Escuela provincial de bellas artes tomas cabrera

Investigación educativa en educación

artística
Alumna: Belén Osedo
Docente: Adriana Ortiz
Año: 2018
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 Prologo
La presente investiga no tiene la intención de exponer juicios de valores sobre la visión
del arte de wassily Kandinsky, si no exponer las teorías de el sobre arte, y pretende
mostrar su paso por el arte abstracto y la bauhaus.
En especial se expondrá las teorías elaboradas en su libro de la espiritual al arte, donde
muestra la formula pragmática de los expresionistas y, a la vez, nos expresa, por primera
vez, la tendencia a la unificación sistemática de una teoría artística.
Sus teorías fueron una respuesta personal ante las dificultades particulares de su oficio y
a la necesidad de trazarse un esquema teórico en el cual apoyarse para esclarecerse a sí
mismo vital y artísticamente.

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 ¨Cualquier creación artística es hija de
su tiempo y, la mayoría de las veces, madre
de nuestros propios sentimientos¨.
Wassily Kandinsky

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 Fundamentación
Esta investigación emerge de la necesidad de intentar comprender la visión que tenía
Kandinsky sobre el arte, donde la obra es la expresión del artista nacida de su necesidad
interior, la expresión de su época, a través de un estilo, y la expresión misma del arte,
aquello que es común a todas las expresiones artísticas del ser humano y que Kandinsky
denomina la gran necesidad o semejanza del sentir íntimo. Y exponer la necesidad que el
tenia de liberar al arte del naturalismo, de la utilización de la naturaleza como modelo,
sentimiento que lo llevara a ser el gran teórico del arte abstracto y fundador del grupo
jinete azul y un gran profesor de la Bauhuas.

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 Estado del arte
• Wassily Kandinsky y la evolución de la forma, Fundamentos teóricos para
presenciar el espacio y el tiempo, Antoni Maltas i Mercader. Tesis doctoral
Director Alfons Puigarnau Torelló, Tutor José García Navas. Programa de
Doctorat Comunicació Visual en Arquitectura i Disseny
Departament d'Expressió Gràfica Arquitectònica I
Escola Tècnica Superior d'Arquitectura de Barcelona
Universitat Politècnica de Catalunya.

Este trabajo tiene su origen en la lectura de Cours du Bauhaus. En esta recopilación de

anotaciones publicada en 1978, guiones que utilizaba Kandinsky para impartir sus clases
en Bauhaus, aparecen términos como origen, transformación, cambio, movimiento,
evolución, etc. Son conceptos que Kandinsky extrae de estudios y experimentos
vinculados con las ciencias de la naturaleza –también utiliza datos de investigaciones
relacionadas con la técnica o con las humanidades–, y que le sirven para dar indicaciones
precisas a sus alumnos de Bauhaus sobre cómo han de plantear o resolver los ejercicios
que les propone. De este modo, Kandinsky traslada los resultados de la experimentación
en el campo de las transformaciones que se dan en los organismos vivos, al trabajo
pictórico.
Al seguir indagando en Cours du Bauhaus, notamos que eran varios los apuntes en los
que Kandinsky proponía una mirada hacia la naturaleza. Afirma que el artista, al igual
que el científico y el técnico, desea descubrir y aplicar las leyes de la naturaleza. En otra
clase, al mismo tiempo que rechaza la utilización de “viejas formas ajadas” habla de una
vida nueva sobre nuevas bases, sugiriendo que es necesario encontrar las relaciones
perdidas con la naturaleza. El término “evolución” se repite varias veces: habla de la
evolución de la técnica, pero también de la del arte y de la pintura, y de la evolución de
las formas. Pero los cambios y las transformaciones no se dan sólo en lo exterior, sino
que también lo psicológico del hombre varía y se adapta a las condiciones que le sean
favorables.
En otros escritos de Kandinsky también encontramos observaciones acerca de la
naturaleza y la evolución. Ya en su primer libro, se refiere a la naturaleza como algo
siempre cambiante. La composición formal, afirma asimismo Kandinsky, dependerá de
la modificación del orden de las formas y de la modificación de cada forma por sí misma.
Otros escritos que permanecieron inéditos, pero que han sido publicados recientemente
por Helmut Friedel con el título de Wassily Kandinsky,aportan nuevos datos sobre el
interés de Kandinsky por las teorías evolucionistas. En estos textos comprobamos que
Kandinsky conocía los principios evolutivos postulados por Darwin.
Nuestra reflexión sobre la obra de Kandinsky se apoyará metodológicamente sobre el
pensamiento bergsoniano. Trabajaremos siempre en la categoría de lo psicológico: no
habrá un hilo conductor lineal, pero sí actual. Ateniéndonos a los postulados
bergsonianos, diremos que las direcciones que sigue el trabajo de Kandinsky no están
determinadas de antemano. Componer significa recíproca adaptación entre lo pictórico y
lo anímico. Una composición debe satisfacer unas necesidades psicológicas, y también

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fisiológicas. El cambio es una realidad que experimentamos fundamentalmente en
nuestro yo interior.
Las tres partes en que hemos dividido este trabajo corresponden a los tres estadios
sucesivos de nuestra investigación. La primera parte es el evolucionismo y su difusión, la
Segunda parte, Las distintas concepciones del origen y desarrollo de la vida y la reflexión
filosófica del evolucionismo y la tercera parte habla de la recepción de las nociones
evolucionistas en Kandinsky y Los conceptos de espacio, tiempo, movimiento.

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 Objetivo general
• Conocer y mostrar las características ideológicas de Vasili Kandinsky

Objetivo especifico

• Mostrar la vida y paso en el arte de Kandinsky, como teórico del Arte abstracto.
• Exponer las teorías que formulo Kandinsky para argumentar su Arte.
• Mostrar las características y obras del El jinete azul (expresionismo alemán).

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 Marco teórico
Kandinsky fue un pintor ruso, precursor del arte
abstracto en pintura y teórico de arte. Se considera que
con el comenzó la abstracción lirica y el expresionismo.
El Se matriculó en la Universidad Estatal de Moscú,
donde estudió derecho y economía, tras lo cual empezó
a ejercer con éxito su profesión e incluso le ofrecieron
un puesto de profesor de Derecho romano en la
Universidad de Dorpat. Sin embargo, decidió comenzar
a estudiar pintura cuando tenía 30 años.
Como artista se formó en la escuela privada de Anton
Ažbe primero y en la Academia de Bellas Artes de
Múnich después.
En 1911, Vasili Kandinski y Franz Marc y otros artistas,
fundaron en Múnich un movimiento expresionista Der
Blaue Reiter (El Jinete Azul en español) que transformó
el expresionismo alemán. A este grupo lo caracterizo el
rechazo al impresionismo y al positivismo, y una actitud refinada y espiritual,
purificación. Pretendían llegar a la abstracción a partir de la depuración, era un
expresionismo lírico. Se encaminaban a lo espiritual, se Interesaron por el misticismo, el
simbolismo, lo popular, lo infantil, lo primitivo, y se Interesaron por la música; Decían
que ella los lleva a la abstracción. Los miembros de este grupo fueron V. Kandisky, F.
Marc, A. Macke, P. Klee.
En la Bauhaus Kandinsky ejerció el cargo de profesor, enseñó en las clases de diseño
básico para principiantes y el curso sobre teoría avanzada en el Bauhaus, Y también llevó
a cabo clases de pintura y un taller en el que aumentó su teoría del color con los nuevos
elementos de la psicología de la forma. El desarrollo de sus trabajos sobre el estudio de
las formas, en particular en los puntos y formas de línea, dio lugar a la publicación de su
segundo libro teórico Punto y línea sobre el plano en 1926. Los elementos geométricos
adquieren una importancia cada vez mayor tanto en su enseñanza y como en su pintura,
especialmente el círculo, medio círculo, el ángulo, las líneas rectas y curvas.

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 Capítulo 1
Kandinsky padre del arte abstracto
Vasíli o Wassily Kandinski o Kandinsky fue de origen ruso (nacionalizado alemán y
posteriormente francés) pionero y teórico del arte abstracto. Kandinsky compaginó sus
estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se
interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy
especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también
descubrió la obra de Rembrandt y Monet.

Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura
a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a
las clases de Franz von Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una
sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de
su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del
postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.
Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a Francia, Países Bajos, Túnez,
Italia y Rusia, para instalarse finalmente en Murnau, donde pintó una serie de paisajes
alpinos entre los años 1908 y 1910. Tal como narra él mismo en su biografía, por entonces
se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso
perjudicial, y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación
formal.
Este descubrimiento le condujo a una experimentación continuada que culminó, a finales
de 1910, con la conquista definitiva de la abstracción. Kandinsky refundió la libertad
cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del artista
propuesto por los expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en una especie de

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síntesis teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza y
sus formas.

Amarillo-rojo-azul (1925), de Kandinsky

Entre 1910 y 1914, Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las
impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones
interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor
compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras
con vivos colores; en ellos todavía se percibe un poco la presencia de la realidad.
En 1911 fundó junto a Franz Marc y August Macke el grupo Der Blaue Reiter,
organizando diversas exposiciones en Berlín y Munich. Paralelamente a su labor creativa,
reflexionó sobre el arte y su estrecho vínculo con el yo interior en muchos escritos, sobre
todo en De lo espiritual en el arte (1910) y en el Almanaque de Der Blaue Reiter, en el
que, junto a dibujos y grabados de miembros del grupo, aparecían otras manifestaciones
artísticas, como partituras de Schönberg(Kandinsky mantuvo una constante y fructífera
relación con la música durante toda su vida) y muestras del arte popular e infantil.
Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky volvió a Moscú; allí emprendió varias
actividades organizativas en el marco del Departamento de Bellas Artes del Comisariado
Popular de la Educación. En 1917 se casó con Nina Andreievsky, y cuatro años más tarde
se trasladó con ella a Alemania para incorporarse a la Bauhaus en la primera etapa de
Weimar, donde continuaría como profesor hasta poco antes de su disolución.
La influencia del entorno de la Bauhaus se dejó sentir, y su obra experimentó una
transición hacia una mayor estructuración, tanto compositiva como formal, que se ha dado
en llamar el período arquitectural de su pintura, al cual siguió otro de transición en que

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experimentó con los trazos circulares y concéntricos (Círculos, 1926). También escribió
manifiestos para la Bauhaus y publicó el libro Punto y línea sobre el plano.
En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, el pintor se instaló en Francia. En esta
última etapa de su vida continuó en su particular búsqueda de formas inventadas, que
plasmó por medio de colores combinados de manera compleja e inspirándose en signos
geométricos y en motivos decorativos eslavos, como hiciera ya al comienzo de su
trayectoria pictórica.

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 Capitulo 2
Teorías de Kandinsky

Kandinsky en su libro de lo espiritual en el arte tubo que de trazarse un esquema teórico

en el cual apoyarse para esclarecerse a sí mismo vital y artísticamente, siendo esta una
respuesta personal ante las dificultades particulares de su oficio de pintor. El con estas
teorías nos sitúa en gran medida en la formula pragmática de los expresionistas y, a
la vez, nos expresa, por primera vez, la tendencia a la unificación sistemática de una teoría
artística.

¨toda obra de arte es hija de su tiempo, muchas veces madre de nuestros sentimientos¨.

Con esta frase Kandinsky sitúa al artista o más bien lo saca de un espacio subjetivo
único, haciéndole partícipe de aquellas formas culturales que acompañan a cada sociedad
y sus significados. Cada obra de arte nace dentro de un contexto histórico y artístico
concreto, de tal modo que, será de alguna manera deudor y creador a la vez, de este
contexto.

La obra de arte es la expresión del artista nacida de su necesidad interior, la expresión

de su época, a través de un estilo, y la expresión misma del arte, aquello que es común a
todas las expresiones artísticas del ser humano y que Kandinsky denomina la gran
necesidad o semejanza del sentir íntimo, que pueden ser traducido en formas parecidas
que resuenen en el espectador de todos los tiempos.
Kandinsky retoma el discurso de la dualidad inseparable entre forma y contenido,
planteado de nuevo la relación y problema que todo artista debe resolver entre el qué y el
cómo. Si bien la forma y el color es el lenguaje del artista (el cómo), su expresión, ésta
queda vacía si no la sustenta un significado (el qué) como ocurre en el conocido Arte por
el arte donde el arte pierde el alma. Un qué espiritual basado en la comunicación entre
el artista y el espectador eterno y un cómo material (composición). El artista que se deje
llevar por el éxito se ocupará más del cómo dejando sin pan espiritual al espectador.

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 Kandinsky explica la necesidad de liberar al arte del naturalismo, de la utilización de la
naturaleza como modelo, sometiendo al puro lenguaje expresivo, color y forma, a
elementos externos a él.
Como antecedente de la abstracción, vemos el cambio del rumbo a lo espiritual,
transformación profunda de la pintura, en el cual encontramos a los expresionistas, los
simbolistas y más tarde los cubistas.
Cezanne, Mattise y Picasso, sentarán las bases en la pintura en este proceso liberalizador
de la naturaleza, del objeto representado. Hacia un reflejo del objeto a través de la mano
del artista.
Cezanne retoma el color y la forma como protagonistas de su pintura, otorgando alma a
sus naturalezas muertas como si recobraran la vida en sus cuadros.

Paul Cézanne. Still Life with Onions. 1895-1900. Oil on canvas. Musée d'Orsay, Paris, France.

Matisse Impone los medios pictóricos puros como punto de partida. El color, guiado por
cualidades personales, es trabajado con supremacía e importancia central.

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 Armonía en rojo. Henry Matisse 1908. Museo Ermitage, San Petersburgo.

Picasso, guiado por la propia autoexpresión, crea nuevas realidades externas que
apabullan al espectador, fuera de los límites de lo real. Si Matisse centra el "problema"
de su pintura en el color, Picasso lo hará en la forma. Dos nuevas vías o caminos por las
que transitará el arte pictórico a partir de ellos a lo largo de la segunda mitad del siglo
XX.

Les Demoiselles d'Avignon’, Pablo Picasso

14
 ‘

La cita de Sócrates, "conócete a ti mismo”, confirma la necesidad de que el artista vuelva

la mirada y conocimiento hacia su vida interior, lejos de la copia mimética de lo natural,
para iniciar una búsqueda profunda en el mundo interior y en la creación de formas nuevas
e inmortales. El arte debe utilizar sus propios medios, color y forma, y el dialogo entre
ellos, composición como medios propios y únicos.
-conócete a ti mismo-
Sócrates

Kandinsky diferencia dos efectos que el color tiene sobre el espectador.

-El efecto físico que produce una especial resonancia en el que ve, produciendo
sensaciones de alegría, por ejemplo. Un efecto que queda asociado a esas
sensaciones inequívocamente, adquiriendo cualidades a través de la experiencia, como
sonidos interiores propios de cada color.
El efecto físico del color se puede valorar a través de la cromoterapia, el color sobre el
sistema nervioso, no solo por asociación sino por repercusión física.

-Y un efecto psicológico cuando por asociación, el color queda ligado a significados

personales y culturales, o a objetos y formas.
El color se asocia también y además a otros sentidos, por la llamada sinestesia, además
de la vista, como al tacto, un color es aterciopelado, pulido o áspero, al oído, siendo
chillón, grave, insonoro o agudo, al olfato, fragante, fresco, o al gusto, dulce o ácido.
El color, dice Kandinsky, ¨tiene una fuerza enorme¨. La armonía y utilización del
color se basa en el principio del contacto con el alma humana. Una resonancia de la que
es partícipe.
Es importante la relación que crea Kandinsky, también en su pintura, entre pintura y
música, la pintura debe avanzar hacia la abstracción mediante el color y la forma, como
la música, utilizando de forma única los elementos de su propio lenguaje, no la naturaleza,
utiliza los sonidos de la escala musical.
La forma es descrita, tanto en su imitación de la naturaleza o en su expresión más
abstracta como la línea o frontera que delimita un espacio o superficie.
La relación inevitable entre color y forma nos lleva a observar los efectos que tiene la
forma sobre el color.
Toda forma tiene un contenido interno, la forma es expresión de ese contenido, la
armonía formal se debe basar únicamente en el contacto adecuado con el alma humana.
Kandinsky define la composición como el lenguaje intrínseco a la
pintura. La composición se expresa de una forma total y en relación de unas formas con
otras. Cada uno de los elementos de la composición debe estar supeditado a la expresión
interior. Si un elemento puede ser cambiado o sustituido no apoya a esta necesidad
interior. Un cuadro es sincero cuando ningún elemento sobra o falta.

Un buen dibujo es aquel que no puede alterarse en absoluto sin que se destruya su vida
interior la forma consecuente de un contenido. No son formas casuales sino formas
(colores) que surgen de la necesidad interior.

La deformación de las formas, las desarmonías o disonancias es una fuente de infinitas

creaciones puramente artísticas en pos de la expresión y la comunicación.

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Retoma Kandinsky la sinestesia del color cuando habla de las cualidades térmicas de éste,
calor y frio (amarillo y azul) o cualidades de luminosidad, claro y oscuro (blanco y negro)
en su capítulo sobre el lenguaje de las formas y los colores. Estas cualidades sinestésicas
aportan al color diferentes resonancias en su percepción a nivel físico, pero también
psicológico. Que vemos a continuación de forma muy resumida.

Círculo crómatico de Kandinsky

Cálido/frío. Movimiento de la temperatura del color. Aleja y acerca.
Amarillo: cercanía, vitalidad; el amarillo es terreste, locura, melancolía...
Azul: lejano, profundo, puro, inmaterial y espiritual.
Verde: combinación de las fuerzas del amarillo y el azul expresa quietud, tranquilidad,
el verde aburrido, burgués. Cuando predomina el amarillo retoma la vitalidad neutralizada
por el azul, entonces es adolescente, vital y propio de la primavera.

Claro/oscuro. Luminosidad y quietud. No colores. Expande o contrae.

Negro: es nada, muerte, sin futuro ni esperanza, preciso y fuerte.
Blanco es silencio, nacimiento, comienzo y esperanza.
Gris: quietud, insonoro e inmóvil. Equivale al verde, pero sin la vitalidad de este, es un
no color, sin sonido ni vida.

Rojo: frío (purpúreo) o cálido (anaranjado), espiritual o corpóreo.

Naranja: de la combinación del amarillo y el rojo solo puede expresar vitalidad, fuerza,
movimiento, salud y alegría.
Violeta: rojo enfriado, triste, enfermizo.

Las armonías y desarmonías del color están impuestas por los diferentes épocas y sus
estilos (significados). Las combinaciones prohibidas o permitidas cambian a lo largo de
las años.

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Cuadrados y círculos concéntricos de Kandinsky

Kandinsky habla de ese lienzo, que el artística convierte en ideal, donde se produjo la
primera gran abstracción, al abandonar el modelado tridimensional y convertir la realidad
en la composición de elementos bidimensionales, como son el color y la línea. En ese
mismo lienzo es posible combinar mediante contrastes y armonías el juego de los
elementos compositivos gráficos pictóricos liberados del objeto.
Nos movemos en aguas pantanosas al liberarnos de la naturaleza como modelo. Desde
la nada, tan solo los elementos pictóricos, el artista comenzará su construcción. Los
medios externos son secundarios es su diálogo, la comunicación de ideas y sentimientos.

El artista debe tener algo qué decir porque su deber no es dominar la forma sino
adecuarla a su contenido.
La emancipación de la naturaleza y la construcción sobre una base
puramente espiritual pone al artística y al espectador ante el abismo. Ambos necesitan de
un tiempo para adquirir las herramientas que le permitan resonar ante el reflejo del color
y la línea puros.
La libertad del artista debe basarse en la honradez, la libertad puede ir hasta donde
alcance la intuición del artista, desde este punto de vista se comprende cuan necesario
es el cultivo y el cuidado de la intuición.

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Es necesaria la libertad del artista para escoger sus medios, esta libertad no se basa en el
azar, sino en su honradez que lo guían hacia esa necesidad interior.
La formación en la sensibilidad artística para poder tener una actitud sensible a la obra
de arte es un largo camino para hablar de lo puramente interno. Requiera esfuerzo.

El arte no es una creación inutil de objetos, sirve al desarrollo y sensibilizacion del alma
humana. el arte es el lenguaje que habla al alma de las cosas que son para ella, el pan
cotidiano, que solo puede recibir de esa forma.
El arte es el alimento espiritual para el ser humano, que en ningún otro sitio pueda
encontrar, sus medios deben servir para elaborar este alimento.

Extraigo estas citas fundamentales con el que termina Kandinsky arrojando luz sobre un
camino que se abre en el siglo XX.
El artista se debe educar y ahondar en su propia alma, cuidarla desarrollarla para que
su talento externo tenga algo que vestir y no sea como un guante perdido de una mano
desconocida, un simulacro de mano, sin sentido y vacío.
La responsabilidad del artista para Kandinsky es:
- la de restituir el talento que le ha sido dado.
- sus actos, pensamientos y sentimientos, como los de todos los hombres, forma la
atmosfera espritual que aclara o envenena,
- sus actos, pensamientos y sentimientos son el material de sus creaciones que
contribuyen a su vez su atmósfera espiritual.

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 Capítulo 3
El jinete azul
Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) fue el nombre que recibió un grupo de artistas
expresionistas, fundado por Vasili Kandinski y Franz Marc en Múnich en 1911 hasta
1913, que transformó el expresionismo alemán.
También formaron parte del grupo, entre otros, August Macke, Gabriele Münter, Alexei
von Jawlensky, Marianne von Werefkin y Paul Klee. A todos ellos les unía su interés
común por el Arte medieval y primitivo, así como los movimientos coetáneos del
Fauvismo y el Cubismo. August Macke y Franz Marc defendían la opinión de que cada
persona posee una verdadera vivencia o experiencia interna y externa, que se dan la mano
gracias al arte. Kandinsky construyó las bases teóricas que cimentaron esta idea. Se
perseguía así una “igualdad de derechos” de las distintas manifestaciones artísticas.
Origen del nombre del grupo
El nombre del grupo deriva de un cuadro del mismo nombre del año 1903 de Kandinsky,
que sirvió como ilustración de la portada de 1912 del Almanach (Almanaque). Esta obra
programática, entregada por Kandinsky y Marc (Editorial Piper, Múnich, 1912) recogía,
en palabras de Marc, «Los más nuevos movimientos pictóricos en Francia, Alemania y
Rusia, y enseña sus finos hilos de conexión con el Gótico y con los primitivos, con África
y el gran Oriente, con el arte originario del pueblo tan fuertemente expresivo y con el arte
infantil, especialmente con los movimientos musicales y de los escenarios más modernos
de la Europa de nuestro tiempo». Arnold Schönberg, por ejemplo, también aportó textos
y cuadros a la composición «Herzgewächse».

Exposiciones
La primera de las dos exposiciones del Jinete Azul tuvo lugar desde diciembre de 1911
hasta el 1 de enero de 1912 en la Galería Moderna Thannhäuser en Múnich. Se mostraron
49 obras de Henri Rousseau, Albert Bloch, Heinrich Campendonk, Robert Delaunay,
Wassily Kandinsky, Macke y Münter entre otros. Más adelante se convirtió en una
exposición itinerante, recorriendo varias ciudades, entre ellas Colonia y Berlín.
La segunda exposición se desarrolló desde el 12 de febrero hasta el 18 de marzo de 1912
en la librería y galería de arte muniquesa Hans Goltz. En ella se exhibieron 315 dibujos y
la obra gráfica de más de 30 artistas de esa exposición.
Contexto
Calvo Serraller hace hincapié en que el contexto del grupo El Jinete no tuvo nada que ver
con el del Puente. La Alemania meridional tenía una personalidad histórica diferente. Era
católica, campesina y más extrovertida. Además, el ambiente artístico era menos cerrado.
Por otra parte, la fundación de este grupo no tuvo un programa artístico o declaración.
Les unía la necesidad de organizar exposiciones sin trabas y sin problemas, así que, en
consecuencia, no tuvo cohesión interna.

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¨La formación y la ambición intelectual de algunos de los más significativos miembros
de El Jinete Azul, como Kandinsky y Marc, eran muy superiores¨. Francisco Calvo
Serraller.
• Kandinsky. Antes de decidir dedicarse a la pintura e instalarse, en 1896, en
Múnich, abandonando su Rusia natal, había renunciado a ocupar una cátedra de derecho,
especialidad esta en la que era una autoridad, así como en economía política. Era un
perfecto intelectual, amante de la música, las matemáticas y las ciencias naturales, y que
cambia el rumbo de su vida a los treinta años, algo verdaderamente insólito.
• Franz Marc. También tenía una personalidad especial. Era hijo de pintor y eso
hace que hubiera seguido inicialmente una carrera académica de artista más convencional,
pero poseía, sin embargo, una intensa inquietud espiritual y filosófica, que le llevó a
visitar en 1906 el monasterio del monte Athos, en Grecia.
Fueron estos dos artistas los que juntos iniciaron el movimiento. Inventaron también el
nombre y le dotaron de una buena cobertura teórica: a través del Almanaque del Jinete
Azul. Fue una revista. Como explica Calvo, insólita en los círculos de vanguardia:
contaba con las mejores colaboraciones y había originales ilustraciones sobre arte
primitivo, infantil, popular y de vanguardia contemporánea.

Cartelera del jinete azul

20
el jinete azul -Kandinsky

21
 Capítulo 4
El paso de Kandinsky por la Bauhaus
Poco después de su regreso a Alemania a fines de 1921, Kandinsky recibió una invitación
para convertirse en profesor en la Bauhaus de Weimar. Se trataba de un estudio-escuela
experimental, donde para la formación de los maestros de la aplicación de un nuevo
sistema de educación. Su fundador, Walter Gropius , predicó la idea de la síntesis de las
artes, considerando que la pintura, la arquitectura y la escultura deberían combinarse para
crear un "edificio del futuro".
En el manifiesto de 1919, declaró: “¡El objetivo último de toda actividad educativa es
construir! ... Entre el artista y el artesano no tienen por qué ser las principales diferencias.
¡Creemos un nuevo taller de artesanos sin dispersarse en clases de arrogancia,
esforzándonos por construir un alto muro entre artesanos y artistas…!

Las nuevas ideas estaban cerca de Kandinsky, y él acepta con gusto la invitación. En
1922, dirigió el taller de pintura Bauhaus.Para la organización del proceso de formación,
Gropius reunió en la escuela a los artistas más modernos y originales. Para la época de
Kandinsky, ya habían trabajado sus amigos Paul Klee, L.Feininger, así como O.
Schlemmer, G. Marcks, L. Schreyer y G. Muche. La capacitación se lleva a cabo en
paralelo en los talleres de arte y producción, esta fue la decisión de Gropius. Todos los
estudiantes primero escuchan un curso de introducción general, que revela los
fundamentos teóricos del arte, sus elementos formales. Luego los estudiantes se
familiarizan con materiales, métodos, herramientas más detalladas. En los siguientes
cursos estudian los materiales individuales (madera, piedra, vidrio, textil) en los talleres
creativos y, al final, todos los conocimientos se combinan en cursos como “Diseño” y
“Construcción e ingeniería”.
Kandinsky en la Bauhaus leyó algunos cursos: «Dibujo analítico», cuyo principal
objetivo es enseñar a los alumnos a penetrar en la esencia de las cosas y comprender la
abstracción; «Los fundamentos del diseño artístico», que son, de hecho, la teoría del
diseño; Y el más famoso de su curso “Color”. En este curso, Kandinsky enseña la teoría
del color desde la historia del desarrollo de varios sistemas de color hasta la psicología

22
moderna de la percepción del color. En su curso de capacitación, Kandinsky realiza un
enfoque radicalmente nuevo para enseñar sobre el color, basado en el análisis de
elementos individuales: un punto, una línea, un plano y el examen de sus relaciones. El
resultado de este análisis será su trabajo "Punto y línea a plano" . La creatividad del
período de Weimar de Kandinsky (1923-1925) está bajo la influencia de las ideas del
suprematismo y el constructivismo, que reinan en esta época en la Bauhaus. Su obra
principal en esos años - una monumental "Composición VIII". Pero a este período
pertenece una cámara de este tipo, una imagen casi íntima como "Pequeño sueño en rojo"
, escrita en un regalo a su esposa.
En 1925, el poder de Weimar dejó de subvencionar a la Bauhaus debido a los ataques
y críticas de los partidos políticos de derecha. La escuela se mudó a Dessau, una ciudad
joven y activa cerca de Leipzig. Aquí para la escuela se construyó un nuevo edificio,
diseñado por Gropius. Este edificio está considerado como uno de los ejemplos más
brillantes de la arquitectura del funcionalismo.Gradualmente el programa de la escuela
reorientó hacia las necesidades prácticas de la construcción. También se modifica el
contenido de los cursos de formación.Just in Dessau comienza a desarrollar un estilo
particular de Bauhaus, que se manifestó a partir de la tendencia hacia un mayor
utilitarismo y funcionalidad de la máquina.

Este funcionalismo, un enfoque pragmático del arte, conduce a conflictos dentro de la

escuela. Los partidarios de la estética, Faininger, Klee, Kandinsky están bajo el fuego de
la crítica por su enfoque del aprendizaje. Klee y Faininger salen, Kandinsky se retira cada
vez más de la enseñanza. En el mismo año de 1925, crea dos pinturas importantes: "En
azul" y "Amarillo - rojo - azul" . El segundo cuadro marca la aparición de un nuevo
"romance frío", que se ha convertido en la principal tendencia en sus obras de la época de
la Bauhaus.
A pesar de los intentos de la gerencia por hacer que la ideología de la escuela sea una
situación política adecuada, no ha tenido éxito. Desde 1931 comienza una campaña a gran
escala de círculos de derecha contra Bauhaus, que concluyó con éxito en 1932, cuando se
cerró la escuela, declarándola "un hervidero de bolchevismo en la cultura". La familia de
los Kandinsky toma una decisión difícil: abandonar Alemania. Van a París, la ciudad que
será la etapa final de la creatividad y el modo de vida de Kandinsky. Durante algún
tiempo, los jefes de la Bauhaus prolongaron su existencia como una institución educativa
privada en Berlín, pero en 1933 los nazis finalmente cerraron la escuela. Muchos maestros

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emigran a los Estados Unidos. En 1937, en Chicago se fundó "The New Bauhaus" (el
director era L. Mohoy-Nagy), y Gropius y Breuer se organizaron en la Escuela de Diseño
de la Universidad de Harvard.
El programa de la Bauhaus tuvo un gran impacto en el desarrollo de la educación
artística y el arte europeo. Los arquitectos y diseñadores de las generaciones futuras
continuaron estudiando las colecciones de artículos científicos y teóricos de profesores
de la escuela. El museo-archivo de Bauhaus fue fundado en 1960, para lo cual, en 1979,
se construyó un edificio especial en Berlín, proyectado por Gropius. En la actualidad en
Dessau opera el centro de diseño “Bauhaus-Dessau”.

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 Metodología
• Búsqueda de material en Escuela Tomas Cabrera, Biblioteca Provincial de Salta,
Biblioteca del Museo de Bellas Artes.
• Recolección de información a través de paginas de internet y videos de YouTube.

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 Cronograma de actividades
Septiembre Octubre Noviembre Diciembre
1 al 15 1 al 30 1 al 15 1 al 31 1 al 15 1 al 30 1 al 15 1 al 31
Elección del tema

Revisión de bibliografía

Definición de objetivos e hipótesis

Redacción de marco teórico

Trascripción de metodología y
cronogramas de actividades
Ultima corrección

Entrega de investigación

Defensa de investigación

Realizado por: Belen Osedo

Fecha de inicio: septiembre del 2018
Fecha de culminación estimada: noviembre del 2018

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 Anexo

Der Blaue Reiter (El jinete azul, 1903)

Puerto de Odesa, óleo sobre lienzo,

1898, Galería Tretiakov

Domingo. (Rusia antigua), óleo sobre

lienzo,1904

Akhtyrka, 1901, Lenbachhaus,

Múnich

Sol de Róterdam, 1906 Murnau, calle de pueblo, 1908,

Colección Werner Merzbacher

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Casas en Múnich, 1908 Otoño en Baviera, óleo sobre lienzo,
1908, Centro Pompidou

Murnau, tren y castillo, 1909

Fuga, óleo sobre tela, 1914.

"En blanco II", óleo sobre lienzo,

1923, Centro Pompidou

"Cielo azul", óleo sobre lienzo, 1940,

Centro Pompidou.

28
 Composición n° 8 Negro y violeta

Franz Marc- caballos azules Caballo en el paisaje-Franz Marc

Paul Klee-Casa giratoria Paul Klee- Senecio pequeño

29
 Bibliografía
• Wassily Kandinsky de lo espiritual en el arte la nave de los locos, PREMIA
editora S.A.
• Biografía de wassily Kandinsky
https://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/kandinsky.htm
• El jinete azul, Vasili Kandisky- Franz Marc -ediciones Paidós
• El jinete azul
http://www.elarteporelarte.es/clases-cultura-visual/jinete-azul-kandinsky-
marc-jawlensky-klee/
• La Bauhaus
www.wassilykandinsky.net/bauhaus.php

30
 Índice
Prologo
Epígrafe
Fundamentación
Estado de arte
Objetivo general y objetivos específicos
Marco teórico
Metodología
Cronograma de actividades
Anexos
Bibliografía
Índice

31