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Historia de las Artes Plásticas

Sofía Berrotarán

Renacimiento siglo XVI

Rafael

Estancia de la Signatura

Dentro del Patio de San Damaso, sala usada para firmar


documentos. Tiene cuatro paredes con frescos de 6 metros de
largo.

“La Escuela de Atenas”: fresco. Representa


la búsqueda de la verdad a través de la
filosofía (esfuerzo humano). Todo es pintura al
fresco, aunque parece mármol o bronce.
Representa el esfuerzo del intelecto humano.
Lo acompaña con la arquitectura, otro logro
humano. Pone a Apolo y Atenas como
esculturas y dos filósofos al centro: Platón y
Aristóteles. Aparecen Sócrates y Alejandro
Magno. La búsqueda del equilibrio en Rafael
es permanente. Por ejemplo, se puede ver
como llega apurado un alumno en la izquierda
y del otro lado sale otro. Euclides está leyendo
en un primer plano, Heráclito apoyado sobre
una valija, del lado derecho Pitágoras. El viejo con túnica celeste acostado sobre la escalera es
Diógenes. Rinde homenaje a sus contemporáneos también. Platón es Da Vinci, Pitágoras es
Bramante y Heráclito es Miguel Ángel. Se ve la volumetría típica de Miguel Ángel como un
homenaje. Él se pinta escondido a la derecha. Leonardo/Platón sostiene el libro Timeo (diálogo
sobre la belleza) y señala para arriba (las ideas importan) y Aristóteles tiene Ética, hay que
basarse en la experiencia. Logra tridimensionalidad a través de la perspectiva geométrica. varía el
tamaño, hay claroscuro moderado.

“El Parnaso”: Se encuentra encima de las


ventanas. El Parnaso es un monte griego.
Se representa la fuente Hipocrene, al dios
Apolo tocando el violín y las nueve musas.
Aparecen poetas del a Antigüedad y
también contemporáneos de él, como
Dante, Ariosto y Petrarca. Representa la
búsqueda de la verdad por medio del
artista. Apolo es el eje, los árboles se
pueden ver detrás. Safo está apoyado en
el falso marco que pinta para incorporar la
puerta a la composición de manera
armónica.

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“La Disputa del Sacramento”: se encuentre frente a
La Escuela de Atenas. Representa la búsqueda de la
verdad por medio de la teología. Tiene mínimo de
arquitectura y espacio terrenal (inverso a Atenas).
Predomina el arriba. Círculo en el altar que tiene la
hostia. Hay direccionalidad por construcción
geométrica. Quedan tres círculos, uno más grande que
el otro. Alrededor hay diferentes personajes bíblicos.
Rafael hace primero el esquema de los círculos y
triángulos que se forman para luego pintar. Para donde
señalan y miran los de abajo marca la composición. La
Paloma del Espíritu Santo está acompañada por cuatro
ángeles que representa cada uno un Evangelio.

Miguel Ángel Buonarotti

Capilla Medici

Se encuentra en la Iglesia de San Lorenzo, bajo el


patronazgo de los Medici, construida por
Brunelleschi en el siglo XV. No llega Brunelleschi a
hacer la fachada y el Papa le pide a Miguel Ángel
que la hiciera. Éste va a buscar el mármol y cuando
vuelve el Papa le dice que haga la Capilla Medici
así que la fachada sigue igual que antes, sin
terminar.
Miguel Ángel toma los colores de los Medici para
marcar cuáles son los elementos sustentantes (en
verde) y cuales los sustentados (en blanco) y
muestra una absoluta
claridad de lectura. En la
Capilla Medici tenemos a
los integrantes de la
familia. A la derecha,
Giuliano Medici, acompañado de dos esculturas: la noche y el día.
Representa la figura neoplatónica, la vida activa. En frente está Lorenzo
de Medici, acompañado del ocaso y de la aurora, representando la vida
contemplativa. La virgen hacia la cual miran los hermanos está al
centro.
Miguel Ángel toma la genialidad y la inspiración de Brunelleschi. La
cúpula descansa en pechinas.

La Virgen: el niño rota, se da vuelta y busca el pecho. Ella lo sostiene


con firmeza, pero nunca se miran. Comienza la alternancia de mármol
sin pulir (parte inferior) y pulido (de las rodillas para arriba).

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Giuliano de Medici: la vida activa, qué hay que hacer. El
sarcófago está en el centro. Sobre las volutas aparecen
sostenidos inmensos bloques escultóricos que representan a la
noche y el día. Giuliano mira a la virgen que está al centro, a su
derecha. Hay un manojo de hojas que representa a los Medici. En
el pequeño friso se pueden ver figuras monstruosas. La cara nos
resulta chica junto a la cabeza, con respecto al grosor y tamaño
del cuerpo. Esto anuncia la crisis del renacimiento (el es precursor
de esta etapa). Se representa a la medusa tres veces y como
tema de los capiteles. La noche con el rostro joven y el cuerpo
envejecido. Tiene una gestualidad emocional. La trenza sin pulir al
igual que otras cosas y el resto pulido. El pie es joven y está al
lado de una lechuza que representa la noche. Se ven unas
máscaras perturbadoras atrás (todo lo que se le da al monstruo se
le quita al humano, crisis). El día, no le pule la cara, se constituye
a medida que pasa. Este
inacabamiento cada vez va a ser más
importante en Miguel Ángel y le da a la figura mucho más dramatismo.
La torsión del cuerpo con respecto a las piernas. Se toma el tiempo de
pulir cada máscara, pero el rostro adrede no lo hace. El humano en
Miguel Ángel se representa como un gigante. Sin embargo, con una
progresiva fragilidad emocional.

Lorenzo de Medici: la vida contemplativa. Los capiteles son iguales a


los de Giuliano. Lorenzo está ausente de su cuerpo, contempla.
Quiebre en la seguridad, no de Miguel Ángel, pero de todo el entorno.
El descubrimiento de América. La reiteración obsesiva de la máscara,
Miguel Ángel ve los cambios de los tiempos antes que nadie. Aurora
se sostiene haciendo una profunda palanca, con gesto de hartazgo, no
quiero salir. Así comienzan los atisbos del día.

Capilla Sixtina

Los laterales están hechos por pintores del Renacimiento del


siglo XV (Ghirlandaio, Botticelli, etc.). Miguel Ángel pinta el techo
entre 1508 y 1512. Pinta más de 200 personajes a más de 19
metros del piso. Pinta todo el Génesis y 30 años después pinta
el Juicio Final en el altar, generando el manierismo, dando
cuenta de la crisis del descubrimiento de América y la Teoría
Copernicana. En el techo pinta escenas de la Creación entre
otras. Es pictórico y pinta figurando arquitectura. Imita el bronce
con los escudos en los episodios papales.
Se puede ver en los rectángulos las falsas molduras, es un marco arquitectónico que parece
mármol. Ninguna de las figuras de los ignudi repite posturas, todos los cuerpos con posiciones
raras. Figura del Dios Padre que separa la luz de las tinieblas, desde el punto de vista humano (no
es habitual). le da movimiento.
Dios de espalda, se le ve el trasero (lo cubren después pero Miguel Ángel lo pinto desnudo).
Energía en la apertura de los brazos, tridimensionalidad. Una mano genera el sol y la otra la luna.
Cara de Dios naranja, iluminado por el sol que él creó. Es gigante, potente. Miguel Ángel es afecto
a la figura humana, no al paisaje.

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Creación del hombre, lo humano necesita sostén, lo divino
no, levita. No se tocan los brazos de Adán y Dios porque
Miguel Ángel, neoplatónico cree en la fuerza pura de la
idea, de solo pensarlo lo crea, así le infunde energía con la
mano. en la pierna de Adán, con sombras la dibuja a Eva.
Genera energía por curvas y forma de pintar los pelos en
Dios. Adán fláccido, como si todavía no tuviese todo el
cuerpo activo. Se muestra el gran conocimiento anatómico
de Miguel Ángel.
La tentación, volumetría contundente incluso en las
representaciones femeninas. Forma espirada que
aparece en el Tondo Doni y en cada momento se
exacerba más, marcando emocionalidad desgarrada e
intensa. Fondo completamente desértico. Del disfrute a
la nada (izquierda a derecha). Los rostros de Adán y
Eva envejecen notablemente. Lenguaje intelectual en
el que la línea dibujística constriñe el color y nos
separa figura de fondo y figura de figura. No sugiere,
define. Se pueden ver ignudi (figuras desnudas que
establecen en nexo entre la antigüedad grecolatina y
su época, sin perder la fe cristiana). La masa corpórea
voluminosa y contundente está sostenida.
Diluvio universal, el fresco está dañado y se puede ver
que todas las molduras arquitectónicas están pintadas
por él. Humanidad doliente, desesperada. La figura que
asume el fin es la que está al centro, al costado
izquierdo. Lo propio de Miguel Ángel es la figura humana.
Sibila, se acentúa la forma espiralada, un zigzagueo
interno.
Profeta Daniel, el más
joven. Mezcla escultura,
pintura y arquitectura
logrados todos con los
mismos medios, pincel y
pintura.
Profeta Isaías, tiene toques negros para otorgare movimiento.
Pinta sombras y nos acentúa mucho más la tridimensionalidad.
Sibila Eritrea, exhaustivo tratamiento de la imagen, sabiendo que
los detalles no se van a ver desde abajo.
Actitud de profunda melancolía y vencimiento que es acompañad
por la figura de atrás, se
retrata fundamentalmente
desde la interioridad.

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Lo convocan a pintar, 30 años después, el altar de la Capilla Sixtina. Se da el Juicio Final. Lo
pinta a Jesús que no aparece en ningún lado en el techo. Hay caos, putrefacción. Pone menos
abajo y más arriba y el espectador siente un peso. El, en torno a su madre, Cristo da vuelta la
cabeza y levanta un brazo (dejame en paz) y María se encoge ante esa reacción. Miguel Ángel se
retrata en el pellejo de un despellejado, el no
puede más. Conmovedor reflejo de la conducta
humana.
Los scorsos (no están frontales) tienen posturas
con mucha tensión. Figuras desnudas, los “viste"
otro más adelante. Se puede ver la inseguridad de
las figuras y los músculos tremendos que no
soportan el peso. Gestos violentos, brazos
abiertos por la carrera. Se ve un Cristo no
barbado. Distorsiones de tamaño, torso gigante
con las piernas cortas. Gigante, iracundo. María
se enrosca sobre si misma, afligida. Incremento de
sombras, lenguaje más emocional. San Pedro
también gigante, progresivo debilitamiento en lo
humano, San Pablo atrás está asustado.
Algunos van ascendiendo. Gestos adormilados,
posturas fetales, cuerpos gigantescos.
Por otro lado sensación de caos, angustia.
Ángeles derriban a trompadas a los que quieren
subir. Una con manos en oración. A la izquierda
uno sufre. Absoluta incertidumbre con qué hice o
qué dejé de hacer. Abraza su cuerpo. Los que van
al infierno los lleva el barquero Caronte mientras
disfruta. El cardenal está pintado yéndose al
infierno. Se puede ver una máscara burlona y
grotesca.

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