UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE BAJA CALIFORNIA

Historia de la Arquitectura Antigua y Medieval

Reporte de Lectura:
Historia del Arte, Capítulos 2-4

Presenta: Miguel Alejandro Huaracha García

Matricula: 1154918

Mexicali, B.C. a 24 de octubre de 2018

ARTE PARA LA ETERNIDAD

Egipto

- Los escultores del antiguo Egipto se les denominaban “el

que mantiene vivo”
- Sus tienen una simplicidad y solemnidad difíciles de
olvidar, el escultor no se fijó más que en los aspectos
esenciales
- La combinación de la regularidad geométrica y de aguda
observación de la naturaleza es característica de esta
época
- El artista tenía que representarlo todo de la manera mas
clara y perpetuamente posible. Por esto dibujaban de
memoria y en el marco de reglas estrictas
o Su oficio se parecía mas a la de un cartógrafo que
la de un pintor
- El sentido egipcio del orden es tan poderoso que cualquier
pequeña variación lo trastorna por completo
- Akenaton fue el único en romper el estilo egipcio, el
solamente reconoció a un dios supremo, Atón, y se elevó
casi a su nivel. En vez de representar el conjunto de
dioses, el faraón decidía retratarse a él con su familia

Mesopotamia

- No es tan conocido el arte mesopotámico debido a que su

trabajo fue labrado en ladrillo, pues no existen bloques
de piedra en ese valle.
- Pero la razón principal fue la diferencia de creencias,
ellos no creían necesitar representaciones para que su
alma persistiera
-
EL GRAN DESPERTAR

El principal centro de dominio en las penínsulas de Grecia y

Asia Menor estaba en la isla de Creta. Sus reyes eran tan ricos
que enviaban embajadores a Egipto, y los sorprendían con su
arte. Alrededor de un milenio a.C. tribus bélicas de Europa
penetraron la península de Grecia, derrotando a los habitantes.
Las bellezas de sus artes solo sobreviven en los cantos de los
poemas homéricos. Estos invasores sobrepasaban la geometría de
los egipcios, esto se traspaso a su arquitectura, la cual
pervive todavía en nuestras ciudades. Los griegos empiezan a
trabajar en piedra en 600 a.C. Los puntales de madera se
convirtieron en columnas, sobre ellos descansaban los
arquitrabes, y su conjunto formaba el entablamento.

Su escultura muestra una imitación egipcia en un principio.

Después, el artista no se encontraba contento siguiendo un
conjunto de reglas, decidió tener una visión propia. Los
egipcios basaron su arte en el conocimiento, los griegos se
sirvieron de sus ojos. Una vez iniciada la revolución, cada
innovación fue recibida y se le añadían los conocimientos de
cada artista.

No se sabe de los pintores griegos mas lo que se nos cuenta

por los escritores. Solamente sobreviven sus cerámicas. Una
vez abandonando el afán por mostrar la realidad, y el artista
comenzó a confiar en lo que veía, los pintores realizaron el
mayor descubrimiento de todos, el escorzo. Un poco antes del
500 a.C., los artistas pintaron por primera vez un pie visto
de frente.

Aunque los artistas todavía no estaban a la altura de los

griegos acomodados, pues trabajaban con sus manos para vivir,
su participación en la vida de la ciudad era mayor pues podían
participar, hasta cierto punto, en asuntos del gobierno. Hay
que tomar en cuenta que el trabajo de estos artistas ya no
existe, pues fue destrozado en la llegada del cristianismo, y
lo que tenemos hoy son imitaciones pálidas hechas para jardines
y baños. Cabe recalcar la Atenea de Fidias, esta gran escultura
guardaba poder no por su mágica imaginación, pero por su
belleza. Fidias le había dado al pueblo un nuevo concepto de
divinidad. Las dos grandes obras de Fidias, su Palas Atenea y
su estatua de Zeus Olímpico ya no existen.

Es probable que los artistas griegos pudieron perfeccionar el

cuerpo en movimiento debido al tipo de obras que se les
encargaban. El templo de Olimpia estaba rodeado de estatuas de
atletas victoriosos. Estos atletas, participantes de los juegos
olímpicos, eran miembros principales de las familias griegas;
y si resultaban victoriosos, se les veía con temor, pues se
les reconocía el favor de los dioses. Estas estatuas, de
bronce, seguramente fueron refundidas durante el escaseo en la
edad media; solamente se hallo una en Delfos.

Las esculturas del Partenón son las mas reflejan la nueva

libertad griega. Aunque no se tiene nombres de los escultores,
como Fidias hizo la del altar, es posible que su taller se haya
encargado del resto. Se recalca un fragmento del friso que
recorre el edificio bajo el techo. Los caballos tienen
musculatura y estructura sin parecer tiesos, al igual que los
sujetos que las cabalgan, pero se denota en el conjunto de las
formas una estructuración geométrica, tomada de la tradición
egipcia. Sin embargo, los griegos apreciaban algo más, fuera
de esta sabiduría en el reparto de las figuras, era la libertad
de plasmar el cuerpo humano en cualquier posición o movimiento.
EL REINO DE LA BELLEZA

El despertar del arte a la libertad tuvo lugar del 520 al 420

a.C., a finales de este siglo los artistas estaban en plena
consciencia de su poder y maestría. Aunque los artistas aun se
consideraban artesanos, ya existía una mayor competencia entre
las escuelas debido al interés del publico por la obra en sí.

De igual manera con la arquitectura, en el Partenón se le

construyo un templo a Poseidón, llamado el Erecteoin, del
estilo jónico, a diferencia del dórico del Partenón. Las
columnas del jónico son menos robustas, como ligeros troncos
con un capitel adornado con volutas a los lados.

Atenas, durante la generación siguiente a Fidias, se encuentra

en una guerra que termina acabando con la prosperidad de tal
ciudad y de Grecia. Pero en un periodo de paz se añade una
balaustrada dedicada la diosa de la victoria, de ella se
rescata una figura: una muchacha, diosa de la victoria,
deteniéndose a abrocharse la sandalia.

El gran artista de este siglo fue Praxíteles. Famoso por el

encanto de su obra y el carácter amable de sus creaciones. Su
obra mas famosa, la de una joven Afrodita entrando al baño, ha
desaparecido. Con Praxíteles desaparece la rigidez. El arte
había alcanzado un punto en el que lo melódico y lo individual
se mantenían en un nuevo y delicado equilibrio. Este balance
se percibe en el Apolo de Belvedere y lo que queda de la Venus
de Milo.

Posterior a Praxíteles, terminando el siglo IV a.C., los

artistas descubren maneras de animar las facciones sin destruir
la belleza. El imperio de Alejandro Magno, el comienzo de los
tiempos helénicos hizo que el arte griego se desarrollara en
extensión, ya no estaba confinado a pequeñas ciudades. En esta
época nace la columna del estilo corintio; la ornamentación es
a menudo mucho mas rica en todo el edificio. Esto por que “los
estilos e invenciones del are griego se adaptaron a la escala,
y tradiciones de los imperios orientales” (Gombrich, pg. 108,
2008).

Este cambio se registra principalmente en un altar de la ciudad

de Pérgamo con su escultura de la lucha entre dioses y titanes,
aunque magnífica, no se encuentra la armonía de la griega
primitiva. También esta la escultura de Laocoonte y sus hijos
en agonía. Es probable que el periodo helenístico perdió su
antigua conexión con la religión y la magia, los artistas se
preocuparon por los problemas intrínsecos del arte. Lo justo o
injusto de lo sucedido a Laocoonte no le preocupo a su escultor.

En esta época comienza la recolección de piezas de arte. Debido

a que los cuadros ya no sobreviven, solo se puede formar una
idea del carácter de la pintura antigua a través de murales y
mosaicos de Pompeya. Casi todo lo que se puede pintar, se
encuentra en esa pequeña ciudad de relativamente poca
importancia. Esto porque, en el periodo helenístico, los poetas
descubrieron el encanto de la vida sencilla entre los pastores,
y los artistas quisieron encapsular el antropocentrismo de
Praxíteles y este nuevo pensamiento de Teócrito. Los artistas
helenísticos ignoraban las leyes de la perspectiva.

“Los griegos quebraron los rígidos tabúes del arte primitivo

oriental y emprendieron un viaje de descubrimiento para añadir,
por medio de la observación, nuevos aspectos a las imágenes
tradicionales del mundo” (Gombrich, pg. 115, 2008)
GLOSARIO DE TÉRMINOS

1. Columnas: Elemento arquitectónico de soporte, rígido, más

alto que ancho y normalmente de sección cilíndrica o
poligonal, que sirve para soportar la estructura
horizontal de un edificio, un arco u otra construcción;
también puede constituir por sí solo un elemento
decorativo, una señal, etc.
2. Arquitrabe: Parte inferior de las tres que constituyen el
entablamento de un edificio clásico, que soporta el friso
y descansa sobre los capiteles de las columnas.
3. Entablamento: conjunto de piezas que gravitan
inmediatamente sobre las columnas en la arquitectura
arquitrabada. Se divide en tres secciones: arquitrabe,
friso y cornisa
4. Escorzo: Representación de una figura situada oblicua o
perpendicularmente al plano del papel o lienzo sobre el
que se pinta, que se logra acortando sus líneas de acuerdo
con las reglas de la perspectiva