRIPCIÓN la falta de valores, sus prejuicios, su sistema político, etc. En la
serie se narra la vida de una familia de clase media estadouni-
La imagen pertenece a un fotograma de la serie. Cada una de
dense que vive en un pueblo llamado Springfield. Esto es una
las figuras y los elementos que se recortan sobre el fondo es-
generalización simbólica de la familia americana, ya que exis-
tán limitados por una delgada línea negra, que proporciona
ten en Estados Unidos 26 localidades con ese nombre.
profundidad y expresividad a la escena. Las formas son senci-
llas, apenas esquematizadas. Sin embargo, los gestos de los Cada personaje de la serie está caracterizado por una serie de
personajes, elaborados a base de sencillos trazos, transmiten a rasgos, tanto físicos como psicológicos, que resultan invaria-
la perfección diversos estados de ánimo. bles. Por ejemplo, Bart es el travieso y poco estudioso, siempre
vestido de manera informal; Lisa es la responsable e inteligen-
La gama de colores utilizada por los dibujantes es viva y estri-
te, preocupada por los problemas del mundo; todo lo contrario
dente, con tonos planos, sin matices. Resulta especialmente
que su padre, Homer, un bebedor compulsivo que trabaja en la
distintivo el amarillo de la piel de los personajes, que les otorga
central nuclear del pueblo sin saber en qué consiste su trabajo.
su carácter especial.
Marge representa a una madre, ama de casa, que se ocupa de
Cada uno de los protagonistas de la serie presenta una serie de resolver los pequeños conflictos cotidianos; y Maggie, el bebé,
atributos gráficos, algunos siempre presentes, otros variables. es un espectador de la vida familiar que expresa emociones,
En el caso de Bart, siempre aparece vestido con una camiseta preferencias y sentimientos a través de su chupete.
31
Las estructuras cambian, las esencias permanecen
1. FICHA TÉCNICA 3. COMENTARIO

Autor : Equipo Crónica. Esta es una obra perteneciente a la serie La recuperación, en
Cronología: 1968. referencia a ese interés del Gobierno de la época por recuperar
y mejorar la imagen de España.
Técnica: Acrílico sobre lienzo.
La obra es una sátira de las ideas del régimen de la dictadura.
Medidas: 130 3 160 cm. Los personajes que aparecen en la obra, extraídos de la pintura
Localización: Colección Guillermo Caballero de Luján, española (del Greco a Goya), se ponen al servicio de los intere-
Valencia. ses políticos del régimen y de los «tecnócratas» afines que do-
minan la etapa de la dictadura iniciada a comienzos de los
2. DESCRIPCIÓN años setenta.
Esta obra toma como fuente de inspiración directa la obra de El Equipo Crónica defendía que las imágenes, fuera cual fuese
algunos de los principales pintores españoles. Se trata de to- su procedencia, tienen un valor comunicativo sobre el que se
mar personajes icónicos de la tradición pictórica española puede actuar con intención expresiva. Sus miembros desarro-
y situarlos en un escenario presente, rodeados de máquinas y llaron producciones artísticas en torno a una preocupación
tecnología, generando un anacronismo impactante. Estos per- social, lo que los llevó a convertirse en cronistas de los hechos
sonajes son: un monje cartujo, de Zurbarán; el caballero de la que sacudían el país.
mano en el pecho, del Greco; el conde-duque de Olivares, de Su obra surgió como crítica al individualismo y se caracterizó
Velázquez; la duquesa de Alba, de Goya. Al fondo hay un per- por ser realizada en serie, al estilo Warhol. Muchos de sus te-
sonaje actual, vestido con traje. Utilizan la confontación de imá- mas están inspirados en la pintura española del Siglo de Oro,
genes (anacronismos, collages ilógicos, etc.). pero las imágenes sufren recreaciones y transformaciones pro-
El dibujo está muy presente en la imagen, al igual que los colo- fundas para desmitificar aspectos de nuestra historia contem-
res, planos y puros. poránea.
Pruebas de evaluación
con soluciones
En el siguiente apartado se pone a disposición del

profesorado una selección de pruebas para evaluar los
contenidos teóricos estudiados en cada unidad y la técnica
del comentario de obras de arte.
Asimismo, este material puede ser un instrumento valioso
como apoyo para el trabajo en el aula a lo largo del curso.
1 EVALUACIÓN DE CONTENIDOS
Nombre: Curso: Fecha:
1 Comenta la obra de la imagen

y señala a qué género pictórico pertenece.
2 Desarrolla el siguiente tema:

– La función social del arte.
3 Define estos términos y responde

brevemente a la pregunta.
• Mecenazgo
• Bóveda
• Género
• ICOM
• BIC
• ¿Cuáles son los enfoques
y las metodologías artísticas?
1 ESTÁNDARES DE APRENDIZAJE Y SOLUCIONES
Criterios de evaluación Estándares de aprendizaje Actividades
B4-4. Analizar, comentar y clasificar obras

significativas del arte del siglo XIX, aplicando un
1
método que incluya diferentes enfoques (técnico,
formal, semántico, cultural, sociológico e histórico).
B4-7. Utilizar la terminología específica del arte en

las exposiciones orales y escritas, denominando 1, 2, 3
con precisión los principales elementos y técnicas.
1 1. Ficha técnica Tanto el estilo como la temática se encuadran dentro

del período romántico. A finales del siglo XVIII, como
Autor: Caspar David Friedrich.
consecuencia de la Revolución francesa y las ideas de la
Título: El caminante sobre un mar de nubes.
Ilustración, surge este movimiento cultural e intelectual.
Cronología: 1818. Los artistas del Romanticismo muestran su oposición al
Técnica: Óleo sobre lienzo. espíritu racional y crítico del clasicismo y buscan ante
Localización: Museo Kunsthalle, Hamburgo, Alemania. todo reflejar la importancia del pensamiento individual
frente a la universalidad de la razón del Siglo de las Luces.
2. Descripción
También defienden la originalidad frente a la tradición
Representa a un hombre de espaldas vestido con ropa clasicista y los cánones establecidos y reivindican
de la época y mirando un paisaje montañoso cubierto de el valor religioso frente al paganismo grecolatino.
nubes. El caminante, con su bastón, descansa sobre Sienten nostalgia de paraísos perdidos frente a la realidad
una cima rocosa de forma triangular sobre la que sopla circundante. Defienden la belleza de lo imperfecto
el viento. e inacabado frente a lo cerrado y concluso. Para ello
Utiliza una gama cromática fría: negro de la figura central, renuevan los temas y los ambientes de sus obras:
marrón oscuro en las rocas y el gris y el blanco de la nocturnos, nublados, ruinosos, fantásticos…
niebla y el cielo. Los únicos colores cálidos aparecen
2 La obra de arte es un medio para acercarnos a la cultura
en el primer plano, que, junto con los tonos oscuros,
a la que pertenece, pues la actividad espiritual humana tiene
contrasta con la luminosidad del horizonte, acentuando
su reflejo en la obra artística.
la perspectiva.
Compositivamente, la obra se estructura en planos La belleza del lenguaje artístico contribuye a la formación
paralelos sucesivos. La niebla cubre toda posible estética del espectador y enriquece su personalidad.
linealidad en el recorrido visual hacia el horizonte. Parece Entre sus diversas funciones a lo largo del tiempo han
que el punto de fuga se esconde tras la figura central, estado, por ejemplo, la de propiciar la caza en el Paleolítico,
lo que da mayor importancia al personaje. contribuir a la exaltación o divinización de algunos monarcas
desde las primeras civilizaciones o, también, ser un
3. Comentario
instrumento eficaz para enseñar al pueblo y hacerle
El artista, con un estilo sobrio, realista y preciso, quiere
inteligibles determinados mensajes. Sin embargo, desde
que su obra sea interpretada entre estos dos planos:
el siglo XIX, con la Revolución Industrial y el desarrollo del
el real y el simbólico. Friedrich era profundamente
capitalismo, la obra de arte pierde su primitiva función y
creyente y sus cuadros pueden tener una lectura
adquiere otros valores, convirtiéndose en una mercancía
religiosa. El paisaje se convierte en una proyección de la
en manos de intermediarios, marchantes, casas de
espiritualidad humana. El autor se vale de la naturaleza
subastas..., lo que conlleva generalmente un mayor
para expresar su concepción del mundo, cargándolo de
distanciamiento entre el creador y el cliente.
contenidos: las rocas simbolizarían la fe que, alzándose
sobre los errores mundanos, representados como niebla, En la actualidad, la función de la obra artística obedece
eleva al hombre al mundo celeste. El monte de la a criterios especulativos, como la inversión, o a afianzar
izquierda querría representar a Dios. el prestigio del coleccionista.
Caspar David Friedrich es uno de los máximos exponentes 3 • Mecenazgo: Protección dispensada a un escritor o artista.
del período romántico. En este cuadro plasma inquietudes • Bóveda: Obra arqueada que cubre espacios entre muros
humanas a través de la representación de la naturaleza, o varios pilares. • Género: Categoría en la que se pueden
que despliega en toda su grandeza. A pesar de ser una clasificar las obras de arte según rasgos comunes en la forma
pintura realista y detallada, no es la mera descripción o en el contenido. • ICOM: Consejo Internacional de Museos.
de un paisaje. Este se convierte en una excusa para • BIC: Bien de interés cultural. • Iconografía, biografía
hablarnos de algo más trascendental, convirtiendo al artística, ambiente cultural, coleccionismo y atribucionismo,
hombre en centro de la pintura. Incluso nosotros, cada positivismo, historia de la cultura, psicología del estilo,
uno de los espectadores, estamos también en el acantilado. formalismo y sociología.
1 Observa, analiza y comenta la obra de la imagen.
2 Desarrolla el tema.
– La arquitectura griega: rasgos definitorios.
Los órdenes.
3 Define estos términos.

• Canon
• Criselefantina
• Éntasis
• Horror vacui
• Sonrisa arcaica
B1-1. Reconocer y explicar las concepciones B1-1.2. Define el concepto de orden arquitectónico
estéticas y las características esenciales del arte y compara los tres órdenes de la arquitectura
2
griego y del arte romano, relacionándolos con su griega.
contexto histórico y cultural.
B1-3. Analizar, comentar y clasificar obras B1-3.2. Identifica, analiza y comenta las siguientes
significativas del arte griego y del arte romano, esculturas griegas: Kóuros de Anavyssos, Auriga de
aplicando un método que incluya diferentes Delfos, Discóbolo (Mirón), Doríforo (Polícleto), una
enfoques (técnico, formal, semántico, cultural, metopa del Partenón (Fidias), Hermes con Dionisos 1
sociológico e histórico). niño (Praxíteles), Apoxiomenos (Lisipo), Victoria
de Samotracia, Venus de Milo, friso del altar de Zeus
en Pérgamo (detalle de Atenea y Gea).
B1-6. Utilizar la terminología específica del arte

en las exposiciones orales y escritas, denominando 1, 2, 3
1 1. Ficha técnica entre la cabeza y los hombros, y el brazo que va a lanzar
el disco.
Autor: Mirón de Eleutere.
El gesto es serio, sereno. La forma del rostro, oval;
Título: Discóbolo.
se presenta de frente con el pelo trabajado, pero pegado
Cronología: Entre 470 y 440 a. C.
al cráneo. El rostro y el pelo, sin restos de arcaísmos,
Técnica: El original en bronce debió de hacerse por son realistas, pero el cabello es poco natural. Muestra
partes y luego ensamblarse. El de la imagen es una copia el perfil clásico, los arcos superciliares se prolongan con
romana en mármol. una nariz recta y un mentón poco prominente. El rostro
Localización: Museo Nacional Romano, Roma. inexpresivo no refleja la tensión que sí se ve en el resto
2. Descripción del cuerpo. Lo que se explica por que las esculturas
de dioses y vencedores olímpicos debían ser figuras
La escultura representa a un atleta griego desnudo,
ideales.
un lanzador de disco, a quien probablemente su ciudad,
agradecida a los dioses por una serie de triunfos logrados La anatomía muestra la tensión propia del instante de
por el atleta, le encargó y dedicó esta obra para ser máximo esfuerzo físico. Muy trabajada, ha progresado
admirada en las cercanías del templo del dios protector. respecto a obras anteriores, aunque el modelado todavía
es suave y sobrio. Hay detalles de un gran realismo, como
La figura capta al atleta cuando la mano derecha impulsa
los dedos del pie izquierdo, apoyados en el suelo, las
el disco hacia atrás, justo en el momento inmediatamente
venas dilatadas en los brazos o la tensión muscular
anterior al lanzamiento, congelando su movimiento como
en el hombro derecho. Los músculos, aunque definidos,
si fuera una instantánea. Rompe con la rigidez de los
son planos.
kuroi arcaicos y abre el camino al período clásico.
Representa el cuerpo masculino desnudo como
La obra tiene una composición abierta pero equilibrada.
paradigma de la belleza (constante desde el período
Presenta dos curvas: una que va desde la mano derecha
arcaico).
(donde sujeta el disco), continúa por el brazo izquierdo
y la mano, hasta el pie izquierdo, cuyos dedos doblados 3. Comentario
se apoyan en el suelo; y la otra, que desde la cabeza oval, El Discóbolo supone un paso importante dentro
sigue por el cuerpo y llega hasta el pie derecho, de la evolución de la escultura griega, ya que consigue
totalmente apoyado en el suelo. Se completa con una el movimiento. Aunque se muestran algunas
línea en S desde la cabeza, pasando por el tórax, el muslo características del estilo severo, se anuncia el primer
derecho y el resto de la pierna hasta el pie. clasicismo de la segunda mitad del siglo V a. C.
Frente a la rígida verticalidad anterior, la figura forma La influencia de Mirón llegará a los escultores
con sus brazos un arco ideal que apunta hacia la derecha, del siglo V a. C., Fidias y Polícleto; y a los del siglo IV a. C.,
anunciando la dirección del lanzamiento. Pero el punto Praxíteles y Lisipo. Su importancia no se limitará
de vista es único, frontal. a la escultura griega. Cuando Bernini, escultor barroco,
Utiliza esquemas geométricos para lograr la perfección realice su David (163-164), elegirá representarlo también
formal. Se repite el esquema triangular clásico: en un instante de máxima tensión, en los momentos
disposición de los pies, las manos, la relación previos a su enfrentamiento con Goliat.
2 El arte griego es el primero que se concibe a escala humana. • El jónico es más esbelto que el dórico. La columna tiene
Para los griegos la belleza radica en la filosofía del número basa, fuste acanalado y capitel en forma de volutas. El
y en la armonía. entablamento es de menor altura; el arquitrabe cuenta con
tres bandas lisas en resalte; el friso tiene decoración
La arquitectura es sobre todo religiosa. Por todo el territorio
continua en relieve, y la cornisa, una decoración más rica
griego se levantan templos dedicados a los dioses: Atenea,
que la dórica. También tiene frontón y acróteras.
Apolo, Zeus…
• El corintio, aunque parecido al jónico, se diferencia en el
Se trata de una arquitectura arquitrabada. Como materiales
capitel, que tiene forma de cesto con hojas de acanto
usan la piedra y el mármol. Los sillares están colocados
y pequeñas volutas.
a soga y a tizón.
A veces el fuste de la columna es reemplazado por figuras
La arquitectura será número, proporción y equilibrio, ideales
humanas. Si son femeninas, se llaman cariátides, y si son
de belleza según la concepción racional y ordenada de los
masculinas, atlantes.
griegos. Se somete a un módulo o medida que suele
ser el radio o el diámetro de la columna. Se usarán fuertes 3 • Canon: Regla de las proporciones humanas conforme
colores y mucha policromía. al tipo ideal. Sistema de relaciones armónicas entre
Se distinguen estos tres órdenes arquitectónicos: las diversas partes del cuerpo. • Criselefantina: Hecha
en oro y marfil. En estatuaria, se hacía en oro el
• El dórico es el más sobrio y robusto. Se alza sobre una
recubrimiento de los ropajes, y en marfil, el de las partes
escalinata con tres escalones, dos estereóbatos y el
visibles del cuerpo. • Éntasis: Engrosamiento de una
superior, el estilóbato; sobre este último parte la columna,
columna, generalmente hacia el centro, de modo que, por
sin basa, de fuste con estrías en arista viva y capitel con
efecto de la perspectiva, parezca recta en lugar de cóncava.
tres molduras (collarino, equino y ábaco). Sobre la columna
• Horror vacui: Expresión latina que se emplea en pintura y
descansa el entablamento, que consta de tres partes:
escultura para describir el relleno de todo espacio vacío de
arquitrabe, friso y cornisa. El arquitrabe reposa sobre el
una obra de arte, que produce sensación de agobio.
ábaco (banda horizontal lisa); el friso está compuesto de
• Sonrisa arcaica: Se logra arqueando levemente los labios
triglifos (molduras verticales) y metopas (con decoración).
hacia arriba, con lo que se intenta transmitir expresividad y
La cornisa sobre el friso es una banda lisa. Sobre el
darle una cierta vida.
entablamento descansa el tejado, de vertiente a dos
aguas, con un frontón con el tímpano decorado, y las
acróteras, figuras decorativas en los extremos del frontón.
1 Comenta la obra de la imagen.
2 Comenta las características formales

y señala las funciones del retrato
en la escultura romana. Explica
las diferencias fundamentales
con la escultura griega.
3 Responde brevemente.
– Enumera los tipos de monumentos
dedicados a espectáculos en el arte
romano, descríbelos y señala algún
ejemplo que conozcas.
B1-1. Reconocer y explicar las concepciones B1-1.8. Describe las características y funciones
1, 3
estéticas y las características esenciales del arte de los principales tipos de edificios romanos.
griego y del arte romano, relacionándolos con su
B1-1.11. Especifica las innovaciones de la escultura
contexto histórico y cultural. 2
romana en relación con la griega.
significativas del arte griego y romano, aplicando un obras arquitectónicas romanas: Maison Carrée de
método que incluya diferentes enfoques (técnico, Nimes, Panteón de Roma, teatro de Mérida, Coliseo
1
formal, semántico, cultural, sociológico e histórico). de Roma, basílica de Majencio en Roma, puente de
Alcántara, acueducto de Segovia, arco de Tito en
Roma, columna de Trajano en Roma.

1 1. Ficha técnica La amplitud de los desniveles que tiene que sortear el
acueducto obliga a veces al uso de arcadas continuas,
Autor: Desconocido.
y otras, superpuestas, para ayudar al acueducto a
Nombre: Acueducto de Segovia. adaptarse al terreno. Los sillares son de granito. Se
Cronología: Finales del siglo I o principios del siglo II. fabrican a tizón y sin argamasa, labrados de manera
Localización: Segovia. muy tosca. Aunque es una obra utilitaria, se aprecia la
búsqueda de la belleza en el estudio de las proporciones,
2. Descripción
la combinación rítmica de los arcos y el escalonamiento
El acueducto de Segovia es uno de los monumentos de pilares.
romanos más importantes y mejor conservados de
3. Comentario
España.
Toma el agua del manantial de la Fuenfría, a 18 kilómetros El abastecimiento de agua salubre a las ciudades
de la ciudad, y se debe ir adaptando a los desniveles del constituyó una preocupación para los ingenieros
terreno. Se conduce a través de un canal (specus) a cielo romanos, ya que la utilización de agua de los pozos
abierto hasta el pinar de Valsaín, donde se entierra hasta y ríos entrañaba riesgos para la salud.
llegar a un primer filtro de arena. Después se eleva sobre Ello explica las magnas obras de embalse, canalización
un muro que desemboca en la caseta del desarenador. y conducción de aguas realizadas por los romanos en
Sigue otro tramo de muro hasta llegar a la primera todo su Imperio.
alineación, formada por seis arcos de medio punto con El servicio de suministros de agua fue competencia
una cornisa y ático de coronación de mampostería (que estatal o municipal. El agua, de consumo gratuito para
se mantiene en toda la obra). los ciudadanos, llegaba a las fuentes o termas públicas
La segunda alineación está formada por 25 arcadas, unas y atendía al saneamiento de las cloacas, sometidas a un
de medio punto y otras peraltadas y apuntadas; estas dos flujo continuo. Pero en el caso de Segovia, además de
últimas parece que pertenecen a la época de los Reyes abastecimiento urbano, serviría posiblemente para el
Católicos. cultivo de regadío.
La tercera alineación tiene 44 arcadas. La cuarta 2 El retrato romano está vinculado a las tradiciones griegas
alineación, que es la zona principal del acueducto, está y etruscas. Del arte etrusco toman el mayor realismo, que lo
compuesta por arcadas superpuestas de dos pisos. El aplicarán a sus imagines maiorum o mascarillas de difunto,
piso inferior se adapta al ascenso y descenso de la ladera. hechas en cera o yeso, y sacadas directamente de la cara
Los arcos tienen una luz libre en torno a los 4,50 metros y del difunto. Las características que muestran son:
dovelas trapezoidales. Sobre la cornisa hay un ático con • Realismo físico y profundidad psicológica.
revestimiento de mampostería y hormigón de cal, en cuya
• Se realizan en mármol, piedra y bronce.
coronación iba encajado el canal de la conducción
romana (hoy desaparecido). La arquería inferior tiene • Al principio solo eran representados los patricios;
44 arcos, y la superior, 119. En este último tramo aparece posteriormente, también los plebeyos.
un sotabanco apoyado sobre la arquería inferior, con tres • Suelen ser retratos de busto, aunque el emperador está
hiladas de sillares. Se cree que el sotabanco albergó en muchas ocasiones de cuerpo entero (sedente, de pie
estatuas romanas. o ecuestre).
• Tiene una finalidad política y propagandística (retratos de
emperadores, senadores), y recordatoria, para mantener
vivo el recuerdo de algunos personajes.
• El retrato del emperador tiene distintas tipologías: imagen
togata, con el manto propio; pretor, con el rollo de la ley en
la mano; pontifex maximus, con el manto sobre la cabeza;
apoteósico, divinizado, semidesnudo y con la cabeza
coronada de laurel, y thoracata, con indumentaria militar.
La principal diferencia entre el retrato griego y el romano es
que el primero es más idealizado, más universal, intenta
captar un estado psicológico. El retrato romano, en cambio,
es personalizado, por lo que resulta muy realista. Refleja
perfectamente los rasgos físicos (arrugas, defectos, etc.).
Otra diferencia es la representación en bustos que hicieron
los romanos y que los griegos no contemplaban, pues ellos
concebían el cuerpo humano como un todo, con todas
las partes igual de importantes, por lo que realizar solo
una parte del cuerpo hubiese supuesto una mutilación.
Tampoco el concepto del artista es igual; mientras que los
escultores griegos firmaban sus obras, los romanos no solían
hacerlo. Por eso conocemos numerosos escultores griegos
(Mirón, Praxíteles, Polícleto, Scopas, etc.) y se desconoce el
nombre de los romanos.
3 La arquitectura romana es sobre todo utilitaria, y los
monumentos para desarrollar los espectáculos responden
mejor que cualquier otro a este fin.
• Los teatros toman como referencia el teatro griego, pero
presentan diferencias entre ellos. Eran exentos, no
adosados a la colina como en Grecia, con graderío o cávea
semicircular. Se ocupaban y desalojaban rápidamente por
unos pasillos abovedados llamados vomitorios. Permanece
la orquesta (orchestra), lugar donde se colocaban el coro
(espacio semicircular, diferente al del teatro griego,
que es circular) y la escena (donde tenían lugar las
representaciones), con grandes fondos arquitectónicos.
Ejemplos: teatro Marcelo en Roma, teatro de Mérida,
teatro de Sagunto.
• Los anfiteatros, con planta elíptica, serían un teatro doble.
Servían para asistir a las luchas de gladiadores, de fieras
e incluso a representaciones de batallas navales. La parte
central era la arena y en torno a ella se situaba la cávea
o graderío. El más importante y mejor conservado es el
anfiteatro Flavio o Coliseo de Roma. Fue iniciado por
Vespasiano y terminado por Tito en el siglo I. Consta
de tres pisos y ático. Se superponen los órdenes: abajo
el toscano, jónico en el medio y arriba el corintio. Otros
anfiteatros que han llegado hasta nuestros días son
los de Mérida e Itálica.
• El circo era el lugar en el que se celebraban las carreras
de carros. Tenía forma elíptica, estrecha y alargada y, en el
centro, un espacio decorado con vegetación y esculturas
denominado spina, que dividía la arena en dos partes.
Ejemplo: Circo Máximo de Roma.
1 Clasifica y comenta la obra

de la imagen.
2 Describe las características

de la basílica paleocristiana.
3 Define estos términos.

• Baptisterio
• Contrafuerte
• Cúpula
• Pechina
B2-1. Reconocer y explicar las concepciones B2-1.6. Explica la arquitectura bizantina a través
estéticas y las características esenciales del arte de la iglesia de Santa Sofía de Constantinopla.
1
medieval, relacionando cada uno de sus estilos con
su contexto histórico y cultural.

1 1. Ficha técnica las columnas que separan las naves. Los capiteles son
corintios y con amplios cimacios para ganar altura y
Autores: Antemio de Tralles e Isidoro de Mileto.
elevar el apoyo de los arcos.
Nombre: Santa Sofía de Constantinopla.
La composición interior transmite sensación de amplitud
y dinamismo por el uso de elementos esféricos y rectos y
Localización: Estambul (antigua Constantinopla la combinación de espacios entrantes y salientes. Las
y anteriormente Bizancio), Turquía. naves están divididas en dos pisos para la ubicación del
2. Descripción matronium (tribuna) en la superior, con columnas, pilares
La obra recoge toda la tradición constructiva y los y arcos de medio punto que se alternan y se repiten
avances de los romanos. rítmicamente.
En la planta se sintetizan dos diferenciadas: la longitudinal En el exterior destaca el juego de volúmenes escalonados
de tres naves, de tradición occidental, y la centralizada, de que, a modo de cascada, van desde la cúpula principal a
tradición oriental. En la rectangular de tres naves se las exedras mayores, luego a las menores y, finalmente,
inscribe una planta de cruz griega y se centraliza el a las capillas. Un carácter más pesado muestran los
espacio con la construcción de una gran cúpula. contrafuertes exteriores, que reciben los empujes
transversales de los arcos internos.
La cúpula descansa sobre dos grandes exedras o medias
cúpulas, una en la parte de la cabecera, y la otra, a los 3. Comentario
pies, cada una de las cuales se asienta en otras dos Santa Sofía es la obra cumbre del arte bizantino. No se
pequeñas exedras. El peso de la cúpula se reparte a concibe como una basílica para el pueblo, sino como la
través de las exedras, afianzándose con cuatro grandes gran basílica del emperador Justiniano, construida junto a
pilares centrales, que transmiten el peso de la cubierta su palacio para realzar su poder.
por medio de arcos transversales hacia otros tantos
Cuando Constantinopla es tomada por los turcos en 1453,
contrafuertes exteriores.
se convierte en una mezquita. Se levantan los minaretes
El espacio longitudinal se marca con estas cúpulas exteriores, el ábside queda relegado a un segundo plano
y con un nártex en la entrada y un ábside semicircular y la transformación de la ornamentación interior
en la cabecera. Las naves laterales están separadas de empobrece el esplendor original.
la central por arcos de medio punto asentados sobre
columnas y pilares, y se cubren con bóveda de arista.
2 Entre todos los edificios existentes en la arquitectura
romana, los cristianos eligieron como modelo la basílica,
En el interior, la cúpula es la principal protagonista. Si bien
debido a sus dimensiones y estructura. A partir de entonces,
no es tan grande como la del Panteón, su efectismo es
la basílica se convirtió en modelo de templo cristiano.
mayor por el sistema de soportes y la luminosidad que
irradia; parece que está suspendida en el aire. Se articula La basílica era el edificio donde se administraba justicia
como una concha gallonada de 40 nervios y 40 plementos y se llevaban a cabo los negocios. Tenía planta rectangular y
curvos, que se apoyan en cuatro pechinas. Está se dividía en naves longitudinales separadas por columnas.
construida con ladrillo y carece de tambor por su peculiar Al fondo solía haber un ábside, donde se situaba el tribunal.
sistema de soportes. En la entrada, un nártex servía de vestíbulo.
Ese sistema permite abrir numerosas ventanas en la base Los cristianos mantuvieron la estructura de la basílica, pero
de la cúpula al quedar libre de pesos, lo que influyó en el cambiaron las funciones de los espacios interiores para
efecto lumínico de Santa Sofía. La luz procede de las adaptarlos a su liturgia.
ventanas de la cúpula y de las exedras mayores y Mantuvieron la planta rectangular, la división longitudinal en
menores, así como de los muros laterales. Muchas de las naves y la separación por columnas. El número de naves
ventanas eran en origen de colores. era impar, de manera que la central podía ser más ancha
Se utilizan mármoles de colores en los pilares principales y alta que las laterales.
para mitigar la percepción visual de grosor, y basalto en El acceso al templo se realizaba a través de un atrio, al fondo
del cual se situaba el nártex. Este espacio se reservaba para
los catecúmenos o fieles aún no iniciados, ya que solo los
bautizados podían pasar al interior.
En la cabecera estaba el presbiterio, donde se situaban el
obispo y los presbíteros alrededor de un altar. Este hemiciclo
estaba encuadrado por un gran arco de medio punto que
reproducía los arcos de triunfo romanos.
Justo delante del ábside se situaba el transepto, otra nave
que recorría la basílica en sentido transversal.
Toda la concepción arquitectónica estaba pensada para
dirigir la mirada del fiel al ábside, que era el centro de la
liturgia. Además, al incluir un transepto, se buscaba el
simbolismo de reproducir la cruz de Cristo en la planta del
templo. Esta tipología se denomina planta de cruz latina.
Las basílicas se cubrían con tejados a doble vertiente en la
nave central y un tejado sencillo en las laterales. El interior
no era abovedado, sino que se usaba un armazón de
madera, a veces oculto por casetones.
Los ricos materiales empleados y la decoración a base de
mármoles, mosaicos y pinturas murales, en contraposición
al exterior sobrio, contribuyeron a crear un espacio espiritual
y casi sobrenatural. A esto también ayudaba la luz del
claristorio, que era tamizada por las columnas que separaban
las naves.
Los cristianos cambiaron el concepto y el sentido de la
basílica. Así, la basílica se convirtió en la base de la iglesia
medieval. En la Edad Media se desarrollaron las diferentes
zonas y espacios arquitectónicos y se desplegó todo un
simbolismo, que todavía hoy está vigente.
3 • Baptisterio: Edificio exento, generalmente de planta
central, destinado al bautismo y próximo al templo.
Posteriormente, fueron unidos a las iglesias por medio
de pórticos. • Contrafuerte: Obra maciza a modo de pilastra,
adosada al muro y que sirve para reforzarlo
en los puntos en que soporta mayores empujes.
• Cúpula: Bóveda semiesférica. Generalmente, cubre un
espacio cuadrado, cuyo paso a planta circular u octogonal se
realiza por trompas o pechinas. • Pechina: Cada uno de los
triángulos curvos sobre los que se sustenta una cúpula. Sirve
para pasar de la planta cuadrada a la circular.
1 Clasifica la obra, señalando su estilo, su cronología aproximada y las principales

características constructivas.

– El arte hispánico entre los siglos V y VIII: características de la arquitectura visigoda
y ejemplos destacados.
3 Define estos conceptos.

• Arco peraltado
• Arte mozárabe
• Arte prerrománico
• Iconostasio
B2-1. Reconocer y explicar las concepciones B2-1.8. Define el concepto de arte prerrománico
1, 2, 3
estéticas y las características esenciales del arte y especifica sus manifestaciones en España.
medieval, relacionando cada uno de sus estilos
B2-1.9. Identifica y clasifica razonadamente en
con su contexto histórico y cultural.
su estilo las siguientes obras: San Pedro de la Nave
2
(Zamora), Santa María del Naranco (Oviedo)
y San Miguel de Escalada (León).

1 1. Ficha técnica • Elementos decorativos: celosías, capiteles, alfices,

almenas y casetones pintados en las bóvedas. Se
Autor: Desconocido. Fue encargada por Alfonso III
observan influencias romanas, visigodas e islámicas.
el Magno.
3. Comentario
Nombre: San Salvador de Valdediós.
La monarquía asturiana trató de prestigiarse a través
Cronología: Hacia el año 893.
de la nobleza de sus construcciones, presentándose
Localización: Villaviciosa, Asturias. como legítima heredera de la tradición romano-visigoda.
2. Descripción Dentro de la arquitectura prerrománica asturiana, San
La imagen muestra el exterior de San Salvador de Salvador de Valdediós corresponde a un período tardío,
Valdediós, en Asturias. el posramirense. Es la última construcción prerromana
El edificio presenta las siguientes características asturiana y avanza algunos elementos de la arquitectura
constructivas: románica: contrafuertes, bóveda de cañón…
• Planta basilical de tres naves estrechas y cabecera 2 En el arte de época visigoda, desarrollado entre los siglos V
tripartita. La nave central es más ancha y alta que las y VIII, destaca sobre todo la arquitectura. Las principales
laterales. características que lo definen son:
• No tiene transepto, aunque por las dos dependencias • Utiliza como material la piedra, con sillares dispuestos
anexas lo parece. a soga y a tizón.
• Las naves están cubiertas con bóvedas de cañón, sin • Los arcos de herradura son más cerrados que los de
arcos fajones, que descargan en los muros con herradura musulmanes.
contrafuertes y sobre las dos arquerías de medio punto • Utilizan la bóveda de cañón y la de arista (los servicios
que separan las naves. Las arquerías se apoyan en de cruce remarcados con ladrillo).
pilares de forma cuadrada. • Las plantas son de varios tipos: basilical, cruz griega simple
• A los pies de la iglesia se encuentra un nártex o o inscrita en un rectángulo.
vestíbulo con tres compartimentos, que se • La cabecera tiene una única capilla mayor rectangular.
corresponden con las naves. Sobre el nártex se A ambos lados, hay dos sacristías (prótesis y diaconicón),
construye una tribuna, a la que se accede por una que pueden estar separadas o incorporadas a la propia
escalera interior. cabecera. En algunos casos, la estructura de la cabecera
• La fachada está rematada por una espadaña. se completa con un pequeño habitáculo sobre la capilla
• Adosado a la iglesia hay un pórtico bajo y alargado con mayor, a modo de cámara del tesoro.
bóveda de cañón y arcos fajones. También se puede • Delante del presbiterio se sitúa una cancela o iconostasio
acceder a la iglesia a través de este pórtico. con rica decoración.
• Construida en mampostería, excepto el pórtico, las • El acceso al templo, de una o tres naves, se hace por un
esquinas, los contrafuertes, la fachada principal y el pórtico avanzado. La puerta externa, con arco de
ábside, en los que se utilizan sillares a soga y a tizón. herradura, mientras que la interior es adintelada.
• En el exterior, la nave central sobresale en altura sobre • La decoración en fajas se incorpora al templo en los muros
las laterales, los contrafuertes están muy marcados exteriores e interiores.
y los vanos de acceso son de medio punto. Ejemplos destacados de esta arquitectura son:
• Presenta gran número de ventanas: simples, sencillas • San Juan de Baños en Palencia, construida a mediados
de un solo arco, geminadas, con arco de herradura del siglo VII. Planta de cruz latina, con tres naves.
enmarcado en alfiz y con triple arco en el ábside central. Fue consagrada por Recesvinto.
• San Pedro de la Nave en Zamora, realizada en torno
al siglo VIII. Se asienta sobre una planta de cruz griega
inscrita en un rectángulo. La escultura podría ser posterior.
Destacan los capiteles figurados de Daniel en el foso de
los leones y el Sacrificio de Isaac. La técnica es caligráfica,
lo que puede indicar que el artista copia un dibujo a
pluma. Los demás capiteles tienen temática vegetal (roleos
y racimos), en alusión a la Eucaristía.
• Quintanilla de las Viñas en Burgos, del siglo VIII. Solo se
conserva la cabecera, cuyo ábside rectangular aparece
destacado del crucero. Fajas ornamentales de roleos
y motivos vegetales recorren varias zonas de los muros
interiores y exteriores. Lo más interesante son unos
relieves rectangulares con representaciones del sol y la
luna a modo de imago clipeata, es decir, dentro de círculos
sostenidos por ángeles.
La orfebrería visigoda también es importante. Las obras más
conocidas son las coronas votivas, como la del rey
Recesvinto; cruces pectorales; anillos; fíbulas de formas
distintas (cuadrada, rectangular, de águila, adornadas con
cabujones e incrustaciones de pasta vítrea).
3 • Arco peraltado: Elemento sustentante que descarga los
empujes con un trayecto curvo, cuya flecha (altura del arco
desde su línea de arranque a la clave) es mayor que la
semiluz (mitad de la anchura). Es típico del prerrománico,
en concreto del arte asturiano. • Arte mozárabe: Estilo
desarrollado por los cristianos que residían en territorio
musulmán. Los materiales y las técnicas reflejan la influencia
islámica. • Arte prerrománico: Incluye todos los fenómenos
artísticos que contribuyen a la formación del arte románico
en el siglo XI. Tomará elementos (planta, tipo de arco,
bóvedas…) del arte ostrogodo, longobardo, carolingio y
otoniano. En España está representado por el arte visigodo,
asturiano, mozárabe… • Iconostasio: Especie de cancela
que separaba las naves del altar en el arte bizantino. En este
estilo artístico los iconostasios se encontraban decorados
con imágenes sagradas pintadas y tras ellos se ocultaba el
sacerdote durante la consagración. Por extensión, se refiere
también a la cancela de algunas iglesias prerrománicas.
1 Analiza y comenta la obra propuesta.
2 Desarrolla.
a) Características generales del arte islámico.
b) Explica la función, estructura y partes de una mezquita.
3 Menciona cuatro ejemplos representativos de la arquitectura hispanomusulmana

e indica alguna de sus características.
B2-1. Reconocer y explicar las concepciones B2-1.20. Describe los rasgos esenciales
1, 2
estéticas y las características esenciales del arte de la mezquita y el palacio islámicos.
medieval, relacionando cada uno de sus estilos
B2-1.21. Explica la evolución del arte
con su contexto histórico y cultural. 2, 3
hispanomusulmán.
significativas del arte medieval, aplicando un obras hispanomusulmanas: Mezquita de Córdoba,
1, 3
método que incluya diferentes enfoques (técnico, Aljafería de Zaragoza, Giralda de Sevilla y Alhambra
formal, semántico, cultural, sociológico e histórico). de Granada.

1 1. Ficha técnica mocárabes…). Desde la sala de las Dos Hermanas se

pasa a la sala de los Ajimeces y de ahí al mirador de
Autor: Abén Cecid, por encargo del emir Muhammad V.
Daraxa o Lindaraja. El umbral del marco de acceso al
Nombre: Palacio de los Leones, en la Alhambra. mirador tiene unos alicatados más delicados y de menor
Cronología: 1377-1390. tamaño.
Localización: Granada, en las estribaciones de Sierra La decoración de yesería, sobre todo epigráfica, enmarca
Nevada. una ventana de doble arco y un parteluz situado en un
2. Descripción punto más bajo para que se pueda divisar el paisaje
La planta del palacio es cruciforme, con dos templetes en sentado en el suelo. El mirador está rematado con una
los lados menores, de tal forma que no se sabe dónde falsa cubierta con cristales de colores.
empieza el jardín y acaba la edificación. En el patio de los Leones cobra especial importancia un
En el centro posee un patio abierto de planta rectangular elemento fundamental en el arte islámico, el agua. Esta
y una fuente de mármol en el medio con 12 esculturas de corre desde la fuente situada en el centro hacia los
leones, que da nombre al patio, e inscripciones coránicas. cuatro extremos del patio, lo que proporciona una
hermosa visión y un ruido muy relajante.
Rodea el patio de los Leones una galería de 124 columnas
de mármol blanco, dispuestas en grupos de dos o tres, 3. Comentario
que proporcionan ritmo al espacio. Las columnas son La zona del palacio de los Leones se conocía como
delgadas con fuste cilíndrico y capitel de forma cúbica, haram, y constituía el área privada del emir y su familia,
a modo de cimacio, que da esbeltez a la construcción. el lugar donde vivían las mujeres y los niños del palacio.
Los arcos son apuntados o de medio punto peraltados, Por este motivo, destaca sobre el resto de zonas de la
decorados con lambrequines y enjutas de yesería, que Alhambra por su delicadeza y hermosura.
repiten el tema ornamental de la red de rombos. Los
El arte de la etapa nazarí se caracteriza por un mayor
capiteles, con hojas de acanto estilizadas o mocárabes.
sentido ornamental, ocultándose las formas constructivas
Se repite el mismo tipo de decoración de todo el edificio:
(ya que los materiales son pobres); el uso de arcos de
epigráfica, vegetal y geométrica.
medio punto peraltados o angrelados, y bóvedas de
Alrededor del patio de los Leones se disponen mocárabes; las columnas tienen basa ática y fuste liso,
habitaciones palaciegas. Los pórticos de los lados rematado en varios collarinos sobre los que reposa un
menores avanzan hacia la fuente. En los lados menores, capitel formado por un cuerpo cilíndrico con adornos de
se abren la sala de los Reyes (en cuya bóveda están lacería y otro cúbico con mocárabes o atauriques; y
pintados los diez primeros reyes de la dinastía nazarí) y la zócalos de azulejos de cerámica en la parte baja de las
sala de los Mocárabes (llamada así porque predomina estancias.
este tipo de decoración).
La Alhambra entronca con la tradición palaciega de
En los lados mayores, hay dos salas con una decoración al-Ándalus, con precedentes como el conjunto palatino
más rica: la sala de los Abencerrajes, con una cúpula de de Medina Azahara en Córdoba.
mocárabes en forma de estrellas de ocho puntas que se
abre sobre ocho trompas de mocárabes, y la sala de las 2 a) El arte islámico es reflejo de sus ideas religiosas
Dos Hermanas, con rica decoración (zócalo alicatado con y el resultado de la síntesis con los pueblos que van
decoración geométrica, a base de entrelazados de cintas conquistando: romano, mesopotámico, persa, bizantino…
de varios colores, yeserías en los paramentos, cúpula de Por tanto, es un arte con unas características particulares.
El avance en las conquistas y la necesidad de practicar Hay varios tipos de mezquitas:
su religión hizo necesaria la rápida construcción de – Mezquita hipóstila. Con naves separadas por hiladas
mezquitas, para lo que usaron materiales pobres (sobre de columnas que sostienen una techumbre adintelada.
todo ladrillo y mampuesto), superficies que luego fueron Parece que tiene su origen en la casa del profeta
decoradas con estucos, cerámica… Mahoma. Es el modelo seguido en al-Ándalus
El soporte más utilizado es el pilar de ladrillo y la y en el Magreb.
columna. El arco que más se da es el de herradura en
– Mezquita de patio central, al aire libre con cuatro
Occidente y apuntado en Oriente. A partir del siglo X se
iwanes (salas situadas en los ejes del patio). Estilo
generaliza el uso del arco de herradura apuntado,
seguido en Irán y Asia central; por ejemplo, la Mezquita
polilobulado, mixtilíneo, entrecruzado, de mocárabes…
de Ispahán.
Las cubiertas son de madera plana o con bóvedas
– Mezquita de planta central con cúpula. Ejemplo: Cúpula
de cañón, de arista, gallonadas o de gajos, o con cúpulas.
de la Roca, en Jerusalén.
En al-Ándalus se utiliza la bóveda con nervios que no se
cruzan en el centro. Si se toma como modelo la mezquita hipóstila o en T, con
La decoración se caracteriza por la exuberancia y la naves perpendiculares al muro de la quibla, una mezquita
variedad. Prima lo ornamental frente a lo estructural. Se se compone de:
encuentra estrechamente unida a la arquitectura en las – Patio o sahn. Recinto descubierto y porticado en cuyo
superficies planas y en las bóvedas, paredes y suelos, centro se encuentra la fuente o sabil para las
exteriores e interiores. abluciones.
El arte musulmán es anicónico e iconoclasta, porque de – En uno de los lados del patio se encuentra el alminar
Alá solo conocen la palabra con la que se ha revelado en o minarete, que es el lugar desde donde el almuédano
el Corán; por tanto, no se puede representar. La imagen llama a la oración. Los alminares tomaron las formas
no tiene cabida en los edificios religiosos, pero sí en los características de las torres locales de las tierras
civiles y en las artes decorativas. Como no hay decoración conquistadas: planta cuadrada, en Siria y el occidente
figurada, su lugar lo ocupan otros motivos: islámico; circular, en Irán; en espiral, en los más
– La decoración geométrica resulta ideal para reflejar la antiguos ejemplos iraquíes conservados.
perfección, la repetición y la multiplicidad de formas, – Sala de oraciones o haram. Normalmente dividida en
como elementos propios de la naturaleza de Dios. varias naves separadas por columnas o pilares,
No se organiza en torno a un punto central, sino perpendiculares al muro de la quibla (muro del fondo),
que se forman series que se extienden que está orientado a La Meca.
interminablemente.
– En la quibla se abre una pequeña habitación, llamada
– La decoración vegetal está compuesta por pequeñas
mihrab (no es un espacio sagrado, lo importante es
hojas que recubren las superficies, especialmente,
la dirección que indica). Precediendo al mihrab hay
el ataurique, inspirado en la hoja de acanto.
un espacio, la macsura, reservado para la oración
– La decoración epigráfica. Alá se ha revelado por la del califa.
palabra, de ahí que las inscripciones árabes, además
de valor ornamental, tengan valor iconográfico, porque – En esta zona se sitúa el mimbar o púlpito desde donde
sustituyen a la imagen religiosa. Hay dos tipos: la cúfica el imán dirige la oración del viernes.
(con signos angulosos, alargados y sobrios) y la nasjí 3 Mezquita de Córdoba. Pertenece al período del emirato y
(signos más libres, cursivos y redondeados). califato cordobés (756-1031). Comenzada a construir por Abd
– La decoración de mocárabes presenta formas al-Rahman I, tras sucesivas ampliaciones quedó constituida
prismáticas dirigidas hacia abajo. como una mezquita de diecinueve naves perpendiculares
La repetición de elementos, unida a la densidad al muro de la quibla. Las naves se componen de columnas
ornamental –horror vacui–, será otra característica del y pilares superpuestos con un entramado de arcos de
arte islámico. herradura y de medio punto con alternancia de policromía
en las dovelas.
b) La mezquita es el símbolo más importante y visible del
islam. Es el centro de las comunidades musulmanas. Palacio de la Aljafería, en Zaragoza. Realizado en el período
Significa «lugar de postración y de oración», pero también de los reinos de taifas (1031-1094). La parte más importante
lo es de prédica, enseñanza, reuniones sociales y del edificio es el Oratorio, con decoración epigráfica y de
escenario de acontecimientos políticos y legales. No es, ataurique en sus muros, donde también se utilizan arcos
por tanto, solo la casa de Dios, como en otras religiones. ciegos polilobulados y mixtilíneos. Aunque realizada con
Entre los preceptos del islam, uno de los más importantes materiales pobres, intenta aparentar riqueza.
es rezar cinco veces al día. El musulmán no necesita más La Torre del Oro, en Sevilla. Pertenece al período almohade
que un trozo de tierra orientado a La Meca para rezar, (hacia 1220). Se trata de una torre albarrana (independiente
pero las mezquitas constituyen un espacio para reunir a de una muralla) para la vigilancia del Guadalquivir. De planta
la comunidad en su día sagrado, el viernes, y poder dodecagonal, estuvo revestida por azulejos dorados; de ahí
realizar la oración colectiva. su nombre.
La Alhambra, en Granada. Pertenece al período nazarí
(1238-1492). Está formado por el palacio y la fortaleza. Refleja
el concepto de espacio musulmán: compartimentado,
huyendo de las grandes perspectivas, en torno a patios
y jardines. Tiene una espléndida decoración epigráfica,
vegetal y de mocárabes. Se estructura en torno a dos
palacios y dos patios (de Comares y de los Leones). Las
principales estancias de que consta son la sala de los
Abencerrajes, la sala de las Dos Hermanas y la sala de los
Mocárabes.
1 Observa las imágenes y realiza el análisis de la obra (contexto histórico-cultural,

descripción, temática, función, significado y análisis formal), evidenciando las peculiaridades
propias de la escultura románica que se observan en ella.
2 Explica este tema.

– Características de la pintura románica en la península ibérica.
3 Define los conceptos y responde brevemente a la cuestión.

• Bóveda de cañón
• Girola
• Trompa
• ¿Qué entendemos por color plano?
B2-1. Reconocer y explicar las concepciones B2-1.12. Explica las características de la escultura
estéticas y las características esenciales del arte y la pintura románicas, con especial referencia
1, 2
medieval, relacionando cada uno de sus estilos con a la iconografía.
significativas del arte medieval, aplicando un esculturas románicas: la duda de santo Tomás, en
método que incluya diferentes enfoques (técnico, el ángulo del claustro de Santo Domingo de Silos
formal, semántico, cultural, sociológico e histórico). (Burgos); Juicio Final, en el tímpano de Santa Fe
1
de Conques (Francia); Última Cena, del capitel
historiado del claustro de San Juan de la Peña
(Huesca); pórtico de la Gloria de la catedral
de Santiago.

1 1. Ficha técnica • En las jambas tiene tres parejas de estatuas-columna.
Están relacionadas con el Pórtico Real de Chartres.
Autor: Desconocido.
A la izquierda se representa a la Virgen, María
Nombre: Portada de la iglesia de Santa María la Real.
Magdalena, y María, la madre de Santiago, y a la
Cronología: Comenzó a construirse en 1131 y se derecha, san Pedro, san Pablo y Judas ahorcado.
completó durante los siglos XII y XIII.
• La Virgen lleva un libro en las manos que firmó el
Localización: Sangüesa, Navarra.
escultor: «Leodegarius me fecit» (Leodegarius me hizo).
2. Descripción • Esta parte inferior se realizaría en torno al último tercio
Presenta planta basilical y tres ábsides. La cabecera está del siglo XII, obra de Leodegarius, maestro de origen
realizada a base de taqueado jaqués. La linterna está francés.
situada sobre el transepto, donde se aprecia influencia del El cuerpo superior está dedicado al cielo:
gótico en los arcos ojivales.
•
Se trata de dos pisos de estatuas bajo arcadas
La portada del transepto meridional de Santa María la
separadas por dobles columnas, de tradición hispánica.
Real está configurada como un retablo en piedra. Es la
Se representa un apostolado, presidido por Cristo
fachada románica con mayor acumulación de imágenes.
rodeado de los símbolos del Tetramorfos, con dos
El tema de la fachada es el «Triunfo de Cristo». La
ángeles y doce apóstoles.
decoración se estructura en dos cuerpos. El cuerpo
principal, el inferior, tal vez está inspirado en el Pórtico • Su estilo recuerda al de los talleres aragoneses que
Real de Chartres. Comprende la puerta de ingreso y las trabajaron en el claustro de San Juan de la Peña.
arquivoltas elaboradas en forma de arco apuntado. Las figuras son rígidas y hieráticas, planas y sin volumen.
• En las arquivoltas se sitúan estatuillas en sentido Y la cabeza es de mayor tamaño en proporción al resto
longitudinal, que representan personajes de la sociedad del cuerpo.
medieval (guerreros, clérigos, músicos) los vicios y las En los rostros sobresalen los ojos. La anatomía se oculta
virtudes. bajo los ropajes, con pliegues excesivamente
• En el tímpano aparece el tema del Juicio Final «Cristo geometrizados.
juzga a los hombres»; a su derecha se sitúan los justos, 3. Comentario
vestidos, y a la izquierda, los condenados, desnudos.
La iglesia de Santa María la Real es una de las obras más
• Esta visión del juicio se dispone sobre una arcada que
importantes del Camino de Santiago en Navarra. La
cobija a los apóstoles, centrados por la Virgen con el
portada muestra el carácter internacional del Camino de
Niño en sus rodillas, que actúan como intercesores.
Santiago, al reflejar distintas influencias de otras zonas.
• En las enjutas del arco aparecen temas muy variados:
La función de la escultura románica es decorativa y
animales monstruosos (grifo, basilisco…), escenas del
didáctica, y tiene como fin enseñar a los fieles los dogmas
Antiguo y Nuevo Testamento (Adán y Eva, la
cristianos y la vida de Cristo. Los templos, por tanto, se
Anunciación…) y la leyenda de una saga escandinava:
convierten en «Biblia en piedra» o «Biblia de los pobres».
la protagonizada por el héroe Sirgud matando al dragón
Fafner, en la que también se recoge el momento en que Los temas vienen determinados por el terror al año 1000.
el herrero Regin forja la espada. El Apocalipsis fue una referencia constante.
Como su fin es transmitir un mensaje, será simbólica Se conservan bastantes frontales románicos, que se
y antinaturalista. Se adapta al marco arquitectónico, colocaban delante de la mesa de altar. En estas obras se
por lo que a veces se deforman las figuras, se pierde percibe la influencia bizantina, que irrumpe en España con
la proporción y la belleza. especial fuerza a partir del año 1200.
2 A lo largo de los siglos XI y XII, la pintura románica queda Se utiliza madera recubierta con varias capas de yeso que
subordinada a la arquitectura y a la escultura para convertir se pintaba al temple con colores ricos y brillantes.
los templos en microcosmos en los que reflejar las verdades 3 • Bóveda de cañón: Obra arqueada que cubre espacios
que los fieles deben conocer. entre muros o pilares, producida por el desplazamiento de
La pintura, al igual que la escultura, tiene tanto una función un arco de medio punto a lo largo de un eje longitudinal.
didáctica (enseñar a los fieles) como decorativa. • Girola: Pasillo que rodea la parte trasera del altar mayor
Son pocos los restos de pintura románica que nos quedan, de una iglesia; es una prolongación de las naves laterales.
a pesar de que casi todos los templos estaban pintados. También se denomina deambulatorio. • Trompa:
Entre sus características se pueden destacar: Estructura triangular rematada en forma de bovedilla que
sirve para achaflanar las esquinas y para sustentar las
• Los temas son los mismos que en las portadas
cúpulas que tienen base poligonal. • El color plano es el
arquitectónicas, el Pantocrátor o la Virgen, pero también
que se aplica sobre la superficie de forma continua, con la
se verán muy influidos por la temática generada por el
misma intensidad, sin gradaciones tonales ni efectos de
temor al año 1000. En las paredes del templo, escenas de
claroscuro.
los Evangelios, y en el muro de los pies, el Juicio Final.
• La frontalidad y el hieratismo son rasgos típicos, inspirados
en la iconografía bizantina y en los beatos mozárabes.
Isocefalia y jerarquía en la disposición de las figuras.
• La técnica utilizada es pintura al fresco y temple para las
pinturas murales, y temple solo cuando se pinta sobre
tabla. Para la pintura al fresco, se prepara la superficie
con un compuesto de cal, arena gruesa y agua que se
raspa para dejarla lisa. Encima se aplicaba un enlucido que
recibía directamente el color. Mientras el artista trabajaba,
tenía que estar húmeda o fresca. A veces, las pinturas
eran retocadas con temple, sobre todo los elementos que
exigían mayor detalle (rostro, contornos…). El dibujo se
llevaba a la pared con la técnica del estarcido (se pasaba
una bolsita de polvo negro sobre un papel con los
contornos de la imagen agujereados, colocado
directamente sobre el enlucido); así quedaba marcada la
silueta de la imagen que se quería representar.
• La pintura románica es estilizada y plana. El dibujo es muy
importante, y las figuras se realizan con una línea gruesa
de trazo ancho de color, generalmente negro, que delimita
las formas y contribuye a acentuar la sensación de falta de
volumen.
• El color es intenso, pero poco variado. No hay gradaciones
tonales (a lo sumo dos tonos del mismo color). En la
escuela catalana abundan los azules y los verdes, mientras
que en la castellana hay colores más cálidos y tonos
terrosos.
• No existe uso de la luz para construir las formas y sugerir
la profundidad. El hecho de que los espacios carezcan de
referencias lumínicas concretas refuerza la sensación
de atemporalidad y alude, en consecuencia, a la eternidad.
• No hay paisajes, se busca la abstracción, la sensación
de irrealidad, y no se pretende representar ningún lugar
concreto. Es muy frecuente encontrar fondos de bandas
polícromas inspiradas en las ilustraciones de los
manuscritos del siglo X, o bien fondos neutros; como
mucho, algún elemento vegetal esquemático.
En la Península destacan dos focos de pintura románica, el
catalán y el castellano.
1 Analiza la obra reproducida, relaciónala con su época e indica el estilo

artístico al que pertenece.
2 Explica este tema.

– Características generales de la arquitectura gótica.
3 Define los conceptos.

• Arbotante
• Arquivolta
• Perspectiva lineal
• Pintura al óleo
• Vidriera
B2-1. Reconocer y explicar las concepciones B2-1.14. Describe las características y evolución
estéticas y las características esenciales del arte de la arquitectura gótica y especifica los cambios 2, 3
medieval, relacionando cada uno de sus estilos introducidos respecto a la románica.
B2-1.15. Explica las características y evolución
2, 3
de la arquitectura gótica en España.
B2-1.17. Reconoce y explica las innovaciones

de la pintura de Giotto y del Trecento respecto a la 1
pintura románica y bizantina.
significativas del arte medieval, aplicando un pinturas góticas: escena de La Huida a Egipto,
método que incluya diferentes enfoques (técnico, de Giotto, en la capilla Scrovegni de Padua;
1
formal, semántico, cultural, sociológico e histórico). Matrimonio Arnolfini, de Jan van Eyck;
El descendimiento de la cruz, de Rogier van der
Weyden; El jardín de las delicias, del Bosco.
1 1. Ficha técnica veladuras. Deja atrás la influencia bizantina y el dorado

solo lo utiliza en los nimbos de los ángeles y los santos.
Autor: Giotto di Bondone.
En resumen, la rigidez y la sensación de estatismo de la
Título: Lamento sobre Cristo muerto.
tradición bizantina pierde peso en favor de los
sentimientos y las emociones, un modelo a seguir para
Técnica: Fresco con retoque al temple. toda la pintura del siglo XIV.
Localización: Capilla de los Scrovegni, en Padua.
3. Comentario
2. Descripción Este fresco pertenece a la decoración de la capilla de la
El episodio recoge el momento en que José de Arimatea, Arena de Padua, conocida también como Capilla
Nicodemo, la Virgen, Magdalena, algunos apóstoles Scrovegni. Enrico Scrovegni mandó construir esta entre
y demás personajes píos recogen el cadáver de Jesús 1302 y 1305, adjunta a su palacio, se piensa que para
para envolverlo en un sudario y depositarlo en el hacer perdonar los pecados de su padre, a quien Dante
sepulcro. sitúa en el infierno entre los usureros. La decoración
El dramatismo queda reflejado en los rostros de Cristo y pictórica de toda la capilla fue encargada a Giotto.
de María, rígidos ambos por los rigores de la muerte y por Los frescos llenan la única nave de la capilla: cubren
el dolor, respectivamente. los muros laterales y el arco triunfal con los principales
El diálogo silencioso entre la muerte y la vida queda episodios de la vida de la Virgen y de Cristo (desposorios
subrayado por la tonalidad y la desolación del paisaje. de la Virgen, anunciación de los Magos, huida a Egipto,
Únicamente una multitud de ángeles lo salpican. resurrección de Lázaro…), acompañados por los padres
Las figuras de los dolientes rodean el cuerpo de Cristo, de la Virgen (san Joaquín y santa Ana). Desde el medio
tendido entre las mujeres. Gracias a los gestos de las cañón de la bóveda, convertida en bóveda celeste,
figuras logra la expresión y refleja las emociones. presiden los bustos del Salvador y de la Virgen con el Niño
Para Giotto lo principal era la figura humana, tratada con en sendos medallones, rodeados de otros con bustos de
un carácter bastante volumétrico, consecuencia de la profetas. El muro de ingreso se reserva al Juicio Final,
importancia que da al dibujo y al uso de la luz para donde se ve a Enrico Scrovegni ofreciendo la capilla a la
modelar las figuras y matizar los colores, creando efectos Virgen. Los frescos aparecen dispuestos en bandas
de claroscuro. horizontales.
La composición está formada por figuras monumentales, 2 El estilo gótico surgió en Francia a mediados del siglo XII
en las que los pliegues de los ropajes, todavía rígidos, y perduró en algunos lugares hasta el siglo XV. Supuso un
contribuyen a lograr volumen convirtiéndolas en figuras cambio radical en la manera de construir que se produjo
tangibles. Por el tratamiento del volumen algunos como consecuencia lógica de los estudios de carácter
personajes parecen casi esculturas. En todas sus obras geométrico, matemático y aritmético a los que se había
sitúa a un personaje de espaldas para dar sensación de llegado. Pero también implica una nueva concepción del
profundidad. mundo y la comprensión de que el ser humano se acerca
Los colores de los mantos son cálidos, delicados a la divinidad a partir de la belleza y el orden implícitos
y luminosos, y en ellos destacan las finas y transparentes en la naturaleza.
Durante la etapa del gótico se construyeron muchos edificios la arquitectura gótica y que permiten prescindir del grueso
de carácter civil, algunos de ellos tan hermosos como el muro al concentrarse el peso de las bóvedas en unos
palacio de los papas de Avignon; pero, sobre todo, se puntos exteriores. Esto hace posible construir edificios
hicieron edificios religiosos, y en concreto catedrales, las más altos, porque disminuye el empuje lateral, y acentuar
cuales se distinguen del resto de las construcciones urbanas la sensación de esbeltez. Otros tipos de arcos usados a lo
por su altura. largo del desarrollo del gótico serán el lancetado, el
La catedral gótica crea un espacio que acerca a los fieles conopial y el carpanel. En la bóveda de crucería, se
a los valores simbólicos y religiosos de su época. Se trata utilizaron la cuatripartita y la sexpartita, que añadía a
de expresar la idea del templo como lugar resplandeciente aquella un nervio transversal que la dividía en seis partes.
y brillante. • Los arcos y bóvedas descansan sobre pilares, a los que
La luz es la expresión simbólica de la propia divinidad, se adosan medias columnas, en mayor número
penetra a través de las vidrieras realizadas con fragmentos y de menor tamaño a medida que se multiplican los
de vidrios de múltiples colores. El rosetón, situado nervios de las bóvedas. Son verdaderos haces de
a los pies de la iglesia, es un gran vano circular que permite pequeñas columnas que tienen en su parte superior
el paso de luz coloreada y contribuye a crear un ambiente franjas decorativas de carácter vegetal, en lugar de los
de religiosidad, que sitúa al creyente en un mundo celestial, anteriores capiteles individuales románicos.
en la Jerusalén celeste. • El sólido muro románico es reemplazado por amplios
El edificio gótico es estilizado y de gran altura, lo que invita ventanales, cuyas dimensiones aumentan
al creyente a elevar su mirada al cielo. considerablemente y donde la luz adquiere un carácter
simbólico. Los ventanales evolucionarán de forma
Esta tendencia a la verticalidad irá creciendo a medida que
semejante a los arcos. Así, en el siglo XIII un arco cobijaba
pase el tiempo y exista un mayor dominio de las técnicas
un rosetón de forma trifoliada o cuadrifoliada y dos arcos
constructivas. Por ello, las primeras catedrales, más pesadas
menores, que a su vez repetían el mismo motivo; en el
y horizontales, darán paso a edificios más esbeltos y livianos.
siglo XIV los arcos albergaban pequeños rosetones y
El interior de las catedrales se organiza de la siguiente manera: diminutos arquillos con gran desarrollo longitudinal, y en el
• La planta es de cruz latina con tres o cinco naves, donde la siglo XV las tracerías se complicaron con sinuosos perfiles
central sobresale en altura y anchura. a modo de llamas (gótico flamígero).
• Se sitúa el crucero algo más alejado de la cabecera y en • Como elemento sustentante se emplean gruesos pilares
algunos casos en el centro de la iglesia. En su parte central con baquetones sobre los que descansan los capiteles.
se ubica el cimborrio, que se remarca en altura con una
• Todo este complejo sistema constructivo debía estar
aguja, en ocasiones bellamente calada.
reforzado en el exterior con contrafuertes, en los que
• Las naves laterales se unen por detrás de la central descansan los arbotantes. Sobre los contrafuertes
creando la girola, en torno a la cual se hallan las capillas aparecen los pináculos (función constructiva y decorativa).
radiales. Las capillas también aumentan en las naves
• Las gárgolas no solo tenían una función decorativa, ya que
laterales, sobre todo por las donaciones de nobles,
servían para eliminar el agua, evitando que esta pudiera
gremios y cofradías, que con sus contribuciones ayudaban
deteriorar las cubiertas. Presentaban formas fantásticas.
de manera eficaz a la edificación del templo.
• En los edificios del siglo XIII seguirá apareciendo la tribuna, El gótico es un estilo europeo, pero no presenta
que más tarde se irá modificando en su estructura, para homogeneidad en todos los territorios en los que se
finalmente desaparecer por completo. desarrolla.
En el exterior se dan las siguientes características: 3 • Arbotante: Arco rampante que descarga sobre un
• A los pies suele haber dos torres que flanquean la fachada, contrafuerte exterior el empuje de las bóvedas. Se utiliza
con una triple portada decorada. La grandeza de las torres en la arquitectura gótica. • Arquivolta: Es la rosca o parte
empequeñece a veces la portada. Para solucionarlo se frontal de un arco que se encuentra decorada. • Perspectiva
adoptan diferentes procedimientos, como el seguido en la lineal: Modo de representar en una superficie de manera
catedral de París, que introduce un rosetón en la fachada. que las figuras aparezcan en la forma y disposición en
que se muestran a la vista en la realidad, donde las líneas
• Las portadas de las catedrales góticas eran, al mismo
de estas son convergentes hacia el fondo, más pequeñas
tiempo, un método de divulgación de la doctrina cristiana
a medida que se presentan alejadas del espectador.
y el escenario en el que tenía lugar la representación
• Pintura al óleo: Técnica pictórica que consiste en disolver
de misterios y autos sacramentales. La portada consta de
los pigmentos usando como aglutinante el aceite (linaza,
arquivoltas apuntadas, parteluz, jambas, tímpano,
nuez…). Aunque anteriormente se habían utilizado técnicas
rosetones y tracerías. En ocasiones también se realizan
similares, su invención se atribuye a los pintores flamencos
portadas monumentales en los brazos del crucero.
del siglo XV. • Vidriera: Conjunto de vidrios de distintos
Los elementos constructivos y decorativos característicos de colores, con los que se crean dibujos, y ensamblados por
las catedrales góticas son: una red de plomo de sección en H con que se cierra una
• El arco apuntado y la bóveda de crucería. Suponen la base puerta o ventana. Las mejores vidrieras se realizaron en la
del sistema de empujes y contrarrestos que caracterizan arquitectura gótica.
1 Observa las imágenes del exterior y la planta de esta obra y coméntala.
2 Características generales de la escultura italiana del Renacimiento. Selección

de los autores más representativos: Donatello (Quattrocento) y Miguel Ángel (Cinquecento).
3 Define estos conceptos.

• Almohadillado
• Candilieri
• Cimbras
• Esgrafiados
• Grutesco
• Linterna
• Tambor
• Trampantojo
B3-1. Reconocer y explicar las concepciones B3-1.2. Especifica las características de

estéticas y las características esenciales del arte la arquitectura renacentista italiana y explica 1
de la Edad Moderna, desde el Renacimiento hasta su evolución, desde el Quattrocento al manierismo.
el siglo XVIII, relacionando cada uno de sus estilos
B3-1.3. Especifica las características de la escultura
renacentista italiana y explica su evolución, desde 2
el Quattrocento al manierismo.
significativas del arte de la Edad Moderna, obras arquitectónicas del Renacimiento italiano:
aplicando un método que incluya diferentes cúpula de Santa María de las Flores e interior
enfoques (técnico, formal, semántico, cultural, de la iglesia de San Lorenzo, ambas en Florencia
sociológico e histórico). y de Brunelleschi; palacio Medici-Ricardi en
Florencia, de Michelozzo; fachada de Santa María
1
Novella y del palacio Rucellai, ambos en Florencia
y de Alberti; templete de San Pietro in Montorio
en Roma, de Bramante; cúpula y proyecto de planta
de San Pedro del Vaticano, de Miguel Ángel; Il Gesù
en Roma, de Giacomo della Porta y Vignola; Villa
Capra (Villa Rotonda) en Vicenza, de Palladio.

1 1. Ficha técnica se corresponde con una columna del pórtico. Esta
articulación se dispone rítmicamente, partiendo de la
Autor: Donato Bramante.
existencia de cuatro puertas en los extremos de los dos
Nombre: Templete de San Pietro in Montorio.
ejes del círculo, que se cruzan perpendicularmente a
Cronología: 1502. modo de cardo y decumano; cada paño de muro situado
Localización: Roma. entre dos puertas se organiza a su vez mediante un vano-
2. Descripción ventana central flanqueado por dos nichos.
El templete presenta una planta de tipo central, circular, El tambor sobre el que se apoya la cúpula es un cilindro
cuyos antecedentes los encontramos en los templos que se prolonga en un segundo piso, con alternancia de
circulares griegos (tholo de Delfos o de Epidauro) y ventanas abiertas o ciegas decoradas con conchas de
romanos (como el dedicado a Vesta en Roma), y en los gallones.
martyria paleocristianos (mausoleo de Santa Constanza Las luces y las sombras se combinan en el edificio: luz en
en Roma). La planta centralizada se asocia a la idea de las columnas, sombra en los intercolumnios; en el muro
Dios, de perfección y unidad. de la cella, luz en las pilastras y sombra en los vanos
El edificio está realizado en mármol travertino. y nichos; luz en el arquitrabe, sombra en la cornisa, etc.
Se levanta sobre un basamento circular con escalinata. Bramante depura su estilo, elimina toda su decoración y
Tiene un pórtico circular de 16 columnas toscanas (dórico da prioridad a los elementos arquitectónicos: columnas
con basa, plinto, fuste liso, collarino y capitel con equino y y cúpula.
ábaco), sobre el que descansa un entablamento circular A pesar de su pequeño tamaño, 10 metros de diámetro y
(con arquitrabe, friso a base de triglifos y metopas
1,5 metros de altura, da sensación de monumentalidad.
–decoradas con instrumentos del martirio de san Pedro
y objetos litúrgicos– y cornisa); remata el pórtico una 3. Comentario
sencilla balaustrada que configura un segundo piso. Construido por encargo de los Reyes Católicos, también
Desde este pórtico se accede a la cella, espacio cilíndrico, monarcas de Nápoles en ese momento, en el mismo
rematado por una cúpula semiesférica sobre tambor con lugar en el que, según la tradición, fue martirizado san
esfera y cruz. La cella presenta un muro exterior Pedro, eligiendo el convento de San Pietro in Montorio,
articulado por medio de nichos con remate semicircular del que el rey español era protector. En el interior hay una
avenerado, que se alternan con vanos adintelados. Nichos cripta sobre el hoyo en que los cristianos afirman que se
y vanos se separan por pilastras, cada una de las cuales colocó la cruz.
El prodigioso equilibrio de las proporciones y el ritmo En el primer tercio del siglo XVI surge un nuevo lenguaje, el
arquitectónico, así como su perfecta inclusión en el manierismo, reflejo de la crisis del momento en Europa, que
espacio cerrado del claustro de la iglesia, hacen de este servirá de tránsito al Barroco.
edificio el más puro y temprano ejemplo de clasicismo La figura principal es Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564).
renacentista. Para algunos autores las ideas desarrolladas Polifacético artista, escultor, pintor y arquitecto, destacó en
en San Pedro del Vaticano están presentes ya en esta todas las disciplinas. Magnífico conocedor de la anatomía
obra de Bramante. humana, anticipa la escultura manierista y barroca
La arquitectura del Cinquecento, cuyo centro será Roma, en el tratamiento de músculos y venas.
se caracteriza por la monumentalidad, elegancia, Realiza la Piedad del Vaticano (1499-1501), donde logra
proporción, uso de la cúpula…, todos presentes en la el equilibrio entre lo monumental y un acabado exquisito. La
obra de Bramante. Virgen, muy joven, de belleza ideal, sostiene el cuerpo de su
2 El centro del arte en el Quattrocento es Florencia. El desnudo hijo en una magnífica composición triangular.
es la mejor forma de representar la belleza, que será una de En 1503 esculpe el David para la plaza de la Signoria de
las principales preocupaciones de la escultura. El profundo Florencia. Desnudo magistral, en tensión, con mirada
conocimiento de la anatomía del cuerpo humano se plasma penetrante. La anatomía, quizás exagerada, está
en el desnudo y el retrato. Es una escultura más naturalista. perfectamente lograda. Dedica una atención especial a las
Los artistas utilizan la perspectiva para lograr la profundidad manos, de mayor tamaño que el resto. Trata el tema del
en los relieves. Se trabajan todos los tipos: relieves, retratos, David de forma completamente distinta a Donatello.
esculturas ecuestres (siguiendo el ejemplo de Roma). Su proyecto más ambicioso fue la tumba del papa Julio II. Era
Los materiales que utilizan son los mismos un monumento exento con muchas figuras y al final quedó
de la Antigüedad clásica: mármol y bronce, sobre todo. sin terminar. Solo quedan de lo que iba a ser este
Donatello (1386-1466) es el escultor más importante monumento las estatuas de Moisés, Raquel y Lía, y los
del Quattrocento. Trabajó el relieve, el bulto redondo y la esclavos (desnudos y en tensión). La escultura del Moisés es
escultura ecuestre. Utilizaba sobre todo mármol, bronce grandiosa, y en ella se aprecia la terribilitá miguelangelesca.
y piedra. Buscaba la belleza y el equilibrio, aunque en El descubrimiento del Laocoonte repercutirá en toda la
algunas de sus obras destaca el expresionismo. escultura del momento, y su influencia en el Moisés es
innegable.
Su tema principal fue la figura humana desde la infancia;
una muestra son los relieves de niños en el coro de En 1520 realiza los sepulcros de la familia Medici en la
la catedral de Florencia, realizados en 1428. En ellos iglesia de San Lorenzo de Florencia. Aparecen las figuras
representa figuras idealizadas, con distintos gestos y en sentadas de Giuliano y Lorenzo, acompañados, el primero, de
movimiento, trabajando la profundidad con el schiacciato. las figuras alegóricas del Día y la Noche, y el segundo, de las
También representó la vejez, como en la escultura del del Crepúsculo y la Aurora. Las proporciones distorsionadas
profeta Habacuc. y las figuras contrapuestas servirán de modelo a los
manieristas.
Es en las figuras juveniles donde mejor se expresó, como en
el David, realiada en bronce (1443), desnudo, con actitud Sigue trabajando distintas versiones de la Piedad,
serena y cuerpo de adolescente, o el San Jorge (1417), completamente diferentes a la del Vaticano. La mejor es la
representado como un apuesto joven. Piedad Rondanini: acabada o no, consigue una fuerza
expresiva inigualable -las dos figuras de pie, formando
En la estatua de San Juan Evangelista (1415), sentado,
un solo bloque-, que sorprende por su modernidad.
barbado, anciano, logró una fuerza interior en la línea
de lo que luego hará Miguel Ángel en su Moisés. 3 • Almohadillado: Aparejo de sillería con las juntas biseladas
o rehundidas. • Candilieri: Ornamentación renacentista que
Realizó también la escultura ecuestre del Condottiero
se aplica a los fustes de columnas o pilastras, y que se
Gattamelata durante su estancia en Padua (1443-1453). En
caracteriza por estar organizada sobre la base de un eje
ella convirtió a un jefe militar a sueldo en un emperador. Con
central longitudinal que articula motivos decorativos.
armadura, rostro concentrado, el caballo apoya la pata,
• Cimbras: Armadura de madera en torno a la cual se
ligeramente levantada, en una bola. Sigue el modelo de la
construye. • Esgrafiados: Técnica de dibujo que implica la
escultura ecuestre de Marco Aurelio.
incisión con un instrumento afilado, para realizar un dibujo
Al final de su vida, en la Magdalena, realizada en madera, no sobre un enlucido. • Grutesco: Motivo decorativo basado
rechazó lo feo y lo deforme para lograr la expresión pretendida. en seres fantásticos, vegetales y animales, completamente
Durante el siglo siguiente, en el Cinquecento, la escultura enlazados y combinados, formando un todo. • Linterna:
tuvo su centro artístico en Roma. Los nobles y los papas Remate sobre la cúpula que sirve para dar luz. • Tambor:
(Julio II o León X) fueron los mecenas. La escultura persiguió Anillo sobre el que se sustenta una cúpula. • Trampantojo:
la armonía y el equilibrio, evolucionando desde la del Ilusión óptica espacial en pintura, de manera que parezca
Quattrocento. Buscaba lo grandioso, lo monumental. La figura real lo que solo es pintado.
humana siguió siendo el tema principal, pero no tan
idealizada, sino destacando lo heroico. Se prefiere el bulto
redondo y las figuras de mayor tamaño que en el período
anterior.
1 Observa, analiza y comenta la obra propuesta. Relaciona, a partir de la obra, la pintura flamenca
y la pintura italiana renacentistas.
2 Desarrolla este tema.

– La arquitectura del Renacimiento en Europa.
3 Lee y comenta el siguiente texto.

«Algo sucedió en la cultura de los europeos durante el Renacimiento, en los siglos XV y XVI, que hizo que fijasen
su atención en el mundo que les rodeaba como no lo habían hecho anteriormente. De ese momento datan los
orígenes de la historia natural, con su interés por la descripción y la clasificación de las plantas y los animales,
y también los estudios de anatomía y medicina. Un ejemplo de esta nueva actitud empírica hacia el conocimiento
lo encontramos en un contemporáneo de Patinir, el médico suizo Paracelsus (1493-1541), que instó a sus colegas
a quemar sus textos y leer el “libro de la naturaleza”. En ese mismo contexto cultural surgió un nuevo interés
por la exploración y la descripción del territorio, que, en el mundo del arte, tuvo su manifestación más clara
en la pintura de paisajes. La idea de pintar el entorno natural surgió en varios centros artísticos europeos de forma
gradual a partir de los primeros años del siglo XV, y cobró especial impulso a inicios del XVI. En un principio,
la voluntad de reproducir la naturaleza en los cuadros se reduce a unos pocos temas que así lo exigen,
como las vidas de algunos santos o episodios religiosos en los que esta juega un papel imprescindible.
Los paisajes se suelen limitar en ese momento a un pequeño espacio en el fondo de las imágenes. Pero, una vez
iniciado, el gusto por este tipo de escenas se desarrollará de forma imparable, hasta convertirse, a partir
del segundo cuarto del siglo XVI, en un género pictórico independiente».
(Vergara, Alejandro, Patinir y la invención del paisaje, Madrid, 2007, p. 7)
B3-1. Reconocer y explicar las concepciones B3-1.5. Compara la pintura italiana del
estéticas y las características esenciales del arte de Quattrocento con la de los pintores góticos
la Edad Moderna, desde el Renacimiento hasta el flamencos contemporáneos. 1
siglo XVIII, relacionando cada uno de sus estilos con

1 1. Ficha técnica artista del Renacimiento que más veces se autorretrató,
incluso realizó retratos de sí mismo cuando era niño.
Autor: Alberto Durero.
Preocupado por las proporciones del cuerpo humano
Título: Autorretrato.
(escribe un tratado sobre ello), fue un gran estudioso de la
Cronología: 1498. perspectiva y de las técnicas de la pintura y del grabado.
Técnica: Óleo sobre tabla. Viajó a Italia, donde conoció las obras de Pollaiuolo,
Localización: Museo Nacional del Prado, Madrid. Mantegna y Leonardo da Vinci, entre otros, y entró en
contacto con las obras de la Antigüedad asimiladas ya
2. Descripción
hacía tiempo por los italianos.
El cuadro es un retrato de medio cuerpo en formato
Formado como orfebre en el taller de su padre, logró
vertical. La figura se encuentra en posición de tres cuartos,
perfeccionar la técnica del grabado. Habría que esperar
mirando al espectador y ligeramente ladeado, a la manera
a Rembrandt para encontrarnos otro artista de su misma
flamenca, y no frontalmente, como se hacía en Italia.
categoría. Pero no menos importante fue su dominio
El personaje es el propio artista, retratado con sumo del dibujo, que le reportó la fama de ser uno de los
cuidado: ricamente vestido, rostro de gran belleza y mejores dibujantes que han existido.
serenidad, cabello tratado con exquisitez, etc.
Tras años de viajes y formación, centra su actividad en
La figura va vestida con jubón blanco y negro y gorro con Núremberg, donde su temática gira en torno a aspectos
borla a juego, capa de color pardo sobre el hombro, atada religiosos, autorretratos, grabados y xilografías.
con cordón de hilos de seda. Las manos se encuentran
unidas y cubiertas con guantes, lo que indica una elevada
2 Las influencias del Renacimiento italiano no se hicieron notar
posición social. Las manos son una constante en en el resto de Europa hasta los últimos años del siglo XV.
la obra de Durero, debido a la importancia que les En Francia, España, Alemania, Inglaterra o los Países Bajos
concedía como herramientas esenciales para dar forma la afirmación de «lo moderno» se llevó a cabo remodelando
a sus pensamientos. Este retrato muestra la imagen o renovando un gótico tardío existente con el que mantenían
que de sí mismo tenía Durero, como un gran artista, una estrecha dependencia, sobre todo en arquitectura.
satisfecho de su obra y de su persona. Francia fue uno de los primeros países de Europa en recoger
Aunque las facciones de su cara son suaves, la mirada las influencias renacentistas que llegaban de Italia.
resulta fría y penetrante, y el gesto es serio y solemne, El monarca francés Carlos VIII reunió un numeroso grupo
lo que produce desconcierto y genera distancia con el de artistas italianos para que trabajaran en la corte francesa.
espectador. Pero fue con Francisco I y Enrique II cuando el Renacimiento
comenzó a despuntar en Francia.
El realismo en el rostro, al igual que el detallismo en los
ropajes y el cabello, propios de la pintura flamenca, La arquitectura renacentista francesa es principalmente
adquieren más importancia al unir la composición y el de carácter civil, y sobre todo palaciega. Muchas no son
colorido veneciano, que tanto nos recuerda a Tiziano. Otra construcciones de nueva planta, simplemente se dedican
característica que se aprecia, influencia de sus viajes a a reformar y ampliar con el nuevo estilo los palacios
Italia, es la monumentalidad de las figuras. existentes en el valle del Loira. Un ejemplo es el castillo
de Amboise, del que solo quedan restos.
A la derecha del cuadro se abre una ventana con un
paisaje de fondo, lo que muestra el interés del artista por Con el monarca Francisco I (1515-1547) comienzan
la perspectiva y por la naturaleza. las construcciones palaciegas, aunque con reminiscencias
góticas y ornamentación italianizante; el castillo de
3. Comentario
Chambord y el de Blois, con su escalera helicoidal, son un
Alberto Durero es el gran representante de la pintura claro ejemplo. Pero fue en el castillo de Fontainebleau donde
alemana del siglo XVI. trabajaron los más ilustres artistas italianos, como el
En sus autorretratos es donde se confirma como un gran tratadista Serlio, Benvenuto Cellini, Primaticio, o Rosso
conocedor del dibujo y del tratamiento de la pintura. Es el Fiorentino (discípulo de Miguel Ángel). Estos dos últimos
dieron un impulso al nuevo estilo con la creación de la
escuela de Fontainebleau.
A pesar del esfuerzo de los monarcas y de los hermosos
palacios construidos, la arquitectura francesa no desarrolló
un estilo plenamente renacentista por la influencia del gótico,
que aún pervivía.
Pierre Lescot (1515-1578) está considerado el gran arquitecto
del Louvre, ya que toda su vida la dedicó a este gran
proyecto. Aquí construyó la fachada occidental de la Cour
Carrée, donde comenzó a trabajar en 1546, y que proyectó
con una personalidad plástica hasta el momento
desconocida. El edificio está formado por dos alturas
de pilastras adosadas corintias entre ventanales inscritos
en arcos, la de la planta baja, y con frontones triangulares,
la del primer piso. En el cuerpo central, entre semicolumnas
corintias, establece hornacinas con esculturas. Sobre las dos
plantas construye una tercera, más baja, a modo de ático
decorado con relieves, sin precedentes hasta el momento.
Arquitectura y escultura se unen con gran elegancia
y movimiento. La decoración escultórica se debe a Jean
Goujon, considerado uno de los mejores escultores
franceses de la época.
El sucesor de Francisco I, Enrique II, encargó a Lescot la
continuación de las obras del palacio del Louvre, propuesto
ya por el anterior monarca. Solo llega a construir un ángulo
del patio cuadrado que proyectó, si bien se completó
posteriormente siguiendo su modelo.
3 El texto recoge la idea del cambio que se produjo en la etapa
renacentista respecto a la importancia del paisaje en la
pintura. Cuenta cómo en Europa, durante los siglos XV y XVI,
comienzan a aparecer obras donde el paisaje ya no es algo
accesorio o un simple fondo, sino que se convierte en el
protagonista de las obras. Este cambio lo relaciona el autor
con el interés creciente en la época por el estudio de «lo
natural», es decir, de plantas, de animales, de la anatomía
humana, etc., ligado al desarrollo científico.
En este nuevo género destaca el pintor Joaquim Patinir,
nacido en Amberes (1480-1524), como el creador de esta
nueva manera de interpretar el paisaje. Porque, si hasta
entonces los pintores flamencos y holandeses utilizaban
el paisaje como elemento de fondo en sus grandes
composiciones miniaturistas, con Patinir se concede por
primera vez al paisaje el protagonismo principal, y alrededor
de este se desarrollan las escenas.
En sus obras se ayudó de una amplia gama cromática:
marrones y ocres para el primer plano, verdes para el medio
plano y azules profundos para el último. Consiguió con ello
una visión telescópica, y creó una fórmula sencilla y fácil
de imitar entre sus seguidores; por ejemplo, Bruegel el Viejo.
El resultado son unos paisajes dotados de un gran sentido
poético. A partir de entonces, el paisaje se convirtió en un
género con valor propio.
1 Identifica y comenta la obra propuesta.

– La obra del Greco en Toledo: contexto social
y artístico, biografía del autor y su producción pictórica.
3 Define los siguientes términos.

• Chapitel o aguja
• Columna abalaustrada
• Crestería
• Estofado
B3-1. Reconocer y explicar las concepciones B3-1.7. Especifica las peculiaridades del
1
estéticas y las características esenciales del arte Renacimiento español y lo compara con el italiano.
de la Edad Moderna, desde el Renacimiento hasta
B3-1.10. Explica las características de la pintura
del Greco a través de algunas de sus obras más 2
representativas.
significativas del arte de la Edad Moderna, obras arquitectónicas del Renacimiento español:
aplicando un método que incluya diferentes fachada de la Universidad de Salamanca; palacio
1
enfoques (técnico, formal, semántico, cultural, de Carlos V en la Alhambra de Granada, de Pedro
sociológico e histórico). Machuca; monasterio de San Lorenzo de El Escorial,
de Juan de Herrera.

1 1. Ficha técnica conocido es el de los Evangelistas, a la derecha, adornado

en su centro con una fuente.
Autor: Juan de Herrera y Juan Bautista de Toledo.
A través de la portada situada en el centro, se accede
Nombre: Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.
al patio de los Reyes, que actúa como atrio, donde se
levanta la fachada de la iglesia. En ella destacan las
Localización: San Lorenzo de El Escorial, Madrid. columnas de orden toscano, entre las que se encuentran
2. Descripción las estatuas de los seis reyes de Judá sobre pedestales,
que identifican El Escorial como el nuevo templo
El edificio es de planta rectangular y se organiza en torno
a tres núcleos: el central, que incluye la portada central, la de Salomón.
biblioteca, el patio de los Reyes, la iglesia y, rodeando a La planta de la iglesia es centralizada de cruz griega,
esta, el palacio real; el núcleo sur, integrado por el patio subrayada además por el remate de su magnífica cúpula.
de los Evangelistas y el monasterio con sus cuatro patios En su interior, el presbiterio se encuentra elevado, y
menores, y el núcleo norte, formado por el palacio debajo está el Panteón Real, de planta octogonal,
administrativo, el seminario, el colegio y otros cuatro decorado con mármoles jaspeados que crean un
patios. ambiente sobrecogedor. Su concepción espacial es sobria
Se ha asemejado la planta del monasterio con una parrilla y monumental, con repetición de arcos, pilastras toscanas
por su forma, lo que se interpreta como una referencia al acanaladas, con gran ritmo, y bóvedas de cañón con
martirio de san Lorenzo, que murió quemado sobre dicho lunetos.
objeto. Al exterior destaca el aire sobrio y austero de todo el
De las doce torres del proyecto anterior, Herrera conjunto, sin ornamentación, y del que sobresale el
construyó solo seis: dos torres campanario que se sitúan sentido robusto del muro de granito. Como elemento
a los pies de la iglesia, y cuatro torres que, ubicadas dinamizador, las series repetitivas de ventanas, muy
en los ángulos y terminadas en agujas piramidales, sencillas, adinteladas y sin decoración.
flanquean el edificio, del que sobresale la gran cúpula. Solo la fachada de entrada al edificio rompe la austeridad
Aunque el edificio fue realizado como un todo armónico, de El Escorial. Las columnas, en la parte inferior, de mayor
destaca el eje central, en el que se encuentran la iglesia, realce visual; pilastras en la superior, más planas, dirigen
como el nuevo templo de Salomón; el palacio real, como la visión hacia el frontón, con el remate de bolas que
símbolo del poder, y el templo de la sabiduría, unifica y armoniza todos los elementos del edificio.
representado por la biblioteca. Esta solidez extrema adquiere elegancia gracias a los
A los lados de la entrada se abren dos grandes patios remates superiores de toda la edificación. Destacan las
cuadrangulares, subdivididos a su vez en cuatro más cuatro torres de los ángulos, más las otras dos, que
pequeños, siguiendo un esquema manierista, que sitúa flanquean la iglesia; y los tejados típicos de la arquitectura
los patios no directamente como prolongación de la de los Austrias, a base de pizarra a dos vertientes
entrada, sino a los lados, lo que resulta una solución muy anguladas, buhardillas, y chapiteles rematando
inesperada para el espectador. De los dos, el más las torres.
Igualmente característicos de esta arquitectura son los La pintura española del siglo XVI tiene mucha relación con la
remates de pirámides con bolas de granito que coronan italiana y la flamenca, y será eminentemente religiosa, con
los elementos altos de la construcción. pocos temas profanos.
3. Comentario Entre los principales artistas de este siglo en España están:
Pedro Berruguete, Fernando Yáñez de la Almedina, Juan de
Obra arquitectónica perteneciente al último tercio del
Juanes, Pedro de Machuca y Luis de Morales.
siglo XVI, período en el que dominó el «estilo herreriano»
en la arquitectura española, debido a la gran influencia En el último tercio trabajan muchos pintores en la decoración
que tuvo esta obra. de El Escorial, como Navarrete el Mudo, Luca Cambiaso,
Zuccaro… Destacan retratistas como Sánchez Coello,
La idea de El Escorial es personal de Felipe II, y la
discípulo de Antonio Moro, que consigue unos retratos
ejecución de sus planes también, por lo que se convierte
realistas, o Pantoja de la Cruz, pintor sobre todo de Felipe II.
en un perfecto ejemplo de condicionamiento del
mecenas sobre la obra del artista. El autor más importante es Domenico Theotocopoulos
(1541-1614), más conocido como el Greco, por su origen
Su construcción se plantea, principalmente, como
cretense. Su estilo se inscribe en la corriente manierista,
conmemoración de la victoria en la batalla de San Quintín,
que se caracteriza por la estilización de las figuras, lo que
el día de San Lorenzo de 1557, sobre los franceses.
acentúa la espiritualidad de la obra.
Otras razones que tuvo el monarca para ordenar su
Su pintura también se caracteriza por la utilización de
construcción fueron: realizar una sepultura digna para su
colores cálidos, con predominio de los rojos, amarillos,
padre Carlos V y convertirlo en panteón real; crear
verdes y azules; la pincelada suelta, rasgo que acentúa
seminarios y colegios para estudios sacerdotales,
a medida que su obra evoluciona; y el uso de escorzos
siguiendo las doctrinas del Concilio de Trento; y la propia
atrevidos en sus composiciones.
inquietud científica y didáctica del monarca, que se refleja
en la biblioteca. Por esto se trata de un complejo que En su obra se aprecian influencias de la estética bizantina
aúna varios edificios con distintas funciones: iglesia, (Cristo bendiciendo con los dedos cruzados, nimbos
panteón real, palacio, convento, biblioteca y colegio. romboidales…); la pintura veneciana (rico colorido); atrevidos
escorzos al estilo de Tintoretto, y de su estancia en Roma
El proyecto original de Juan Bautista de Toledo resultaba
(musculatura marcada, las figuras con movimiento
muy complejo por la existencia de muchas torres y la
serpentinato, complejas composiciones…).
importancia visual concedida a la iglesia.
Después de haber realizado obras en Grecia e Italia, probó
Cuando murió en 1567 se hizo cargo de las obras el
suerte como pintor en El Escorial, pero la obra el Martirio
arquitecto Juan de Herrera, que propuso una planta en
de san Mauricio y la legión tebana (1582) no gustó a Felipe II.
forma de parrilla, le dio más importancia al exterior del
edificio y concedió a todos los elementos del conjunto Se estableció definitivamente en Toledo, centro del arte
(convento, palacio, biblioteca y colegio) una función, tanto religioso español en este siglo.
de carácter práctico como simbólico. Entre sus obras más conocidas destacan: El expolio
En conjunto, la austeridad del edificio es la imagen (1577-1579); El entierro del conde de Orgaz (1586-1588);
perfecta del concepto de Estado y de imperio de Felipe II: El caballero de la mano en el pecho (h.1580), o Fray
frío y racional. Sin que falte en la concepción de la planta Hortensio Paravicino (1609).
y de las edificaciones un cuadro de relaciones En la última década del siglo XVI su pintura aumenta la
matemáticas, con simbolismo mágico, e incluso esotérico irrealidad, la idealización y la distorsión formal al alargar
para algunos. las figuras. Obras de esta época son La Anunciación (1570)
y El bautismo de Cristo (1596-1600).
2 En el siglo XVI, España se convirtió en la primera potencia,
al sumar a sus territorios los de la casa de Habsburgo, Ya a principios del siglo XVII realiza la obra de tema mitológico
que Carlos I de España unió a la corona imperial. Laocoonte; y dos paisajes interpretados de manera muy
subjetiva, Vistas de Toledo.
Felipe II mantuvo este importante Imperio hispánico
y además añadió Portugal. Sin embargo, tuvo que 3 • Chapitel o aguja: Elemento arquitectónico que se sitúa
enfrentarse a bastantes problemas (luchas con Francia, en la parte superior de una torre, campanario de una iglesia
Inglaterra, los turcos, el protestantismo…), algunos ya o edificio, a modo de remate. • Columna abalaustrada:
heredados. En Francia apoya a los católicos frente a los Columnita de perfil compuesto por molduras cuadradas
hugonotes. Contra Inglaterra España sufre la derrota de la y curvas, ensanchamientos y estrechamientos sucesivos,
Armada Invencible. El peligro turco se frena con la victoria que se emplea para ornamentar barandillas. • Crestería:
de Lepanto. Ornamentos, generalmente calados, que coronan un edificio,
Se produce una crisis en la cristiandad, al tener lugar el borde de una techumbre, etc. • Estofado: Técnica que
la Reforma protestante de Lutero, apoyado por algunos consiste en repasar el color aplicado sobre la superficie
príncipes alemanes. Las Provincias del Norte, calvinistas, dorada, haciendo dibujos de manera que aparezca el oro.
pretendían independizarse de España. La Iglesia católica
intenta frenar esta situación con la Contrarreforma, en la que
establece algunos cambios necesarios en el Concilio de
Trento y crea la Compañía de Jesús.
1 Realiza el análisis de la obra (contexto, tema, análisis formal, función...),

señalando a través de ella los rasgos de la pintura barroca en general
y de Caravaggio y el tenebrismo en particular.

– La arquitectura barroca. Rasgos definitorios de la arquitectura barroca: elementos constructivos,
espacios, tipologías, lenguaje formal, criterios estéticos. Gian Lorenzo Bernini.
3 Define brevemente los siguientes conceptos.

• Baldaquino
• Escorzo
• Naturalismo
• Tenebrismo
B3-1. Reconocer y explicar las concepciones B3-1.11. Explica las características esenciales
1, 2, 3
estéticas y las características esenciales del arte del arte barroco.
de la Edad Moderna, desde el Renacimiento hasta
B3-1.17. Distingue y caracteriza las grandes
tendencias de la pintura barroca en Italia y sus 1, 3
principales representantes.
significativas del arte de la Edad Moderna, pinturas del Barroco europeo del siglo XVII:
aplicando un método que incluya diferentes La vocación de san Mateo y La muerte de la Virgen,
enfoques (técnico, formal, semántico, cultural, de Caravaggio; Triunfo de Baco y Ariadna, en la
sociológico e histórico). bóveda del palacio Farnese de Roma, de Annibale
1
Carracci; Adoración del nombre de Jesús, bóveda
de Il Gesú en Roma, de Gaulli (Il Baciccia);
Adoración de los Magos, Las tres Gracias y El jardín
del amor, de Rubens; La lección de anatomía del
doctor Tulp y La ronda nocturna, de Rembrandt.
1 1. Ficha técnica dudando de que sea él a quien Jesucristo busca. Cristo
extiende su brazo y señala con el dedo índice al elegido.
Autor: Michelangelo Merisi, Caravaggio.
La conexión entre ambos grupos está también marcada:
Título: La vocación de san Mateo.
el personaje de primer plano, de espaldas, dirige la mirada
Cronología: 1599-1600. a Cristo y a san Pedro, al igual que el joven que está junto
Localización: Capilla Contarelli, iglesia de San Luis a Mateo. Un compañero de Mateo se obstina en no ver la
de los Franceses, Roma. llamada de Cristo y cuenta con afán las monedas que
2. Descripción acaban de recaudar. El anciano que se coloca entre
Mateo y el contador tampoco recibe la llamada de Cristo,
En La vocación de san Mateo aparecen siete figuras
dirige su mirada hacia las monedas, interesándose por lo
organizadas coherentemente, dispuestas en un plano
material y renunciando a lo espiritual.
medio, en un interior con un fondo neutro.
La luz que reproduce el gesto de Cristo no emana de él,
Representa la conversión del apóstol Mateo, que fue
como podría esperarse, y crea fuertes contrastes de luces
recaudador de impuestos, y que está sentado a la mesa
y sombras, lo que significa la irrupción y el triunfo de lo
de una taberna, contando el dinero recibido, con otras
sagrado en la esfera terrenal, sacar a los recaudadores de
cuatro personas. Por la derecha entran dos hombres
las tinieblas espirituales.
vestidos con túnicas, Cristo y san Pedro. Cristo señala a
Mateo, que parece ser el único que se da cuenta de que Pedro, símbolo de la Iglesia católica, que media entre el
Cristo se dirige a él para que le siga. mundo divino y el humano, repite con su mano el mismo
gesto que Cristo.
La obra se puede dividir en dos zonas: la superior, que
ocupa un tercio del lienzo, llena solo por una ventana El hecho de que vistan como en la época del pintor y
ciega, y la inferior, donde se concentran los personajes. sean pinturas realistas transmite la percepción del artista
de la actualidad de la escena, aunque Cristo y san Pedro
La escena está realizada a base de líneas horizontales
estén envueltos en una túnica atemporal.
y verticales (ventana, línea de las cabezas de Mateo y sus
compañeros) y diagonales (espada, piernas de los Sus personajes están sacados de la calle. Mateo y sus
caballeros), todo ello con una luz focal diagonal. acompañantes parecen jugadores de cartas que reparten
sus ganancias en una taberna.
Esta luz diagonal da estructura y fija la composición del
lienzo, dinamiza el conjunto, modela las figuras y crea los 3. Comentario
volúmenes. La escena se presenta principalmente en Caravaggio no respeta el texto bíblico, ni la forma de
penumbra, solo cortada por los rayos de luz dorada e representarlo. La pintura cuenta la escena que aparece en
irreal que hace emerger las manos, los gestos o parte de el evangelio de san Mateo: «Jesús vio un hombre llamado
la ropa, dejando casi invisible el resto. Mateo, sentado en el despacho de impuestos, y le dijo
Por encima de la figura de Cristo, que acaba de entrar en “sígueme”, y Mateo se levantó y le siguió».
la taberna, brilla un potente foco de luz, que rasga el Responde al espíritu del Concilio de Trento, que busca un
espacio diagonalmente para buscar a la sorprendida figura arte realista (en exceso), decoroso y conmovedor, para
de Mateo, que se echa para atrás y se señala a sí mismo mover a la religión mediante el ejemplo.
Mateo Contarelli, comerciante francés, compró para su El edificio se concibe de forma global, teniendo en cuenta
gloria eterna la capilla Contarelli en la iglesia de San Luis desde dónde va a ser visto; por eso los arquitectos se
de los Franceses, en Roma, para ser enterrado allí. interesan por las grandes perspectivas. En el interior se
Encargó pinturas y esculturas dedicadas al santo de su pretende crear un espacio que impresione al creyente con
nombre. una decoración más rica y colorista.
Caravaggio recibe el encargo en 1599 de dos óleos Se construye la fachada de la basílica de San Pedro del
laterales, La vocación de san Mateo y El martirio de san Vaticano. Se trata de una fachada horizontal para no
Mateo; más tarde se le pide también la pala del altar obstaculizar la visión de la cúpula de Miguel Ángel. Se divide
central, con el tema de san Mateo y el ángel. en dos pisos: en el inferior tiene ocho grandes columnas
Caravaggio es el principal representante del naturalismo y ocho pilastras que sostienen el friso, coronado por una
pictórico barroco, que supone una apuesta por los balaustrada con estatuas (Cristo en el centro y los doce
modelos realistas y populares sin idealización: los toma apóstoles), sobre el que se coloca un frontón triangular; en el
de la calle, los ángeles son golfillos, y la Virgen, cualquier cuerpo superior, se abren ventanas de distintas formas.
mujer. Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) es uno de los arquitectos
Pinta del natural copiando directamente el modelo más importantes de esta época. Utiliza elementos de la
y reproduciendo los colores reales. arquitectura clásica respetando las proporciones de los
Practica el tenebrismo, que consiste en iluminar con luz órdenes, pero dándoles un sentido diferente de fuerza
dirigida y violenta a personajes y objetos presentados y contrastes. Representa el espíritu de la Roma triunfal
sobre un fondo oscuro, logrando unas zonas muy de la Contrarreforma. Gozó de la protección de los papas.
iluminadas y otras en penumbra. Fue nombrado arquitecto de San Pedro del Vaticano
Las figuras y los objetos destacan sobre los fondos a la muerte de Maderno.
oscuros, lo que les confiere mayor plasticidad y volumen. Su obra más importante fue la plaza de San Pedro del Vaticano
Efectúa una humanización del hecho religioso que le lleva (1657-1667). Está organizada en dos espacios. El primero de
a mostrar lo sobrenatural como si fuera real. Pero no se forma trapezoidal con dos brazos rectilíneos que se cierran
queda en la mera representación de la realidad, sino que un poco, reduciendo visualmente la fachada de Maderno.
también hay un sentimiento religioso, orientado a que el Este primer espacio da paso al segundo, con dos columnatas
pueblo se identifique con ese tema. En algunos casos elípticas rematadas por un entablamento y una balaustrada
esta humanización es tan vulgar que provoca rechazo, sobre la que se asientan esculturas de santos. Las
como en La muerte de la Virgen (como modelo parece columnatas constan de cuatro hileras de columnas toscanas
que tomó a una prostituta ahogada en el Tíber). monumentales. Tenía que ser un espacio adecuado para
acoger grandes concentraciones de fieles en los actos
2 El Barroco es el movimiento artístico iniciado en Roma, bajo
religiosos y dar una entrada digna a la basílica de San Pedro.
el mecenazgo de los papas, y que se desarrolla desde finales
del siglo XVI hasta mediados del XVIII. El diseño de la plaza podría simbolizar al pontífice coronado
En el Concilio de Trento (1545-1563) se deja claro que el arte por la tiara (la cúpula de San Pedro), que con los brazos
tendrá como fin difundir las ideas de la Iglesia católica. abiertos (columnata) acoge y abraza a los fieles.
Como consecuencia de la Contrarreforma, hay un nuevo Actualmente se accede de manera frontal a la fachada de la
concepto de espacio: la arquitectura, como las demás artes, basílica, pero Bernini había dispuesto accesos diagonales,
debe persuadir al espectador y exaltar la fe católica. con los que se lograría mayor efecto sorpresa.
Roma es la ciudad más importante, hay que embellecerla Otra obra importante de Bernini es la iglesia de San Andrés
y se hará a partir del papa Sixto V. del Quirinal, organizada en planta elíptica con capillas
radiales. Cuenta con una fachada clásica, con un cuerpo
La arquitectura italiana rompe el equilibrio clásico, que ya se
central convexo entre dos laterales cóncavos que relacionan
inició en el manierismo y que culminará en la etapa barroca.
el edificio con el espacio urbano. Presenta doble pórtico, uno
Sus características generales son:
con columnas clásicas coronado por un frontón, al que se
• En los edificios se curvan los entablamentos, se parten antepone otro pequeño pórtico cóncavo.
los frontones, los muros adquieren formas cóncavas
y convexas, produciendo efectos de luces y sombras. 3 • Baldaquino: Dosel que cubre una tumba o altar. El más
común descansa sobre cuatro columnas salomónicas.
• Las columnas son de orden gigante.
• Escorzo: Modo de representar una figura dispuesta
• Las plantas de las iglesias son basilicales y, sobre todo, perpendicular u oblicuamente al plano del cuadro con el fin
centralizadas –ovales, elípticas con variaciones–, y de dar profundidad. • Naturalismo: Tendencia artística que
presentan múltiples innovaciones al utilizar la línea curva. trata de representar lo más fielmente posible la naturaleza,
• Las bóvedas son diversas: de cañón, de arista, de lunetos, evitando el idealismo. El término se aplicó en el siglo XIX y se
estrelladas, semiesféricas… La cúpula se convierte en utiliza en la práctica como sinónimo de realismo.
parte esencial de la iglesia. • Tenebrismo: Tendencia artística que utiliza grandes
• Los materiales utilizados son la piedra, el ladrillo y a veces contrastes de luz y sombra, de modo que las partes
el mármol, y se suele emplear el estuco para enlucir iluminadas destacan violentamente sobre las que no lo
paredes y techos. están. Estilo desarrollado por Caravaggio.
1 Observa y comenta esta obra.

– La pintura barroca en Flandes: Pedro Pablo Rubens.
3 Reflexiona y responde brevemente.

• ¿De qué manera influyó la religión en el arte del Barroco en Flandes y en Holanda?
B3-1. Reconocer y explicar las concepciones B3-1.16. Describe las características generales
estéticas y las características esenciales del arte de la pintura barroca y especifica las diferencias 2, 3
de la Edad Moderna, desde el Renacimiento hasta entre la Europa católica y la protestante.
B3-1.18. Especifica las particularidades
con su contexto histórico y cultural. 2, 3
de la pintura barroca flamenca y holandesa.
B3-3. Analizar, comentar y clasificar obras B3-3.9. Identifica, analiza y comenta las
significativas del arte de la Edad Moderna, siguientes pinturas del Barroco europeo del
aplicando un método que incluya diferentes siglo XVII: La vocación de san Mateo y La muerte
enfoques (técnico, formal, semántico, cultural, de la Virgen, de Caravaggio; Triunfo de Baco
sociológico e histórico). y Ariadna, en la bóveda del Palacio Farnese
de Roma, de Annibale Carracci; Adoración del 1
nombre de Jesús, bóveda de Il Gesú en Roma,
de Gaulli Adoración de los Magos, Las tres Gracias
y El jardín del amor, de Rubens; La lección de
anatomía del doctor Tulp y La ronda nocturna,
de Rembrandt.
1 1. Ficha técnica sino para componer el cuadro. Zonas en penumbra

dorada y otras tan iluminadas que deslumbran, como los
Autor: Rembrandt Harmenszoon van Rijn.
personajes principales. La luz que emana de estas figuras
Título: La ronda de noche o La compañía del capitán es irreal, y crea una atmósfera mágica y misteriosa.
Frans Banning Cocq y el teniente Willem van Ruytenburch.
El tenebrismo está remarcado aún más por el color oscuro
Cronología: 1642. de los trajes, a excepción del hombre vestido de rojo a la
Técnica: Óleo sobre lienzo. izquierda y el color blanco de los puños y cuellos. La luz
Localización: Capilla Contarelli. Iglesia de San Luis resbala por los objetos metálicos, que ofrecen mayor
de los Franceses, Roma. realismo. El color está asociado con la luz, con pinceladas
anchas, espontáneas y pastosas. Utiliza colores ricos y
2. Descripción
tonos cálidos. Se destacan algunos detalles con color:
La escena se articula según los dos ejes del rectángulo: el rojos en el echarpe del capitán y en el personaje de la
eje horizontal determina un telón de numerosos izquierda, amarillos en la joven y el teniente…
personajes que sirve de fondo, y deja en primer plano a
El dibujo pierde definición. Las figuras del segundo plano
las dos figuras principales; el eje vertical lo determina la
están más difuminadas y los contornos diluidos; da la
posición del capitán (traje negro y ancho echarpe rojo) y
impresión de que existe aire y polvo entre ellas.
el teniente, más bajo y vestido con tonos claros.
La milicia que aparece es la del capitán Frans Banning
Las diagonales de la larga lanza y del asta de la bandera
Cocq en el momento en el que este da una orden a su
se cruzan en el centro, encuadrando los dos grupos
teniente Willem van Ruytenburch, indicado por el gesto
de personas con una línea imaginaria.
de la mano y la boca abierta.
Para lograr la sensación de espacio, el autor delimita tres
Detrás del capitán y el teniente aparecen dieciséis
partes: penumbra del portalón, calle radiante de sol
integrantes de la compañía. Van a salir a hacer la ronda
y el observador.
por las calles de Ámsterdam. Cada uno porta un objeto
La acción se desarrolla en el interior de un portalón en diferente: banderas, mosquetes, tambores… Aparece
penumbra al que llega un potente rayo de luz, y sucede también un perro en la parte derecha.
de día, no de noche, como se creía antes de su
La composición es compleja y aparentemente
restauración, debido a las capas de barniz y la suciedad
desordenada: el grupo es captado de forma espontánea
que se había acumulado con el tiempo y que habían
y libre, en un instante, como si fuese una fotografía. Se
oscurecido la escena.
atribuye un sentido simbólico a las tres figuras situadas
La luz es la auténtica protagonista. Está fuera del cuadro en segundo plano, que muestran las tres fases del uso del
y entra por arriba y por la izquierda, según la dirección de mosquetón: el de la izquierda, lo carga; el de en medio,
las sombras proyectadas, y puede observarse en el reflejo dispara, y el de la derecha, lo limpia soplando.
de la mano del personaje central sobre su acompañante. En el centro de semejante agitación, una chica
Los juegos de luces y sombras recuerdan al tenebrismo lujosamente vestida, que lleva un gallo colgado a la
de Caravaggio; no lo utiliza para aumentar el dramatismo, cintura, contempla atentamente la acción. Puede
simbolizar la vigilancia, y el gallo hace referencia a que Sus retratos son cálidos y variados en texturas y colores.
esta compañía de arcabuceros de Ámsterdam tenía una Destacan los de María de Medici, Ana de Austria,el Retrato
pata de gallo en su estandarte. ecuestre del duque de Lerma o el de su esposa Elena
Solo están representados individuos pertenecientes Fourment.
a la clase media o alta, los cuales pagaron unos 100 3 En el siglo XVII los Países Bajos, que habían tenido una cultura
florines al pintor por que apareciesen sus rostros entre común antes de la Reforma protestante, quedan divididos en
las tropas integrantes de la milicia, precio bastante alto dos territorios, Holanda y Flandes, con características
para la época. Algunos estuvieron descontentos con el diferentes tanto en el aspecto religioso como en el político.
resultado porque casi no se les veía. Desde 1648 Holanda ya no depende de España, aunque
3. Comentario Flandes sigue formando parte del Imperio español.
La obra fue un encargo de la Corporación de Arcabuceros Mientras que en Holanda proliferan el protestantismo y el
de Ámsterdam para decorar la sede de la milicia. calvinismo, confesiones defendidas por Guillermo de Orange,
padre de la nación, Flandes es predominantemente católica,
Cuando la obra fue presentada en Ámsterdam, tuvo
y se convierte en avanzada de la Contrarreforma en su
una fría acogida y, si a esto se añade la muerte de la
frontera con los protestantes.
esposa de Rembrandt, supuso el inicio de un período
de decadencia para el pintor. A Flandes acuden las familias aristocráticas huidas de
Francia (por motivo de las guerras entre calvinistas y
Los retratos de grupo corporativos son la gran aportación
católicos). En su corte se multiplican los bailes, los
de la pintura holandesa. Estos son los únicos encargos de
conciertos, las representaciones teatrales…
carácter oficial de la sociedad holandesa. A través de
ellos se glorificaba el espíritu cívico de los burgueses Tras la Reforma protestante de Lutero, a fin de frenar su
holandeses. Son retratos de corporaciones ciudadanas, expansión, la Iglesia católica reacciona con un movimiento
lejos del retrato de aparato; los personajes posan de renovación conocido como Contrarreforma. Esta se
despreocupados. Además de reflejar las características servirá de algunos instrumentos: la creación de nuevas
físicas con los elementos diferenciadores de cada figura, órdenes, como los jesuitas; la reforma de otras en las que la
los personajes están bien relacionados desde el punto disciplina se había relajado, como las carmelitas, reformada
de vista compositivo. Hay distintas actitudes: serios, por santa Teresa de Jesús; la reinstauración de la práctica de
charlando, riendo… la Inquisición.
La Compañía de Jesús, creada por san Ignacio de Loyola
Rembrandt pintó otros retratos colectivos, como
en 1537, se caracteriza por su organización militar y su rígida
La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp y Síndicos
disciplina.
de los pañeros de Ámsterdam.
El Concilio de Trento, convocado por Pablo III, se celebró
2 Pedro Pablo Rubens (1577-1640) es el principal autor de la desde 1545 hasta 1563 y a él asistieron las altas jerarquías
pintura flamenca. Se formó en Amberes en el círculo de los de la Iglesia y algunos monarcas, como Carlos V. Tuvieron un
romanistas (artistas admiradores de Italia). Su pintura refleja papel destacado los jesuitas Laínez y Salmerón.
la influencia del clasicismo romano, de la pintura veneciana,
El Concilio reafirma los dogmas de la Iglesia católica, como
de la estatuaria antigua y de Caravaggio. Visitó España en
la importancia de la fe para la salvación, pero unida
varias ocasiones, y conoció la pintura de Tiziano y las
a las buenas obras; se confirman los siete sacramentos, el
colecciones reales. En 1609 se convirtió en pintor de cámara
carácter sagrado de la misa y el culto a la Virgen y los santos;
de los archiduques Alberto e Isabel Clara Eugenia.
la Vulgata es la única interpretación válida de la Biblia; se
Creó un gran taller donde trabajaron los principales artistas crean seminarios para formar al clero; los obispos deben
de la primera mitad del siglo XVII: Van Dyck, Jacob Jordaens o residir en las diócesis, y los sacerdotes, en sus parroquias; el
Frans Snyders. clero debe llevar una vida ejemplar y guardar el celibato, etc.
Su pintura se caracteriza por el movimiento (figuras En Flandes la actividad de las órdenes religiosas es enorme
inestables, escorzos y ondulaciones); la composición y los jesuitas destacarán en la Universidad de Lovaina.
asimétrica y libre; predominio del color sobre la línea,
En Holanda se popularizan las obras de carácter profano,
pincelada suelta; colores brillantes y vibrantes; la luz dirigida,
con temas como la naturaleza y la pintura costumbrista.
dejando unas zonas iluminadas y otras en penumbra.
El retrato alcanza mucha relevancia, sobre todo el retrato
Trabajó todos los géneros: pinturas alegóricas, religiosas, corporativo.
mitológicas, retratos, paisajes…
Entre su obra religiosa destacan El levantamiento de la cruz,
El descendimiento, La adoración de los Reyes Magos y La
Anunciación.
En la pintura profana desarrolla temas mitológicos. Compone
escenas con muchos personajes; repite el mismo tipo
femenino: mujeres rubias, sensuales, de anatomías
generosas y pieles sonrosadas. Realiza El jardín del amor, El
juicio de Paris, El rapto de las hijas de Leucipo, Las tres Gracias…
1 Clasifica esta obra situándola en el

tiempo y en el espacio, y señalando
su autor. Analiza el contexto histórico-
artístico en el que fue realizada,
coméntala tipológicamente y señala
sus características formales.

– La pintura barroca española: escuelas
y principales representantes.
– Señala los principales temas y
comenta las características formales
de la imaginería barroca española.
B3-1. Reconocer y explicar las concepciones B3-1.20. Explica las características de la

estéticas y las características esenciales del arte imaginería barroca española del siglo XVII 3
de la Edad Moderna, desde el Renacimiento hasta y compara la escuela castellana con la andaluza.
B3-1.21. Explica las características generales
con su contexto histórico y cultural. 2
de la pintura barroca española del siglo XVII.
B3-1.22. Describe las características y evolución

de la pintura de Velázquez a través de algunas de 2
sus obras más significativas.
significativas del arte de la Edad Moderna, siguientes obras arquitectónicas del siglo XVIII:
aplicando un método que incluya diferentes fachada del Hospicio de San Fernando, de Pedro
enfoques (técnico, formal, semántico, cultural, de Ribera; fachada del Obradoiro de la catedral
1
sociológico e histórico). de Santiago de Compostela, de Casas y Novoa;
Palacio Real de Madrid, de Juvara y Sacchetti;
Panteón de París, de Soufflot; Museo del Prado
en Madrid, de Juan de Villanueva.

1 1. Ficha técnica a la derecha, y la de la Carraca, a la izquierda. Se logra

así una fachada escenográfica.
Autor: Fernando Casas y Novoa.
Las dos torres y la gran altura de las naves marcan la
Nombre: Fachada del Obradoiro, catedral de Santiago
verticalidad en la línea del centro: parteluz de la puerta,
de Compostela.
claraboya, escudo, ventanales…
La superficie de la fachada está recubierta de variados
Localización: Santiago de Compostela. elementos decorativos que la aproximan a las obras y al
2. Descripción estilo recargado y artificioso de los hermanos
La fachada del Obradorio es el colofón de la Churriguera.
transformación barroca que se estaba llevando a cabo Las columnas sobresalen de la fachada, generando una
en la catedral de Santiago de Compostela entre los años sensación de claroscuro que desafía las normas clásicas
1738 y 1750. y aporta un gran dinamismo.
Cuando Fernando Casas y Novoa se hizo cargo de las Aparecen los motivos heráldicos, las grandes volutas,
obras, ya tenía un punto de partida, una fachada con que pierden su flexibilidad por el rigor del material
torres de Domingo de Andrade, que debía transformar empleado…
manteniendo la iluminación correcta en el recinto interior, El vano de entrada recuerda a una portada románica: se
por lo que la parte central se planteó como un enorme recurre al arco de medio punto, se delimita un espacio
espejo con vanos a través de los cuales entraba la luz. Se que parece un tímpano y se mantiene el parteluz.
decidió superponer una fachada barroca al pórtico de la En el nicho superior se ubica una escultura de Santiago
Gloria para protegerlo, aunque sus grandes proporciones vestido de peregrino, a cuyos pies se postran los reyes
no concuerdan con el pórtico románico, al que ilumina a españoles. A ambos lados y sobre bolas se pueden
través de vanos en los muros. ver dos parejas de ángeles con la cruz de la Orden
El material empleado es el granito gris. Por esta razón, de Santiago, que representan a sus dos discípulos,
los motivos decorativos serán más geométricos y Atanasio y Teodoro.
anquilosados que los del resto del país. En medio, la urna (representación del sepulcro
La fachada está dividida en dos cuerpos y flanqueada por encontrado) y la estrella (representación de las luminarias
dos torres campanarios, que se ubican de forma que vio el ermitaño Pelayo) entre ángeles y nubes.
premeditada, con el fin de rememorar las torres En la torre de la derecha está María Salomé. En la torre
medievales que debió de tener la catedral en el siglo XI: de la izquierda, el Zebedeo. A la izquierda, sobre la
la torre de las Campanas (de Domingo de Andrade), balaustrada, puede verse a santa Susana y san Juan.
A la derecha, sobre la balaustrada, a santa Bárbara colorista y luminosa, tomada de la pintura flamenca.
(guardiana de las torres y protectora contra los rayos) Dentro de la escuela valenciana destacan Francisco Ribalta
y Santiago el Menor. y José de Ribera, llamado el Spagnoletto, puesto que pasó la
La arquitectura y la escultura se combinan formando una mayor parte de su vida en Italia.
unidad perfecta. Del segundo cabe destacar sus primeros años en ese país,
Otro de los elementos singulares que presenta esta en los que pintó la serie de Los cinco sentidos, donde elige
fachada es la escalera de acceso al templo, realizada modelos de la calle, utiliza una luz tenebrista y la pincelada
por Ginés Martínez de Aranda en 1606, y que cohesiona es apretada y minuciosa. Entre sus obras podemos destacar
el espacio urbano con el interior del templo, como El sueño de Jacob y El martirio de san Felipe.
homenaje a la escalera dorada de Gil de Siloé, de Los filósofos que pintó carecen de la dignidad de la que
la catedral de Burgos, de similar estructura. deberían gozar, como Arquímedes, que no parece un sabio,
La obra es de dimensiones colosales, lo que, unido tiene el rostro sucio y va vestido con harapos. No rehúye
a su recargada decoración y al contraste con la desnudez la realidad aunque sea desagradable, como en La mujer
de la plaza general, produce en el peregrino, que ve barbuda o El patizambo. Su paleta pasa del tenebrismo
finalizado su periplo, una sensación de sobrecogimiento a un paulatino aclaramiento. En su Magdalena penitente hay
y de alivio. mayor variedad luminosa y cromática.
A Francisco de Zurbarán se le incluye en la escuela
3. Comentario
andaluza. Representa la devoción y el misticismo de forma
El siglo XVII supuso la de decadencia política y económica sencilla. Parte de la realidad, con un tenebrismo suave, para
del Imperio español al disminuir la llegada de plata de los definir los volúmenes; sus figuras parecen casi esculturas
territorios americanos. y presentan un aspecto geometrizado. Composiciones
Esta decadencia influye en la arquitectura, que no simples, sin movimiento y colores sin profundidad serán sus
encontró las condiciones adecuadas para desarrollarse. características principales.
Se utilizaron materiales pobres y se mejoraron edificios, Realizó alguna obra mitológica, como Los trabajos de
en vez de construir nuevos. De ahí la profusión de Hércules, para el palacio del Buen Retiro. Aunque la mayor
fachadas, torres, sacristías, retablos… parte de sus obras fueron encargadas por órdenes religiosas,
A pesar de la pobreza en el resto de España, hubo una como la Vida de san Pedro Nolasco para el convento de la
serie de factores que posibilitaron la arquitectura barroca Merced. Realizó figuras de santos para la Cartuja de Sevilla
en Galicia. La abundancia de granito, la tradición del o para los Jerónimos de Guadalupe, en las que refleja
trabajo en piedra y la mano de obra barata explican la la devoción serena. Es un pintor tenebrista, naturalista
proliferación de construcciones tanto civiles como e interesado por los colores cálidos y especialmente
religiosas y, sobre todo, de grandes conventos por el blanco.
y monasterios, que hace que se pueda decir que es uno Pinta retratos de damas de la alta sociedad de Sevilla como
de los períodos más brillantes de la historia del arte si fuesen las santas de su devoción; por ejemplo, Santa
gallego. Casilda.
Don José de Vega y Verdugo estuvo en el cabildo de En sus bodegones los objetos se colocan de forma sencilla
la catedral de Santiago desde 1649 y fue el promotor en la oscuridad, por eso se habla de «bodegones a lo divino
de la renovación barroca de la catedral. Dentro de esta o místicos», que ejercerán influencia en el cubismo.
renovación, Domingo de Andrade realizó la torre del Reloj En la segunda mitad del siglo XVII destaca Bartolomé
y Fernando Casas y Novoa, que sucedió a Andrade como Esteban Murillo, que se caracteriza por dar a sus figuras
maestro de obras, fue el encargado de la fachada del un carácter amable y dulce, idealizándolas.
Obradoiro.
Sus imágenes religiosas tratan de desplazar las figuras
2 La pintura barroca española del siglo XVII es de gran calidad, trágicas y pesimistas que abundaban en el barroco español.
y posee unas características que la diferencian de la del Por ejemplo, en el cuadro La Sagrada Familia del pajarito
resto de Europa. refleja un ambiente familiar.
La corte, en Madrid, es el núcleo artístico más importante, en Las Inmaculadas tienen el mismo esquema: la Virgen niña,
torno al cual se agrupan los pintores más destacados. Otros vestida con un manto azul, los paños movidos por el viento,
focos fueron Sevilla y Valencia. apoyada sobre una media luna.
Los principales clientes serán la monarquía y la Iglesia, Donde se muestra más creativo y libre es en sus pinturas
y abundan sobre todo los temas religiosos, influidos por el de niños. Los protagonistas son niños mendigos que se
espíritu de la Contrarreforma. pueden relacionar con la literatura picaresca: Niños
Los bodegones o naturalezas muertas y los retratos son comiendo uvas y melón, con clara influencia tenebrista.
géneros muy importantes. Apenas hay temas mitológicos, Más tarde estas pinturas evolucionarán hacia una técnica
paisajes o históricos. De las distintas corrientes de la pintura más luminosa, como se ve en Los niños de la concha.
del siglo XVII, la naturalista es la más relevante. En la primera Una de sus obras más conocidas es El sueño del patricio,
mitad del siglo predomina el naturalismo tenebrista, de que narra la historia de un patricio y su mujer que tienen
influencia italiana, y en la segunda mitad, una pintura más un sueño en el que se les aparece la Virgen y les revela
su voluntad de que se construya una basílica en su honor • Segundo viaje a Italia (1649-1651). Realiza los retratos de
en el monte Esquilino. Juan de Pareja (su sirviente) y el de Inocencio X, de
La pintura madrileña estará dominada por la figura de Diego profunda captación psicológica. De este período son los
Rodríguez de Silva y Velázquez, quizás el mejor Paisajes de la Villa Medici, con una pincelada más suelta,
representante de la pintura barroca española. casi impresionista.
• Período final en Madrid (1651-1660). En esta etapa la
La temática de su obra es variada: religiosa, mitológica,
técnica se hará más fluida, diluye los contornos, muestra
retratos y paisajes, etc. Su estilo parte del tenebrismo hasta
su dominio de la perspectiva aérea. Ejemplo de esta etapa
aclarar la paleta. Su técnica pasa de pinceladas firmes y finas
es la Venus del espejo, desnudo femenino de espaldas,
hasta llegar a manchas impresionistas. Logra magistralmente
con influencia de Tiziano y de Giorgione en la piel tersa; la
la perspectiva aérea. En su producción se distinguen varias
tela roja introduce cierta teatralidad en la obra. En Las
etapas:
meninas o Retrato de la familia de Felipe IV (1656) recoge
• Etapa sevillana (hasta 1623). Sus composiciones son el momento en que el artista pinta a los reyes, cuya
sencillas, con influencia tenebrista. Pinta escenas de imagen se refleja en el espejo del fondo de la habitación,
género, religiosas y retratos. Da importancia a los y llega la infanta con sus damas a hacer una visita.
elementos de las naturalezas muertas, con luz focal, En Las hilanderas (1657) trata el tema mitológico, narra
dibujo preciso, colores terrosos, ocres y cobrizos, con la fábula de Aracne, mientras que en la parte delantera
cierta influencia de Caravaggio. Realiza las obras La vieja se coloca un tema secundario, mujeres trabajando en
friendo huevos, El aguador de Sevilla y Cristo en casa de el taller de tapices.
Marta y María.
3 La escultura del siglo XVII es sobre todo religiosa, plasma los
• Primera etapa madrileña (1623-1629). En 1628 conoce a ideales de la Contrarreforma. La decadencia de la monarquía
Rubens, que le recomienda que vaya a Italia. Abandona los hace que la producción escultórica sea popular, aunque de
colores terrosos y ocres. Su paleta se hará más clara y su calidad artística. Los clientes son órdenes religiosas, iglesias
técnica más suelta. Conoce las colecciones reales. De esta y fieles agrupados en cofradías.
época es el retrato de Felipe IV. Trata el tema mitológico
Surge en estos momentos la costumbre de sacar en procesión
en el Triunfo de Baco o Los borrachos, donde funde la
a los santos y aparece el tipo de imagen procesional, solo
mitología con personajes populares; su Baco recuerda
o formando una escena.
al de Caravaggio.
La figura aislada es la principal manifestación y se mantiene
• Primer viaje a Italia (1629-1631). Descubre la pintura
el interés por el retablo.
de Rafael y Miguel Ángel. Su obra más destacada es
La temática religiosa sirve para interpretar las ideas del
La fragua de Vulcano, en la que se interesa por la anatomía
Concilio de Trento: acercar la religión al pueblo y conmover
clásica y las proporciones de la figura humana, con
al fiel. Se representan escenas de la Pasión con imágenes
influencia veneciana y armonía compositiva.
de Cristo (Ecce Homo, Jesús del Gran Poder, Cristos
• Segunda etapa madrileña (1631-1649). Tras su vuelta a yacentes, Crucificados), la Virgen, María Magdalena (para
España, la técnica se hace cada vez más suelta y las exaltar la penitencia) y los santos recién canonizados.
tonalidades más claras. Dentro de la temática religiosa
Los escultores trabajan en círculos provinciales, sin apenas
destaca la Crucifixión de san Plácido. En 1634 realiza
relación con la corte.
Las lanzas o La rendición de Breda, en el que Espínola
recibe la llave de la ciudad sitiada de mano del derrotado. Se emplea la madera, que es barata y ligera, para poder
Representa un gran número de lanzas para indicar transportarla y por ser fácil de tallar para lograr precisión
el mismo número de soldados sin tener que pintarlos. y realismo. Después, se policromaba con estofados y
Realiza retratos de cazadores para la Torre de la Parada: encarnados.
Príncipe Baltasar Carlos, Felipe IV, Infante Fernando, También se recurre a los postizos (cabello real, uñas,
etc. lágrimas de cristal). Se llegaron a realizar imágenes de vestir,
esto es, tallando solo lo que se ve: la cabeza, los pies y las
También pintó, a partir de 1635, retratos ecuestres para la
manos.
decoración del salón de Reinos. Realiza los del Príncipe, y los
de sus padres Felipe IV e Isabel de Borbón. En el de Felipe IV La escultura barroca en España se caracteriza por
presenta el caballo en posición de corveta y el monarca de el realismo expresivo.
perfil, pose muy habitual, y en el de Isabel de Borbón
aparece con un traje muy lujoso y el caballo con una pata
levantada. En el Retrato ecuestre del conde-duque de
Olivares (1638), el caballo está en movimiento, inspirado
en los de Rubens.
Igualmente importante y tratados con la misma dignidad,
a pesar de su deformidad, son los retratos de bufones
y enanos de la corte, como Pablo de Valladolid (1632-1633),
Niño de Vallecas (1637) y El bufón Calabacillas (h.1639),
entre otros.
1 Comenta la escultura de la imagen.

Analiza la obra de su autor a partir
del comentario de la pieza.
2 Desarrolla este tema:

– Francisco de Goya
y su producción artística.
– ¿Qué es y por qué se caracteriza
el Neoclasicismo?
B3-1. Reconocer y explicar las concepciones B3-1.25. Explica las razones del surgimiento
estéticas y las características esenciales del arte del Neoclasicismo y sus características generales
de la Edad Moderna, desde el Renacimiento hasta en arquitectura, escultura y pintura. 3
significativas del arte de la Edad Moderna, siguientes obras escultóricas del siglo XVIII:
aplicando un método que incluya diferentes La oración en el huerto, de Salzillo; Eros y Psique 1
enfoques (técnico, formal, semántico, cultural, y Paulina Bonaparte, de Canova.
sociológico e histórico).
B4-1. Analizar la obra de Goya, identificando B4-1.1. Analiza la evolución de la obra de Goya
en ella los rasgos propios de las corrientes de su como pintor y grabador desde su llegada
2
época y los que anticipan diversas vanguardias a la corte hasta su exilio final en Burdeos.
posteriores.
1 1. Ficha técnica La tensión contenida de la obra surge en los pies de

ambas imágenes y se prolonga hacia el centro de la
Autor: Antonio Canova.
composición, donde las cabezas quedan enmarcadas por
Título: Psique reanimada por el beso del amor los brazos de la joven.
o Eros y Psique. Los dos cuerpos se abrazan y los brazos son el marco de
Cronología: 1793. sus rostros, verdadero reflejo de la ternura y el erotismo.
Localización: Museo del Louvre, París. La obra representa de forma efectista todo el amor y la
pasión que surge repentinamente entre los dos amantes.
2. Descripción Toda la composición tiene forma de espiral, que acentúa
Escultura que representa el momento en que Eros, dios la unión de las dos figuras y el sentimiento de liberación
del Amor, acude a despertar a Psique (personificación del del sueño, en el gesto de Psique de abrazar a quien viene
alma, una joven de extraordinaria belleza) del eterno a despertarla.
sueño en el que había quedado sumida. El gusto por lo clásico, propio del Neoclasicismo, queda
La curiosidad de la chica hizo que abriera el cántaro que evidenciado por el tema, forma de los pliegues de las
le había dado Proserpina, diosa del Infierno, para que se telas, perfección de las formas, el gusto por el desnudo,
lo llevase a Venus y que contenía el secreto de la belleza. y la delicadeza y el perfecto pulido de las superficies.
Al abrir el cántaro, una nube la envolvió y cayó en un La maestría de Canova en el tratamiento del mármol le
profundo sueño del que no se despertaría hasta que permite representar el calor de los cuerpos, la vitalidad
fuera besada por Eros. y el sentimiento, algo casi imposible en un material como
Se sabe que se basó en la obra de Apuleyo el mármol, frío en apariencia.
La metamorfosis o el Asno de oro. Mediante esta representación de la pasión, el amor y el
deseo existente entre los amantes, Canova hace apología
El artista representa a Psique recostada sobre su cadera
del amor, a la vez que alude al alma inmortal del mito
derecha, la joven se vuelve hacia su amado, el dios Eros,
platónico.
que se aproxima para besarla y rodea su cuerpo con un
brazo mientras con el otro sostiene su cabeza, a la vez 3. Comentario
que ella coge la cabeza de él con sus manos. Ambos Antonio Canova estuvo rodeado y protegido por lo más
amantes se encuentran en el momento justo y tenso que influyente de la sociedad de su época. Esculpió héroes
precede al beso. que representaban, con su enorme dignidad, los más
Canova utiliza un triángulo como punto de partida de los altos valores del ser humano.
dos cuerpos. Estos son tratados de tal forma que La escultura neoclásica pretende volver al mundo clásico
componen un grupo de dos diagonales, que a su vez en forma y contenido. Las principales realizaciones son
forman una X definida por las alas de Eros, su pierna monumentos funerarios, retratos, relieves, temas
derecha y el cuerpo de Psique, en el centro de la cual se mitológicos…
encuentra el espacio que separa las dos bocas a punto La sensación que se desprende al contemplar una
de unirse. escultura neoclásica como la que nos ocupa es de
perfección técnica, pero de enorme frialdad, ya que se academicismo, y La maja desnuda, por su perfección
eluden los movimientos bruscos y la teatralidad en favor anatómica, encarnaría la belleza ideal.
de la proporción y el orden. Se busca ante todo el En los frescos de San Antonio de la Florida (1798) pinta el
equilibrio, el sosiego y la serenidad, que muchas veces se milagro de san Antonio, en el que este resucita a un asesino
traduce en expresiones de melancolía. para dar testimonio de la inocencia de su padre, acusado
2 Francisco de Goya es uno de los pintores más geniales de homicidio.
de la historia universal del arte. Se encuentra entre el Realiza una serie de grabados, Los caprichos, publicados en
Neoclasicismo y el Romanticismo en cuanto a la estética, 1799, en los que critica vicios universales, como la avaricia,
pero no cronológicamente. la lujuria, la hipocresía, y algunos tópicos, como el
Su obra es difícil de clasificar por su extraordinaria matrimonio por interés o la prostitución.1
originalidad, que la hace precursora de movimientos 4.ª etapa. La guerra de la Independencia (1808-1814)
artísticos modernos (impresionismo, expresionismo marcará la pintura de Goya. Se acentúa su pesimismo, su
y surrealismo). obra refleja la crueldad, la tragedia y el horror de la guerra
Goya nació en Fuendetodos en 1746 y se formó en Zaragoza, en sí, como fracaso absoluto de la razón.
viajó a Madrid y luego a Italia, donde conoció el tránsito del Quizá dos de sus mejores obras son La carga de los
Rococó al Neoclasicismo. mamelucos y Los fusilamientos del 3 de mayo en Madrid.
En su trayectoria artística se distinguen varias etapas: Ambas obras, realizadas en 1814, son testimonio del inicio
de la guerra en Madrid. La guerra es tratada de forma
1.ª etapa. A la vuelta de Italia, en 1771, pinta un mural en
dramática y brutal, con gran intensidad expresiva. Reduce la
el Pilar de Zaragoza. De esta etapa también destacan sus
gama cromática, se pierde el dibujo y tiene más importancia
pinturas para la Cartuja del Aula Dei, basadas en la vida
la mancha. En La carga de los mamelucos, los soldados del
de la Virgen.
ejército francés luchan en sus caballos contra los patriotas
2.ª etapa. Entre 1774 y 1791 realiza cartones para la Real
madrileños. En Los fusilamientos del 3 de mayo en Madrid
Fábrica de Tapices de Madrid. Representa la vida, los
los franceses están de espaldas, no vemos sus rostros, pero
festejos, el entretenimiento y los hábitos del pueblo, con
sí los de los patriotas, que reflejan horror y pánico. La luz del
naturalidad y riqueza de colorido. Reflejan una visión
farol fija nuestra mirada en el hombre de la camisa blanca
de la vida alegre y desenfadada. Los colores son ricos
que alza los brazos dispuesto a morir. El rojo de la sangre
y luminosos. Su dibujo es acabado y de trazo continuo.
acentúa el dramatismo.
Hay una primera etapa con obras como La merienda a orillas
Realiza una segunda serie de grabados, Los desastres
del Manzanares, El quitasol, El cacharrero, La gallina ciega,
de la guerra (1810-1820), en la que se presenta la imagen
El pelele o La pradera de San Isidro. Y, a partir de 1786,
terrible de la guerra: prisioneros mutilados, pueblos
realiza La era, La vendimia, La nevada y Las floreras.
desnutridos, etc.; no hay héroes, solo víctimas.
En 1786 es nombrado pintor de Carlos III, y en 1789, pintor
5.ª etapa (1814-1823). Regreso de Fernando VII y la
de cámara de Carlos IV.
restauración del absolutismo. El pintor se aparta de la corte
Realiza numerosos retratos de gran finura y elegancia tras
por la reacción contra los afrancesados tras el regreso de
establecer contacto con la nobleza ilustrada, y pasar a ser
Fernando VII.
protegido de la duquesa de Osuna.
En 1819 compró una casa a las afueras de Madrid, la Quinta
3.ª etapa (1792-1808). En 1792 una grave enfermedad le deja
del Sordo, y en sus paredes pintó al óleo las pinturas negras,
sordo y en su obra se nota cierto pesimismo crítico. Estos
precedentes del expresionismo.
aspectos del subconsciente anuncian el surrealismo. A su
Son obras de gran pesimismo, donde da rienda suelta a la
desgracia personal se une la virulencia de los
imaginación. Representa un mundo infernal, decadente
acontecimientos de la Francia revolucionaria, que tuvieron
y terrible. Trata los temas con una pincelada rápida e intensa,
gran repercusión en España. En su obra predominan los
reduciendo la gama cromática al gris, negro, ocre y blanco.
colores marrones, pardos y negros, se va rompiendo
el dibujo, se crean texturas de mayor expresividad. En Duelo a garrotazos, dos hombres con las piernas
semienterradas en el barro luchan desesperadamente. Alude
En sus retratos plasma la personalidad del modelo y su
a la ignorancia del hombre, que se empeña en destruirse.
situación social. Destacan los retratos de Carlos III cazador,
El aquelarre critica la superchería y la irracionalidad. En torno
Carlos IV y su esposa M.ª Luisa, pero el retrato más
al macho cabrío hay personajes con rostros deformes.
destacable es La familia de Carlos IV (1800), donde los
miembros de la familia se extienden linealmente y en un Realiza también las series de grabados La tauromaquia
segundo plano se autorretrata, como hizo Velázquez en y Los disparates o Los Proverbios, donde refleja el miedo
Las meninas. y la represión del reinado de Fernando VII.
Retrató a miembros de la nobleza, como en Los duques 6.ª etapa. Tras el Trienio Liberal y la nueva restauración
de Osuna y La condesa de Chinchón; a la burguesía más del absolutismo (1823-1828), viaja a Francia y muere
cultivada y a intelectuales como Jovellanos. en Burdeos en 1828, donde se había exiliado
voluntariamente.
Entre 1800 y 1805 pinta las majas, obras polémicas porque
no se sabe a quién representan. La maja vestida muestra una Entre sus últimas obras se puede mencionar La lechera
pincelada más suelta, más riqueza cromática y menos de Burdeos (1827), precursora del impresionismo.
3 El Neoclasicismo es un estilo artístico que surgió en torno a
1750 y que debe ser interpretado como una reacción contra
el decorativismo y la exuberancia que caracterizó al Rococó.
Su aparición está propiciada, entre otras cosas, por el
nacimiento de la arqueología, con el redescubrimiento
del mundo clásico y la Ilustración.
Se vuelve la vista hacia los temas y tradiciones artísticas
del pasado, sobre todo de la Antigüedad grecorromana,
y hay un interés por el valor didáctico y moral del arte.
La época de la Ilustración coincide con la aparición de las
tres disciplinas que se dedican al estudio del arte: la estética,
la crítica del arte y la historia del arte. Esto supone la
consideración de este como una realidad con identidad
propia y el inicio de la autonomía característica del arte
contemporáneo. La difusión de obras de arte a través
de los salones y la formación del gusto del público mediante
la crítica son pasos determinantes para liberar al artista.
El racionalismo ilustrado tiende a considerar la existencia
de modelos, generalmente identificados con los de la
Antigüedad clásica y los del Renacimiento, y, por tanto, trata
de imponer estos modelos al artista. Las Academias serán
las instituciones que velarán por que las obras de arte
se ajusten a la dignidad y a los cánones de belleza.
1 Comenta las posibilidades que ofrece el empleo de nuevos materiales

en la arquitectura del siglo XIX: hierro, hormigón y vidrio.

– El art nouveau y sus variantes en cada país: arquitectura, artes decorativas
y artes gráficas.
– ¿Qué entendemos por «escuela de Chicago»? Cita algunas obras.
B4-2. Reconocer y explicar las concepciones B4-2.6. Especifica las aportaciones de la escuela
estéticas y las características esenciales de la de Chicago a la arquitectura.
arquitectura, pintura y escultura del siglo XIX, 1, 3
relacionando cada uno de sus estilos con su
significativas del arte del siglo XIX, aplicando siguientes pinturas del siglo XIX: El baño turco, de
un método que incluya diferentes enfoques Ingres; La balsa de la medusa, de Gericault; La
(técnico, formal, semántico, cultural, sociológico Libertad guiando al pueblo, de Delacroix; Lluvia,
e histórico). vapor y velocidad, de Turner; El entierro en
Ornans, de Courbet; El ángelus, de Millet;
Almuerzo sobre la hierba, de Manet; Impresión, 1, 3
sol naciente y la serie sobre la catedral de Ruan,
de Monet; Baile en el Moulin de la Galette, de
Renoir; Jugadores de cartas y Manzanas
y naranjas, de Cèzanne; La noche estrellada y
El segador, de Van Gogh; Visión después del
sermón y El mercado, de Gauguin.

1 Las transformaciones arquitectónicas que tienen lugar aunque debemos suponer que se trataba de una modesta
durante el siglo XIX son consecuencia directa de las nuevas estructura que pudo inspirar otras, como la Estación del
necesidades de la población ante el aumento demográfico, Norte de París.
el crecimiento de las ciudades y el rápido desarrollo de las El autor más importante en la utilización de nuevos
vías de comunicación. Fueron posibles también debido a los materiales es Henri Labrouste (1801-1875). Construye
nuevos materiales que surgen con la Revolución Industrial, con hierro y cristal y recubre con un exterior clásico.
como el hierro, el acero y el hormigón. Es la época de las exposiciones universales como impulsoras
Estos materiales ofrecen múltiples ventajas: se producen y exponentes del progreso industrial, artístico y tecnológico;
en grandes cantidades y a bajo coste; son fácilmente en ellas se muestran los avances surgidos en estos campos.
transportables desde la fábrica a la obra, en forma de Las primeras fueron de ámbito nacional, pero a partir de
módulos prefabricados; son reutilizables cuando el edificio 1851 se convierten en internacionales, con el objetivo
se desmonta; cubren espacios más grandes con menos de tener una mayor difusión. Se construyen estructuras
puntos de apoyo. Las soluciones en muchos casos vendrán efímeras que duran mientras está la exposición.
dadas más por los ingenieros que por los arquitectos. La primera de ellas se celebra en Londres en 1851. Para
Para poder construir los nuevos edificios habrá que realizar albergarla se elige el diseño de un palacio de hierro y vidrio,
muchos cálculos, para que sean cada vez más altos el Crystal Palace, de Paxton. Era un edificio de 600 metros
y grandes. de largo dotado de una gran amplitud y luminosidad, gracias
Surgen nuevas tipologías de edificaciones, como puentes, a la incorporación de galerías a distintas alturas y que
invernaderos, estaciones de ferrocarril y mercados. Esta resuelve la necesidad del gran espacio preciso para la
nueva arquitectura se inicia con los puentes. Se plantean exposición y al mismo tiempo representa las conquistas de
puentes de luces cada vez mayores, simples y eficaces. la industria. Su influencia es tan grande que en pocos años
Los invernaderos son otro ejemplo, algunos realmente muchas ciudades cuentan con palacios de cristal (Madrid,
bellos. En la mayor parte no se utilizan elementos 1896, palacio de Cristal del Parque del Retiro).
decorativos y se exalta la simplificación de formas. Son La Exposición Universal de París de 1889, que conmemoró
estructuras de metal que se separan del exterior a través de el centenario de la Revolución francesa, marcó un hito
grandes placas de vidrio, como los del arquitecto británico con la Galería de las Máquinas, de Charles-Louis Dutert
Joseph Paxton. y el ingeniero Contamin. Diseñada en forma de U, se cubre
Se crean numerosas estaciones de ferrocarril. De la primera mediante grandes arcos de hierro sin apoyos intermedios
que se hizo, la de Crown Street de Liverpool, no queda nada, y dos puentes móviles.
Para esta misma exposición Gustave Eiffel levantó la torre En el art nouveau destacan las balaustradas y los apoyos de
Eiffel en pleno centro de París. Se trata de una estructura de las lámparas con formas vegetales y animales, muy
330 metros de altura que, hasta que se construyó el Empire imaginativas y caprichosas y que, junto a lo decorativo,
State Building, era la construcción más alta del mundo. Está tienen un papel estructural. También destacaron los
realizada con hierro forjado y colado y no se revistió de maestros del cristal Émile Galle y René Lalique.
ningún otro material. Se sustenta sobre arcos parabólicos En Bélgica, el art nouveau nace en Bruselas con la casa
y no tiene funcionalidad, salvo la puramente estética; es, Tassel (1892), del arquitecto Víctor Horta (1861-1947),
pues, una exaltación de la nueva arquitectura e ingeniería, considerada la primera construcción plenamente de este
del progreso y logra extraer todas las cualidades estéticas estilo. Se crean espacios ligeros y dinámicos sin pasillos,
posibles de un material como el hierro. e interiores muy decorados con motivos vegetales, columnas
2 El art nouveau surgió a finales del siglo XIX en Europa contra y barandillas de hierro, mientras que el exterior destaca por
el historicismo y la fealdad e impersonalidad de los nuevos sus tejados y fachadas ondulantes.
productos y la arquitectura industrial. Esta nueva corriente En Austria aparece en 1897 el movimiento de la Secesión
artística se denominó art nouveau en Francia y Bélgica, vienesa, fundado por varios artistas, entre los que se
modern style en Inglaterra, liberty en Italia, modernismo encontraba el pintor Gustav Klimt. Las arquitecturas de la
en España, jugendstil en Alemania, y sezessionstil en Austria. Secesión se caracterizan por su elegante y sobria decoración
Se crean nuevas formas plásticas, con la línea curva como con motivos estilizados y abstractos, su funcionalidad y una
principal elemento dinámico y una iconografía especial estructura clasicista, geométrica, equilibrada y ordenada.
donde lo misterioso, lo cambiante, lo lírico, lo vegetal tiene Su líder y gran renovador fue el arquitecto Otto Wagner, autor
gran importancia (lirio, pavo real, girasol, tallo ondulado). de estaciones de metro como la de Karlsplatz. También
Se muestra interés por las formas de la naturaleza y sus destacan Joseph Maria Olbrich, su discípulo más notable
grandes posibilidades decorativas. y su colaborador, autor del pabellón de la Secesión (1897),
En la arquitectura modernista hay dos tendencias: una que obra muy imaginativa al contraponer la estructura de planta
prefiere la línea curva y formas ondulantes, que se extendió cuadrada, cubierta por una cúpula calada y dorada hecha
por Francia, Bélgica y España, y otra que opta por la línea de láminas metálicas con motivos vegetales de gran carga
recta, la simplicación y la geometrización, que se dio en simbólica, junto a Josef Hoffmann y Adolf Loos.
Inglaterra y Austria. En Escocia destaca Charles R. Mackintosh, autor del edificio
William Morris creó el movimiento Arts and Crafts (artes que acoge la Escuela de Arte de Glasgow, obra que conjuga
y oficios), ya que creía que era necesario un cambio social y la arquitectura con el diseño mediante formas prismáticas
la mejor manera de combatir la alienación del trabajo en y rectas, líneas puras, donde domina lo geométrico.
cadena era el regreso al trabajo artesano. Su objetivo era Por la gran sobriedad exterior de su estilo, se le considera
democratizar la belleza, extendiéndola como estilo global un precursor del racionalismo.
desde la arquitectura al diseño, tanto en pintura, escultura En España, Cataluña fue el foco principal por la existencia de
y artes aplicadas como en joyería, cristal, mobiliario, tejidos, una burguesía ligada a la industria y un movimiento cultural
carteles e ilustración de libros. nacionalista (Renaixença). Destacan varios artistas:
Fue un estilo de gran poder decorativo creado para la cultura • Lluís Domènech i Montaner, autor del Palau de la Música
burguesa, urbana y cosmopolita, caracterizado por: (1908), en el que quiso reflejar la cultura catalana.
– Estilizadas formas ondulantes, con motivos inspirados en Decorado con elementos vegetales que recuerdan al
la naturaleza, exóticos o fantásticos, arabescos, libélulas o modernismo de Horta, juega con la curva y la contracurva,
flores, entrelazados. y con el hierro o vidrio.
– El uso del color incluso en arquitectura. • Josep Puig i Cadafalch, más historicista, combina en la
– Las figuras femeninas sensuales y delicadas, de largos misma obra elementos románicos, mudéjares y barrocos.
cabellos ondulados y con vaporosos pliegues en sus Realiza la casa Amatller (1899), con una fachada
vestidos. extremadamente plana y alejada de la arquitectura
En arquitectura, además de estos rasgos generales, se de Gaudí.
utilizan los nuevos materiales y sistemas arquitectónicos. • Antoni Gaudí es la figura más original, importante
El hierro fundido se usa como elemento estructural. Por sus e internacional del modernismo español. Se interesa
posibilidades decorativas, se curva y entrelaza en finas por las ideas de Ruskin y Morris, impulsor del arte total,
láminas, creando toda clase de formas en verjas, entradas de y sus primeras obras se desarrollan bajo la influencia
estaciones de metro o marquesinas y en fachadas y salones, del historicismo; es el caso de la casa Vicens (1888),
dejándolos a la vista. una de sus primeras obras relevantes, donde se funden
Conciben el edificio como un todo orgánico, tanto en su las influencias mudéjar y oriental, y El Capricho (1885),
interior como en el exterior. Muchos arquitectos diseñan en Comillas, que evoca un minarete musulmán.
chimeneas, mosaicos, barandillas, sillas y vidrieras. La siguiente etapa es de influencia neogótica, como
El art nouveau francés dejó su huella con la obra de artistas se plasma en el palacio episcopal de Astorga (1889),
como Guimard, autor de las célebres entradas del metro de en el Colegio de las Teresianas de Barcelona, realizado en
París (1891-1901). piedra y ladrillo, donde las dificultades y la escasez
económica se compensan con la creatividad y la originalidad destruyó 17.000 edificios, al ser la mayoría de madera. Hubo
de los arcos parabólicos. que rehacer Chicago, pero la especulación con los terrenos
Tras este período neomedievalista, se interesa, a partir y la gran demanda de viviendas obligaron a construir en
de 1900, por las formas orgánicas o naturalismo, cuando vertical con edificios de entre 10 y 16 alturas sobre una
comienza el período más creativo de su carrera. Empieza planta reducida, los rascacielos, lo que supuso un cambio
a construir el parque Güell (1900-1914). Güell fue para Gaudí en el rumbo de la arquitectura. Aplicaron soluciones de gran
una especie de mecenas que le hizo gran número de audacia técnica y creativa, como:
encargos, como el de esta colonia residencial, al estilo – Estructuras de hierro que alcanzan grandes alturas
de las ciudades-jardín inglesas, en un paraje desnivelado, y eliminación de muros de carga.
que el arquitecto solucionó con la construcción de viaductos – Empleo del pilar de hormigón como soporte.
integrados en el paisaje que no llegaron a completarse, – Desarrollo del ascensor eléctrico, lo que permite acceder
aunque se construyeron los accesos al parque. a mayores alturas.
Entre 1904 y 1906 construye la casa Batlló. No es – Exteriores lisos y acristalados con predominio de líneas
íntegramente suya, sino que reforma una casa ya existente verticales y horizontales.
en el paseo de Gracia en Barcelona, que Enrique Batlló,
Sus fundadores son Le Baron Jenney, autor del Leiter
empresario de la industrial textil, le encomendó. Hizo algunas Building, 1879, el primer edificio del mundo levantado con
modificaciones en la distribución interior, y recubrió la estructura metálica, y Louis Sullivan, a quien se deben los
fachada con trencadís (cerámica troceada de colores) para almacenes Carlson, 1899.
obtener efectos decorativos; el patio interior se cubre con
El Flatiron Building, edificado en 1902 en Nueva York, con
una claraboya de cristal.
22 alturas, es otra de las grandes obras emblemáticas. Fue
En 1910 realiza la casa Milá, conocida como La Pedrera, diseñado por Daniel Burnham.
nombre originalmente despectivo, porque no era del agrado
del público. Todo el edificio es una ondulación ortogonal en la
que los huecos dan más inestabilidad a la fachada. Realizada
en piedra calcárea, salvo la parte superior, y cubierta de
azulejos blancos, evoca una montaña nevada. La concibe
alrededor de dos patios curvos (uno circular y otro oval).
En la azotea destacan las salidas de la escalera rematadas
con la cruz de cuatro brazos y las chimeneas recubiertas
de cerámica que asemejan yelmos de soldados.
La Sagrada Familia es su gran obra, y en la que trabajará
en sus últimos años. Proyecto de enormes dimensiones, con
una cripta y tres fachadas, él solo termina la de la Natividad.
Sobre formas góticas, la decoración escultórica se va
haciendo abstracta, y se corona con mosaicos. La unión
de cemento, piedra, hierro y mosaicos cerámicos le dan
una gran riqueza y textura.
En las artes gráficas y aplicadas, el art nouveau encuentra un
fecundo campo de creación en las ilustraciones de libros,
revistas, imágenes, caracteres tipográficos y rótulos en los
que la letra adquiere un valor compositivo y comunicativo.
Destacan los seductores y emblemáticos carteles, libros,
diseño de vestuario, fotografías y escenografías del artista
checo Alphonse Mucha, gran amante del mundo teatral. Su
obra es de una impactante belleza plástica, llena de misterio
y modernidad. Mezcla formas sinuosas con elementos
vegetales, orientales, centroeuropeos y bizantinos.
Hacia 1910 entra en decadencia y es reemplazado por el art
decó, una variación geométrica más elegante, a base de
trazos más simples y rectilíneos.
3 Se conoce como escuela de Chicago a un estilo creado en el
último cuarto del siglo XIX por un grupo de arquitectos de
Chicago, la segunda ciudad de Estados Unidos por entonces,
y que la convierte en una metrópoli vertical y la cuna de la
arquitectura moderna.
El origen de esta nueva corriente se explica por el
devastador incendio que arrasó la ciudad en 1871 y que
1 A partir de estas dos imágenes, analiza y compara la arquitectura

racionalista con la organicista.
A B
2 Desarrolla el tema propuesto:

– Las vanguardias históricas antes de 1945: breve introducción histórico-artística,
fauvismo, expresionismo y cubismo.
3 Responde brevemente a la pregunta.

• ¿Por qué se considera este objeto una de las piezas más influyentes
y revolucionarias del siglo XX?
B5-1. Reconocer y explicar las concepciones B5-1.1. Define el concepto de vanguardia artística
estéticas y las características esenciales de las en relación con el acelerado ritmo de cambios en
2
vanguardias artísticas de la primera mitad la sociedad de la época y la libertad creativa
del siglo XX, relacionando cada una de ellas con su de los artistas iniciada en la centuria anterior.
B5-1.2. Describe el origen y características
2
del fauvismo.
B5-1.5. Identifica los antecedentes

del expresionismo en el siglo XIX, explica
sus características generales y especifica 2
las diferencias entre los grupos alemanes
El Puente y El Jinete Azul.
B5-1.7. Describe las características del dadaísmo

como actitud provocadora en un contexto 3
de crisis.
significativas del arte de la primera mitad del siglo siguientes obras arquitectónicas: edificio de
XX, aplicando un método que incluya diferentes la Bauhaus en Dessau (Alemania), de Gropius;
enfoques (técnico, formal, semántico, cultural, pabellón de Alemania en Barcelona, de Mies 1
sociológico e histórico). van der Rohe; Villa Saboya en Poissy (Francia),
de Le Corbusier; casa Kaufman (casa de
la Cascada), de Frank Lloyd Wright.

1 La arquitectura racionalista surge en Europa tras la Primera • Ventanales horizontales y corridos divididos por varillas
Guerra Mundial y utiliza los nuevos materiales (vidrio, hierro, metálicas de gran tamaño que invaden el muro, ya que
hormigón…) explotados durante la guerra. este no tiene función de carga. Esta forma de las ventanas
proporciona luz uniforme y une el espacio interior con
Se caracteriza por la utilización de la línea recta frente
el exterior.
a la curva, en formas geométricas puras. Se basa en la razón
y se adecua a la función para la que ha sido pensada: • Planta libre. Los pilares forman un esqueleto
el confort. Lo decorativo no tiene apenas importancia. independiente de los muros, de manera que el espacio
Dentro de la arquitectura racionalista de principios interior se articula libremente, colocando los tabiques
del siglo XX existen dos vertientes: con libertad.
a) La Bauhaus, con Gropius y Mies van der Rohe. La frase • Construcción sobre pilotes de hormigón a distancias
que resume la obra de Mies es «menos es más», de gran regulares. El edificio no se asienta sobre el suelo
influencia en la arquitectura de vanguardia del siglo XX. directamente; el espacio inferior es transitable. Se logra
sensación de ingravidez, perdiendo el zócalo de los
b) Le Corbusier. Nacido en Suiza, pero nacionalizado francés.
edificios tradicionales.
En Francia realizó la mayoría de sus obras.
• Azotea-jardín con cubierta plana. Las uniones de hormigón
En 1926 escribe Los cinco puntos de la nueva arquitectura,
donde defiende que la arquitectura se debe adaptar se rellenan con arena que protege de las oscilaciones
a la sociedad del momento y describe los principios térmicas. Incorpora la naturaleza a la casa.
arquitectónicos que empleará en 1931 en la Villa Saboya en La Villa Saboya es una vivienda concebida como casa
Poissy (imagen A), uno de los mejores ejemplos de de campo, unifamiliar, de hormigón y encalada, de planta
arquitectura racionalista por la simplicidad de formas cuadrada y aislada del suelo por pilotes, distribuida en dos
(cuadrado), los volúmenes elementales (cubo y cilindro) y las plantas, con un jardín sobre la cubierta.
proporciones exactas. Esos principios arquitectónicos son: La planta baja, en forma de U, alberga las zonas de vestíbulo,
• Fachada libre: con superficies lisas y planas. Gracias al servicio y garaje. El vestíbulo tiene la pared curva de vidrio.
empleo del hormigón armado se puede hacer la fachada En la primera planta hay un salón, cocina y habitaciones con
independiente de la estructura del edificio. baños y una gran terraza. La azotea del tercer piso sirve de
solárium y terraza. Las rampas interiores, que comunican La puerta principal queda casi escondida en la parte posterior.
todas las plantas de la vivienda, se conciben como un paseo Logra la integración de la casa en el paisaje natural de
arquitectónico. La villa conecta con la naturaleza por las forma magistral.
terrazas, la cristalera y las ventanas.
2 El siglo XX se caracteriza por grandes cambios políticos,
Por otro lado, alejada del racionalismo, está la arquitectura
económicos y sociales. Con la Revolución Industrial de
organicista, que busca satisfacer las necesidades humanas
finales del XIX, el movimiento obrero ya estaba maduro.
integrando la arquitectura en el paisaje. Se concibe como un
El reparto de África y la expansión en Asia de las principales
organismo que tiene vida propia, integrado en un ambiente
potencias generó una situación inestable que, entre otros
natural y teniendo en cuenta las necesidades de quienes la
motivos, condujo a la Primera Guerra Mundial (1914-1918).
van a ocupar.
Con la Revolución rusa (octubre 1917), la dictadura del
Su máximo representante y el que acuñó el término proletariado llega al poder. Tras el breve descanso de los
organicista fue el arquitecto Frank Lloyd Wright. felices años veinte vuelven los problemas: el crac de 1929,
Estadounidense y heredero de la escuela de Chicago, parte crisis económica con repercusión mundial, y el surgimiento
del orden natural y crea un tipo de vivienda más libre –las del fascismo y el nazismo desembocarán en la Segunda
casas de la pradera– para las clases medias. Lo importante Guerra Mundial (1939-1945).
es la comodidad y el diseño del hábitat interior.
Las vanguardias son movimientos que aúnan a un grupo
En la casa Kaufmann o de la Cascada, en Pensilvania, parte reducido de artistas que plantean la renovación del arte,
de un esquema ortogonal, integrando arquitectura y romper con la tradición y la estética vigente, y reivindicar su
naturaleza. Proyecta la casa en un lugar idílico, sobre una libertad creadora. Usarán distintos recursos: en el cubismo
cascada, en una zona boscosa. predomina el dibujo y la composición con formas
Los materiales que utiliza son variados: piedra, madera, geométricas; en el fauvismo, el color, y en el expresionismo
hierro, hormigón armado o vidrio, integrados con los priman el sentimiento y la expresión.
elementos naturales (rocas, agua y vegetación). El fauvismo recibe su nombre del término fauves (fiera). El
La casa se articula en torno a un núcleo vertical, la chimenea movimiento se desarrolla en torno a 1904-1908 y se
en piedra, en la que se ensamblan las dependencias y unos caracteriza por que expresan los sentimientos a través del
prominentes voladizos de hormigón y terrazas en todas color. Los pintores fauvistas usan colores diferentes a los
direcciones. La composición juega con los volúmenes que pueden verse en la realidad. Son colores planos, fuertes,
horizontales y verticales. realzados por las líneas de los contornos; a veces un solo
Para lograr sensación de ligereza sitúa las terrazas en color ocupa grandes zonas del cuadro. Se olvidan de la
voladizo, apoyadas sobre macizos soportes empotrados en perspectiva, el claroscuro, la composición; el dibujo será
la roca, que dan la sensación de que flotan. La casa se apoya en general un aspecto secundario.
sobre vigas de cemento armado y viguetas transversales. Su figura principal es Henri Matisse, que realiza obras como
El hormigón constituye una especie de esqueleto Lujo, calma y voluptuosidad o La raya verde, que son
sustentante del edificio que libera los muros de carga. verdaderos manifiestos del fauvismo.
Así se combinan paredes de piedra con otras de vidrio en El cubismo surge entre 1907 y 1914 en París. Sus creadores
montantes metálicos muy delgados, de forma que no hay son Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Y sus
separación entre el interior y el exterior. características principales son:
La planta de la casa es libre e independiente en cada piso. • Rechazan la perspectiva y el volumen; no imitan la
Se estructura en tres pisos: naturaleza; fragmentan las formas y el espacio,
– Uno, inferior, ocupado por la entrada, una gran terraza que descomponiendo la figura en planos; los objetos se
vuela sobre la cascada y dependencias como la cocina representan desde distintos puntos de vista.
y la sala de estar, con magníficas vistas del bosque. • Representan solo la esencia de las cosas; no hay
– El piso medio está dedicado a dormitorios, baños y al gradaciones entre luces y sombras.
despacho del señor Kaufmann. Proyecta también una gran • Las formas de la naturaleza se traducen en cilindros,
terraza hacia el exterior, que forma con la anterior cubos, esferas… Utilizan colores apagados (grises, ocres,
un ángulo de 90º. Una parte de ella está cubierta por verdes suaves…), muchas veces alejados de la realidad.
la anterior, pero hay otra parte, absolutamente libre, • Los géneros más tratados son bodegones, paisajes
que no quita ni luz ni sol a estas dependencias. y retratos.
– En el piso superior hay otras habitaciones, pero son más El cuadro que inicia el cubismo es Las señoritas de Avignon
pequeñas. (1907), de Picasso.
Las paredes interiores pueden adelgazarse, curvarse, En 1937, Picasso realiza el Guernica, obra en la que fusiona
moverse, separando o conectando los distintos ambientes: el surrealismo, el expresionismo y el cubismo sintético para
el cuarto de estar, el comedor… Todo ello por funcionalidad, reflejar la tragedia y el dolor de un bombardeo durante la
pero con un fin esencial: servir al hombre y sus necesidades. Guerra Civil española (1936-1939). Tras la Segunda Guerra
En el interior utiliza los contrastes. Juega con diferentes Mundial se dedica intensamente a la cerámica y al grabado,
materiales: paredes estucadas al lado de paredes de madera, y en su última etapa reinterpreta a los grandes maestros
hormigón armado, piedra, vidrio… de la pintura, como Velázquez o Manet.
El movimiento expresionista surgió a principios del siglo XX Firmó el urinario como R. Mutt, en un desafío antiartístico.
en Alemania y estaba formado por un grupo de artistas La obra fue rechazada, pero cuando el jurado supo que su
dedicados a expresar en su obra las emociones, la angustia autor era Duchamp, la pieza fue readmitida, lo que abrió
y el sufrimiento; no les interesaba representar la realidad el debate sobre si es más importante la obra o la firma
de forma objetiva. Sus características fundamentales son: del autor. Duchamp descontextualiza el objeto, le cambia
• Usan colores puros, formas retorcidas, composiciones el nombre, da la vuelta al urinario y cambia la firma del
agresivas. No importa la luz ni la perspectiva. Dan más fabricante, cobrando así un nuevo significado.
importancia al color que a la línea, distorsionando la De esta forma, el objeto carente de valor artístico en sí
forma. A veces aplican la pintura de forma violenta. mismo, al ser presentado en otro contexto cobra valor,
• Son temas recurrentes lo fantástico, la angustia, la muerte, cuestionando así el concepto tradicional de obra de arte. Se
las máscaras… Revelan el lado más pesimista de la vida, eleva a la categoría de objeto artístico por la simple elección
por el momento histórico que les ha tocado vivir. del artista, que se toma en serio romper la fina línea que
separa lo genial de lo estrafalario. El valor estético no es un
• No formarán un grupo tan homogéneo como el resto
procedimiento técnico, sino un puro acto mental. De forma
de las vanguardias. Cada artista trabaja con mayor
que un objeto cualquiera puede ser presentado como si
independencia y, por eso, habrá diversidad estilística.
fuera una obra artística.
Desde finales del siglo XIX aparecen autores precursores
del expresionismo. Destaca el noruego Edvard Munch,
obsesionado con la enfermedad y la muerte (su hermana
y su madre murieron de tuberculosis). Su estilo se apoya
en curvas sinuosas, color violento, arbitrario y sensación
opresiva. En su obra El grito (1893) ya se manifiestan sus
características principales: curvas sinuosas, color arbitrario
y sensación opresiva. Le interesan más los sentimientos que
los objetos. Es en esta obra donde mejor refleja la angustia,
la desesperanza y la soledad del hombre, así como su vida
atormentada. 5
Vassily Kandinsky es otro expresionista que evolucionó hasta
la abstracción partiendo de sus cuadros Improvisaciones
(1910), ya que el objeto era secundario. Le interesaba la
riqueza cromática y la simplificación formal. Para él, el círculo
representaba lo acabado; el triángulo, lo elevado. Antepone
las formas puras a las de la naturaleza.
Dentro del expresionismo se encuadran también dos
colectivos de artistas:
• Die Brücke (El Puente), formado en Dresde en 1905. Es un
expresionismo deformante que transmite preocupaciones
sociales y políticas. Prefieren los tonos oscuros, las
temáticas macabras, plasman las angustias interiores
y sus preocupaciones existenciales. Tienen influencia del
fauvismo y del cubismo. Destacan Emil Nolde y Kirchner.
• Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) surge en Múnich hacia
1911, cuando Die Brücke se ha disuelto. Es un grupo más
abierto, forman parte de él muchos artistas extranjeros,
como Kandinsky y Paul Klee. Prefieren un expresionismo
más lírico, subjetivo y exquisito. Les importa más cómo
representar algo que el tema en sí, para captar la esencia
espiritual de la realidad hasta llegar a la abstracción.
3 En la primera exposición de artistas independientes de
Estados Unidos que tuvo lugar en 1917, Marcel Duchamp
presentó una serie de objetos vulgares y provocadores bajo
la denominación ready-made (ya hecho), entre ellos esta
Fuente, un urinario común de porcelana.
Duchamp es exponente del movimiento dadá, surgido en
Zúrich en 1915 en protesta por la Gran Guerra y las armas.
Su ideología no respetaba la cultura, la patria ni la religión y
pretendía luchar contra todo tipo de codificaciones. Su lema
era «Todo es arte, porque nada es arte».
1 Realiza un amplio comentario de esta obra: contexto histórico-cultural, descripción, temática,

significado y análisis formal.
2 Desarrolla el tema:
– Principales tendencias artísticas de la segunda mitad del siglo XX:
expresionismo abstracto; informalismo; pop art; op art y la nueva figuración.
3 Define los términos propuestos:

• Arte povera
• Diseño gráfico
• Formas biomórficas
• Grafiti
• Perfomance
B6-1. Reconocer y explicar las concepciones B6-1.4. Explica y compara el informalismo

estéticas y las características esenciales del arte europeo y el expresionismo abstracto 2
desde la segunda mitad del siglo XX, norteamericano.
enmarcándolo en las nuevas relaciones entre
B6-1.7. Explica el arte cinético y el op art. 2
clientes, artistas y público que caracterizan
al mundo actual. B6-1.9. Explica el arte povera. 3
B6-1.10. Distingue y explica algunas de las

principales corrientes figurativas: pop art, nueva 2
figuración, hiperrealismo.
B6-4. Identificar la presencia del arte en la vida B6-4.2. Identifica el arte en los diferentes ámbitos
cotidiana, distinguiendo los diversos ámbitos en de la vida cotidiana. 1
que se manifiesta.

1 1. Ficha técnica de diferentes culturas, principalmente esquimales,

africanas, mayas, aborígenes, y en la caligrafía china.
Autor: Keith Haring.
También influyeron en su obra los cómics y las obras de
Título: Todo el mundo.
los artistas pop, y más concretamente de Andy Warhol.
Cronología: 1989. A partir de estas influencias, su obra evolucionó hacia el
Técnica: Grafiti mural. estilo semiabstracto que lo caracterizó.
Localización: Muro sur de la iglesia de San Antonio Abad, Haring intentó combinar en su obra las influencias del
Pisa, Italia. arte pasado y contemporáneo, la música y la moda,
2. Descripción tratando siempre de romper las barreras existentes entre
estas disciplinas.
El mural contiene unas 30 figuras que representan
diferentes aspectos del ser humano: la mujer con un Su obra refleja la cultura callejera y el espíritu de la
bebé en brazos, que representa la maternidad; el hombre creación pop del Nueva York de la década de los ochenta.
que soporta sobre su espalda un delfín, que representa Algo destacable es que sus creaciones son reconocidas
la amistad con la naturaleza; las «tijeras humanas» que visualmente, mientras que se ignora, por lo general, quién
acaban con la serpiente que simbolizaría el mal; una es el autor; es decir, que en este caso la producción
mano de la que salen figuras humanas en lugar de dedos; artística ha eclipsado absolutamente la figura del artista.
la figura con un televisor en lugar de una cabeza, figuras 2 Tras la Segunda Guerra Mundial comienza una nueva etapa
con alas, con patas y rabos de animales, etc. Las en el arte estrechamente vinculada con la evolución de los
diferentes figuras parecen no relacionarse entre ellas, tiempos. Aparecen múltiples y novedosas formas de
aunque todas tienen en común la forma, el estilo y que expresión debidas a la total libertad de creación para
simbolizan algún aspecto o acción.
reinterpretar la nueva realidad. Estas tendencias establecen
Siguiendo su característico estilo, Haring representó una ruptura con las corrientes estéticas anteriores, y en ellas
las figuras de manera muy esquemática; en realidad, son se busca la originalidad y provocar una nueva mirada del
una mancha de color vivo y plano perfilada por una espectador ante la obra de arte.
gruesa línea negra. En este mural utiliza el color blanco
El expresionismo abstracto es una corriente que fusiona la
de fondo para que resalten aún más las figuras.
abstracción y el surrealismo. Surgió en Estados Unidos
En cuanto a las líneas, predominan las curvas, algo que, en 1947, cuando los artistas rompieron con la figuración
unido a las líneas que hay junto a las figuras, transmite y las influencias europeas para crear un nuevo estilo que
energía y sensación de movimiento. reflejara sus propias identidades artísticas. Este cambio
3. Comentario coincidió con la llegada y posterior influencia de pintores de
La apariencia de los dibujos de Haring es sencilla y en la vanguardia europea a Nueva York tras la II Guerra Mundial.
ellos se representan animales, figuras en movimiento y Dentro de este se desarrollan dos tendencias:
otros objetos cotidianos y fantásticos (perros, bebés – La gestual o pintura de acción (action painting). Hace del
gateando, pirámides, televisores, teléfonos, platillos proceso de creación pictórica un ritual casi físico que libera
volantes…). Haring se inspiraba en imágenes procedentes a los artistas de sus estados de ánimo. Esta peculiar técnica
está basada en acciones y gestos como derramar, gotear al pintar objetos muy conocidos, como las botellas de Coca-
o arrojar la pintura sobre el lienzo sin tensar, aplicarla Cola y las latas de sopa Campbell, y retratos de músicos y de
directamente desde el tubo, embadurnarlo con las manos grandes estrellas del cine, como sus serigrafías de Elvis o la
o mezclar materiales para lograr diversas texturas. serie de retratos de Marilyn Monroe.
– La pintura de superficie-color (color-field painting). Solo A Richard Hamilton, artista inglés, se le considera el pionero
se tienen en cuenta las mezclas de color y sus múltiples del pop art británico por su collage pop de 1956 ¿Qué es lo
combinaciones. Además, se utilizan formatos de grandes que hace a los hogares de hoy tan diferentes, tan divertidos?
dimensiones. Destaca el ruso Mark Rothko, cuya obra se Roy Lichtenstein fue un pintor y escultor estadounidense.
caracteriza por la investigación cromática. Famoso por sus óleos e imágenes comerciales de
Jackson Pollock representa el genuino expresionismo producción masiva, basados en anuncios publicitarios
abstracto americano, ajeno a estilos y a tendencias estéticas y en personajes de dibujos animados y de tiras de cómics.
y culturales europeas. Su obra es de una gestualidad extrema En su obra es destacable la utilización de puntos, los
que refleja su vitalidad. El goteo de pintura (dripping) sobre contornos marcados y el uso de brillantes colores primarios.
unas inmensas telas que colocaba en el suelo le permitía El op art o arte óptico es un movimiento de abstracción
crear auténticas marañas de líneas de pintura con puntos de geométrica, sin contenido emocional, nacido en Estados
acumulación de color. Predominan los tonos ocres y oscuros, Unidos a inicios de 1960. Creaba efectos visuales con
que provocan una sensación de angustia y vértigo en el movimiento, relieve y profundidad en superficies planas
espectador. No titulaba sus obras, sino que las numeraba y estáticas, por medio de líneas paralelas, rectas
para evitar cualquier referencia figurativa. o sinuosas, cambios de formas y tamaños y de potentes
Willen de Kooning, holandés afincado en Estados Unidos, fue contrastes cromáticos con pintura acrílica. El resultado
el representante de la abstracción gestual de la escuela son superficies de gran limpieza.
de Nueva York. Su obra es de gran densidad y fuerza, a base El francés Victor Vasarely fue su figura más destacada.
de trazos enérgicos, líneas fragmentadas, amplias y muy Exploró al máximo la interacción del color con el movimiento
marcadas. Utiliza espesas capas de óleo y pigmentos en las por medio de líneas elegantes y flexibles.
que fusiona la pintura figurativa con la abstracta, origen de
La nueva figuración es una corriente surgida en la segunda
sus célebres formas biomórficas (Mujer I); tuvo enorme
mitad del siglo XX como rechazo a la abstracción. Es una
influencia en los estilos posteriores.
vuelta a la pintura figurativa, pero ahora con un enfoque más
El informalismo surge en Europa hacia 1945, en paralelo expresionista e informal, reflejo de la violencia y de la
al expresionismo abstracto americano. Afín al ambiente angustia contemporánea.
desalentador de la posguerra, el arte informalista
Su representante es el irlandés Francis Bacon, autor de
(«sin forma») es reflejo de una ruptura total con el pasado en
retratos y autorretratos de gran carga expresiva, como
cuanto al uso de la pintura y los materiales. En lugar
el Retrato del papa Inocencio X, inspirado en la obra
del dibujo introduce signos y garabatos.
de Velázquez.
Se distinguen diferentes tendencias: la pintura matérica, que
3 • Arte povera: Surgido a finales de los años sesenta, sus
utiliza arena, aglutinantes, harapos, maderas o serrín,
creadores utilizan materiales considerados «sin valor», como
además de desgarros y cortes en el lienzo; y la corriente
telas, arcilla, hojas, madera o incluso materiales de desecho.
tachista o manchista, que usa manchas de color. Destacan
Se trataba de una reacción frente al arte tradicional, hecho
Pierre Soulages, Lucio Fontana y el Grupo Cobra.
con materiales nobles para exaltar la belleza. • Diseño
Entre los españoles informalistas se encuentran algunos de gráfico: Nuevo instrumento de comunicación visual, en
los pintores más reconocidos y referentes de la vanguardia constante evolución y de carácter interdisciplinar, que
española de posguerra. El grupo de artistas madrileños expresa mensajes gráficos a través de un lenguaje visual. Se
El Paso, con Manolo Millares, Martín Chirino, Antonio Saura aplica en el campo editorial, publicitario, diseño de marcas,
y Pablo Serrano, entre otros, y el grupo catalán Dau al Set, de webs, etc. • Formas biomórficas: Formas que evocan
adscrito al surrealismo, pero que desarrollará un estilo elementos vegetales y animales.
propio, integrado por Joan Brossa, Antoni Tàpies, Joan Ponç • Grafiti: Manifestación artística nacida en los barrios
y Modest Cuixart. marginales de Nueva York y Filadelfia en los años setenta
El pop art nació entre los años cincuenta y sesenta en con carácter reivindicativo y de protesta y, generalmente,
Estados Unidos e Inglaterra, en la era del rock y del espíritu ilegal. Sus dibujos y grafismos en las superficies urbanas
hippie. Se basa en el empleo de imágenes y los temas están tienen un carácter fresco e impactante y han influido con
extraídos del mundo de la comunicación de masas, fuerza en el mundo de la publicidad y del diseño. Es la
resaltando así el valor de la iconografía en la sociedad de libertad de expresión en estado puro por su mensaje y su
consumo. Es un arte popular, ingenioso, fresco, efímero, soporte. Actualmente se valora como expresión artística.
y que adopta una postura crítica ante el consumismo. Destacan nombres como Basquiat, Haring y el enigmático
Se produce en serie mediante serigrafías de collages Banksy. • Performance o «arte en vivo» es un término usado
y de fotomontajes. a partir de 1970 para definir algunas manifestaciones
Andy Warhol, pintor, escultor, cineasta, fotógrafo, publicista artísticas en las que la obra artística no es el objeto, sino el
y editor estadounidense, fue la figura más destacada de sujeto. El trabajo lo constituyen las acciones de un individuo
este movimiento. Logró gran popularidad en los años sesenta o de un grupo.
Dirección de arte: José Crespo.
Proyecto gráfico: Estudio Pep Carrió.
Jefa de proyecto: Rosa Marín.
Coordinación de ilustración: Carlos Aguilera.
Jefe de desarrollo de proyecto: Javier Tejeda.
Desarrollo gráfico: Raúl de Andrés, Jorge Gómez y Ana Gómez.
Dirección técnica: Jorge Mira.

Coordinación técnica: Lourdes Román.
Confección y montaje: Jorge Borrego, Sandra Fernández y Marisa Valbuena.
Corrección: Juan Miguel de Pablos y Nuria del Peso.
Documentación y selección fotográfica: Rebeca Crespo.
Fotografía: ARCHIVO SANTILLANA.
© 2016 by Santillana Educación, S. L.

Avenida de los Artesanos, 6
28760 Tres Cantos, Madrid
Printed in Spain
La presente obra está protegida por las leyes de derechos de autor y su propie-
dad intelectual le corresponde a Santillana. A los legítimos usuarios de la misma
ISBN: 978-84-141-0137-7
solo les está permitido realizar fotocopias para su uso como material de aula.
CP: 790719 Queda prohibida cualquier utilización fuera de los usos permitidos, especialmen-
Depósito legal: M-15336-2016 te aquella que tenga fines comerciales.

Arte 0

Diunggah oleh

Informasi Dokumen

Judul Asli

Hak Cipta

Format Tersedia

Bagikan dokumen Ini

Bagikan atau Tanam Dokumen

Opsi Berbagi

Apakah menurut Anda dokumen ini bermanfaat?

Apakah konten ini tidak pantas?

Hak Cipta:

Format Tersedia

Arte 0

Diunggah oleh

Hak Cipta:

Format Tersedia

B I B L I OT E C A D E L P R O F E S O R A D O

Día a día en el aula

Historia del Arte

Día a día en el aula para 2.º Bachillerato es una obra

En su elaboración ha participado el siguiente equipo:

DIRECCIÓN DEL PROYECTO

¿Por qué SABER HACER? . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 5

Recursos didácticos y atención a la diversidad

Comentarios resueltos de obras de arte . . . . . . . . . . . . . . . . 7

EL IMPULSO QUE NECESITA

En esta sección proporcionamos a los profesores una

Obras de arte comentadas

1. Pinturas de la cueva de Altamira . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 10

Pinturas de la cueva de Altamira

1. FICHA TÉCNICA contextualizadas, pues adquieren un valor narrativo, y denotan

1. FICHA TÉCNICA

1. FICHA TÉCNICA

1. FICHA TÉCNICA

Detalle de los medallones.

Relieves del ático y esculturas

1. FICHA TÉCNICA

Políptico de la adoración del Cordero Místico

1. FICHA TÉCNICA

Las tres Gracias.

1. FICHA TÉCNICA

Piedad del Vaticano

1. FICHA TÉCNICA 3. COMENTARIO

1. FICHA TÉCNICA

2. DESCRIPCIÓN El color, a pesar de la homogeneidad de los tonos empleados,

El rapto de las hijas de Leucipo

1. FICHA TÉCNICA

1. FICHA TÉCNICA

1. FICHA TÉCNICA

1. FICHA TÉCNICA

2. DESCRIPCIÓN pinceladas de pigmento blanco sobre el color grisáceo del

La Inmaculada Concepción de Aranjuez

1. FICHA TÉCNICA

La plaza de San Marcos

1. FICHA TÉCNICA

1. FICHA TÉCNICA

Impresión, sol naciente

1. FICHA TÉCNICA

La habitación de Vincent en Arlés

1. FICHA TÉCNICA

2. DESCRIPCIÓN Las líneas sinuosas están presentes en el dibujo, sobre todo en

Obreros del Rockefeller Center

1. FICHA TÉCNICA

1. FICHA TÉCNICA

Latas de sopa Campbell

1. FICHA TÉCNICA

Peine del viento

Las estructuras cambian, las esencias permanecen

1. FICHA TÉCNICA 3. COMENTARIO

En el siguiente apartado se pone a disposición del

Nombre: Curso: Fecha:

1 Comenta la obra de la imagen

2 Desarrolla el siguiente tema:

3 Define estos términos y responde

Criterios de evaluación Estándares de aprendizaje Actividades

B4-4. Analizar, comentar y clasificar obras

B4-7. Utilizar la terminología específica del arte en

1 1. Ficha técnica Tanto el estilo como la temática se encuadran dentro

Nombre: Curso: Fecha:

1 1. Ficha técnica Tanto el estilo como la temática se encuadran dentro

1 1. Ficha técnica • Elementos decorativos: celosías, capiteles, alfices,