Gioachino Rossini

Gioachino Rossini

Gioachino Rossini, fotografiado por Étienne Carjat, 1865

Nombre Giovacchino Antonio Rossini

Nacimiento 29 de febrero de 1792

Pésaro

(Estados Pontificios , actualItalia )

Fallecimiento
13 de noviembre de 1868 (76 años)

París

(Francia )

Nacionalidad italiana

Ocupación Compositor

Cónyuge Isabel Colbran / Olympe Pélissier

Padres Anna Guidarini y Giuseppe Rossini

Gioachino Rossini o Gioacchino (nacido como Giovacchino Antonio Rossini1en Pésaro, Italia, el 29
de febrero de 1792 y fallecido en París, Francia, el 13 de noviembre de 1868) fue un compositor italiano,
 conocido especialmente por susóperas particularmente por las cómicas. Su popularidad le hizo asumir
el "trono" de la ópera italiana en la estética del bel canto de principios del siglo XIX, género que realza la
belleza de la línea melódica vocal sin descuidar los demás aspectos musicales.

Índice

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 1 Biografía

 2 Su muerte

 3 La interpretación rossiniana

 4 Obras

 5 Referencias

 6 Enlaces externos

Biografía[editar · editar código]

Rossini nació en Pésaro, hijo de Giuseppe, apodado "El vivaz", cornista de oficio, y de Anna Guidarini,
cantante en los teatros locales. Tocando en la banda municipal a los seis años, Rossini mostró un
extraordinario genio musical desde la más temprana edad y estudió música con su padre. Aprendió a
tocar la espineta con el vinatero Giuseppe Prinetti; posteriormente estudió con el canónigo Giuseppe
Malerbi, en cuya biblioteca leyó las partituras de grandes compositores del pasado. En Bolonia tuvo por
primer profesor a Angelo Tesei e ingresó en el prestigioso LiceoMusical, bajo la tutela del
sacerdote Stanislao Mattei, y ganó un premio por unacantata que compuso a los dieciséis años de edad.

Como clavecinista acompañante en teatros, Rossini fue llamado para componer una ópera breve en
1810 y, dado el éxito que logró, siguió componiendo, particularmente en Venecia y en Milán, con éxitos
sonados en la mayor parte de los casos (su séptima ópera conquistó La Scala con cincuenta y tres
funciones iniciales) y repentinos fracasos, pero afianzándose como el primer compositor de su tiempo, a
pesar de no contar siquiera veinticinco años de edad. En esos momentos, Rossini llevó a la perfección
musical el género bufo. Tuvo la ventaja de contar, ya en esta primera etapa, con grandes cantantes, en
quienes pensaba al momento de desarrollar la melodía de los personajes, considerando las
posibilidades de sus voces. Algunos de ellos eran Marietta Marcolini, Filipo Galli y Paolo Rosich.

En 1815 fue contratado por el sagaz empresario Domenico Barbaia para componer en Nápoles los
teatros que administraba él con subvención gubernamental, el Teatro de San Carlos y el Teatro Del
Fondo, en donde produjo óperas serias de inmenso valor para las voces más imponentes puesto que en
la compañía de Barbaia se encontraban las más grandes luminarias del tiempo como Manuel
García, Isabella Colbran (quien sería luego esposa de Rossini), Giovanni Rubini y otros. Mientras tanto,
Rossini también recorre Italia, y creó óperas de todos los géneros (serio, semiserio, bufo), cuya
influencia fue absoluta para todos los compositores posteriores y aun contemporáneos, y representó las
ya creadas, que contenían melodías que se convertían en hitos inmediatos y permanentes.

En 1816 estrenó, en el Teatro Argentina de Roma y con argumento de Cesare Sterbini, una de las más
famosas obras del repertorio operístico: El barbero de Sevilla. Basada en la trilogía literaria del barón
francés Pierre-Augustin de Beaumarchais, cuya segunda parte, Las bodas de Fígaro, fue musicalizada
por W. A. Mozart, fue durante sus primeras representaciones un fracaso. Posteriormente, Giuseppe
Verdi y otros compositores la alabarían efusivamente, y alcanzaría una inmensa fama. Previamente
puesta en música por el respetado compositor tarantino Giovanni Paisiello, el Barbero, como muchas
otras óperas de Rossini, borró del cartel permanentemente las obras de grandes compositores
como Nicola Antonio Zingarelli, Saverio Mercadante, Simon Mayr, Ferdinando Paër, Mosca, Carlo
Coccia y el propio Paisiello.

Caricatura de Rossini en la portada de Le Hanneton, 1867. Algunas de las obras de Rossini, conservador por
naturaleza pero innovador por sus enormes dimensiones creadoras, sientan las bases delRomanticismo desarrollado
por los compositores sucesores

En 1823 presentó su última ópera en Italia, Semíramis, y se trasladó a Francia (desde donde viajaría en
1824 a Londres en una exitosa gira que le produjo reconocimientos extraordinarios y jugosos
estipendios); en París compuso una ópera que celebraba la coronación de Carlos X de Francia, y
también su última ópera bufa, además de reelaborar otras dos obras italianas, y en 1829 Guillermo Tell,
que supuso su definitiva consagración.

Curiosamente, ésta sería su última ópera, aun cuando le quedaban cuatro decenas de años de vida por
delante. Sigue siendo un misterio por qué dejó Rossini de componer óperas trasGuillermo Tell; son
muchas las teorías que tratan de dar respuesta a este interrogante, desde el hastío hasta la falta de
necesidad, dada la riqueza que ya había acumulado, pasando por abundantes dificultades de salud
(gonorrea y ciclos maníaco-depresivos), o quizá porque las circunstancias políticas así lo determinaron.
Sin embargo, aunque no volvió a componer otra ópera, no abandonó el mundo musical, y se hizo cargo
de la dirección delThéâtre-Italien y del Liceo de Bolonia y siguió componiendo muchísimas obras breves
(sin dejar a un lado su otra gran pasión, la gastronomía), así como varias obras religiosas y profanas
notabilísimas.

Había contraído nupcias con la cantante española Isabella Colbran en Castenaso, en 1822, pero se
separaron legalmente en 1837, y entonces él se fue a vivir con Olympe Pélissier, con quien se casó en
1846, una vez que murió Isabella en 1845. Durante su vida, Rossini recibió las condecoraciones más
importantes de Francia e Italia y un gran reconocimiento por parte de sus colegas de profesión; así, tras
la entrevista que Rossini y Richard Wagnertuvieron en 1860, el último declaró que, de todos los
compositores que había conocido en París, el único verdaderamente grande era Rossini, a quien veía
muy serio y sencillo, pero mal comprendido por el público.

Su muerte[editar · editar código]

Tumba ahora vacía de Rossini en el célebre Cementerio del Père Lachaise en París.

Rossini falleció en Passy, cerca de París, en 1868. Mientras miles de voces entonaban la plegaria de
su Moisés, fue enterrado en el parisino Cementerio del Père-Lachaise. Sus restos fueron trasladados en
1887 a Florencia, donde descansa en la Basílica de la Santa Croce, junto a otras glorias de
Italia: Galileo Galilei, Dante y Miguel Ángel. Dejó un legado monetario realmente considerable, del que
destinó fondos para la creación de un asilo para músicos retirados (existente aún hoy) y otras obras
de beneficencia. Había sobrevivido a muchos de sus sucesores en el trono de la ópera italiana
(Vincenzo Bellini, Gaetano Donizetti, Giacomo Meyerbeer), al tiempo que coincidió con la aparición
de Giuseppe Verdi y de Richard Wagner.

Giuseppe Verdi convocó a los mejores compositores italianos a componer una misa de Réquiem en
honor del Cisne de Pésaro (forma poética con la que se denomina a Rossini). Dadas las circunstancias
políticas adversas, no se estrenó esa obra y Verdi usó su contribución, el Líbera me, en su
propio Requiem, dedicado a Alessandro Manzoni. El director Helmuth Rilling ha exhumado y grabado la
obra en la actualidad.

Nicoló Paganini, Frederic Chopin, Mauro Giuliani, Louis Niedermayer, Ottorino Respighi y otros
renombrados compositores han creado variaciones, orquestaciones y adaptaciones de múltiples obras
rossinianas. Y los afamados tournedos Rossini, así como muchos otros platos de cocina, son
designados en honor al célebre compositor, que era un consumado gastrónomo.

La interpretación rossiniana[editar · editar código]

Rossini

El grado de dificultad vocal de las óperas rossinianas es tan extremo que, desde mediados del siglo
XIX hasta la década de 1970, muchas de sus obras eran prácticamente imposibles de cantar; ello fue
posible con la irrupción de supercantantes tales como Giulietta Simionato, Renato Capecchi, Francisco
Araiza, Rockwell Blake, Ernesto Palacio, Christ Merritt, Marilyn Horne, Samuel Ramey y otros, que
emulan a los grandes Giovanni Davide,Filipo Galli, Geltrude Giorgi-Righetti y Andrea Nozzari,
destinatarios originales de las obras.

En la actualidad destacan como tenores especializados en Rossini: Juan Diego Flórez,Gregory

Kunde, William Matteuzzi, Antonino Siragusa, Kenneth Tarver y Lawrence Brownlee); como bajos,
destacan en el siglo XX: Samuel Ramey, Paolo Montarsolo,Ruggero Raimondi, Fernando Corena, John
Del Carlo, Justino Díaz y Michele Pertusi, además de barítonos de sobrada solvencia vocal rossiniana,
como el veterano Alessandro Corbelli.

La importancia que concedió a la voz femenina sobresale en la cuerda de mezzosoprano, para la que
escribió muchos papeles con intrincadas coloraturas, con lo que dio origen a un tipo especial de variante
dentro del registro. Aún en vida del compositor, fue adulterado estilísticamente por la imposición de otros
patrones del momento y por el deseo de abordar tales personajes por importantes divas
cuya tesitura era de soprano. Así, los grandes papeles (Rosina, Angelina, Isabella, Tancredi, etc.),
originalmente pensados para mezzosoprano fueron y frecuentemente son interpretados por sopranos
ligeras.

Hacia 1925, la mezzosoprano barcelonesa Conchita Supervía retornó a las claves originales, y motivó
así el principio de una revalorización histórica, seguida por las italianas Giulietta Simionato y Fiorenza
Cossotto. En general su obra fue bien aceptada, sin embargo Beethoven consideraba como
"composición infantil" a la obra de Rossini. Su obra ya en el 1900 era ampliamente desestimada. Las
habilidosas arias de sus óperas se habían vuelto durante mucho tiempo instrumentos usados por las
sopranos lírico-ligeras para mostrar su virtuosismo, de manera que perdían toda gracia , sentido y
estética. La única opera que había perdurado y que aun se representaba era "El barbero de Sevilla".
Maria Callas tuvo un papel importante en reivindicar la obra de Rossini pues en su intento de renovar y
vivificar la ópera, pudo darle a sus operas un talante dramático, vivaz y sentimental, demostrando así
que incluso el bel canto podía ser tratado con realismo y dramatismo a la vez que eliminó con buen
gusto las excesivas cadencias y fiorituras y coloraturas innecesarias que deformaban las arias . Gracias
a ella se volvieron a representar operas como "Semiramide" , "Il turco en Italia" o "La italiana en Argelia",
y hasta el día de hoy se representan.

Entre las sopranos, han destacado Maria Callas (como Rosina, Armida y Fiorilla de Il turco in
Italia), Luciana Serra, Katia Ricciarelli,Lella Cuberli, Montserrat Caballé, Joan
Sutherland (como Semiramide. También Edita Gruberova), Beverly Sills, June Anderson, Diana
Damrau y Mariella Devia, entre otras.

Asimismo en nuestros tiempos, contratenores como David Daniels interpretan los roles
para castrati o travestidos, a la usanza original.
Eruditos como Philip Gossett, Bruno Cagli, Alberto Zedda, R. Celletti, Azio Corghi y Richard Osborne se
han ocupado del Cisne de Pésaro y han desenmarañado su biografía y su obra musical.

Existe en Italia la Fondazione Rossini di Pesaro, que se dedica a presentar la música del maestro en
el Festival Rossini, a conservar los documentos que le pertenecieron, a dar a conocer la vida y la obra, a
atesorar las partituras autógrafas y a elaborar ediciones críticas de sus composiciones, entre otras
tareas.

Existe también la Fundación Rossini de México que, como su hermana mayor, presenta el Festival
Rossini en ese país con una difusión de la figura del músico italiano. Y en Wildbad, Alemania, se
presenta un Festival Rossini con óperas cortas y menos conocidas.

William Tell Overture

De Wikipedia, la enciclopedia libre

Rossini retrató en 1828, año en que comenzó a componer Guillermo Tell

The William Tell Overture es la obertura de la ópera Guillermo Tell (original en francés TítuloGuillaume
Tell), cuya música fue compuesta por Gioachino Rossini . Guillermo Tell se estrenó en 1829 y fue la
última de las 39 óperas de Rossini, después de lo cual entró en semi-retiro , aunque él continuó
componiendo cantatas, música sacra y la música vocal secular. La obertura se divide en cuatro partes,
cada una de siguientes sin pausa.

Se ha repetido uso (ya veces parodia) de las piezas de esta obertura, tanto en la música clásica y los
medios de comunicación populares, lo más famoso como el tema musical de El llanero solitario en
programas de radio y televisión. [1] También fue utilizado como tema musical para la serie de televisión
británica, Las aventuras de Guillermo Tell .

Franz Liszt preparó un piano de transcripción de la obertura en 1838 (S.552), que se convirtió en un
elemento básico de su repertorio de conciertos. [2] También hay transcripciones de otros compositores,
incluyendo versiones de Louis Gottschalk para dos y cuatro pianos y un dúo de piano y violín. [3]
 Contenido

[hide]

 1 Instrumentación

 2 Estructura

 3 Referencias culturales

 4 Véase también

 5 Referencias

 6 Enlaces externos

Instrumentación [ editar ]

La obertura se anotó para: a piccolo , una flauta , dos oboes (primero o segundo oboe duplica un corno
inglés ), dos clarinetes en La, dos fagotes , cuatro trompas francesas en G y E, dos trompetas en E,
tres trombones , timbales , triángulo , bombo y platillos , ycadenas .

Estructura [ editar ]

La obertura, que dura aproximadamente 12 minutos, pinta un cuadro musical de la vida en el Alpes
suizos , el ajuste de la ópera. [4]Fue descrito por Berlioz (que generalmente detestado obras de Rossini)
como "una sinfonía en cuatro partes" , [5] pero a diferencia de una sinfonía con sus
discretos movimientos , piezas de transición de la obertura de una a otra sin ninguna interrupción.

Preludio, Dawn

El Preludio es un paso lento en Mi mayor , anotó cinco solistas cellos acompañados de contrabajos . Se
inicia en Mi menor con un solo de violonchelo, que es a su vez contestó "por el resto de los violonchelos
y los contrabajos. Una tormenta inminente se insinúa por dos timbales muy tranquilo rollos semejantes
[6]
trueno lejano. La sección termina con una nota sostenida muy alta desempeñado por la primera cello.

Tormenta

Esta sección dinámica en mi menor es interpretado por la orquesta completa. Se inicia con los violines
y violas . Sus frases son interrumpidas por las intervenciones de los instrumentos de viento cortos de
tres notas cada uno, primero por el piccolo, flauta y oboes, y luego por los clarinetes y fagotes. La
tormenta se desata por completo con la entrada de los cornos franceses, trompetas, trombones y
bombo. El volumen y el número de instrumentos disminuye gradualmente a medida que la tormenta se
desploma. La sección termina con la flauta sola. [6]

Ranz des Vaches

Esta pastoral sección en sol mayor que significa la calma después de la tormenta comienza con
una Ranz des Vaches o "Llamada a las vacas", con el corno inglés (Inglés horn). El cuerno juega
entonces en frases alternando con la flauta, que culminó en un dúo con el triángulo que los acompañen
con el fondo. [6] La melodía aparece varias veces en la ópera, como el acto final, y adquiere el carácter
de un leitmotiv . [7] Este segmento se utiliza a menudo en los dibujos animados para indicar el amanecer,
sobre todo en Walt Disney 'sThe Old Mill . [8]

Finale, Marcha de los soldados suizos

El Finale, a menudo llamada la "Marcha de los soldados suizos" en Inglés, es en Mi mayor, como
el Preludio, pero es un ultra-dinámica galop anunciado por trompetas e interpretada por la orquesta
completa. Alude al acto final, que narra la batalla victoriosa de los soldados suizos para liberar a su
patria de la represión austríaca. Aunque no hay caballos o cargas de caballería en la ópera, este
segmento se utiliza a menudo en los medios populares para denotar caballos al galope, una raza o un
héroe al rescate. Su uso más famoso en este sentido es que el tema musical de El llanero solitario , tan
famoso que el término "intelectual" se ha definido como "un hombre que puede escuchar el William Tell
Overture sin pensar en el Llanero Solitario". [9 ] El final también es citado por Dmitri Shostakovich en el
primer movimiento de la Sinfonía n º 15 . [10]

Referencias culturales [ editar ]

William Tell Overture

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William Tell Overture
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Descrito por David Wondrich como un "blanco frecuente de despojo por bandas de música de los años
durante los cuales dominaban el panorama musical americano ", la obertura ocupa un lugar destacado
en la Walt Disney Mickey Mouse dibujos animados, The Concert Band . [11] También se ha utilizado en
los dibujos animados parodiando la música clásica (por ejemplo, Oberturas de Bugs Bunny a
Desastres en el que el final de la obertura es realizada por el Pato Lucas y Porky Pig ) o del Oeste (por
ejemplo, Bugs Bunny Rides Again ).[12] El final también ha cantado con letras especialmente escritos por
Pato Lucas en Yankee Doodle Daffy y por un cuarteto de policías canto (como "Feliz Aniversario") en
el Flintstones episodio, "The Piano caliente". [13] [14]

Una de las piezas más utilizadas de la música clásica en la publicidad americana, la obertura
(especialmente su final) aparece en numerosos anuncios, [15] con el psicólogo Joan Meyers-Levy sugiere
[16]
que es especialmente adecuado para aquellos dirigiéndose a los consumidores masculinos. Fue
utilizado en un hip-hop versión de DJ Shadow para acompañar al "Defy Convención" campaña de 2001
anuncio de Reebok calzado deportivo, en una versión electrónica de un 2008 Honda
Civic campaña. [17] [18]

Entre las películas que cuentan con la obertura prominente es de Stanley Kubrick La naranja mecánica ,
donde se juega la final durante la escena de orgía de movimiento rápido. La parte introductoria menos
frecuencia oído hablar de la obertura se utiliza como música sombrío estado de ánimo más tarde en la
película. [19] La obertura es una de varias piezas de música clásica en la banda sonora de la película,
que también incluye la obertura de Rossini de La Urraca Ladrona , Elgar Pompa y circunstancia , y de
Rimsky-Korsakov Scheherazade . [20]

La obertura, especialmente su final, también aparece en varios eventos deportivos. Ha sido utilizado por
el Hong Kong Jockey Clubdurante muchos años. [21] Durante el tercer tiempo de cada medio segundo
en la Universidad de Indiana juegos de baloncesto, la banda Indiana pep y equipo de porristas realiza la
obertura con porristas corriendo alrededor de la cancha que lleva dieciocho banderas.Indiana pública
[22]
anunciador Chuck Crabb dijo que la tradición comenzó hacia 1979 o 1980. Sportscaster Billy
[22]
Packer lo llamó "el mayor tiempo de espera de la universidad en el país".

Aram Khachaturian
De Wikipedia, la enciclopedia libre
 Khachaturian, c. 1960

Aram Khachaturian ( ruso : Арам Ильич Хачатурян; armenia : Արամ Խաչատրյան) [n 1] (6 de

junio [ OS 24 de mayo] 1903-1 mayo de 1978) fue un soviética armenia compositor. [1] Además deSergei
Prokofiev y Dmitri Shostakovich , Khachaturian a veces se llama una de las tres "titanes" de la música
soviética. [2] También se considera "uno de los grandes músicos" del siglo 20. [3]
Las obras de
Khachaturian a menudo influenciados por la música europea clásica y música tradicional armenia . [4] [5]

Nacido en Tiflis a una familia armenia, Khachaturian trasladó a Moscú a la edad de 19 años. Se graduó
en el Conservatorio de Moscú en 1934. Khachaturian es famosa por el Adagio de Espartaco y Frigia de
su ballet Espartaco , y para el " Sabre Dance "de su ballet Gayane y el adagio de la misma ballet, muy
utilizada en las películas y series de televisión en todo el mundo.

Contenido

[hide]

 1 Biografía

o 1.1 Primeros años

o 1.2 Educación y carrera

 o 1.3 Últimos años y muerte

 2 Obras

 3 Influencia

 4 Legado

 5 Honores y premios

 6 Notas

 7 Referencias

 8 Lectura adicional

 9 Enlaces externos

Biografía [ editar ]

Khachaturian en 1930

Primeros años [ editar ]

Aram Khachaturian nació en Tiflis, Imperio ruso (ahora Tbilisi, Georgia ) a una
mala armenia familia.[6] Su padre, Yeghia Khachatryan, nació en Alto Aza pueblo cerca Ordubad en la
región de Najicheván del Erivan Gobernación , se trasladó a Tiflis, a la edad de 13 años y se convirtió en
el dueño de la tienda del encuadernador a 25. Su madre, Kumash Sarkisovna, era de baja Aza , también
un pueblo cerca de Ordubad. Los padres de Khachaturian estaban comprometidos antes de conocerse,
cuando tenía 9 años y Kumash Ilia tenía 19 años. Tuvieron 5 hijos, una hija y cuatro hijos, de los cuales
Aram era el más joven. [7]

En su juventud, Khachaturian estaba fascinado por la música que oía a su alrededor, pero al principio no
estudió música o aprender a leer.
Educación y carrera [ editar ]
En 1920, cuando Armenia se declaró una república soviética , Khachaturian unió a un tren de
propaganda gira Armenia, habitado por georgianos, armenios artistas. Al año siguiente viajó
a Moscúpara reunirse con su hermano, el director de escena de la Segunda Teatro de Arte de
Moscú. [8] A pesar de que casi no tenía educación musical, Khachaturian mostró como un gran talento
que fue admitido en el Instituto Gnessin donde estudió cello bajo Sergey Bychkov, y más tarde Andrey
Borysyak. [9] [10] En 1925 Mikhail Gnessin comenzó una clase de composición en el Instituto Gnessin,
que se unió a Khachaturian. [11]

Prokofiev , Shostakovich , Khachaturian

En 1929, se trasladó al Conservatorio de Moscú , donde estudió con Nikolai Myaskovsky(composición)

y Sergei Vasilenko (orquestación), donde se graduó en 1934 con su primera sinfonía. En 1933 se casó
con el compositor Nina Makarova , un compañero de la clase de Myaskovsky. [6] En 1951, se convirtió en
profesor en el Instituto Gnessin Estado Musical y Pedagogía (Moscú) y el Conservatorio de
Moscú. También ocupó puestos importantes en las Unión de Compositores , convirtiéndose en
vicepresidente de la rama de Moscú en 1937, entonces nombrado vice-presidente del Comité
Organizador de los compositores soviéticos en 1939. [12] En 1939 compuso su felicidad ballet, que más
tarde reelaborado en el balletGayane . [13]

El compositor se unió al Partido Comunista de la Unión Soviética en 1943. Sin embargo, cayó
temporalmente del favor oficial en 1948. Era el poema sinfónico, más tarde llamado la Tercera Sinfonía,
que ganó oficialmente Khachaturian la ira del Partido. Irónicamente, Khachaturian escribió la obra como
un homenaje al comunismo: "Yo quería escribir la clase de composición en la que el público se sentiría
mi programa no escrito sin un anuncio que quería este trabajo para expresar la alegría y el orgullo del
pueblo soviético en su gran y. poderoso país ". Tal vez porque Khachaturian no incluyó una dedicatoria
o notas del programa, sus intenciones fueron contraproducentes.
Khachaturian en 1964

Andrei Zhdanov , secretario del Comité Central del Partido Comunista , pronunció el llamado decreto
Zhdanov en 1948. El decreto condenó Shostakovich , Prokofiev , Khachaturian, y otros compositores
soviéticos como "formalista" y "anti-popular." Los tres compositores nombrados tenían para entonces ya
se ha establecido como los llamados "titanes" de la música soviética , reconocido mundialmente como
uno de los principales compositores del siglo 20. Sin embargo, los tres se vieron obligados a pedir
disculpas públicamente.

El decreto afecta Khachaturian profundamente: ". Fueron días trágicos para mí ... Me clouted en la
cabeza tan injustamente mi palabra arrepentimiento en el Primer Congreso era sincero yo estaba
aplastado, destruido pensé seriamente en cambiar de profesión..."

A pesar de este episodio humillante, Khachaturian devolvió el favor oficial. Recibió numerosos premios
estatales, tanto antes como después del decreto Zhdanov, por ejemplo, cuatro premios Stalin (1941,
1943, 1946 y 1950), una premio Lenin (1959), un Premio Estatal de la URSS (1971), y el título de Héroe
de Trabajo Socialista (1973). Khachaturian pasó a servir de nuevo como secretario de la Junta de la
Unión de Compositores , a partir de 1957, [14] [15] [16] y fue también diputado en el quinto Soviet Supremo
de la Unión Soviética (1958-1962). [15] [17]

Últimos años y muerte [ editar ]

Khachaturian murió en Moscú el 1 de mayo de 1978, justo antes de su cumpleaños número 75. Fue
enterrado en el Panteón Komitasen Ereván , junto con otros armenios distinguido que hace el arte
armenio accesible para todo el mundo.

Su sobrino Karen Khachaturian (1920-2011) fue también un compositor.

Obras [ editar ]

Vea también: Lista de composiciones por Aram Khachaturian

La estatua de Khachaturian 1999 cerca del Teatro de la Ópera Ereván .

Obras de Khachaturian abarcan una amplia gama de tipos de música, incluyendo ballets, sinfonías,
conciertos y numerosas bandas sonoras para películas.

Obras de Khachaturian incluyen conciertos para violín (a veces se escucha en una disposición
compositor sancionado por flauta), cello y piano, así como concierto-rapsodias de los mismos
instrumentos. Estos tres conciertos fueron escritos por los miembros de un reconocido trío de piano
Soviética que realizó en conjunto desde 1941 hasta 1963: David Oistrakh , violin, Sviatoslav
Knushevitsky , cello, Lev Oborin , piano. El concierto para piano originalmente incluía una primera parte
para el flexatone , y fue su primer trabajo para él ganar el reconocimiento en Occidente. Tres de
Khachaturians sinfonías son obras variadas, con los terceros partes que contienen de quince trompetas
y otros órganos . Obras de mayor escala del compositor son los balletsSpartacus y Gayane , los cuales
contienen la música más conocida de Khachaturian, con Gayane Featuring en su último acto lo que es
fácilmente el más famoso de música, la " Danza Sabre ". [18]

También escribió varias obras solistas de piano, incluyendo la Toccata en mi bemol menor , y dos
álbumes de música para niños (Opp. 62 y 100). Album infantil, libro 1, publicado por primera vez en
1947, contiene un Andantino suave y melódica original compuesta en 1926, esta pieza es comúnmente
conocido como Ivan canta, que se deriva de ocho de cada diez piezas originalmente se recoge
comoaventuras de Ivan Álbum Infantil, Libro 2, publicado por primera vez en 1964, incluye
a. fuga compuesta en 1928, y un rápido ritmoprogramática pieza titulada Dos tías divertidas Sostuvo que
a veces se traduce como dos señoras cotilleando. También compuso algunas bandas sonoras y música
incidental para obras de teatro, como la producción de 1941 de Mikhail Lermontov 's Masquerade , el
[19]
"Vals" de la que se ha realizado y registrado con frecuencia.

La calidad cinematográfica de su música de Spartacus se ve claramente cuando el "Adagio de

Espartaco y Frigia" se utilizó como tema de un popular BBC series de ficción, La Línea Onedin , durante
la década de 1970. [20] Desde entonces, se ha convertido en uno de los más populares de todas las
piezas clásicas para el público del Reino Unido. Joel Coen 's El gran salto también un lugar destacado la
música de Espartaco y Gayane (el "Sabre Dance" incluido). Gayane 's "Adagio" fue utilizado en Stanley
Kubrick la película 's 2001: Una odisea del espacio , entre otras películas. También fue el compositor
del himno del estado de la República Socialista Soviética de Armenia , cuyo tono es una de las cinco
opciones actuales para convertirse en el próximo himno del Estado de Armenia. El punto culminante
de Spartacus se utilizó también en Calígula [21] y Ice Age: The Meltdown .

Influencia [ editar ]

Soviética (1983), Rusia (2003) y sellos de Armenia (2003)

A pesar de que nació en lo que hoy es Georgia y vivió la mayor parte de su vida en Rusia, Aram
Khachaturian ha sido una figura emblemática para las generaciones de compositores armenios. La
[22]
mayoría de sus obras están saturados con siglos de antigüedad motivos de la cultura armenia. Sus
trabajos abrieron el camino para nuevos estilos y exploraciones audaces, a pesar de su estilo fue
estrechamente controlada por el régimen. Khachaturian animó a los jóvenes compositores a
experimentar con nuevos sonidos y encontrar sus propias voces. Su técnica de orquestación colorido,
admirado por Shostakovich y otros en el pasado, todavía se destaca por su frescura y vitalidad de los
compositores modernos. La influencia de Khachaturian se puede rastrear en casi todas las tendencias
de la tradición clásica armenia, ya sea en la música de cámara y sinfónica. Compositores que fueron
particularmente influenciados por Aram Khachaturian incluyen Alexander Arutiunian , Arno
Babajanian , Tigran Mansurian , Edgar Hovhannisyan , Edward Manukyan y Loris Tjeknavorian .

Como director, Khachaturian hizo varias grabaciones comerciales, incluyendo una grabación 1953 de su
segunda sinfonía con la Orquesta Filarmónica Nacional, una grabación estéreo 1963 de la sinfonía con
la Filarmónica de Viena , y EMI grabaciones de suites de Gayane y Masquerade y su concierto para
violín en 1954 (con David Oistrakh como solista), con la Orquesta Philharmonia . Más tarde hizo
grabaciones estéreo del concierto para violín (de nuevo con Oistrakh), la segunda sinfonía en 1977 en la
etiqueta del disco rusa y música de Gayane. Algunos de sus discos se han reeditado en CD.

Alumnos notables de Khachaturian eran Aziz El-Shawan , Andrei Eshpai , Vyacheslav

Grokhovsky, Marcos Minkov , Georgs Pelecis ,Alexey Rybnikov , Tolib Shakhidi , Mikael Tariverdiev ,
Enrique Ubieta, y Anatol Vieru .

Legado [ editar ]

Anverso de la armenia 50 dram

Las calles de Ereván, Moscú ( ru ), [23] Simferopol , Ucrania y Astana , Kazajstán se nombran después
de Khachaturian.

La Casa-Museo de Aram Khachaturian fue inaugurado en Ereván en 1982.

En 1998, fue honrado por aparecer en el papel moneda armenia (50 dram ).
En 2003, el director estadounidense de origen armenio Eric Bogosian narrado de 83 minutos de
[24]
duración documental sobre Khachaturian con imágenes únicas.

El Concurso Internacional de Aram Khachaturian se celebra anualmente en Yerevan desde 2003. [25]

Una estatua de Khachaturian por Georgiy Frangulyan ( ru ) se inauguró en Moscú el 31 de octubre de

2006. Asistentes notables incluyeron presidente de Armenia, Robert Kocharian , el alcalde de
Moscú, Yury Luzhkov, y la primera dama de Rusia Lyudmila Putina.

En 2009, Aeroflot nombrado uno de sus Airbus A319-112 avión después de Khachaturian. [26]

Honores y reconocimientos [ editar ]

 Artista de Honor de la RSS de Armenia (1938)

 Tres Órdenes de Lenin (1939, 1963, 1973)

 Premio Stalin de segunda clase (1941) para el Concierto para violín y orquesta

 Premio Stalin de Primera Clase (1943) para el ballet "Gayane"

 Artista homenajeado de la RSFSR (1944)

 Orden de la Bandera Roja del Trabajo , en dos ocasiones (1945, 1966)

 Premio Stalin de Primera Clase (1946) para la Segunda Sinfonía

 Artista del Pueblo de la RSFSR (1947)

 Premio Stalin de Primera Clase (1950) para que la música de dos partes película La batalla de
Stalingrado

 Artista del Pueblo de la URSS (1954)

 Artista del Pueblo de la República Socialista Soviética de Armenia (1955)

 Premio Lenin (1959) para el ballet Espartaco

 Orden de "Ciencia y Arte", 1 º grado (1961, República Arabe Unida) por su destacada trayectoria
musical

 Artista del Pueblo de la República Socialista Soviética de Georgia (1963)

 Premio Estatal de la RSS de Armenia (1965)

 Medalla conmemorativa del 25 º aniversario de la ascensión al trono Shahin -Sha de

Irán, Mohammad Reza Pahlavi (1965)

 Doctor en Bellas Artes (1965)

 Honrado trabajador de Artes de la RSS de Uzbekistán (1967)

 Orden de la Revolución de Octubre (1971)

 Héroe del Trabajo Socialista (1973)

 Artista del Pueblo de la República Socialista Soviética de Azerbaiyán (1973)

  Trabajo Valiant en la Gran Guerra Patria de 1941-1945 Medalla

 Medalla "en conmemoración del 800 aniversario de Moscú"

 Medalla "Por la Defensa del Cáucaso"

 Medalla "Por la Defensa de Moscú"

 "Para Trabajo Valiant. Para conmemorar el 100 aniversario del nacimiento de Vladimir Ilich Lenin"

 Premio Estatal de la URSS (1971) para Triad Concierto-Rapsodia para Violín y Orquesta,
Violonchelo, Piano

 Artista de Honor de la República Popular de Polonia por sus servici

La "Danza Sabre" es un movimiento en el acto final del ballet Gayane (1942) de Aram
Khachaturian . Se considera la obra más famosa de Khachaturian. [1][2] Se basa en la música
folclórica armenia , [3] [4] , especialmente su sección media. [5] El "Sabre Dance" se hizo popular por
las cubiertas de los artistas pop. Se ha utilizado utilizado por patinadores y en una amplia gama de
películas y series de televisión. [2] NPR describió como "uno de los más pegadiza, más familiar, tal
vez la mayoría de los enloquecedora-tunes para salir de el siglo 20."[ 6] Billboard revista llamó "una
pieza que se conoce a cada Pops Orchestra en existencia ". [7]

Contenido

[hide]

 1 Gráficos

 2 Cubiertas

 3 En la cultura popular

o 3.1 Películas

 4 En el deporte

 5 Referencias

 6 Enlaces externos
Listas [ edit ]
En 1948, el "Sabre Dance", interpretada por la Orquesta Sinfónica de Chicago (dirigida por Artur
Rodzinski ), [8] [9] de la Filarmónica de Nueva York (realizado por Efrem Kurtz ), [10] y Oscar
Levant , [11] alcanzó número uno en los Billboard Best-venta de discos de artistas clásicos. Estas
tres versiones de la "Sabre Dance" fueron incluidos en el Billboard "del Año Mejores Ventas
Artistas clásico sobre contadores al por menor" en 1948. [12] También se convirtió en el primer
millón-venta récord de la Orquesta Sinfónica de Chicago. [13]

Cubre [ edit ]

Año Artista, banda, orquesta Nota Árbitro Artista, banda,

Año Nota
orquesta
 [14]
1948 The Andrews Sisters 1992 Mekong Delta Álbum: Kaleidoscope

[15]
1948 Oscar Levant en el cine Vuelve a mí como "Sodoma y Gomorr
1994 Aceptar
en el álbum deDeath Row

[16]
1948 Benno Moiseiwitsch
1995 Martillo del album: Šlágry
Maestro
[17]
1948 Woody Herman Álbum: The SecondHerd

1996 Skyclad Álbum: Himnos irraciona

[18] [19]
1954 Liberace

1996[36] Jascha Heifetz

en la película Little Boy
1955 Lester Metcalf
Perdido
Budapest Gypsy
1999
Symphony Orchestra
[20]
1958 Les Baxter Álbum: Space Escapade

2004 Vanessa-Mae album: Coreografía

Harmonicats de Jerry Álbum: Stereo Volume [21]
1962
Murad Two Party
como "Highly Strung" en
2004 Enlace
álbum Clasificado
Escultura del
[22]
1968 amorcon el de Dave
Edmunds Álbum: The Essential Jam
2006 James Galway
Galway

Spontaneous [23]
1973
Combustion 2006 De Tony Levin album: Resonador

[24]
1974 Ekseption album: Bingo 2007 Georges Cziffra

[25]
1979 The Boys Al diablo con el Boys The Brian Setzer Álbum: La gran noche de
2007
Orchestra Wolfgang salida

[26]
1979 The Pretenders album: Pretenders
en el cine Andre Rieu - In
2008 André Rieu Wonderland
realizado en un concierto [27]
1982 Ivan Rebroff
en Sydney
 como "El Padre Nuestro" [28] cubierta "Sabre Dance" e
1985 Nina Hagen
en el álbum En Ekstase sus shows en vivo, a men
2009 Disco Biscuits
mezclando elementos de
rock ytrance
[29]
1988 UK Subs Killing Time

album: Hyper Mediodía

2010 Les Fradkin
[30] Guitarra
1989 Toy Dolls Wakey Wakey

2011 Michał Jelonek álbum: Revenge

En la cultura popular [ editar ]

El "Sabre Dance" ha sido utilizado en numerosas películas, dibujos animados, series de televisión,
videojuegos y publicidad a través de los años. [49] de la pieza de conocimiento popular ha sido
mejorado por su uso tradicional como acompañamiento de viaje circos y en la
televisión Variedades tales como The Ed Sullivan Show , cuando la novedad actúa
como hilanderos placa aparecieron. [6] La Liga nacional de hockey del equipo Buffalo
Sabres utilizado antes la pieza en su tema. [50]

Algunos programas de televisión notables que lo han utilizado incluyen el Programa de Jack
Benny (1961), un piano en la casa de The Twilight Zone (1962), La línea Onedin (1971 y 1972), El
show de Benny Hill (1985), The Simpsons ( 1991-2011), Dos hombres y medio(2004), ¿Qué hay de
nuevo, Scooby Doo? (2004), " Peterotica episodio "de Family Guy (2006), SpongeBob
SquarePants (2007), The Big Bang Theory (2009). [51

Carl Orff
Carl Orff

Carl Orff (en segundo plano) y Lieselotte Holzmeisteren 1956

 Nacimiento 10 de julio de 1895
Múnich, Imperio alemán

Fallecimiento 29 de marzo de 1982 (86 años)

Múnich, Alemania

Nacionalidad Alemana

Ocupación Compositor

Cónyuge Q1827951, Luise Rinser

Obras Carmina Burana (1936), Catulli Carmina (1943), Triunfo

de Afrodita(1953)

Premios Q15056034

Carl Orff (Múnich, 10 de julio de 1895 – ibídem, 29 de marzo de 1982) fue uncompositor alemán, que
puede ser enmarcado dentro de la corriente delneoclasicismo musical. Sobre todo es conocido por su
obra Carmina Burana, y también por desarrollar un sistema de enseñanza musical para niños, que ha
tenido notables resultados (Schulwerk o método Orff).

Índice

[ocultar]

 1 Primeros años

 2 Primera guerra mundial

 3 Década de 1920

 4 Carmina Burana

 5 Su relación con el régimen nazi

 6 Posguerra

 7 Familia y descendencia

 8 Muerte

 9 Referencias

 10 Bibliografía
 11 Enlaces externos

Primeros años[editar · editar código]

Carl Orff nació en Múnich, el 10 de julio de 1895. Su familia era originaria de Bavieray estaba vinculada
al ejército alemán.

Orff comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años y también tomó lecciones deórgano y cello. Sin
embargo, se mostró más interesado en la composición que en el estudio orientado a la interpretación
instrumental. Por eso mismo, desde muy temprano Orff escribió y puso en escena obras de títeres para
su familia, componiendo la música para piano, violín, cítara y glockenspiel para acompañar sus obras.
Además, publicó en 1905 un cuento en una revista para niños y comenzó a escribir un libro acerca de la
naturaleza mientras, en su tiempo libre, disfrutaba coleccionando insectos.

En 1912, a la edad de 16 años, comenzó a publicar parte de su música. Muchos de sus trabajos de
juventud están inspirados en lapoesía alemana. Por eso, se pueden clasificar dentro del estilo
de Richard Strauss y otros compositores alemanes de la época, pero que ya muestran indicios de lo que
sería el distintivo lenguaje musical de Orff.

En 1911-1912 Orff escribió Zaratustra, Op. 14, un amplio trabajo para barítono, tres coros y orquesta,
inspirado en la obra filosófica deFriedrich Nietzsche Así habló Zaratustra.1 2 En 1913 compuso
una ópera o drama musical titulado Gisei, das Opfer (Gisei, el sacrificio). Influenciado también por el
compositor impresionista francés Claude Debussy, comenzó a utilizar inusuales y coloridas
combinaciones de instrumentos en su orquestación.

Primera guerra mundial[editar · editar código]

El Musik-Lexikon de Moser nos dice que Orff estudió hasta 1914 en la Königlichen Akademie der
Tonkunst (Academia de música deMúnich), ahora llamada Hochschule für Musik und Theater. Después
sirvió en el ejército durante la Primera guerra mundial. Fue gravemente herido durante un bombardeo de
artillería mientras se encontraba en una trinchera. Más adelante ocupó varios puestos en las óperas
de Mannheim y Darmstadt y, finalmente, volvió a Múnich para proseguir sus estudios
musicales.[cita requerida]

Década de 1920[editar · editar código]

A mediados de la década de 1920 Orff comienza a formular un concepto que llamó elementare
Musik (música elemental)3 que estaba basado en la unidad de las artes, simbolizado por las
antiguas musas griegas (vocablo del cual proviene el nombre Música), involucrando al tono, la danza,
la poesía, la imagen, el diseño y el gesto teatral. Como muchos otros compositores de la época, se vio
influenciado por el émigré (emigrante) Ruso-Francés Igor Stravinsky. Pero mientras otros seguían el
estilo neoclásico «fresco y balanceado» de algunos trabajos de Stravinsky, a Orff le interesaron más
otras obras como Les noces (La boda), una evocación cuasi-folclórica a los antiguos ritos de boda.
Entonces él comenzó a adaptar obras musicales de eras tempranas para la representación teatral en su
tiempo, incluyendo la ópera de Claudio Monteverdi Orfeo (1607). La versión alemana de Orff, Orpheus,
fue puesta en escena en 1925 en Mannheim, Alemania bajo la dirección del propio Orff y usando
algunos de los instrumentos utilizados en la ejecución original de 1607. Esta apasionada y declamada
ópera de Monteverdi era prácticamente desconocida en los años 1920; sin embargo, la producción de
Orff se encontró con reacciones que iban desde la incomprensión hasta la ridiculización.[cita requerida]

Tras fundar junto a Dorothee Günther en 1924 la Escuela Günther para gimnasia, música y danza en
Múnich[cita requerida], Orff fue jefe de departamento de dicha escuela hasta el fin de su vida. Allí trabajó con
alumnos principiantes y desarrolló sus teorías en educación musical, teniendo un contacto constante
con los niños. En 1930, Orff publicó un manual titulado Schulwerk, donde comparte su método
educativo. Antes de escribir los Carmina Burana, Orff editó óperas del siglo XVII.

Carmina Burana[editar · editar código]

El trabajo más famoso de Orff, Carmina Burana, se basa en la homónima Carmina Burana, una
colección de cantos goliardos de lossiglos XII y XIII reunidos en el manuscrito encontrado
en Benediktbeuern en el siglo XIX. Escritos por monjes y juglares, la colección atrajo a Orff por lo
diverso de sus versos que eran tanto humorísticos, tristes o sugestivos. Entonces eligió unos veinte al
azar[cita requerida] y los arregló en crudas canciones para solistas y coro, acompañados por instrumentos y
mágicas imágenes.

Este trabajo ejemplifica la búsqueda de Orff por un idioma que pueda revelar el elemental poder de la
música, permitiendo al oyente experimentar la música como una fuerza primitiva y abrumadora. La
poesía de los Goliardos, que no solamente cantaba al amor y al vino, sino que también se burlaba de
la clerecía, encajaba perfectamente en el deseo de Orff de crear una obra musical que apelara a la
«musicalidad fundamental» que, como él creía, todo ser humano poseía. Absteniéndose de una
desarrollada melodía y una compleja armonía [cita requerida] y articulando sus ideas musicales a través de
sonidos básicos y patrones rítmicos fácilmente discernibles, Orff creó un idioma que muchos hallaron
irresistible. A pesar del notable sentimiento «primitivo» de Carmina Burana, Orff creía que la profunda
llamada de la música no era meramente física.

Carmina Burana forma la primera parte de la trilogía de las cantatas representadas

llamadas Trionfi (Triunfos), todas basadas en textos latinos. La otras dos partes son Catulli
Carmina y Trionfo di Afrodite.[cita requerida] La primera representación, en 1937, fue un gran adelanto
[cita requerida]
estilístico que trajo rápidamente fama a Orff. Además, Orff mismo toma a Carmina
Burana como el inicio real de su carrera y, por lo mismo, ordenó a su editor destruir todos sus trabajos
previos, una orden que, afortunadamente, fue desoída.[cita requerida]

Su relación con el régimen nazi[editar · editar código]

La relación de Orff con el fascismo alemán y el Partido Nacionalsocialista ha sido materia de un

considerable debate y análisis. SusCarmina Burana fueron muy populares en la Alemania nazi y su
estreno en Fráncfort del Meno en 1937 fue causa de numerosas representaciones. Pero la composición,
con sus ritmos poco usuales, fue también denunciada con argumentos racistas. [cita requerida]Orff, fue uno de
los pocos compositores alemanes bajo el régimen nazi que respondieron a la llamada oficial para
escribir nueva música incidental para El sueño de una noche de verano después de que la música
de Felix Mendelssohn fuera prohibida —mientras que otros rechazaron colaborar en esto—.4 Los
defensores de Orff alegan que el mismo ya se hallaba componiendo música para esta obra
desde 1917 y 1927, mucho antes de que esto fuera un favor al gobierno nazi.

Los Carmina Burana hicieron que el nombre de Orff se difundiera por el ambiente cultural nazi. Además,
Orff fue amigo de Kurt Huber, uno de los fundadores del movimiento de resistencia Die Weiße
Rose (la Rosa Blanca), que fue condenado a muerte por la Corte del Pueblo Alemán y ejecutado por los
nazis en 1943. Fortuitamente, Orff llamó a Huber a su casa el día anterior al arresto, mientras que la
angustiada esposa de Huber le rogaba a Orff que usara sus influencias en ayuda de su esposo, a lo que
Orff se negó. Si su amistad con Huber salía a luz, le contaba, él estaría «arruinado». La esposa de
Huber no vio nunca más a Orff. Luego un Orff afligido por la culpa le escribía una carta a su amigo,
implorando su perdón.5 6

De esta época datan las dos óperas más conocidas de Orff, aunque él era reacio a llamarlas
simplemente «óperas» en el sentido tradicional. Llamó a sus obras Der Mond (La luna, 1939) y Die
Kluge (La astuta, 1943), como Märchenoper («ópera de cuento de hadas»). Ambas composiciones
muestran el mismo sonido «intemporal», pues no emplean ninguna de las técnicas musicales del
período en que se compusieron, con la intención de que fueran difíciles de definir como pertenecientes a
una era en concreto.

Posguerra[editar · editar código]

Según el propio Orff, después de la Segunda guerra mundial se enfrentó a una posible pérdida de los
derechos de autor de los Carmina Burana, debido a un oficial de la desnazificación que había sido
miembro de la Rosa Blanca y estuvo involucrado en la resistencia.5 No existe evidencia acerca de esto
más que su propia palabra, ya que lo contradicen otras fuentes. El historiador canadiense Michael H.
Kater, sin embargo, expuso argumentos decisivos que afirmaban que Orff colaboró con las autoridades
nazis,7 pero luego, enComposers of the Nazi era: Eight portraits (2000) Kater revoca hasta cierto punto
estas acusaciones. Respecto a esto, la afirmación de Orff de que había sido anti-nazi durante la guerra
fue aceptada por las autoridades de desnazificación norteamericanas que cambiaron su categoría previa
de gray unacceptable a gray acceptable, permitiéndole continuar componiendo para presentaciones
públicas.

Muchas de las obras posteriores de Orff —Antigonae (1949), Oedipus der Tyrann (1958), Prometheus
desmotes (1967) y De temporum fine comœdia (1971)— estaban basadas en textos o temas de la
antigüedad. Las mismas extienden el lenguaje utilizado en laCarmina Burana de formas interesantes,
pero son costosas de montar y no son óperas en el sentido convencional del término. Sólo han sido
representadas ocasionalmente, y principalmente, en Alemania.

Familia y descendencia[editar · editar código]

Orff se casó cuatro veces. Sus parejas fueron: Alice Solscher con la que estuvo casado desde 1920–
1925, Alice Willer desde1939–1953, Luise Rinser desde 1954–1959 y Liselotte Schmitz en 1960. Su
única descendencia fue Godela, fruto del primer matrimonio, que nació en 1921. Orff acabó negando su
relación con su hija. «Él tenía su vida y eso era todo», explica Godela a Tony Palmer en el
documental O fortuna.8

Muerte[editar · editar código]

Lápida en Andechs.

Carl Orff muere a la edad de 86 años el 29 de marzo de 1982 en Múnich. Su vida atravesó
cuatro períodos históricos importantes: El Imperio Alemán, laRepública de Weimar, la Alemania nazi y
la Alemania Occidental de la posguerra. Orff fue enterrado en la capilla del monasterio de
estilo barroco deAndechs, al sur de Múnich. Su lápida muestra escrito su nombre, la fecha de
nacimiento, deceso y la inscripción latina Summus finis («El fin más alto»).

Carmina Burana (cantata)

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Carl Orff
 La rueda de la fortuna

Una representación de la obra

Carmina Burana es una cantata escénica del siglo XX compuesta por Carl Orff entre1935 y 1936, utilizando como
texto algunos de los poemas medievales de Carmina Burana. Se estrenó el 8 de junio de 1937 en la Alte
Oper de Fráncfort del Meno dirigida por Oskar Wälterlin.

La versión de Orff constituye, junto a Catulli Carmina y El Triunfo de Afrodita, la trilogíaTrionfi. Orff subtituló la
composición: Cantiones profánae cantóribus et choris cantándae comitántibus instrumentis atqüe imáginibus
mágicis (en español: ‘canciones laicas para cantantes y coreutas para ser cantadas junto a instrumentos e imágenes
mágicas’).

Índice

[ocultar]

 1 Estructura

 2 Registros selectos

 3 Film

 4 Bibliografía

 5 Enlaces externos

Estructura[editar · editar código]

La obra se compone principalmente de versos en latín aunque cuenta con fragmentos en alemán y provenzal
antiguo. Su fragmento más conocido es el O Fortuna, que constituye la primera parte del preludio y que se repite al
final de la obra.

En la cantata, además de la orquesta y coros, intervienen solistas (soprano, tenor,barítono), destacando su abundante
y espléndida percusión.
De la colección completa de los Carmina burana, Orff escogió 25 canciones y las ordenó de modo que pudieran ser
representadas en un escenario. En cuanto a la música, se amoldó a la sencillez de los textos. Aproximadamente la
mitad de las piezas son canciones cuya melodía se repite en cada estrofa casi sin variantes, limitándose algunas
veces a realizar simples escalas mayores o menores.

El ritmo es el encargado de dar variedad al conjunto, impidiendo así cualquier monotonía. Esta riqueza rítmica es,
tal vez, la característica más importante de losCarmina Burana de Orff. Hay en la obra una clara influencia de las
obras Las bodas yEdipo rey, de Ígor Stravinski (ver Diccionario Groove de Música).

La obra de Orff consta de una introducción, tres partes y un final, con un total de veinticinco números:

Fortuna Imperatrix Mundi

1. O Fortuna Latín

2. Fortune plango vulnera Latín

I – Primo vere

3. Veris leta facies Latín

4. Omnia sol temperat Latín

5. Ecce gratum Latín

Uf dem Anger

6. Tanz

7. Floret silva Latín

8. Chramer, gip die varwe mir Alemán

9. a) Reie

b) Swaz hie gat umbe Alemán

c) Chume, chum, geselle min Alemán

d) Swaz hie gat umbe Alemán

10. Were diu werlt alle min Alemán

II – In Taberna

11. Estuans interius Latín

12. Olim lacus colueram Latín

13. Ego sum abbas Latín

14. In taberna quando sumus Latín

III – Cour d'amours

15. Amor volat undique Latín

16. Dies, nox et omnia Latín/Francés

17. Stetit puella Latín

18. Circa mea pectora Latín/Alemán

 19. Si puer cum puellula Latín

20. Veni, veni, venias Latín

21. In trutina Latín

22. Tempus est iocundum Latín

23. Dulcissime Latín

Blanziflor et Helena

24. Ave formosissima Latín

Fortuna Imperatrix Mundi

Latín
25. O Fortuna

O Fortuna de Carl Orff en la cultura popular

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confiables . Material de referencias puede ser impugnado y eliminado . (Enero 2012)

En 1935/36, " O Fortuna "fue puesto en música por el compositor alemán Carl Orff por su veinticuatro
movimiento cantata Carmina Burana . La composición aparece en numerosas películas y anuncios de
televisión y se ha convertido en un elemento básico en la cultura popular , preparando el ánimo en
situaciones dramáticas o catastrófico. [1] Por ejemplo, se utiliza para describir el tormento de la adicción
a las drogas de Jim Morrison en la película The Doors . [2]

Contenido

[hide]

 1 En la cultura popular
 2 Bandas y artistas que han cubierto o muestras del trabajo

o 2.1 Demanda

 3 Referencias

En la cultura popular [ editar ]

 A principios de 1970: Ending utilizado a lo largo de 30 segundos anuncios de televisión británicos

para Old Spice aftershave lotion

 1978: En James Burke serie de la BBC 's Conexiones (1978 TV) en varios episodios.

 1981: En Excalibur (película de 1981) , cuando el rey Arturo y sus caballeros de entrar en batalla.

 1984: En la película de 1984 de velocidad .

 1989: En el trailer de la película de 1989 Gloria , durante el ataque final por la 54 ª Regimiento de
infantería voluntario de Massachusetts en Fort Wagner .

 1990: En Al otro lado (1990) animación especial, que se jugó en una escena en la que un hombre
cayó en un corral de gorilas en el zoológico.

 1990: Reproduce todo el trailer de la baja del presupuesto canadiense película de

terror, Cursed (1990), se anuncia como Gárgola .

 1992: Los primeros compases fueron utilizados como un tema para las tres primeras temporadas
de Rox a partir de 1992.

 1992: En la película El último mohicano (1992) , la pieza 'Massacre / Canoas "por Trevor Jones
recibe directamente de ella.

 1994: Se utiliza en el trailer de la película The Professional .

 1998: Durante el Undertaker entrada 's en Wrestlemania XIV

 1999: En La hija del general (película de 1999)

 2002: En Jackass: The Movie , una película de la realidad de 2002.

 2003: en Más barato por docena , al final de la escena de la fiesta de Dylan.

 2003: En The Matrix Revolutions , un poco después del minuto 6 de Juno Reactor vs Don Davis
'canción "Navras".

 2003: La selección aparece en un 2003 episodio de la serie de televisión The King of Queens ,
titulado "Clothes Encounter" (Temporada 5, Episodio 21). La música suena en anticipación cuando
era un bebé está a punto de escupir su comida (que consiste en arándanos) en Carrie
Heffernan nuevo vestido de marca cara 's.

 2007: En el 2007 la Navidad especial de televisión Shrek the Halls , juega como Shrek hace su
camino a la tienda de libros.
 2007 En "Beowulf: Príncipe de los gautas" como Beowulf descubre la espada para matar al
Helldam.

 2008: En el 2008 Qlimax , realizado por un coro .

 2009: En Capitalism: A Love Story (2009 película documental).

 2009: En todos los Pittsburgh Pirates partido en casa, en un video en la pantalla gigante . No se
sabe cuándo comenzó esta práctica, pero no se llevó a cabo en 2008, la reanudación en 2009.

 2009: En la película de 2009 G-Force , cuando los hámsters en las bolas carrera contra el coche a
través de los fuegos artificiales.

 2010: En el 2010 Classic Brit Awards , realizado por Rhydian y Men Only Aloud! .

 2010: El Talento conseguido de Gran Bretaña , el ganador 2010 Spelbound , lo utilizó como su
pieza de audición y en el final.

 2011: En la ceremonia de apertura del 50 º Aniversario de las Veladas poéticas de Struga (2011), el
25 de agosto de 2011, interpretada por una orquesta de cámara.

 2013: Se utiliza en la introducción de pilotos en el Daytona 500 .

 En Glee (Serie de TV) , Temporada 1, Episodio 7, en las escenas entre Will Schuester y Sue
Sylvester .

 En la matrícula ceremonia de la Universidad de Oslo cada año.

 En el Carlton Draught beer ad llama Carlton Calado: Gran Anuncio . [3]

 En El Hannity Mostrar Sean en programas de radio , como tope la música .

 En Los Simpson (Serie de TV) en la Temporada 20, Episodio 13, " Gone Maggie Gone ", y en un
comercial en la Temporada 21, Episodio 2:" Bart Gets a 'Z' ", a cargo de un convento de monjas .

 En Only Fools and Horses (BBC sitcom), cada vez que Rodney ve a su sobrino Damien , que fue
nombrado después de que el niño en The Omen .

 Antes del inicio de El Factor X , y también como el tema de entrada para los jueces.

 En The Rachel Maddow Show (serie de TV) , en una parodia de los anuncios del Partido
Republicano atacar al Partido Demócrata .

 En The Howard Stern Show , siempre muestran productor Gary Dell'Abate entra en el estudio.

 En Survivor episodio, mientras que Benjamin "Coach" Wade se extiende en el agua, marcando la
primera vez que el programa utiliza una pieza no original de la música.

 En el American Dad episodio " A Smith en la mano "cuando Francine lleva a casa después de
olvidar su ropa interior, casi la captura de su marido Stan masturbándose .

 Por que estoy en Setanta Sports , interpretado por Sven-Goran Eriksson para anunciar la llegada de
"The Boy Rooney" ( Wayne Rooney ).
 En The Sims Medieval videojuego , que se utiliza en varias ocasiones, incluyendo una búsqueda del
nombre y un libro titulado, "O, para el atún!"

 La Arizona State Sun Devil Marching Band interpreta la apertura cada vez que el equipo consigue
un tercio hacia abajo

 Los Pieles Rojas de Washington dirigido a la cancha al comienzo del juego, ya que se juega.

 En The Tonight Show with Jay Leno y Late Night with Conan O'Brien cuando un vídeo o una
imagen del ex vicepresidente de EE.UU. Dick Cheney se muestra.

 En Fei Cheng Wu Rao (un chino dating game show organizado por Meng Fei ), la música se
reproduce cuando el hombre es rechazado por todas las 24 damas en el escenario.