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Arte de la Edad Moderna

Arte de la Edad Moderna es el período o subdivisión temporal de


la historia del arte  que corresponde a la Edad Moderna . No se ha de
confundir con el concepto de arte moderno , que no es cronológico sino
estético, y que corresponde a determinadas manifestaciones del arte
contemporáneo.

El período cronológico de la Edad Moderna corresponde con los siglos XV


al XVIII (con distintos hitos iniciales y finales, como la imprenta  o
el descubrimiento de América, y las revoluciones francesa  o industrial ),
y significó históricamente en Europa la conformación y posterior crisis
del Antiguo Régimen (concepto que incluye la transición del feudalismo al
capitalismo, una  sociedad estamental y preindustrial  y una monarquía
autoritaria o absoluta  desafiada por las primeras revoluciones burguesas). Vista en altura de la Plaza de San Pedro,
de Piranesi(1748), arquitecto visionario que en este grabado
Desde la era de los descubrimientos los cambios históricos se aceleraron,
destaca la columnata de Bernini (1656-1667), autor también del
con el surgimiento del estado moderno , la economía-mundo  y diseño de la plaza y del baldaquino interior, todos ellos
la revolución científica ; en el marco del inicio de una decisiva expansión elementos barrocos. La fachada de Carlo Maderno (1626) da
europea a través de la economía, la sociedad, la política, la técnica, la paso a un brazo mayor, prolongación del mismo arquitecto, que
alteró la planta centralizada concebida para la Basílica de San
guerra, la religión y la cultura. Durante ese periodo, los europeos se Pedropor los anteriores maestros del Alto Renacimiento desde
extendieron fundamentalmente por América  y los espacios oceánicos. Con 1506: Bramante, Rafael, Sangallo y Miguel Ángel, cuya solución
el tiempo, ya al final del periodo, estos procesos terminaron por hacer para la cúpula fijó hasta hoy el perfil del horizonte de Roma.
Las Estancias Vaticanas (con los frescos de Rafael, 1508-1524)
dominante la civilización occidental  sobre el resto de
y la Capilla Sixtina (con los de los pintores del Quattrocento,
las civilizaciones  del mundo, y con ello determinaron la imposición de los 1481-1482, y los de las dos épocas de Miguel Ángel, 1508-1512
modelos propios del arte occidental , concretamente del arte y 1535-1541) pertenecen al mismo conjunto; una concentración
inigualable de historia del arte de la Edad Moderna, así como de
europeo occidental, que desde el Renacimiento italiano  se identificó con
los hechos y procesos históricos que lo hicieron surgir y
un ideal estético formado a partir de la reelaboración de los elementos evolucionar. A pesar de esta indudable centralidad, el arte de la
recuperados del arte clásico  greco-romano , aunque sometidos a una Edad Moderna fue mucho más que arte religioso; tuvo, incluso
sucesión pendular en Italia, muchos centros además del romano
(Florencia, Venecia, Nápoles); y tuvo, en otros países de Europa
Occidental, muchas otras escuelas nacionales
(Flandes, Alemania, Francia, Inglaterra, España), cada una con
sus propias escuelas locales.

El inmenso complejo de la Ciudad Prohibida de Pekín, sede


del gobierno imperial chino durante las dinastías Ming y Qing,
un espacio palaciego que aventaja en dimensiones y lujo
al Palacio de Versalles, al Monasterio de El Escorial o al Hofburg
de Viena. Además de vehículo de expresión artística, similares
funciones socio-políticas cumplieron el Kremlin de Moscú,
el Palacio de Topkapi de Estambul, el Palacio de
Golestán de Teherán o el Castillo Edo de Tokio. Las
civilizaciones no occidentales, con excepción de las americanas,
continuaron durante la Edad Moderna su dinámica propia, que
incluyó el desarrollo autónomo de su arte. En el caso de las
de Extremo Oriente, sin apenas influencia europea, a excepción
de Filipinas.
de estilos  (renacimiento , manierismo , barroco , rococó , neoclasicismo , prerromanticismo ) que, bien optaban por una mayor libertad
artística o bien por un mayor sometimiento a las  reglas del arte institucionalizadas en el denominado  arte académico . La función social
del artista  comenzó a superar la del mero artesano  para convertirse en una personalidad  individualista , que destacaba en la corte , o en una
figura de éxito en el mercado libre de arte. Al igual que en los demás ámbitos de la cultura , la  modernidad  aplicada al arte significó una
progresiva secularización  o emancipación de lo religioso que llegó a su punto culminante con la Ilustración ; aunque el  arte
religioso continuó siendo uno de los más encargados, si no el que más, ya no dispuso de la abrumadora presencia que había tenido en el arte
medieval.

No obstante, durante todo el periodo de la Edad Moderna las principales civilizaciones del mundo se mantuvieron poco influidas, o incluso
casi del todo ajenas a los cambios experimentados por las sociedades y el arte europeos, manteniendo esencialmente los rasgos culturales y
artísticos propios (arte de la India , arte de China , arte de Japón , arte africano ).

La civilización islámica , definida por su posición geoestratégica intermedia, y principal competidora histórica de la civilización
cristiana occidental, a la que disputó secularmente el espacio mediterráneo  y balcánico , desarrolló distintas modalidades locales de  arte
islámico en las que pueden verse influencias tanto del arte occidental como del de las civilizaciones orientales.

Para el caso del  arte americano , la  colonización europea  supuso, especialmente para zonas como México  y Perú , la formación de un  arte
colonial con algunas características sincréticas.

En  Europa oriental  el arte bizantino  continuó perviviendo con el  arte ruso  o con algunas manifestaciones del arte otomano .

Además de las  artes plásticas , otras  bellas artes  como la  música , las  artes escénicas  y la literatura  tuvieron desarrollos paralelos, analogías
formales y una mayor o menor coincidencia estética y, sobre todo, intelectual, ideológica y social; lo que ha permitido a
la historiografía  etiquetar su  periodización  con denominaciones similares ( música del renacimiento, música barroca , música del
clasicismo; literatura del renacimiento , literatura del barroco, literatura ilustrada o neoclásica , etc.) Lo mismo puede decirse de las
denominadas artes menores , decorativas o industriales, que fueron un fiel reflejo del  gusto artístico de determinadas épocas (como los
denominados estilos Enrique II , Luis XIII, Luis XIV, Regencia , Luis XV, Luis XVI, Directorio  e  Imperio , convencionalmente
denominados a partir de la historia del mobiliario francés 1​).2​

Índice
1 Arte europeo occidental
1.1 Siglos XV y XVI: Gótico final, Renacimiento y Manierismo
1.1.1 Gótico final y Renacimiento nórdico
1.1.2 Renacimiento italiano: Quattrocento
1.1.3 Alto Renacimiento o Renacimiento clásico
1.1.4 Bajo Renacimiento o Manierismo
1.2 Siglo XVII y primera mitad del XVIII: Barroco, Clasicismo y Rococó
1.2.1 Barroco
1.2.2 Clasicismo
1.2.3 Rococó
1.3 Segunda mitad del siglo XVIII y primer cuarto del XIX: Neoclasicismo y Prerromanticismo
2 Arte en otros espacios de la civilización occidental
2.1 Arte colonial, hispanoamericano o indiano e hispanofilipino
2.2 Arte ruso
3 Arte oriental
3.1 Arte islámico
3.1.1 Arte africano-islámico
3.1.2 Arte turco otomano
3.1.3 Arte persa
3.1.4 Arte mogol y otros de la India
3.2 Arte de extremo oriente
3.2.1 Arte chino
3.2.2 Arte japonés
4 Filmografía
5 Véase también
6 Referencias
6.1 Notas
6.2 Bibliografía
7 Enlaces externos
Arte europeo occidental [ editar ]

Siglos XV y XVI: Gótico final, Renacimiento y Manierismo [ editar ]

Gótico final y Renacimiento nórdico [ editar ]


Artículos principales: Renacimiento y Gótico tardío.

Véanse también: Arquitectura del Renacimiento, Pintura renacentista, Escultura del Renacimiento, Renacimiento


nórdico y Primitivos flamencos.

Véanse también: Renacimiento alemán, Escuela del Danubio, Hispano flamenco y Manuelino.

Véanse también: Renacimiento español, Catedrales de España, Pintura renacentista de España y Escultura del Renacimiento


en España.

El siglo XV significó una continuidad del  arte gótico  en la mayor parte de los países europeos. El denominado gótico
internacional representaba la imposición, en el denominado  otoño de la Edad Media,3​ de un gusto refinado y cortesano, de
origen francés , provenzal  y borgoñón , que se extendía entre todas las artes plásticas , especialmente la  pintura  en soportes muebles
(polípticos  cada vez más complejos 4​ e iluminación de manuscritos ) y la  orfebrería  (El corcel dorado, 1404). El  gótico flamígero  se aplicó a
la arquitectura civil (ayuntamientos y palacios urbanos) además de la religiosa , de lo que son muestra los conjuntos urbanos de ricas ciudades
burguesas como Brujas  y Gante  en  Flandes  y otros núcleos en las rutas comerciales que se extendían por todo el continente con gran
vitalidad tras la crisis del siglo XIV : ferias de Champaña y de  Medina , cañadas de la  Mesta  que cruzaban Castilla de sur a norte
(Toledo , Segovia , Burgos ), ciudades del Rin (Colonia , Maguncia , Colmar , Friburgo , Estrasburgo , Basilea ), del sur de Alemania
(Augsburgo , Núremberg ), de Borgoña ( Dijon, Hôtel-Dieu de Beaune, 1443) o los puertos septentrionales de
la Hansa  (Tallin, Danzig , Lübeck , Hamburgo  o el propio  Londres ).

El mantenimiento de la tradición gótica, de las características locales o la mayor o menor influencia de los núcleos flamenco-
borgoñón o italiano  caracterizó la diversidad de la producción artística europea durante todo el periodo. Buena parte de la producción
arquitectónica de finales del XV y comienzos del siglo XVI se efectuó con estilos nacionales que suponen una evolución natural del gótico,
como el plateresco  o isabelino  (de debatido deslindamiento) y el estilo Cisneros  en  Castilla ;5​ y el estilo Tudor  o gótico
perpendicular en  Inglaterra , que evolucionó a la  arquitectura isabelina  de finales del XVI y comienzos del XVII, ya fuertemente influida por
los nuevos modelos renacentistas italianos. El arco ojival gótico y las floridas  crucerías  fueron sustituidos por el  arco de medio punto ,
la cúpula  y los elementos  arquitrabados  que recordaban a Roma (frontones , frisos , cornisas , órdenes clásicos ). Incluso se impuso la
decoración a base de los grutescos  recientemente descubiertos en la  Domus Aurea  de Nerón.

En pintura y escultura, el gusto nórdico predominó frente al italiano hasta comienzos del siglo XVI en la mayor parte de Europa Occidental, lo
que explica el éxito de artistas como los Colonia , los  Egas , Gil de Siloé , Felipe Bigarny , Rodrigo Alemán  o Michel Sittow  (proveniente de
un lugar tan lejano como el Báltico Hanseático ); aunque el influjo de Italia también se dejó sentir, como demuestra el periplo europeo de
escultores italianos como Domenico Fancelli y Pietro Torrigiano  (menos significativa fue la emigración de pintores italianos, puesto que es
fácil importar pintura, pero es más fácil importar al escultor que a las esculturas) y los aprendizajes en Italia de pintores franceses y españoles
como Jean Fouquet , Pedro Berruguete o Yáñez de la Almedina . Pero ni siquiera en esas primeras décadas del siglo XVI puede decirse que se
produjera una identificación del italianismo renacentista a comprar o imitar con el canon florentino-romano o «paradigma vasariano» (que es
el que terminó fijando en el gusto clasicista perpetuado en los siglos posteriores).6​ La mayor parte de la producción local, en todos los artes,
tuvo una paulatina transición entre las formas góticas y las renacentistas. En la escultura castellana, esta transición corrió a cargo del grupo
formado en torno a los Egas , con  Juan Guas  y Sebastián de Almonacid ),7​ mientras que en la corona de Aragón cumplió un papel
similar Damián Forment  y en Francia  Michel Colombe .

Incluso en la propia Italia de finales del XV había posiblemente mayor interés por la pintura flamenca que el que pudiera haber por la pintura
italiana en Flandes, como demuestra el impacto del Tríptico Portinari (1476), que no tuvo equivalente en obras italianas exportadas a los
Países Bajos.8​ En cuanto al gusto privado de un monarca de la segunda mitad del XVI, calificado de Príncipe del Renacimiento,9​
como Felipe II de España , las fantasías oníricas y moralistas de El Bosco  o las obras de pintores tan arcaizantes como  Marinus  y Pieter
Coecke aventajaban a los maestros italianos o a otros más innovadores, como  El Greco . No obstante, la generación de los monarcas de la
primera mitad del siglo se había dejado seducir por los genios italianos de Leonardo da Vinci  (Francisco I de Francia ) o Tiziano  (Carlos I de
España ―emperador Carlos V―).

Arte tardogótico
     
Las muy Díptico de Pasaje del Sepulcro del Doncel de
ricas horas Melunde Jean Mar Rojo, Sigüenza, atribuido
del Duque Fouquet(1450) de Jaume a Sebastián de
de Berry, Huguet(1456 Almonacid(c. 1492)
de -1460)
los herman
os
Limbourg(1
411-1416)

Arquitectura tardogótica
     

Bóveda de Capilla Real de Granada, con Claustro del Monasterio de Fachada de la Universidad de


abanico de esculturas de Bartolomé los Jerónimos de Salamanca (1529-1533)10​
la capilla del Ordóñez y Domenico Belém, Juan de
King's Fancelli(1505-1517) Castillo (1516)
Collegede Ca
mbridge(1441
-1554)

En cuanto a Flandes e Italia, la brillantez y originalidad indiscutible de cada uno de los artistas individuales y escuelas locales; así como la
fluidez de los contactos mutuos, tanto de obras (Tríptico Portinari) como de maestros ( Justo de Gante , Petrus Christus , Roger van der
Weyden, Mabuse  ―viajan de Flandes a Italia― Jacopo de'Barbari , Antonello da Messina ―viajan de Italia a Flandes―, el viaje de
Antonello, citado por Vasari, es puesto en duda por la moderna historiografía, que únicamente reconoce su coincidencia con Petrus Christus
en Milán11​); obligan a hablar de un protagonismo compartido que ni priorice ni confunda las características propias de cada foco, que son
marcadamente diferentes.12​

La región flamenco-borgoñona y su conexión natural con Italia, la zona alemana del  Rin y el alto Danubio , fueron de un destacado
dinamismo en todas las ramas de la cultura y el arte, destacadamente en pintura, con la innovación decisiva de la pintura al
óleo (hermanos  van Eyck)13​ y el desarrollo del grabado  que alcanzó alturas extraordinarias con  Alberto Durero o Lucas van Leyden ,
además de la invención de la imprenta  (Gutenberg , 1453). La pintura flamenca y alemana se caracterizaron por un intenso realismo y
nitidez, y el gusto por el detalle llevado a su límite. La escuela de pintores del siglo XV denominada primitivos flamencos se compone de una
extensa nómina de maestros: Roger van der Weyden , Thierry Bouts, Petrus Christus , Hans Memling , Hugo van der Goes , y algunos anónimos
cuya atribución se ha conseguido establecer o es aún objeto de debate (Maestro de Flemalle ―Roberto Campin ―, Maestro de Moulins  ―Jean
Hey―, Maestro de la Leyenda de Santa Lucía,14​ Maestro del follaje bordado ,15​ Maestro de Alkmaar , Maestro de Fráncfort, Maestro de la
Leyenda de Santa Bárbara, Maestro de la Virgo inter Virgines , Maestro de la Vista de santa Gúdula, Maestro de María de Borgoña , Maestro
del Monograma de Brunswick16​); y que a finales del XV y comienzos del XVI continuó con figuras de la talla de El Bosco, Gerard
David, Jan Joest van Calcar , Joaquín Patinir , Quentin Metsys  o Pieter Brueghel el Viejo. La potencia de la pintura alemana de la época no se
limitó a Durero , viéndose en la producción de artistas como Grünewald , Altdorfer o Lucas Cranach el Viejo . También se producen
fructíferos viajes de maestros alemanes a Italia (Durero , Michael Pacher ),17​ mientras que el trasiego de maestros alemanes, sobre todo
renanos, hacia Flandes fue mucho más abundante.

Primitivos flamencos (siglo XV)


     
Retrato de Matrimonio Descendimiento, Tríptico Portinari,
caballero, Arnolfini, de Roger van der de Hugo van der
de Robert de Jan van Weyden(1436) Goes(1476-1478)
Campin(14 Eyck(1434)
25)

Primitivos flamencos (siglo XVI)


     

Caballero, la Altar de Isenheim, El paso de la laguna Estigia, El triunfo de la Muerte,


Muerte y el de Grünewald (1512- de Joaquín Patinir (1520) de Pieter Brueghel el
Diablo, 1516) Viejo(1562)
grabado
de Alberto
Durero(1513)

Renacimiento italiano: Quattrocento [ editar ]


Artículo principal: Renacimiento italiano

Italia había desarrollado durante toda la Edad Media producciones artísticas significativamente diferenciadas del resto de Europa Occidental,
que aunque se clasifican dentro del románico  o del gótico , presentaran marcadas características propias, que suelen atribuirse a la pervivencia
de la herencia clásica grecorromana y a los contactos con el arte bizantino  (particularmente en Venecia  ―arquitectura gótica veneciana ―,18​
pero también en el denominado naturalismo romano ―Pietro Cavallini ―19​). Además de los precursores literarios del Renacimiento
(Dante , Petrarca  y Bocaccio ), escultores como los  Pisano , pintores de la  escuela sienesa (Duccio di Buoninsegna , Simone Martini ) y
la escuela florentina (Giotto , Cimabue ), y artistas completos como Arnolfo di Cambio  son los precedentes inmediatos de la explosión creativa
del Quattrocento (años mil cuatrocientos en italiano), que se inicia con los frescos de Fra Angelico  y de  Masaccio , los relieves de  Jacopo
della Quercia y los bultos redondos de Donatello . La municipalidad de  Florencia  de comienzos de siglo convocó dos concursos de obras
puntuales para la terminación de su catedral que se convirtieron en hitos de la historia del arte: la solución genial de Brunelleschi  a la cúpula
de Santa María del Fiore  (1419), y las puertas de bronce del Baptisterio , que realizó  Ghiberti  (1401). 20​

Pintura del Quattrocento


           

Expulsió Batalla de San Romano, de Paolo Noli me Sacra Cristo Lamentación sobre
n del Ucello (1430) tangere en el conversazion muerto, Cristo muerto,
Paraíso, claustro del e con Federi sostenido de Mantegna (h. 1480-
de Masa convento co de por un 1490)
ccio (142 dominico Montefeltroor ángel,
6-1427) de San ante, de Antonello
Marcos de de Piero da
Florencia, della Messina(147
de Fra Francesca(1 6-1479)
Angelico(1434 472)
)

El nacimiento de Venus,
de Sandro Botticelli (1482-
1484)

A mediados de siglo se reunieron en la misma ciudad un afortunado conjunto de circunstancias, especialmente el desarrollo de la
filosofía humanista  (que desarrolló en términos antropocentristas  nuevos conceptos de  hombre  y de  naturaleza ,
cuya mímesis  ―imitación― sería la función del arte ) y la presencia de una legación griega en el Concilio de Florencia  (1439-1445, que
procuraba la unidad de los cristianos en los momentos finales de la resistencia de Constantinopla  frente a los turcos), que pusieron a
la antigüedad clásica, a sus textos y a la reflexión sobre  teoría del arte , en el centro de la atención intelectual. Al mismo tiempo,
los artistas  experimentaron una promoción social decisiva: pasaron a convertirse en humanistas u hombres del renacimiento, es decir,
profesionales completos no sólo de un oficio artístico, sino de todos ellos a la vez, además de cultivados y letrados, lo que les permitía ser
también poetas y filósofos, dignos de codearse con aristócratas laicos y eclesiásticos, príncipes, reyes y papas, que se los disputaban y no se
avergonzaban de admirarlos y tratarlos con consideración.

La corte de los  Médici utilizó el mecenazgo  como un mecanismo de prestigio a una escala que le permitió convertirse en un centro artístico
comparable a la Roma de Augusto  o la  Atenas de Pericles: pintores como  Paolo Uccello , Andrea del Castagno , Pollaiuolo , Sandro
Botticelli, Pinturicchio , Luca Signorelli , los  Ghirlandaio , Cosimo Rosselli  o Benozzo Gozzoli , escultores como Luca della Robbia  o Andrea
Verrocchio y arquitectos como Michelozzo , Bernardo Rossellino  y Leon Battista Alberti . El vocabulario clásico y el descubrimiento de las
leyes de la perspectiva  lineal construyeron las bases teóricas autoconscientes de un arte de fuerte personalidad, la escuela florentina del
quattrocento, que tras la decadencia de la sienesa  (su rival en el  duecento  y el trecento ) se había convertido en la dominante en Italia,
caracterizada por el predominio del disegno (dibujo , diseño ). Prueba de su prestigio fue la selección de maestros para el programa pictórico
de las paredes laterales de la Capilla Sixtina  (1481-1482). Era común que muchos de los pintores florentinos procedieran de otras escuelas
locales italianas, como Piero della Francesca , que procedía de la  escuela de Ferrara (Francesco del Cossa , Cosme Tura ), Mantegna , que
procedía de la Escuela de Padua (Francesco Squarcione , Melozzo da Forli , Filippo Lippi) o Perugino , de la  escuela de Umbría o de  las
Marcas (Melozzo da Forli , Luca Signorelli ). La escuela veneciana, a su vez, recibió el influjo del veronés Pisanello  y el siciliano  Antonello
da Messina (a quien se atribuye la introducción de la técnica flamenca del óleo  en Italia) 21​ para desarrollar características peculiarísimas
centradas en el dominio del color, visibles en Alvise Vivarini y Carlo Crivelli  y que llegarán a su cima con los Bellini.22​

Arquitectura del Quattrocento


       

Cúpula Puerta del Fachada de Santa María Plaza de Pienza, Palacio Medici
de Santa Paraíso del B Novella, de Alberti (1458- planificación y Riccardi,
María del aptisterio de 1478) edificios de Bernardo de Michelozzo
Fiore, Florencia, Rossellino (1459) (1444)24​
de Brunellesc de Ghiberti.23​
hi(1420-1436)

Escultura del Quattrocento


     
El trabajo de los David de El condottiero Bartolomeo Madonna con Niño, San
Primeros Donatello(c Colleoni, de Andrea Sebastián y San Antonio
Padresen la Porta . 1440) Verrocchio (1475)25​ Abad, de Andrea della
Magna de San Robbia (1500)
Petronio de
Bolonia,
de Jacopo della
Quercia (1425-
1434)

Alto Renacimiento o Renacimiento clásico [ editar ]


Artículo principal: Alto Renacimiento

La genial figura de  Leonardo da Vinci , que mantuvo una vida errante por las cortes italianas y francesa, enmarca el tránsito hacia
el Cinquecento (años mil quinientos en italiano). Se abre el denominado Alto Renacimiento o Renacimiento clásico:26​ Florencia (que
había sufrido el furor iconoclasta de Savonarola ) fue sustituida como centro artístico por Roma, bajo el mecenazgo papal, que atrajo
a Bramante , Miguel Ángel  y Rafael Sanzio , desarrollando el ambiciosísimo programa artístico del Vaticano  (cuyo enorme coste fue una de
las razones del descontento que generó la Reforma protestante ), con lo que puede hablarse de una  escuela florentino-romana (los citados y  Fra
Bartolommeo, Andrea del Sarto , Giulio Romano , Benvenuto Cellini, Baldassarre Peruzzi , Giovanni Antonio Bazzi  (Il Sodoma) y otros, cuya
condición de émulos eclipsados por el genio de sus maestros, a pesar de sus valores propios, les hace ser clasificados muy habitualmente como
manieristas).27​ Mientras tanto, en Venecia se desarrolló con características propias una escuela veneciana de pintura  caracterizada por el
dominio del color (los Bellini, Giorgione , Tiziano ).

En relación con el renacimiento de mediados del siglo XV, caracterizado por la experimentación sobre la perspectiva  lineal, el  alto
renacimiento se caracterizó por la madurez y el equilibrio que se encuentra en el sfumato de Leonardo; en los volúmenes marmóreos de
la terribilità miguelangelesca; en los colores, texturas y el  chiaroscuro de los venecianos o de las Madonnas de Rafael, que dan a la luz y a
las sombras un nuevo protagonismo, junto a su característica morbidezza (suavidad, blandura); en el adelantamiento del brazo en los retratos
(como en la Gioconda); en la  composición  clara, especialmente la triangular, marcada por la relación de las figuras con miradas y posturas,
particularmente en las manos.28​

Pintura del Alto Renacimiento


       

La Madonna del Prato, Venus, de Giorgione (1508- Amor sagrado y amor profano, de Tiziano (1512-
Gioconda, de Giovanni 1510) 1515)
de Leonardo Bellini (1505)
da
Vinci(1503-
1506)
Esponsales
de la Virgen,
de Rafael
Sanzio(1504
)

Arquitectura y escultura del Alto Renacimiento


   

Templete de San Pietro in David de Cúpula de San Pedro,


Montorio, Miguel rediseñada por Miguel Ángelen
de Bramante(1502-1510) Ángel(1501- 1547.
1504)

Bajo Renacimiento o Manierismo [ editar ]


Artículo principal: Manierismo

Desde el  saco de Roma  de 1527, el renacimiento supera su fase clasicista para experimentar con más libertad formal y menos sujeción a
equilibrios y proporciones, exagerando los rasgos, introduciendo rupturas e inversiones del orden lógico, órdenes gigantes , formas dinámicas
como la serpentinata, y dando paso a guiños intelectuales e  iconográficos sofisticados o al humor . Los longevos Miguel Ángel y Tiziano
continuaron su ingente obra, al tiempo que las nuevas generaciones de artistas imitan su maniera (cuasi divinizada por los
primeros historiadores del arte  como  Vasari ) o bien desarrollan su propia creatividad:29​ Pontormo  ―Descendimiento,
1528―, Correggio  ―Adoración de los pastores, 1530―, Parmigianino  ―Madonna del cuello largo, 1540―, Bronzino  ―Retrato de
Lucrezia Panciatichi, 1540―, Tintoretto  ―Lavatorio, 1549―, Veronés  ―Bodas de Caná, 1563―, Sebastiano del
Piombo, Arcimboldo , los  Bassano , los  Palma  (pintores),  Juan de Bolonia ―Hércules y el centauro Neso, 1550―, Benvenuto
Cellini ―Salero de Francisco I de Francia, 1543― (escultores), Serlio  ―Los siete libros de la arquitectura, publicados entre 1537 y
1551―, Palladio  ―Teatro Olímpico, 1580―, Vincenzo Scamozzi , Vignola , Giacomo della Porta (arquitectos), o artistas completos
como Giulio Romano  (edificio y frescos del  Palazzo Te, 1524-1534), Jacopo Sansovino  (intervenciones en torno a la  Plaza de San
Marcos de Venecia desde 1529, como la Biblioteca Marciana , 1537-1553),  Bartolomeo Ammannati  (Fuente de Neptuno, ampliación
del Palazzo Pitti, 1558-1570) y  Federico Zuccari (Palacio Zuccari, un extravagante y personal proyecto para su propia vivienda en Roma,
1590).

Pintura del Bajo Renacimiento


         

Júpiter e Madonna Alegoría del Hallazgo del Las bodas de Caná, La Primavera,
Ío, del cuello triunfo de cuerpo de San de Veronés (1563) de Arcimboldo(
de Corre largo, Venus, Marcos, 1573)
ggio (15 de Parmigi de Bronzino(15 de Tintoretto (1562
30) anino (153 40-1545) )
4-40).

Arquitectura y escultura del Bajo Renacimiento


         
Palazzo Te, de Giulio Palazzo Farnese30​ Parque de los Perseo,  Villa Rotonda, Palladio (1566)
Romano (1524-1534) monstruosde Bomarzo (de Benvenut
sde 1550) o
Cellini(15
54)

Iglesia del
Gesù en
Roma, trazado
interior
de Vignola (15
68) y fachada
de Giacomo
della
Porta (1575).

Por el resto de Europa se difunde un estilo italianizante, que en cada zona adquiere características peculiares: en Francia la escuela de
Fontainebleau, pintores como  François Clouet, escultores como  Jean Goujon , Ligier Richier  o Germain Pilon  y el embellecimiento de los
elegantes châteaux de la Loire (ampliación del  castillo de Blois  y construcción del  castillo de Chambord, ambos de  Domenico da
Cortona; Serlio  y Gilles le Breton  en el propio  palacio de Fontainebleau; Pierre Lescot  en el  del Louvre ; Filiberto Delorme  en
las Tullerías );31​ en España los escultores Alonso de Berruguete , Diego de Siloé , Juan de Juni  o Gaspar Becerra , los pintores Luis de
Morales, Juan de Juanes , Navarrete el Mudo , Alonso Sánchez Coello o Juan Pantoja de la Cruz , y los arquitectos  Pedro Machuca , Rodrigo
Gil de Hontañón, Alonso de Covarrubias  o los  Vandelvira ; en el Flandes dividido por la  revolución  que trajo la reforma protestante , Quentin
Metsys, Antonio Moro  o Karel van Mander  (el Vasari del norte); y en Alemania  Lucas Cranach el Joven  o Hans Holbein el Joven (que
terminó su carrera en Inglaterra); en Inglaterra, Íñigo Jones .

Pintura italianizante
         

Vieja Los embajadores, Sansón y Dalila, de Lucas Partida de ajedrez, Piedad,


grotesca, de Hans Holbein el Cranach el Joven (1537) de Antonio Moro (1549) de Luis de
de Quentin Joven (1533) Morales (c.
Metsys (1525- 1560)32​
1530)

 
La última cena, de Juan de Dama en el Continencia de Escipión, de Karel
Juanes (c. 1562) baño, van Mander (1600)
de François
Clouet(1571)

Arquitectura y escultura italianizante


     

Palacio de Carlos V, Escalier du Fer-à- Sacrificio Santo Entierro, de Juan de Juni (1539-
de Pedro Machuca (1527) chevalen el Palacio de de Isaac, 1540)34​
Fontainebleau, de Alonso
de Philibert de
Delorme y Jean Bullant (c. Berruguet
1550) e(1526)33​

El llamado  Bajo Renacimiento en España coincide con el comienzo de los  siglos de oro  de las artes.35​ Tras el Alto en el que se
incorporaron los modelos puristas o clasicistas del romano36​ (Palacio de Carlos V , Catedral de Granada , Catedral de Jaén , Catedral de
Baeza, Ayuntamiento de Sevilla ), en el último tercio del siglo XVI se desarrolló un ambicioso programa propio de marcada originalidad,
centrado en el Monasterio de El Escorial  (Juan Bautista de Toledo, Gian Battista Castello , Francesco Paciotto , Juan de Herrera  ―cuya fuerte
personalidad le hace habitualmente ser considerado principal autor― y Francisco de Mora , 1563-1586), que dio trabajo a pintores italianos
como Pellegrino Tibaldi  y Federico Zuccaro , pero donde no tuvo cabida, a pesar de su genialidad, un artista no apreciado por Felipe II : El
Greco.

Bajo Renacimiento en España


     

Monasterio de El Custodia de Cenotafio de Felipe II en El expolio,


Escorial, Juan de la Catedral la Basílica de El Escorial, de El
Herrera (1563-1586) de Sevilla, de Leone Leoni y Pompeo Greco(159
de Juan de Leoni(1587) 0-1595)
Arfe (1576)

Véanse también: Arquitectura del Renacimiento, Pintura del Renacimiento y Escultura del Renacimiento.

Siglo XVII y primera mitad del XVIII: Barroco, Clasicismo y Rococó [ editar ]

Barroco [ editar ]
Artículo principal: Barroco

Véanse también: Pintura barroca, Escultura barroca y Arquitectura barroca.

En la Italia de 1600 el intelectualismo manierista da paso a un arte más popular: el barroco , que
apela directamente a los sentidos, y en que se otorga un valor fundamental a los juegos de luz y
sombra, a formas geométricas sofisticadas (como la elipse  y la helicoidal ), al movimiento, a la
violencia en los contrastes y a la contradicción entre la apariencia y la realidad. Desde su inicio se
da simultáneamente con una tendencia clasicista  visiblemente opuesta.

La periodización del barroco permite identificar varias fases: un barroco tenebrista  a comienzos


de siglo XVII, un barroco pleno  o maduro en las décadas centrales del siglo, y un
barroco triunfante o decorativo a finales del siglo XVII, que se prolongó en el siglo XVIII con
el denominado barroco tardío, de imprecisa diferenciación con el rococó , estilo que también
puede definirse bajo parámetros bien distintos.37​

Los principales pintores italianos de tendencia barroca del siglo XVII fueron  Caravaggio , cuya
breve y escandalosa carrera inició una verdadera revolución pictórica (y a cuyo estilo se denomina
a veces como caravagismo, como  tenebrismo o naturalismo); seguido por  il Spagnoleto José Triunfo de la Divina Providencia y
cumplimiento de Sus Fines bajo el
de Ribera (valenciano cuya obra se realizó íntegramente en Nápoles),  Pietro da Cortona (también
pontificado de Urbano VIII, fresco de
arquitecto) y Luca Giordano  (llamado  Luca fa presto por su rapidez de ejecución). El techo en el Palacio Barberini, de Pietro
protagonista del triunfo de las formas retorcidas del estilo barroco en la clasicista Roma (donde de Cortona (1633-1639).
los académicos de San Lucas  mantuvieron el dominio del gusto  academicista en pintura) fue un
verdadero artista completo: Bernini , que aplicó a escultura y arquitectura una nueva concepción sensitiva, casi sensual (Éxtasis de Santa
Teresa, Baldaquino de San Pedro ); aunque también otros como Borromini , los  Maderno  y los  Fontana  dejaron su impronta en una cada vez
más deslumbrante Ciudad Eterna, confirmada como centro del arte europeo. El arte de todos ellos fue un eficaz medio de propaganda (en
plena Propaganda Fide de la Contrarreforma ) al servicio de la Iglesia Católica, que pretendía ocupar todos los espacios públicos y
privados. La columnata de la Plaza de San Pedro de Roma  se abre literalmente como un abrazo «a la ciudad y al mundo» (urbi et orbi).38​
Otras ciudades italianas desarrollaron programas más modestos, pero no menos interesantes, como el emergente Turín  de los  Saboya , con los
edificios de Guarino Guarini , u otras como Lecce , Nápoles , Milán, Génova , Florencia  y Venecia .39​

Véanse también: Pintura barroca de Italia, Barroco español y Pintura barroca de los Países Bajos.

Pintura barroca
         

La vocación de San Magdalena, Lección de anatomía del El vendedor de caza, de Frans Retrato de Carlos I de
Mateo, de Georges Dr. Nicolaes Snyders. La oposición entre la Inglaterra, por Van
de Caravaggio (160 de La Tulp de Rembrandt (1632) exuberancia de los bodegones Dyck (1635)
1) Tour(1625- flamencos y los españoles es
1650) proverbial.

Juicio de Paris, de Rubens (1638) Bodegón, de Zurbarán (1650). Alegoría de


la Justicia,
fresco en la
galería del
Palacio
Médici-
Riccardi,
de Luca
Giordano(16
84-1686)

Las instituciones eclesiásticas locales y la católica  Monarquía Hispánica , especialmente con el programa artístico y coleccionista de Felipe
IV (Palacio del Buen Retiro , Salón de Reinos , Torre de la Parada),40​ que continuó a pesar de las apreturas económicas de la decadencia y la
difícil coyuntura del reinado de Carlos II , serán los principales clientes de  una constelación irrepetible de genios de la pintura: Ribera  (en
Nápoles); Ribalta , Velázquez , Murillo, Zurbarán , Alonso Cano , Valdés Leal , Claudio Coello  (en España); Rubens , Jordaens  (en
Flandes). Incluso se reclutarán primeras figuras italianas como Tiépolo  y Lucas Jordán . La  imaginería  de madera policromada llegó a cimas
no igualadas con Gregorio Fernández , Alonso de Mena , Pedro de Mena  y Martínez Montañés .

Arquitectura barroca
     

Casa de la Panadería de Cúpula Iglesia de San Grand Place de


la Plaza Mayor de Madrid, elíptica Marcello al Bruselas(1695-1699). Fue
de Juan Gómez de de San Corso, característico la
Mora (1619), con la estatua Carlo alle de Carlo incorporación de
ecuestre de Felipe III, Quattro Fontana(1682 características barrocas a
de Pietro Tacca(1616)41​ Fontane, -1683) edificios espacios
de Borromi públicos de otras
ni(1634- ciudades,
1637) destacadamente Viena, Á
msterdam o Venecia(ade
más de las ya
citadas Madrid o Roma).

Escultura barroca
       

Cristo yacente, de Gregorio Baldaquino de Piazza Navona, ejemplo del Capilla Cornaro de Milón de
Fernández (1620-1625)42​ San Pedro, urbanismo barroco romano, la Iglesia de Santa María Crotona,
de Bernini (162 que incluye fuentes de la Victoria de Roma, de Pierre
4-1633) de Bernini (1651) con el Éxtasis de Santa Puget(1671-
Teresa de Bernini (1647- 1682)
1652)

En los países protestantes, el barroco fue un arte burgués, de iniciativa privada, con  pintores holandeses como  Rembrandt , Johannes
Vermeer, Frans Hals  o Ruysdael , que trabajaban para el mercado libre.

En Inglaterra, cuya peculiar situación socio-política-religiosa era un intermedio entre las dos alternativas de la época, encontrará su público un
pintor de la talla de Anton van Dyck .

En Francia, aunque algunos pintores, como los  hermanos Le Nain  o Georges de La Tour , y escultores, como Pierre Puget  o François
Girardon pueden con facilidad inscribirse dentro de los parámetros de lo barroco, la corriente dominante se adscribió a los cánones del
clasicismo.

Pintura barroca
         
El martirio de San Campesinos bebiendo, Las hilanderas, El arte de la Molino en
Felipe, de José de de Louis Le Nain (1642) de Velázquez (1657) pintura, Duurstede, Ruysdael (1
Ribera (1639) de Vermeer (16 670). La pintura de
66) paisaje por sí misma,
sin necesidad de una
excusa religiosa, se
desarrolla como género
autónomo.

In ictu oculi, una


de
las Alegoríasdel H
ospital de la
Caridad (Sevilla),
de Valdés
Leal(1672)

Clasicismo [ editar ]
Artículo principal: Clasicismo

Véanse también: Pintura clasicista, Escuela Boloñesa, Clasicismo de Francia y Barroco inglés.

Las  academias  que se crearon, primero en la Italia renacentista, y luego en España, Inglaterra y Francia, fijaron un gusto estético que ponía
las normas codificadas por los tratadistas del arte por encima de la fantasía creativa. Francia se convirtió en la segunda mitad del siglo XVII en
el centro de este movimiento clasicista , aunque Italia lo inspirara en su primera mitad ( Annibale Carracci, Guido
Reni, Domenichino , Guercino , Accademia di San Luca). Franceses fueron el pintor Nicolás Poussin , que pasó la mayor parte de su vida
artística en Roma, o el escultor Jacques Sarazin .43​

La máxima expresión del  clasicismo francés  fue el programa artístico diseñado en torno al palacio de Versalles , levantado a las afueras de
París como pieza clave de un más amplio programa de ingeniería política y social para el asentamiento de la monarquía absoluta  de  Luis
XIV (pintores como  Hyacinthe Rigaud  o Charles Le Brun , arquitectos como  Luis Le Vau  o los Mansart , escultores
como Coysevox  o Puget , e incluso el diseñador de jardines  Le Nôtre ).

La reconstrucción tras el  gran incendio de Londres  de 1666 permitió diseños urbanísticos y edificios singulares en los que predominaron
criterios clasicistas, mientras las villas campestres se trazaban con gusto palladiano . Se va estableciendo un gusto que determinará con el
tiempo las diferencias entre el jardín inglés  artificiosamente  naturalista frente a la pureza formal de las líneas del jardín francés .

Pintura clasicista
     

Piedad, de Annibale Atalanta e Hipomenes, Bacanal, de Poussin (1634- Puerto con el embarque


Carracci(1603) de Guido Reni (1615-1625) 1635) de la Reina de Saba,
de Claudio de
Lorena (1648)

Arquitectura y escultura clasicistas


     

Palacio de Vaux-le- Palacio de Versalles, de los Catedral de San Pablo de Cariátide


Vicomte, del arquitecto Luis mismos (1661-1692) Londres, Christopher s del Lou
Le Vau y el diseñador de Wren (1676-1710) vre,
jardines Le Nôtre (1658- de Jacqu
1661) es
Sarazin(
1639 a
1642)

Rococó [ editar ]
Artículo principal: Rococó

Aunque el origen del término es despectivo, pretendiendo ridiculizar la retorcida decoración de rocailles y coquilles propia del también
denominado estilo Luis XVI, al igual que con el manierismo, el rococó se terminó por definir como un estilo autónomo, y al igual que a aquél,
una exposición organizada por el Consejo de Europa  le otorgó definitivamente el prestigio historiográfico (Múnich, 1958).44​

A lo largo de los dos primeros tercios del siglo XVIII, los palacios que se levantaron a imitación de Versalles por toda Europa a mayor gloria
de las monarquías absolutas  en proceso de convertirse en despotismos ilustrados (Palacio Real de Madrid  y La Granja  en España,  Palacio
de Invierno y Palacio de Catalina  en San Petersburgo,  Schönbrunn  en Viena,  Sanssouci  en Prusia, Zwinger  de Dresde,  Ludwigsburg  en
Württemberg, Amalienborg  en Copenhague, Caserta  en Nápoles ―en Inglaterra no hubo palacios versallescos, el más importante de los
edificios del siglo XVIII fue el Palacio de Blenheim  de  John Vanbrugh , prolongación del barroco clasicista inglés y anticipador del
neoclasicismo―45​) llenaron sus espacios interiores con un arte intimista, privado e incluso secreto, de gran sensualidad, representado en la
pintura francesa por Watteau , Maurice Quentin de La Tour, Boucher  y Fragonard ; y en el exquisito cuidado puesto en la confección e
instalación de porcelanas  (la gran novedad tecnológica de la época, que ocupó a algunos de los mejores escultores: Meissen  ―Johann
Joachim Kändler―, Augarten , Nymphenburg  ―Franz Anton Bustelli―, Berlín , Vincennes ,46 ​ Sèvres  ―Étienne-Maurice
Falconet―,47​ Lomonosov ,48C
​ helsea ,49 ​ Buen Retiro , Alcora ,50​ etc.), cristales (La Granja), relojes  (Real Fábrica de Relojes ), muebles ,
etc. El estuco  pasó a ser un material muy utilizado para la confección de complejos espacios arquitectónico-escultóricos (Giacomo Serpotta);
mientras que el pastel  en pintura ( Chardin ) y la  terracota  en escultura ( Clodion ) se convirtieron en las técnicas preferidas para el consumo
de un gran mercado demandante de piezas pequeñas y elegantes. Los vedutisti italianos, sobre todo los venecianos Canaletto  y Guardi , se
vieron estimulados por la continua demanda de los primeros turistas  aristocráticos que recorrían el circuito artístico europeo (el  Grand
Tour).

Arquitectura rococó
         

Iglesia de San Carlos Palacio de Iglesia de Wies, de los Asamkirche Fachada del Palacio del
Borromeo (Viena), Sanssouci de Von estuquistas y en Múnich, Obradoiro en Marqués de
de Johann Bernhard Knobelsdorff (1745-1747) arquitectos Dominikus y J de los la Catedral de Dos Aguas,
Fischer von Erlach (1716- ohann Baptist hermanos E Santiago de de Ignacio
1737) Zimmermann(1745-1754) gid Quirin Compostela, Vergara e Hi
Asam y Cos de Fernando pólito
mas Damian de Casas Rovira (c.
Asam(1733- Novoa (1740) 1740)
1746)

Al mismo tiempo, en entornos más públicos, la pintura inglesa realizaba propuestas estéticas semejantes con las conversation pieces y la
pintura satírica de Hogarth  (que también reflexionó teóricamente sobre La curva de la belleza predominante en el arte rococó -
la serpentine, serpentinata o sigmoidea-), 51​ la elegante despreocupación de los retratos y paisajes de Gainsborough ; la prolongación en el
tiempo del denominado alto barroco alemán descomponía los espacios interiores de las iglesias (púlpitos, altares, pilares, bóvedas) haciendo
que la extravagante decoración se convirtiera en el único elemento estructural visible;52​ mientras que el churrigueresco  español retorcía la
fantasía barroca hasta el límite y Salzillo  continuaba la tradición imaginera. Los  cartones de Goya , a pesar de su datación en la segunda mitad
del siglo, se incluyen en un gusto artístico semejante al rococó, muestra de su pervivencia en un momento en que la crisis del Antiguo
Régimen enfrentaba ese  gusto aristocrático con la racionalidad y sobriedad  burguesa que se imponía en la  Revolución francesa (1789).

Pintura Rococó
       

Fiesta de los esponsales Matrimonio a la moda, El Señor y la Señora Andrews, El columpio,


entre Venecia y el Mar, de Hogarth (1745) de Gainsborough (1748-1749) de Fragonard(1
de Canaletto (1729-1730) 767)

El quitasol, de Goya (1777)

Escultura Rococó
   

Transparente La oración del huerto, Amour


de la catedral de Salzillo (1754) menaçant,
de Toledo, de Étienne-
de Narciso Maurice
Tomé(1729- Falconet(1757)
1732)

Segunda mitad del siglo XVIII y primer cuarto del XIX: Neoclasicismo y Prerromanticismo [ editar ]

Artículos principales: Neoclasicismo y Prerromanticismo.

Véanse también: Estilo Luis XVI, Estilo directorio y Estilo imperio.

A mediados del siglo XVIII se había desatado una verdadera  fiebre arqueológica que culminó con el descubrimiento de las ruinas
de Pompeya  en 1748. El conocimiento del mundo antiguo se revisó con nuevos criterios establecidos intelectualmente por tratadistas,
académicos, críticos e historiadores del arte. Unos orientaron el gusto en un sentido clásico
(Milizia, Mengs , Winckelmann , Diderot , Quatremère de Quincy ) y otros en un sentido que preludia el romanticismo , el  neogótico  y
los historicismos  del siglo XIX (Walpole , Lessing , Goethe ). La oposición entre la sensibilidad neoclásica y la romántica ha pasado a ser
un tópico cultural, reforzado por aparatosos enfrentamientos generacionales como el que supuso la llamada batalla de Hernani (Comédie-
Française, 28 de febrero de 1830, cuando el público de la obra de Victor Hugo  se enfrentó, dividido entre los  Chevelus ―jóvenes
melenudos, románticos― y los Genoux ―viejos calvos, neoclásicos―) o el salón de París  de 1819 en el que se enfrentaron los partidarios
del morboso romanticismo de La Balsa de la Medusa (Géricault ) con los de la pulcritud neoclásica de  Pigmalión y
Galatea (Girodet  ―que fue quien se llevó el premio―).

Neoclasicismo y Prerromanticismo
     

El juramento de los Pigmalión y La balsa de la Medusa, de La batalla de


Horacios, Jacques-Louis Galatea, de Géricault (1819) Hernani (28 de
David (1784) Girodet (1819) febrero de
1830). Grabado
satírico de J. J.
Grandville.

No obstante, en realidad, el neoclasicismo es también una estética  revolucionaria, y tuvo su propia ruptura generacional juvenil en la
exhibición del Juramento de los Horacios de  Jacques Louis David en el salón de 1785 (el escándalo de su relegación por los académicos,
obligó a modificar su lugar en la exposición; y se extendió su lectura política, en clave pre-revolucionaria). El romanticismo literario, por su
parte, fue la opción estética de los reaccionarios  (Chateaubriand ). Hasta tal punto la convivencia de la sensibilidad neoclásica y la
romántica era posible que, para denominar la arquitectura neoclásica  de la primera mitad del siglo XIX se ha propuesto utilizar el
término clasicismo romántico, a pesar del oxímoron  (oposición de términos), dado que, además de coincidir en el tiempo estilísticamente
comparte rasgos con la estética romántica, al añadir cierta expresividad y espíritu exaltado a la sencillez y claridad de las estructuras clásicas
grecorromanas.53​

Pintura neoclasicista y prerromantica


   

Bodegón de Luis Eugenio Miss Anna Panel de


Meléndez (1772) Ward con su porcelanas
perro, de Wedgewoo
de Joshua ddiseñadas
Reynolds(1787 por John
) Flaxman(1775
-1787)

Arquitectura neoclasicista
       

Templo de la virtud Puerta de Alcalá en Rotonde de la Villette en Interior Puerta de


antigua, en un jardín Madrid, de Francesco París, de Ledoux (1788) del Panteón Brandemburgoen Berlín,
inglés diseñado Sabatini (1778) de París, de Carl Gotthard
por William Kent (1735) de Soufflot(1 Langhans(1791)
764-1790)
En la segunda mitad del siglo XVIII fueron habituales los diseños de  salones urbanos  de tradición barroca, pero sometidos a nuevas
convenciones. La destrucción de la Praça do Comércio de Lisboa por el  terremoto de 1755  permitió su reconstrucción como un espacio
abierto sometido a los cánones clásicos. En Madrid, el Paseo del Prado  (desde 1763) reunió un impresionante conjunto arquitectónico y
escultórico proyectado principalmente por Juan de Villanueva (Museo del Prado , fuente de Cibeles , fuente de Neptuno , Jardín
Botánico, Observatorio del Retiro ). Bajo los criterios de la  arquitectura georgiana  se trazó el urbanismo de Bath  (Royal Crescent, John
Wood, 1767-1774). Con una concepción mucho más neoclásica, en Múnich  se diseñó la  Königsplatz y sus edificios, de  Karl von
Fischer y Leo von Klenze (desde 1815). Mientras la arquitectura alemana e inglesa optaban por un historicismo neogriego, la francesa, sobre
todo con Napoleón , optó por los modelos romanos ( Iglesia de la Madeleine, concebida por el propio emperador para Templo a la Gloria de
la Grande Armée, y que reproducía el modelo de la Maison Carrée  de  Nîmes , Pierre Contant d'Ivry , 1806). 53​

En el mundo anglosajón, el  palladianismo , arquitectura de  villas triunfante en Inglaterra desde finales del siglo XVII, se extendió a los
Estados Unidos recientemente independizados. La cerámica de Josiah Wedgwood  tuvo un gran impacto divulgador de las formas neoclásicas
a través de las siluetas puras y bajorrelieves de John Flaxman . En Francia,  arquitectos visionarios como  Étienne-Louis Boullée  y Claude-
Nicolas Ledoux plantearon edificios basados en la combinación espectacular de las formas geométricas, mientras que la corriente dominante
fijó un neoclasicismo más sobrio (Ange-Jacques Gabriel , Jean Chalgrin , Jacques-Germain Soufflot). En España la crítica académica ( Antonio
Ponz, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando) se cebó con el denuesto de la arquitectura barroca, cuyas formas retorcidas dan paso a
la pureza de líneas de Ventura Rodríguez  o Juan de Villanueva .

Canova  y Thorvaldsen  interpretan el nuevo gusto del denominado  estilo imperio en una escultura neoclásica de alta perfección formal. En
cuanto a la evolución de la pintura, en Alemania Runge  y Friedrich ; en Inglaterra  Joshua Reynolds , Henry Fuseli , William
Blake, Constable  y Turner ; en Francia  Jacques Louis David , François Gérard  e  Ingres , y en España la excepcional figura de Goya , cierran
el siglo XVIII y abren el XIX.

Neoclasicismo y Prerromanticismo
           

El anciano de El sueño de Muelle de Calais, Cenotafio de María Napoleón, El caminante


los días, la razón de Turner(1803) Cristina de de Ingres(1 sobre el mar
grabado produce Austria, Canova (1805) 806) de niebla,
coloreado a la monstruos, de Friedrich(1
acuarela grabado de 815)
de William la serie Los
Blake (1794) caprichos de
 Goya (1799
)

Monumento a los guardias Cupido y


suizos, Psique,
de Thorvaldsen(1818) de Gérard(18
22)

Véanse también: Arquitectura neoclásica, Escultura neoclásica y Pintura romántica.

Arte en otros espacios de la civilización occidental [ editar ]


Arte colonial, hispanoamericano o indiano e hispanofilipino [ editar ]

Artículo principal: Arte colonial hispanoamericano

El arte colonial hispanoamericano  o arte indiano 54​ presenta en el periodo de la Edad Moderna la misma sucesión de estilos que el arte
europeo, dado que la colonización española de América supuso el final de la producción de las representaciones artísticas del  arte
precolombino, y en muchas ocasiones incluso la destrucción física de las obras de arte anteriores. Hasta el mismo trazado urbano de las
ciudades se impuso de nueva planta, con un plano ortogonal en el que la Plaza de Armas  acogía los edificios civiles y religiosos principales.
No obstante, las características autóctonas pervivieron, aunque sólo fuera como un sustrato (a veces literalmente, como en la Plaza de las Tres
Culturas de México o en los muros incaicos que sirven de zócalo a construcciones posteriores). En muchos casos se produjo un
verdadero sincretismo  cultural, del mismo modo que en la religiosidad popular. Se produjo una síntesis entre los estilos europeos y las
antiguas tradiciones locales, generando una simbiosis que dio un aspecto muy particular y característico al arte colonial.

Sus principales muestras se produjeron en los dos centros  virreinales  de más relevancia: Virreinato de Nueva España  (barroco novohispano )
y Virreinato del Perú  (escuela cuzqueña de pintura). En pintura y escultura, en las primeras fases de la colonización fue frecuente la
importación de obras de arte europeas, principalmente españolas, italianas y flamencas, pero enseguida comenzó la producción propia, que
incorporó rasgos inequívocamente americanos a las convenciones de los distintos géneros artísticos.

Arte colonial
         

Nuestra Capilla Ángel Adoración Figura Cristo


Señora de domésticade arcabucero,  de los femenina de crucificado,
Guadalupe l monasterio Maestro de Magos, esc marfil, actualmente
(México)(15 de Tepotzotl Calamarca, e uela actualmente en un
31 o 1555) án(México) scuela del cuzqueña en un monasterio
Collao, de museo valenciano
Bolivia pintura(174 mexicano (siglo XVII)
(siglo XVII) 0-1760)

Los contactos transoceánicos de  México  con  Filipinas  (Galeón de Manila  desde  Acapulco ) dieron origen a otro particular sincretismo
detectable en algunas obras a ambos lados del Pacífico , especialmente en la cerámica, los  biombos  o en los cristos crucificados y otras
figuras en marfil con rasgos orientales, denominados marfiles hispano filipinos , aunque algunos se hicieron en el mismo México. También se
produjeron, en un contexto equivalente, marfiles luso indios.55​

Arquitectura colonial
       

Catedral de Santo Templo de Santa Prisca Iglesia de la Basílica de Congonhas,


Domingo (1523-1541) de Taxco, México (1751- Compañía, Brasil, con las figuras de
1758) Quito, profetas de Antonio
Ecuador Francisco Lisboa, «el
(1605-1765) Aleijadinho» (1796-1799)
Iglesia de Paoay, isla de Luzón,
Filipinas (1694-1710)

Arte ruso [ editar ]

Artículo principal: Cultura de Rusia

Véanse también: Arquitectura de Rusia y Pintura de Rusia.

La cultura y el  arte ruso , al igual que las  culturas eslavas  de los  Balcanes  y Ucrania , se definió a lo largo de la Edad Media con una fuerte
influencia del arte bizantino , y esa influencia continuó incluso posteriormente a la Caída de Constantinopla , coincidiendo con la construcción
del estado ruso en torno a la figura del zar  como continuidad de la figura del  basileus  y la imagen de Rusia como una Tercera Roma .

La producción de  iconos  y la iluminación de manuscritos  continuaron en los siglos de la Edad Moderna con similares convenciones y rasgos
estereotipados a los del Bizancio medieval. Con el programa de occidentalización de Pedro I el Grande , a partir de finales del siglo XVII se
envía a pintores locales a aprender a Italia, Francia, Inglaterra y Holanda, y se contrata a pintores de esos mismos países.

La arquitectura, aunque continuó influenciada principalmente por la  arquitectura bizantina  en los primeros siglos de la Edad Moderna,
presenció la introducción de tendencias renacentistas por artistas italianos como Aristóteles Fioravanti  (1415-1486), que antes había trabajado
para Matías Corvino  en Hungría. Las construcciones de la época tuvieron una gran capacidad de inclusión de múltiples elementos (tejados de
faldón de origen asiático, las  cúpulas bulbosas de origen bizantino), todo ello reinterpretado con gran fantasía y colorido, como en la Catedral
de San Basilio y el «estilo flamante» de la ornamentación de  Moscú  y Yaroslavl  en el siglo XVII. Hacia 1690 se habla de un barroco
moscovita(Francesco Bartolomeo Rastrelli ). Durante el siglo XVIII la occidentalización se hace cada vez más profunda, culminando en el
programa de construcción de San Petersburgo  con criterios neoclásicos. 56​

Arte ruso
     

Trinidad del Catedral de la Catedral de Cristo


Antiguo Dormición San Basilio, Aqueiropoyetos,
Testamento, (Moscú), uno de Postnik de Simon
de Andréi de los Yakovlev57​ Ushakov (c.
Rubliov(1422- edificios más (construcción 1660)
1428) antiguos original de
del Kremlin, 1555-1561,
inspirada en modificada en
la Catedral de fechas
la Asunción posteriores)
de
Vladímir(1475
-1479)

Arte oriental [ editar ]

El arte oriental  se ha definido como concepto por contraposición con el  arte occidental  y mediante estudios realizados por historiadores del
arte occidentales, seducidos precisamente por su alteridad . El exotismo  romántico degeneró en un  orientalismo  en buena medida
mixtificador.

Como principio general, y a pesar de su multiplicidad, el arte oriental se considera más estable en el tiempo que el occidental de la Edad
Moderna, sujeto a los continuos bandazos en la sucesión de estilos. Especialmente estable fue el arte de Extremo Oriente , repetición de
modelos fijados en el arte antiguo  de sus civilizaciones; mientras que el  arte islámico (en buena medida, el de una civilización sincrética  y
transmisora, tan occidental como  oriental, que tuvo su edad de oro en el  arte medieval ) y el  arte de la India  fueron más sensibles a todo
tipo de influencias, provenientes tanto del Este como del Oeste.58​

Véase también: Civilizaciones asiáticas


Arte islámico [ editar ]

Artículo principal: Arte islámico

Arte africano-islámico [ editar ]


Véase también: Arte africano

El espacio africano, a pesar de su situación geográfica  occidental, se hallaba en buena parte en la órbita cultural y artística del Próximo
Oriente y la civilización árabe-islámica, especialmente Egipto  y el Magreb  (término que significa precisamente  occidente en árabe). Lo
mismo puede decirse de grandes partes de África oriental, a excepción de Etiopía , que se mantuvo como reino cristiano.

Tombuctú  fue el principal centro de cultura islámica en el espacio subsahariano desde finales de la Edad Media, con el Imperio songhay ,
sucedido por la ocupación marroquí desde el siglo XVI.

Otras zonas del África occidental y meridional continuaron con su dinámica cultural ancestral, aunque sometidas al impacto negativo de la
expansión europea y árabe (colonización directa de los principales puertos e impulso al tráfico de esclavos, que modificó profundamente las
entidades políticas y redes sociales y culturales indígenas).

Arte africano-islámico
 

Mezquita de Madrasa de Sankore,


Djingareyber, reconstruida en 1581.
original del
siglo XIV.59​

Arte turco otomano [ editar ]


Artículo principal: Cultura de Turquía

El arte otomano  se produjo principalmente en  Asia Menor  y los  Balcanes , además de extender su influencia por todo el mundo
mediterráneo musulmán.

El periodo clásico de la arquitectura otomana (siglos XV al XVII) está dominado por la figura del armenio Mimar Sinan , que conjugó la
tradición bizantina con elementos étnicos de distintas procedencias. A él se deben 334 edificios en varias ciudades (mezquitas Sehzade , de
Suleimán y de Rustem Pachá  en  Estambul , de Selim  en  Edirne , mausoleos del sultán  Suleimán el Magnífico, de su esposa  Roxelana  y del
sultán Selim II, etc.). El  Palacio de Topkapi  (1459-1465) era comparable en suntuosidad interior a los más importantes del mundo.

La influencia del arte europeo occidental se había dejado sentir desde finales del siglo XV, cuando el pintor veneciano Gentile Bellini  se
desplazó a Estambul a trabajar para el sultán Mehmed II  (1479). Durante el  periodo de los tulipanes (1718-1730) se produce una
renovación del interés por el arte de Europa Occidental, y un arquitecto francés, Mellin, trabajará para la corte otomana. En el periodo
siguiente, caracterizado por formas similares al barroco, destaca el arquitecto Mimar Tahir .60​

Arte turco
     

Mezquita Sehzade en Sitio de Mezquita Azul  en Estambul, Mezquita Laleli  o de los
Estambul, de Mimar Viena, de Sedefhar Mehmet Ağa(1609- tulipanes, de Mehmet Tahir
Sinan (1543-1548) por Nakkas 1617) Ağa (1760-1763)
Osman(15
88)
Arte persa [ editar ]
Artículo principal: Arte persa

Durante el siglo XVII se levantaron las grandes mezquitas safávidas  de  Jorasán , Isfahán  y Tabriz ; y el espacio de la  plaza de Naghsh-i
Jahan de Isfahán, uno de los hitos urbanísticos más espectaculares de las ciudades islámicas. El uso de la cerámica vidriada  da a las superficies
sus características de textura y cromatismo. Anteriormente se había levantado en Teherán  el Palacio de Golestán  (1524-1576), un programa
artístico orientado a la ostentación del poder y el lujo, con espacios intimistas y placenteros que evocan a la Alhambra  y el
estereotipo orientalista-romántico de  palacio de las mil y una noches; fue renovado profundamente en los siglos XVIII y XIX. 61​

Las miniaturas persas obviaron la  prohibición islámica de representar figuras humanas  en razón de la particular interpretación de ese precepto
en el chiismo ,62​ y desarrollaron un estilo particularmente refinado que se compartió, a través de los estrechos contactos con el Asia Central,
con el arte de la India. Se caracterizaron por el tratamiento exquisito de los márgenes y la utilización convencional de elementos de
interpretación poético-mística, como el vino (otra prohibición islámica) y los jardines, que evocan el Paraíso.

Los centros de producción más importantes de  alfombras persas  fueron  Tabriz  (1500-1550), Kashan  (1525-1650),  Herāt (1525-1650)
y Kermán  (1600-1650).

Arte persa
         

Alfombra tradicional Khalvat-e-karimkhani en Consejo Abás el Plaza de Naghsh-i Jahan de


de Tabriz, de lana y seda el Palacio de Golestán del asceta Grandeco Isfahán
Moraqqa’-e n un paje
Golshan, que le
conservado ofrece
en el vino,
Palacio de de Muham
Golestán, mad
Teherán Qasim(162
(1.ª mitad 7)63​
del
siglo XVI)

Cúpula de la Mezquita Puerta


Sheikh Lotf interior de
Allah de Isfahán (1615) la mezquita
Azul de
Tabriz

Véanse también: Miniatura persa y Alfombra persa.

Arte mogol y otros de la India [ editar ]


Artículo principal: Arte de la India

El Imperio mogol  impulsó la  islamización  de la  India  del norte, convirtiendo la  mezquita  en un edificio religioso competitivo con
los templos hinduistas , yainas  o budistas . Fatehpur Sikri , ciudad construida entre 1569 y 1585, combinaba elementos islámicos (bóvedas,
arcos y amplios patios) con los materiales y decoración tradicionales hindúes. Shah Jahan , desde la restaurada capitalidad de Delhi impulsó
edificaciones como el Fuerte Rojo  y el Taj Mahal .

La pintura, a pesar de la prohibición coránica, también fue incentivada por el mecenazgo del poder. Akbar  (iletrado, pero cuya biblioteca
contenía 24.000 manuscritos ilustrados) fundó la pintura mogola  en la India, al introducir pintores como  Mir Saiyide Alí  y Abdus Samad , que
establecieron escuelas pictóricas en Gujarat , Rajastán  y Cachemira , caracterizadas por el formalismo y la ornamentación vivaz y
colorista. Jahangir  continuó el mecenazgo, pero orientó el gusto a un nuevo realismo centrado en plantas y animales, sin interés por la figura
humana (pintor Ustad Mansur ).

En el sur de la India, no sujeto al  Imperio mogul , continuó la tradición artística de la India antigua, especialmente la cultura del Imperio
Vijayanagara, con capital en  Hampi , y otros estados rivales, como Madurai .

Al noroeste, en la zona del  Panyab , se inició una nueva religión, el  sijismo , que tiene en el Templo Dorado  su principal edificio artístico.

Arquitectura de la India
     

Templo Dorado (1588- Mausoleo de Itimad-Ud- Taj Mahal (1631-1654) Moti Masjid (Mezquita de la


1604) Daulah, Agra (1622-1628) perla) en el Fuerte rojo de
Delhi (1659)

Arte de la India
       

Pilar central Gopuram del templo Dodo, Retrato Krishna y Râdhâ en un


del Diwan-i- Meenakshi de Ustad idealizado pabellón (c. 1750)
Khas (sala Amman de Madurai (1 Mansur (c. de Nur Jahan,
de 559-1659)64​ 1625) esposa del
audiencias emperador Ja
privadas) hangir (c.
del Fuerte 1725-1750)
de Akbar en 
Fatehpur
Sikri (1569-
1585)

Véanse también: Pintura mogol, Arquitectura mogola, Pintura rajputa y Bani Thani.

Arte de extremo oriente [ editar ]

Véanse también: Extremo Oriente y Pintura Oriental.

Arte chino [ editar ]


Artículo principal: Arte de China

La Ciudad Prohibida  de Pekín fue concebida por el arquitecto  Kuai Xiang  (1397-1481). La construcción del gigantesco complejo comenzó en
1406 y terminó en 1420. Su palacio imperial es la mayor edificación de madera del mundo.

Destacados pintores de la  dinastía Ming  (siglos XIV al XVII) fueron  Tang Yin , Wen Zhengming, Shen Zhou , Qiu Ying, Xu Wei o Dong
Qichang. Destacados pintores del comienzo de la dinastía Qin  (siglo XVIII) fueron  Bada Shanren , Shitao  o Jiang Tingxi .65​

Arte de China
         
Porcelana de Templo del Cielo (c. 1420) Muro de los nueve dragones en Pabellón en la Ciudad Después
la Dinastía la Ciudad Prohibida (construida Prohibida de la
Ming originalmente entre 1406-1420) nieve en
un puerto
de
montaña,
por Tang
Yin(1507)

   

Templo de Pao- Ribera de las Once


en, de K'un- flores de palomas,
ts'an(1664) melocotonero, de Jiang
de Shitao(final Tingxi(pri
es del mer tercio
siglo XVII) del
siglo XVIII)

Véanse también: Arquitectura china, Pintura china, Cerámica china, Jardín chino y Caligrafía china.

Arte japonés [ editar ]


Artículo principal: Arte del Japón

El concepto ancestral de belleza en Japón está ligado al de  sabi (ciclo de la vida y paso del tiempo), y eso no cambió a lo largo de las
sucesivas eras históricas. A los siglos de la Edad Moderna correspondieron los periodos Muromachi  (1336-1573),  Azuchi-Momoyama  (1568-
1603) y Edo  (1603-1868). No obstante hubo cambios económicos, sociales, políticos e ideológicos muy marcados. La expansión del
budismo zen  añadió su gusto por lo pequeño y cotidiano, sintetizado en siete características de profundo impacto artístico: asimetría,
simplicidad, elegante austeridad, naturalidad, profunda sutileza, libertad y tranquilidad. El sentido de servicio a la comunidad no llevó
a los artistas japoneses al individualismo propio del arte occidental, y aparentemente hace pasar las más sutiles creaciones por poco más
que arte decorativo. Los jardines, formas naturales perfeccionadas por el hombre, y la caligrafía, plasmación del gesto manual en tinta sobre
papel, fueron vehículo idóneo para esta particular expresividad. Castillos  y santuarios  sintoístas  y budistas están entre las formas
arquitectónicas más importantes, pero incluso estas construcciones de envergadura se caracterizan por el uso de materiales orgánicos y
efímeros que necesitan su mantenimiento y renovación a lo largo de las generaciones. El traumático contacto con occidente a partir de 1543 y
el cierre total a todo contacto exterior en 1641 (sakoku) determinaron la continuidad de la vida artística japonesa mediante la evolución de sus
modelos tradicionales.66​

Arte de Japón
     

Abanico japonés (c. Jardín de la Villa imperial Caligrafí Los actores


1702). de Katsura (1615) ay Nakamura
represen Shichisaburô
tación II y
de Bodhi Sanogawa
darma, Ichimatsu,
de Hakui de Ishikawa
n Toyonobu (c.
Ekaku(m 1740)
ediados
del
siglo XVI
II)

Véanse también: Arquitectura japonesa, Pintura japonesa, Jardín japonés y Caligrafía japonesa.

Filmografía [ editar ]

Andréi Rubliov (Andrei Tarkovsky , 1966).


El tormento y el éxtasis (Carl Reed , 1965), sobre Miguel Ángel.
El Greco (Iannis Smaragdis , 2007).
Artemisia (Agnès Merlet , 1997), sobre  Artemisia Gentileschi .67​
La kermesse heroica (Jaques Feyder , 1935), ambientada en los Países Bajos del siglo XVII.
Rembrandt (Alexander Korda, 1936).
Nightwatching (Peter Greenaway , 2007), sobre la  Ronda de Noche  de  Rembrandt .
La joven de la perla (Peter Webber , 2003), sobre el cuadro homónimo de  Vermeer .
El rey pasmado (Imanol Uribe , 1991, basada en la novela de  Gonzalo Torrente Ballester ), ambientada en la España de mediados de
siglo XVII.
Vatel (Roland Joffé , 2000), ambientada en la Francia de finales del XVII.
El contrato del dibujante (Peter Greenaway , 1982), ambientada en la Inglaterra de finales del XVII y comienzos del XVIII.
Goya en Burdeos (Carlos Saura , 1999), sobre Goya. 68​

Véase también [ editar ]

Arte
Historia del arte
Arte antiguo
Arte medieval
Arte contemporáneo

Estudio de la historia del arte


Edad Moderna#¿Arte Moderno?
Antiguo Régimen#Pensamiento, cultura y arte
Pintor de cámara

Referencias [ editar ]

Notas [ editar ]

1. ↑ History of french furniture , fuente citada en  fr:Histoire du mobilier français  y fr:Liste des styles de mobilier.
2. ↑ Las ideas generales de esta introducción son ampliamente compartidas por la historiografía en muy distintos ámbitos: Rodney Hilton  (ed.):  La
transición del feudalismo al capitalismo; Perry Anderson: El estado absoluto; Fernand Braudel : El Mediterráneo y el mundo
mediterráneo en tiempos de Felipe II; Ruggiero Romano  y Alberto Tenenti : La formación del mundo moderno; Immanuel Wallerstein : El
moderno sistema mundial; Carlo Cipolla : Cañones y velas; Arnold Hauser : Historia social de la literatura y el arte, etc.
3. ↑ Johan Huizinga , op. cit.
4. ↑ Véase  Categoría:Retablos
5. ↑ Jonathan Brown : «España en la era de las exploraciones: Una encrucijada de culturas artísticas», en Reyes y mecenas (catálogo de la
exposición, Museo de Santa Cruz de Toledo, 1999), pág. 113-114:
La práctica de dar a los diversos estilos artísticos los nombres de los monarcas reinantes se aplicó al parecer por vez primera, al arte
francés de los siglos XVII y XVIII, en que la mayor parte de la producción artística salía de los talleres reales. Esta forma de
patronazgo sistemático, efecto secundario del absolutismo establecido por Luis XIV, no estaba al alcance de otros monarcas menos
poderosos de fines de la Edad Media y el Renacimiento, que tenían que regatar el poder con sus vasallos. Así pues, en España,
como en el resto de la Europa del siglo XV, la uniformidad fue la excepción tanto en el arte como en la política. La amalgama
artística del período isabelino, además, fue de singular riqueza, reflejando tres influencias: un estilo tardogótico con origen en
Alemania y Países Bajos, un estilo clasicista procedente de Italia y el estilo islámico de la población morisca y mudéjar de la propia
Península Ibérica. Coexistiendo a menudo en los mismos monumentos, estas corrientes estilísticas fueron aplicadas a la creación de
un arte complejo y peculiar.

6. ↑ Fernando Checa : «Poder y piedad: patronos y mecenas en la introducción del Renacimiento en España», en Reyes y mecenas, op. cit., págs.
21 y 22:

el italianismo renacentista (...) se impone en toda Europa [pero] los paradigmas vasarianos de Florencia y Roma no funcionaron
como tales ni en Europa ni en los reinos hispánicos, donde, al lado de la rexcepción por algunos artistas y mecenas de modelos
florentinos leonardescos o de Ghirlandaio, pareció sentirse una cierta preferencia por los ejemplos que procedían de Ferrara, Padua
y otras ciudades del norte de Italia

7. ↑ Biografía  en torrijos.es; Escultura gótica  en ciber-arte; Tesis


Archivado  el 14 de agosto de 2014 en la  Wayback Machine ., pág. 452.
8. ↑ Stukembrok y Töpper,  op. cit. The Working Stiff in Art: The Portinari Altarpiece.
9. ↑ Exposición homónima  en el Museo del Prado, 1998.
10. ↑ Ficha en Artehistoria .
11. ↑ «Da Messina, Antonello»
Archivado  el 10 de diciembre de 2007 en la  Wayback Machine ., artículo en GER
12. ↑

Hacia 1475 los dos troncos comienzan un importante intercambio de tecnologías. Por un lado, el óleo pasa a Italia; por otro, la forma italiana, la
figura humana, pasa a Flandes. En su fase primitiva, el pasaje de tecnologías es por trasiego directo. Los viajeros a Italia ―Van der Weyden,
Michel Pacher, Van der Goes o Dürer― o los viajeros a Flandes ―Antonello da Messina― realizan el trasiego necesario para la fusión. En los
talleres importantes de uno y otro tronco se realiza la mezcla de las artesanías: el taller Bellini en Venecia, el taller Dürer en Nürnberg, el taller
Holbein en Augsburg, el taller Metsys en Amberes. La difusión del óleo flamenco y la forma italiana marca el fin del secreto de los artesanos
pintores. Hacia 1525 el taller medieval ha cumplido su ciclo y agoniza definitivamente. La artesanía nueva es divulgada mediante libros. Entre
1470 y 1490 Piero della Francesca escribe su De prospectiva pingendi pero permanece inédito prácticamente hasta el presente siglo; en 1505
Johannes Viator (Jean Pélerin) publica De artificiali perspectiva; en 1509 Luca Pacioli publica  De divina proportione; de la misma época es
el Trattato della pittura de Leonardo pero no será publicado hasta 1551; en 1525 publica Dürer su Underweysung der messung mit dem zirkel
und richtscheyt y posteriormente, en 1528, su Vier Bücher von Menschlicher Proportion. Cierra este ciclo la obra de Vasari  Le vite, 1550, el
primer estudio histórico sobre la pintura renacentista.

Albrecht Dürer en la historia del arte , Juan Grompone, págs. 31-32


13. ↑ «Se desconoce la naturaleza de la innovación concreta de Van Eyck, pero no hay duda de que fue el autor de una revolución de las técnicas de
la pintura al óleo en Europa, ya que la dotó de mayor flexibilidad, un colorido más rico y denso, una gama más amplia de claros y oscuros y una
transición y mezcla sutiles de los tonos. Desde su época, empezaron a ser explotadas las grandes posibilidades de este método, que ganaron en
popularidad al temple». Chilvers, op. cit., voz «óleo, pintura al», pág. 515. «El impedimento que significaba no disponer del óleo era comparable
al impedimento de no conocer la forma. De la fusión de las dos grandes conquistas de los troncos italianos y flamencos nacerá finalmente la
síntesis renacentista». Grompone, op. cit.
14. ↑ Master of the Saint Lucy Legend at Artcyclopedia ; Master of the Saint Lucy Legend . Fuentes citadas en en:Master of the Legend of Saint
Lucy de la Wikipedia en inglés.
15. ↑ Master of the Embroidered Foliage at Artcyclopedia ; Exhibition on Master of the Embroidered Foliage at Clark Art Institute,
Williamstown . Fuentes citadas en  en:Master of the Embroidered Foliage de la Wikipedia en inglés.
16. ↑ Chilvers, Osborn y Farr,  op. cit, voz «Maestro de...» y siguientes.
17. ↑ Grompone,  op. cit.
18. ↑ Venetian Gothic.
Archivado  el 8 de junio de 2011 en la  Wayback Machine . Fuente citada en  en:Venetian Gothic architecture de la Wikipedia en inglés.
19. ↑ Pietro Cavallini in Naples
20. ↑ El término  renacimiento, tanto en origen de su uso como en su precisa localización cronológica, no es un concepto unívoco. Aunque
habitualmente la historiografía del arte lo utiliza para los siglos XV y XVI en Italia, y por extensión al resto de Europa; los textos que acuñaron el
término lo acotaban de forma diferente: Vasari  (Vite..., 1550) comenzaba con Cimabue (siglo XIII); Jules Michelet  (Histoire de France 1855)
lo localizaba entre Colón y Galileo (1492-siglo XVII); y Jacob Burckhardt  (Die Kultur der Renaissance in Italien, 1860) se refería al periodo
entre Giotto y Miguel Ángel (del XIV a la primera mitad del XVI). Establecer el momento inicial a mediados de siglo XV es muy
habitual: Anthony Blunt Teoría de las artes en Italia de 1450 a 1600 (1940).
21. ↑

Antonello de Messine, en possession du secret par lequel Jean de Bruges avait rendu plus facile l'emploi de la peinture à l'huile, le
porta à Venise vers 1450, tandis que Dominique le fit connaître à Florence.
[1]

En ese entonces trabajaba en Flandes, Juan de Brujas (Van Eyck), quien se puso a experimentar con diversas clases de colores y
como le apasionaba dedicarse a la alquimia, preparó muchos aceites para hacer barnices, poniendo una tabla a secar al sol, la cual
cuarteó, y viendo el daño producido por el calor, resolvió encontrar el medio de solucionarlo, secando a la sombra y luego de realizar
muchos ensayos con sustancias puras o mezcladas entre sí, encontró finalmente que el aceite de linaza y el de nuez, eran los más
secantes. Estos, pues, hervidos con otras de sus mezclas, produjeron el barniz que él y todos los pintores habían deseado
largamente. Luego vio que si se aglutinaban los colores con esta clase de aceite, les daba una gran solidez y que, secos, no sólo
resistian al agua, sino que se volvían muy intensos y brillantes de por sí; sin necesidad de barnizarlos. Y lo más maravillosos era que
se mezclaban infinitamente mejor que al temple. Durante algún tiempo, Juan no quiso que nadie lo viera trabajando, ni tampoco le
quiso enseñar a ninguno su secreto; pero al envejecer lo confió a su discípulo Rogelio Van Der Weyden. Mas aunque los
mercaderes compraban sus obras y el invento se había difundido no sólo en Flandes, sino en Italia, no se conocía el método de
ejecutarlas, y el misterio fuera de Flandes nunca fue descubierto durante largos años. Antonello da Messina (nació a principios del
siglo XV en Mesina y falleció en 1479), muy diestro en su oficio de pintor y habiendo sabido que al rey Alfonso I de Nápoles, le había
llegado una tabla pintada a óleo por Juan, él como muchos otros pintores, fue a verla y alabarla, pues se podía lavar y resistía
cualquier golpe; así es que cuando consiguió verla, tuvieron tanta influencia en él la vivacidad de los colores y la belleza y armonía
de aquella pintura, que olvidando cualquier otro asunto o pensamiento, se fue a Flandes; y llegando a Brujas, con obsequios de
dibujos italianos se hizo muy amigo de Juan, a tal punto que por consideración a Antonello, ya anciano, consistió en que éste viera
como procedía para pintar al óleo; y no salió el italiano de dicha ciudad, antes de haber aprendido muy bien el método que tanto
deseaba conocer. Habiendo muerto Juan poco después, Antonello volvió a su patria y dio al mundo participación en tan útil, bello y
cómodo secreto.

[2]

La síntesis de las dos corrientes de pintura se realiza entre 1475 y 1535. No conocemos exactamente los transportadores del óleo a
Italia. La tesis Antonello no es demasiado sostenible. La transferencia de un conocimiento celosamente guardado por la escuela de
Van Eyck debe ocurrir del mismo modo que ocurre la difusión de la imprenta. Se trata de un secreto demasiado importante para que
permanezca guardado por una corporación medieval. Su difusión es incontenible y adopta la forma de una avalancha, con mil frentes
y mil fisuras.

Grompone, op. cit.

22. ↑ Martín González,  op. cit. 108-120.


23. ↑ Las puertas norte se realizaron entre 1401 y 1422 y las puertas este, tras una segunda adjudicación, entre 1425 y 1452.
24. ↑ Estableció las convenciones formales del modelo cuatrocentista de  palacio florentino , que desarrollaron el Palazzo Rucellai  (Leon Battista
Alberti y Bernardo Rossellino , 1446-1451) y el Palazzo Pitti  (Luca Fancelli , discípulo de  Brunelleschi , 1458). El modelo de palacio urbano
medieval era el Palazzo Vecchio, de aspecto acastillado.
25. ↑ Anteriormente,  Donatello  había restablecido el modelo de  estatua ecuestre  con el  Condottiero Gattamelata (1447-1453), inspirado en la
antigua estatua ecuestre de Marco Aurelio del  Capitolio romano .
26. ↑ Renacimiento clásico  en Artehistoria.
27. ↑ James William Pattison:  The world’s painters since Leonardo; being a history of painting from the Renaissance to the present
day.  Da a esta escuela una acotación temporal entre 1452 y 1564.
28. ↑ Fernández, Barnechea y Haro  op. cit, pág. 236.
29. ↑ La definición del  manierismo inicialmente se hizo de forma peyorativa: como una fase decadente del renacimiento, carente de originalidad.
Desde mediados del siglo XX se produce una revalorización del arte de la época (exposición de 1955 en el Rijksmuseum de Ámsterdam
organizadda por el Consejo de Europa ) y se comienza a definir el manierismo como un estilo autónomo (Arnold Hauser , op. cit. y El
manierismo, 1965). Fuentes citadas por Fernández, Barnechea y Haro, op. cit., pág. 263.
30. ↑ Iniciado por  Antonio da Sangallo el Joven  en 1514 con los criterios cuatrocentistas del  palacio florentino, Miguel Ángel  prosigue las obras
entre 1546-1549 y posteriormente Vignola  y Giacomo della Porta  hasta 1589. Es el modelo de  palacio romano  del Cinquecento.
31. ↑ Martín González,  op. cit, t. II, pág. 33-34
32. ↑ El cuadro, en la  Real Academia de Bellas Artes de San Fernando , no está fechado ( en la página web de esa institución ). Una versión similar,
del Museo de Bellas Artes de Bilbao , está fechada en 1560 (por ese museo ).
33. ↑ Ficha en Artehistoria
34. ↑ Ficha en Artehistoria
35. ↑ Las denominaciones  Alto Renacimiento  y Bajo Renacimiento  referidas a España dividen el siglo XVI en los dos tercios iniciales (para el Alto,
que también englobaría el último cuarto del siglo XV) en que se suceden los estilos estilo Reyes Católicos  (o Isabelino),  estilo
Cisneros, Plateresco  y Purista  (o Romanista); y el último tercio (para el  Bajo), que también se califica de Manierismo español  (véase
Fernández, Barnechea y Haro, op. cit). La periodización es diferente en otros autores, dándose definiciones como fase serliana para el periodo
1530-1560 (por Sebastiano Serlio ) y fase clasicista para el periodo 1560-1630 (José Miguel Muñoz Jiménez El manierismo en la
arquitectura española (I  y II ). La discusión sobre lo adecuado de la etiqueta manierista para el caso español lleva incluso a la utilización
de términos como antimanierismo, pseudomanierismo, contramaniera... o  manierismo trentino (Camón Aznar, citado por  Sviatoslav
Savvatieyev A propósito del problema del manierismo en la pintura española
Archivado  el 27 de junio de 2011 en la  Wayback Machine .).
36. ↑ Diego de Sagredo  Las Medidas del Romano, 1526. En la España de la década de 1530 lo romano se impuso a lo moderno, términos de la
época que designaban, respectivamente, al Renacimiento y al Gótico, pues se consideraba que el primero volvía a la Antigüedad romana y el
segundo era más actual (Maroto, op. cit., pág. 195).
37. ↑ La definición del barroco y sus distintas fases, desde su caracterización como estilo por Heinrich Wölfflin ha sido objeto de muy diferentes
reinterpretaciones, viéndose incluso como una fase de complicación y crisis que presentarían todos los estilos artísticos (Eugenio D'Ors ), mientras
que su denominación inicial es una incógnita (suele relacionarse con la palabra portuguesa que significa ‘perla irregular’ o con la italiana que
significa ‘razonamiento retorcido’, por un tipo de silogismo falso). Las fechas y fases, así como la identificación o no del rococó con el barroco
final suelen indicarse de forma muy diferente en los manuales de historia del arte (véase bibliografía general; por ejemplom Palomero op. cit.,
pág. 287. Las denominaciones cambian para cada país: por ejemplo, en Alemania se habla de un alto barroco o barroco alemán para el periodo
final del siglo XVII y el comienzo del XVIII (Fernández, Barnechea y Haro, op. cit., pág. 287).
38. ↑ Roma barroca  en Artehistoria.
39. ↑ El arte en los centros periféricos  Turín, urbanismo y arquitectura como afirmación política  y Geometría y fantasía en la
arquitectura de Guarini  en Artehistoria.
40. ↑ John H. Elliott  y Jonathan Brown  (1980)  Un palacio para un rey, Taurus,  ISBN 84-306-0524-X
41. ↑ En  otra plaza madrileña  se encuentra la  estatua ecuestre de Felipe IV, del mismo escultor (1634-1640), realizada a partir de bocetos
de Velázquez  y de atrevida postura, que es fama necesitó cálculos físicos de Galileo Galilei .
42. ↑ Ficha en Artehistoria  de otro Cristo yacente de la misma serie.
43. ↑ La escultura francesa del siglo XVII  en Artehistoria.
44. ↑ Fernández, Barnechea y Haro,  op. cit., pág. 343
45. ↑ Conti,  op.cit., pág. 11
46. ↑ Tamara Préaud (ed.):  Porcelaines de Vincennes: les origines de Sèvres, catálogo de la exhibición, Grand Palais, octubre de 1977 - enero
de 1978. Sassoon, Adrian, 1991. Catalogue of Vincennes and Sèvres Porcelain in the J. Paul Getty Museum (Malibu) 1991  ISBN 0-
89236-173-5. Fuentes citadas en  en:Vincennes porcelain  de la Wikipedia en inglés.
47. ↑ Manufactura de Sèvres.  Fuente citada en  fr:Manufacture nationale de Sèvres  de la Wikipedia en francés y en:Manufacture nationale de
Sèvres de la Wikipedia en inglés.
48. ↑ Imperial Porcelain Manufacture.  Fuente citada en  en:Imperial Porcelain Factory  de la Wikipedia en inglés.
49. ↑ F. Severne McKenna,  Chelsea Porcelain: The Red Anchor Wares, 1951. F. Severne McKenna, Chelsea Porcelain: The Gold Anchor
Wares, 1952. Fuentes citadas en  en:Chelsea porcelain factory de la Wikipedia en inglés.
50. ↑ Reseña  de la exposición en el Museo Arqueológico Nacional (2006).
51. ↑ The serpentine line que describe como  being composed of two curves contrasted(compuesta de dos curvas contrastadas), forma
particularmente bella que gives play to the imagination and delights the eye (da juego a la imaginación y deleita al ojo).  The Analysis of
Beauty (1753), citado por Perry, Gill (1999), « "Mere face painters?" Hogarth, Reynolds and ideas of academic art in eighteenth-century
Britain», en Perry, Gill; Cunningham, Colin (eds.), Academies, Museums and Canons of Art:, Art and its Histories, New Haven and
London: Yale University Press, ISBN 0 300 07743 2. Flavio Conti  Cómo reconocer el arte Rococó, 1978 Rizzoli (ed. española de José Milicua ,
1980 ISBN 84-85298-48-9 ), pág. 11-12.
52. ↑ J. Palomo  op. cit.; Conti,  op. cit., pág. 37 y ss.
53. ↑ a b J. Maroto  op. cit. pág. 290-291.
54. ↑ Emilio Gómez Piñol:  «El arte indiano del siglo XVII: del orden visual clásico al “océano de colores”» , 1991.
55. ↑ Era notorio el arte indígena, mezclado con estilos e influencia oriental que venían desde China, Japón y Filipinas... un ejemplo es
la loza de Puebla cuyos orígenes son la cerámica de China y Japón. (Los productos de la Sierra Negra , pág. 41).  Biombos de
influencia oriental (Espinosa spínola, G.  El arte hispanoamericano: estado de la cuestión , 2004, pág. 11). La influencia oriental...
México fue uno de los primeros virreinatos consumidores de lujos que logró establecer una vía comercial directa con China a partir
de 1565 mediante la navegación regular entre Acapulco y Manila, desde donde recibió una influencia más fuerte que el resto de
América. (El mueble novohispano , pág. 22).  La mayoría de las tallas religiosas de marfil mexicanas no se hicieron en México. Se
tallaban por encargo y siguiendo modelos europeos en China continental y en los asentamientos chinos de Filipinas. Se llevaban
luego a Acapulco (México) en el galeón de Manila y, de ahí, se distribuían a España y otros lugares de América. Estas imágenes se
conocen también como marfiles hispano filipinos e, incluso, como marfiles luso indios (los portugueses también hicieron tallas
similares en sus colonias de la India). Existen algunos trabajos esporádicos hechos en la Nueva España (México). Se realizaron en
los siglos XVI y XVII y XVIII. Cristos de marfil (México)
Archivado  el 29 de marzo de 2009 en la  Wayback Machine ..
56. ↑ La Tercera Roma , en Artehistoria.
57. ↑ William Brumfeld, Landmarks of Russian Architecture: A Photographic Survey (Documenting the Image, Vol 5)(Amsterdam: Overseas
Publishing Association, 1997), p. 95. Fuente citada en en:Postink Yakovlev .
58. ↑ Michael Sullivan,  The Meeting of Eastern and Western Art, University of California Press ; Rev Exp Su edition (June 1, 1989), ISBN 978
0520059023; Asian Art at the Metropolitan Museum of Art.  Fuentes citadas en  en:Eastern art history  de la Wikipedia en inglés.
59. ↑ El uso como material constructivo de tierra y materiales orgánicos (madera, paja y otras fibras), hace que realmente su aspecto actual sea el
resultado de su mantenimiento y modificación constante a través de los siglos.
60. ↑ Foroqhi, S.  Subjects of the Sultan: Culture and Daily Life in the Ottoman Empire , I. B. Tauris, 2005, ISBN 1-85043-760-2 , p. 152; Newman, A.
(ed) Society and Culture in the Early Modern Middle East, BRILL, 2003,  ISBN 90-04-12774-7 , p.177; Göçek, F.  East encounters West: France
and the Ottoman Empire in the Eighteenth Century, OUP, 1987,  ISBN 0-19-504826-1 , p. 106; VV.AA. Muqarnas: An Annual on Islamic Art and
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Renda, Zeren Tanindi Osmanlı Resim Sanatı (Ottoman Painting); Beşir Ayvazoğlu Aşk Estetiği (The Aesthetics of Divine Love); F.
Çağman Turkish Miniature Painting ; Turkish Miniatures from the 13th to the 18th century ; Aslanapa, Oktay (1988), One Thousand Years of
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1922, Albany State University of New York Press, págs. 83-106. Fuentes citadas en los artículos de la Wikipedia en inglés: en:Culture of the
Ottoman Empire, en:Ottoman architecture , en:Ottoman miniature , en:Turkish carpet y en:Tulip period .
61. ↑ Web oficial del palacio . Fuente citada en  en:Golestan Palace , de la Wikipedia en inglés.
62. ↑ Jack Goody:  Representations and contradictions: ambivalence towards images, theatre, fiction, relics and sexuality. Londres:
Blackwell Publishers, 1997. ISBN 0-631-20526-8 .
Oleg Grabar:  Postscriptum, the formation of islamic art. Yale University, 1987.  ISBN 0-300-03969-7.
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Rudi Paret:  Das islamische Bilderverbot und die Schia. Erwin Gräf (ed.), Leiden: Festschrift Werner Caskel, 1968.
Fuentes citadas en  en:Aniconism in Islam  de la Wikipedia en inglés.
63. ↑ El texto que lo acompaña dice: «Ojalá la vida te conceda todo lo que tus labios deseen de tus amantes, del río y de la copa». H. Nahavandi, e Y.
Bomati: Shah Abbas, empereur de Perse (1587-1629), pág. 162. París: Perrin, 1998.
64. ↑ Madurai and the Meenakshi Temples.  (enlace roto disponible en Internet Archive; véase elhistorial y la última versión). Fuente citada
en en:Meenakshi Amman Temple  de la Wikipedia en inglés
65. ↑ Famous Ming Dynasty Painters and Galleries  fuente citada en  en:Ming Dynasty painting en la Wikipedia en inglés.
66. ↑ La estética y el arte en Artehistoria,  web cit. y otras páginas del mismo sitio:  Arquitectura japonesa , Castillos japoneses , Santuarios
japoneses , La escultura y la pintura japonesas .
67. ↑ Ficha
68. ↑ Para toda la sección:  Pintura y escultura en el cine

Bibliografía [ editar ]

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CHILVERS, Ian; OSBORNE, Harold y FARR, Dennis (1992)  Diccionario de Arte, Madrid: Alianza, ISBN 84-206-524-8
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Grupo Ágora  Historia del Arte, Akal, ISBN 84-460-1751-2
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PALOMERO, Jesús  Historia del Arte, Algaida, 84-8433-085-0
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Könemann, ISBN 3-8290-2282-4
Enciclopedias de Historia del Arte:
Summa Artis, de Espasa Calpe
Ars Magna, de Planeta

Series documentales:
Civilisation: A Personal View Kenneth Clark , BBC 1969. 1
Sister Wendy (cinco temporadas entre 1992 y 2001). 2

1Terry Teachout Forty Years of "Civilisation" Western culture wasn't always considered comical or contemptible , The Wall Street Journal, 31
de octubre de 2009. Fuente citada en en:Civilisation (TV series)de la Wikipedia en inglés.
2Sister Wendy at PBS.  Fuente citada en en:Wendy Beckett de la Wikipedia en inglés.

Enlaces externos [ editar ]

Artehistoria:

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Arte colonial en Iberoamérica
El arte mogol
La estética y el arte japonés
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El nuevo islam. Arte islámico hasta 1650

Otros sitios:

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