PERIODICO DI INFORMAZIONE, ATTUALITÀ E CULTURA MUSICALE

SAMARKLAND di Flavio Fabbri DEADIANA BARATTOLI di Egizia Mondini

NUMERO 15 > Autunno 2010

di Romina Ciuffa

vevo circa vent’anni

Periodico di informazione, attualità e cultura musicale a cura del Saint Louis College of Music
A quando il dj romano
Andrea Esu riempiva
lo storico Dome Rock
Cafè di Marco e Paola
Panico, a San Giovanni,
con le note di un duo fem-
minile, le Pink. Per un loro
pezzo, Dubbi inerti, com-
uando si parla di grandi personaggi della prai il cd. Le persi di vista. Dal testo, dalla ritmi- un onore, nel tempo stesso un compito assai

Q storia è molto difficile trovare ed utilizza-

re le parole giuste. Fiumi di inchiostro e
bit sono stati spesi per la figura leggendaria di
Jimi Hendrix e, mentre il tempo passa inesorabi-
le, sono trascorsi già quarant’anni da quel 18 set-
tembre 1970, giorno in cui Jimi Hendrix fu trova-
to senza vita nel letto di una camera d’albergo di
Londra, il Samarkland Hotel. Una morte ancora
avvolta nel mistero, per uno dei chitarristi più
celebri e osannati della storia del rock. Dedito alle
droghe più disparate, Hendrix ben si era inserito
nel movimento hippy fin dal 1966, anno del suo
primo successo discografico con Hey Joe. (...)
ca, da quel «Maometto fermo e stanco» avrei
dovuto capire che la montagna si sarebbe mossa.
Una serie di circostanze. La mia dedizione
verso Chuck Palahniuk, innanzitutto. Per cui
noto due videoclip dei Plastico, Tubo e
Paranoia, ispirati al suo Fight Club: idea, regia,
fotografia impeccabili e, per esser datati 2001,
la dote della lungimiranza. Calcata poi, e la gab-
bia d’oro che spalanca Tiziano Ferro quando
canta E fuori è buio, mi trattengono ad ascoltar-
lo per l’impossibilità di rientrare a Roma, in
attesa che cessi l’acquazzone. Sì, forse bellissi-
mo, ma sempre in gabbia ero. (...)
È difficile, scrivere di qualcuno che ci ha lascia-
ti. Soprattutto quando si tratta di un’amica, di
un persona rara, preziosa umanamente e dotata
artisticamente. Un’entusiasta, dalla risata conta-
giosa e gli occhi segnati da un costante sorriso.
Innanzitutto una dj, e donna per giunta, se siete
in grado di coglierne l’importanza. Affermata,
aggiungo. Che nell’arco di più di 10 anni di car-
riera ha saputo farsi largo, guadagnarsi la stima
di tutto l’ambiente dj-ing, crearsi un nome fino a
conquistare il territorio internazionale riuscendo
a suonare nei maggiori club ed eventi musicali di
tutta Europa. (...)

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S
L -LO S S
P E C I A L E ALTNATIVE
ER KAMIKAZE QUEENS CLASSICA
MENTE STING

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ROMINA CIUFFA Mirta Lispi

Direttore Responsabile
SALVATORE MASTRUZZI

Caporedattore
Rossella GAUDENZI
Redazione
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Contributi
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Giosetta Ciuffa, Lorenzo Fiorillo, Egizia Mondini
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e fotografia
Romina CIUFFA ZENONE E LA TARTARUGA
è concluso il Festival di in minuscola parte sul contributo pubblico euro, all’attività lirica ordinaria svolta da 22
Redazione
Via Urbana, 49/a
00184 Roma
Tel. 06.4544.3086
Si Villa Carpegna, per la pri-
ma volta teatro naturale di
una manifesta-
(meno del 25 per cento). Alla sua prima edizio-
ne questa manifestazione indica la via da percor-
rere verso una nuova concezione di impresa cul-
enti poco più di 2 milioni, mentre 12 istituzioni
concertistiche gestiscono circa 13 milioni di
euro. Poi ci sono 164 fondazioni e attività con-
zione d’avan- turale, sana, non viziata da mire personali, fru- certistiche, quasi tutte di musica classica, e una
Fax 06.4544.3184 guardia sotto strati bisogni di ribalta o fini propagandistici. decina solo di musica moderna o jazz, che si
redazione@musicin.eu vari profili: cul- Negli anni molti Festival non hanno solo svuo- spartiscono 13 milioni di euro, fra cui, a titolo
turale, musicale, tato le casse delle amministrazioni pubbliche, di esempio, l’Associazione culturale di
Tipografia aggregativo, imprenditoria- favorendo l’arricchimento (a questo punto inde- Roccella Jonica con 250 mila euro, l’Istituzione
Ferpenta Editore Srl le. Le altre rassegne (più bito) degli organizzatori, ma hanno trattato gli Universitaria dei Concerti di Roma con 520
V. R. Gabrielli calzante «rassegnate») han- spazi loro concessi come propri piccoli feudi, mila euro, 400 mila all’Associazione Siciliana
di Montevecchio, 17 no perseverato nel propor- intoccabili, personali. Amici della Musica, 670 mila all’Associazione
Roma re il classico: formule Per capire come vengono distribuiti i fondi dal Amici della Musica di Firenze (e certo che sono
obsolete, vecchie co- Ministero dello Spettacolo, si guardi il docu- amici della musica).
Anno IV n. 15 me coloro che le mento che il sito dei Beni culturali mette a Potrebbe essere utile per un musicista consulta-
Autunno 2010 dirigono, demodé disposizione (www.spettacolodalvivo.benicultura re questo elenco prima di accettare un ingaggio
Reg. Tribunale di Roma
come un bustino li.it/sovvenzioni/2010/contrib_musica_2010.pdf). da uno degli enti finanziati o sovvenzionati; in
n. 349 del 20/7/2007 da aristocratici, Da esso ciascuno potrà farsi un’idea se l’asse- genere nella contrattazione del cachet
nostalgiche come gnazione di tali danari trovi una giustificazione l’organizzatore, per convincere il musicista ad
un villino a Monteverde, nella qualità della programmazione dell’ente accettare una miseria di paga, cita con cipiglio
noiose come un disco di Milva. percipiente o se ci si trovi di fronte all’ennesimo la «crisi del settore» (e quando mai è stato flo-
Villa Carpegna ha vantato, in quello magna-magna. rido?), la recessione (mai sentito al telegiornale
che è stato l’avvio di un nuovo modo di È facile pensar male di tutti (ed è certamente che siamo in pieno boom economico), il taglio
STEFANO concepire il «Festival», oltre 25 mila presenze sbagliato) ma spesso si indovina: da questo ai fondi. (...)
MASTRUZZI in soli 17 giorni, durante i quali ha proposto documento pubblico emerge che a 26 teatri di
EDITORE spettacoli e concerti ad ingresso libero gravando tradizione per il 2010 vanno quasi 15 milioni di  CONTINUA NELLA PAGINA JAZZ&BLUES
 JAZZ
& blues L’EDITORIALE DI STEFANO MASTRUZZI Il paradosso di
Zenone Achille non raggiunge mai la tartaruga, così come il 95% dei
a cura di ROSSELLA GAUDENZI
musicisti non raggiungerà mai il minimo contributivo per la pensione
 CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA > ZENONE E LA TARTARUGA
L’EDITORIALE Simone Cristicchi al Festival
di Villa Carpegna «Odio l’Estate»
(...)M
a se i fondi vengono tagliati ogni anno, a quanto diavolo ammonta-
vano venti anni fa, prima cioè di venti anni di tagli? Doveva essere
una cifra astronomica allora, ma non è che per questo motivo
vent’anni fa ci pagassero di più. È chiaro che in siffatto presunto continuo dimez-
zarsi dei fondi disponibili si incappa nel paradosso di Zenone, quindi Achille non
raggiunge mai la tartaruga, così come il 95 per cento dei musicisti non raggiun-
gerà mai il minimo contributivo per la pensione dell’Enpals.
Coincidenza vuole che tutti (quasi tutti, per carità) i patron dei Festival più rino-
mati vivano in case sontuose; evidentemente mi viene da pensare che, visto che
a loro detta i fondi sono sempre stati pochi e per giunta dimezzati progressiva-
mente, fossero già tutti benestanti prima di intraprendere l’attività; ma guarda
quanti bravi mecenati, gli amici della musica appunto.
Ora è nell’aria un radicale cambio di direzione alla Casa del Jazz, un’istituzione
culturale di recente costituzione che, dopo 5 anni di corretta ed equilibrata con-
duzione da parte di Luciano Linzi, sembra ormai prossima a un avvicendamen-
to nel direttivo. C’è solo da sperare in una scelta oculata, non dettata da esigen-
ze interne troppo italiane, ma funzionali alla natura della struttura. La Casa del
Jazz ha avuto un travaglio controverso; prima ancora della sua effettiva nascita,
si parlava molto fra addetti ai lavori. Inizialmente sembrava dovesse avere fina-
lità didattico-formativa, ma com’era prevedibile ha toccato i nervi scoperti delle
numerose scuole di musica pubbliche e private; poi si parlò di sala concerti sta-
bile e i jazz-club di Roma insorsero; infine etichetta discografica, sala di regi-
strazione, sala prove e molto altro.
Finché non fu chiaro che la costituenda istituzione pubblica non avrebbe dovu-
to mai sovrapporsi all’attività di strutture operanti da anni sul territorio, sia per-
ché non ve n’era bisogno, sia perché, nella nicchia del mercato del jazz, si
sarebbe andati a sottrarre agli operatori culturali esistenti molte preziose risor-
se delle già poche disponibili. Sin dalla sua apertura al pubblico del 2005, la
Casa del Jazz trovò una propria collocazione, equidistante. Ma dovrà perseve-
rare lungo questa direzione e intensificare anche il fine divulgativo di questa
meravigliosa struttura. Un luogo di incontro per famiglie e neofiti che possano
in tal modo avvicinarsi e lasciarsi trasportare nel magico mondo del jazz. Un
punto di ritrovo per studiosi e appassionati, un centro culturale documentale
dove trovare informazioni, riviste, dischi, registrazioni, video e quant’altro
possa documentare la storia del jazz, con un particolare focus sul jazz italiano.
Ecco, questo potrebbe essere lo scopo da raggiungere nei prossimi cinque anni.
Certo, per instradare la Casa del Jazz su questo binario, servirà una persona di
provato spessore culturale, in grado di discernere fra un geniale assolo e un bic-
chiere di vino. Ma soprattutto giovane, perché no, appena trentenne, con idee
fresche, voglia di rischiare, entusiasmo per fare non per potere, coraggio di
osare e non di vivere di rendita, più sperimentazione meno pensioni.
Le micce della rivoluzione vengono appicciate da menti giovani brillanti, illu-
minate, con una bella pietra focaia tutta da sfregare, senza bisogno di viagra.
Purtroppo nel panorama romano (e ben si fece a scegliere un giovane direttore
di Milano) esistono operatori del settore per tutti i gusti, dall’intellettuale radi-
cal be-bop al peracottaro, dal giornalista curioso al bifolco ammanicato, dal
musicista colto al traffichino cafoncello.
Per comprendere il valore del prossimo direttore sarà sufficiente moltiplicare
l’età del prescelto per il numero di case in suo possesso, sottrarre gli anni che
gli mancano alla pensione e aggiungere il numero di appoggi politici di cui
gode. Qualora il risultato risultasse superiore agli universitari centodieci deci-
mi, non vorrà affatto significare che lui o lei meriti la lode, ma che abbiamo
perso un’occasione.
In tal caso, fare finta di niente e sottrarre il numero che si è pensato.
Stefano Mastruzzi
RADIO PARCO DELLA MUSICA L’Auditorium si dota di
una web radio ufficiale con aggiornamenti costanti sugli even-
ti del giorno, rubriche di approfondimento, anticipazioni. Tutto.
RADIO
PARCO
DELL A
MUSICA
Nasce Radio Parco della Musica, un palinsesto in evoluzione; una web radio soggetta a stimoli con-
tinui, dalla programmazione calibrata fatta di contenuti indipendenti accanto a contenuti legati
all’Auditorium. Con veri e propri gioiellini di cultura musicale, l’intervista fatta ad Herbie Hancock
ad esempio: non si può rimanere indifferente dinanzi a una vera e propria leggenda del jazz.
vere le idee chiare e di qualità. Ecco che in questo
A modo una partenza diventa un’ottima partenza per
far bene e, nel caso specifico, far bene una web
radio nuova di zecca -o quasi, con i suoi sette mesi di
vita-, la PdM web radio, ossia Radio Parco della Musica.
Gli eccellenti risultati sono la summa del contributo di
quattro personalità diversificate e con varie competenze:
Duccio Pasqua, Filippo e Vanni Trentalance, Valentina
Farinaccio. I fratelli Trentalance hanno al loro arco, gio-
cando con le parole, una ragguardevole esperienza come
compositori e musicisti: Filippo alla chitarra e Vanni al
piano hanno dato la propria impronta al gruppo
Caraserena, vincitore del premio Musicultura, che ha
all’attivo l’album Ricordarsi di annaffiare (Parco della
Musica Records, 2008). Duccio Pasqua e Valentina
Farinaccio sono i giornalisti esperti, i maghi della parola:
conduttore di Notturno Italiano di Radio Rai ed esperto di
musica e spettacolo per Il Giornale Duccio, giornalista,
critico musicale e scrittrice Valentina (tra gli autori del
libro-intervista La Sindrome di Bollani > v. Music in 13,
Beyond). Un rimescolamento delle carte e si riescono ad
avere punti di vista differenti.
È Duccio Pasqua a parlarci dell’ideazione e realizza-
zione di quest’impresa.
Il progetto è nato in maniera autonoma, svincolato
dall’Auditorium Parco della Musica, in virtù dell’amore
per la radio e di un confronto critico con altre strutture
europee. Abbiamo realizzato vari demo per capire quali
informazioni potessero essere poi elaborate e mandate in
onda. Il processo è stato un po’ lungo, l’idea è però pia-
ciuta sin dall’inizio e si è trattato quindi di adattarla alla
causa. Fondamentale per la buona riuscita e professiona-
lità dell’opera è, a mio avviso, l’esserci scelti, se così si
può dire, per metà giornalisti e per metà musicisti.
Come si struttura il palinsesto?
Potrei definirlo un palinsesto in evoluzione; non biso-
gna dimenticare che la PdM web radio è neo-nata, sog-
getta dunque a stimoli continui; un palinsesto calibrato,
composto da contenuti indipendenti accanto a contenuti
legati all’Auditorium. Iniziamo con «Lo strillo quotidia-
no», promemoria degli eventi del giorno che viene ripro-
posto ciclicamente; mentre la trasmissione «A piedi nudi
sul palco» illustra la programmazione settimanale
dell’Auditorium, con approfondimenti e interviste ad arti-
sti e pubblico.
L’idea di fondo, il filo conduttore del nostro operato è
quella di andare a fondo, di saper spiegare il perché una
determinata scelta musicale sia bella senza essere dida-
scalici bensì leggeri.
Lavoriamo con molto materiale di archivio. Lo scorso
luglio ha avuto una programmazione particolare, in virtù
del consueto appuntamento con «Luglio suona bene»: la
trasmissione Monografia ha dato ampio spazio ai musi-
cisti della rassegna.
Music In  NUMERO 15 > Autunno 2010
a cura di Rossella Gaudenzi
Quanto spazio viene dato alla musica jazz da Radio
Parco della Musica?
Premesso che buona parte della programmazione stan-
dard dell’Auditorium è programmazione di musica jazz,
Radio Parco della Musica non può essere da meno, deve
mantenersi all’altezza delle aspettative. Cito «Torna a
casa Jazzy!», programma dal titolo spassoso che consiste
in interviste della durata di trenta minuti ai maggiori jaz-
zisti italiani, da Stefano Bollani a Enrico Pieranunzi, da
Fabio Zeppetella a Maurizio Giammarco e così via; un
appuntamento monografico con approfondimenti sui
musicisti e domande specifiche. In più molti riferimenti
alla loro formazione.
Esiste il «programma preferito» di Duccio Pasqua?
Esiste ed è «Il mio giradischi». Si tratta di un program-
ma nato da una chiacchierata con Christian Meyer, talen-
tuoso batterista appassionato di jazz noto soprattutto per
far parte del gruppo Elio e Le Storie Tese. Christian
lamentava il fatto che non ci fosse alla radio una trasmis-
sione che trattasse le passioni musicali degli artisti. È
nato così un programma in cui gli ospiti portano i propri
dischi preferiti dando spiegazioni articolate sul perché
siano i loro dischi preferiti. Si fanno scoperte interessan-
ti: ad esempio che Max Gazzè ha una grande passione per
Frank Zappa, i Weather Report, Franco Battiato. Oserei
dire che questo è anche un buon modo per «umanizzare»
il musicista, avvicinarlo all’ascoltatore.
Credi si possa parlare anche di un programma pre-
diletto dagli ascoltatori?
Posso affermare che abbiamo ideato un momento al
quale gli ascoltatori sono molto affezionati, quello del
Quizzorium, «pillole» della durata di un minuto, che gira
in continuazione: grazie a quesiti sugli artisti in cartello-
ne o sui programmi radiofonici vengono messi in palio
biglietti per i concerti dell’Auditorium.
Partendo dal gradimento del pubblico quale bilancio
si può fare su questi pochi mesi di vita della web radio?
Il gradimento è notevole e in crescita. Durante i primi
giorni di programmazione sono usciti molti articoli al
riguardo; la gente ha iniziato a scriverci e continua a farlo
comunicandoci un forte entusiasmo per la programmazio-
ne. E c’è un dato importantissimo da considerare: l’ascolto
medio di una web-radio è di pochi minuti. La nostra media
di ascolto sfiora le quattro ore. Il nostro pubblico fa inoltre
ampio utilizzo di Facebook, il mezzo più comodo per gli
aggiornamenti e il contatto con gli ascoltatori.
Qual è stato il momento più suggestivo dalla nascita
della PdM web radio ad oggi?
L’intervista fatta ad Herbie Hancock. Non puoi rimane-
re indifferente dinanzi a una vera e propria leggenda del
jazz. Riuscire ad intervistarlo ha rappresentato un succes-
so personale enorme. E al tempo stesso un incitamento
per fare di più e meglio. Come si suol dire: siamo conten-
ti, ma non ci accontentiamo. ■
Music In  NUMERO 15 > Autunno 2010
RECENSIONE «Il Jazz in Italia» Per viaggiare nei luoghi più sperduti del jazz con una guida esper-
ta, il giornalista Adriano Mazzoletti, che accompagna lo sprovveduto dalle origini alle grandi orchestre
(volume 1) e dallo swing agli anni Sessanta (volume 2) su una jeep che è una «turbatio sanguinis».
LA LONELY
PLANET
DEL JAZZ di Paolo Romano
I
viaggiatori occasionali e non, si saranno imbattuti
certamente nelle guide Lonely Planet EDT che
accompagnano con dovizia di particolari anche il più
sprovveduto in giro per gli angoli remoti del pianeta. Con
lo stesso spirito l’editore torinese propone il secondo volu-
me di una guida assai particolare, ma non meno utile – per
gli appassionati – di un tour per il Punjab o per la Terra del
Fuoco: «Il Jazz in Italia» di Adriano Mazzoletti, due
tomi per un ragguardevole totale di 1632 pagine che ci
accompagnano, come da sottotitolo, «dallo swing agli
anni Sessanta», e che proseguono lo studio pubblicato nel
2004 «dalle origini alle grandi orchestre».
La ponderosità dell’opera è tale da far inizialmente sor-
ridere il recensore sconfortato (con sincerità si rammarica
di non poter millantare la lettura completa dei tomi) di
fronte ad essa e che da subito pensa: roba da feticisti al più
spacciabile per biblioteche, conservatori ed istituti musica-
li in aria di accessioni per il lungo freddo inverno. Poi si
inizia a sfogliare l’indice analitico, dettagliatissimo e per-
fetto per muoversi dentro il libro, l’indice dei nomi curatis-
simo ed una discografia talmente ampia da perderci gli
occhi, una discografia che comprende tutto quanto è stato
registrato in trent’anni ivi comprese «registrazioni su filo,
nastro, dischi privati a pronta resa (lacche, acetati), lp fuori
commercio, o stampati o mai messi in circolazione, e cd a
tiratura limitata».
E il viaggio, dicevamo, può iniziare. Il mio parte dall’in-
dice dei nomi e mi succede quello che di solito capita di
fronte a un atlante geografico, si trova uno spicchio di
terra, ci si incuriosisce, si inizia a saltare da una parte
all’altra dell’emisfero con collegamenti e fili d’Arianna
tutti personali ed eccoci dentro un viaggio virtuale meravi-
glioso, un mare nel quale ci è dolce naufragare.
Cerco subito un po’ di amici o di musicisti conosciuti per
verificarne il «trattamento». Parto con Marcello Rosa, salto
ad Amedeo Tommasi, porgo il mio omaggio a Franco
Cerri, bazzico qua e là per trovare echi di Eddie Lang e
m’accorgo che il libro, come dire, «c’è».
È questo e molto altro, perché la carta geografica che si
va delineando non è solo quella dello studioso e del critico
del jazz (figura pure onnipresente nelle pagine del Jazz in
Italia) che ha perso gli occhi a spulciare biblioteche ed
emeroteche e l’udito alle disconastroteche di Stato e non
(più «non»). La cartografia la sta mappando un viaggiato-
re vero, un uomo che ha accompagnato e raccontato gior-
no dopo giorno con passione e intelligenza quello che di
straordinario stava accadendo in Italia sul versante del jazz,
una musica della quale Mazzoletti con una punta di patrio
orgoglio tricolore rivendica all’Italia - se non proprio la
paternità - almeno il forte sospetto che senza gli italiani, e
non solo emigrati, la musica afroamericana avrebbe avuto
un cammino più difficile. Insomma, come dicevano gli
antichi una «turbatio sanguinis», un rimescolamento gene-
tico che se da un lato è l’essenza del jazz tout court, dall’al-
tro ci dovrebbe garantire un posto in Paradiso tra i suoi fon-
datori.
D’altro canto, Adriano Mazzoletti, genovese d’origine e
romano d’adozione, da più di cinquant’anni segue come
giornalista presso le più prestigiose testate nazionali di carta
stampata, radio e televisione le vicissitudini di una musica
straordinaria, che è certo non vada spiegata ma che è altret-
tamento certo che vada conosciuta e che necessiti, per la sua
diffusione, anche di un apparato di informazioni che -
l’abbiamo detto - Mazzoletti sicuramente non risparmia.
Questi due tomi, insomma, si vanno ad affiancare - per
prossimità - ad un’altra opera di straordinaria importanza e
con un impianto piuttosto simile che è il Jazz di Gunther
Schuller (e qui non si ha davvero bisogno di presentazio-
ni), guarda caso sempre edita da EDT, specializzata si vede
nel non farci perdere in nessun luogo. Ma Il Jazz in Italia
ha, a nostro giudizio, un valore aggiunto rispetto anche al
Totem delle storie del jazz di Schuller.
Vale a dire, una filigrana che s’addipana con discrezione
e precisione insieme sulle vicende storiche, politiche e
sociali del nostro Belpaese. E così, tra le pagine musicali a
suon di sincopi, Mazzoletti, quando con nostalgia, quando
con il rigore del compilatore e del critico, racconta la sto-
ria di un paese povero ma orgoglioso dopo la catastrofe del
ventennio e della guerra, combatte - neanche tanto velata-
mente - le astruse teorie della Scuola di Francoforte
(Adorno su tutti) sul jazz come musica per eccellenza di
regime, il nazista compreso, e ripercorre le tappe della rico-
struzione fino agli anni del boom da «dentro» le case della
gente, per così dire.
Questi tomi raccontano un’Italia ancora non raccontata,
i programmi artistici dei Caffè di Trieste, le balere di
Alessandria dove Dino Piana iniziò a farsi conoscere,
l’Orchestra di Ritmi Moderni di Francesco Ferrari dove -
scopriamo -f u brevettata una particolare sordina triangola-
re per tromba per ottenere sonorità differenti (ah, l’italo
ingegno!). E così una storia d’Italia diversa si inizia a
sovrapporre alla prima mappa geografica colorandola non
tanto di date e luoghi, ma della immensa e straordinaria
umanità di quanti quelle date e quei luoghi li hanno vissu-
ti, da musicisti e da gente comune, da abruzzesi emigrati e
da aristocratici lombardi, da braccianti calabri e dalla
nuova borghesia piemontese.
Anche questo è il motivo per cui tra i nostri libri non
dovrebbe mancare il Jazz di Adriano Mazzoletti, perché
una sera qualunque potremmo voler di ritrovarci imbar-
cati in una navigazione straordinaria e con mille destina-
zioni possibili.
JAZZ
& blues
CIURI CIURI JAZZ Quando un piano a coda strabocca di limo-
ni e arance, è con evidenza la Sicilia jazz di Santi Scarcella
ARANCE
di Rossella Gaudenzi
orniamo a parlare dell’amore della Sicilia per il jazz: i risultati
T migliori sembrano venir fuori ogni qualvolta ci sia una contamina-
zione tra il jazz e i suoni della terra siciliana. Il nome scelto, di volta
in volta, per i vari progetti, è significativo: quando un piano a coda
strabocca di limoni e arance, è la volta di «Ciuri Ciuri Jazz», che ci
mette a contatto con il rumoroso e variopinto universo del pianista e
compositore Santi Scarcella. Il musicista studia alla Milano Civica
Scuola di Musica e nel 2004 elabora un progetto musicale, a parti-
re dalla sua tesi di laurea, che possa dar voce ai suoni della sua isola.
Nasce così un brano, Lentu e Sciurandido, sull’uguaglianza tra i popo-
li (sciurandido è un fonema inventato, sta a significare «tutti uguali»),
un lavoro legato all’immediatezza delle varie esperienze di vita.
Santi si allontana inoltre dal pop approfondendo una nuova esigen-
za di scrittura, senza rinunciare alla canzone e trovando la risposta
in Modugno, Trovajoli, Gershwin. La regola numero uno è rimanere
ancorati alle radici culturali, così può prendere vita un brano come
Cu jè?, in cui si ripropongono i suoni strettamente familiari,
un’espressione cara al nonno più i suoni del mercato sotto casa:
«…rricotta frisca…».
Nei brani rientrano i suoni veri, sono parte integrante della compo-
sizione, dell’arrangiamento; così ci ha insegnato un eccelso maestro
come Ennio Morricone nelle colonne sonore dei film di Leone o di
Tornatore. Dietro la volontà di scrivere un progetto di «jazz siciliano»
c’è la necessità di trovare un titolo accattivante: il risultato del lavoro
è una commedia musicale che narra le vicende di Sam, giovane pia-
nista siciliano emigrato in America. Egli scopre che tanti italiani, e
meglio, siciliani, hanno dato un enorme contributo alla genesi del
primo jazz: Nick La Rocca, Frank Sinatra, Beniamino Buonomo alias
Bennie Goodman, e molti altri. È un’America che va ringraziata per
aver dato a molti emigrati la possibilità di trovarsi a New Orleans e
infondervi la propria cultura. Sam, interpretato da Santi, affermerà:
«Non posso fare jazz, debbo fare ciuri ciuri jazz…».
Il genere della commedia musicale è nato per caso. Come perso-
naggi in cerca di autore, i brani hanno a poco a poco trovato una sto-
ria, una sceneggiatura, fino a creare un lavoro della durata di quasi
due ore. L’autore ha lavorato con Marisa Laurito per oltre due anni,
scoprendo il piacere per il teatro e prediligendo progetti che commi-
stionino le arti. La commedia è orchestrata in maniera originale, si
improvvisa con la zampogna, con il «friscalettu», o flauto di canna,
con il «marranzanu», o scacciapensieri. Tutto per rendere appieno
quella celebre «vucciria» che trae origine dalla latina «vox» in cui si
racchiude l’anima della terra di Sicilia.
La band è soggetta a cambi continui, e cambi continui ci saranno
in futuro. Apportatore di stabilità per il gruppo, che ha aderito al pro-
getto sin dagli inizi, è senza dubbio il batterista messicano Israel
Varela; al basso e contrabbasso il raffinato Maurizio Rolli; Pietro
Cerruto alla zampogna, che sa imprimere colori forti alle esecuzioni.
Inoltre: Gian Piero Lo Piccolo al sax, Massimo Guerra alla tromba e
flicorno, Giovanni Smiroldo alla fisarmonica.
Una chicca: sul palco, sprazzi di didattica per il pubblico.
■
 ROCK
OFF
a cura di FLAVIO FABBRI
 CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA > SAMARKLAND
SAMARKLAND
HOTEL
Una suonata funebre per salutare un’era: quella della rivoluzione hippy e del
Rock & Roll, eletto da milioni di giovani in tutto il mondo a linguaggio universale
di protesta e autodeterminazione culturale. Un modo di intendere la musica e la
vita che andava oltre il bisogno di fare soldi e che però, di lì a poco, avrebbe
lasciato inesorabilmente il posto al grande business e ai professionisti del palco.
(...)
Afroamericano da parte di padre
e indiano cherokee da parte di
madre, Jimi mostrava se stesso
al pubblico come il classico
capellone istrionico, estroso,
vestito in maniera stravagante e in perfetto stile
hipster. Ogni sua esibizione live o disco dato
alle stampe aveva sempre il solito effetto di far
letteralmente impazzire milioni di giovani, gra-
zie alle vibrazioni elettriche della sua leggenda-
ria Fender Stratocaster. In questo modo sono
state allevate schiere di chitarristi a lui devoti,
guadagnandosi nel 1992 un posto nella Rock
and Roll Hall of Fame e nel 2003, sul Rolling
Stone Magazine, il titolo di più grande chitarri-
sta di tutti i tempi.
In occasione di questo quarantesimo anniver-
sario dalla morte sono state preannunciate sor-
prese discografiche senza precedenti. Così,
dopo Valleys of Neptun uscito quest’anno, ecco
presentarsi al grande pubblico le nuove versio-
ni di Jimi Hendrix: blues, Live at Woodstock,
Jimi Hendrix BBC sessions, quest’ultimo con
una versione finora inedita di Burning of the
midnight lamp, e l’EP natalizio Merry
Christmas & A Happy New Year.
È stata la stessa Fondazione Hendrix a darne
notizia lo scorso agosto, assicurando a breve
nuove chicche per gli appassionati del chitarrista
di Seattle, come il DVD con le apparizioni di
Jimi alla BBC ed una cover di Sunshine of your
love dei Cream, che sarà contenuta nel quadru-
plo cofanetto West Coast Seattle boy, già consi-
derato dai fan un gioiello da collezionisti. Per
finire, la Experience Hendrix LLC e la Legacy
Recordings hanno annunciato la seconda ondata
di ristampe del monumentale 2010 Jimi Hendrix
Catalog Project, disponibile dal 18 ottobre. Un
lato questo, per così dire, più commerciale del-
l’industria Hendrix, di cui i famigliari curano
gelosamente l’aspetto artistico ed economico, in
cui si inserisce bene l’Experience Hendrix 2010
Tribute Tour dello scorso marzo, che ha visto la
partecipazione di musicisti di massimo livello
come il celebre Billy Cox (bassista di Hendrix
fin dai tempi dei Gypsys), Kenny Wayne
JIMI HENDRIX Quarant’anni dopo Noi facciamo della musi- cazione in grado di ricreare il muro
ca libera, dura, che picchi forte sull’Anima in modo da aprirla
di FLAVIO FABBRI
Sheperd, Ernie Isley, Jonny Lang, Hubert
Sumlin, Eric Johnson, Joe Satriani, Los Lobos,
Living Colour e Doyle Bramhall II. Visto poi
che per metà Jimi era un Cherokee, su iniziativa
della sorella, molti dei suoi oggetti personali
sono finiti allo Smithsonian’s National Museum
of the American Indian. Sorta di reliquie artisti-
che e non, tra cui anche una delle sue giacche
preferite e altri oggetti in pelle.
Proprio la giacca sarà il pezzo forte di una
mostra intitolata «Up Where We Belong:
Native Musicians in Popular Culture», come si
legge nel sito ufficiale dedicato all’artista
(Jimihendrix.com), che esamina l’influenza dei
nativi americani sulla musica contemporanea
nell’ultimo secolo. Numerosi cimeli appartenu-
ti all’artista americano sono stati messi all’asta
a partire da gennaio 2010, tra cui le sue chitar-
re (alcune mezze carbonizzate dal celebre fuoco
‘divinatorio’ di Hendrix), plettri, cartoline auto-
grafate e molto altro.
A giugno si è poi tenuto l’Isle of Wight
Festival, a quarant’anni esatti dall’esibizione
del rocker americano sul palco del festival bri-
tannico, che fu l’ultimo grande evento a cui par-
tecipò prima della sua morte. A ricordarlo è
stato l’ex Beatles Paul McCartney che, salito
sul palco, ha intonato Purple Haze davanti a
decine di migliaia di fan in delirio. Anche nel-
l’estate del 2009 si è ricordata la famosa esibi-
zione di Jimi Hendrix in chiusura del Festival di
Woodstock del 1969, performance divenuta un
vero e proprio simbolo per un’epoca che pian
piano volgeva al termine.
L’immagine di Hendrix che suonava l’inno
nazionale americano in modo provocatoriamente
distorto, quasi un dissacrante lamento rauco, altro
non è stata che una suonata funebre per salutare
un’era, quella della rivoluzione hippy e del
Rock&Roll, eletto da milioni di giovani in tutto il
mondo come linguaggio universale di protesta e
autodeterminazione culturale. Un modo di inten-
dere la musica e la vita che andava oltre il biso-
gno di fare soldi e che però, di lì a poco, avrebbe
lasciato inesorabilmente il posto al grande busi-
ness e ai professionisti del palco. ■ motociclisti capeggiata da un giovane e immor-
BRMC Nelle chitarre una stratifi-
sonoro del rock. E delle moto
ARNALDS
A PIOGGIA
Un esempio di come la musica strumentale di estrazione classica possa, con strumenti
rock, avvicinare il panorama della musica alta a quello sterminato delle sonorità più pop
opo una fugace apparizione nel 2008,
D torna in Italia il giovanissimo composito-
re e pianista islandese Ólafur Arnalds per
presentare il suo ultimo album. Nato nel 1987 a
Mosfellsbaer, nei dintorni di Reykjavik, ha
ottenuto la ribalta internazionale accompagnan-
do in tour nel 2008 i più famosi Sigur Rós, gua-
dagnandosi così il rispetto dei critici e l’affetto
di sempre più numerosi fan in ogni parte del
mondo. La sua musica spazia dalla classica alla
minimalista, dall’elettronica all’indie/pop, il
che lo accosta di continuo ad artisti di diverse
estrazioni, dai citati Sigur Rós a Balmorhea, da
Jóhann Jóhannsson a Max Richter.
Un esempio, questo di Arnalds, di come la
musica strumentale di estrazione classica, gra-
zie all’utilizzo dell’elettronica e di strumenti
tipicamente rock, possa avvicinare il panorama
della musica alta a quello sterminato e spesso
sorprendente delle sonorità più pop. Una
miscellanea originale, accattivante e facile
all’ascolto, in cui le note di pianoforte intense e
cadenzate si muovono in armonia con l’essen-
zialità cruda del post-rock di qualche anno fa,
frutto di intense collaborazioni a livello interna-
zionale, tra cui quelle con il principe dell’elet-
tronica Aphex Twin, i compaesani Amiina e la
MOTOCICLETTE RIBELLI
Una banda di motoci-
clisti ribelli disturba
una gara entrando
nel circuito, mentre
uno dei membri ruba
il secondo premio - un
trofeo - e lo dà al pro-
prio capo, Johnny
(Marlon Brando).
Così nascono i BRMC
di Flavio Fabbri
L
e radici musicali in una band sono fonda-
mentali e i Black Rebel Motorcycle Club,
o BRMC, hanno mantenuto fede alle leg-
gendarie origini del loro nome, la banda di
tale Marlon Brando ne Il selvaggio di Làszlò
Benedek del 1954. Ribelli senza una causa,
ovviamente, ma la loro musica mantiene tutta la
vitalità e l’energia degli inizi, noise e shoegaze
per intenderci. Perché sono proprio le chitarre a
cifrare i Black Rebel Motorcycle Club, al seco-
lo Peter Hayes, Robert Levon e Leah Shapiro
(che ha preso il posto di Nick Jago), con una
stratificazione sonora che nei loro live è in
grado di ricreare quel famoso muro sonoro che
tanto manda in visibilio il pubblico dagli
occhiali scuri, il giacchetto di pelle nero e gli
stivali vissuti.
Certo, nel tempo le cose sono un po’ cambia-
te e album storici del gruppo come Black Rebel
Motorcycle Club (2001) e Take Them On, On
Your Own (2003) sono molto diversi dalle loro
ultime produzioni, tra cui il recentissimo Beat
the Devil’s Tattoo, del marzo 2010. Sesto lavoro
in studio per la rock band di San Francisco, che
molti amano definire ‘in nero’, soprattutto per le
melodie cupe e assolutamente tenebrose, in cui
Music In  NUMERO 15 > Autunno 2010
ÒLAFUR ARNALDS
E sono fuggiti dal peso
dell’oscurità
band heavy metal tedesca Heaven Shall Burn.
È del 2007 il suo primo lavoro autoprodotto,
Eulogy for Evolution, a cui sono seguiti gli EP
Variations of Static del 2008, Found Songs e
Dyad 1909 del 2009, fino all’uscita ad aprile
2010 del nuovo ed intenso ...And They Have
Escaped the Weight of Darkness, prodotto dalla
britannica Erased Tapes. Un disco ricco di
sonorità neo-classiche e indie rock, dove per
quaranta minuti a farla da padrone è la speri-
mentazione polistrumentale, dalla nostalgica
Thu-ert-solin alla struggente e malinconica
Undan hulu, per un incrocio leggero di archi,
violini, pianoforte, batteria e glitch elettronici.
Titoli incomprensibili per emozioni universa-
li di delicata composizione, in cui si sente
l’alternarsi delle stagioni, il battere della piog-
gia e il colore vivido delle note autunnali. Di
questo si nutre la musica di Arnalds e i suoi
concerti in Italia costituiscono tre occasioni
uniche per godere dal vivo delle esecuzioni e
delle atmosfere tipiche della tradizione musica-
le islandese, di cui molti ormai sono gli artisti
noti a livello mondiale. (Flavio Fabbri)
6 novembre > Milano, Casa 139; 7 novem-
bre > Terracina (Latina), Le Scalette; 8
novembre > Roma, Circolo degli Artisti.
il suono shoegazer è sempre presente, grazie
anche alla new entry alla batteria di Leah. Ci
sono le solite sovraincisioni ritmiche, i riff
ossessivi, le linee musicali che si intrecciano
nevroticamente alle classiche voci multiple,
praticamente il cuore dei BRMC in queste 13
tracce è salvo, seppur privo di un messaggio
preciso. O meglio, altro non è che sempre lo
stesso modo di fare e proporre musica, sicura-
mente di qualità, ma senza slanci o sferzate
sonore coraggiose che mettono un po’ di pepe
ad un disco.
In molti avevano criticato il periodo intimista
e più ermetico del mediano Howl (2005), in cui
sulla parete del rock duro e puro si era aperta
una crepa blues e folk, attenuando il rumore e
lasciando fare all’acustica, ma certamente è
stato un segno di vitalità di Hayes e compagni,
che il loro pubblico non ha disdegnato in manie-
ra assoluta. Oggi i Black Rebel Motorcycle
Club hanno deciso di tornare sui propri passi e
in fondo ci si può stare, con una nuova stagione
di distorsioni e affondi in oscuri paesaggi sono-
ri e a tratti psichedelici.
27 novembre > Roncade (TV), New Age; 28
novembre > Firenze, Viper Theatre; 29
novembre > Torino, Hiroshima Mon Amour.
Music In  NUMERO 15 > Autunno 2010
GRINDERMAN Una vena inesauribile di violenza assolutamente impolitica in cui si dissa- MOGWAY Il nome deriva dai Gremlins, perché
cra religione, Stato, guerra e lo stesso concetto di sesso; la selvaggia rappresentazione della «abbiamo sempre voluto cercare un nome migliore, ma
società contemporanea, troppo spesso tra indifferenza e scanzonata superficialità. Numero due. come per molte altre cose non ci siamo mai riusciti».
GRINDERMAN2 Ossia cosa voglion dire sesso, morte e nevrosi postmoderne
accontare il mondo con la musica si può
R ancora fare e il rock, quando genuino, è la
via maestra per dare spazio a rivelazioni
intime e spesso scomode. A volte si tratta
solo di far divertire un pubblico variegato
in cerca di intrattenimento, ma in alcuni casi a
parlare sono emozioni difficili da mandare giù. I
Grinderman, col loro garage-indie-rock, hanno
scelto questa seconda strada, lungo sonorità
crude, dirette, mai scontate e il loro secondo
album, Grinderman 2 (Mute Records), non
lascia dubbi sul significato ultimo del progetto.
A distanza di tre anni esatti dal primo lavoro
omonimo, i Grinderman - nati nel 2006 come
variante interna del Bad Seeds - non cambiano
formazione e il principe nero della musica
australiana, Nick Cave, vede ancora al suo fian-
co Martyn Casey, Warren Ellis e Jim Sclavunos,
per un nuovo e intenso lavoro a base di sesso,
morte e nevrosi postmoderne. Un mondo che
non gira nel verso giusto e che va mostrato,
attraverso brani difficili come When My Baby
Comes, definita ingiustamente dai critici «uno
spudorato inno alla misoginia», o Mickey
Mouse and the Goodbye Man, dedicata alle ori-
gini di ogni radicalismo politico e religioso.
Nessun compromesso ma rock vero, cattivo se
necessario, che colpisce tra humour nero, belle
donne e accenni sinistri alla fine del mondo.
Una vena inesauribile di violenza assoluta-
mente impolitica, da cui è nato lo stesso videclip
di presentazione del primo singolo estratto da
Grinderman 2, Heathen Child, diretto dal regista
australiano John Hillcoat (al cinema con l’oscuro
The road), in cui si dissacra religione, Stato,
guerra e lo stesso concetto di sesso. Una selvag-
gia rappresentazione della società contempora-
di Flavio
Fabbri
nea, troppo spesso tra indifferenza e scanzonata
superficialità, che trova un’ulteriore trasposizio-
ne in Super Heathen Child, dove brilla come un
rubino la chitarra magnetica di Robert Fripp.
Rimanendo in tema di visioni estreme e cupi
tramonti tipici del nostro tempo, dopo la felice
partecipazione di Nick Cave (assieme a Warren
Allis) nella composizione del tema sonoro dello
spietato The road, nuove e sorprendenti fatiche
cinematografiche attendono il cantante austra-
liano, a partire dal Pinocchio nero di Guillermo
del Toro e nella nuova versione di Faust, diret-
to da Gìsli Orn Gardarsson. In aggiunta, lo
scorso luglio, il regista Stephen Norrington e la
Relativity Media hanno annunciato le mani di
Cave anche nella sceneggiatura del remake del
Corvo. Un secondo lavoro poco pubblicizzato
per il leader dei Bad Seeds, questo di sceneg-
giatore, che già ha dato ottimi risultati come nel
caso del western australiano The Proposition e
Ghosts Of The Civil Dead, entrambi sempre
dell’amico-regista Hillcoat. ■ Aitchison, Martin Bulloch e John Cummings -
TURBAMENTO MOGWAY
ono istintivi, emozionali, drammaticamente
S romantici e in perenne turbamento creativo.
11 dischi pubblicati (4 raccolte e 7 registra-
zioni in studio) e diversi EP pubblicati. Lo scor-
so 24 agosto i Mogway hanno dato alle stampe
il loro primo cd live, Special Moves, compren-
sivo di un dvd con alcune delle più suggestive
esibizioni dal vivo tenute negli Usa durante il
2009. Ma la band capitanata dal duo Stuart
Braithwaite e Dominic Aitchison non ha finito
di sorprendere, e l’annuncio tra i denti del loro
ottavo disco in studio ne è la riprova. È stato
Braithwaite a dare la notizia in occasione di
un’intervista rilasciata al magazine britannico
SpinnerMusic. Il chitarrista ha annunciato la
probabile uscita del nuovo album per febbraio
2011, in concomitanza con un tour britannico.
Per l’occasione tornerà a lavorare con la band
il batterista Paul Savage, già presente nel disco
di debutto Young Team del 1997: altra caratteri-
stica dei Mogwai è proprio il continuo andiri-
vieni dei suoi elementi che, oltre ai componen-
ti della prima ora - Stuart Braithwaite, Dominic
spesso si avvalgono dei contributi indispensabi-
li di Barry Burns e Brendan O’Hare. Motivo
ROCK
OFF
per cui le sonorità della band di Glasgow non
sono facilmente rintracciabili nella tradizione
rock anglosassone o americana, in quanto ric-
che di spunti personali sempre nuovi e venate
costantemente da mood malinconici, psichede-
lici, irrequieti ed estremamente genuini, in
grado di aggiungere sempre qualcosa di nuovo
alle loro composizioni.
Nei lunghi pezzi strumentali, quasi mai
accompagnati da voce, si ritrovano con facilità
echi ritmici di gruppi storici degli anni Novanta,
come Slint, Tortoise, My Bloody Valentine, o
addirittura Sonic Youth, per i frequenti cambi di
battuta e le abbondanti digressioni rabbiose nel
punk-noise. Corde nobili che hanno influenzato
a loro volta altre band di rilievo dei primi anni
2000, tra cui Godspeed You! Black Emperor,
Mono, Explosion in the Sky, Red Sparrows e
tanti altri. Comunque, a parte le similitudini, i
Mogwai sono ormai un marchio di garanzia e
ogni loro composizione è riconoscibile tra
mille, perché fedeli alle origini, consolidate da
ben 15 anni di lavoro, e allo stesso tempo aper-
ti a nuove esperienze e contaminazioni prove-
nienti soprattutto dalle loro frequenti collabora-
zioni professionali. (Flavio Fabbri) ■
 BEYOND
&further
Music In  NUMERO 15 > Autunno 2010

DIANA TEJERA Intervista alla cantautrice italo-spagnola Tiziano Ferro le chiese un

a cura di ROMINA CIUFFA autografo: ecco come nacque il sodalizio che ha portato a «E fuori è buio» e «Scivoli di TGSHOW+MUSICINVIDEO
nuovo». Ma lei è molto altro: le Pink, i Plastico, la Spagna, l’Italia, il Brasile. La caccia. L’unione fa la musica.

 CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA > DEADIANA a cura di ROMINA CIUFFA

DEA DIANA
Figlia di psicologi, per questo riflessiva e tesa all’analisi. I suoi testi mostrano un’intensa emotività e la costante speri-
mentazione della profondità, per quanto temibile. Una dea della caccia, impavida nello scrutare dentro di sé come ad
indagare una selva in cui dimorano gli animali selvatici e pericolosi che descrive ed affronta, dando a ciascuno dignità.
Nella stregoneria, la dea Diana separò la luce dall’oscurità e, talmente bella, Lucifero la inghiottì: così nacque l’alba.

Videoreportage
w w w. y o u t u b e . c o m / m u s i c i n c h a n n e l
noforte. Pezzi anche in spagnolo, le prime serate nei locali
romani e al Cantiniere, gli studi di canto con Fulvio Tomaino e
Antonella De Grossi e, nel 1997, quelli di composizione al CET
di Mogol, che la sceglie personalmente tra tutti gli allievi per
formare i «Fiori d’Acqua Dolce» e realizzare un inedito firma-
to Battisti-Mogol, Il paradiso non è qui. Non lì, ma vicino.
Ho pubblicato il primo disco a 19 anni. Eravamo le Pink, un
duo di chitarriste e un disco molto giovane, ma soprattutto libero,
come noi, che non avevamo in mente lo schema «canzone» cui poi
ci si abitua. Ero andata in America a dipingere un murales quan-
do mi chiamarono: un’etichetta, la Mad Production, aveva ricevu-
to la nostra cassetta, un demo da garage, e ci voleva conoscere.
Non ci sembrava possibile a tal punto che taluni del gruppo
abbandonarono il progetto. Rimanemmo Irene ed io. Facevo la
grafica pubblicitaria ma ero totalmente imersa nel mio percorso
da cantautrice. Fu come prendere un treno: quel disco ci portò un
grande riscontro di critica e a noi si interessarono altre case
discografiche. Presto firmammo con la Universo e il gruppo si
estese - con un bassista e un batterista - ma dovemmo cambiare
nome anche perché era uscita Pink, la cantante americana.
La metaformosi delle Pink in Plastico. Kafkiana.
Con i Plastico abbiamo fatto vari dischi: Dubbi inerti fu il singo-
lo tratto da Sixtematicamente, di cui scrissi tutti i brani; poi fu la
volta di Sensibile al tatto, da cui fu estratta Strani sintomi con la
quale partecipammo al Festival di San Marino nel 2000, vincendo-
lo. Abbiamo realizzato video meravigliosi e partecipato a molte
tournée, oltre ad aprire tutti i concerti dei Lunapop nel 2001.
Poi Sanremo 2002 con Fruscio, tratto da Incontri casuali.
Dal Festival di Sanremo siamo usciti alla prima serata e ci
siamo posizionati circa al decimo posto. Ne ero orgogliosa, perché
grazie alla quale ci rincontrammo in giro, in una festa di piazza.
Lì mi chiese l’autografo. Sembra surreale, ma è andata così. Era
la prima volta che cantava in pubblico. Dopo un mese la sua can-
zone era ovunque Ci siamo incontrati spesso per promozione ed è
nata un’amicizia, che è cresciuta nel tempo, insieme alla nostra
collaborazione. Una volta mi chiese di raggiungerlo in Messico e
scrivere con lui un pezzo per Enrique Iglesias. Mi fece il biglietto
aereo nonostante avessi paura di volare, e gli dissi: ma non pos-
siamo scriverla a Latina? Non abbiamo più composto per Iglesias,
in compenso è nata E fuori è buio da una mia base armonica.
Una giostra. Un parco giochi per cantanti. E uno «scivolo».
A Scivoli di nuovo tengo molto. Costituice la mia seconda col-
laborazione con Tiziano, che se n’era innamorato e ha contribui-
to a completarla. È un brano che sento dentro e sono felice che,
grazie a lui, abbia avuto la possibilità di arrivare a molti. Perché
è nata pensando a un’amica, e perché credo che quest’amica fosse
una parte di me che ritrovavo in lei: la chiusura, la paura di espri-
mersi, un giudizio severo su se stessa. Uno scivolare, il cadere,
l’insicurezza che mi faceva rabbia. La volevo spronare, volevo
dirle: «Guarda, hai un mondo meraviglioso dentro». Che sentivo
soffocato. Ho toccato qualcosa che era in me: l’ho scritta di getto.
Oggi, la versione di Diana. Sotto l’egida della SunnyBit,
nuova etichetta del Gruppo Editoriale Bideri guidato da Silvia
Villevieille Bideri. La mia versione non nasce solo nei termini
di un confronto tra Diana autrice e Diana cantautrice.
È passato molto tempo da quando ho terminato il disco, e molti
pezzi erano già stati scritti e arrangiati in miliardi di modi con
vari produttori artistici, senza trovar mai pace. Questo disco con-
tiene «la mia versione» di canzoni che hanno avuto percorsi diver-
si, strani, sono cresciute con me e divenute quello che forse io sono

(...)
Infine interno giorno, poca luce, io nel suo apparta-
mento. E dalle casse del Mac esce di nuovo quella
voce. «Mi ricorda un gruppo che ascoltavo a 20
anni». Accenno quel motivo (per conoscere un po’ te svuoterei
tutta la mente) con un dubbio (inerte: dove avrò messo quel cd?)
spezzato dalla sua voce fuoricampo. «Diana», fa lei. Le Pink,
faccio io. «Diana, appunto». Diana Tejera.
Ho iniziato a pensare alla musica del tutto istintivamente. A 8
anni impazzivo di gioia quando andavo a lezione a scuola. Una
volta, giocando a nascondino a una festa di compleanno di un
amico, mi nascosi nella camera del fratello grande, che aveva una
tastiera. Dimenticai il gioco e la festa, e a casa chiesi ai miei di
comprarmene una e di iscrivermi a pianoforte. Cominciai a crea-
re delle sinfonie, le chiamavo io, in realtà erano delle composizio-
ni abbastanza irregolari, ma creative. A 13 anni ho aggiunto le
parole e sono andata avanti. Non lo so spiegare, la musica è venu-
ta. Ed è stato necessario.
Un padre andaluso spiega come riesca Diana a dare
l’impressione di essere diversa dagli altri, nel toccare la chitarra.
Avere qualcosa in più, un ritmo, una modalità. Il Dna delle corde.
Ho scelto la chitarra per questioni di comodità. Metà della mia
famiglia è in Spagna, e vi trascorrevo tutte le vacanze. Poiché il
pianoforte non poteva essere spostato, rimanevo mesi interi senza
poterlo suonare. Ero ossessionata e soffrivo; durante i falò scoprii
la chitarra e capii che, se Maometto non andava alla montagna,
la montagna sarebbe andata a Maometto. E iniziai a studiarla.
Eccolo, Maometto. Nella sua Trastevere ha tenuto il pia-
tutti i musicisti non capiti sul palco di Sanremo sono diventati
grandi musicisti. Già a 12 anni dicevo: «Quando andrò a
Sanremo mi vestirò così»; e una volta lì, la moda era cambiata. La
considero una vetrina importantissima, anche per esser vista fuori
dall’Italia, ma un’esperienza difficile da descrivere, che appare
molto più di quanto poi, in effetti, lasci: una settimana molto forte,
la settimana dopo il nulla. Se si ha un progetto molto grande alle
spalle ha un senso, altrimenti lascia il tempo che trova.
C’è, praticamente, una filmografia «plastica».
I nostri videoclip erano innovativi per l’epoca anche grazie a un
regista, Gaetano Morbioli, appassionato a «Fight Club» tanto da
fare un video, quello per Paranoia, ispirato al film. Ho scritto per-
sonalmente la sceneggiatura di Strani sintomi, girato da Lorenzo
Vignolo, di cui vado molto orgogliosa. I Plastico si sono sciolti nel
2003 ed ho continuato a scrivere come Diana Tejera.
La dea Diana era amante della solitudine e nemica dei ban-
chetti. Solita aggirarsi in luoghi isolati.
Da solista ho avuto un percorso molto lungo: il disco è arriva-
to solo adesso, nel 2010; nel mezzo, tantissime collaborazioni ed
esperienze, il corso di fonia al Saint Louis College of Music, il
lavoro su colonne sonore (fra le altre La vida es un Carnaval,
L’ultimo passo, Il male assoluto), Tiziano Ferro. Con cui sono sali-
ta sul palco del Palalottomatica a cantare E fuori è buio, entrata
nella casa del Grande Fratello a suonare, andata in Messico.
Toccare Ferro. Scaramanzia.
Ho conosciuto Tiziano nel 2000, quando ero con i Plastico in
giro a fare promozione e lui, che era lo speaker di una radio di
Latina, mi fece un’intervista. Poco dopo presentò la sua Perdono,
ora. Le ho arrangiate con Simone De Filippis, Flavio Pasquetto,
Pietro Casadei, giocando e sperimentando, senza l’ansia di dover
finire entro un certo tempo e non accontentandosi mai.
Il primo estratto, Degni di esistere, è un urlo, l’esplosione di
una consapevolezza, l’annientamento dinnanzi a una mente
irrisolta e la presa di coscienza che il disgusto richiama, mec-
canismo di difesa salvifico. Ma una vita no è la naturale prose-
cuzione di quella stessa crescita, musicale ed affettiva. Diana.
Ci sono 8 anni di vita e di intime considerazioni, incentrate sul
mondo interiore. Sono molto interessata ai rapporti interperso-
nali: sarà perché sono figlia di due psicologi che ho la tendenza
ad analizzare profondamente tutto ciò che accade. C’è molto di
questo e una grande riflessione, giocosa quando sono più legge-
ra, cruda quando sono più appesantita dalla vita, pur sempre
utile. La musica è una terapia: come le mie canzoni hanno aiu-
tato me, possono aiutare altri in determinati momenti.
Grande autrice molte unioni. Sino a parlare di un’unione
particolare - la sindrome di Stoccolma - in Black Out, bijoux
che nasce dal sodalizio con la grande amica Barbara Eramo.
Adoro le collaborazioni perché sono un arricchimento unico.
Con Barbara Eramo suono spesso dal vivo e sto realizzando un
disco per un progetto autofinanziato; ho scritto testi per Marco
Fabi e Valeria Rossi, nel mio album è contenuto un pezzo,
Sogno imperfetto, scritto insieme ad Alessandro Orlando
Graziano e già nel 2006 selezionato al MEI dalla Edel per la
compilation I-ndipendente. E una sfida internazionale:
l’America e il Brasile di Chiara Civello.
La dea Diana era una cacciatrice. E dall’abile mira. ■

usic In Video si allea con il TgShow, il
M primo telegiornale d’informazione su arte,
eventi, spettacoli, e tutto ciò che riguarda
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Music In  NUMERO 15 > Autunno 2010
CHELSEA DOCK Bambina prodigio perché la sua più
grande sfida è capire se non ha altre sfide oltre il pianoforte
ENFANT PRODIGE CHELSEA DOCK BERE
MELISSA CIARAMELLA
DAL GUSCIO DI UNA LUMACA
Il prodigio emerge,
nel bambino,
per innato talento.
Ma non è tutto. Esso
dev’esser compreso:
dagli altri e da se stessi,
attraverso un personale
investimento. Totale,
energetico, emotivo.
Chelsea Dock a 5 anni
si esibiva a New York
perché due genitori
vollero comprenderla
fino in fondo, senza
ostilità. E l’hanno
lasciata «divenire».
a cura di Romina Ciuffa
P
rodigio è un bambino che, avendo un’età
non superiore ai 13 anni, ottenga risultati
del livello di un adulto molto preparato in
un campo che richieda un impegno significati-
vo. Esperti camerieri rammentano le ordinazio-
ni di una ventina di avventori, ma le loro presta-
zioni non superano quelle ordinarie in un test di
riconoscimento di numeri-sequenze; mentre un
soggetto mai eccelso in matematica può impara-
re da sé algoritmi e trucchi per il calcolo velo-
ce. La scansione PET ha rivelato che tale indivi-
duo usa, per questi computi, aree specifiche del
cervello connesse alla memoria visuale e spazia-
le e all’elaborazione di immagini mentali, inclu-
so il settore collegato al «conto con le dita» pra-
ticato dai bambini, forse usato nella sua mente
per collegare i numeri alla corteccia visiva.
Non è solo l’uso corretto del cervello a rende-
re prodige un enfant: il talento prodigioso tende
a librarsi come conseguenza di un dono innato,
ma esso va stimolato dall’ambiente in cui vive,
da un personale investimento energetico ed emo-
tivo, dai tratti caratteriali specifici. L’ambiente è
fondamentale: László Polgár educò le figlie in
modo che divenissero valide giocatrici di scac-
chi, e tutte e tre hanno raggiunto primati a livel-
lo mondiale, anche nell’insegnamento.
Il genitore è, allora, tra i talenti di questi talen-
tuosi, in grado di dirigere le energie di un figlio
verso il prodigio: Warren Dock è la fortuna di
sua figlia Chelsea, quindicenne di Brooklyn.
Che iniziò a suonare a 4 anni. E per la prima
volta si esibì - presso il Brooklyn Conservatory
of Music - a 5 anni.
Ricordi il primo giorno in cui hai toccato
un pianoforte?
No, perché avevo circa un anno.
In che modo la tua famiglia si è resa conto
del tuo talento? I miei fratelli studiavano pia-
noforte al Brooklyn Conservatory of Music ed
io a 4 anni rifacevo ad orecchio i brani che veni-
vano loro assegnati, così fui subito mandata a
prendere lezioni dalla stessa insegnante, che mi
ha tenuto per 10 anni. I miei genitori capirono
che il mio era un dono e che era la cosa giusta
da fare. Senza di loro non sarei arrivata qui.
Credi che saresti mai potuta divenire
«qualcos’altro»? Una cantante.
Conduci una vita normale?
Sì: vivo con i miei fratelli, vado regolarmente
a scuola, frequento gli amici che avevo anche
prima di iniziare la mia carriera pianistica.
Qualcosa avrai sacrificato per diventare
una pianista. Cosa? Il mio tempo e tutte le altre
attività, compreso lo sport. Volevo provare
danza, nuoto, ginnastica, ma richiedono allena-
mento. Gli anni passati sopra il pianoforte non
possono essere riutilizzati per la ginnastica.
Sei una brava studentessa. Hai talento
anche negli altri campi?
Sì, sono una studentessa di livello A e lo sono
sempre stata. Ma non so ancora dire quali siano
altri campi in cui possa eccellere, perché tra-
scorro troppo tempo su una cosa sola.
Cos’è per te vincere una gara pianistica? È
più importante che suonare di per sé?
Mi piace vincere per quella sensazione che ne
MELISSA CIARAMELLA Contro la balbuzie, bere
costantemente dell’acqua dal guscio di una lumaca per il resto
della propria vita. Oppure prendersi un palco e cantare
vien fuori, ma non mi preoccuperei se non
potessi più partecipare a gare perché ciò che a
me piace fare è suonare. Sono stata 4 anni senza
gareggiare e non ho avuto alcun problema.
Quali sono le tue sfide più grandi? Ho sem-
pre preso il tutto in maniera rilassata. Ma mi
sacrifico per mantenere un livello di eccellenza.
Probabilmente la mia maggiore sfida sta pro-
prio nel decidere se voglio fare qualcosa di
diverso nella mia vita oltre alla musica, dopo
essere stata rilegata in questo campo da sempre.
Ci sono sempre piccole sfide, poi, per
un’adolescente, ed una è sicuramente quella di
convincere mio padre a insegnarmi a guidare.
Puoi descrivere cos’è per te la musica?
È tutto. Non l’ascolto, l’avverto.
Sai leggere la musica come la suoni?
Assolutamente no. Sto ancora lavorando molto
sulla lettura: ho sempre imparato ad orecchio e
con grande velocità, per cui non ho mai trascor-
so tempo a leggere. Ma mi piacerebbe farlo come
mia madre.
La tua prima esibizione l’hai fatta a 5 anni,
al Brooklyn Conservatory of Music. Dove hai
trovato la sicurezza per suonare in pubblico?
L’ho sempre avuta, prima ancora di poterlo
ricordare. Credo sia «parte del pacchetto», un
dono naturale che ho ricevuto.
Ti sei esibita al Madison Square Garden
con i più grandi nomi del panorama musica-
le: cosa hai provato?
Un’emozione incredibile. La prima volta lì fu
la prima volta in assoluto. Il MSG era vuoto ed
immenso. Ogni volta che mi invitano a suonare,
mi emoziono.
Come trascorri le tue giornate?
Mi piace la tv, Facebook, i giochi e i videogio-
chi, la scuola, l’arte, il bowling, la pesca e usci-
re con la mia famiglia e i miei amici.
Quanti siete in famiglia?
Ho un fratello più grande, Michael, e tre sorelle,
Ashley, Michelle e Christa, che è più piccola di me.
Come concili il lavoro con la scuola?
Non è un problema: ho saltato solo qualche
giorno a scuola ma niente di grave.
Chi della tua famiglia fa musica?
Mia madre suona il piano e sa leggere la
musica senza alcun problema. Tutti i miei fratel-
li hanno studiato pianoforte ma hanno smesso.
Mio fratello sa suonare qualcuno dei pezzi
imparati 10 anni fa. Mio padre legge le note
molto bene e mi indica quando sbaglio o se
tengo male il tempo. Ma non sa suonare.
Com’è avere un padre-manager?
Lui si occupa di tutto e si accerta che nessu-
no si approfitti di me. Non è difficile averlo
come manager perché so che cura il mio interes-
se, e non mi forza mai a fare ciò che non voglio
fare. Vuole sempre essere sicuro che io sia pron-
ta prima di un’esibizione, soprattutto in tv.
Non senti mai di essere imprigionata in due
personaggi insieme, nella tua vita?
Mi accadeva, ma ora non più tanto spesso.
Che genere di musica preferisci?
La musica ha un tale significato per me che è
più «un mix». Ascolto R&B, Hip Hop, Pop, clas-
sica, del rap, non troppo spesso il jazz. ■ sima canzone d’amore. Nel singolo Nessuna
BEYOND
&further
Videoreportage
www.youtube.com/musicinchannel
B
ere costantemente dell’acqua dal guscio di
una lumaca per il resto della propria vita è
stato per secoli il rimedio per la balbuzie.
Se non funziona: colpire un balbuziente in faccia
quando il tempo è nuvoloso, tagliare la lingua
con le forbici, rimuovere la zeppa triangolare
nella parte posteriore della lingua, accorciare
l’ugola o tagliare i nervi e i muscoli del collo e
delle labbra. Le cause: permettere a un neonato
di guardarsi allo specchio; tagliare i capelli del
bambino prima che abbia pronunciato la sua
prima parola; avere una lingua troppo piccola.
L’opera del diavolo. Melissa Ciaramella ha
risolto senza ricorrere alle lumache: cantando.
Ho iniziato balbettando. Quando mi accorsi
che con la musica accadeva una magia capii:
questa è la mia strada. Fu un caso. Suonavo il
basso elettrico in un gruppo di cover dei Toto; a
me piacevano i Palastorius, i Police, Marcus
Miller, ma in Sicilia una donna non suonava quei
generi. Il cantante mi chiese di fare da corista e
fu allora che conobbi la mia voce. Una volta, sul
palco accadde un contrattempo, per cui dovetti
giocoforza intrattenere il pubblico: iniziai a par-
lare ininterrottamente senza balbettare, poi can-
tai. Quella sera era successo qualcosa.
Non colpita in faccia con tempo nuvoloso:
come lo spieghi?
Perché quando faccio musica sono io, con
tutte le mie paure e fragilità, e lì non balbetto.
Essere me stessa mi fa bene. Altrove, invece,
appaiono le infrastrutture, ed è come se mi
dovessi vestire della vita comune. E balbetto.
Dopo questa scoperta, cosa hai fatto?
Suonavo già uno strumento e cominciai a
cantare e formare gruppi di cover. Ho iniziato a
scrivere poi, a 15 anni. E a sperimentare le mie
canzoni per strada. Si guadagnava pure.
Un tuo pezzo, Mille Miglia, descrive un
viaggio. Quale? Il mio, via dalla Sicilia.
C’erano troppe cose da combattere a partire dal
fatto che ero una donna. Mi trasferii a Roma,
suonavo per strada. MilleMiglia rappresenta il
mio zaino, 30 mila lire e tanta paura addosso, il
mio «me ne vado», una scelta che rifarei e di cui
sono fiera.
Nessuna forma ingenua è il tuo primo ep,
del 2006. Cosa racconta?
È una raccolta di 5 brani, e comprende anche
Mille Miglia. Il primo, Compagna Paura, parla
di me e della balbuzie, con la considerazione che
usando la mia stessa paura come forza potevo
riuscire, proprio attraverso di essa, a fare ciò
che volevo. Un altro brano, Il copione prende in
giro gli uomini, il loro modo d’amare un po’ da
copione, ma tanti l’hanno presa come una bellis-
forma ingenua c’è chiunque, dopo una delusio-
ne, si ripromette di non amare più con la purez-
za e la sincerità delle prime volte. Al contrario di
quanto possa sembrare, è un inno all’amore e ad
amare con la forma ingenua.
Alda Merini scrisse: «L’unica radice che ho
mi fa male». Tu torni a te stessa spesso, e
soprattutto hai la terra in due brani: Le radi-
ci e La mia quercia. Cosa rappresentano?
a cura di
Romina
Ciuffa
Ed io ti porterò lontano: mille miglia.
Le radici dà il titolo al mio secondo ep. Volevo
tornare indietro e capire quali fossero. Questo
pezzo contiene un ricordo della prima elementa-
re, il primo giorno di scuola, quando andai pian-
gendo perché mia madre mi voleva accompa-
gnare. Avevo cartella e scarpe rosse, mi sentivo
un Dio e sognavo di diventare chissà chi.
Utopia. Mi rendo conto di esser diventata quello
che volevo, ma mi accorgo che tutto quello che
pensavo esistesse era solo nella mia mente, per-
ché c’è una grandissima ignoranza. Scrissi inve-
ce La mia quercia moltissimi anni fa pensando a
mio padre: per me questo brano rappresentava
la mia intimità, e la difficoltà è stata proprio
quella di sapermi mettere a nudo.
In Vanità e in Sottopressione esprimi senti-
menti molto forti. Da dove provengono?
Vanità, con la quale mi sono presentata a
SanremoLab, rappresenta la mia soglia di sop-
portazione, che fortunatamente sto imparando a
restringere: una persona molto «vanitosa» che
dovetti allontanare. Come disse Totò, ricordati
che il limite ha una pazienza; il mio è ancora
tropo alto, ma sta scendendo. Mi autocuro scri-
vendo. Sottopressione è l’espressione della rab-
bia - in autostrada un senso d’ansia forte - ed è
stata più per me stessa che per gli altri, ma è con
questo pezzo che ho scoperto che molti soffrono
d’ansia: mi hanno scritto in tantissimi.
Come ti definisci musicalmente?
Non una cantante pop. Il pop per me è quello
che fa Madonna, e non so se in Italia esiste, in
effetti. Non il mio. Sicuramente sono fatta di folk
e di country, cresciuta con un walkman che
riproduceva Tracy Chapman e Sting.
Collaborazioni?
Circa due anni fa con Silvia Arinci abbiamo
formato le «Cantautrici nel cassetto», un proget-
to che portava oltre a me sullo stesso palco
Micol Barsanti e Valeria Vaglio, e per un anno
abbiamo girato l’Italia. Ho collaborato anche in
seno ad una manifestazione per la balbuzie,
insieme a Niccolò Fabi e Simone Cristicchi.
Pochi cantautori si accontenterebbero di
essere solo autori. Per quello ci vuole una
grande dote: una fiducia in se stessi che vada
oltre l’esibizionismo, autostima. E tu ce l’hai.
I cantautori sono un po’ dei genitori: si fanno
i figli, e a un certo punto si lasciano andare. A
me piace immedesimarmi in un altro: è straordi-
nario che l’autore scriva un brano pensandolo in
un modo, e l’interprete lo faccia proprio. E uno
sfizio me lo vorrei passare: Fiorella Mannoia.
Progetti a breve termine? In cantiere ho il
prossimo disco, un album di almeno 10 brani
che è già pensato, molto studiato, non affidato a
sensazioni né al tema esclusivo dell’amore.
Suonare dove? Luogo di elezione è la strada.
Utilizzo il web, soprattutto Myspace, per comu-
nicare. Ma preferisco il canale più diretto e
vado da sempre in giro con la chitarra, una
modalità che si è persa. Tutti sognano il gran-
de palco, ma il palco sta comunque per strada,
che sia a un metro e mezzo o che sia per terra.
Se vuoi suonare suona, ciò che viene dopo è
una conseguenza di quello che sei e di quello
che trasmetti. Come al Buskers Festival di
Ferrara, cui ho partecipato di recente. La
verità di un’artista è quando la gente si ferma,
ti ascolta e non va via: in quel momento hai
comunicato qualcosa. Ed hai vinto. È come se
avessi sentito il ritorno alla musica del cuore,
anche senza microfono. ■
CLASSICA
MENTE
Music In  NUMERO 15 > Autunno 2010

MENTE ESOCONCERTO La musica è architet-

tura svolta, l’architettura è musica pietrifi-
NEUROLOGIA Il motivetto
STING Symphonicity Tour Torna e suona in chia- «A me mi torna in mente una
aa cura
cura di
di ROMINA CIUFFA
FLAVIO FABBRI
cata. Lo diceva più di un secolo fa Göethe. ve sinfonica i più celebri pezzi. Propri e dei Police canzone»: sì, ma da dove?
di ADRI

LA MUSICA È ARCHITETTURA SVOLTA

usica e architettura: due forme di comunicazio-
di Lorenzo Fiorillo
sizione musicale di Bosso per ritrasmetterla ai sensi dell’a-

M ne apparentemente distinte, ma che hanno una

matrice comune, fondata su armonia, equilibrio
e proporzione. La relazione tra architettura e
musica scopre le proprie origini agli albori della civiltà, lì
dove il progresso architettonico era strumento dell’esalta-
zione dell’arte e dove l’arte veniva espressa tramite lo stru-
mento della composizione musicale, oltre alle più note
forme di espressione quali pittura e scultura.
L’architettura si fonde con la musica nel suo essere mezzo
per coinvolgere, strumento per eccitare. Veicolo di emo-
zioni. L’architettura è, per definizione, comunicazione,
sintesi di tutte le arti. La musica coinvolge l’uomo e lo
introduce all’interno di dimensioni nuove tramite l’utilizzo
del ritmo veicolato all’interno del senso dell’udito; lo stes-
so fa l’architettura attraverso il senso della vista, nel tra-
smere modularità, ripetizione e simmetria, ossia ritmo. Si
ha quindi la sensazione di ascoltare il ritmo architettonico
osservando l’armonia della costruzione e di vedere il ritmo
musicale immaginando spazi in evoluzione, in continua
formazione, attraverso l’ascolto di una partitura musicale.
Ha analizzato il connubio fra architettura e musica l’Auditorium
di Spazio Thetis nell’ambito della Biennale di Architettura di
Venezia, dove si è svolto un incontro con il compositore Ezio
Bosso. L’artista - contrabbassista, compositore e direttore
d’orchestra nonché unico compositore classico italiano ad aver
ricevuto l’Italian Music Award - è protagonista insieme a
Philippe Daverio, Mario Botta, Alessandra Morra e Fortunato
D’Amico, della serata dal titolo Musica-Architettura-Cultura. La
manifestazione si è rivelata un’occasione per presentare il volu-
me Eso-Lo Spazio Architettonico della Composizione curato da
Alessandra Morra e Valeria Minucciani, un’analisi del concerto
per violino e orchestra del maestro Bosso eseguito all’interno
della Cattedrale Santo Stefano a Vienna.
Il concerto di Bosso - dal titolo Esoconcerto - traduce, attraverso
le alterazioni del valore delle note e delle pause, la partitura musi-
cale in movimento architettonico. Un’analisi eterogenea ed arti-
colata che si pone come traguardo l’interpretazione della compo-
scoltatore, in chiave architettonica. Il progetto nasce e si
evolve all’interno della manifestazione «Culture_Natur
green ethics-habitat-environment», in programma fino al
21 novembre, il cui intento è di integrare la multidiscipli-
narità di diversi settori artistici che apparentemente non
hanno relazioni tra loro, ma che ad un analisi più accurata
risultano invece sfiorarsi, inglobarsi, collaborare, risultano
essere parti della stessa arte, sfumature di un unico grande
chiaro scuro, legati da tanti sottili fili.
Che qui collegano l’intangibilità dell’espressione musicale
alla coerenza monumentale ed armonica dell’espressione
architettonica. Il progetto musicale di Bosso permette di
esplorare questi ambiti, anche tramite tecniche come
l’agogica. Spiegare l’architettura dissertando solo di architet-
tura è meramente accademico ed è un esercizio mentale fine
a se stesso. Lo stesso ragionamento è applicabile alla musica.
L’arte si riduce ad essere tecnicismo. Ma quando si riesce a
porre le due materie di fronte, allora si compie un passo in
avanti nell’evoluzione artistica; quando si analizza il ritmo e
le sue variazioni e li si mette in correlazione con la modularità di un
opera di architettura, si capisce che tra le due discipline artistiche vi
sono aree comuni all’interno delle quali è necessario muoversi atti-
vando i sensi. Non avendo timore di mixare.
Perciò l’architettura è musica per gli occhi, e la musica il mezzo
per immaginare la monumentalità di un’ouverture, gli spazi in
continuo mutamento di una partitura musicale.
La musica è architettura svolta, mentre l’architettura è musi-
ca pietrificata. Lo diceva più di un secolo fa Göethe. ■

Il progetto musicale di Ezio Bosso confronta ed esplora musica ed architettura anche tramite tecniche come l’agogica. E nasce dall’idea che spiegare l’architettu-
ra dissertando solo di architettura è meramente accademico ed è un esercizio mentale fine a se stesso. Così per la musica. L’arte si riduce ad essere tecnicismo.

STING - BACHI di Romina Ciuffa

OLOGY DA ORECCHIE
di Flavio Fabbri

Ama proporsi in chiave sinfonica. Per lui è come avere una nuova tavoletta di colo- Dei bachi nel cervello, che passano per le orecchie. Sono quei motivetti che restano in
ri musicali con cui lavorare e reinventare se stesso e i Police. E tornare a dipingere. mente: la presenza di un disturbo ossessivo o l’evitamento di un’angoscia sottostante?

D V
irettamente dagli Stati Uniti d’America
arriva in Italia la meteora Gordon
Matthew Thomas Sumner. Un oggetto
misterioso il cui nome certamente non
suggerisce niente di preciso, neanche ai
più eruditi e appassionati musicofili, a meno
che non lo si chiami col suo pseudonimo:
Sting. Proprio lui, la voce degli indimenticabi-
li Police, band che tra il 1977 e il 1984 ha ven-
duto la cifra stratosferica di 100 milioni di
dischi in tutto il mondo. Stavolta chiama a rac-
colta i suoi fan per presentare un’opera molto
particolare che, durante la scorsa estate, ha già
incantato le platee delle principali città Usa.
È il Symphonicity Tour, l’ultima fatica del-
l’artista di Newcastle suonata in chiave sinfo-
nica, che raggruppa alcune tra le più celebri
canzoni proprie e dei Police, riaprendo in qual-
che modo il mal digerito capitolo finale (mai
ufficializzato dal gruppo) che è stato
Synchronicity. Si va da Roxanne, a Every Little
Thing She Does Is Magic, da Every Breath You
Take a Englishman in New York, Fragile,
Russians. Un esperimento cominciato nel
2008, quando Sting è stato invitato ad esibirsi
con la Chicago Symphony Orchestra. In quel-
l’occasione il cantante inglese provò a riadatta-
re alcuni delle musiche che hanno fatto la for-
tuna dei Police in chiave sinfonica e il risulta-
to è stato così straordinario da spingere la
Philadelphia Orchestra ad invitarlo in pianta
stabile per le performance durante i giorni
della commemorazione del 153esimo anniver-
sario dell’Accademy of Music.
Di quella esperienza Sting ebbe dire: «Le
esibizioni con la Chicago Symphony Orchestra
e la Philadelphia Orchestra hanno rappresenta-
to entrambe momenti importantissimi della
mia carriera». Lasciando intendere che, se ci
fosse stata di nuovo la possibilità, avrebbe
sicuramente continuato con la sperimentazione
della musica classica applicata al pop-rock
degli anni Settanta-Ottanta del secolo scorso. E
siccome per certa gente i sogni non sono mai
desideri ma certezze, ecco arrivare una nuova
opportunità. Tra febbraio e marzo di quest’an-
no sono iniziate le prime sessioni con la britan-
nica Royal Philharmonic Concert Orchestra e
Sting, entusiasta di come i brani evolvevano in
una nuova versione, tornò a dire: «Sono felicis-
simo di questa ulteriore occasione di andare in
tour con la Royal Philharmonic Concert
Orchestra. Sarà come avere una nuova tavolet-
ta di colori musicali con cui lavorare e quindi
re-inventare le canzoni che hanno rappresenta-
to i miei concerti dal vivo per oltre trent’anni».
Nella fase di incisione dei brani, la voce sto-
rica dei Police è stata supportata dalle orche-
stre sinfoniche più celebrate degli ultimi anni.
Quindi, oltre la Royal Philharmonic Concert
Orchestra del maestro Steven Mercurio, con un
corpo di 50 elementi, si sono avvicendate nei
mesi la York Chamber Consort diretta da Rob
Mathes, i London Players e la New York
Chamber Consort di Lisa Kim. I live hanno poi
fatto il resto e non ha sorpreso nessuno
l’annuncio di maggio, fatto dall’etichetta tede-
sca Deutsche Grammophon, che il tour di
Symphonicity sarebbe divenuto anche un
disco, uscito a luglio con il titolo di
Symphonicities.
Una prova che ha toccato molto di più
l’artista britannico che l’Orchestra di Londra
che, al contrario, ha già accompagnato diversi
artisti di fama mondiale, tra cui nomi illustri
della musica lirica come Andrea Bocelli, Bryn
Terfel, Renée Fleming, Kiri Te Kanawa e il
defunto Luciano Pavarotti, ma anche icone
della cultura pop come Burt Bacharach,
George Benson, Michel Legrand, Diana Krall,
Tina Turner e Randy Newman. Per le data di
Roma del 10 novembre, nella Sala Santa
Cecilia dell’Auditorium Parco della Musica,
Sting sarà accompagnato da un quartetto com-
posto da Dominic Miller (chitarrista di Sting
da lungo tempo), David Cossin (specialista in
diverse percussioni in campo di musica speri-
mentale, oltre che membro della Bang on a
Can All-Stars), Jo Lawry (voce) e Ira Coleman
(basso). ■ in maniera diversa gli individui, ma che tutti
ermi. Puri e semplici vermi. Nel nostro
cervello. Si manifestano come musica. Il
«motivo maledetto» ha qualcosa di diabo-
lico, quel ritornello, uno strano suono a
volte privo di senso od armonia che va ad
intaccare lo svolgimento naturale del pensiero,
sovrastandolo. Orgoglio dei pubblicitari, dei
musicisti orecchiabili, della canzonetta. Satana è
imprigionato nella mente nelle forme di una
melodia che si ripete compulsivamente. E non
dipende in alcun modo dal gusto musicale:
s’impossessa dell’inconscio anche un pezzo odio-
so. Per ore, un’intera giornata, i giorni a venire,
ad intermittenza. Cessa, ricomincia. È sufficiente
che qualcuno lo trasmetta anche solo accennan-
dolo: un contagio che può durare molto. Al pari di
una malattia. Con l’impossibilità, razionale od
irrazionale, di evitarla come non si evitano i pen-
sieri negativi.
Il motivo maledetto va collocato tra gli sti-
moli positivi o negativi della nostra mente?
Non sarà, piuttosto, un’ossessione?
Il British Journal of Psycology ha pubblicato i
risultati di una ricerca: qualsiasi tentativo messo
in atto per cancellare il motivo musicale è desti-
nato a rivelarsi un fallimento, anche rafforzando-
ne l’effetto. La strategia migliore da adottare:
rinunciare a combatterlo e attendere che passi in
maniera spontanea. Si tratta di una vera e propria
ossessione e come tale va considerata. I pensieri
ossessivi si caratterizzano per il fatto di essere
intrusivi e non possono essere eliminati da un
semplice controllo da parte della volontà.
In letteratura sono chiamati «earworms», i
bachi delle orecchie. Da dove vengono? Sono
isolati i casi in cui la scienza se n’è interessata. Il
neurologo Oliver Sacks aveva descritto alcune
forme di epilessia con queste caratteristiche,
dando al fenomeno il nome di «involuntary
musical imagery» (INMI). James Kellaris, pro-
fessore dell’Università di Cincinnati, ha mutuato
il termine «earworm» dal tedesco «Ohrwurm» e
gestisce un sito web sul fenomeno; i suoi studi
hanno dimostrato che gli earworms colpiscono
almeno una volta ne hanno provato gli effetti: il
98%. Gli earworms colpiscono parimenti uomi-
ni e donne, ma in queste ultime durano di più e
possono scatenare maggiore irritabilità. La
definizione di «musical imagery repetition»
(MIR) fu suggerita nel 2003 dal neuroscienzia-
to e pianista Sean Bennett. Esiste anche una
mostra di earworms presso l’Exploratorium di
San Francisco.
Gli psicologi inglesi Philip Beaman e Tim
Williams hanno intervistato più di 100 persone
tra passeggeri di un treno, studenti e visitatori di
un parco pubblico, e a 12 partecipanti hanno
chiesto di tenere un diario per 4 settimane.
Rilevando che i bachi non sarebbero più comuni
negli esperti di musica. L’intendimento degli
earworms come un’esperienza spiacevole, simi-
le a quella dei pensieri intrusivi tipici di un
disturbo ossessivo-compulsivo, non è conferma-
to: solo nel 33% dei casi i partecipanti descrive-
vano l’esperienza in modo negativo. A differen-
za dei pensieri ossessivi lo studio ha rilevato che
raramente nello stesso giorno compare più di un
earworm e molti sono già scomparsi il giorno
seguente. In un solo aspetto sono simili ai pen-
sieri intrusivi: nelle modalità che le persone met-
tono in atto per tentare di eliminarli. Proprio
come per le ossessioni, i partecipanti allo studio
hanno riportanto che la maggior parte delle stra-
tegie, come ad esempio tentare di pensare ad
un’altra canzone, finiscono per peggiorare la
situazione. Ossessiva, dunque, sarebbe la neces-
sità di eliminare il motivo dalla propria mente. I
due inglesi hanno anche studiato la durata di
questo fenomeno: circa 27 minuti quanto rileva-
to dai diari, diverse ore secondo il sondaggio.
Non è chiaro se esistano canzoni maggior-
mente predisposte a diventare earworms: un
fattore scatenante del fenomeno sembra essere
l’esposizione ad un motivo semplice e ripetiti-
vo. Nella foto qui sopra, l’immagine scatenante
uno degli earworms più comuni, tratto dalla
colonna sonora di Kill Bill 1. Un fischio diabo-
lico, praticamente un fischietto per bachi.
Buona fortuna. ■
Music In  NUMERO 15 > Autunno 2010

COMPAGNIA CITTÀ DI EBLA La metamorfosi TANGO DE BURDEL, SALON Y

BALLET
Come la blatta è l’esoscheletro dello scarafaggio, CALLE Per il tango vale una legge unica, WINTER VARIATIONS
a cura di ROSSELLA GAUDENZI
involucro, per l’uomo, è la stanza da bagno. quella dei bordelli: comandano le gambe. L’inverno arriverà in punta.

A CURA DI ROSSELLA GAUDENZI

METAMORFOSI SURRISCALDATA
messa in scena dell’inquietudine, sul
LA finire dell’estate 2010, parla il linguag-
gio della compagnia «Città di Ebla»,
che, a settembre, ha aperto la V edi-
zione del Festival IPERCORPO-
Infinitamigrazione, a Forlì. L’idea non parte però
da nessuno dei componenti di Città di Ebla: né da
Claudio Angelini, il regista, né da Valentina
Bravetti ed Elisa Gandini, le performer, né da
Davide Fabbri, il musicista. Tutto nasce, potrem-
mo affermare, su commissione e su una richiesta
piuttosto pressante e precisa, dopo il successo del
precedente spettacolo, Pharmakos.
Inizialmente - spiega Claudio Angelini - la nostra
reazione è stata di titubanza, ma ne abbiamo poi trova-
to una chiave di lettura interessante e affascinante. E la
migliore risposta, molto confortante e positiva è stata
quella di pubblico e critica. Un continuo rimando
all’inquietudine e l’ossatura del racconto, questi i punti
di partenza per il nostro lavoro: fondamentale costrui-
re l’atmosfera aleggiante nel racconto e mantenere alto
il livello di inquietudine.
Lo spettacolo è impostato su due riflessioni, la prima
sullo spazio e la seconda sul corpo.
Ci riallacciamo in questo modo ad una questione per noi
imprescindibile, ossia il ricreare l’atmosfera kafkiana, in primis
un profondo senso di intimità: ecco che riaffiorano lo spazio e il
corpo, il rapporto con il dentro ed il fuori. Il luogo rappresentati-
vo dell’intimità lo abbiamo ritrovato nel bagno. Estremamente
importante per il nostro spettacolo è stato ricreare una stanza da
bagno interamente arredata e funzionante. Il bagno assurge a
necessità, si trasforma anch’esso in corazza. Procedendo per sim-
bologie rappresentative, come la blatta è l’esoscheletro dello sca-
rafaggio, involucro, per l’uomo, è la stanza da bagno. Il «fuori» è
rappresentato da un soggiorno con design minimale: poltrona,
entrata di casa e pochi arredi.
Alessandro Bedosti, il danzatore e interprete unico e solo
sulla scena, nel passaggio dal salotto al bagno mette in atto
la metamorfosi, muta letteralmente da uomo ad insetto.
In quale modo lo spettacolo La Metamorfosi è in linea
con Città di Ebla?
Città di Ebla si è trovata davanti a scelte importanti con que-
sto spettacolo: innanzitutto quella di chiarire la «zona perimetra-
le» di azione, nel senso archeologico del termine, ed il senso
archeologico ci rimanda all’essenza stessa di Città di Ebla.
Il nome è un omaggio alla grande civiltà proto-siriana, scoper-
ta nel 1968 da una spedizione italiana, che ha modificato le
iamo corpi in continua trasformazione, in un
«S divenire incessante, un’attività di composizio-
ne e scomposizione di forze, un flusso.
Sentirsi spaventati dalla propria disumanità, sentire il
proprio corpo che bolle come un’officina surriscalda-
ta. Divenire animale, coltivare la mosca, la blatta che
è in noi invece di inseguire le archetipiche figure
materne e paterne come la psicanalisi ci suggerisce.
Non c’è nulla di psicanalitico o simbolico in Kafka. Ci
sono corpi divenuti animali ora.» Claudio Angelini
conoscenze storiche in nostro possesso dell’area anato-
lico-mesopotamica, portando alla luce una grande
città-stato che già nel III millennio A.C. poteva vanta-
re importanti conoscenze nel campo della scrittura,
della struttura societaria, dell’utilizzo dei materiali,
dell’arte.
«Città» contiene sia la possibilità di contestualizzare
e chiarire i limiti, la cinta muraria del nostro operare,
sia di aprire le porte ad un confronto con il resto del ter-
ritorio, per noi necessariamente «barbaro».
Il danzatore Alessandro Bedosti ha un’attività auto-
noma: come formazione cito gli anni trascorsi con la
compagnia Abbondanza-Bertoni; sposa inoltre nel
tempo numerosi progetti.
Molto bello ed intenso l’incontro con lui, ha accetta-
to di dar vita a questo progetto e a questo personaggio.
Dal punto di vista della coreografia, Alessandro ha pro-
posto un lavoro molto dinamico, firmando anche il lavo-
ro sul movimento. Lo definirei un lavoro estetizzante,
di scavo su corpo e figura in cui l’improvvisazione ha
un ruolo fondamentale. C’è una perfetta simbiosi con
la parte sonora: i suoni sono scelti e suonati in scena. Dal di
fuori la struttura appare come congelata quando in realtà non è
così, lo spettacolo subisce aggiustamenti continui, mutazioni
direi.
Qual è il rapporto di Città di Ebla con la danza?
La formazione dei componenti della nostra compagnia è di tipo
tradizionale, non si può quindi parlare di danza in senso stretto.
Negli ultimi quattro anni ci siamo concentrati a fondo su spazio,
luce, suono, sulla resa in teatro di questi elementi diversamente
combinati. Un’importante premessa è che i corpi non parlano.
Insieme al Gruppo Nanou (v. Music In n. 11 > Ballet) mante-
niamo un «dibattito aperto» sulla questione della mescolanza
delle dimensioni. Spesso concentrarsi sul genere è riduttivo per
un artista. L’interesse va invece spostato sulla ricerca e la resa di
poeticità, e tutto ciò senza essere teatro-danza. Ma Alessandro
Bedosti, interprete de La Metamorfosi, è un danzatore.
La prossima tappa per Città di Ebla?
Percorrere questa strada che ci lega all’idea del racconto, pro-
seguire nella commistione. La nostra attenzione si è ora rivolta al
racconto di James Joyce I Morti. La scelta di autori europei del
‘900 di tale portata è impegnativa, la riuscita di ciò che viene rap-
presentato è totale ed eccelsa quando i racconti vengono fatti
«riverberare», germi di rilancio della rappresentazione.
Assolutamente necessaria la totale assenza della parola.
La compagnia Città di Ebla, con I Morti, sarà al
RomaEuropafestival 2010. ■

Vicoli sudici
degli orillas,
bordelli e la
più squallida
Buenos Aires.
orillas C
i siamo preparati all’inverno, tre anni orsono,
con il breve ed intenso Winter Voyage del
coreografo e danzatore israeliano Emanuel
Gat, interamente ballato su tre lieder di Franz
Schubert, proposto al RomaEuropafestival.
È ora tornato il tempo di indossar cappotti, sciarpe e
Bandoneòn. berretti e di godersi la nuova coreografia di Gat,
Giochi di Winter Variations, ai ritmi diversificati dei brani,
gambe per un interpretati da Dietrich Fischer-Dieskau, di Beatles,
desiderio Riad al Sunbati e Gustav Mahler. In scena nuova-
solo: quello mente Roy Assaf ed Emanuel Gat a duettare, con la
di ballare nota «telepatia fisica» come collante, che approfon-
dendo un lavoro quasi lasciato in sospeso, accenna-
to, giocano sui contrasti di stasi-movimento, luce-
di Roberta Mastruzzi oscurità, musica-silenzi. Coreografia creata su una

FREDDO
stretta intimità che necessita però di ampi e vuoti
spazi, al fine di amplificare la visibilità di azioni e
intenzioni. Da brividi.

N
ei vicoli più sudici degli «orillas» di
Buenos Aires, i quartieri dormitorio
nati per caso, dove gli emigranti
vivono addossati l’uno all’altro. Si leva un
canto malinconico. Siamo a metà
dell’Ottocento e nei bordelli si incrociano
passi che promettono di trascinare via lonta-
no dallo squallore, seguendo il ritmo e il
suono nostalgico del bandoneòn. Ogni musi-
ca porta con sé il desiderio di essere ballata,
ma quello che i primi improvvisati ballerini
non sanno è che quella danza diventerà nel
tempo il simbolo per eccellenza della sen-
sualità, pur essendo nata in un posto che ne
rappresenta l’esatto opposto.
Con il passare degli anni penetrerà con la
prepotenza di una passione nel cuore di
molti, arrivando fino ai salotti buoni della
società: è il tango. La sua successiva evolu-
zione in figure obbligate e passi codificati
non scalfirà mai le sue origini istintuali. Si
scrive tango, ma i sensi afferrano solo una
parola: passione.
Tango de Burdel, Salón y Calle è lo spettaco- Prepariamoci dunque all’inverno, s’è fatta ora.
lo che racconta la storia del ballo argentino 13 novembre, Roma, Auditorium della Conciliazione di Rossella Gaudenzi
attraverso i suoi stessi passi. A raccontarla
sarà l’etoile argentina Eleonora Cassano che
insieme ai più famosi tangueros della
Fundaciòn Julio Boca danzerà sulle note di
un’orchestra dal vivo, la China Cruel,
accompagnata dalla splendida voce della
cantante argentina Karina Levine.
Il racconto presenta le diverse direzioni in
cui il tango può esprimersi: da quello origi-
nario, nato appunto nei bordelli (Burdèl) e
sulle sponde del Rio de la Plata intorno al
1850 a quello di sala (Salòn) fino a quello di
strada (Calle). Cinque scene, differenti per
costumi ed intenzione, descrivono la nascita
e le evoluzioni del ballo che da più di 150
anni incanta gli occhi di chi lo guarda e rapi-
sce per sempre il cuore di chi si lascia avvol-
gere dal suo gioco di gambe, passi incrociati
e sguardi fieri in un eccitante trionfo dei
sensi e della passione.
2-7 novembre > Roma, Teatro Olimpico
 ALTER
NATIVE
Music In  NUMERO 15 > Autunno 2010

KAMIKAZE QUEENS Punk selvag- ARCADE FIRE Sono la dimostrazione di come, dal microcosmo
a cura di VALENTINA GIOSA gio, attitudine rock’n’roll e seducente DEVO Per caso noi indie, tramite il passaparola e l’hype che si crea attorno ad un nuovo
cabaret della Berlino di Weimar anni 20 non siamo uomini? disco si possa arrivare a raggiungere le vette delle classifiche.

REGINE
KAMIKAZE
B
& a cura di Valentina Giosa

erlino. I Kamikaze Queens sono un’esplosiva band berlinese che

mischia meravigliosamente punk selvaggio, attitudine rock’n’roll
e seducente cabaret che chiaramente richiama la Berlino di
Weimar degli anni Venti con un risultato che lascia immediatamente il
segno. Nico Lipps (ex Banda Veleno), Tex Morton (ex Mad Sin), Trinity,
Tom Schwoll e Luscious (ex Sin City Circus Ladies) e Mad Kate, tutti
provenienti da paesi diversi ed esperienze disparate, si sono incontrati
anni fa a Berlino, la «capitale della creatività», come ci racconta Nico,
batterista della band, italiano trasferitosi nella città tedesca dove ha avuto
la possibilità di portare avanti con successo tutti i suoi progetti musicali.
A guidare l’energetico crossover di teatro e musica della band, due leader
d’eccezione, le belle e sexy Trinity Tarantula e Mad Kate, vere e proprie
regine kamikaze nonché stupefacenti animali da palco. Parla Nico.
Da dove nasce il vostro nome?
Siamo una band che non fa compromessi e si butta a capofitto in ogni
situazione live, il palco è per noi il teatro dove si consuma la carneficina.
Basta vedere le nostre due cantanti Trinity Tarantula e Mad Kate dal vivo
per capire perché «kamikaze queens».
Voi tutti provenite da esperienze diverse (tu dai Banda Veleno, Tex
dai Mad Sin, Trinity, Tom e Luscious dai Sin City Circus Ladies).
Come vi siete incontrati e come è nato il progetto?
Viviamo tutti da anni a Berlino, una grande metropoli creativa, anche
se l’unico tedesco è Tex Morton. Ci conoscevamo già da tempo perché
avevamo già collaborato in altri progetti; poi, dopo lo scioglimento dei
Sin City Circus, Ladyes Lloyd e Trinity hanno deciso di creare un’altra
band e hanno chiesto a me di suonare la batteria, a Tex la chitarra e a
Mad Kate di cantare.
Un mix selvaggio di punk, rockabilly e cabaret. Come definiresti il
vostro suono e chi e cosa vi ispira?
Il nostro suono non è altro che l’insieme delle nostre cinque personalità
e esperienze musicali. Ognuno di noi apporta la sua influenza con grande
libertà e ne esce quel crossover di generi che caratterizza i KQ.
Esplosivo è anche il vostro look, in bilico fra punk e revival anni
Cinquanta. Dove trovate i vostri vestiti?
Anche questo è frutto del nostro gusto personale. All’inizio delle desi-
gner berlinesi avevano ideato i costumi per Trinity e Kate, ma una volta
dopo un concerto i costumi sono stati rubati. Dopo questo episodio ci
siamo sempre occupati personalmente del nostro look. Ma non solo a
causa del furto: è qualcosa di naturale per noi «diventare» i KQ sul palco,
l’elemento trasformista fa parte del nostro carattere.
Inusuale e molto d’impatto la scelta di due leader femminili,
entrambe con una presenza scenica molto forte. Com’è nata l’idea?
Volevamo aggiungere una componente Cabaret e Burlesque al tutto e
con due front girl del calibro di Trinity e Mad Kate possiamo contare su
uno show teatrale incredibile, senza mai dimenticare il fattore musicale.
Con due vocalist possiamo inoltre spaziare di più e avere più «power».
Trinity e Kate hanno due timbri vocali molto differenti per cui è interes-
sante vedere come i pezzi sono diversi a seconda di chi li canta.
Avete suonato in passato da spalla agli Eagles of Death Metal. Come
vi siete incontrati?
La Booking Agency che si occupava del loro tour in Germania ci ha
chiesto se volevamo suonare con loro, e ovviamente abbiamo accettato. È
stato uno dei nostri tour più divertenti, gli EODM sono ottimi musicisti ma
anche persone con cui si sta bene. Abbiamo suonato anche con i Queens
of the Stone Age, che fanno parte della stessa «famiglia».
Dopo le date in Germania finlamente di nuovo in Italia a novembre.
Per me è sempre un piacere tornare in Italia e mostrare le nostre bellez-
ze alla mia band. Naturalmente parlo a loro anche della nostra disastro-
sa situazione politica. Penso in ogni caso che sia uno scambio culturale
importantissimo per ravvivare la scena musicale e artistica italiana.
Prossimi progetti?
Stiamo lavorando alla registrazione del nostro prossimo album, realiz-
zeremo un singolo con due brani anche in Italia e una regista ci ha propo-
sto di partecipare in una scena del suo film su gli anni Venti a Berlino;
faremo anche un video per uno dei nostri nuovi pezzi. C’è tanto da fare.
18 novembre > Roma, Micca Club; 19 novembre > Pesaro, Fuzz; 20
novembre > Brescia, Vinile 45. ■

DI VALENTINA GIOSA
ARCADE DI EUGENIO VICEDOMINI

della loro stessa teoria de-evolutiva e

non furono capaci di rinnovarsi o forse
vennero superati dagli stessi gruppi che
li avevano presi come modello. Dopo
vent’anni da quel lontano 1990 che
FIRE
Pensando alla parabola e alla coerenza artistica
aveva visto la rottura ufficiale della degli Arcade Fire, non si può fare a meno di
band, ecco invece che i Devo realizza-
no un nuovo album, forse il migliore paragonarli ai Radiohead. Se stessi fino in fondo.

sin dai tempi di Oh No, It’s Devo
(1982).
Chiunque abbia amato i Devo duran-
te gli anni d’oro non potrà non apprez-
zare Something For Everybody (uscito
in Italia lo scorso 15 giugno per la
Warner). Il lungo e attesissimo album,
annunciato con largo anticipo e lancia-
P
rima il loro nuovo disco (The Suburbs), poi il
concerto del 4 settembre a Bologna, anche
l’Italia contagiata del fenomeno Arcade Fire,
una delle migliori realtà musicali odierne in grado di
dare un senso alla parola «rock» rendendola moderna
senza tradirne l’anima. La cosa non può che restituirci
un minimo di speranza se solo pensiamo alla triste

DEVO
to con una performance memorabile
durante le Olimpiadi invernali di
Vancouver, vede la partecipazione della
classica line up della band, Mark e Bob
Mothersbaugh, Gerald e Bob Casale,
accompagnati dal batterista Josh Freese
(Nine Inch Nails, Guns n’Roses).
realtà nostrana e all’ultima edizione del festival di
Sanremo. In un’epoca in cui i nuovi artisti vengono
plasmati su misura dal piccolo schermo e diventano
famosi grazie alle impalcature costruite dalle potenti
fabbriche dei talent show, sono sempre più rari i casi di
scoperte che si impongono all’attenzione solo per la
loro proposta musicale. I canadesi Arcade Fire sono la
successo e di attestati di stima da parte dei loro colle-
ghi più illustri: Chris Martin dei Coldplay li ha definiti
come «il più grande gruppo di sempre».
Gli U2 hanno scelto la loro Wake up come intro per
il loro Vertigo-tour 2005/2006 e li hanno ospitati quan-
do hanno fatto tappa a Montreal suonando insieme

C
om’era successo con i Kraftwerk,
i Devo erano arrivati sulle scene
come un’unità già pienamente
coerente e matura. C’era tutto: il look,
il sound, lo stile e l’attitudine giusta già
ai tempi dell’album di debutto Are we
not Men? We are Devo! realizzato nel
1978 e che vedeva alla produzione un
pilastro indiscutibile come Brian Eno. I
Devo avevano per di piú anche una
filosofia, (rappresentata dal loro stesso
nome, tratto dalla parola «De-evolu-
tion) basata sulla teoria che gli esseri
umani avrebbero già raggiunto da
tempo il loro picco di evoluzione mas-
sima e che sarebbero ora infatti in fase
di regressione, di «de-evoluzione»
appunto.
La band aveva attirato ben presto
l’attenzione di media e pubblico ma
forse era tutto sin dal primo momento
troppo perfetto tanto che dopo pochi
anni sembrata ripetersi e non aver piú
nulla da dire. Autori di una perfetta
fusione fra rock e melodie sintetizzate,
precursori del look straniante e post
atomico (imperdibili i loro videoclip
pioneristici), i Devo furono vittima
Prodotto da Greg Kurstin (The Bird &
The Bee) l’album include inoltre la col-
laborazione di John Hill e Santi White
(meglio conosciuta come Santigold),
John King dei Dust Brothers e i
Teddybears.
Dodici canzoni che portano il tipico
marchio Devo fatto di suoni robotici,
chitarre sferraglianti, beat compulsivi
arricchiti di un linguaggio volutamente
gelido e meccanico e in versione live da
coreografie simili a scosse elettriche.
Un sound/concept che ha ispirato
un’intera generazione di artisti, dai Daft
Punk, ai Pearl Jam e i Rage Against the
Machine fino a Lady Gaga, un linguag-
gio profetico che era piena avanguardia
negli anni 80 e che resta profondamen-
te attuale ai giorni nostri, quando il
mondo conferma ció che i Devo aveva-
no da tempo sospettato. Per alcuni trop-
po cinici, per altri catastrofici, loro in
fondo ammettono di ispirarsi semplice-
mente alla realtà «perché il mondo è
così ridicolo e stupido. Siamo come
l’orchestra del Titanic, intratteniamo
tutti mentre affondiamo insieme». De-
evolution is real.
dimostrazione di come, da fenomeno appartenente al
microcosmo indie, tramite il passaparola e l’hype che si
crea attorno a un nuovo disco, si possa arrivare a rag-
giungere le vette delle classifiche e a calcare i grandi
palchi. Merito di una proposta musicale che ha saputo
unire stili diversi, dal glam-rock alla new wave, riela-
borandoli e plasmandoli con gusto ed originalità.
La band viene fondata 2003 da Win Butler (chitarra
e voce) e la polistrumentista Régine Chassagne. Al duo
originario (oggi compagni anche nella vita) si accom-
pagneranno, successivamente, una sorta di consorzio di
suonatori musicalmente dipendenti il cui asse portante
è costituito da William Butler (il fratello minore di
Win) ai sintetizzatore e alle percussioni, Richard Reed
Parry all’organo e Tim Kingsbury al basso. Oltre alla
varietà di strumenti, gli Arcade Fire cantano, da buoni
canadesi, indistintamente in francese e in inglese.
Il primo risultato arriva a fine del 2003 con un EP
autoprodotto, Arcade Fire, che vale loro il contratto con
la Merge Records. La consacrazione da parte della cri-
tica specializzata arriverà un anno dopo con il loro
disco d’esordio (Funeral) che ha rappresentato il
debutto più roboante della decade scorsa assieme al
primo lavoro dei Franz Ferdinand al punto che il grup-
po finisce sulla copertina dell’edizione canadese del
settimanale Time. Le loro esibizioni live di notevole
intensità e l’entusiasmo del pubblico che li ha ascoltati
dal vivo faranno il resto in una continua escalation di
Love will tear us apart dei Joy Division. Perfino David
Bowie, al suo atteso ritorno dopo i problemi di salute,
ha voluto essere accompagnato dagli Arcade Fire per
suonare Five Years e Wake up. Ultimo a rendere omag-
gio alla band è stato Peter Gabriel che nel suo ultimo
album di cover, Scratch my back, ha inserito un loro
brano, My body is a cage. Nel 2007 esce il secondo
album Neon Bible che, pur cambiando registro, non
delude i già numerosi fan ed entra ai primi posti delle
classifiche inglesi e americane. The Suburbs, la loro
recente ultima fatica, è forse l’album più prodotto della
band che, pur strizzando l’occhio al pop, non manca di
metterci KO grazie all’uno due di brani come la title
track ed la successiva Ready To Start.
Pensando alla parabola e alla coerenza artistica degli
Arcade Fire, non si può fare a meno di paragonarli ai
Radiohead. L’ascesa sull’Olimpo del Rock non sembra
aver dato loro alla testa, come ha ammesso recente-
mente lo stesso Win Butler: «Gli U2 li ho visti quando
avevo 15 anni. A quei tempi li chiamavano l’ottava
meraviglia del mondo. A quell’epoca c’erano anche i
Nirvana. Prima ci sono stati i Clash e prima ancora i
Beatles. Sono ovviamente grandi ispirazioni, ma l’im-
portante è essere a proprio agio nella nostra pelle e
non voler essere come loro. Così come è successo a
questi gruppi che sono stati se stessi fino in fondo, noi
suoniamo come gli Arcade Fire, e tutto questo ci fa sen-
tire degli spiriti liberi». ■
Music In  NUMERO 15 > Autunno 2010

JOHN LENNON, LA VERA STORIA DI

FEED
BOOK
SCONCERTO L’addio è addio UN GENIO INCOMPRESO Il reporter che, LO CORE SPERDUTO In principio ILLUSTRAZIONE DI
per sempre, quando la nota muore con un ticket to ride, andò in tour con i Beatles era Partenope e più indietro non si va QUINT BUCHOLZ

JOHN LENNON. LA VERA STORIA...

S C O N C E R T O
PO PCK
pop&rock
Nel 1964 il giovane reporter
Larry Kane ha la fortuna di par- «John Lennon. La vera storia
CLASSICA «Ecco... vedete, appena la musica tace, il mondo, sullo sfondo, ammu- tire in tour con i Beatles. Da di un genio incompreso»
MENTE tolisce. Le camerette della mente si slegano tra loro, il pavimento del quell’esperienza ne trae un libro, Ticket to ride, di Larry Kane
cervello cede, cede, marcisce». La recita sociale, il consumismo com- e stringe una forte amicizia con John Lennon. A B. C. Dalai Ed. - 20 euro
pulsivo, le morti sul lavoro, la sete di potere della classe dirigente, gli oscuri meccanismi 30 anni di distanza dall’attentato che uccise il
della finanza, l’immigrazione, una lingua sempre più astratta e irrelata. Dov’è il senso? cantante davanti al portone di casa a New York,
Da queste domande è travolto un direttore di orchestra, che dimenti- Kane, diventato uno dei più famosi anchorman nessun aspetto della sua complessa persona-
ca di dirigere i suoi strumentisti. della tv americana, decide di raccontare la vita lità: il working class hero accanto all’affettuoso
«Troppo mondo nella testa», esclama; ed è quel mondo a rendere pro- del musicista e fraterno amico. John Lennon. marito di Yoko Ono, l’attivista pacifista e l’uomo
blematico il suo rapporto con l’orchestra, logorato dai ripetuti tenta- La vera storia di un genio incompreso si distin- innamorato di New York, il clamoroso successo
tivi di quest’ultima di richiamarlo ad un’esecuzione acefala della musi- gue nel mare delle nume- del quartetto di Liverpool e l’indomito spirito
ca. L’esistenza di Prova d’orchestra di Federico Fellini non ha costitui- rose biografie dedicate al rivoluzionario.
to un problema per questo spettacolo di Toni Servillo, Giorgio personaggio perché elabo- Il racconto si addentra poi nei legami più segre-
Battistelli e Franco Marcoaldi: se in quel caso era stato messo a tema rata in modo molto perso- ti: la presunta relazione omosessuale con il
il rifiuto dell’autorità del direttore da parte dell’orchestra, costretta nale. È impossibile racchiu- manager Brian Epstein, il suo ruolo nella morte
poi a soccombere nell’enigmatico finale, qui si intendeva dar conto di dere la vita di un uomo di Stuart Sutcliffe (il «quinto Beatles»), il rappor-
un impasse. Lo sconcerto, appunto. L’incapacità di concertare. come Lennon tra le pagine to con la giovane assistente Mary Pang. Punti di
Non è un melologo, non è un’opera, non è un libro, non è uno spettaco- di un libro - il ritratto sarà domanda rimasti sospesi con la morte dell’arti-
lo teatrale con sottofondo musicale. È tutto questo: un «teatro della sempre incompleto - ma sta a cui Kane dà la sua personale risposta.
musica», l’idea chiave di questo progetto trino. C’è un monologo poeti- Kane decide di affrontare il
co-drammatico, c’è una partitura musicale eseguita in scena da compito senza tralasciare Roberta Mastruzzi
un’orchestra nascosta ed un vero direttore dietro le quinte. C’è il
direttore-attore-regista. Sconcerto nasce dopo una lunga discussione tra i tre autori.
Scelto per la sua elementare icasticità, nella sua voluta ambiguità allude allo sgomento LO CORE SPERDUTO
percettivo, esistenziale del protagonista e, insieme, all’atto mancato del concerto. Il con-
flitto si risolve nel duende, energia misteriosa che «brucia il sangue come un tropico di anche su un aspetto delle audizioni salottiere: la
vetri», il daimon, quella «forza tellurica» che è ferita creatrice, la musica. «Tutte le arti «Lo core sperduto» musica è recitata. Il 1880 è il momento del dop-
sono capaci di duende - scriveva Federico Garcìa Lorca - ma naturalmente è nella musi- di Gianfranco Plenizio pio registro, modifica importante che codifica il
ca, nella danza e nella poesia declamata ch’esso trova terreno migliore, visto che tutte prodotto-canzone con l'introduzione del modulo
e tre hanno bisogno di un corpo vivo che le interpreti, poiché sono forme che nascono e Alfredo Guida Editore strofa-ritornello; ma la tradizione è abbandonata
muoiono in modo perpetuo ed innalzano i loro contorni sopra un presente preciso». 28,00 euro in favore di schemi internazionali più banali. Il
Il diritto penale contempla, nell’omissione, fattispecie altrettanto concreta che l’azione. popolo canta melodie più facili, ossia povere.
Così lo sconcerto è altrettanto concre- Non aver frequentato il Conservatorio è spac-
to rispetto al concerto: è un concerto
mancato, il grido di Toni Servillo, la fran- «Sconcerto»
CLASSICA «In principio era Partenope»: ciato per merito: certe canzoni sembra possa-
MENTE così inizia l'ultima fatica lette- no nascere solo dal cuore, con
tumazione dell’io musicale. «Orchestra, di Franco Marcoaldi raria di Gianfranco Plenizio. l'improvvisazione. In più,
orchestra, orchestra... Dirigere AsSaggi Bompiani Editore «Lo core sperduto» è una canzone di Guillaime ormai tutto è un affare,
un’orchestra... Bisognerebbe prima euro 9,50 Cottrau apparsa nel 1824 nella raccolta anche per la camorra. È il
dirigersi la testa». «Passatempi musicali» con il titolo di «La capua- motivo per cui i musicisti
na», e sono i Passatempi a far scoprire un red- colti si ritirano dalla musi-
ditizio filone napoletano: molti musicisti destina- ca, un mondo che trova
no musica vocale al salotto aristocratico o alto- forza nel registro utilizza-
ROMINA CIUFFA borghese e grazie alla diffusione del pianoforte to, ma in esso anche la
verticale e dell'editoria musicale, tra il popolo debolezza che la porta al
aumentano le case in cui si ascolta musica. decadimento.
LUCIFER OVER LONDON Napoli, grazie alla presenza dei teatri, resta uno
dei centri più attivi nel melodramma e ciò fa luce Giosetta Ciuffa
la pittura, la politica e la musica, sono attraver-
sati da un unico filo conduttore: il radicalismo
«Lucifer over London» culturale e una visione del mondo alternativa a UOMO FABER
di Antonello Cresti quella dominante. Attorno a band culto come
Aerostella
20,00 euro
Throbbing Gristle, Psychic Tv, Coil, Current 93,
Death in June e Sol Invictus, portatori in patria PO PCK
pop&rock
Mi è venuta la voglia di rivedere
Genova, di riscoprirla e rimirar- «Uomo faber»
e nel resto del mondo di messaggi e immagini la con occhi nuovi; ci vorrà del di Ivo Milazzo e Fabrizio Càlzia
aggressivi, tra il poco rassicurante e lo strava- tempo. Mi è venuta la voglia di aspirare i profu- De Agostini Editore
gante, si sviluppa mi intensi della natura, tanto per iniziare l’odore euro 12,90
ROCKO F F Dal sottotitolo impegnativo:
«Industrial, folk apocalittico
un’operazione di attenta
trasposizione sullo sparti-
pungente delle foglie fradice dopo un acquazzo-
ne; occorre attendere il prossimo temporale.
e controculture radicali in to di pratiche, culti e Mi è venuta la voglia di riascoltare Ho visto Nina to. C’è l’intero universo De Andrè, nel racconto
Inghilterra». Sono in molti a contendersi ancestrali credenze, a cui volare; stavolta nessuna a fumetti Uomo Faber: la terra sarda e il mare
Lucifero nella storia della musica. L’angelo più schiere di giovani e meno attesa, se non quella lega- ligure; gli amici, i figli, la moglie e l’onnipresenza
bello e dannato della storia dell’umanità è da giovani inglesi si sono ta alla ricerca del disco ingombrante della figura paterna; la città e la
secoli corteggiato da artisti di vario genere e negli anni dedicati, con giusto, per poi premere il natura. E ancora gli emarginati, le prostitute, la
in modo particolare dai musicisti di ogni impegno e fantasia. tasto play e goderne la religione, i ricordi, tutti così cari al compianto
epoca. Il nuovo libro di Antonello Cresti, cerca Controculture dell’under- bellezza. Faber.
di fare il punto su questa storia d’amore ground musicale inglese Nel 2009 si è celebrato il Per dovere di cronaca occorre ricordare che le
inquietante e tenebrosa, tra la musica e il dia- degli ultimi quarant’anni, decennio della morte di tavole originali di Ivo Milazzo sono state esposte
volo, in un contesto decisamente singolare. tra industrial, folk apoca- Fabrizio De Andrè, come è dal 19 marzo al 18 aprile 2010, breve arco di
Il libro, infatti, usa come scenografia naturale littico, musica celtica e dark, spesso fraintese giusto che fosse, con tempo, presso il Museo Luzzati di Genova in una
Londra, capitale politica e culturale del Regno dai grandi media e “sempre in bilico, tra furia mostre, eventi, pubblica- mostra dal titolo Uomo Faber. Il senso del rac-
Unito. C’è un cuore nero che batte in iconoclasta e desiderio di restaurazione di un zioni a profusione. Mi conto. Il senso del racconto lo avremo comun-
Inghilterra? Secondo l’autore, esperto di tradi- Eden mitico e reale al contempo”, che sono sento parte di un pubblico que fatto nostro. Ce ne accorgeremo quando
zioni culturali anglosassoni e che passa diver- infine il fulcro attorno a cui ruotano le disserta- che non si soddisfa con celebrazioni e pubblica- avvertiremo il bisogno di raccoglimento, di silen-
si mesi ogni anno in viaggio tra le piccole zioni del prolifico critico, musicista e scrittore zioni ridondanti. È la forza di immagini come zio; ben accetto solo il fluire dei rumori di vento,
comunità britanniche, non c’è dubbio alcuno e fiorentino, che qui si avvale e si completa dei queste, che usata con sapienza, può oggi rende- acqua, cani, gatti, uccelli. E avremo anche la
il suo percorso di scoperta delle controculture contributi esclusivi di Steve Sylvester (Death re il migliore omaggio al grande cantautore sensazione di essere anime salve.
in Gran Bretagna regala sorprese inaspettate SS), Vittore Baroni, Bruno Casini e Luca genovese, raccolte in un libro pieno e scarno
e interessanti spunti di riflessione. Leonello Rimbotti. allo stesso tempo ma indiscutibilmente comple- Rossella Gaudenzi
Universi di significato interconnessi e in conti-
nua evoluzione, in cui la filosofia, l’esoterismo, Flavio Fabbri

EIGHTIES COLORS TUTTA LA VERITÀ

ALTER Gli anni 80 non furono solo
«Eighties Colors»
SU UN FENOMENO FALSATO
NATIVE lustrini e paillettes: sotto il falò
della vanità covava il fuoco di Roberto Calabrò
autentico della passione: una passione fatta di Coniglio Editore edatto in forma di cronaca e di reporta-
chitarre, basso e batteria, in risposta a tastieri-
ne e armeniccoli del tempo. Esaurita la spinta
del Punk e della New Wave a metà 80, i fratel-
lini minori guardarono ai 60 come fonte di ispi-
razione, contro il conformi-
smo dello star system.
34,00 euro

un lustro è stata un’incredibile esplosione di

colori e creatività».
R ge quotidiano attraverso la descrizione
minuto per minuto, notte per notte, degli
avvenimenti cui Victor Ciuffa, ispiratore di
Federico Fellini, ha partecipato e dei personaggi
Eighties Colours fa luce su Beat, garage e psichedelia, a seconda delle
una scena che ha conti- declinazioni adottate dai protagonisti dell’e- che ha conosciuto. www.victorciuffa.com
nuato a vivere lungo i poca, Sick Rose, No Strange, Pikes in Panic,
bordi dell’Underground
italiano: «C’è un buco nero
nella storia della musica
italiana. Un buco nero che
Avvoltoi, Peter Sellers & The Hollywood
Party, tra gli altri; ma non solo: capelli a
caschetto, camicie paisley e Chelsea boots.
La ribellione richiede anche stile.
IN LIBRERIA CEEC
sembra avere inghiottito CIUFFA EDITORE
quella che per lo spazio di Lorenzo Bertini
 SOUND
tracking
a cura di ROBERTA MASTRUZZI
PENSOCHE
a cura di ROBERTA MASTRUZZI
C’ era una volta un piccolo film italia-
no che cercava un modo per farsi
conoscere. Un giorno fece la valigia
e partì in cerca di fortuna. Visitò tante città stra-
niere, accolto sempre con entusiasmo da tutti.
Ma il suo sogno, come quello di molti emigran-
ti, era tornare a casa. Penso che un sogno così è
l’opera prima di un giovane regista, Marco De
Luca, anche lui cittadino del mondo, e se lo defi-
niamo piccolo film è solo per via dei costi molto
bassi della sua produzione: novemila euro tota-
li. In realtà, è una pellicola che affronta con sem-
plicità ed originalità temi forti e coraggiosi. C’è
chi ha scomodato Lawrence Kasdan (Il grande
freddo) e il Dogma di Lars Von Trier per trova-
re un termine di paragone. Preferiamo pensare
che la storia di Elisa, venticinquenne in crisi che
dopo la diagnosi di una malattia incurabile deci-
de di riunire i suoi amici più cari nella sua casa
al mare, come tutte le opere artistiche sia innan-
zitutto uguale a se stessa. Per il resto, lasciamo
parlare il regista.
Come è possibile realizzare un film con soli
9mila euro?
Sottolineo che questi novemila euro sono com-
prensivi di post-produzione. Molti registi dichia-
rano di aver girato un film a basso budget - gra-
zie al digitale effettivamente si spende molto
poco - però non dicono che prima di essere pron-
ti per essere proiettati al cinema i film devono
affrontare un lavoro di post produzione che può
costare anche fino a 300mila euro. Il nostro è
stato invece dall’inizio alla fine un film low-bud-
get perché realizzato grazie ad un gruppo di per-
sone che ha deciso di lavorare quasi gratis.
Infatti, le cose che più hanno influito sulle spese
sono state il cibo, la benzina, gli spostamenti.
Quando hai capito di essere pronto per
girare il tuo primo lungometraggio?
Sentivo il bisogno di fare un film e ho iniziato
il classico iter: dalla stesura del soggetto fino
alla ricerca di finanziamenti. Ad un certo punto
ho capito che così avrei impiegato quattro anni
per realizzarlo e mi sono detto che era arrivato
il momento di far fruttare tutte le esperienze
acquisite tramite il mio lavoro (Marco De Luca
si occupa della regia di alcune trasmissioni Sky,
tra cui un programma di viaggi con Luca
Galvani, N.d.R). Ho raggruppato tutte le mie
conoscenze tra attori e tecnici e ho unito le forze
per realizzare da solo il mio film.
INCEPTION
di Roberta Mastruzzi
«N
on creare dalla memoria, ma immagi-
na sempre posti nuovi. Una singola
idea della mente umana può trasfor-
mare intere città». Così raccomanda Leonardo
DiCaprio in Inception, il thriller psicologico in
cui interpreta Dom Cobb, un ladro specializza-
to in furti di sogni. È infatti in grado di entrare
nella mente delle persone e di rubare loro idee
e preziose informazioni nel momento in cui
sono più vulnerabili, quello del sonno.
Costretto a stare lontano dalla sua famiglia a
causa del suo particolare lavoro, vuole abban-
donare il mondo onirico in cui vive e tornare
alla vita reale. Per farlo deve portare a termine
un’ultima missione: innestando (da cui il tito-
lo) nel subconscio del figlio di un ricco indu-
striale un’idea che lo porti a compiere
un’azione contro i propri interessi.
Inception, film ai limiti della fantascienza di
Christopher Nolan, il regista di Memento,
Insomnia e The Prestige a cui piace esplorare il
mondo della mente umana e le sue contraddi-
PENSO CHE UN SOGNO COSÌ Intervista al regista Marco De Luca
Con soli novemila euro raccoglie in una casa, attorno ai pasti principali e ad
una malattia incurabile, un gruppo di amici. In sottofondo, un arcobaleno
Come li hai convinti a lavorare praticamen-
te gratis per te?
Non è stato facile convincere tutti. Fare un
film è cosa impegnativa, che non si sbriga in due
giorni. Ma ci sono riuscito. Un altro record che
molti mi invidiano è il fatto che abbiamo girato
un’ora e un quarto di riprese in sole due settima-
ne ad agosto, le uniche in cui gli attori - Elisa
Alessandro, Giovanni Izzo, Marina Rocco e
Paolo Stella - erano liberi da impegni lavorativi.
Come mai hai scelto un titolo preso in pre-
stito dalla canzone italiana più famosa all’e-
stero, Volare?
In realtà è un pensiero legato a quello che i
personaggi vivono all’interno del film. Il sogno è
una quotidianità normale, che sembra essere
bella e sincera, fatta di rapporti e legami forti
con gli amici, il fidanzato, la madre. Poi però la
protagonista squarcia il velo dell’ipocrisia e
tutto si dimostra un’illusione. E infatti la frase
completa del testo è: penso che un sogno così…
non ritorni mai più.
Oltre a sviscerare i rapporti esistenti tra i
personaggi, nella trama e in alcuni scambi di
battute sembra trapelare una forte critica al
cinema italiano. È così?
Mentre scrivevo la sceneggiatura non ho pen-
sato solo ed esclusivamente al cinema italiano
ma ho cercato di descrivere quello che mi stava
intorno. Forse anche involontariamente la mia
storia cela una critica ad alcune situazioni che
ho vissuto nell’ ambiente cinematografico, ma
non solo in Italia. Certe cose, come ad esempio
la produttrice che va a letto con il giovane atto-
re, le ho viste accadere ovunque. È una storia
universale e anche molto semplice.
La storia di Elisa è accompagnata da una
bella e delicata colonna sonora. Come è nata
la musica?
La musica è stata realizzata da Emanuele
Friello e Emiliano Torquati, due bravissimi
autori che hanno svolto un lavoro eccellente.
Prima di tutto hanno messo in piedi la colonna
zioni, è costruito su un gioco di rimandi e sca-
tole cinesi. Al pari della sua labirintica sceneg-
giatura - non è un caso che un membro della
sua squadra si chiami Arianna, come la figura
mitologica che aiuta Teseo ad uscire dal labi-
rinto del Minotauro - la colonna sonora firma-
ta da Hans Zimmer parte da un’unica idea e
attraverso evoluzioni e digressioni sul tema,
crea uno score che sembra continuamente gira-
re su se stesso.
Pur se diverse l’una dall’altra, le composi-
zioni immaginate da Zimmer hanno ognuna un
elemento che le unisce. I brani non sono legati
indissolubilmente ad una scena del film, ma
sembrano scivolare l’uno dentro l’altro, pur
mantenendo ognuno la propria personalità.
Come in un sogno, in cui a volte improvvisa-
mente si cambia scena, la musica muta forma
diventando di volta in volta romantica (We
built our own world), elettronica (One simple
idea), classica (Paradox), techno (Mombasa),
ricca di tensione (Dream is collapsing) e poi di
Music In  NUMERO 15 > Autunno 2010
INCEPTION L’intera soundtrack di Zimmer, isolata
dal contesto del film, è come sperimentare un sogno.
E la parola che viene in mente è «intangibile».
na colonna sonora
U legata ai colori più
che ad una melodia.
Che poi divengono musica.
sonora di un film - che non è
cosa che si chiude in una gior-
nata - a titolo gratuito. A parte
questo, sono entrati in sintonia
con il vero mood del racconto:
è una colonna sonora legata ai
colori più che ad una melodia.
Più la storia va avanti e si fa
complessa e più, soprattutto verso il finale, que-
sti colori diventano vera e propria musica.
Ciò che mi nutre mi distrugge, sembra la
frase più adatta per un finale del tutto ina-
spettato. Il rito del pasto, nel tuo come in
molti altri film italiani, è spesso protagoni-
sta. Come mai?
Quando vivi molti anni all’estero come me e
sei lontano dall’Italia ti accorgi di molte diffe-
renze. Il pasto è ancora oggi nel nostro Paese
un momento catalizzatore di mille emozioni, 6/10 Zagarolo Palazzo Rospigliosi
situazioni, confronti. In altri posti, dove il pran- 17/10 Monterotondo Biblioteca
zo è molto più frugale e la cena è sempre ad un 23/10 Ariccia Teatro Bernini
orario diverso, è tutto vissuto in modo molto 27/11 Castelnuovo di Porto Centro
più individualista e quindi meno sentito. Da noi 3/12 Roma Palazzo Valentini
la tavola ha ancora una funzione aggregante, 11/12 Palestrina
tanto è vero che la protagonista, nonostante 12 /12 Frascati Scuderie Aldobrandini
abbia litigato con tutti, decide di cucinare 19/12 Genazzano Ciac@Castello Colonna
un’ultima volta per i suoi amici e chiede loro di
rimanere. Un inglese le avrebbe detto: «Tu sei
pazza. Io prendo le chiavi della macchina e me
ne vado» e invece la cultura del cibo è così
profonda e radicata in noi che sembra normale
accettare e condividere un’ultima cena insieme.
Il film è stato proiettato in diversi cinema
italiani, in particolare a Roma durante la
manifestazione estiva presso l’isola Tiberina,
ma ha anche partecipato a numerosi Festival
internazionali. Come è stata l’accoglienza
all’estero?
Molto buona. Siamo stati al Festival di Aruba,
a Los Angeles, a Philadelphia. È interessante
confrontarsi con una platea diversa perché gli
americani sono abituati a vedere tutt’altro. È
vero che si tratta pur sempre di un pubblico da
festival, ma fa sempre piacere mettersi in gioco
in una realtà così differente e trovare consensi.
Quali sono i tuoi prossimi progetti?
Il prossimo film, scritto con Claudio
Masenza, sarà un thriller. Avrà un budget più
alto: l’intenzione è di girarlo in pellicola e sta-
volta non credo che tutti quelli che vi partecipe-
ranno lo faranno gratuitamente. ■
nuovo sognante (Old souls). Waiting for a
train, il brano più suggestivo, è una perfetta
sintesi dell’intenzione con cui Zimmer ha com-
posto la soundtrack: parte dolcemente, cullan-
do l’ascoltatore con un delicato movimento di
archi per poi crescere e costruire un suono
pieno ed emozionante, quasi epico (qualora ce
ne fosse bisogno ricordiamo che Zimmer è
l’autore della colonna sonora de Il gladiatore).
Ad un certo punto si inserisce anche la splen-
dida voce di Edith Piaf che intona No, je ne
regriette rien (si tratta di una citazione da cine-
fili, infatti Marion Cotillard, qui nel ruolo della
misteriosa moglie del protagonista, ha vinto il
Premio Oscar per la sua interpretazione della
cantante francese) e il suo canto sembra prove-
nire da un vecchio grammofono, come un
ricordo lontano che affiora all’improvviso.
Per realizzare la colonna sonora Zimmer uti-
lizza una classica orchestra d’archi, a cui di
volta in volta, a seconda dell’atmosfera che
vuole ricreare, aggiunge suoni elettronici, sin-
tetizzatori e anche la chitarra rock di Johnny
Marr, ex componente degli Smiths. Il tema
principale parte da un’unica nota, suonata con
un ritmo via via più incalzante, esattamente
come il tono monocorde di una sveglia che
imperterrito continua a dirci che è ora di sve-
gliarci.
Nel crescendo che accompagna un film ricco
di azione e colpi di scena, la musica acquista
colore ed emozione, fino a terminare nello stes-
so modo in cui è iniziata. Un ciclo che si chiu-
de, nello stesso punto da cui è partito (d’altra
parte «inception» oltre che innesto vuol dire
anche inizio): Time, il brano finale, racchiude
perfettamente in sé il senso di perdita, di vuoto
e di confusione che accompagna lo spettatore
per tutto il film.
Ascoltare l’intera soundtrack di Zimmer, iso-
landola dal contesto del film, è un’esperienza
al pari di un viaggio nel proprio inconscio e la
parola che viene in mente è intangibile, proprio
come un sogno. ■
Music In  NUMERO 15 > Autunno 2010 SOUND
tracking
GARUÀ Nei loro live set una video-installazione multimediale MUSICINVIDEO/CLIP Alessandro Orlando ROMA VIDEO-
fondata sul rapporto luce-musica-ambiente-pubblico, per sperimen- Graziano - Ti amo gratis Una moka e, insieme, CLIP 2010 Sintesi
tare la stimolazione di una percezione inconscia attraverso il ritmo. una battaglia intergalattica mentre fugge la felicità d’arte da intenditor

IL PRIMO di Roberta Mastruzzi

JAZZ MOVIE
Videoclip

on un film che parla di jazz ma un film

TI AMO GRATIS
N che è jazz. Il cinema può esprimere
potenzialità infinite quando si sgancia da
schemi prefissati e lascia libero spazio all’im-
provvisazione, svincolandosi da un copione e
da una rigida struttura fatta di dialoghi, montag-
gio, consequenzialità. Rugaà è «il primo jazz
movie», fusione tra immagine, musica, movi-
mento. In cui lasciar fruire tutti i sensi.

C ome immaginate un jazz movie? Non un

film che parla di jazz ma un film che è
jazz. Il cinema può esprimere potenzia-
lascia campo libero all’interpretazione dello
spettatore, se ancora possiamo definirlo tale: in
un mondo in cui passiamo la maggior parte del
immagini che la musica mi suggerisce: ascolto
Via della Vite e vedo due piccioni posarsi su un
cornicione nell’alba silenziosa di una mattina
DI ROMINA CIUFFA

lità infinite quando si sgancia da schemi prefis-

sati e lascia libero spazio all’improvvisazione,
svincolandosi da un copione e da una rigida
struttura fatta di dialoghi, montaggio, conse-
quenzialità. Un quadro in movimento, Rugaà,
sperimentazione visiva e sonora a cura del regi-
sta Gianluca Zenone e della band musicale
Garuà, è stato presentato in occasione del MEI
di Faenza come «il primo jazz movie». Una
fusione tra immagine, musica, movimento. Un
film a cui non bisogna semplicemente assistere,
ma fruire con tutti i sensi.
La collaborazione tra Zenone e i Garuà
(Ludovico Garau piano, Mauro Pallagrosi sax,
Marco Di Pietrantonio basso, Paolo Costa batte-
ria) inizia con le video-installazioni multimedia-
li con cui il gruppo accompagna i propri concer-
ti e sfocia poi nella creazione di questa opera
unica, che prende vita e si lancia nel racconto
cinematografico di ritratti di istanti: percezione
più che visione. Un’esperienza soggettiva che
tempo ad essere ricettori passivi di informazio-
ni, abituati a delegare ad altri - tv, giornali, libri
- il compito di pensare al nostro posto, siamo
per la prima volta noi a dare un senso a ciò che
vediamo e ad elaborare ciò che sentiamo, por-
tandolo dentro il nostro spazio mentale.
Sarà difficile vedere il film di Zenone nelle
sale, ma è possibile vedere i video e acquistare
la colonna sonora direttamente dal sito internet
del gruppo: www.garua.it. I percorsi del rac-
conto sono infiniti: per sperimentarlo al meglio,
il consiglio è di lasciarsi andare e far fluire in
superficie le sensazioni.
I brani composti dai Garuà - piano e sax che
si intersecano mentre la ritmica asseconda il
movimento creato dai due - sono quadri di
immagini, la cui cornice chiede di essere sposta-
ta per cambiare inquadratura e spingere la sen-
sazione un po’ più in là. La tentazione di saltare
fuori dal quadro è forte. Provo ad uscire dalla
cornice anch’io e lascio liberamente affiorare le
estiva in città e invidio il loro volo gentile;
Proteo è la nascita di una nuova vita, i passi
incerti di un bambino che si accorge di avere un
corpo per andare da qualche parte; N.Y.World
fair è come fare l’amore in treno, seguendo dol-
cemente il rumore del paesaggio che scorre; in
Finisterre c’è una scogliera, il vento, un uomo e
una donna che si amano in un posto ai confini
del mondo e perdo l’equilibrio mentre non capi-
sco se è un ricordo o solo immaginazione; provo
a cercare un appiglio in Pietra Alata ma vengo
trascinata in una grotta, circondata da suoni pri-
mordiali che riportano in superficie antichi desi-
deri ancestrali e in Emotion trovo la calma di
una notte di luna piena mentre il suono del
vibrafono mi parla dolcemente all’orecchio rac-
contandomi una favola, come forse qualcuno in
passato, ma era tanto, ormai troppo, tempo fa.
Ritorno alla realtà, con la sensazione sfumata
di aver afferrato per un istante una parte nasco-
sta di me stessa. (Roberta Mastruzzi)
V iaggio all’interno di un incon-
scio rosa cipria quello di
Alessandro Orlando Graziano,
musicista sopra le righe che, memore
del suo trascorso nelle arti figurative,
disegna interamente il video per la sua
Ti amo gratis. E su ciò che riconosce
come se stesso, proiezione dell’Es,
appoggia gatti e toglie e mette occhi,
vedere e non vedere, a seconda. Il
tema è una fuggente felicità («insegui-
la»). Voglia sentirsi una moka, un ufo,
una battaglia intergalattica, un missile,
un ultraleggero, un palloncino, una
donna, un unicorno, la sua matita lo
tratteggia senza diffidare.
Amare gratis è un inno al non dovere,
spontaneità dell’essere, gratuità in cui
versa un sentimento. Ma consente
altresì di sentire liberamente una
forma d’odio: ciò spiegherebbe perché
qui tutto mangia tutto e si ritrasforma.

VIDEOCLIP
In una cornice di tratti leggeri e veloci,
ripetitivi, l’originale artista ripiega su se
stesso e sul suo armonio - con il quale
apre il pezzo - in una stanza che è visi-
bilmente vuota (la metà di ieri, e di

Il
videoclip come forma d’arte.
Anche questi piccoli gioielli
musicali di sintesi cinematogra-
fica hanno trovato il loro Festival. Il più
importante di questi, il Roma Videoclip
2010, è giunto alla sua ottava edizione e
si svolge a novembre presso il Cinema
Adriano. Il premio è assegnato al miglior
video scelto fra i brani più interessanti
composti per film italiani usciti nelle sale
nell’ultimo anno. Una potente sinergia
tra musica, immagini e cinema che si
materializza in corti musicali che sono
veri e propri film nel film.
In gara artisti emergenti e vecchie glo-
rie, tra cui Malika Ayane e La prima cosa
bella, tratto dal film di Paolo Virzì, Il
sogno di Patty Pravo, ascoltata in Mine
vaganti di Ferzan Ozpetek, il video di
Baciami ancora che Jovanotti ha scritto
per l’omonimo film di Muccino. E anco- domani la metà forse sarà) e perciò
ra Max Gazzè con Mentre dormi, tratta infestata da fantasmi, tra i quali: il
da Basilicata coast to coast, vera rivela- senso del pudore, il rumore del vinile,
zione cinematografica dell’anno, Parla lettere d’amore di pergamena profu-
piano di Vinicio Capossela, inserita nella mate in rose e quel (perso) gusto di
colonna sonora di Dieci inverni con amare senza chiedere nulla.
Isabella Ragonese, e molti altri. Il video
tratto direttamente dal film Oggi sposi di
Luca Lucini, per la presenza di danze
indiane e salentine - un gemellaggio tra
Puglia e India - ha ottenuto il premio per
la migliore coreografia.
Il festival dà spazio anche alle produ-
zioni indipendenti, offrendo visibilità a
registi e gruppi emergenti che potranno
proporre i loro lavori, permettendo quin-
di un libero scambio di idee nella speran-
za che si aprano nuove possibilità lavora-
tive anche per i nomi meno conosciuti.
(Roberta Mastruzzi) WWW.YOUTUBE.COM/MUSICINCHANNEL
 LSPECIALE
-LOSS Music In  NUMERO 15 > Autunno 2010

LUSKY DJ Esce in punta dei piedi dalla scena musicale del dj-setting. Il 30 settem- LE PAROLE DI LULÙ È il grido di Niccolò
a cura di ROMINA CIUFFA
bre la raggiunge la genovese Dj Chicca The Lavender Moon. Questo è il tempo di Fabi per aver perso una figlia di nemmeno due
barattoli rotti, attaccati a macchine sgangherate che non frenano davanti a nulla. anni: un concerto, il pianto di un padre.

 CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA > BARATTOLI di Egizia Mondini

LUSKY. IL TEMPO DEI BARATTOLI

Lei si definiva dj, producer e bodyborder. là, in via Lucrino, quello che sarebbe diventato un altro
(...) Perché oltre la musica, erano le onde del
mare a scandire il ritmo del suo cuore insie-
punto di riferimento, ovvero «La Cantina», un locale deli-
zioso dove incontrarsi, mangiare, chiacchierare dopo cena
me al lento suono del respiro quando face- e, nemmeno a dirlo, ascoltare musica. Attività che si erano
va immersioni. E così Lucia Santoro è interrotte solo perché inglobate dalla florida vita da dj.
diventata per tutti Lusky dj, una delle dj donne più affer- Disordinata, ritardataria ma scrupolosa sul lavoro, Lusky
mate nel panorama dance italiano, prima a Roma, poi in aveva un gusto musicale talmente definito da non riuscire a
Italia e infine in giro per l’Europa. Nasce artisticamente piegarsi alle mode del momento. Rifiutava di arruffianarsi
all’interno del circuito gay, grazie a organizzazioni come il pubblico in pista con le hit e le scelte più ovvie, adattan-
Gorgeous I’m, Gay Village e Venus Rising (dove spadro- do le esigenze del pubblico alle sue esperienze, portando la
neggiava con entusiasmo esplosivo dalla mitica consolle pista per mano verso un suo viaggio stilistico. Non credo di
del Goa), suonando musica dance e trash, per poi affinare il aver mai visto Lucia di cattivo umore. Ogni volta incontrar-
suo gusto musicale che dall’elettronica e la house vocal la e scambiare quattro chiacchiere con lei era un piacere,
migra verso un percorso tra l’house minimal e la techno un’iniezione di energia e di entusiasmo. Aveva sempre
music, riuscendo in breve tempo a influenzare la scena gay qualche progetto in atto o da realizzare, qualche idea da
italiana con il suo stile personale e ricercato. condividere, qualche avventura da raccontare. Era positi-
Nel 2004 entra a far parte della scuderia del leggendario vità allo stato puro, una generosa mai competitiva (cosa
Radio Londra di Roma dove diventa dj resident; nel 2005 rara nel suo ambiente). Quando passavi in consolle a salu-
suona ad «Amore», uno degli eventi più importanti in tarla trovava sempre dieci minuti per dedicarti un saluto e
Europa organizzati per il capodanno; nell’estate del 2008 un ingombrante sorriso, a differenza di tanti dj che stanno
parte per Barcellona e suona al famosissimo Circuit a muso basso sui loro dischi e sembrano essere disturbati

Festival e l’anno dopo è la prima dj donna a suonare all’afterhour
Souvenir di Barcellona; sempre nel 2008 entra a far parte del pro-
getto tutto al femminile Female Cut e delle serate techno Meat Pie
al Brancaleone; suona regolarmente nei più importanti club di
Parigi, Lisbona, Colonia, Berlino e Barcellona; nella primavera
del 2010 suona come guest allo storico Ministry of Sound di
Londra, mecca della musica elettronica.
Una personalità tanto ricca e creativa non poteva accontentarsi di
mettere i dischi degli altri. Grazie all’incontro con Francesco
Assenza (Gorgeous I’m), affina i suoi gusti musicali e intrapren-
de il cammino verso la techno, che poi la porterà nel 2007 a dedi-
carsi alla produzione musicale, territorio che le stava dando enor-
mi soddisfazioni e attraverso il quale aveva iniziato delle collabo-
razioni di tutto rispetto, una fra tutte quella assai feconda con il
celebre dj spagnolo Ivan Gomez.
Prima ancora di diventare Lusky dj, a Roma Lucia era già un per-
sonaggio cult, grazie alle sue attività commerciali che aveva
avviato, insieme allo storico socio Alberto, negli anni ‘90. Perché
R
ifiutava di arruffianarsi la pista con le hit e le
scelte più ovvie, e portava per mano verso un
suo viaggio stilistico. A me piace pensare che il
suo sound sia solo migrato, verso il mare. Perché ora,
quando mi capita di vedere i bodyboarder surfare
sulle onde, mi sembra di sentire il suono dei barattoli.
se c’è qualcuno che non la conosceva o la ballava nei vari club
della capitale, di sicuro se la ricorda dietro al bancone di una delle
botteghe più innovative e preziose di quegli anni (dal 1990 al
1997) Cd Music Box, un negozio stile «Clerks» dove si affittava-
no cd, un vero punto di riferimento per onnivori, fanatici, bulimi-
ci di musica. Da quello spazio underground in via Lima, Lucia
intratteneva i fruitori con consigli e ironia, risate e buonumore,
tanto da guadagnarsi una reputazione in tutto il quartiere
Africano, e non solo. Qualche anno dopo aprì pochi metri più in
dalla folla. Era una di quelle persone che quando pronunciano la
frase di rito «come va?» sembrava interessata alla risposta.
Quando, nel mezzo della serata, cominciava a entrare nel suo
mood e a mettere la sua musica preferita, scherzava dicendo che
era arrivato «il momento dei barattoli» (modo per definire quel
mix di suoni indecifrabili che per me resta la techno) e la si vede-
va divertirsi in modo talmente coinvolgente da essere, la sua
house, una della poche che le mie orecchie possano sopportare.
Lusky se n’è andata la mattina del 19 agosto per una malforma-
zione cardiaca, dopo aver suonato tutta la notte al Gay Village.
Era al suo massimo momento artistico, stava realizzando tutto
ciò che desiderava, e nel farlo si stava divertendo. Mi viene da
pensare che abbia ragione la sua pupilla, dj Gaia, quando dice
che la sala house del Gay Village sia finita con Lusky e che da
ora in poi non sarà mai più la stessa. A me piace pensare che il
suo sound sia solo migrato nuovamente, stavolta verso il mare.
Perché adesso, quando mi capita di vedere dei bodyboarder sur-
fare sulle onde, mi sembra di sentire il suono dei barattoli. ■

LUCA&LUCIA
photocredit
La gioia come Mirta Lispi
il dolore si deve Hanno voluto partecipare talmen-
conservare, si te tanti artisti che sul palco si è
deve trasformare suonato, in una ininterrotta jam
e deve saper session emozionale, dalle 15 alle
pronunciare le

le parole che
parole giuste.
Olivia Fabi
non aveva
nemmeno
2 anni e già
le conosceva.

di Egizia Mondini
lulù non ha detto Lucia Santoro studiava al Saint Louis.
Di lei parla il maestro Luca Spagnoletti

Un
uomo un giorno ha scritto:
«La gioia come il dolore si
deve conservare, si deve
trasformare». Perché tenerla per sé, senza
condivisione, equivale a non viverla. Lo
aveva capito troppo tardi anche Chris
McCandless, protagonista di Nelle terre
estreme, prima di morire da solo in Alaska.
Il rovescio: chiudersi nel proprio lacerante
dolore non serve ad altro che all’inaridi-
mento, alla sconfitta. La condivisione
avvia la trasformazione del dolore in qual-
cosa di costruttivo.
A scrivere quelle parole è stato Niccolò
Fabi quando ancora era un padre spensie-
rato, che mai avrebbe immaginato in che
modo quel pensiero espresso in musica (il
brano era Solo un uomo, contenuto nel suo
album del 2009) sarebbe diventato palpa-
bile. Il 3 luglio scorso una meningite ful-
minante gli ha portato via la sua piccola
Olivia di nemmeno 2 anni. Un avvenimen-
to di quelli che schiaffeggiano in pieno
volto, prendono a pugni il cuore e strazia-
no l’anima. Un evento così innaturale da
non esistere nemmeno un termine per iden-
tificarlo. Quando si perde un figlio non si è
vedovi né orfani. Si resta genitori, alle
prese con la gestione di un dolore che può
annientare.
Niccolò-padre ha scelto la via della con-
divisione, un lungo cordone emotivo che
da Olivia facesse il giro del mondo. Tutto
grazie al linguaggio che gli è più congenia-
le, la musica: il 30 agosto, data in cui
Olivia avrebbe compiuto 2 anni, ha messo
in pratica ciò che sosteneva nella sua can-
zone. Nessun altro modo sarebbe stato più
adeguato per rendere omaggio alla prezio-
sa presenza di una bambina su questa terra.
In un luogo incantato come la valle del
Treja, a pochi passi da Roma - un parco
dove la piccola Olivia aveva trascorso
giornate felici - Niccolò e la sua compa-
gna, la fotografa e pittrice Shirin Amini,
hanno organizzato, in sole 3 settimane, una
Woodstock contemporanea, un ensemble
di artisti che nessun primo maggio ha mai
avuto tanto ricco ed eterogeneo, un meltin
pot gioioso di pubblico. Un modo per
esportare il sorriso di Olivia e renderlo
eterno: con l’obiettivo di raccogliere fondi
per aiutare la Ong Cuamm, Medici per
l’Africa, associazione con cui Niccolò già
collaborava, nella ristrutturazione del
reparto pediatrico di un ospedale in Angola,
dove la mortalità infantile è altissima, è
nato il progetto Parole di Lulù.
«Parole» come la canzone di Mina che
la piccola adorava, e quelle attraverso le
quali si può elaborare un lutto; «Lulù»,
perché è così che Olivia era chiamata in
casa. E quale modo migliore per festeggia-
re il suo compleanno se non adunando
amici, gente solidale e artisti, per fare
musica in nome di un obiettivo che può
donare la vita? La risposta è stata travol-
gente come l’evento che l’ha scatenata.
2 di notte. Ed è così che Avrai di Claudio
Baglioni, scritta ai tempi della nascita di
suo figlio Giovanni, è diventata il saluto ad
Olivia; Max Gazzé e Roberto Angelini,
amici di sempre, hanno accompagnato
diversi musicisti sul palco; Jovanotti e
Giuliano Sangiorgi hanno commosso il
pubblico con A te; Simone Cristicchi ha
dedicato il suo teatro-canzone a Lulù; Syria
è salita sul palco con un disegno fatto per
Olivia da sua figlia Alice. E ancora:
Daniele Silvestri, Samuele Bersani, Paola
Turci, Alex Britti, Velvet, Elisa, Marina
Rei, Fiorella Mannoia, Luca Barbarossa,
Neri Marcoré, Manuel Agnelli, Tosca,
Alberto Fortis, Gianni Morandi, Enrico
Ruggeri, Diana Tejera, e tutti gli altri.
Se è vero, come dice Niccolò, che gli
artisti sono fortunati perché posseggono gli
strumenti per condividere le emozioni, è
vero anche che il pubblico ha saputo resti-
tuire quanto ha ricevuto. Con la vendita
delle magliette di Parole di Lulù quel 30
agosto si sono raccolti i 60 mila euro
necessari per il nuovo ospedale pediatrico.
Ora Niccolò e Shirin sono più convinti che
sia necessario proseguire per questa strada.
Prossimo obiettivo: garantire per un
anno le spese di medicinali e di gestione
dell’ospedale (potete contribuire con dona-
zioni o acquistando la maglietta sul sito
www.paroledilulu.it). Così il dolore per la
perdita di una figlia si trasforma in una
straordinaria occasione di gioia e vita. ■
Lucia, la studentessa. Lucia ha iniziato a frequen-
tare il Saint Louis quando ancora era una dj sim-
plex. È venuta da noi per imparare ad usare i
software per produrre la musica e i suoni dei vari
strumenti. Ha frequentato la scuola per 2 anni e
veniva ogni qualvolta avesse bisogno di una consu-
lenza, un confronto, un consiglio.
Il genere musicale. Era ormai orientata verso la
techno. Da un paio di anni aveva iniziato a produr-
re i suoi brani musicali, passando dal genere trash
alla techno. Sono stato molto soddisfatto della sua
evoluzione.
Il background. Veniva da influenze punk degli
anni 80-90. Come dj aveva iniziato seguendo i
gusti del pubblico o delle serate dove suonava per
poi trovare una propria espressività artistica, fino
a produrre vere creazioni musicali. Prima dell’e-
state stava cercando una cantante per iniziare un
nuovo tipo di produzione: si stava avvicinando
all’essere più una musicista che una dj.
La produzione. Durante i dj set metteva i suoi
remix, e vendeva le sue produzioni alle etichette
discografiche.
La vita notturna e le responsabilità. La vita che
conduceva ha influito sul suo fisico, per questo
ultimamente si stava concentrando sulla produzio-
ne musicale: non solo una crescita ma anche un
modo per cominciare ad allontanarsi dalla vita
notturna della dj, che sapeva di non poter condur-
re per sempre.
L’amicizia. Lucia era un’amica. Con lei potevi
parlare di tutto, voleva vivere la vita e negli aspet-
ti più umani era preziosa.
a cura di Egizia Mondini
Music In  NUMERO 15 > Autunno 2010
NATALIA GREEN Pecado
Teatral Solamente un pazzo
non vorrebbe commetterlo.
FEED
ALESSANDRO MANNARINO Al Bar della
Rabbia So na montagna... se Maometto nun viene
ANDRES TRENTEMØLLER Into the Great
Wide Yonder Il vitreo di uno spazio immaginario,
esteso (e compresso) tra profondità gelate del Nord.
back a cura di ROMINA CIUFFA
mejo... sto bene da solo, er proverbio era sbajato.

NATALIA GREEN - PECADO TEATRAL ALESSANDRO MANNARINO - AL BAR DELLA RABBIA

BEYOND Roma ha una tra-
BEYOND «Mi piace sentire la chitarra come un corpo pulsante, le note come un
&further albero». Questa nuova Natalia è oggi legna che arde, combustibile per
&further dizione secolare,
quella degli stor-
un’emotività complessa che, nella sua musica, esplode in maniera nellatori. Musici da strada, grezzi
assolutamente imprevedibile. Ciò che altri definirebbero «polistrumentale» io definisco ma poetici, con il dono della schiet-
«polipassionale»: la sua libertà non le consente di sfuggire alla sperimentazione, immer- tezza, della sincerità. Con il potere di
sa nella quale crea un linguaggio unico per descrivere la sua mania. Una mania «diffici- raccontare i sentimenti. Di suscita-
le da spiegare, perché un po’ vaga in realtà». Non la noterete. Non ne noterete re con versi d’ilarità emozioni ed
l’angoscia, tutti i santi giorni quando arriva la paura. intelletto. Prendi uno stornellatore
Noterete però il Brasile, da cui proviene Natalia De Oliveira Vasco, romano, adattalo all’odierna
noterete il suo Garda: da Rio la lingua dell’intero Pecado Teatral, le società, mischiane il DNA, fatto di tradizione
percussioni, le intro, l’acustica. L’oceano. Da Sirmione l’ispirazione, i popolare, con lo spirito libero e gitano della con-
limiti, il lago: una cantautrice che ha in mano testi tanto forti non è testazione ed otterrai un poeta urbano del
destinata all’Italia né a un lago chiuso. Nemmeno all’oceano, nemme- nostro tempo, un cantautore in grado di rievoca-
no al Brasile: alla mania non si addice la grandezza. Più a un fiume che re il passato con le note, con i ritmi, riuscendo ad
sfoci altrove, una New York poliglotta, in cui si apprezza l’espressione attualizzarlo con versi e rime di pura poesia.
e l’agonia dell’artista. Niente che sia saudade e spiagge incontamina- Alessandro Mannarino, romano, classe 1979,
te. «Il momento triste arriva d’inverno». L’agonia dei fumi delle Avenues è questo. Un gitano, un pirata della musica. Un
e dei bar nelle Streets, questo merita Natalia Green con il suo ep inva- cantautore critico. Un poeta felliniano.
dente, sofferto, che entra nel fegato come a Hemingway alcol e rende
l’orecchio un routinario della sonorità inconsueta, incompresa. Verde.
Come quegli «alberi ultrasonici» che lei assimila ai propri brani: «In un attimo la radice ANDRES TRENTEMØLLER - INTO THE GREAT WIDE YONDER
diventa legno, un processo pressoché inconsapevole, la melodia ed il ritmo prevalgono e
sembrano non dipendere dalla lingua. Le parole arrivano dopo, dedotte da suoni sussur-
rati, poi reinterpretati». E verdissima è So’ Louco, sebbene difficile all’orecchio poggiato
ALTER
NATIVE
Fatta propria la lezione dei Daft
Punk, tra le pareti del suo apparta-
su un ritmo infiltrante, un tono minore che, ebbro di etnia e percussioni, riporta a una mento-studio di Copenaghen,
danza interiore fatta di misteri. Quelli di un pazzo, «per sopportare questo sguardo stan- Andres Trentemøller ha ricostruito in vitreo
do fermo, per accettare di desiderare qualcuno senza poter toccare», i misteri del dolo: uno spazio immaginario, idealmente esteso (e
da dove si dipana la volontà di uno così? «Avete mai visto cosa peggiore di questa?», compresso) tra le profondità gelate del nord,
grida. La sfida è: abbiamo visto cosa peggiore di un pazzo? Cui va un video rosso, teatra- le traiettorie desertiche della profonda provin-
le come il peccato. Altri peccati: in Mania una «paranoia da consumo generale»; in Sem cia americana, e la claustrofobia al latex di un
Disfarçar l’invasione di uno sguardo senza maschere; in Canto do mar fiori che camuffa- peep show amburghese; se fosse una colonna
no un pavimento. Eppure, in No ar, quel pavimento alla fine dovrà sparire: sarà allora che sonora, potrebbe essere perfetta per una
il verde prenderà i toni che si addicono a un fiume. delle Lost Highway di David Lynch.
Into The Great Wide Yonder (uscito il 30 mag-
gio per la label Hfn music), secondo album rive-
ROMINA CIUFFA lazione per il genio danese, passato dai fasti da
dj di fama internazionale e dalle produzioni
ambient e minimal degli esordi (oltre a collabo-
razioni con Massive Attack, Beastie Boys e
Röyksoppì e hit da dancefloor come Polar Shift,
Physical Fraction, Minimal Fox), e del primo The
Last Resort (2006), disco-manifesto del movi-
mento house anni 2000, a uno spettro di sono-
rità e referenze sempre più inquiete e sfumate:
Surreale. Un artista in grado di
dipingere le note. Di tratteggiare
con larghe pennellate i suoi versi, in
un dipinto musicale che s’impone
per originalità. Mannarino sussur-
ra e grida. Sorride e si incupisce. Si
ubriaca di poesia.
Al bar della Rabbia. È il titolo del suo
disco, spontaneo e genuino. Dove
nulla è dato al caso. Un disco dai
tratti Caposselliani, Gaberiani. Con uno stile cafe-
chantant che è un po’ canzone, un po’ teatro, un
po’ denuncia sociale. Dove si vivono storie fanta-
stiche e tragiche. Storie di buffoni, zingari ed
ubriachi. Un disco che lascia un’impronta. Che si
lascia ricordare per odore e per sapore, e non
soltanto per il suono che racchiude.
Lorenzo Fiorillo
album, accanto
ad acustici accen-
nati (la floydiana
Nevermore, con
Fyfe Dangerfire
dei Guillemots alla
voce), progressio-
ni spezzate e
distorsioni di chi-
tarra garage in
stile Raveonettes
(il surf dell’intro The Mash and the Fury e di
Silver Surfer Ghost Rider Go!!), anche loro,
danesi; anche loro citati, alla voce referenze,
sul profilo MySpace, in buona compagnia.
Tra gli altri, Cure, Thom Yorke, Suicide, Mazzy
Star (e si potrebbe anche spaziare a Aphex
Twin, Sylvian, Yoshimoto, e per il tocco vintage,
agli Air sperimentali di Premier Symptomes); i
Mazzy Star, in particolare, numi ispiratori delle
tracce più lievi (Tide, Even Though You’re With
Another Girl, alle voci si alternano le artiste

atome primitif
«Questo è per me il logico sviluppo del primo: la
sola cosa che sapevo era che volevo che la
musica suonasse più analogica e organica».
L’album si svela in 10 tracce sospese tra fre-
threeyearsthreedays quenze serrate di elettrobeat attutiti, derive
ipnotiche alla Mum (Metamorphosis) e tinte
PRESENTAZIONE funky (Shades of Marble), trademark del primo
danesi Sonteig Sandnes e Josephine Philip) e
della più bella e fascinosa dell’album, Sycamore
Feeling, con Marie Fisker alla voce, sulle orme
di Hope Sandoval, dilatata e tersa come un
paesaggio innevato nel «grande vuoto lassù».
Lorenzo Bertini

28 OTTOBRE EDIPO - HANNO RAGIONE I TOPI

ROWLAND S. HOWARD - POP CRIMES
ALT ER
NATIVE
Pop Crimes è il secondo album
solista di Rowland S. Howard,
conosciuto ai più per essere stato
l’innovativo e geniale chitarrista dei Birthday
Party durante gli anni 80. Howard moriva tra-
gicamente poco meno di un anno fa, nel icem-
bre 2009, a causa di un cancro al fegato incu-
rabile e due mesi prima dall sua scomparsa
dava alla luce Pop Crimes, preziosa testimo-
nianza di un artista unico.
L’album si apre con l’eterea (I Know) a Girl
Called Johnny, un duetto romantic-dark che
richiama il beat pop degli anni 60 e che ospita
la voce di Jonnine Standish, vocalist dei HTRK.
Si passa poi a Shut me Down, ballata atmosfe-
rica e oscura proseguendo per Life’s What
You Make It e la title track dove linee di basso
LUCA BUSSOLETTI FEAT. DARIO FÒ - A SOLO UN METRO
BEYOND
&further
La consideriamo
distante. Ma,
crudele bagaglio
di realismo, la guerra va affronta-
ta. Lo fa Luca Bussoletti con il
nuovo singolo A solo un metro
scritto con Nicco Verrienti e
Vincenzo Incenso contro le mine
antiuomo. Il Paese è l’Afghanistan,
il featuring Dario Fò. Le cui parole,
pesanti come macigni, crude, vere, riecheggia-
no come urlate in una stanza vuota.
«Il numero di mine antiuomo collocate ogni
anno nel mondo supera il milione», dichiara il
premio Nobel nell’incipit. Dietro il dato statistico
c’è di più: esistenze menomata e una morte
che, causa l’assuefazione da notizie, smette di
provocare qualunque rigetto etico o idealista.
ORE 21:00
CIRCOLO DEGLI ARTISTI
via casilina vecchia ,42 Roma
www.myspace.com/atomeprimitif
piene di groove si
uniscono al tremolo
della chitarra di
Howard creando un
suono denso in cui
abbandonarsi,
magari perdersi in
un tormentato mare
emozionale.
L’album si chiude
con The Golden Age of Bloodshed, brano coun-
try dalle liriche quasi sarcastiche. Forse il
miglior capitolo della carriera di Howard, il
capitolo finale, scritto con quel trasporto tipico
di chi sembra non aver piú nulla da perdere.
Valentina Giosa
A solo un metro arriva lì dove
l’informazione di massa non giun-
ge: alla coscienza. Un pezzo lento,
quasi una ballata, che in realtà
corre: veloce supera le barriere
dell’ascoltatore come un monito
su ciò che accade al di fuori della
bambagia occidentale, un allar-
me.
Bussoletti agisce concretamente
e devolve l’incasso ad Amnesty International: la
canzone sarà in vendita su iTunes e il video, trat-
to dal film Habibi di Davide Del Degan e girato
interamente in Afghanistan, sarà disponibile su
rollingstonesmagazine.it e su youtube. In prati-
ca si acquisterà una mina, per distruggerla.
Lorenzo Fiorillo
ALT ER
NATIVE
Scritto, arrangiato, registrato e
mixato interamente dall’eccentrico
Fausto Zanardelli (già Edwood e
Gretel & Hansel) nel suo studio sul Lago di
Garda, Hanno Ragione I Topi è l’ultima produzio-
ne del bresciano che, per l’occasione, usa lo
pseudonimo Edipo. Uscito lo scorso 28 maggio,
consta di un mix colorato di pop, elettronica naif
e cantautorato raffinato e divertente arricchito
da ritornelli catchy e radiofriendly e testi intelli-
genti, arguti, ironici (spesso coadiuva-
ti dall’uso del doppio senso). Messa
da parte l’esperienza Edwood (Ghost
Records) e sospesa l’avventura
Gretel e Hansel (MadCap Collective),
Edipo ha dato vita a questo disco che
fotografa la sua vita in 10battute,
lavoro che potrebbe richiamare arti-
sti come Bugo e Tricarico se si pensa
alle liriche brillanti e mai banali, il
BLONDE REDHEAD - PENNY SPARKLE
PO PCK
pop&rock
Un disco da non
mancare per chi
dei sogni non può
fare a meno. Penny
Sparkle dei Blonde
Redhead è la enne-
sima avventura del
gruppo newyorke-
se, ma diversa da quelle che l’hanno preceduta.
Tant’è che forse, per essere apprezzato a pieno,
necessita di più di un ascolto. Uscito il 14 set-
tembre per la 4AD, il nuovo lavoro di Kazu
Makino e dei gemelli tricolore Simone e Amedeo
Pace mostra un corpo ritmico molto leggero e
soffuso in grado di tenersi a galla in un mare
morbido di drum machine e sintetizzatori.
La splendida voce di Makino tiene alta la qua-
lità del disco per tutti i 44 minuti della durata,
mentre la grande complessità strutturale e
melodica è come al solito affidata per 10 trac-
ce ai riff eleganti dei gemelli Pace. Un ottavo
lavoro in studio che lentamente si allontana
primo Battiato o i primi Bluvertigo per gli arran-
giamenti minimali e ricercati e per un uso fre-
quente di suoni retrò e sintetizzatori. Si passa da
Solo con Tanti, che cita il film Salò e le 120 gior-
nate di Sodoma di Pierpaolo. Pasolini, a È banale
star male, primo singolo dell’album supportato
da un videoclip che porta la firma di Mozukin, al
rap di Appartamenti fino alla romantica malinco-
nia di Un nuovo Concetto di Thè e Sospendimi.
Disco fresco e intellettuale, il concentrato di
Italian pop-snob di un trentenne
creativo e talentuoso che con
Hanno Ragione I Topi offre uno
sguardo critico e acuto sulla quoti-
dianità, la politica, le relazioni inter-
personali, una finestra sul mondo
osservata e fotografata dall’inter-
no di una cameretta.
Valentina Giosa
dalle classiche cifre new vawe e che si piega
leggermente sul pop elaborato, molto orec-
chiabile e allo stesso tempo estremamente
curato, così da non permettere ai detrattori
del gruppo di storcere il naso con facilità.
Pezzi come Not getting there o My plants are
dead fanno muovere dolcemente i fianchi e la
voce di Makino, soave e particolarmente inten-
sa, è davvero il filo conduttore dell’intero lavo-
ro. Qua e là si possono poi apprezzare ballate
accattivanti come Love is prision o gli echi di
suggestioni dark anni 80 che colpiscono in
Black guitar.
Tracce che si susseguono in assoluta armo-
nia, registrate tra New York e Stoccolma
durante l’ultimo anno. Il disco vanta inoltre tra
i credits nomi importanti nell’ambiente, con il
super lavoro in produzione di Van Rivers & The
Subliminal Kid e al missaggio di Alan Moulder.
Professionisti leggendari che hanno lavorato
con band del calibro dei Massive Attack,
Radiohead, Depeche Mode, My Bloody
Valentine, Placebo e Nine Inch Nails.
Flavio Fabbri