10 Dicas de Fotografia de Comida para Tirar Fotos Saborosas Toda Vez - Mundo Da Câmera Digital

23/01/2019 10 dicas de fotografia de comida para tirar fotos saborosas toda vez | Mundo da câmera digital
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10 dicas de fotogra a de comida para tirar fotos saborosas toda vez

Pelo fotógrafo digital 12 horas atrás Tutorial
Dicas e conselhos práticos para dominar a arte da fotogra a de alimentos

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A fotogra a de alimentos é um gênero fácil de ignorar, mas é um campo que oferece uma enorme quantidade de
possibilidades criativas, sem escassez de assuntos atraentes, variados e coloridos.
Ele também oferece a possibilidade de capturar imagens de comida pro ssionalmente, como cozinhar e assar são passatempos
imensamente populares, e há uma demanda constante por imagens para revistas, livros e sites.
No entanto, para obter sucesso na fotogra a de alimentos, você precisará de uma boa compreensão da teoria e das técnicas
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envolvidas, e terá que estar preparado para praticar - como acontece com outros tipos de fotogra a, é mais complicado do que
parece.
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https://www.digitalcameraworld.com/tutorials/food-photography-tips 1/19
A fotógrafa pro ssional de alimentos Ewen Bell explora os equipamentos e as principais técnicas que você precisa para fotografar
imagens culinárias bem-sucedidas, além de compartilhar alguns truques do comércio.
Leia também:
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(Imagem: © Ewen Bell)
1. Trabalhe com boa luz

O erro mais comum é tentar fotografar alimentos bonitos com pouca luz. Câmeras veem luz, não assuntos, mesmo quando esse
assunto é delicioso!
A fotogra a de comida sempre começa com a luz. A luz perfeita é suave, abundante e angulada. Você quer muita luz para brincar,
mas você de nitivamente não quer que a luz solar direta ua para a cena; é muito duro e muito contrastante. A melhor mesa do
restaurante tem o assento da janela, com luz do dia brilhante do lado de fora e apenas a luz ltrada que passa.
Este cenário transforma a janela em uma grande caixa de luz, enchendo a mesa com luz útil que oferece uma variedade de ângulos
de disparo. O ponto de partida é atirar em um ângulo ao longo da fonte de luz. Esse ângulo dá contraste su ciente para revelar
detalhes na cena e traz as cores. Você não precisa preencher o lado oposto da cena com uma placa de rejeição ou ash de
preenchimento, porque você pode iluminar áreas subexpostas das imagens brutas ao processar os arquivos - geralmente é mais
rápido e preciso ajustar os arquivos raw do que tentar obtê-lo perfeito na câmera.
Conforme você altera seu ângulo, cria uma qualidade de luz diferente para a cena. Quanto mais você atira na luz, mais contraste e
drama você constrói. A riqueza de cores é reduzida, os negros são endurecidos e algumas áreas podem até explodir, e isso é
aceitável com o propósito de estilo, se drama é o que você está procurando.
Alternativamente, quando você muda seu ângulo para ter a luz vindo um pouco mais atrás de você, a cena se enche mais e o
contraste se achata. Ao controlar o ângulo em que você fotografa em relação à janela, você controla o contraste e a cor também -
mesmo quando a luz é muito, muito suave.
Não importa quão incrível sua comida pareça em um prato se a luz não estiver funcionando para você - boa comida em luz ruim faz
fotos malsucedidas. Na luz certa, por outro lado, quase qualquer cena pode parecer convidativa.
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2. Editando suas fotos

O tratamento dos seus arquivos RAW é tão importante quanto a lmagem. As cores mais naturais geralmente resultam da falta de
saturação, ou até mesmo de puxar um pouco para trás; Se você está lutando com o equilíbrio de cores, é provável que você tenha a
saturação discada muito alto.
Em uma luz muito plana, você pode precisar aumentar um pouco o contraste para dar uma dureza às bordas - adicionar contraste
apenas na ponta preta do histograma ajudará a preservar os tons em outras partes da cena.
Além disso, detalhes de sombra podem ser levantados para equilibrar a cena. Certi que-se de usar ajustes seletivos para adicionar
exposição ou mais detalhes de sombra, se os elementos críticos forem perdidos na sombra.
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3. Considere ash
The problem with relying on natural light when shooting food is that it isn’t always that natural. Color casts can be thrown across the
scene by trees outside, interior lights can add color spots to the room, and the movement of clouds throughout the day can cause
dramatic changes to contrast and color temperatures.
You’ll never get a nice, clean white light unless you bring your own. Flash gear will bring consistency to your photography and
reduce processing e ort. Reliable strobes deliver the exact color and quantity of light from one frame to the next. If you’re shooting
content across several days but need the look and feel of each frame to be consistent, then studio ash is the way to go.
Além de ser muito prático e con ável, uma vez que você tenha o seu equipamento de ash sob controle, estará livre para se
concentrar em sua criatividade. Escala é crítica aqui. Assim como desfrutamos de luz suave, abundante e inclinada no assento da
janela de um restaurante, tentamos alcançar o mesmo resultado no estúdio.
Uma grande caixa de luz é necessária, alimentada por uma fonte de luz com capacidade su ciente. 100W de ash é mais que
su ciente para lmar uma cena de mesa e extrair momentos de inspiração dentro dela.
Os ashguns movidos a bateria podem fazer o trabalho, mas você queimará as baterias e elas serão dolorosamente lentas para
regenerar à medida que a energia for drenada. Pelo mesmo preço que um ash decente, você pode comprar kits monobloco que
oferecem uma unidade plug-in com um receptor embutido; basta ligar à corrente eléctrica e encaixar a unidade de gatilho na sua
câmara e está pronto para o fazer.
Uma fonte de luz con ável é essencial, e por isso é importante considerar como você deseja moldar a luz. Softboxes para fotogra a
de alimentos devem ser muito grandes e oferecer grandes quantidades de difusão interna. Você precisa colocar o softbox perto da
cena, o mais próximo possível para manter a luz o mais difusa possível.
Se suas caixas de modelagem de luz não forem suaves o su ciente, e muito contraste estiver chegando à cena, basta adicionar uma
tela de difusão adicional entre a comida e o ash.
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4. Pare o movimento
A iluminação consistente da engrenagem de ash do estúdio é perfeita para fazer clipes curtos de stop-motion da montagem
passo-a-passo ou apresentação de um prato.
Bloqueie a câmera em um tripé e bloqueie o foco e a exposição - você precisa que estes sejam os mesmos para todas as cenas.
Faça pequenos ajustes entre os quadros para imitar uma cena em movimento.
Processe os arquivos brutos com perfeição antes de produzir os quadros individuais, depois traga as fotos para a ferramenta de
edição de vídeo e use transições suaves para suavizar o movimento.
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5. Toda a magia acontece a 50mm

O campo de visão de uma lente de 50 mm é o ponto ideal para fotogra as de natureza-morta, incluindo alimentos. À medida que
seu campo de visão aumenta, como 35mm, você começa a ter problemas de perspectiva, e quanto mais você fotografa, mais perto
você precisa chegar, o que pode exagerar ainda mais a perspectiva. Também ca difícil controlar o fundo com uma lente mais
ampla; você nem sempre quer que o resto da sala seja puxado para o quadro.
Estreitar o campo de visão com uma lente telefoto também pode ser um problema. Comprimentos focais mais longos, como 100
mm, comprimem a cena - você pode perder a sensação de profundidade e suas composições podem parecer planas. Lentes mais
longas também criam problemas logísticos quando você está trabalhando em espaços con nados, pois você pode não ter espaço
para recuar o su ciente para um tiro.
Tudo funciona muito melhor quando você começa com 50mm. Se você está fotografando em um sensor full-frame, a outra
vantagem de 50mm é que existem muitos primos acessíveis no mercado.
Uma abertura de f / 2 é ideal, e é tentador usar um 24-70mm f / 2.8 se você já tiver um, mas então você não estará aproveitando o
efeito total de uma lente prime em f / 2 - e você também tem que lidar com uma lente grande e desajeitada que pode ser um
obstáculo ao seu processo criativo.
A lente equivalente para câmeras APS-C é de 35mm f / 1.4, ou para câmeras de micro quatro terços, 25mm f / 1.4. quanto menor o
sensor da sua câmera, maior a profundidade de campo que você obtém em um determinado f-stop, então você pode querer
experimentar ir até f / 1.4 em vez de f / 2 com esses corpos de câmera menores. A diferença entre f / 2 e f / 2.8 é signi cativa para o
bokeh de fundo e é ainda mais pronunciada em f / 4.
Filmar super cialmente signi ca chamar a atenção para um elemento da cena, e o grau em que você derrete o resto da cena é
essencial para a sua composição.
Sua profundidade de campo se expande à medida que você se afasta do objeto também, então quanto maior a cena que você
fotografa a 50 mm, mais ao sul você pode ter que soltar o f-stop para obter o grau desejado de desfoque.
Fotografar em f / 4 pode parecer dramático quando seu quadro é do tamanho de uma xícara de chá, mas oferece impacto zero
quando você recua para capturar uma con guração de tabela completa.
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6. Considere escala
Nós temos uma tendência, quando temos uma lente na mão, a continuar entrando, tentando apertar a composição cortando todas
as coisas que não queremos na cena. Este é um processo redutivo. Acabamos com composições muito simplistas e não temos idéia
de onde erramos.
O truque para construir composições mais ricas e detalhadas com vida e comida é dar um passo atrás e trazer mais para o quadro,
não menos. Não é apenas uma questão de lentes diferentes, é uma perspectiva diferente; Pensar maior é melhor. Ficamos
obcecados com o que está no prato, sem perceber que há uma cena maior em oferta.
Ao voltar um pouco, você se vê atirando na mesa, não no prato. Agora você tem opções para suas composições. Recue um pouco
mais e você tem um restaurante, não apenas a mesa. Em cada nível de escala, você obtém diferentes opções de composição.
Recuando permite colocar o prato em um contexto maior, com espaço para incluir uma sensação de lugar. Ao trabalhar no estúdio,
é um erro comum manter a escala pequena. Limitar-se a uma fração de um banco, ou a um pequeno pedaço de madeira
compensada que você pintou para parecer madeira desgastada, está limitando sua criatividade também.
Para grandes resultados, você precisa pensar maior que uma caixa de pão. Expandir a escala de sua zona de tiro também permite
que você crie espaço para vários pratos. Uma placa oferece muito menos opções do que duas ou três.
Com múltiplos do mesmo prato em uma mesa ou bancada de estúdio, você cria o potencial para composições em camadas. À
medida que você se movimenta, encontra cenas dentro da cena e esses múltiplos de um prato oferecem vários momentos de
inspiração.
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7. Inclua um pouco de ação
A vida ainda não precisa ser ainda quando se trata de comida. Obter um pequeno movimento para a cena e trazê-lo para a vida.
Capturar movimento dentro de suas cenas adiciona impacto à boa composição - por exemplo, o derramamento de líquidos, vapor
saindo de pratos quentes, ou simplesmente a polvilhar de sal em um prato.
Além disso, a preparação da comida e as pessoas que a preparam são ótimos elementos para incluir em uma série de fotos. Sujo é
mágico; uma sensação do caos em uma cozinha, ou ingredientes em uma bancada, acrescente interesse.
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8. Estilize o tiro
Construir uma composição interessante requer um espectro de abordagens, com o estilo de comida em uma extremidade e o
fotojornalismo na outra. Você pode criar a cena exata que deseja do zero usando adereços e estilo, ou pode procurar momentos
dentro de uma cena que já existe no mundo real; os melhores resultados geralmente vêm de uma combinação dos dois.
O estilo é uma habilidade dedicada - em uma sessão comercial, o estilista pode ganhar mais do que o fotógrafo. Estilistas fornecem
seus adereços e idéias, e normalmente o conceito das lmagens gerais é mais importante em suas mãos.
O fotógrafo terá que assumir a liderança, manipular a luz a seu favor e garantir que a cena nal seja tecnicamente competente.
Como fotógrafo, é uma alegria trabalhar com um bom estilista, porque eles carregam muito da carga criativa. Com o estilista
preparando a cena, você é capaz de dedicar sua atenção à tarefa de encontrar a composição ideal - para uma pessoa lidar com a
fotogra a e o estilo pode ser exigente, já que seu cérebro está pulando entre duas tarefas e você pode não ser capaz de concluir
com êxito a sua satisfação.
Quando você está lmando no local, é importante considerar quanto do personagem original do restaurante ou da cozinha que
você quer passar para as imagens. Imperativos do fotojornalismo ditam que você revela a natureza do seu assunto, enquanto o
estilo é uma tentativa de criá-lo através da arte. Na prática, há sempre um grau de ambos.
Eu gosto de ' lmar a cena' quando visito um restaurante ou outro local. Peço aos funcionários que ponham as mesas do jeito que
fariam para convidados, e que apresentem pratos com vinhos servidos - quero ver como eles apresentam seu trabalho. Com uma
mesa completamente vestida, começo a procurar elementos dentro da cena.
Eu busco um 'herói' e desenterro composições que puxam através de múltiplos elementos. E então eu poderia começar a estilizar a
mesa um pouco - não muito, só um pouco. Eu faço ajustes, removo distrações e adiciono camadas ao plano de fundo. Eu faço isso
com fotos de locação e quando trabalho com um estilista no estúdio.
Reunir essas duas abordagens gera diversidade nas imagens que você pode coletar e abre as portas para composições inovadoras
que são inesperadamente recompensadoras.
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9. Lembre-se de usar adereços

A chave para um ótimo estilo de comida é ter adereços à mão para complementar a cena. Se você está planejando lmar muito no
estúdio, você vai querer começar a colecionar alguns acessórios interessantes para apimentar suas cenas.
Ingredientes para uma receita podem ser usados como adereços, bem como louças e talheres. As pessoas podem agir como
adereços também. Pense nas mãos envolvidas na cena, ou talvez a equipe da cozinha manipulando um prato - escalando para
lmar mais amplamente, permite espaço para trazer esses acessórios para a composição.
O suporte direito pode adicionar contexto a uma cena, como um pote de chá e xícaras ao lado de uma fatia de bolo. Adereços
também podem ser usados para adicionar cuidadosamente cores especí cas a uma cena que embeleze o assunto principal.
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10. Assuma o controle total

O que torna a fotogra a de alimentos tão diferente de outros gêneros é o grau de controle que você tem sobre o assunto. Você
pode fazer praticamente tudo o que quiser na cena - você pode até comer! É fácil controlar a luz em uma cena do tamanho de uma
mesa, comparado a lmar um estúdio completo ou esperar pelo nascer do sol sobre uma paisagem.
A comida não precisa puxar uma pose ou entregar uma expressão; ca lá e silenciosamente aceita a atenção sem se mover. Dentro
dos limites, é claro - tome cuidado com o sorvete, pois ele pode derreter em minutos se você não estiver pronto para o tiro.
A escala e a natureza inanimada da fotogra a de alimentos signi cam que você tem excelentes oportunidades de composição. É
um ótimo gênero para explorar o uso da cor, perspectiva e repetição.
Não pense que você precisa de todas as cores do arco-íris presas em um único quadro - em vez disso, tente trabalhar inicialmente
com uma paleta de cores limitada e encontre formas de repetir as cores pela cena. E use mais de um prato no seu estilo,
aproveitando uma escala maior e idéias maiores.
Mude a sua perspectiva enquanto fotografa - experimente a vista de cima para baixo, mas procure por diferentes ângulos que
revelem mais ou menos certos elementos.
A fotogra a de alimentos se presta a tethered shooting, e é uma boa idéia trabalhar com um laptop e cabo de ligação quando no
estúdio ou no local. É uma grande vantagem se comparada à visualização somente na câmera, porque você obtém um feedback
muito melhor sobre variações sutis em suas fotos e uma con rmação mais precisa de onde sua profundidade de campo está
atingindo.
Além disso, a clareza de uma grande tela de laptop também oferece a você uma melhor renderização de suas composições,
completa com o tratamento de processamento preferencial à medida que cada quadro sai da câmera. a regra principal, porém, é
sempre começar com a luz - não importa quão interessante seja a comida se você não tiver boa luz. Apontar para luz suave,
abundante, em ângulo.
À medida que muda a sua perspectiva, também pode alterar o seu ângulo de luz - tal como adicionar sal e pimenta para temperar
um prato, alterando o ângulo para ajustar a sensação da fotogra a.
Leia mais:
Como tirar fotos de revistas e empresas querem usar 147 técnicas de fotogra a, dicas e truques para tirar fotos de qualquer
coisa Os 50 melhores acessórios de fotogra a e câmera
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