Oleh

Ferdiansyah, S.Sn
 Fotografi yang berarti photos dan grophos, (dalam bahasa yunani) melukis cahaya ini lahir di
Prancis pada tahun 1800-an, adalah Joseph-Nicephore Niepce (1765-1833) seorang seniman
lithography dan Louis-Jacques Mande Daguerre (1787-1851) seorang pelukis, kedua orang ini
dianggap sebagai penemu fotografi. (foto pertama Niepce tersimpan di Univesity of Texas).
Lalu di Inggris ada William Hendry Fox Talbot (1800-1877) sebagai penemu kamera lubang
jarum pada tahun 1855. Perkembangan jaman saat itu juga mempengaruhi seseorang di Amerika
yang bernama George Easman (1854-1932), awalnya tukang pembuatan plat, lalu menjadi
fotografer pada tahun 1879, dan cikal bakal kamera Kodak (1888).

PARADIGMA
Namun implikasi dari transformasi ini dalam peran yang mewakili, dari lukisan ke fotografi,
yang lama datang ke pengakuan dalam wacana seni rupa, terutama untuk fotografi.
Bate berpikir adalah mungkin untuk menunjukkan lima momen yang berguna, di mana
paradigma tertentu (pemikiran dan praktek) dari fotografi seni yang dominan:
- 1870-1910-an : Pictorialism;
- 1920-1930-an : Avant-garde / Modernist [Formalisme];
- 1945-1960-an : Realisme Baru / Humanis Fotografi;
- 1960-1970-an : Minimalis, konseptualisasi / akhir Modernisme;
- 1980-1990-an : Postmodernisme / Neoconceptualism
(Bate, David. Photography Key Concepts. 134)
• Pictorialisme : Fotografi sebagai Lukisan
• Modernisme : ‘Lurus/Jujur’ Fotografi
• Konseptual : Seniman menggunakan
Fotografi
• Postmodernisme : Seniman sebagai Fotografer
dan ’Kematian Penulis'
 Pictorialisme : Fotografi sebagai Lukisan

Fotografi dirasakan telah menjadi “pusat” penggunaannya dalam periklanan, snapshot, dan
sebagai bukti. Namun, sejak publik mendeklarasi fotografi di 1839, banyak penulis dan praktisi
telah berusaha untuk mendirikan media sebagai seni.
Pada tahun 1861 kritikus Inggris (Jabes Hughes), mencatat bahwa fotografi adalah umumnya
digunakan sebagai dokumen, 'mungkin tidak bercita-cita untuk menggambarkan keindahan
juga‘ (kutipan Newhall). 'Penggunaan istilah Hughes ‘kecantikan‘ menunjukkan jenis lukisan yang
kemudian lazim di ‘akademi’ pameran: pemandangan menarik, telanjang, secara dramatis
dipentaskan fiksi, agama dan tablo sejarah, dan menyanjung potret.
Dalam bukunya Seni dan Fotografi, ditulis pada tahun 1960, Aaron Scharf, jejak yang rumit
hubungan antara lukisan dan fotografi ('Seni' umumnya berarti lukisan dalam buku Scharf ini), ia
mencatat bahwa pada tahun 1859 menunjukkan foto-foto itu akhirnya diizinkan di Paris pameran
tahunan Seni Rupa.

 Kritik Baudelaire terbentur pada banyak alasan, mengapa foto-foto sering tidak
baik dibandingkan dengan lukisan sebagai seni. Telah dibahas Susan Bright alasan ini,
dalam ringkasan untuk fotografi:
• Asal diproduksi secara mekanis
• Potensi reproduksi massa
• Hubungan dengan perdagangan
• Kurangnya jelas kebutuhan untuk keterampilan 'seni'.
 Pada akhir abad ke-19 Baudelaire berkata 'publik modern’ adalah yang mulai
memotret dirinya sendiri dengan yang baru, lebih murah dan lebih mudah digunakan
kamera yang diproduksi dan dipasarkan oleh Kodak. Doktrin yang dihasilkan fotografi
berarti bahwa mereka yang ingin terus membangun media sebagai seni khusus dan
terampil yang dibutuhkan memisahkan diri dari massa, yang mengarah ke penciptaan
multinasional Linked Ring pada tahun 1892.
Gaya fotografi praktisi ini dibuat memiliki retrospektif kemudian dikenal sebagai
'Pictorialism', sebagian karena judul buku Robinson. Ini adalah imitasi dari lukisan
dalam upaya untuk meningkatkan fotografi naik ke status yang sama sebagai seni yang
mencirikan gerakan atau aliran Pictorialist. Ini mencoba melalui memperhatikan konten
(materi pelajaran dan teknik) dan konteks.
 Pictorialisme

Henry Peach Robinson Roger Fenton

Henri Cartier-Bresson
Ansel Adams
 Modernisme : ‘Lurus/Jujur’ Fotografi
Adalah Alfred Stieglitz salah satu tokoh fotografi beraliran ‘Modern’, Steglitz begitu bosan dengan
aliran Pictorialist yang hanya memotret seperti ‘lukisan’, akhirnya ia mencoba beralih ke aliran
modernisme.
Stieglitz adalah orang pertama yang memamerkan karya Picasso di Amerika. Dia membuka berbasis
di 291 Galeri - New York, pada tahun 1905, di mana ia promosikan fotografi sebagai seni dengan bersama
lukis dan patung. Di sana unsur fotografi mencapai status seni oleh asosiasi yang melekat di 291 Galeri,
tapi kali ini seni yang terkait dengan foto-foto modern dan avant-garde. Sikap yang sama adalah diambil
di jurnal mewah Camera Work dimulai oleh Stieglitz dua tahun sebelumnya. Dalam setiap masalah
beberapa foto yang dipilih lalu dicetak dalam kualitas tinggi reproduksi di atas kertas mewah, dalam
upaya untuk membuat mereka tampil sebagai unik dan berharga sebagai lukisan seni modern.
Akhir isu ganda dari Camera Work pada tahun 1917 didedikasikan untuk foto-foto Paul Strand.
Stieglitz seakan melewati fotografer yang karyanya mewakili gerakan berikutnya. Strand menggambarkan
isi modernitas seperti roda mobil dan jalan-jalan kota di modernis, gaya yang menekankan bentuk-
bentuk abstrak: persegi panjang hitam yang dibuat oleh jendela besar di Wall Street, New York, vertikal
putih dan horizontals dari pagar kayu. Kadang-kadang subjek akan hampir dikenali (dan tidak relevan):
mangkuk dan buah, atau bayangan dari balkon pagar, pola pembentukan bentuk dan nada
 Pada tahun 1920 di Rusia dan Eropa 'visi baru' yang modern baru dunia sedang diwakili melalui
fotografi. menggunakan baru-baru ini dikembangkan kamera kecil, seperti Leica, fotografer bisa mengambil
gambar dari mana saja dan di setiap sudut seakan kamera melekat mereka.
Fotografer Konstruktivis Rusia Alexander Rodchenko lolos dari batas-batas apa yang disebut fotografi
'pusar' (di mana kamera diadakan di tingkat pinggang dan melihat melalui jendela bidik) dengan memotret
rakyatnya dari perspektif baru yang revolusioner, kamera itu menunjuk ke atas dan pada diagonal di pekerja
heroik dan struktur modernis baru yang mereka bangun, maka dinamis dan memusingkan bawah pada
parade jalanan atau Laut Putih yang luas Canal dibangun dengan mengorbankan ribuan nyawa tetapi
digambarkan sebagai kemenangan melalui photomontage dan teks untuk majalah dirancang rumit
Uni Soviet dalam Konstruksi.
Ide kamera sebagai perpanjangan mata diwakili di pameran Jerman seperti Film dan Foto dan publikasi
foto-mata dan dinamis berjudul Here Comes the New Photographer!. Di Berlin, Laszlo Moholy-Nagy
membuat tampilan luas-mata yang sangat modernis seperti foto yang diambil dari puncak menara radio
melihat ke bawah pada bangunan dan jalan yang menjadi hampir abstrak melalui jarak mereka dari kamera;
sementara sesama fotografer di gerakan 'New Objektivitas', Karl Blossfeldt dan Albert Renger-Patzsch,
menggunakan kualitas teknis yang melekat kamera untuk memperbesar detail bentuk alam dan industri.
(Bull, Stephen. Photography. 123-145)
 Modernisme

Alexander Rodchenko

Albert Renger-Patzsch Laszlo Moholy-Nagy

Konseptualisme : Seniman Menggunakan Fotografi

Pada tahun 2003 didalam bukunya Seni dan Fotografi, David Campany mengutip dari buku
Scharf dengan judul yang sama diterbitkan 35 tahun lalu. Campany menolak gagasan bahwa fotografi
telah menjadi seni, dengan alasan sebaliknya bahwa sejak tahun 1960-an ’fotografi semakin
bertambah menjadi seni’. Untuk membuat titik ini Campany grafik kompleks hubungan antara foto
dan seni dari tahun 1960-an ketika 'seniman menggunakan fotografi 'menjadi lebih terlibat dengan
budaya populer dan sosial.
Pop Art bisa dilihat sebagai titik balik - bukan hanya dalam sejarah seni abad ke-20, tetapi juga
dalam peran fotografi dalam kaitannya dengan seni. Setelah pekerjaan sepenuhnya non-figuratif dan
mandiri dari ‘Abstrak Ekspresionis’ mencapai puncaknya pada tahun 1950-an, seniman seperti Andy
Warhol kembali terlibat dengan budaya populer waktu penggunaan gambar yang diproduksi secara
massal dikenali dan beberapa objek ‘screenprints’.
Warhol memiliki beberapa screenprints dari foto koran dan gambar publisitas selebriti, dapat
dilihat sebagai representasi dari ide-ide tentang efek reproduksi massa yang diperdebatkan Benjamin
30 tahun sebelumnya. Mulai tahun 1963, artis Ed Ruscha menghasilkan serangkaian buku termasuk
Twentysix Gasoline Stations dan Every Building on Sunset Strip, Los Angeles, di mana subjek dingin
yang dijelaskan dalam setiap judul yang sistematis disimpan terpisah, foto dangkal/kasar.
 Namun, fotografi dan estetika mulai menempati lebih peran sentral dalam Conceptual Art.
John Roberts berpendapat bahwa beberapa artis seperti Hamish Fulton dan Richard Long, baik
dari yang karyanya terlibat dengan lingkungan alam, membuat foto sebagai 'semacam
conceptualpictorialism’.
Karya John Baldessari Melontar Tiga Bola di Udara Untuk Mendapatkan Sebuah Segitiga
Sama Sisi adalah suatu tindakan yang tidak hanya mengandalkan waktu foto itu untuk merekam
usaha yang gagal dan saat sebenarnya bentuk yang diinginkan dibentuk, tetapi juga
mengakibatkan starkly warna gambar mencolok dari bola oranye terhadap langit biru.
Foto akhirnya menjadi karya seni itu sendiri, dengan seniman seperti Arnatt pindah ke
membuat gambar close-up warna dari ujung sampah di mana detritus jenaka mengambil kualitas
estetika cat air Turner. Pertunjukan Gilbert dan George dan tindakan dalam 1960-an dan 1970-an
digantikan oleh grid besar foto-foto yang mereka sekarang paling terkait dengan, dan di mana
seniman, masih memakai mereka merek dagang disesuaikan jas, bereaksi terhadap subyek
gambar yang mengelilingi mereka.

 Di 1982 wawancara Alan Bowness, direktur Galeri Tate, London, menjelaskan bahwa Galeri
Tate dikumpulkan foto-foto oleh seniman, tapi tidak foto-foto oleh fotografer peran. suatu
pengumpulan karya fotografer Inggris, Bowness berpendapat, adalah tanggung jawab Victoria
dan Albert Museum, sebuah lembaga yang telah memiliki dengan membeli foto-foto sejak tahun
1850-an. Namun demikian, pernyataannya itu dianggap oleh banyak orang sebagai gejala dari
sikap bahwa fotografi itu sendiri bukan seni pada istilah sendiri.
Arnatt sendiri menulis artikel pendek dalam menanggapi disebut 'Sosis dan Makanan' di
mana ia berpendapat bahwa, seperti sosis adalah salah satu jenis makanan, demikian juga foto-
foto salah satu jenis seni dan itu masuk akal untuk membuat perbedaan antara foto-foto yang
dibuat oleh fotografer dan foto yang dibuat oleh seniman (Arnatt 2003).
Meskipun bisa balas itu, sementara semua sosis yang dibuat untuk makanan, yang luar biasa
Mayoritas foto tidak dibuat untuk seni; sangat efektif fotografi sebagai media tetap menjadi
masalah utama ketika posisi sebagai suatu bentuk seni.
 Konseptualisme

Hamish Fulton John Baldessari

Richard Long

Andy Warhol
Keith Arnatt
 Postmodernisme : Seniman sebagai Fotografer & ’Kematian
Penulis'
Postmodernisme, sebagai representasi postmodernitas, terus mendaur ulang dikenali (atau
kiasan) citra dari budaya massa daripada ekspresi abstrak pikiran seorang seniman.
Postmodernisme dalam seni fotografi terutama didefinisikan melalui tulisan-tulisan kritikus
seperti Rosalind Krauss, Douglas Crimp dan Abigail Solomon-Godeau, yang membuat koneksi
antara teknik dan karya seniman mulai menunjukkan selama tahun 1970-an dan awal 1980-an.
Berikut warisan pengembalian Pop Art kepada figuratif dan seni keterlibatan ulang dengan
masyarakat melalui konseptualisasi, Krauss memperkenalkan istilah semiotik 'indexicality' untuk
analisis seni visual untuk menyatakan bahwa banyak artis baru yang membuat pekerjaan yang
memiliki hubungan langsung dengan nyata dunia melalui penggunaan foto, dan media lainnya.
Pada tahun 1977, tahun yang sama dengan Szarkowski Mirrors dan Windows, Crimp kurasi
pameran juga di New York dia sebut ‘Picture”, yang muncul bersama membawa beberapa
seniman.
Dalam sebuah esai yang berjudul sama, Crimp berpendapat bahwa praktisi baru
menggunakan berbagai media dengan sedikit mengenai semakin berkembang sifat khusus dari
setiap mereka, sedangkan 'spesifisitas media' adalah elemen kunci dari modernisme dan
dipromosikan dalam tulisan-tulisan Szarkowski pada modernis fotografi . Crimp adalah salah satu
penulis pertama untuk melihat pekerjaan ini sebagai istirahat dengan modernisme dan diberi
label itu ‘postmodernis’.
Solomon-Godeau diidentifikasi kembali pada awal tahun 1980 untuk apa yang dia sebut
sebagai 'pseudo-ekspresionis' lukisan selama era berkembang kapitalisme - dan dipromosikan
postmodernis sebagai alternatif ini, baik dalam teknik mereka dan apa yang dia ditafsirkan
 Banyak penulis ini diilhami oleh ‘Situationist’ nya Guy Debord, İde ini dari 'masyarakat
tontonan' dikembangkan satu dekade sebelumnya. Debord berargumen bahwa masyarakat
kontemporer didominasi oleh gambar spektakuler hiburan dan kapitalis produk (di papan
reklame, halaman majalah, dan bioskop dan televisi layar) .Orang akan terganggu dari dunia
nyata, mengubah mereka menjadi konsumen mati rasa. Satu reaksi ini adalah menggunakan
teknik Debord untuk 'detournement (parodi)', di mana massa direproduksi gambar yang
merupakan bagian dari tontonan (dan yang mungkin sebaliknya akan hampir tidak melihat) yang
dialokasikan agar makna mereka untuk main-main dan subversif diarahkan oleh seniman
bergerak yang, Solomon-Godeau sebagai ciri pergeseran praktek fotografi 'dari produksi ke
reproduksi ’.
Keterlibatan dengan budaya dan isu-isu sosial, penggunaan berbagai media, dan apropriasi
yang dari citra populer untuk apa yang disebut ‘Campany’ yang domain di mana nilai-nilai,
pendapat dan identitas dibentuk 'terdeteksi oleh para kritikus postmodernis dalam karya
seniman termasuk Cindy Sherman, Barbara Kruger, Richard Prince dan Sherrie Levine.
Dalam kelanjutan parsial penggunaan konseptualis kamera untuk merekam pertunjukan, seri
Sherman dari ‘Untitled Film Stills (1977-1980) di mana ia bertindak keluar karakter dari berbagai
genre sinematik dari dekade sebelumnya (akrab bagi pemirsa dari menonton film-film lama di
televisi) dipandang sebagai kritik dari stereotip perempuan di media, perayaan feminis dari peran
yang berbeda, seorang wanita dapat memiliki dan bahkan sebagai tindakan kritik seni itu sendiri.
 Untuk Kruger kata-kata untuk 1940 dan 1950 image bank foto dalam potongan foto - teks
seperti Anda Tidak Sendiri (1981) yang diartikan sebagai menumbangkan alamat kepada
konsumen ditemukan dalam iklan. Seri Prince dimana koboi secara langsung dipotong dari iklan
rokok Marlboro yang dianggap sebagai mengekspos mitos macho dari Ronald Reagan - era
Amerika.
Dalam suatu tindakan yang lebih berani dari perampasan, Levine hanya kembali difoto oleh
orang suci fotografer modernis, seperti gambar Evans 'dari interior rumah diambil di Hale County,
Alabama pada tahun 1936, Solomon-Godeau memimpin untuk berpendapat bahwa 'dengan
menyilaukan ekonomi berarti gambar Levine kesal batu fondasi (penulis, orisinalitas, ekspresi
subjektif) di mana. . . karya seni yang diduga sisa‘. Dalam esainya 1.981 'The Originality of Avant-
Garde’, Krauss tidak hanya menyarankan bahwa ide avant-garde seni bergerak maju melalui
penciptaan karya baru sudah berakhir, tetapi juga bahwa orisinalitas dalam modernisme sendiri
sedang bersamaan terkena sebagai sebuah mitos.
Pada awalnya, sebagian besar seniman postmodern menggunakan fotografi yang dianggap
sebagai apropriasi citra bertentangan langsung dengan isu-isu seperti sebagai praktik sejarah seni
modern dan budaya kapitalisme. Namun, gagasan oposisi sering sebenarnya orang-orang dari
kritikus sendiri, daripada seniman. Kelly Dennis telah menempatkan itu, 'Postmodernis kritikus
seni dalam beberapa kasus pengungsi fungsi mereka sendiri sebagai kritikus ke media’. Dennis
berpendapat bahwa kritikus postmodern mengambil pendekatan 'modernis' fotografi seni
postmodern, melihat bentuk dirinya sebagai dasarnya penting dalam nya alam, bukan masih
bagian dari budaya kapitalis.
 Postmodernisme

Richard Prince

Cindy Sherman
Barbara Kruger
 Fotografi Seni Kontemporer : Fotografer adalah
Seniman
Setelah kerja sebesar konseptualis pada tahun 1960 dan 1970-an dan oleh postmodernis pada
1980-an, fotografi menjadi 'medium pilihan’ untuk berbagai seniman dari akhir 20 dan awal abad
ke-21. Fokus dari dunia seni Barat bergeser ke Inggris dengan pameran seperti Sensation di Royal
Academy, London pada tahun 1997. Bekerja dengan apa yang disebut ’Seniman Muda Inggris’ sering
konseptual dalam pendekatan dan digunakan foto snapshot. Gillian Wearing berkata Tanda-tanda
Bahwa Anda Mengatakan Apa Yang Ingin Mereka Katakan Dan Bukan Tanda-tanda Yang Orang Lain
Mengatakan Apa Yang Ingin Anda Katakan - di mana anggota masyarakat yang berhenti di jalan dan
diberi kosong sepotong kartu yang menulis sebuah pernyataan bahwa mengenakan kemudian difoto
mereka memegang - ingat karya seniman seperti Piper di nya keterlibatan dengan kehidupan sehari-
hari dan penggunaan rupanya kasual fotografi.
Selama tahun 1990-an genre potret, lanskap dan dokumenter kembali digambar ke galeri oleh
'Sekolah Jerman' dari fotografi termasuk Andreas Gursky dan Thomas Ruff. gambar-gambar ini
menekankan kemampuan nyata fotografi untuk menyampaikan 'nyata': menggambarkan dunia dalam
bentuk yang tepat dan deskriptif. Kedua Gursky dan Ruff (serta sezamannya Candida Höfer dan
Thomas Struth) telah diajarkan di Dusseldorf Academy of Arts dengan Conceptual Art - dipengaruhi
Bernd dan Hilla Becher
Tanda-tanda Bahwa Anda Mengatakan Apa Yang Ingin Mereka Katakan Dan
Bukan Tanda-tanda Yang Orang Lain Mengatakan Apa Yang Ingin Anda
Katakan

Gillian Wearing
 Bahasa yang digunakan untuk membahas fotografi seni kontemporer mengambil nya frase kunci dari Konseptual Seni
dan postmodernisme. Karen Raney berpendapat, gagasan seorang seniman membuat pekerjaan sebagai 'penelitian' telah
menyusul konsep 'ekspresi', dan banyak praktisi tidak lagi memperhatikan diri mereka sebagai terhubung ke media tertentu.
Akibatnya, foto seni kontemporer yang kritis dibahas sebagai 'Mencari' untuk 'menyelidiki', 'menjelajahi', 'pertanyaan',
'tantangan' dan 'menginterogasi’ subjek mereka dan menengah mereka - tujuan banyak konseptual fotografi berbasis di
tahun 1960-an dan 1970-an - dan untuk 'blur batas’ cara kerja postmodernis diperlukan untuk melakukan selama tahun 1980
setelah penekanan modernisme pada media-kekhususan.
Untuk Campany, foto besar di galeri 'menganggap skala dan mode perhatian sebelumnya dianggap berasal dari
lukisan’. Ini adalah titik diperluas oleh Michael Fried dalam bukunya mengapa hal-hal fotografi sebagai seni sebagai Jangan
Sebelum (Fried 2008). Fried berpendapat bahwa sejak 1970-an foto-foto seni tidak hanya mendapat semakin besar, tetapi
telah dibuat khusus untuk galeri wall.As hasil dari gambar ‘ ukuran dan lokasi, penampil fotografi seni kontemporer diserap
dalam gambar untuk jangka waktu yang terkait dengan tablo pra-modern
lukisan.
Setelah upaya sejak abad ke-19 untuk membangun fotografi sebagai seni, itu di dekade akhir abad ke-20 bahwa seni
menjadi 'Semakin Fotografi' melalui penggunaan berbagai fotografi oleh gerakan seni terbaru. Namun, tampaknya bahwa di
awal 21 abad itu adalah melalui penerapan satu set jauh lebih tua dari praktek, dalam hal baik konten dan konteks, bahwa
foto-foto tertentu telah menjadi diterima sebagai seni.
Bull, Stephan. Photography. 123-145)
 Tokoh Dalam Sejarah Fotografi Dunia
• Joseph-Nicephore Niepce (1765-1833)
• Louis-Jacques Mande Daguerre (1787-1851)
• William Hendry Fox Talbot (1800-1877)
• Roger FentonHendy Peach Robinson (1819-1869)
• Hendry Peach Robinson (1830-1901)
• Kassian Cephas (1845-1912)
• George Easman (1854-1932)
• Hendri Cartier-Bresson (1908-2004)
• Ansel Adams (1902-1984)
• Robert Capa (1913-1954)