© breno macedo

n. 03 | maio | 2018

Dica de Aluno
conheça o trabalho
de Samia Harumi

o que é um
bom desenho?
continuação do textão
por Marcelo Campos

criação
de personagem
um passo a passo com
Anderson Nascimento

e muito mais...
boas vindas | ronaldo barata

J
ulgar a qualidade de uma obra de
arte é por si só uma arte. É algo real-
mente complicado definir uma obra
como boa ou ruim. Quais parâmetros
devemos usar? Como classificar
uma obra de arte em relação a outras?
Se as obras têm intenções diferentes, é
possível fazer uma comparação?
Como estamos lidando com desenhos,
formas, figuras, muita coisa deve ser
levada em consideração: a aplicação, a
técnica usada, o objetivo, o público-alvo,
o processo e, é claro, o resultado obtido.
E é aí que a porca torce o rabo: estética
é algo totalmente pessoal, depende de
base apenas em nós mesmos? E mais,
achar que as outras pessoas devem
concordar conosco? Será mesmo que
existe então um bom e um ruim? Seriam
todas as obras boas e ruins ao mesmo
tempo, só dependendo de quem as vê?
Complicado, né? Pois é esta com-
plicação toda que o Marcelo Campos
continua explorando e tentando expli-
car na segunda e última parte do seu
s ta 2
co
textão “O QUE É UM BOM DESENHO?”. © ol
avo
Quem ainda não leu a primeira parte,
pode conferir aqui.
Além disso, o grande Anderson QUANTA ACADEMIA DE ARTES
Nascimento, ilustrador de League of direção

um senso muito particular e uma crítica
quase instintiva, onde simplesmente
gostamos de algo ou não. E é assim
mesmo: olhamos um quadro, ouvimos
uma música, vemos uma escultura,
escutamos um poema, saboreamos
um prato de comida e simplesmente
gostamos ou não, assim, naturalmente,
sem pensar. Claro que posteriormente
paramos para analisar aquilo que nos
é proposto, mas o primeiro impacto é,
geralmente, o mais forte.
A maioria das pessoas irá concor-
dar com a ideia de que “se eu gosto é
porque é bom”. E se é bom, todos os
outros têm que gostar também. Mas,
se gosto é pessoal, seria certo definir-
mos o conceito de bom ou ruim com
Legends no Brasil e professor do curso
de Arte Digital da Quanta, traz o passo
a passo de uma ilustração pessoal de
um fantástico “anão guerreiro”. E, fe-
chando a edição, temos o trabalho da
talentosíssima Samia Harumi, que já
foi nossa aluna em diversos cursos –
incluindo com este orgulhoso professor
que vos escreve.
E então? O que acha do trabalho
deles? É bom ou não? Eu gosto! E gosto
não se discute... Ou será que sim?
Um grande abraço,
Ronaldo Barata
Professor de Arte Digital, Ilustra-
ção e Desenho, além de diretor de
arte do Quanta Estúdio.
Marcelo Campos
gestão financeira | jurídica
Alexandre Figueiredo
coordenação administrativa
Vanks Estevão | Willian Estevão
relacionamento com o cliente
Daniel Clayton
coordenação didática
Olavo Costa | Tainan Rocha
Silas Rocha | Helena Nascimento
assessoria de imprensa | comunicação
Carol Fernandez | Felipe Campos
secretaria | recepção
Vandreia Gonçalves | Stefany Berglin
Thais Rodrigues | Lucy Silva | Sonia Rocha
limpeza | manutenção
Vania Toledo | Maria de Lurdes
Paulo César Toledo
QUANTA DIGITAL
editor-chefe
Marcelo Campos
conselho editorial
Ronaldo Barata
Olavo Costa | Tainan Rocha
projeto gráfico | diagramação
Olavo Costa | Helena Nascimento
colaboradores desta edição
Marcelo Campos
Sâmia Harumi | Anderson Nascimento
Breno Macedo | Ronaldo Barata
dica de artista | samia harumi

samia harumi
Paulista, 24 anos, cursou Letras na
USP, trabalhando como tradutora.
Sempre gostou de desenhar, mas
começou a estudar mais seriamen-
te a partir de 2016, quando cursou
Desenho e Arte Digital na Quanta
Academia de Artes. Também estu-
dou animação na Melies e realizou
vários outros cursos livres. Em
2017, lançou sua primeira HQ inde-
pendente na CCXP: “Dia de Bruxa/
Dia de Fada”. No momento, continua
estudando para adentrar o mundo
da animação e conseguir fazer in-
tercâmbio na França. Desejamos
toda a sorte para ela!
Para entrar em contato:
facebook.com/samia.harumi
@samiaharumi
textão | o que é um bom desenho

O3. CONSTRUINDO
QUE ÉOSUM BOM DESENHO?
CONCEITOS DE LEITURA DO DESENHO.* por marcelo
campos

Q
uando se é criança, nosso mundo
ainda está em construção. Nossas
noções do que seja a realidade
ainda estão sendo apuradas,
construídas à medida que essa
realidade nos é apresentada. À medida
que tomamos contato com ela, com que
convivemos com ela. À medida que ela
nos apresenta seus limites e possibi-
lidades. E alguns consideram essas
possibilidades bastante limitadas. Aos
poucos, as crianças vão aprendendo a
reconhecerem formas.
Cada uma destas formas começa
a se tornar um pouco mais complexa,
assumindo uma ideia, um nome que as
ajuda a identificar rápido um conceito,
um sentido, uma utilidade daquela
forma. Se elas tiverem contato com
outras possibilidades de formas, como
as apresentadas nos desenhos animados,
elas aprendem a abstrair. Aprendem
a ler uma mesma forma, aprendem
a entender que as formas podem ser
“desenhadas” de maneiras diferentes.
Uma na realidade e outra como uma
representação gráfica desta realidade
em desenho.
Meus filhos aceitavam as situações
apresentadas nos desenhos animados
simplesmente pelas emoções que
elas sugeriam. Eles não julgavam se
aquelas formas ou situações existiam
na realidade ou não. Não deixavam de
ver que aquilo era uma mão, só porque
não era o desenho hiper-realista de uma
mão. Mesmo sendo uma mão que em
vez de ter cinco dedos, tinha apenas
dois ou três. Mesmo sendo gordinha
ou magrinha demais. Arredondada
ou angulosa demais. Mesmo sendo
a mão de um rato, de um pato, de um
coelho, de um pica-pau. A mão não
deixava de ser mão, só porque não
era representada graficamente como
uma mão exatamente como a vista no
mundo real. Eles tinham a capacidade
de abstrair a forma.
As crianças se comunicam com os
sentimentos apresentados sem colo-
car nenhum obstáculo. As crianças se
comunicam através de sentimentos, 4
de conceitos, de ideias. Não prejulgam
pelas imagens “não realistas”. E se
elas podem, por que os adultos não?
Não podemos porque crescemos?
Por que aprendemos a tornar as
coisas mais complexas?
Desenhar é, também, manter a
noção de abstração, vendo as formas
como símbolos gráficos.
Um cachimbo desenhado não é um
cachimbo, é a representação gráfica
de um cachimbo (omo bem nos lem-
bra Magritte com seu “isto não é um
cachimbo”). Uma mão desenhada não
é uma mão: ela é a representação
gráfica de uma mão.

A obra de “A traição
das imagens”, de
1929, do artis-
ta francês René
Magritte traz o
desenho de um
cachimbo com o
texto “isto não é um
cachimbo”. Afinal, *esta é a segunda e últi-
aquilo é o desenho ma parte do texto “O que
de um cachimbo. A é um bom desenho?” de
representação de Marcelo Campos. Para ler
alguma coisa nunca a primeira parte do texto,
é a própria coisa. é só clicar aqui.
textão | o que é um bom desenho

No desenho, na expressão artística,

não existe a necessidade absoluta de
representar “mão”, tal como a que ve-

| M.C. escher
mos na realidade. Podemos ler formas
gráficas de mão, de pé, de perna, nariz,
boca, olhos, braço. E de objetos como

© PHIL RYNDA 
cadeira, mesa, televisão, carros, avião, e
tudo mais que existe no mundo material.
Pensando assim, o desenhista passa
a apresentar sua maneira pessoal de ver
um rosto, uma mão, um nariz e por aí vai.
Ele está interpretando o real, criando
seu próprio universo gráfico, criando 5
seu “alfabeto”. Trabalhando assim, o
artista não está apenas reproduzindo
formas: está se expressando. A letra
“A” pode ser escrita, ou “desenhada”
de infinitas formas diferentes, já que
existem muitas pessoas no planeta e
cada uma delas pode fazer seu próprio
“A”. Hieróglifos e ideogramas seguem
este pensamento. Eles não são dese-
nhos realistas: eles representam ideias,
conceitos. Desenhar é isso. Desenhar
é conceito, é escrever palavras. Um
olho é uma letra, um nariz é outra, uma
boca outra, outro olho outra... Quando
você juntar todas essas “letras”, terá a
“palavra” rosto. Imagens gráficas e pictóricas, assim como
Pensar no desenho como forma palavras escritas, têm uma origem comum.
de expressão cria um conceito mais
subjetivo da forma. Ela tem um caráter
simbólico, metafórico. Esse aspecto
enriquece muito a imagem, ela toma
outra proporção. O desenho realista ou
hiper-realista é uma conquista técnica
válida e importante. Mas não podemos
nos esquecer de um tipo de valor mais
profundo do sentido gráfico.
Se uma pessoa consegue fazer com
que outra entenda que ela “escreveu” a
palavra rosto, então, ela se comunicou.
Isso é desenhar!
textão | o que é um bom desenho
4. APRENDENDO A LER SÍMBOLOS GRÁFICOS
Talvez, durante a experiência de vida
das pessoas, durante seu processo de
aprender o que é real, estas percepções
as afastem do entendimento da leitura
dos signos, dos símbolos gráficos, vi-
suais. O que é uma pena, porque este
aprendizado passa por um processo
muito interessante, que é bastante
profundo em termos de interpretação
de seus significados.
Quando se pensa em uma palavra,
por exemplo, ela pode representar um
número enorme de possibilidades de
ideias e interpretações. Uma palavra
pode reunir em si mesma um conceito
muito mais complexo. Símbolos gráficos
também são assim. Quando nos dispo-
mos a aprender a lê-los, os processos
de entendimento sobre eles é bem mais
amplo. Existem estudos que indicam que
os povos orientais, por terem ideogramas
como “alfabeto”, desenvolvem conexões
neurais diferenciadas nas áreas do
cérebro que regem essas atribuições.
Existem também estudos, que pessoas
que escutam certos tipos de música ou
trabalham com certos tipos de arte,
também apresentam essas conexões
diferenciadas.
Quando entendemos esses proces-
sos no desenho, significa que estamos
aprofundando nosso conhecimento. Um
desenhista, um artista, quando olha para
uma forma, seja ela de um ser humano,
animal, árvore ou qualquer objeto, ele não
vê apenas a forma apresentada no mundo
real, ele abstrai essa forma, ele a codifica
e depois a decodifica em linhas (no caso
do desenho), em massas de cor (no caso
da pintura) e em uma infinidade de outras
possíveis maneiras de interpretação. Este
olhar é desenvolvido. Ele passa por esse
processo de leitura da forma. Que passa a
não ser mais uma forma, mas assume um
significado. A princípio apresentadas ao
leitor/ espectador como uma forma real,
e depois saindo dele como uma interpre-
tação, uma abstração desta forma. Uma
coisa é o desenhista apresentar a forma
do jeito que ela é. Outra é o desenhista
dar a sua visão dessa forma. É aqui que
entra a visão gráfica da forma.
É por isso que uma mesma perso-
nagem, o Superman, por exemplo, pode
ser interpretada de diferentes maneiras
(estrutura e acabamento diferentes),
dependendo do artista.
O engraçado é que a criança já fazia
isso antes. Então, parece que quando
éramos crianças, nosso olhar já codificava
as formas. Já tínhamos este “talento”. Nós
crescemos, aprendemos a complicar as
coisas. Se nos tornamos “artistas”, vol-
tamos a desenvolver um olhar capaz de
captar a essência das formas novamente.
Saímos para depois voltar.
Pode parecer bobagem dizer isso,
pode soar como algo fantasioso, mas
esse tipo de capacidade de abstração
da forma, cria também maneiras di-
ferentes de se ver o mundo, a vida, as
pessoas e tudo mais. Não precisamos
ser pragmáticos em tudo em nossa
vida. Podemos aprender a abstrair. 6
A ver além.
A partir dessa nova maneira de
ver, de ler, de interpretar, de codificar
formas através do desenho, da ilus-
tração, das histórias em quadrinhos e
de outras maneiras de se expressar, é
que a arte passa a ter vida própria. Os
reflexos desta nova maneira de ver, é
claro, se estendem não só pelas artes
gráficas, mas também na literatura, no
cinema, na música etc. Talvez essa seja
a diferença entre uma arte que pro-
põe, e uma arte que faz apenas o que
as pessoas querem e esperam dela.
© john byrne | TIM SALE | STEVE RUDE | FRANK QUITELY
textão | o que é um bom desenho
5.VISÃO PRÁTICA E VISÃO AMPLA.
Quando você chega ao ponto de en-
tender realmente o que é desenhar, fica
realmente complicado julgar o trabalho
de alguém, dizer que ele desenha mal
ou bem. Existem tantas maneiras de se
analisar isso. Porque não são apenas os
fatores técnicos que são observados.
Podemos ver tantos trabalhos tecni-
camente “impecáveis”, mas frios, sem
alma, pragmáticos. Esses são traba-
lhos tecnicamente perfeitos, mas são
repetição da repetição, das repetições
de tantos e tantos outros artistas. É
obvio que existe a evolução técnica
de um trabalho, mas muitas vezes um
trabalho é “apenas” tecnicamente bom.
E isso, muitas vezes, não basta.
O que existe é o que você quer fazer
com seu desenho. Se você quer ser um
profissional, aí existem exigências espe-
cíficas para cada mercado de trabalho.
Muitas vezes pragmáticos. Mas eles
são, em última instância, um reflexo
do entendimento também pragmático
do público para o qual este trabalho é
direcionado.
Publicar é tornar público. Quando
um artista publica seu desenho, ilus-
tração ou exibe seu desenho animado,
ele está mostrando isso ao público. Por
isso, seu trabalho acabada entrando
em níveis, sendo categorizado pelo
público que o recebe e pelo editor que
tenta atingir e atender a esse público
específico. Na verdade, antes de um
trabalho ser publicado ou mesmo de
entrar em uma grade de TV, ele está
categorizado, direcionado para um
público especifico. Por isso, existem
linhas editoriais e programações de
TV. Ele cai naquela noção geral do que
se entende por “desenhar bem”, sobre
a qual já conversamos antes. Então,
de novo, este “desenhar bem” é muito
relativo. Relativo à área para a qual este
desenho, ilustração, animação etc; é
direcionado. Desenhar bem histórias em
quadrinhos de super-heróis tem seus
próprios parâmetros de julgamento,
assim como ilustrar livros infantis,
ou livros didáticos infantis. Uo uma 7
animação... Cada mercado estabelece
seus parâmetros.
O que é preciso que se entenda, é que
desenhar é mais do que ver o desenho
como uma ferramenta de mercado de
trabalho. Desenhar é mais do que que-
rer primeiro categorizar seu desenho,
direcionando-o para algum mercado
específico. Desenhar é, antes de tudo,
uma forma de expressão. O desenho e
a narrativa são das primeiras formas
de comunicação humana. Categori-
© Yoh Yoshinari | trigger | pendleton ward | CARTOON NETWORK
textão | o que é um bom desenho
zações e mercados apareceram bem
depois, quando a arte passou a ser
feita por artistas. Quando começaram
os julgamentos sobre sua qualidade.
Quando começaram a definir o que
era ou não “arte”. Quando o público
começou a “aceitar” um tipo de arte e
outro não. Quando começou a existir
uma espécie de ditadura cultural sobre
o que é desenhar bem, pintar bem e por
aí vai. De qualquer maneira, mercados
e categorizações são apenas aspectos
do processo de “aprender” a desenhar.
Um aspecto muito direcionado. Porque
existe também o movimento de sim-
plesmente desenhar.
Existem processos diferentes de
aprendizado. Existem também expecta-
tivas diferentes dos alunos em relação
à escola e ao tipo de evolução que eles
desejam alcançar. E isso está ligado às
tais categorizações e mercados.
O que tentamos fazer aqui, durante
as aulas, é, aos poucos, propor uma
visão mais ampla sobre arte. Isso por-
que, geralmente, essas expectativas
dos alunos existem apenas porque
eles não conhecem outras maneiras
de se pensar desenho, ilustração ou
histórias em quadrinhos, por exemplo.
Ou seja, os alunos só veem um aspecto
© Jules RIGOLLE, Alix ARRAULT, Martin HURMANE & Samuel KLUGHERTZ. | cécile carre
da coisa toda. Não enxergam o cenário
todo, todas as possibilidades, e por
isso estão fechados em apenas uma
maneira de pensar. Estão engessados
em uma só verdade.
Aos poucos, eles podem abrir mais 8
suas percepções e entendimentos, e
assim, começam a ver que a coisa toda
é muito maior e muito mais legal do que
imaginavam.
Com o passar do tempo, eles come-
çam a ver cenários maiores e percebem
tudo isso que a gente falou aqui. Que não
existe um jeito certo de se desenhar. Que
existem adaptações a certos mercados,
no caso daqueles que querem trabalhar
para certos mercados, mas que existe
apenas a vontade e as diferentes formas
de se expressar.
Marcelo Campos é diretor da Quanta
Academia de Artes. Começou como de-
senhista fazendo HQs e, apesar de ter
feito muito mais coisas por aí, a grande
maioria dos seus trabalhos são nesse
segmento de mercado. Trabalhou para
editoras como DC, Marvel, Dark Horse,
Image e Disney, entre muitas outras. É
o criador do personagem Quebra-Que-
ixo e autor do álbum “Talvez Isso...”.
Em 2004 decidiu parar de desenhar,
arte-finalizar, ilustrar e tudo mais e foi
fazer outras coisas. Em 2006, resolveu
assumir e cuidar só da escola e do es-
túdio de artes, o Quanta Estúdio. Onde
está até hoje. Aos ciquenta e poucos
anos, com a quilometragem bem alta,
sua banda preferida ainda é Ramones,
o que parece ser bom sinal.
passo a passo | CRIAÇÃO DE PERSONAGEM

passo a passo:
criação de personagem | anão guerreiro
por
anderson
nascimento

O
lá, pessoal! Eu sou o Anderson
Nascimento, ilustrador e professor
na Quanta Academia de Artes.
Eu fui convidado para fazer uma
matéria falando e mostrando um
pouco do processo de criação visual
de uma personagem. O desafio que
me foi passado é o de criar um “Anão
Guerreiro”. Mas, antes de começar a
desenhar, vamos entender o que é uma
personagem.
A personagem é uma peça importante
dentro de uma história. Pode ser uma
pessoa, um animal, monstro, espírito,
instituição, grupo social. Ou seja, são
seres que possuem características
próprias, possuem vontades, senti-
mentos e ambições. Ao criar o visual de
uma personagem, devemos expressar
através do desenho as características
que compõem essa personagem.
Características físicas: altura, peso,
etnia, cor dos olhos, cabelo e pele.
Características culturais: estão mais 9
ligadas ao meio em que a personagem
vive e como isso a influencia. Essas ca-
racterísticas vão interferir nos tipos de
roupas que ela usa, no corte de cabelo,
no jeito de andar, entre outras coisas.
Carac terísticas psicológicas:
estão bastante relacionadas com a
personalidade da personagem. Se ela
é alegre, triste, tímida ou confiante.
Ela tem segredos, medos, motivações
e desejos etc.

Em alguns momentos o artista pode

propositalmente criar um visual que não
represente exatamente a personalidade
da personagem. Por exemplo, a perso-
Enquanto a gente fala nagem é medrosa, porém visualmente
sobre a construção de ela é forte e imponente, parece com um
personagens no texto super-heró. Ao olhar para essa per-
aí em cima, a gente vai
mostrando aqui embaixo
sonagem pela primeira vez, todos vão
um pouco do processo imaginar que ela seja corajosa ( afinal é
criativo para a produção isso que o visual mostra). Porém, essas
da ilustração dessa características físicas foram proposi-
personagem. Os primeiros
esboços são o momento
talmente criadas talvez para induzir a
de testar ideias! Veja as uma surpresa no decorrer da história.
possíveis armaduras e Um exemplo parecido pode ser visto
vestimentas do Anão no filme “Goonies”. A personagem Slot
Guerreiro pensadas pelo
Anderson Nascimento.
é um monstro deformado, ou seja um
vilão clássico, que posteriormente é
desconstruído e vira um herói de coração
passo a passo | CRIAÇÃO DE PERSONAGEM
bom. Isso é apenas para exemplificar
como as regras podem ser quebradas,
em favor da história.
Dentro de uma historia existem vá-
rios tipos de persongens. Veja alguns
exemplos:
Protagonista: é a personagem
mais importante da história. Todos os
acontecimentos e personagens giram
ao seu redor. É bastante comum que
o protagonista seja um herói, porém,
não é obrigatório e em muitas histórias
ele pode ser um anti-herói. Dentro de
uma história pode acontecer de existir
mais de um protagonista. Harry Potter,
É importante começar a definir
os valores tonais pra planejar os
contrastes entre figura e fundo.
Definir as luzes e sombras, os
claros e escuros, ajuda a criar
sensação de tridimensionali-
dade, ilusão de volume.
Shrek e Indiana Jones são exemplos de
protagonistas.
Co-protagonista: é uma personagem
que tem uma importância secundária no
enredo. Normalmente, é a pessoa que
ajuda o protagonista na busca de seu
objetivo. Também podem existir mais
de um dentro da história. O Robin, da
dupla “Batman e Robin”, é um exemplo
de co-protagonista.
Antagonista: é a personagem ou
grupo de personagens que representa
uma oposição, ameaça, obstáculo ou
impedimento ao objetivo do protagonista.
Trabalhar esses contrastes,
exagerando ou suavizando,
escurecendo ou clareando, é es-
sencial para estabelecer o clima,
a atmosfera e os pontos focais
da composição.
O antagonista não é necessariamente um
vilão. Nos casos em que o protagonista
é um anti-herói, o antagonista pode vir
a ser o herói da história. Um exemplo
disso é o Personagem “L” da série “De-
ath Note”. Ele é o maior investigador
do mundo e sua missão é descobrir o
responsável por uma série de mortes,
causadas pelo protagonista Light Ya-
gami. Já o Coringa, do “Batman”, é um
exemplo clássico, onde o antagonista 10
é, de fato, o vilão da história.
Oponente: é a personagem que
ajuda o antagonista na sua missão de
se opor ao protagonista. Pode ser um
A escolha dos matizes torna
tudo isso ainda mais evidente.
Os verdes na iluminação desta-
cam alguns pontos da imagem
que vai predominantemente do
azul ao violeta.
passo a passo | CRIAÇÃO DE PERSONAGEM
amigo, parente ou até mesmo alguém
trabalha para o antagonista. Muttley,
o cachorro do Dick Vigarista, é um bom
exemplo de oponente.
Coadjuvante: personagem secun-
dário que auxilia no desenvolvimento
do enredo. Sua importância dentro da
história pode ser grande ou pequena. O
Gollum, de “O Senhor dos Anéis” e Scrat
o esquilo de “Era do gelo” são exemplos
de coadjuvantes.
Q
uando um ilustrador é chamado
para criar uma personagem ou
executar alguma ilustração,
normalmente o cliente envia o
que chamamos de “briefing”. Esse
briefing costuma conter todas as infor-
mações necessárias para a execução
do trabalho, como número de imagens
ou poses que devem ser desenhadas,
a descrição dessas cenas, o formato
Uma boa noção de estrutura é fundamental:
as linhas de construção ajudam a corrigir a
perspectiva na cena.
e a resolução do arquivo etc. Quanto
mais completo for esse briefing, mais
fácil será o trabalho e menor a chance
de ocorrer algum erro ou retrabalho
durante o processo.
Em alguns briefings o cliente chega
a enviar links com referências fotográ-
ficas, filmes e até desenhos de outros
artistas para que sirvam de inspiração
e ajudem o artista na execução do
trabalho. Mas, como nesse caso não
existe um briefing, eu decidi imaginar
um antes de começar.
Vamos imaginar que o cliente é uma
empresa que produz livros de RPG e
necessita da criação visual de uma per-
sonagem e também de uma ilustração
com essa personagem em ação para
aplicar em um novo livro.
A história se passa em um mundo
medieval e fictício cheio de magia e
monstros. A personagem que deve ser
criada é um Anão Guerreiro que faz
Entrando com mais luz nos detalhes,
ganhamos mais definição e mais
ilusão de volume.
parte do povo que guarda a Floresta
Negra, um grupo de anões que pos-
suem características que se inspiram
em animais daquela floresta. No livro,
a nossa personagem se junta a outros
guerreiros em uma aventura para salvar
a princesa Sherejah.
O seu visual deve ser meio sombrio,
ele está sempre com cara de poucos
amigos. Ele é um anão guerreiro fora
dos padrões, não tem barba e nem
cabelos ruivos. 11
As características físicas dele devem
remeter a um Leopardo Negro. Ele mede
cerca de 1 metro e 20 centímetros de
altura. A pele dele deve ser negra. Ele
é muito forte e ágil. Sua armadura é
feita de metal escuro e bastante gasto
pelas lutas.
Ele usa um tipo de machado/martelo
no formato de pata de um Felino. Essa
arma emana uma aura meio mágica…
algum tipo de fogo verde ou azul.
Nesta última fase, entram os efeitos e os últi-
mos brilhos que caracterizam a personagem.
O violeta no fundo recorta e destaca a figura.
passo a passo | CRIAÇÃO DE PERSONAGEM

12

Anderson Nascimento é um ilustrador

paulistano nascido em 1982.
Formado em artes gráficas pelo Senai,
iniciou sua carreira fazendo desenho e
cor para revistas de Hentai, ilustrações
para as revistas Dragão Brasil, Ela Hot
e para o jornal da Votorantin. Trabalhou
para o mercado americano desenhando
as HQs Drungeons & Dragons, Robocop e
produzindo materiais para sites de qua-
drinhos. Foi também o coordenador de
cursos da Quanta Academia de Artes.
Ainda é professor do curso de Arte Digital
da Quanta, além de trabalhar como
ilustrador freelancer em estúdios e re-
vistas no Brasil. Atualmente, faz muitas
ilustrações para o jogo online League of
Legends, para a Riot.

andersonnascimentoart.tumblr.com

O efeito da iluminação ajuda a

integrar o martelo à chama.
E, depois desse longo processo,
temos a ilustração finalizada do
Anão Guerreiro!
 agenda | maio

15 Anos 15 bolsas indicação

na próxima edição:
em maio na agora você tem mais de aluno:
quanta*... chances de ganhar. laissa moreira
saiba mais mostra suas ilus-
clicando aqui trações maravil-
hosas!
05/05 Textão:
sábado 13
bate-papo “vingadores” marcelo campos
com o crítico de cinema lança nova per-
roberto sadovski. gunta: “que tipo
de artista você
quer ser?”
07/05 & 21/05 passo a passo:
segunda gil tokio fala so-
© helena

modelo-vivo bre composição

das 19h às 21h de cena em seu
enn

R$20.
e

* Por se tratar de uma ciência

processo de
trabalho.
12/05
inexata esta arte de previsão do futuro,
as informações com a programação
mensal, contidas nesta página, podem
sábado sofrer alterações sem prévio aviso. O
calendário do mês encontra-se dispo- e muito mais!
f r a z ão

sessão de autógrafos nível em nosso blog. Além disso, todos

e exposição “cadafalso” os eventos são devidamente divulgados

im ar

em nossas redes sociais. Acompanhe a

de alcimar frazão.
alc

Quanta no facebook, no instagram, no

©

twitter, onde quer que seja, e fique por

R$20. dentro das novidades, dos eventos, e
das dicas, que recheiam o nosso úniver-
so virtual.

Dúvidas? Reclamações? Sugestões?

Questões? Acesse o nosso site e fale

© gil tokio
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