Asignatura:

Danza en Educación Inicial

Docente:
Erika Mollo
ALUMNA:
OSORES AGUILAR JULEISI
ELIDA
SECCION: I4 - 2015
CICLO: VII
 MARINERA NORTEÑA
Declarado "Patrimonio cultural de la nación" y considerado por muchos como "La reina y
señora de todos los bailes del Perú" en sus diversas variedades regionales. La marinera
norteña es un baile de pareja mixta, en el cual la elegancia y la sensualidad se pone expreso,
donde el hombre conquista a la mujer en medio del galanteo, acechando con su mirada y el
paso cepillado, mientras que la dama coqueta la admite con picardía expresando su
sensibilidad.

Origen:
Hay muchas hipótesis respecto al origen de la Marinera, y así como se dice que tiene raíces
africanas y españolas hay también interpretaciones que le atribuyen un origen autóctono.
Según algunos, su antecedente sería la "moza
mala" o "zamacueca" que, etimológicamente,
contiene la raíz quechua y aimara "sama",
presente en expresiones vinculadas al descanso
como día festivo, como muerte y como
inspiración o aliento divino. Por ejemplo,
samaquic equivale a "descanso de todos" o
"reposo general"; y samaykiukuk significa
"descargar el enojo" o " desfogarse en el
campo". El uso del pañuelo infaltable en esta
danza, está documentado como una moda
imperante entre las mujeres de la nobleza inca.
Esta "zamacueca" habría sido sacada de su
contexto por influencia de los negros, quienes la
difundieron en pareja con mujeres catalogados como "de baja reputación" o "mozas malas",
de donde surgió el primer nombre conocido popularmente a esta danza: "mozamala". Tras la
independencia, este baile fue popularizado, y al ser asimilado por las clases dominantes,
adquirió rasgos hispanos y franceses, convirtiéndose de " baile de chingana" en elegante baile
de salón. Durante la Guerra del Pacífico (1879) la zamacueca era cantada por ambos bandos
como una arenga, y conocida, tanto por peruanos como por chilenos, como "cueca" o
"chilena". Para que no hubiese similitud en el nombre, el escritor Abelardo Gamarra (quién
además compuso la primera marinera llamada Antofagasta) la rebautizó como "Marinera" en
homenaje a nuestra Marina de Guerra y a su almirante Miguel Grau, de heroica participación
en dicho conflicto. El nuevo nombre de "Marinera" empezó a divulgarse desde entonces. Baile
de pareja con pañuelos, expresión popular de canto y baile distinta a los bailes de salón y cuya
estructura tiene, aparte de la introducción instrumental, dos partes melódicas fundamentales
que se repiten, separadas por una copla recitada en el intermedio. En este caso, la música
suele ejecutarla una banda de metales. La marinera de la costa norte es un baile de pareja
libre, independiente, en el que los danzantes improvisan pasos y figuras espontáneamente.

Significado de la marinera norteña:

La danza más amorosa peruana, más vistosa y conocida internacionalmente es la marinera,
que representa el galanteo de un hombre a una mujer, esta consagra el cortejo y el juego
amoroso, a semejanza de la pava aliblanca en el caso de la dama y al caballo de paso en el
caso del varón.
 Vestimenta:
En las damas:
Pañuelo: Muchas veces bordado especialmente para
concursos.
Fuste o Enagüe: Llamados también interiores (fuste y blusa),
este es esencial porque al momento de alzar la falda este no
permitirá que se vean las prendas íntimas. Este al igual que el
pañuelo va bordado esencialmente en la parte final.
Falda: De gran vuelo y su altura es hasta la pantorrilla;
generalmente de color negro.
Blusa: Bordada, mayormente con figuras de pavos reales, esta
es manga corta.

* Cabe resaltar que no siempre se baila con falda y blusa, también

utilizan vestidos de diversas formas y colores (modelos).
* Cuando se utiliza vestido negro manga cero (este es propio del pueblo de Monsefú), antes
del vestido usualmente las bailarinas se colocan la blusa y el fuste por este motivo se les llama
prendas de interiores.

En los varones:
Pañuelo: En el caso de los varones este es
simplemente un pañuelo blanco.
Sombrero: Este es esencial porque es la mayor
herramienta de coqueteo del hombre.
Pantalón: Prenda necesaria usualmente de color azul
marino, negro o blanco
Camisa: Generalmente de colos blanco.
Fajin: De preferencia tiene que combinar con la blusa,
el pantalón y el saco.
Zapatos: La mujer no usa zapatos, sin embargo el varó
si.

Clases de Peinados
Estos peinados le indicaran al varón el estado civil de la mujer:
2 trenzas adelante = "Soltera"
2trensas atrás = "Casada"
1 trenza adelante y otra atrás = "Comprometida"
2 trenzas en forma de corona = "Viuda"
* Decimos igualmente que ahora con la estilización de la marinera los peinados varían
según el gusto de la bailarina.

Pasos de la marinera norteña

Los bailarines deben mover sus pies de una forma especial, tal como se explica: Para avanzar
frontalmente se llama PASO LATERAL.
 PARA DESPLAZAR A LA
DERECHA, El pie derecho avanza
medio paso, coloca media punta
sin peso en línea paralela al
IZQUIERDO y lo cruza; pie
izquierdo avanza apoyado en la
planta, cruzando al de atrás, PARA
DESPLAZAR A LA IZQUIERDA, El pie
izquierdo avanza medio paso,
coloca media punta sin peso en
línea paralela al DERECHO y lo
cruza; pie derecho avanza
apoyado en planta, cruzando al de
atrás.

LATERAL CRUZADO
Para desplazarse lateralmente se hace el "paso de tijeras" de acuerdo al siguiente orden:
pie derecho avanza un paso a la derecha colocando media punta atrás y al lado del pie
izquierdo con peso; pie izquierdo cruza por delante del derecho, colocando la planta con peso;
repite el inicial y luego repite del segundo paso.

USO DEL PAÑUELO

Ciertamente no existe una forma
única de tomar y mover el pañuelo
durante el baile. Lo que sí es
importante destacar es la importancia
expresiva del uso de este elemento,
quizás como una extensión del propio
cuerpo y como un aliado que reafirma
el estilo y la personalidad de cada
bailarín.
El pañuelo se toma con una mano,
se mueve dibujando "ochos
“imaginarios y círculos en el aire,
haciendo resaltar que no debe caer y
mantenerlo siempre en postura elegante y refinada pues es el instrumento principal de la
comunicación con la pareja.
 Coreografía
Cuando analizamos los movimientos coreográficos de la Marinera Norteña, debemos
considerar que además de sus aspectos formales, existe toda una serie de elementos
expresivos propios de cada pareja y cada bailarín que es muy difícil de explicar, pues alude a
toda la gama de gestos y miradas que también ayudan a la comunicación corporal entre
hombre y mujer.
Se realiza sobre un círculo imaginario, en que la mitad es para el hombre y la otra mitad
para la mujer. Comienza con un paseo (que se realiza mientras la música deja escuchar la
entrada instrumental) en que el hombre invita a la mujer, luego la pareja quedan situadas
frente a frente, antes de que se inicie el canto.
Durante el preludio instrumental se realiza el paseo. El hombre deja a la mujer en su puesto
y quedan frente a frente a un par de metros de distancia.
Comienza el baile al iniciar el canto con el saludo de ambos que tiene muchas variantes,
siendo la más utilizada la figura de medio 8 o S, y continúa con la invitación al baile que realiza
el varón a la dama.
El baile continúa con los acercamientos, entre ellos la llamada media luna, que consiste en
hacer semicírculos de derecha a izquierda en los que el hombre sigue a la dama y trata de
acercarse a ella mientras ésta escapa hacia el otro lado.
Entre los acercamientos mas conocidos están los empalmes hasta llegar a la fuga.

EL ZAPATEO O FUGA
El zapateo, generalmente se realiza luego de la FUGA o marcación principal, en la segunda
parte de la canción y antes del remate. Consiste en zapatear el piso, alternando los pies al
compás de la música. El hombre zapatea con fuerza y la mujer con más sutileza. Uno de los
zapateos más tradicionales es el escobillado o cepillado, llamado así por su parecido al
movimiento que se realiza cuando se escobilla el piso con el pie. Generalmente se efectúa en
las partes suaves. Consiste en apoyar el pie izquierdo con peso y cruzar en el aire el pie
derecho, primero frontal y luego retrocediendo y flexionando un poco la rodilla derecha, todo
esto sin levantar el pie izquierdo del piso y luego cambiando de pie.
 EL ALCATRAZ
El alcatraz es un baile típico del Perú negro y pertenece
al género Festejo, ejecutado en Lima e Ica. Los hombre
adornados de un cucurucho tienen una vela prendida, y
el juego consiste en danzar en torno a las mujeres,
tratando de quemarle el cucurucho de papel que llevan
prendido en el trasero, imitando mientras a ésta ave.

Tiene un ritmo asincopado y complejo, acompañado

de Cajón, Guitarra, Güiro y Palmas. Los participantes
tratarán de evitar con cimbreantes movimientos de
caderas que la pareja les queme con la vela la colita de
tela o papel que llevan prendidas en sus traseros,
alternándose para estos efectos el varón y la dama, al
compás de los cajones peruanos y a las frases de quema!..
quema!.. quémala!... el alcatraz!... el alcatraz!

El Festejo es un ritmo erótico-festivo típico representativo del mestizaje negro peruano en

donde la letra suele ser de asunto festivo y su ritmo es vivo en compás de 6/8. Su fuga tiene
una antífona de solista y coro. La orquesta se compone de Guitarra, Cajón, Quijada y Palmas.

Este alegre baile ha adquirido en los últimos años gracias a sus contagiantes ritmos (y por
supuesto gracias a sus movimientos de caderas) renovada popularidad. Se atribuye a don
Porfirio Vásquez la forma actual del baile.

EL FESTEJO
El festejo peruano es una danza de raíces africanas representativa del mestizaje negroide
peruano practicado en la costa central, se baila durante las fiestas populares y en reuniones
sociales, se ejecuta en parejas generalmente
de jóvenes, tiene un ritmo erótico y festivo
vinculado al rito del amor como un acto de
virilidad, juventud, vigor y fecundidad.
Origen
El festejo, fue creada por los habitantes
negros que fueron traídos a Lima desde África
(El Congo, Angola y Mozambique) durante el
siglo XVII por los conquistadores españoles
para realizar faenas agrícolas, aunque cabe
resaltar que el objetivo era el trabajo en las
minas debido a su físico robusto; sin embargo
el clima frío de la sierra era adverso para ellos
relegándolos al trabajo de campo y doméstico. Es así que su letra narra las costumbres,
alegrías, penas y sufrimientos de la raza negra de aquel entonces.
 Con el correr de los años el festejo peruano ha sufrido variaciones en cuanto al material
instrumental utilizado, la danza ha variado pues sus verdaderos pasos se han ido perdiendo y
los profesores obligados por las circunstancias tuvieron que inventarle una coreografía,
tomaron pasos del son de los diablos y contoneos del alcatraz, figuras del agua y nieves, y
hasta del zapateo criollo y los aplicaron a parejas mixtas en baile abiertos y les marcaron
emplazamientos y desplazamientos. Etimológicamente el nombre derivaría de su propia
coreografía, viva de movimientos acrobáticos y festivos (festejo – festejar). Todo festejo
antiguo tiene sus fugas que en muchos casos son las mismas, pero hay una serie de variantes.

Música
Para el acompañamiento musical, originalmente se usó tambores de parche sobre madera
o botijas de arcilla calabazas, cencerro de madera, tablitas, siendo enriquecido con el correr
de los años con instrumentos como el cajón de
madera, de origen afroperuano sobre el cual se
sienta el músico y ejecuta el ritmo típico usando
sus dedos y palmas de sus manos, también se
acompaña con la guitarra, la quijada de burro y
las palmas de los espectadores. La música se
desenvuelve siguiendo un compás de notas en
cuatro por cuatro, el ritmo es continuado y
estéticamente sensual, esto se logra mediante
golpes de cajón y la quijada de burro, cajita,
agregándole últimamente las congas y el bongó.

Coreografía
Durante la coreografía es común el movimiento pélvico – ventral, hay libertad en los pasos
donde la creatividad juega un rol importante, la danza es ágil y dinámica donde se combinan
pasos en el lugar y pasos de desplazamiento, siendo característica de dichos pasos el apoyarse
en las puntas de los pies, y dando en otros pequeños saltos en los que se levantan los pies del
piso. Los gestos, movimientos de brazos, los contorneos de cadera, movimientos de polleras
o faldas, son elementos que distinguen rápidamente el festejo de otra danza,
complementándose desde luego con el proceso de enamoramiento en las que las parejas se
han propuesto.

Vestimenta
Finalmente para la vestimenta del festejo no se
requiere un atuendo específico, sin embargo se usa ropa
ligera, que permita realizar los movimientos rítmicos
con soltura y plasticidad.
Para la mujer: Vestido largo, escotado de manga
corta, con o sin mandil o falda larga y blusa escotada,
pañuelo atado a la cabeza con las puntas amarradas bajo
la nuca quedando la frente protegida con la finalidad de
retener el sudor.
Para el varón: Pantalón corto a la altura de la
pantorrilla dorso desnudo y una faja o resta.
 SON DE LOS DIABLOS
Origen
Las manifestaciones negras se originan en las fiestas del Hábeas Christi (155...- a mediados
del s. XVI), con la finalidad de representar a través de los negros “el mal” Esta forma de
representar “el mal” a través de los negros, se dio anteriormente en España en las fiestas del
Hábeas Christi, quienes a subes
tomaron un elemento de la
cultura africana conocido como
el “Brujo” o el “Ganga”. Este
personaje fue mezclado con
elementos del diablo católico y
de ahí nació un nuevo personaje
el cual utilizaron para estas
fiestas del Hábeas Christi.

El Hábeas Christi, era la fiesta

católica en contra de la duda de
los protestantes. El son de los
diablos como danza forma parte de esta fiesta desde una fecha imprecisa pero lo que si queda
claro es que a fines del siglo XVIII, ya estaba implantado en el Perú.

Según Nicomedes Santa Cruz, en su libro “Socavón”, manifiesta que en el s. XIX, se trasladó
la aparición de los diablos a otras fechas como el carnaval o fiestas patronales de cada pueblo.
Desde que llegaron los esclavos africanos al Perú, los españoles trataron de destruir sus
tradiciones culturales “salvajes” e imponerles nuevas tradiciones. Crearon para ellos un
folklore artificial.
Durante toda la colonia, los negros tuvieron que aceptar este folklore impuesto que era su
único medio de diversión. Para que su trabajo sea más productivo, era necesario permitirles
festejar de vez en cuando. A estos intereses de los propietarios de esclavos, se añadían los
intereses de la Iglesia, que utilizó el folklore para “cristianizar” a los negros : creó fiestas de
santos negros, fiestas de cofradías negras, etc. Aprovechaba el gusto de los africanos por las
procesiones, las ceremonias públicas, la música, etc, utilizándolos para el culto católico.

Este folklore impuesto a los negros cumplía, pues, una función de control racial. Esta
función era particularmente visible en la representación dramática de la lucha entre Moros y
Cristianos, que se escenificaba mucho todavía en el siglo pasado e incluso al principio de este
siglo. Esta representación folklórica era de origen español y celebraba la victoria de los
españoles sobre los Moros invasores. Los conquistadores la trajeron al Perú y la hicieron
representar por sus esclavos negros. L idea era doble: afirmar la superioridad del blanco sobre
el negro y afirmar la superioridad del cristiano sobre el pagano. Así los trabajadores negros
eran implícitamente invitados a respetar a su patrones y a cristianizarse.

Descripción de la danza:
Aparecen por las calles de Lima cuadrillas de negros conformadas por 11 bailarines (desde
el más alto y corpulento hasta el más pequeño)

1 Diablo Mayor
 2 Capataces
8 Peones o Diablos

El número de bailarines puede variar, así como el desplazamiento y figuras coreográficas.

Hasta en los años veinte del siglo XX fue posible ver el Son de los Diablos.

Instrumentos musicales
Básicamente intervenían:

2 Quijadas o Carachachas
1 Cajita
1 Guitarra (en ocasiones El Arpa)

Se observan en algunas acuarelas de Pancho Fierro y a través de otros datos que mencionan
la inclusión de tambores de parche, parecidos a los tambores “Batà”.

Vestuario:
Existe información variada acerca del vestuario, no obstante podemos señalar lo siguiente:

▪ El Diablo Mayor:
a) Zurriago o látigo
b) Pantalones con flecos
c) Rabo de cola de caballos teñidos de rojo
d) Máscara grande
e) Tiara (sombrero alargado) con plumas de
colores en la punta
f) Blusa ceñida de mangas cortas color amarillo
oro
g) Capa roja adornada con cascabeles
h) Alpargatas de soga adornadas con espuelas.

▪ Los Diablos:
Vestían todo de rojo
a) La blusa y el pantalón adornados con flecos
y cascabeles
b) Alpargatas de soga teñidas de rojo
c) Medias y guantes teñidos de rojo
d) Caretas que podían ser de mate, piel de carnero o elementos de cabezas de diferentes
animales disecados con cachos.
e) Caperuza o capucha roja
f) Bastones, espadas o trinches (algunos)

Letra de la canción:
Venimos de los infiernos no se vayan a asustar
Con estos rabos y cuernos, que son solo pa`bailar
Coro:
Son de los diablos son, que venimos a cantar
Y el mentado Cachafaz, la guitarra va tocar (bis)
 Son de los diablos son (4 veces)
Todos los años salimos, cuando llega el carnaval
Y asustamos a la gente, con nuestro baile infernal (bis)
Son de los diablos son.....
Yo soy el diablo mayor, y me llaman Ño Bistè
Por esta bemba que tengo, tan grande mìrela usted
Son de los diablos son......

TONDERO
El Tondero es una danza típica del norte costeño del Perú, se caracteriza por ser muy
expresivo, se define como la imitación de un ritual amoroso de las aves con el fin de
apareamiento, se figura el rodeo que el gallo hace a la gallina con el fin de cortejarla. A
diferencia de la Marinera, el tondero es un baile más rústico, donde el varón lleva alforja y
baila con el pantalón remangado y sin
zapatos, la dama baila sin zapatos y con un
cántaro de chicha que es típica de Piura.

Se dice, que el tondero fue traído por

migrantes desde el sur de España como una
especia de música gitana.

Origen y etimología
El tondero deriva del término ''bolero''.
Este género deriva de música gitana
encontrada desde Rumania hasta España y
desde ésta hasta Mesoamérica y El Caribe.
La terminología radica en la inspiración de ''el vuelo de las aves''

En Morropón nació este género musical y su característica principal ante el resto de

géneros criollos tocados en guitarra fue fue su repetitivo tundete (que suena "tun tun tun-tun,
tun tuntun") que es inspirada en la base trompetista de una banda musical gitana
desenfrenada.

La "saña" o "lundero" es justamente la africanización que este género sufreal establecerse

la unión de estas dos etnias en el campo piurano-lambayecano. Esto es indicado inclusive en
la lírica: "fueron los negros de saña testigos de este muchacho (testigaron recibiéndolo desde
Piura, nacido en Piura) que gracias a Dios es macho y que en Chiclayo peleó". Es decir desde
su origen musical desde Piura fue llevado hacia Chiclayo y/ó, presentado en una de las "Peleas
de Gallos".
 Vestimenta
Los varones:
Sombreros de palma u otro tipo de paja.
Pantalón negro o blanco.
Camisa a rayas, en otros lugares totalmente blanca.
Las fajas y alforjas de hilo fino de algodón. Otros
llevan una huaraca o cordel de soga
Los ponchos de hilo, teñidos y confeccionados por
ellos mismos, en la actualidad se está dejando de
utilizar.

Las mujeres
Las sayas o polleras en algunos casos, en otros
lugares utilizan el anaco o túnica prehispánica que
todavía utilizan muchas comunidades del norte del
Perú, predominando los colores negro y blanco.
Camisón o culeco, en algunos lugares se usa la blusa
de seda
Manta de china
Dormilonas de Catacaos que son aretes colgantes
de oro, se les denomina lloronas en Moche (La Libertad).

Estructura del tondero

Todo Tondero tiene como parte de su estructura las siguientes partes:
La glosa: en la glosa se habla del motivo base de la canción y su musicalidad es suave.
El dulce: en el dulce se habla de la razón explicativa del porque el tema de la glosa.
La fuga o fugas: son los cuartetos alegres y vivaces, aquí se habla del desenlace y
justificación del asunto motivo explicado que ha originado el tema del Tondero.

Linaje Peruano te invita a conocer más acerca de este hermoso baile en nuestras clases
magistrales realizadas por profesores expertos en su materia.
 DANZA DE LAS TIJERAS
La danza de las tijeras forma parte del folclore peruano, el cual se practica en las regiones
de Ayacucho, Huancavelica, Apurímac. En cada lugar se representa de distinta forma y
presenta características propias. Fue reconocida en el 2010 por la Unesco como Patrimonio
Cultural Inmaterial de la Humanidad, por su valor simbólico y antigüedad.

Origen de la danza
En la antigüedad el baile era practicado sólo por los descendientes hombres de los tusuq
laykas, los cuales eran sacerdotes,
brujos y curanderos de la época
prehispánica. Por aquellos tiempos la
danza fue perseguida durante la
colonia, ya que era considerado un
baile diabólico y sus practicantes
fueron denominados supaypa wawan
hijos del diablo o supaypa wasin tusuq
danzante en la casa del diablo.
Muchos de los danzantes huyeron a
las zonas más escondidas y altas de
Apurímac, Ayacucho y Huancavelica.
Al pasar del tiempo los danzantes de
tijeras fueron aceptados y fueron introducidos en los bailes patronales y religiosos de la
colonia. Por ello se puede apreciar la incorporación de pasos españoles en sus coreografías e
introdujeron el traje de luces en sus vestuarios.

Los danzaq
Los danzantes de tijeras es una danza que pone a prueba la fuerza física y espiritual de los
participantes, los cuales deben demostrar su resistencia y destreza. Estos desafíos se
denominan Atipanacuy. Los danzantes llamados danzaq, realizan acrobacias, saltos complejos
al ritmo de un violín, el arpa y el sonido de las tijeras que cada uno tiene en las manos. Es
increíble ver como alguien logra este tipo
de movimientos acrobáticos mientras
maneja un par de tijeras (una hembra y
un macho) con hojas de metal de 25
centímetros cada una.

El apelativo es de origen chanca,

cultura que considera al danzaq como un
ser mítico, diabólico y simbólico. Las
tijeras que llevan en las manos
simbolizan la explotación y ruptura. La
danza se difunde de generación en
generación. Los bailarines van
aprendiendo los pasos a través del
tiempo, para llegar a ser los mejores.
 Hay dos tipos de danza, la danza en tono mayor o de competencia, donde dos danzantes
bailan por turnos enfrentándose el uno al otro hasta llegar a tener un ganador. Al vencedor se
le considera un protegido de las divinidades andinas. Por otra parte la danza en tono menor
que se baila en la noche por diversión. Muchos de los danzaq se encuentran en fiestas
patronales, pasacalles, desfiles, Wallpa wajay (cuando son las tres de la mañana) y canta el
gallo, fiestas agrícolas y religiosas, en las cuales muestran sus destrezas ante el público.

¿Cuál es el significado de la danza de las tijeras?

La danza de las tijeras es un baile mágico religioso que representa a los espíritus de la
Pachamama, Apus o deidades ancestrales. El concepto deviene del antropólogo y escritor José
María Arguedas, el cual fue un gran estudioso del folclore peruano; él difundió esta danza y
convirtió a los danzaq en personajes literarios (La agonía de Rasu Ñiti).

El baile muestra la superioridad espiritual de los bailarines, ellos pasan por una serie de
desafíos que incluyen enfrentamientos y competencias. La danza se realiza de forma continua
durante horas hasta que uno de los competidores gana el reto.

Vestimenta:
El vestuario de los danzantes de tijeras, es similar en todos aquellos lugares en donde se
practica la danza. Las variaciones que pudiera haber en ciertos aspectos del vestido, son casi
imperceptibles. Los elementos que sirven de decoración en él, raramente difieren,
presentamos las partes que componen el traje de los danzantes de tijeras de la región de
Ayacucho, que se diferencia con los de Huancavelica y Apurímac, algo en la forma más no en
el fondo.

La vestimenta de la Danza tijeras de tijeras, está compuesta alrededor de 15 elaboraciones

con diferentes tipos de
telas cada vestimenta
tiene una definición muy
importantes al relación al
mundo célebre a los Opus
Wamanis ( Dioses Andino
), los trajes de tiempos
atrás, desde los tiempos
Incaicos y guerreros de la
Cultura Chanca a
revolucionado en varios
aspectos como colores,
bordados, símbolos y
dorados con hilos
metálicos fueron poco a
poco representando a los
hombres antiguos recursos y riquezas de la Región y del País. Así por ejemplo sombrero o
montera que simboliza a los Opus Wamanis.

El vestuario está conformado por: plumaje, sombrero, peluca, pechera, camiseta, casaca,
faja, pantalón, mangas, calcetines, zapatillas, pañuelos, guantes y por supuesto tijeras, el cual
está constituido por una tijera hembra y otra macho.
 WITITI
Danza muy representativa y originaria del distrito de Tapay, de la provincia del Caylloma y
departamento de Arequipa,
de característica romántica,
donde los varones son el
centro de atracción, por la
indumentaria que traen
consigo, casi igual que las
mujeres, se baila en
festividades patronales y
carnavalescas,
especialmente en los
pueblos del valle del Colca,
desde Chivay y Sibayo hasta
Tapay. Antiguamente tenía
ciertas características
relacionadas a
competencias de desafío, y
debido a lesiones que sufrían los danzantes se prohibió dicha detalle, por lo tanto en la
actualidad la danza es de enamoramiento, danza del amor, de la unión entre el hombre y la
mujer.

Origen:
Caylloma, en la antigüedad fue ocupada por los collaguas (Qollas), por ello cierta
terminología aymara como Wititi, witite o huititi, que significa muchacho inquieto,
intranquilo, el joven wititi enamorado. Según cuenta algunos mitos de la historia del origen
de esta danza: Que un joven se enamoró de la hija del inca, éste al no poder, se disfrazó de
mujer e ingresó al templo de Coporaque, luego a la residencia de la doncella, logrando así su
objetivo. Otro: Que en épocas prehispánicas se enfrentaban bandos de hanan saya y hurin
saya, éstos por estrategia tuvieron que disfrazarse de mujeres, engañando así y vencer a sus
enemigos, por ello esta danza fue de contrincantes.

En esencia, la danza Wititi representa la historia de un joven enamorado de una comunidad

rival y al no poder llegar hasta ella, aprovecha las fiestas del pueblo para vestirse de mujer,
confundirse en la muchedumbre, raptar a una doncella y poseerla.

Coreografía:
La coreografía está compuesta en parejas mixtas o grupales, ejecutando figuras múltiples,
abrazos, coqueteo, movimiento gracioso en las manos de las chicas, mientras que los varones
hacen fuerza de vigor. Tienes tres fases. La “wititiada”, es el momento del galanteo, hombres
arrogantes y mujeres cautivantes, la “Qhatateada”, jaloneo hacia las mujeres y latigueo entre
var
ones; la “Tanqada”, momento del amorío, los varones raptan por la fuerza a la mujeres.

El Wititi está compuesto de 3 fases.

El capitán que baila guiando a los machos witites.
1) La Wititiada o seducción: con varones arrogantes y mujeres cautivantes.
 2) La Cctateada o jaloneo: en este acto se incluye lo guerrero como es el latigueo de piernas.
3) La Tanccada: es la conquista amorosa que finalmente culmina con el rapto, a la doncella

Música:
La tradicional danza de los wititis es seguida con dos tipos de acompañamiento musical, es
decir, según la ocasión: Con banda (trompetas, saxos, tarolas, platillos, etc.) y otro, con
instrumentos típicos del ande (quena, tinyas, pinkullo, bombos, etc.). Todo depende de la
característica de la fiesta y época en que se realiza.

Traje de la danza el Wititi:

Traje del varón:
Chumpe: es como una Especie de faja alrededor de la cintura, que servía antiguamente
para asegurar las dos Llicllas. Eran tejidos con finos hilos de vicuña, y adornados con
finas piedras preciosas.
Llucllas: Son mantas de carga. Eran tejidos con finos hilos de vicuña o alpaca, era para
llevar las frutas
usadas como
proyectiles, pero que
también eran para
compartirlas durante
la danza o la fiesta.
La Montera: Es un
casco protector
hecho anteriormente
de Paja de Puna. Sirve
para proteger los
proyectiles lanzados
por el contrincante
con la honda. Es
adornado con flecos
coloridos y
sujetadores llamadas ''Angoñas'', que eran tejidos con finos hilos de vicuña o alpaca.
Honda: Es el arma con el que se lanzan las frutas.

Traje de la dama:
Polleras: Antiguamente eran telas de lana de vicuña o alpaca, los más finos posibles y
adornados con bordados multicolores. Ahora, son ligeros por el mismo clima, En la
parte delantera llevan una ''Tijma'', una especie de cartera para llevar los dulces a
compartir.
Blusa de manga larga: Son bordados de finos hilos multicolores solo en el pecho y en
los puños.
Sombrero: Es de color negro y bordado con coloridos hilos, con temas de la naturaleza
y vivencias del lugar.
Saco: Bordado colorida mente. La cintura y los puños lucen telas algo gruesas para el
frío por las noches.
Huatos: Especie de cintas, que permiten sujetar las trenzas. Son tejidos a mano con
diferentes figuras.
 LA CHUNGUINADA (CHONGUINADA)
Mayo es el mes de la Chonguinada, danza de ofrenda patronal por excelencia que, siendo
fiel al alma campesina del ande, conserva su carácter festivo de celebración pagana. Dicha
danza se practica actualmente en los Departamentos del centro como son Junín y Pasco en
las Fiestas Patronales.

Origen:
Danza típica que tuvo su
origen en Chongos, distrito que
se ubica al sur de Huancayo, del
que se dice fue uno de los
primeros pueblos de
asentamiento español en el
valle del Mantaro. Oficialmente
se desarrolla el 25 de Enero en
la localidad de Santiago León de
Chongos Bajo (sur este de
Huancayo), este baile es una
imitación del minué francés del
siglo XVIII.Danza de origen
colonial. Alberto Tauro del Pino
en su DiccionarioEnciclopédico del Perú apunta que CHONGUINADA se deriva de CHUNGA que
significa burlarse, mofarse o imitación. La tradición popular refiere que el pueblo de Santiago
León de Chongos, festejó el matrimonio de un español y una hermosísima nativa. De ahí que
LA CHONGUINADA es una parodia del aristocrático baile europeo de salón: “EL MINUE
FRANCES”, introducido al Perú por los criollos y hoy se presenta en un espacio
considerablemente grande de la zona central del País.

La Chonguinada es una de las manifestaciones que más atraen por la elegancia de su

vestuario colorido y adornado con monedas de oro y plata, antiguamente los varones se
vestían de mujeres, para representar el porte de las mujeres españolas donde usaban una
careta de fina malla de alambre.

Lugares donde se Baila:

Esta danza se practica actualmente en los Departamentos del centro como son Junín y
Pasco en las Fiestas Patronales. Decenas de chonguinos recorren las calles de las localidades
del valle del Mantaro durante mayo, por las fiestas de las cruces que se celebran en Huancayo,
Cerro de Pasco, Tarma, Jauja, Concepción, Huancayo y Chupaca. Chonguinada es el nombre
que tiene en Huancayo y Pasco, pero la variante deJauja se llama Tunantada totalmente
diferente en música, coreografía y vestimenta, además Tunantada puede muy bien referirse
a una comparsa deTunantes, que tunan o que andan libremente en vida de holganza.La
CHONGUINADA de Cerro de Pasco es diferente a la del Valle del Mantaro se diferencia
principalmente en la vestimenta, porque lleva oro plata y piedras preciosas tanto en el saco y
pantalón, mientras que la Chonguinada del Valle del Mantaro (Tarma, Jauja, Huancayo, etc.)
es a base de bordados de múltiples colores, y la Chonguinada de Cerro de Pasco realiza figuras
con las cintas como estrellas cruces etc., en cambio la del Valle del Mantaro, su baile se
basa en pasacalles y mudanza.
 Características de la danza :
Su característica principal es la elegancia para marcar los pasos, a pesar de la lentitud con
la que se realiza, y la cuadrilla debe estar compuesta por al menos ocho parejas.La danza se
caracteriza por la cadencia y elegancia de los pasos que satirizan al Minue y la cuadrilla, música
colonial danzada por los colonizadores españoles. Esta danza muy popular donde los
danzantes y tratan de mostrar su rica indumentaria. Es ejecutada en pareja mixta en grupo.En
su coreografía se hermanan dos épocas y dos ambientes, la Cortesana contradanza de aire
señorial y grave del siglo XVIII que rememora además con exactitud en los vestidos de
entonces y en las caretas tejidas de alambre que representan a los “gachupines” españoles
muy bien aderezados con pelucas y la más ligera y reciente cuadrilla que desde el siglo pasado
se enseñoreó en los salones hasta la generación anterior a la nuestra. Ambas rematan en
un elegante wayno “relojera” que completa su unidad indisoluble y afirma la peruanidad de
esta joya del arte tradicional del valle del Mantaro, Junín y Pasco donde es antes que urbana,
rural. La música nos recuerda el carácter y la estructura de la famosa Muliza y lejanamente a
otras músicas de Ayacucho y Cusco.

Vestimenta y Características:
CHONGUINO
 Sombrero de paño negro con alhajas y con
plumajes multicolores.
 Pantalón corto de pana con bordados.
 Camisa blanca y corbata.
 Saco de color negro o azul con bordados hechos
con hilos dorado y plateado, ornado con plata.
 Careta de malla de alambre de color carne, que
presentan de una manera agraciada a los
españoles.
 Peluca largas con rizos al estilo colonial.
 Bastoncillo con cintas de colores.
 Medias de lana y nailon.
 Sandalias bordadas o zapatos.
 En un hombro se halla suspendido un cuerno
repujado y recubierto de plata.
 Corazas o cruces de alhajas bañados en plata.
 Champis u hombreras de alhajas bañados en
plata.
“Representan de manera agraciada a los españoles (pieles blancas, ojos azules) quienes se
llevaron nuestro oro y plata, es por ello que en su vestimenta lucen estos metales”.

DAMAS
 Sombrero de paja color blanco con cinta negra
 Blusa de seda.
 Pañolón de exquisito bordado sostenido con un gran broche de plata adornado con
piedras preciosas.
 Pechera con aproximadamente 15 kilos de monedas antiguas que llegan hasta por
 debajo de la cintura que proyecta una impactante destello de luces multicolores
  Anaco con bordados multicolores y alhajados.
 Manguillas de colores con bordados y alhajados..
 Fajas tejidas multicolores.
 Fustanes calados de color tejidos a mano.
 Talqueados (polleras con bordados multicolores) con vuelos de encaje.
 Pañuelo de mano.
 Zapatos de vestir.
“Mujer de estirpe indígena que se convierte en la compañera y amante del español, sin
importarle su linaje”.

HUAYLAS MODERNO
El Huaylas Moderno o Huaylas de Salón es una adaptación del Huaylas cuyos pasos
requieren menos esfuerzo para su realización. Se baila sobre una pista de madera. La
vestimenta de las mujeres es bordada con varias polleras, y el de los hombres es también
bordado, y con una abertura en el botapié. Ambos sexos bailan con zapatos de tacón.

Tema fundamental:
Tema fundamental del Huaylas
moderno es el enamoramiento y la
competencia en el baile por parejas
como un medio de trasuntar
alegría. Los conjuntos por lo
general representan una entrada,
baile por parejas y una despedida,
todo esto figuras variadas y
uniformes, los desplazamientos
son veloces y sorprendentes; a
mayor figuras y desplazamientos,
más interés, incluso cuando se
desarrolla el baile por pareja, los
demás realizan figuras de cortina
para destacar a la pareja bailante y
para la belleza visual del
espectáculo que no debe ser
aburrido con cuadros muertos.

Origen:
El Huaylas es una danza cuyo origen se pierde en el tiempo y espacio. Su mayor difusión se
encuentra en los pueblos de la zona sur de Huancayo como: Pucará, Sapallanga, Huancán,
Huayucachi, Viques, Chongos Bajo, etc. La Danza es ejecutada por el Huaylarsh y las wamblas
(jóvenes).

Esta danza se puede apreciar en el mes de febrero; mes de carnaval como un culto a la
naturaleza. Sobre todo, a la fecundidad de la tierra, así como también a la llegada de las lluvias.
El Huaylas moderno, surge como contrapartida del Huaylas antiguo, cuyo vestuario es mucho
más lujoso. La coreografía representa el enamoramiento de las aves, complementada con
otros pasos. Es una migración CAMPO -CIUDAD.

Coreografía:
Se baila en parejas, imitando las diversas fases o etapas del enamoramiento de las aves del
campo, como: El chiwuaco paclay, anca muyuy, escobillado, estaca tacay, etc. Así mismo se
efectúa un movimiento de figuras.

Vestimenta:
Hualars (varones)
Sombrero: de lana, color negro vicuña, bien hormado, ala de 10 cm. de ancho.
Camisa: de popelina blanca, con cuello y manga larga.
Pañuelo: grande de sedda con estampados, va sobre la espalda en forma de triángulo
con el vértice abajo.
Chaleco: de paño o de casimir, las dos pecheras profusamente bordadas con motivos
de flores, aves, mariposas, etc.
At'rsa-calzón: Pantalón de casimir o poliestel, color negro o azul oscuro, con un corte
de 15 cm en los costados externos del botapié y con abertura blanca.
Huat'ruco: ancho, con profusos dibujos multicolores.
Pañuelos: blancos o de color, un par uno en cada mano.
Zapatos: con medio taco de suela.

Huambla (mujeres)
Sombrero: color negro o vicuña.
Contón: túnica huanca de color negro
o azulino, o blusa moderna negra.
Mangars o maquitos: mangas
postizas de color negro, bordados
con los mismos motivos de la lliclla.
Enagua: prenda de bramante blanco
con blondas en el faldón, lo exhibe
durante la actuación.
Lulipas: en número de 2 o 3, fustanes
talqueados.
Lliclla: manta que cubre la espalda
hasta los gluteos, ribeteado con un
cintón de 15 cm.
Huat'ruco o chalpi: Faja ancha con dibujos multicolores.
Zapatos: de cuero de color negro con taco bajo.
 LOS CARAPACHOS
Etimología:
Carapachos proviene de dos
palabras quechuas, que en muchas
partes del país tienen significado
diferente:
 Cara: Rostro
 Pachos: Pintados
Entonces la
palabra Carapachos quiere decir,
caras pintadas, porque cuando se iban
a cazar o ir a la guerra, se pintaban los
rostros.

Origen:
A inmediaciones del Río Monzón y Pucará a sólo 47 Km. Al Noreste de Tingo María está
ubicado el Distrito de Monzón con un clima cálido y húmedo a temperatura media de 24° C
en donde habitaron la Tribu de los Carapachos asentados por varios siglos, quienes
protegieron y defendieron la soberanía de la Amazonía y el emporio de sus tierras, como la
flora y la fauna.

Carapachos en nuestra lengua quiere decir desnudos, solo vestían con hojas secas de
bombonaje, pieles y plumas silvestres (aves) tropicales. Adoraban al sol, la luna y se dedicaban
a la acción guerrera defendiendo su territorio. Su condición económica fueron la caza, la pesca
y la recolección de raices y frutos y al cultivo de la hoja sagrada de la coca.

Pucará fue un lugar en calidad de fortaleza militar donde los jóvenes eran adiestrados y
purificados, luego se internaban en la Selva dentro durante muchos días y meses y los que
salían con vida eran nombrados inmortales. Allí sale la figura del jaguar, puma, serpiente y
mono.

Vestimenta:
Mujeres
Blusa y falda confeccionada a base de bombonaje
seco adornados con plumas de aves tropicales y
semillas de plantes también tropicales.
Collares hechos también de semillas de frutos de
la región.
Corona de bombonaje adornado con plumas de
aves tropicales.
Mates
Lanzas
Descalzas

Hombres
Falda de bombonajes adornados con plumas de
aves tropicales y semillas de plantas de la región.
 Lanzas
Arco y flecha
Collares de semillas y huesos de pescado.
Corona de bombonaje seco adornado con plumas de aves tropicales.
Braceras y perneras de bombonaje adornados con plumas de aves.

Interpretación:
La danza los carapachos representan las costumbres que tenían las tribus de los
Carapachos, antes y después de la cacería. El jefe de la Tribu llama a jóvenes y adultos para
ser sometidos a diversas pruebas de fuerza para saber quiénes tenían que cazar para sus
alimentos, en donde era un privilegio ser nombrado cazador por ser bien recibidos. Los
cazadores atrapaban sus presas mediante "emboscadas" en donde sus instrumentos de
guerra eran las lanzas y las flechas para matarlos. Las mujeres ahuman las presas en fogatas,
cubierto con hojas silvestres, luego terminada la tarea se reunían para festejar la cacería.

LOS CHOLONES DE RUPA RUPA

Antecedentes históricos:
Según el sabio Antonio Raymondi y
los franciscanos, los cholones eran
gente dedicada a la agricultura, pesca
y recolección. El principal medio de
comunicación era el fluvial, puesto
que se desplazaban por ríos como el
Huallaga, Monzón, Magdalena, Santa
Martha, Tulumayo. Esta situación
geográfica permitió que en la zona
habitaran nueve grupos étnicos, entre
otros los huantahuanas, estevos y
cocheros.
Dicen que en la zona existían minas
de sal que era intercambiada por
pieles y alimentos por otros pueblos.

Significado de la danza:
La danza Cholones de Rupa Rupa, es una manifestación festiva, puesto que se puede
apreciar mucha alegría en su ejecución. Los bailarines imitan a los monos y jaguares, en su
capacidad de esconderse en la Selva.

Contexto cultural:
La danza es propia de la Selva Central Alta, situada en el río que separa a las provincias de
Leoncio Prado y marañón. Por la belleza de la danza se la recreó en Tingo María y
posteriormente en la capital de Huánuco.
 Coreografía:
La coreografía es variada. Bajo el ritmo de marcha, los danzantes salen de las partes
extremas: las mujeres del lado izquierdo; los hombres, del derecho. Luego forman dos filas
paralelas que, desplazándose, forman dos círculos. Inmediatamente a esto, forman cuatro
filas para saludar. Se reanuda la danza, ahora con ritmo de cumbia amazónica, ejecutan saltos
con las manos arriba, formando dos filas horizontales. Finalmente, forman un circulo de
hombres, con otro círculo al interior conformado por mujeres, para realizar el saludo de
despedida.

Acompañamiento musical:
La música es ejecutada con los siguientes instrumentos tradicionales:
1. Bombo: La membrana es de piel de animal, y la base un tronco ahuecado.
2. Redoblante: La membrana es de piel de añuje, y la base del tronco es ahuecado.
3. Quena: Construida con carrizo; tiene 5 agujeros anteriores y un posterior.
4. Maraca: Construido con el fruto del Huingo, la misma que tiene la forma de calabaza. El
interior se rellena con achira (tiene forma de municiones), lo que le da un sonido de cascabel.
Este instrumento fue incluido recientemente.

Vestimenta:
Los danzantes tenían la costumbre de vestirse con traje de gala que consisten en:
Cueros Piel de animales, especialmente del otorongo. (para ellos, su principal dios era el
Otorongo, puesto que creían que eran descendientes de este animal)
Pintura negra Figuras geométricas en todo el cuerpo; o, de acuerdo a la ocasión.
Arco y flecha Hechas de chonta.
Plumas Penachos multicolores.
Collares De semillas secas.
Vestimenta Líneas y figuras geométricas de
influencia shipiba.

Hombres:
Un taparrabo
Una corona de plumas
Collares en forma de bandas cruzadas en el
pecho
Pintura corporal

Mujer:
Un taparrabo
Una pechera
Una corona de plumas
Collares
Un pate
Pintura corporal
 DANZA YACUMAMA
Origen y etimología:
La leyenda de la Yacumama se conoce desde hace mucho tiempo entre los moradores
de la selva peruana, y han sido ellos mismos, quienes se han encargado de llevar este
relato de boca en boca, para que la gente sepa sobre esta serpiente gigantesca que los
llena de terror.

Su nombre significa “Madre del

Agua” (yaku=agua, mama=madre)
por eso se cree
que su cuna se encuentra en la gran
laguna de Yarinacocha (Ucayali,
Perú).
Ella prefiere nadar en la
desembocadura del río Amazonas,
tanto como en sus lagunas
cercanas, ya que es su espíritu
protector.

La danza Yacumama la tradicional danza del departamento de Madre de Dios del

Perú.
Uno de las danzas representativas es la pandilla de ritmo alegre, pícaro y espontaneo.

Es una danza de carácter y contenido mítica o mágica, que adquiere y trasmite mucha
energía debido a la belicosidad del shipibo (chicos). Los nativos bailan a una de las criaturas
más feroces “La yacumama” según las creencias estas criaturas serian el espíritu protector de
la amazonia.

Vestuario de la danza:
El varón
Usa un saco como tipo vestido, bailan descalzos.

Las mujeres
Usan una falda de hilos y un polo chiquito, pero también de hilo y bailan descalzos.

DANZA LA COSECHA DEL YUTE

Origen:
Danza agrícola que pertenece a las comunidades nativas de la amazonía, especialmente a
la comunidad indígena de los shawis (Chayahuitas)

Desde tiempos remotos hasta la actualidad para transportar sus productos agrícolas y
animales, los pobladores de las riberas del Paranapura utilizan la topa para construir sus balsas
y poder bajar por el río Paranapura y llegar hasta la ciudad para comercializar sus productos.
 La danza empieza con una faena con la cosecha del yute, a continuación las mujeres
recogen los tallos del yute y los dejan en el agua para su proceso de descomposición para
luego recogerlos y extraer las fibras.

Hombres y mujeres realizan la acción en el trabajo de extraer las fibras del tallo del yute,
posteriormente los hombres arman las famosas barbacoas para solear las fibras del yute.
Una vez secas las fibras se juntan en canastos para ser colocados en la balsa para su
transporte y comercialización en los mercados de la ciudad.

FIESTA A LA ANCONDA DE LA ETNIA BORA

Simbologia

Uno de los instrumentos tradicionales de la etnia bora es el manguare, el cual es tocado

por el CURACA en cada celebración dando así el inicio a sus danzas tradicionales, debemos
precisar que el curaca es elegido por consanguinidad.
Los Boras expresan su afecto, sus penas y temores danzando en círculos y pasos pequeños
ejecutando cantos en su
dialecto natal adorando a
sus dioses como la BOA O
ANACONDA; la
coreografía y los
movimientos de las
mujeres nativas es
ondulante refiriéndose a
la boa y los varones
nativos acompañan con
unos palos adornados
con shacapas el cual es
golpeado uniformemente
al momento de cantar; también durante la danza y el canto se puede apreciar una tabla larga
en forma de boa la cual es pisado por los nativos varones pidiendo mediante el canto su
protección.
Los cantos ejecutados durante sus danzas tradicionales han pasado de generación en
generación y evocan protección y a la vez son de agradecimiento a su deidad.

Ubicación geográfica
Los boras habitan en la cuenca formada por los ríos Putumayo, Ampiyacu y Yahuasyacu
divididos en los distritos de Pebas (Provincia de Mariscal Castilla) y Putumayo (Provincia de
Maynas) en el bajo Igará-Paraná; se encuentran también en el bajo Caquetá junto a los
miraña.en Loreto. Debemos terminar que existen comunidades boras en el hermano país
colombia

Síntesis histórica
La historia de los boras está estrechamente ligada a la de los huitotos con quienes
comparten -junto con los ocaina, resígaro y andoque- muchas características culturales.
 Los boras se están incorporando rápidamente a la sociedad peruana a través de la acción
misional y particularmente comercial
La comunidad Nativa Bora de San Andrés, perteneciente a la familia Etnolingüística Bora,
tienen sus orígenes en el distrito de Pebas- Provincia Mariscal Ramón Castilla, donde hasta la
fecha viven sus hermanos, los ancianos integrantes de la comunidad San Andrés comentan
que ellos realizaban visitas eventuales a unos familiares que llegaron a esta zona atraídos por
el caucho, específicamente en el margen izquierdo del río Momón, fue tal su asombro al ver
la gran biodiversidad de flora y fauna en esta parte de la región, que decidieron asentarse en
ella, desde entonces viven en este lugar y están agrupados por familias.
El curaca es el representante máximo de la comunidad, el mismo que era elegido por los
nativos en la celebración de la “Fiesta de la Anaconda”. Actualmente los jefes de las malocas
son los descendientes de los antiguos curacas, es decir el hijo primogénito de un antiguo
curaca es el representante de un grupo de familias.
El manguaré, antiguamente los jefes bora enviaban mensajeros para llevar mensajes a
otros jefes de comunidades bora alejadas. Los bora inventaron un sistema de comunicación
más rápido para enviar mensajes que podían ser escuchados en un radio de unos treinta y dos
kilómetros a la redonda.

Vestimenta tradicional
El material de su vestimenta es una corteza denominada llanchama, sobre ella plasman
diversas figuras que simbolizan a diferentes seres y que forman parte de su cultura, utilizan
una gran variedad de tintes naturales como: resina de machimango, achiote, hoja de pijuayo
entre otros, en el caso de las mujeres el torso es desnudo, pero en la actualidad se cubren con
collares hechos con diversas semillas.

Varon:
Falda echa de corteza de llanchama con iconografía propio de la etnia.
Palo de ponilla adornados con shacapas.
Collares confeccionados de huairuros, rosarios, mullos blancos, semillas de guayaba,
escamas de paiche y huingo.
Corona confeccionada de fibra de llanchama y plumas de guacamayos y atrás van tres
plumas de guacamayo grandes..
Brazaletes y tobilleras echa de corteza de llanchama con iconografía propio de la etnia

Mujer:
Falda echa de corteza de llanchama con iconografía propio de la etnia.
Corona echa de corteza de llanchama y plumas de guacamayo.
Collares confeccionados de huairuros, rosarios, mullos blancos, semillas de guayaba,
de paiche y huingo.
Brazaletes y tobilleras echa de corteza de llanchama con iconografía propio de la etnia
BIBLIOGRAFIA:

http://carlosubilluscervat.blogspot.com/2013/02/coreografia-de-marinera-
nortena.html
http://peruviandances.blogspot.com/2009/11/la-danza-de-las-tijeras.html
http://www.dearteycultura.com/el-festejo/#.W0qQM9JKjIU
http://www.dearteycultura.com/el-tondero/#.W0qTedJKjIU
https://resenasdanzasperu.blogspot.com/2014/07/danza-son-de-los-diablos-callao-
lima.html
http://hablemosdeculturas.com/danza-de-tijeras/
https://andyyaurimulandeon.wordpress.com/historia-de-la-chonguinada/
https://www.iperu.org/danza-los-carapachos
https://resenasdanzasperu.blogspot.com/2011/12/danzas-de-loreto.html
http://karyaprendiendojuntos.blogspot.com/2011/08/danza-de-la-anaconda.html
http://www.historiasperdidaseneltiempo.com/2015/02/la-yacumama.html