LA COMPOCISION Y EL

ESPACIO
Curso de estructura de una página web
Composición y espacio

Cuando hablamos de composición en diseño gráfico, hablamos de la

distribución que tienen los elementos en el lienzo o soporte: textos e
imágenes. Además, tendremos que considerar el espacio que rodea a dichos
elementos, que es también parte fundamental del diseño.

Composiciones formales
Una composición formal, generalmente, responde a una secuencia
matemática que establece las posiciones, rotaciones o escalas de los
elementos. Los elementos se ordenan repetidamente respecto a su tamaño,
dirección o color.
En las composiciones formales todo es predecible, y aparecen con
frecuencia retículas. Si un elemento se sale de la norma, la composición es
semiformal.
Hay cuatro modos de realizar composiciones formales, que a su vez se
pueden combinar entre ellas:
 traslación,
 rotación,
 reflexión,
 dilatación.

Traslación
Composición formal en la que hay un cambio de posición

Rotación
Composición formal en la que sucede una variación en la dirección.
Reflexión
Composición formal en la que se crea una imagen reflejada.

Dilatación
Composición formal en la que hay un cambio de tamaño o escala.
Composiciones informales
Las composiciones informales no siguen ningún patrón o estructura
establecida de antemano. Es el ojo adiestrado del diseñador el que Te dice
dónde colocar cada elemento.
A pesar de que no responden a ninguna estructura fija, podemos utilizar
varios criterios para clasificar estas composiciones informales.

 gravedad
 contraste
 ritmo
 centro de interés

Gravedad
El diseñador manipula los elementos de forma que los pesos sean
percibidos. Se generan así composiciones estables e inestables.

Contraste
Resulta al comparar elementos diferentes, ya sea por su tamaño, color,
posición, dirección, escala, espacio.
Los antónimos del lenguaje pueden servir de inspiración:

 recto/torcido;
 cuadrado/redondo;
  cóncavo/convexo;
 afilado/romo;
 grueso/delgado;
 alto/bajo
 positivo/negativo,
 brillante/mate.

El contraste se utiliza como énfasis visual. Si nos quedamos cortos resulta

inapreciable; si nos pasamos de largo, podemos romper la unidad general
del diseño. Se trata de que ese elemento diferente no sea un añadido, sino
que quede integrado en el diseño.

Ritmo
Un diseño figurativo suele describir un tema,
mientas que los diseños abstractos suelen
inspirarse en ideas: hechos, movimientos o
fenómenos naturales, que pueden expresarse
rítmicamente.
Por ejemplo, pueden servir de inspiración:

 las ondas de un lago,

 los pájaros que vuelan,
 las ramas de los árboles,
 las nubes que pasan,
 la arena que revolotea por el viento,
 las olas rompiendo en las rocas,
 los pasos de baile,
 una explosión de dinamita.
El ritmo se genera al manipular las direcciones de los elementos o el
espacio entre ellos. Los elementos pueden ser paralelos o radiados,
similares o contrastados, etc.

Centro de interés
Una composición informal debe coordinar sus elementos alrededor de un
centro de interés.

Una composición formal, especialmente dispuesta en una retícula, no tendrá

centro de interés por lo general, aunque es obvio que por ejemplo unos
elementos que giran en torno a un centro sí lo tienen. Si en una composicón
formal tenemos un elemento "díscolo", se convertirá en el centro de interés.

Si el centro de interés se sitúa

en el centro geométrico, la
composición resulta estática. Y
por el contrario, se rompe el
equilibrio, cuando el centro de
interés está apartado del centro
geométrico.

Espacio
Es diseño gráfico
empieza a partir de un lienzo en
blanco, que poco a poco es
llenado por imágenes y textos.

Al espacio ocupado se le suele llamar espacio positivo, mientras el no

ocupado es el espacio negativo.
 Suele ser conveniente que nuestros diseños respiren, a no ser que
intentemos comunicar sensación de agobio. A veces es el cliente quien se
agobia al ver tanto espacio vacío, pero entonces al menos haremos el
intento de educarle: el espacio forma también parte del diseño, y un exceso
de comunicación suele enmascarar los mensajes más importantes.

La ilusión de profundidad en el espacio

Un espacio parece poseer profundidad cuando unas formas se
suporponen a otras. Si además, las formas del fondo son más pequeñas, la
sensación de profundidad se acrecienta.

También creamos ilusión de

profundidad al girar lateralmente las
formas en el espacio.

Cuando las líneas de una secuencia

son quebradas, curvas, enroscadas u
onduladas, también conseguimos
sensación de profundidad.

La ilusión de volumen en el espacio

Obtenemos sensación de volumen, cuando los planos se curvan para formar
cilindros, o cuando se unen desde direcciones distintas y parece que
encierran un espacio. Los planos de los que hablamos pueden ser sólidos, o
formados por secuencias de líneas o puntos, o estar contorneados, o
podemos combinar todo lo anterior.

En ocasiones el volumen produce combinaciones ambiguas, en las

que un plano puede parecer hacia arriba o hacia abajo, en función de cómo
se mire.

Hemos visto en obras de grandes artistas, cómo la distribución de los

elementos en el cuadro, no solo permiten una sensación agradable por la
armonía de las formas y colores, sino que esa especial distribución
trasciende para dar significados que se perciben a nivel inconsciente.
Exponemos aquí las leyes de la composición sintetizadas en una serie de
láminas didácticas, absolutamente gráficas e intuitivas, que les permitirán
comprender y asimilar fácilmente las técnicas utilizadas por los grandes
maestros del grabado y la pintura para transmitir sus mensajes.

De igual manera que el color azul lo asimilamos como frío por ser los mares
y los hielos, azules y fríos, entendemos el amarillo y el rojo como calientes,
pues el Sol y el hierro candente, como el fuego tienen estos colores. Pues
bien, así mismo sucede con las líneas, las figuras geométricas, las masas y
los tonos. Todo tiene su significado y el artista debe conocerlo y aplicarlo
para transmitir las ideas y sensaciones que quiere hacer llegar al
espectador.

Evidentemente si el espectador conoce a nivel consciente las claves, le será

más fácil descubrir y percibir lo que el artista le quiere transmitir; en caso
contrario sucederá lo mismo que dice el refrán “El que no sabe es como el
que no ve” solo que en este caso habría que decir “El que no sabe no ve”
Vemos que no solo es importante cómo distribuimos los elementos dentro
de la superficie del cuadro, sino que la forma y proporciones de esa
superficie también tienen su importancia y determinan unas sensaciones
que deben estar acordes con el tema de la obra. Así vemos que,
internamente, las líneas transmiten sensaciones diferentes si son verticales,
horizontales o inclinadas.

Y de igual manera, la superficie, si es alargada en sentido vertical u

horizontal o cuadrada, transmite sensaciones diferentes. Aunque la mirada
del espectador siga un recorrido inconsciente general, es el artista el que,
con su composición, obligará al espectador a seguir el recorrido que él
quiera, jugando con los ritmos creados por las líneas, masas y tonos.

El espacio pictórico creado por la superficie del cuadro, podemos dividirlo de

muchas formas, pero especialmente hay tres, debido a sus proporciones: ½,
5/3 y cualquier otra. Solo la proporción 5/3 da unidad y variedad.

La Sección Áurea o proporción de Oro nos permite definir una superficie

armónica en sus relaciones de longitud y altura, así como, interiormente,
hallar los puntos y zonas armónicas, tomando como razón el valor 1,618.
Nos bastará con multiplicar una distancia o longitud por el valor 1,618 para
hallar la medida superior que cumpla la “Sección Áurea” o dividirlo para
hallar la inferior.
Hemos visto cómo influyen las proporciones del espacio pictórico y la posición del
elemento de destaque sobre el mensaje que la obra transmite. En el siguiente
artículo podremos ver el significado de los tipos de líneas usadas en la construcción
de la obra de arte.