“La expresión cinematográfica construye un relato más completo y perfecto que

reúne el arte de la reproducción y el arte de la encantación, es decir por expresar la

realidad mediante la figuración”.
(Muñoz Calvo S)

1. Clasificación de Animación

Sin el afán de restringir el campo de acción de la animación y solo con el

carácter de visualizar las diferentes producciones animadas, se proponen dos rubros
de acción, la animación análoga o artesanal y la digital.
Dentro de la animación análoga o artesanal encontramos la propuesta de
Ed Tietjens en la que se encuentran los siguientes rubros:

1.- Animación de crecimiento.

2.- Animación de dibujos con figuras recortadas.
3.- Animación con acetato.
4.- Animación con objetos.

Animación de crecimiento.

Se llama animación del crecimiento a la que hace aparecer, formar o

desaparecer las figuras o dibujos, empleando para ello el dispositivo de la cámara
que sirve para impresionar fotogramas aislados. Si, por ejemplo, pintamos un
cuadro e interrumpimos el trabajo cada dos minutos para tomar un fotograma,
luego, al proyectar la película, se obtiene una rápida formación de dicho cuadro. Es
un espectáculo realmente fascinante, pues vemos cómo el cuadro crece por sí mismo.
Por inversión de las imágenes conseguidas se puede lograr que los colores vayan
convirtiéndose en otro cuadro.
Con el mismo procedimiento, también podemos pensar en el empleo de
dibujos de líneas sencillas de un solo trazo. Si dibujamos cada vez sólo un poco de
dicho trazo, haremos que se forme la figura; y si luego borramos poco a poco los
trazos la figura desaparecerá.

Animación de dibujos con figuras recortadas.

Uno de los métodos para hacer películas de dibujos consiste en lograr la

animación por medio de figuras recortadas, lo que en el mundo del cine de
animación se conoce con el nombre de técnica «cut-out».
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 La principal ventaja de este método es que basta con muy pocos medios
para realizar películas de dibujos. Todo lo que se precisa es un aparato de hacer
títulos, preferiblemente vertical (es decir, con tablero horizontal), las lámparas y
una cámara.
Debemos hacer notar que este sistema comporta una serie de
inconvenientes, motivo por el cual la mayoría de los libros sobre el tema tratan de
él de forma somera, e incluso algunos lo omiten por completo. Pero, a pesar de sus
inconvenientes, este método ofrece más ventajas de lo que uno pueda imaginarse,
por lo que vale la pena dedicarle un poco de atención.
Sirve para que el principiante en la realización de películas de dibujos se
inicie en él sin muchos preparativos; y para los maestros, porque es una manera
adecuada para hacer una película de dibujos animados.

Animación con acetato.

La animación por transparencias es un proceso básico en todo trabajo de

este tipo. La idea de emplear estas láminas, transparentes puede parecer obvia y
sencilla pero, represento un avance revolucionario.
A partir de aquí comenzó a vislumbrarse la posibilidad de repartir el
trabajo y conseguir así efectos más trabajados en la producción final. También
permitió la introducción de ciertas formas de perspectiva y liberó al artista de la
antigua bidimensionalidad de las primeras películas animadas.Durante la década de
los veinte se fueron introduciendo gradualmente los primeros resultados de esta
técnica.
El trabajo de creación de los fondos se separó del trabajo más del tallado
de los primeros planos, en donde realmente aparecía el problema de expresar el
movimiento en sus distintas fases.
La siguiente especialización se produjo cuando comenzó a distinguirse
entre el trazado de las figuras y el llenado de éstas con pintura opaca.
Es evidente que cuanta más libertad pueden tener los artistas animadores
y menos se entretengan en tareas de repetición de dibujos, más atención pueden
dedicar a la parte creativa e imaginativa de su trabajo.
Hoy en día, los animadores clave se preocupan tan solo de los aspectos
generales del movimiento de los personajes.
Sus ayudantes producen las fases intermedias del movimiento, mientras
que otro tipo de personal se dedica a retocar y acabar el trabajo, corrigiendo
cualquier, imperfección. El estadio de producción que se conoce con el nombre de
ensayo al lápiz, permite al animador ver a sus personajes en momento en un
momento relativamente inicial del trabajo.
6
 De forma similar, el artista que se dedica a la creación de fondo posee su
propio departamento y sus propios asistentes. En los primeros días de los dibujos
animados, era el mismo artista el que se dedicaba a fotografiar su historia, cuadro a
cuadro, empleando una cámara. Hoy en día , los estudios de animación disponen de
tecnología computarizada de alto rendimiento que les permiten generar escenas
completas.
En un estudio actuales, cada uno de estos aspectos principales del trabajo –
animación, fondos y edición al igual que la creación del sonido y grabación, ofrecen
trabajo a artistas especializados para que cada línea de ellos trabaje se desarrolle en
su propia categoría.

Animación con objetos.

Animación de objetos, muñecos, marionetas, figuras de plastilina u otros

materiales así como maquetas de modelos a escala. Se utiliza la grabación
"fotograma a fotograma" o "cuadro a cuadro". La Animación con objetos es una
técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos
capturando fotografías.
En general se denomina animaciones cuadro por cuadro a las que no
entran en la categoría de dibujo animado, esto es, que no fueron dibujadas ni
pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad. Hay dos
grandes grupos de animaciones con objetos La animación de plastilina (o cualquier
material maleable), y las animaciones de objetos (más rígidos).
La animación con plastilina puede hacerse al "estilo libre", cuando no hay
una figura definida, sino que las figuras se van transformando en el progreso de la
animación; o puede orientarse a personajes, que mantienen una figura consistente
en el transcurso del film.

“El carácter casi mágico de la imagen fílmica aparece, así, con total claridad: la
7
 cámara crea algo muy distinto de un simple doble de la realidad”. (Marcel
Martin)

1.2. La animación se consolida en el mundo

Lotte Reiniger (1899-1981)

Lotte Reiniger, fue una pionera que realizó dibujos animados en Alemania
a partir del teatro de sombras, personajes opacos sobre fondos blancos, como Las
aventuras del príncipe Ahmed (1926), el primer largometraje de dibujos animados que
se conserva.

Productor Producción País y Año

The Adventures of Prince
Lotte Reiniger Alemania 1926
Achmed

Federico Valle, empresario cinematógrafo nacido en 1880 en Italia y

fallecido el 25 de octubre de 1960 en Buenos Aires, Argentina funda
Cinematografía Valle. Para 1916, el noticiero de Valle incluyó un corto de
animación llamado La intervención en la provincia de Buenos Aires, realizado por el
dibujante Quirino Cristiani. En 1917 Realiza el Apóstol, dirigida Quirino Cristiani
por considerado el primer largometraje animado, del cual no se tiene ninguna copia
ya que algunas se perdieron en un incendio de 1926 y otras al ser recicladas, para la
fabricación de peines.

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 Víctor Bergdahl (1878-1939)

Víctor Bergdahl nacido en Suecia el 12 de diciembre de 1878 y fallecido el

20 de enero del 1939, en 1916, realizó la serie Kapten Gtoogg.

Productor Producción País y Año

Kapten Groggs underbara
Víctor Bergdahl Suecia 1916
resa

Anson Dyer (1876-1962)

El británico Anson Dyer, realizó John Bull’s Animated Sketchbook (1920),

Three Little Pigs (1922) y Little Red Riding Hood (1923).

Productor Producción País y Año

Anson Dyer Little Red Riding Hood Inglatera 1922

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 Vicking Eggeling (1880-1925) Man Ray (1880-1925)

En las primeras décadas del siglo XX se hicieron películas como Symphonie

diagonale (1921-24), de Vicking Eggeling, mediante recortes en papel estaño creaba
relaciones rítmicas entre formas y líneas geométricas simples empleando la
proporción, las relaciones numéricas y la intensidad luminosa, a partir de las cuales
surgía una composición musical luminosa. Al mismo tiempo se realiza Emak Bakin
(1926), de Man Ray, dadaísta y más tarde uno de los fundadores del surrealismo.
Abrieron un camino que, con el tiempo, seguirían otros cineastas.

Productor Producción País y Año

Vicking Eggeling Symphonie diagonale Alemania 1921

Hekoten Shimokawa Oten (1892-1973)

En Japón, a partir de experimentos de varios dibujantes procedentes de la

historieta o de las artes plásticas, surgió un interesante movimiento de animación
que se inició con algunos experimentos en el año de 1914, pero fue en 1917 Oten
Shimokawa, quién realizó el primer corto animado de 5 minutos titulado Imokawa
Mukuzou (El Portero).

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 Junichi Kouchi (1886–1970)

También en 1917, Junichi Kouchi realizó un corto titulado Hanahekonai

Meitou no Kani (El sable nuevo y flamante.

Seitarou Kitayama (1888–1945)

Seitarou Kitayama, realizó Sarukani Gassen (La guerra de monos y cangrejos).

Kitayama, trabajó en animación hasta que en 1918 logró el primer éxito mundial de
la animación japonesa con Momotarou (El Chico Durazno).

Noburu Ofuji (1900-1961)

Noburu Ofuji, en 1927, realizó Kujira, La ballena en papel

semitransparente, cuyo resultado recuerda las siluetas de Lotte Reiniger. En 1952
rodó remake de La ballena.

Productor Producción País y Año

Noburu Ofuji The Bear Dodger Japón 1948

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 Yasuji Murata (1896-1966)

Yasuji Murata empleó acetatos en El hueso del pulpo, 1927, donde recreó un
mundo de animales antropomórficos.

Productor Producción País y Año

おい等のスキー/Oira no
Yasuji Murata Japón 1930
Sukī(Our Ski）

Kenzo Masaoka (1898-1988)

En 1931 Kenzo Masaoka realizó sonora, Chikara to onna no yo no naka, El

mundo del poder y de las mujeres, primer animado sonoro japonés, en el que utilizó
parcialmente celuloide, muy caro en Japón en aquellos momentos.

Productor Producción País y Año

Kenzo Masaoka Spider and Tulip Japón 1943

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 Mitsuyo Seo (1911-2010)

En 1935, Mitsuyo Seo, uno de los grandes pioneros en animación del país,
que había sido dibujante para Kenzo Masaoka, realizó varias películas
propagandísticas en torno al conflicto chino-japonés.

Productor Producción País y Año

Momotaro's Divine Sea
Mitsuyo Seo Japón 1945
Warriors

Walt Disney (1901-1966) Ub Iwerks (1901-1971)

Mickey Mouse fue un punto de inflexión importante en la historia del cine

de animación, a partir del cual se desarrolló una de las mejores épocas del cine de
animación. Walt Disney y Ub Iwerks (quien diseño a Mickey), comprendieron la
importancia de los dibujos animados en el cine y, a pesar de su dificultad y los
riesgos económicos, apostaron por esa vía cinematográfica. El éxito de Mickey
Mouse, protagonista de Steamboat Willie (1928), les lleva a investigar y a superar
las miles de dificultades, aplicar sonido y efectos de todo tipo, combinar personajes
animados y actores reales, que consiguen con la serie de cortometrajes que inicia
Alice in Wonderland (1923), y que que perfeccionaron con el tiempo, sobre todo al
inventar la cámara multiplano, desarrolada por Iwerks, que siempre estuvo más
preocupado de las innovaciones técnicas que de las historias o la animación en sí,
fundamental para obtener una profundidad de campo, que sirvió para aumentar el
realismo de la producción de dibujos animados. Fue Blancanieves y los siete enanitos
(1937), una de las primeras películas de dibujos animados de largometraje, la que
hizo conocer en el mundo entero la posibilidad del dibujo animado como cine que
podía competir con cualquier otra película.
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 Productor Producción País y Año

Walt Disney Plane Creazy U.S.A 1928

Max Fleischer (1883-1972) Dave Fleischer (1894-1979)

En los mismos tiempos, los hermanos Dave y Max Fleischer, competían en

las pantallas con Disney, con personajes tan populares del comic norteamericano
como Betty Boop y Popeye. En 1916 comenzaron la serie Out of the Inkwell (Fuera
del tintero), protagonizada por el payaso Koko, que se hizo hasta 1930. En
largometraje hicieron Los viajes de Gulliver, Gulliver's Travels (1939), en el que
utilizaron el rotoscopio, un aparato inventado por ellos en 1915, con el que
mejoraban los movimientos de los dibujos animados y que fue utilizado
posteriormente por muchos animadores.

Rotoscopio

El rotoscopio permite diseñar imágenes a partir de referencias filmadas en

vivo y reimprimir la película y, por tanto, que aparezcan juntos personas y objetos
reales con dibujos animados. Disney lo utilizó en Blancanieves y los siete enanitos y
puede ser considerado un precursor de la técnica de captura de movimiento digital.
Los Fleischer realizaron animaciones educativas: The Einstein Theory of Relativity
(1923) y Darwin’s Theory of Evolution (1925), películas didácticas. En 1924, los
hermanos Fleischer le dieron forma a The Song Car- Tunes, donde se animaban
canciones de moda, con el texto subtitulado y una bolita que permitía seguir la letra
por donde iba el cantante. En 1930 presentaron el personaje de Betty Boop en Dizzy
Dishes, creado por Grim Natwick, el mismo que animó a la Blancanieves de Disney.
En 1937 realizaron Popeye The Sailor meets Simbad the Sailor, rodada en plataformas
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o escenarios cuyos fondos eran modelos en tres dimensiones sobre los cuales se
colocaban los personajes dibujados en cristales transparentes. En 1939 realizaron
su primer largometraje, Los viajes de Gulliver y más tarde Mr. Bug goes to Town
(1941). A principios de los cuarenta hicieron la serie de Superman, en la que
introdujeron abstracciones y una serie de elementos realistas.

Productor Producción País y Año

Max Fleischer y Dave Fleischer Halloween party - Betty Boop U.S.A 1930

Paul H Terry (1887-1971)

Paul H Terry, pionero en casi todas las técnicas de animación desde 1915,
realizó su serie más famosa: Aesop’s Film Fables. y sobre todo a partir de los años
veinte, en la Paramount: Ugly Ducking (1925), Dinner’s Time (1928), el primer
dibujo animado sonoro, Queen Bee (1929), The Bull Fight (1935), The Mouse of
Tomorrow (1942). Produjo cerca de 1.300 dibujos animados hasta 1955, entre ellos
los Terrytoons.

Productor Producción País y Año

Paul H Terry Opening Night U.S.A 1923

Walter Lantz (1897-1984)

Walter Lantz, autor de cómics, pasó a colaborar como animador en los

Estudios Bray y posteriormente creó una compañía para el desarrollo de dibujos
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animados, primero para el cine y más adelante destinados a la televisión. Uno de los
personajes más conocidos de Walter Lantz es el Pájaro Loco. En 1924 produjo la
serie de Dinky Doodles. Más tarde con la Universal, convirtió en héroe al conejo
Oswald, Oswald the Lucky Rabbitt. Oswald había sido creado por Disney pero perdió
los derechos sobre su comercialización.

Productor Producción País y Año

Walter Lantz Carnival Capers U.S.A 1932

Willis O’Brien (1886-1962)

En 1925, Willis O’Brien animaba figuras en tercera dimensión, con

modelos de arcilla, con la técnica del stop motion. Realizó los efectos especiales da
varias películas importantes, la más famosa de ellas el gorila a animado de King
Kong que, aunque aparentaba en la gran pantalla una altura de quince metros, era
en realidad un muñeco articulado de alrededor de 45 centímetros de envergadura.
King Kong, 1933, fue dirigida por Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack.

Productor Producción País y Año

The dinosaur and the missing
Willis O’Brien U.S.A 1915
link

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 Len Lye (1901-1980)

El neozelandés Len Lye pintaba directamente sobre el celuloide en The

color box (1935), una técnica retomó Norman McLaren, otro influyente autor de
cortometrajes experimentales. En 1935, Len Lye, neozelandés, admirador de Oskar
Fischinger, realizó Color Box, una de las primeras obras maestras de la animación,
Pintaba directamente sobre el celuloide, sin necesidad de cámara, sincronizado con
una canción popular de Don Baretto. Una mesa de expertos de animación en el
festival de Annecy de 2005 lo consideró como una de las diez obras más
importantes de la historia de la animación. Su técnica la heredaría Norman
McLaren. Más tarde realizó con el mismo sistema Kaleidoscopio (1936), Rainbow
Dance (1937) y Trade Tatoo (1938). En Free Radicals Lye (1958), utilizó película
negra sobre la que rascaría dibujos sobre la emulsión.

Productor Producción País y Año

Len Lye Trade Tattoo 1937 Francia 19437

Aleksandr Lukich Ptushko (1900-1973)

Por su parte, el ruso Aleksandr Lukich Ptushko empleó personas y

marionetas flexibles para rodar El nuevo Gulliver (1936).

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 Productor Producción País y Año

Aleksandr Lukich Ptushko El nuevo Gulliver Rusia 1936

Ub Iwerks, separado de Disney, abrió su propio estudio en 1930, adaptó el

cuento The Brave Tin Soldier, de Hans Christian Andersen, para sus Comicolor
Cartoons. Más tarde pasó a la Warner (hasta 1940). Fue el creador de Jack and the
Beanstalk (1933), Don Quixote (1934), Aladdin and the Wonderful Lamp (1934),
Humpty Dumpty (1935), The Three Bears (1935), Ali Baba (1936), The Frog Pond
(1938) y otros. Las Silly Symphonies de Disney, melodías animadas con personajes,
fueron imitadas en varias ocasiones.

Harry Warner (1881–1958), Albert Warner (1883–1967),

Sam Warner (1887–1927) y Jack Warner (1892–1978),

En 1930 se funda la Warner Brothers Cartoons con el corto Sinking in the

Bathtub. Harman, Ising y Freleng, habían sido colaboradores de Disney y, dirigidos
por Leon Schlesinger crearon los Looney Tunes. En 1934, se hizo la primera Merry
Melody en colores de la Warner, pues los Looney Tunes fueron en blanco y negro
hasta 1943. En los años cincuenta, los ejecutivos de la Warner decidieron quemar
casi todos estos filmes, pues necesitaban espacio de almacenaje. I Haven´t Got a Hat,
primer éxito de Porky Pig, dentro de las Looney Tunes, firmado por Fritz Freleng.
En 1931, se crearon las Merrie Melodies, cuyo primer film fue Lady Play Your
Mandolin.

Productor Producción País y Año

Warner Brothers Cartoons Sinkin' In The Bathtub U.S.A 1930

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 Berthold Bartosch (1893-1868)

En 1932, el checo Berthold Bartosch realizó L'Idée, La idea, un corto

eminentemente político, radical y revolucionario, que presenta a la idea como algo
que no puede ser destruido, a pesar de persecuciones o dogmatismos. Realizado a
base de pinceladas gruesas y sombras arriesgadas, resaltadas por el uso del blanco y
negro. Dura media hora, con partitura de Arthur Honegger, uno de los
compositores de la vanguardia musical francesa de ese tiempo. Utiliza técnicamente
el principio de la animación por sustracción de fotogramas, que también utilizó
Norman Mclaren, el cut-out, animación con recortes o papel recortado, y pegar los
recortes en diferentes cristales a diferentes distancias, que simulan profundidad.
Bartosch fue uno de los muchos colaboradores de Lotte Reiniger en su etapa
alemana. Su obra se ha perdido casi por completo, excepto el corto L'Idée, pues los
nazis destruyeron toda su obra, depositada en la Cinématheque Française antes de
la segunda guerra mundial.

Productor Producción País y Año

Berthold Bartosch The Idea U.S.A 1932

Oskar Fischinger (1900-1967)

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 Oskar Fischinger, un pintor abstracto alemán que debió emigrar a EEUU,
realizó en 1930 dos primeras partes de la serie Studie (hasta 1932), con una técnica
que denominó animación absoluta, donde combina la geometría con la música. Hizo
películas en colores Muratti Marches on y Composition in Blue, en 1936. Colaboró en
la realización de Fantasía, de Disney, cuyo segmento no fue incluido en el montaje
final y, a finales de los años cuarenta, realizó las famosas Motion Painting I y II,
imágenes geométricas para animar música clásica.

Productor Producción País y Año

Oskar Fischinger An Optical Poem U.S.A 1938

Alexandre Alexeieff (1901-19829

En Francia, Alexandre Alexeieff, grabador y decorador ruso, realizó junto

a Claire Parker, en 1932, Une nuit sur le Mont Chavre, inspirado en música de
Mussorgski. Se animaban una serie de alfileres, fotografiados cuadro a cuadro. Los
alfileres, sobre tela, con la luz alumbrando en unos perfectos 45 grados, las sombras
de los alfileres creaban sombra o luz, negro o blanco. Si los alfileres se sacaban,
generaban sombra y la pizarra quedaba negra, si los alfileres se metían, la pantalla
quedaba blanca.

Productor Producción País y Año

Alexandre Alexeieff Night on Bald Mountain Francia 1933

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 Iván Ivanov-Vanó (1900-1987)

En Rusia, en 1934, Iván Ivanov-Vanó fue uno de los pioneros de la

animación soviética. El mercado lo valorizó de tal manera que se le empezó a
conocer como «el Disney de Rusia». La mayoría de sus temas se basan en cuentos
tradicionales rusos, tomando referencias de la poesía local, los bordados, las tallas y
la arquitectura. Los trabajos más conocidos en Occidente de los primeros años son
El zar Durandai (1934), La cigarra y la hormiga (1936) y Los tres mosqueteros (1938).
Iván Ivanov-Vanó siguió como director de prestigio hasta los años 50 del siglo XX.

Productor Producción País y Año

Iván Ivanov-Vanó A winter tale Francia 1945

Frederick Bean Avery (Tex Avery) (1908-1980)

En 1936, Tex Avery dibujó para la Warner el personaje de Porky. Más

tarde hizo también el personaje de Duffy Duck y las Gold Diggers, 1937. Robert
Clampett continuó con el personaje de Porky, y creó al canario Tweety, Piolín en
español. Chuck Jones debutó con The Night Watchman, 1938, muy influido por
Disney. Poco después creó el personaje de Sniffles, un ratoncito parlanchín. En 1940
definió el personaje de Bugs Bunny, junto a Chuck Jones, Bob Clampett, Fritz
Freleng y Frank Tashlin.

Productor Producción País y Año

Tex Avery Oh Wollfy U.S.A 1955

En contraposición a los estilos Disney, Tex Avery realizó Red Hot Riding
Hood, que comienza como una versión común de Caperucita roja hasta que los
personajes se rebelan ante los papeles que deben interpretar, como una revisión del
cuento clásico, con exageraciones que hicieron que algunas partes de la película y el
final, fueran censuradas. Realizó más tarde King Size Canary (1947) y Bad Luck
Blackie (1949).
En 1945, en Estados Unidos, un grupo de dibujantes y creativos separados
de la Disney constituyeron la UPA (United Productions of America) decididos a
realizar cosas diferentes. Estrenaron Brotherhood of Man, de Bobe Cannon, y Robin
Hoodlum. Mr Magoo, creado por Peter Burns, fue una de las estrellas de la UPA.

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 A partir de la mitad de los setenta, la animación creada por computadoras
se comenzó a desarrollar en algunos países como los Estados Unidos y Gran
Bretaña. Entre los pioneros de esta técnica se encuentran el Dr. Kenneth Knowlton
y el Dr. Edward Zajac, que elaboraron un cierto número de películas con
computadores sobre temas científicos.

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