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Entre 1930 y 1950 dos grandes caminos: -Continuidad respecto a las

propuestas del MM. Y aparición de nuevas revisiones locales o


propuestas individuales de arquitectos que se apartan de la ortodoxia
o q desarrollan las vías más marginales de los años 20: organicismo,
expresionismo, clasicismo, etc.

Tras la 2 guerra mundial las obras q realizan los arq alemanes,


respecto a la arq de los años ´20, se destacan por ser mas ágiles
(formas menos rígidas y puristas) mayor variedad de materiales
(materiales tradicionales: piedra y madera) formas curvas y por una
mayor adaptabilidad al medio.

1930 en los países escandinavos (del norte de Europa) la síntesis


entre modernidad y tradición local se ve impulsada por dif. factores:
-la consolidación de la democracia socialista, transformación social, la
arq. moderna se enriquece directamente de las cargas culturales de
sectores populares.
-desarrollo de una arq. domestica de raíz vernacular.
-la dureza del clima, la fuerte influencia del medio natural.
Se desarrolla una síntesis entre Metodología empírica y desarrollo
del Racionalismo. El empirismo muestra una concepción y un
método proyectual distinto al propuesto por el MM., busca inspiración
con los datos del lugar, del clima, el programa, los futuros usuarios,
materiales autóctonos. Es una posición que a pesar de continuar con
la tradición moderna, reacciona contra el esquematismo y el rígido
formalismo de los años 20, se revela contra la idea de estandarización
y contra “la nueva objetividad” que pretendía plantear topologías
tecnificadas, científicas y generalizadoras. Se trata de humanizar,
recurrir a formas irrepetibles, particulares, espontáneas y más
orgánicas. Se intenta recuperar la comodidad domestica, el sentido
común, la textura.
Su principal exponente fue Alvar Aalto

Alvar Aalto

Nace en 1898. Al principio de su carrera fue Asplund su catalizador, en 1922 comenzó


por su propia cuenta.
2 periodos: 1º, antes de la guerra, Racionalismo-Funcionalista (influencias del
constructivismo ruso). 2º, posguerra, enfoque orgánico- bienestar humano.

Hace una arquitectura en un lugar marginal como lo es Finlandia en las décadas del ´20
y ´30. es un pais nordico con tradición medieval, tiene un patrimonio folclorico que fue
retomado por varios arquitectos como Aalto.
Aalto construyó casi todas las ciudades de Finlandia y fue para los habitantes una
entidad nacional.
Tuvo una carrera larga de 60 años de profesión. A partir de las décadas del ´50 y ´60
hace una arq. institucional, hace ayuntamientos y en todas las obras hace hincapié en el
paisaje y el entorno.
1º periodo de madurez (1927-1934): estilo funcionalista como por ej. La
BIBLIOTECA VIIPURI (32) y el SANATORIO PAIMIO (29). Con influencias del
constructivismo ruso y del holandés.
Diseñó mobiliario para producción en serie en madera, lo q hizo q Aalto reevalúe el
valor de la madera sobre el Hº como material expresivo primario, con esto retornó a la
modalidad arquitectónica propia del movimiento nacional romántico finlandés. El
alejamiento al constructivismo surgió con la CASA q construyó para el en HELSIUKI
en 1936, seguido por su participación ganadora para el PABELLON DE FINLANDIA
en la exposición mundial de Paris 1937. Aalto posee una preocupación por el ambiente
general de un espacio y por la manera de modificarlo a través del color, luz y sonido.
En 1938 finalizó su obra maestra anterior a la guerra la VILLA MAIREA (rescate de la
historia con respecto a la topología. Sistema estructural de madera, desarrollo
tecnológico a la manera de cómo los vikingos construían sus cabañas)
2º periodo: adquirió forma definitiva con el AYUNTAMIENTO DE SAYNATSALO
1949 (obra importantisima!!! En 1º lugar la Bauhaus y después esta ésta. Tiene patio
con césped, las oficinas son de ladrillo visto. Se ve lo tectonico dejando a un lado el
racionalismo ortodoxo. La obra como novedad planta en forma de “U” . Su intento por
satisfacer cuestiones sociales y psicológicas lo aparta de los funcionalistas más
dogmáticos de los años ´20. Aalto centro siempre su atención a la creación de un
entorno que condujera a un “bienestar humano”. Este enfoque lo aproximo a aquel
grupo de arq expresionistas del norte de Europa, empeñados en que el edificio fuese
dador de vida y no represivo.
Aalto supo desarrollar una capacidad para otorgar IDENTIDAD y EXISTENCIA a cada
parte de sus edificios, supo crear conjuntos en que cada funcion posee un cuerpo
diferenciado, pero a la vez articulado e inseparable de todo el conjunto. Utilizo
generalmente materiales vernaculares como el ladrillo y la madera. Se preocupaba
mucho por la situación del edificio y su relación con el entorno, la relación y
compenetración entre los diferentes volúmenes de los edificios.

Saynatsalo (1949)
Norte de Europa. En 1945 luego de 6 años de guerra Finlandia debia ser reconstruido.
Se desarrolla la industria. Se llama a concurso p el proyecto de la alcaldía y lo gana
Aalto. Dos son sus obras mas importantes: el sanatorio de PAIMIO (1933) y la
BIBLIOTECA DE VIIPURI (1935). Tb diseña muebles. No es teorico, todo lo
contrario.
Saynatsalo con su doble altura, afirma Aalto, la superioridad de los edificios civicos
sobre los comerciales. Construyo en el medio de los arboles un monumento urbano
inspirado en la ciudad ideal italiana del renacimiento. Planta en forma de “U” con un
patio central elevado (inspirado en las ciudades de las colinas). Posee una geometría
irregular (por retrocesos, voladizos, paredes oblicuas, etc) Utiliza ladrillo, material
tradicional del norte de Europa, pero despreciado por el MM q preferia el concreto.
Aalto previó funciones diferentes: 5 locales comerciales, 1 biblioteca, 5 oficinas y la
sala de reunión de la alcaldía. Cada función ocupa un lado del cuadrilátero de la planta.
La torre de la alcaldía se eleva 10 metros para darle esa jerarquia q el veia en los
edificios civicos. Diseña una viga “mariposa” y todo el mobiliario en madera. El
volumen exterior de la sala de reunion parece complejo y por dentro es un simple
cuadrado. Techo inclinado para el escurrimiento de la lluvia y la nieve. Este cuerpo es
totalmente ocpaco, la biblioteca por otra parte es transparente, fachada acristalada con
rejas de madera. Tiene planta libre. Y estructura de Hº. aquí se ven las convicciones del
MM. NATURALEZA Y EDIFICIO COMPONENTES DE UN SOLO PAISAJE.

Le Corbusier

Nace en 1887 en Suiza. Formación desde los 15 años en una escuela


de arte. Se basa en sus viajes y en el estudio a través de la teoría,
trabaja paralelamente en la praxis y la teoría; tenia la idea que a
través del edificio histórico se puede aprender. En Alemania aumenta
sus conocimientos sobre la técnica del HºAº al trabajar con Meter
Behrems. Visita la acrópolis y realiza más de 300 dibujos. Rechazó los
estilos historicistas. Entre sus principales aportaciones encontramos
el entendimiento de la casa como una MAQUINA DE HABITAR, en
consonancia con los avances industriales que incorporaban los
automóviles, los transatlánticos y aeroplanos. Definió la arquitectura
como “EL JUEGO CORRECTO Y MAGNIFICO DE LOS VOLUMENES
BAJO LA LUZ”. Fundamentada en la utilización lógica de los nuevos
materiales (HºAº, vidrio…) Una de sus preocupaciones constantes fue
la necesidad de una nueva planificación urbana, adecuada a las
necesidades de la vida moderna.
En 1915 elaboró 2 ideas LA MAISON DOMINÓ y la VILLA PILOTIS.
En Paris en 1919, conoce al pintor Ofenfant con quien funda el
Movimiento Purista. Realiza un ensayo “Le Purisme” para la revista “L
´espirit noveau”. El Purismo establece formas simples, armonía entre
arte y naturaleza; , abogaba la depuración conciente de de todos los
tipos existentes (simplificación absoluta). deriva del Cubismo.
Por un lado se encontraba la necesidad de satisfacer los
requerimientos funcionales, por medio de la forma empírica, y por
otro el impulso de usar elementos abstractos para alimentar el
intelecto.
En 1922 se asocia a su primo, trabajaron en el desarrollo de las 2
ideas de 1915. La MAISON DOMINÓ (ahora MAISON CITROHAN)
que procedía de la fábrica de autos, indicando que una casa debía ser
“estandarizada” como un auto. Y la VILLA PILOTIS (ahora VILLA
CONTEMPORAINE).
En 1925 en Paris presenta su primera propuesta urbanística: el PLAN
VOISIN, plan para el centro de Paris, superposición sobre la red viaria
tradicional de un gigantesco sistema de autopistas, con rascacielos
en forma de cruz (edificio cruciforme) aísla solo los monumentos
históricos importantes. Edificios rodeados de verde.
Monumentabilidad. Sustitución del casco histórico.
1925 “Proyecto de ciudad ideal” la VILLA CONTEMPORANEA.
Consistía en bloques residenciales de 10 a 12 pisos, más de 24 torres
de oficinas de 60 pisos en el centro, todo ellos rodeado por un parque.
La contribución más importante y perdurable de la villa
contemporánea fue su INMUEBLE VILLA, una adaptación de la
Maison Citrohan como tipo general para una gran densidad de vida.
1926 “CINCO PUNTOS PARA UNA NUEVA ARQ.” Fachada libre,
Planta libre, Pilotis, Terraza jardín, Aventanamiento corrido.
1927 realiza la VILLA GARCHES y en 1929 la VILLA SAVOYE.
A partir de 1930 comienza un nuevo ciclo de preocupaciones para Le
Corbusier: grandes trabajos, grandes acontecimientos, urbanística,
etc.
En 1933 realiza solo pequeñas obras para clientela limitada;
aprovecha para experimentar nuevos sistemas constructivos y
nuevos estándares funcionales.
Empieza a reaccionar contra la producción racionalizada y pierde la fe
en el triunfo de la época de la maquina. Desilusión hacia la técnica
moderna. Desesperación frente a un mundo trastornado por la
depresión económica y la reacción política. Comenzaron a aparecer
elementos técnicos primitivos en sus obras como la madera, piedra,
tejado inclinado, Hormigón abovedado, etc.
1935 en Paris “CASA WEEK-END” se puede observar estos
materiales vernaculares.
Abandona su INMUEBLE VILLA a favor de una forma de edificio más
apropiada para la producción en serie: la VILLA RADIUSE:
proyectada como una banda continua de viviendas alineadas. Con
núcleos de servicios reducidos al mínimo, aprovechando al máximo
todo un cuadrado, los tabique divisores son reducidos en grosor
(resultando inadecuados para el aislamiento acústico)
Entre las obras de 1930 encontramos el PABELLON SUIZO en la
ciudad universitaria y EL PLAN DE ARGEL (luego de realizar varios
viajes a Africa)
Desilusionado por la realidad industrial, su estilo empieza a moverse
al mismo tiempo en dos direcciones opuestas: por un lado volvio al
lenguaje vernaculo y por otro adoptó una monumentabilidad de
grandeza clasica. La yuxtaposición de materiales constantes es un
aspecto esencial de su estilo.
Se puede decir que tuvo influencias brutalistas , pero no llegó a
construir obras brutalistas. Las obras importantes de LC en la
posguerra son: LA UNIDAD DE HABITACION DE MARSELLA
(celulas de vivienda en duplex, Hº en bruto, 1º edificación q
caracteriza su arq. de posguerra, abandono estilistico de las “cajas
blancas” simulación de la alta tecnología industrial), LA CAPILLA DE
ROMPCHAMP (predominan formas curvas y onduladas, cubierta
pesada separada de los muros, Hº visto en bruto y muros blancos,
espacio definido por la luz, las formas y materiales. No se mezcla con
el ambiente natural pero tiene estrecha relacion con el mismo. Alto
grado de expresividad formal, valores espirituales y emotivos) y EL
CONVENTO DE LA TOURETTE.
Falleció en Francia en 1965.
Mies Van Der Rohe:

Arq. aleman. Maximo exponente del siglo XX en la const. De acero y vidrio.


2 periodos: europeo y americano.
1º periodo europeo:
La arq de Mies se caracteriza por una sencillez esencialista y por la
sinceridad expresiva de sus elementos estructurales. Su influencia se puede
resumir en una frase: “LESS IS MORE”. Su obra se destaca por la
composición rigidamente geometrica y la ausencia total de elementos
ornamentales. Sutil maestría de las proporciones y en la elegancia de los
materiales: mármol, bronce, acero cromado, maderas nobles, etc. Gran
presicion en los detalles. Tuvo influencias expresionistas y neoclacicistas,
estuvo inspirado en la obra de Berlage, trabajó con Peter Behrems (toma
de el el industrialismo) abre su estudio propio y luego tiene q interrumpir su
trabajo por la 1 guerra mundial.
Se hace mimbro del “NOVEMBER GROUP” realiza exposiciones, impone
una imagen de la arq. moderna. Fue vicepresidente del Werkbund y
comienza con las exposiciones. En 1926 realiza un MONUMENTO DE
LADRILLO EN MEMORIA A LOS MARTIRES COMUNISTAS fusilados por
las autoridades alemanas en 1919. en 1927 la EXPOSICION DE
STTUGART se convirtió en la 1º manifestación internacional de aquella
blanca y prismatica edificación de techos planos que luego seria identificada
como ESTILO INTERNACIONAL. Mies no es historicista pero encuentra de
la idea clásica la idea de orden.
En 1929 realiza el PABELLON ALEMAN para la exposición de Barcelona:
volumen geometrico delimitado por planos rectangulares de formas simples,
brinda una innovadora forma de articular el espacio. Estructura de pilares
metalicos cruciformes que liberan el area de la planta. Hay una separacaion
entre elementos estructurales y cerramientos, la cubierta esta soportada
por los pilares. La materialidad queda definida por el Hº, las columnas de
acero, los planos rectangulares de dif materiales, tb utiliza poco metal y
mucho mármol. Cristalina transparencia y la sobria riqueza de los reflejos.
Arq como espacio fisico, plastico y funcional. Ausencia de estancias cerradas
y fluida relacion de cada espacio, proponían un nuevo modo de experiencia
espacial. La independencia de los elementos se acentuaba por sus
diferentes materiales mientras que la continuidad espacial se subrayaba por
la continuidad de los materiales en el piso y techo. Planta libre, los muros
estaban dispuestos de forma asimetrica, en contraste con la regularidad de
las columnas q sostenian el techo. Las columnas cruciformes -4angulos en L
unidos por una T y remachados entre si recubiertos con una pieza de acero
inoxidable- resultaban estructuralmente superfluas. Suntuosos materiales,
espesantes o transparentes. El lujo resultaba de la calidad no de la cantidad.
Delicado sentido de proporciones. Presenta dos estanques de agua, en uno
se ubico una escultura clasica de Rolbe. Introduce el agua en la obra.
Geometría, juego de planos, asimetría, ausencia de ornamentación.. se
acerca al minimalismo propio de Mies. La perfeccion tecnica y expresividad
del edificio. Simboliza la recuperacion de Alemania de Pos-guerra.
En 1930 la CASA TUGENDHAT donde utiliza la solucion del espacio del
pabellón aleman. Esta insertada en el paisaje natural. Se integra al mismo
sin pertenecer.
Se encargo de la direccion de la Bauhaus en 1930 y en 1933 Huyó a EEUU.
Desde Chicago se convirtió en el maestro de varias generaciones de arq.
estadounidenses. Ademas de construir numerosos edificios.
2º periodo americano:
Sus ideas permanecieron inalteradas. Sus principios “menos es mas” y “dios
esta en los detalles”. Crea espacios flexibles, núcleos duros, desarrolla la
idea de “cortain wall”. Cuando va a EEUU hay una red de contencion. En
Chicago el IIT lo estaba esperando con un cargo muy importante: la
organización de todo el predio y como rector de esta universidad. 1939
CAMPO DEL IIT. 1946 CASA FARNSWORTH. 1958 SEAGRAM BUILDING
(Nueva York) lo realizo con la colaboración de Philip Johnson es un
volumen geometrico prismatico, estructura reticulada cuyo ritmo se
reproduce en la fachada. Planta rectangular modulada, el modulo central es
el núcleo de circulación vertical y el resto es planta libre. Flexibilidad en el
comjunto. Acero en las estructuras y muro cortina de vidrio. Se levanta
como una roca oscura y compacta de 37 pisos. Edificio flexible, se pueden
modificar sus oficinas. Nueva logica. Esta despojado de ornamentación y
esta resuleto internamente como un gran vacio. La piel de vidrio de dia se
ve de una forma y de noche se ve de otra, es un edificio dinamico depende
como refleja la luz de dif maneras. Presenta estanques de agua, incorpora
la vida urbana. El Edif. Esta retirado con una plaza delantera q le da una
sensación de mas altura. Es un Edif. Muy vertical muy esbelto. Genera la
imagen de “Edif. Corporativo” impone una marca (innovación q establece
Mies). Se inserta en el tejido urbano. Es un símbolo de “estilo internacional”
estos Edif. Se transformaron en la arq corporativa, depende de la
climatizacion interna, energia en ese momento se ve como algo disponible,
en los ´70 esto se ve en crisis. Es una obra clasicista, se asimila a la
columna con sus 3 partes: base, fuste, coronamiento. El minimalismo
expresivo de Mies llegó en esta obra a su maximo grado de refinamiento. Es
como una joya, expresa la voluntad del Edif. Y de la empresa para quien era
este Edif.. En 1968 realiza el EDIFICIO DE IBM (Chicago)
La arq. de Mies es difundida internacionalmente. En los ´70 una de las
criticas q recibe era la “solucion clasica” en algunos edif. (simetría, ritmo
regular de los pilares, regularidad, edif. sobreelevado) otra critica era q
resolvia del mismo modo un edif., como caja con piel de vidrio.

Gropius

Estudia arq. en Munich y Berlín. Trabaja en las oficinas de Peter


Behrens. Su primera obra importante: La FABRICA FAGUS 1911
con colaboración de Meyer. (fabrica de zapatos, “antecesor del
edificio de la Bauhaus en Dessau”. Ningun elemento volumetrico
queda acentuado respecto a los demas –salvo la chimenea- los
distintos cuerpos de la fabrica corresponden a distintas funciones. En
el exterior se ven dos materiales: ladrillo y metal. El amarrillo de las
paredes y el negro dominan la composición. Esta obra significo un
paso adelante en la construccion a base de acero y vidrio. La sencillez
contrasta con la monumentabilidad de Behrens. Cortinas vidriadas
interrumpidas por franjas verticales de mampostería, techo plano.
Mezcla de lo moderno y lo historico. Rasgos academicos del orden a
través del coronamiento, fuste y basamento)
En 1914 la FABRICA MODELO para la exposición del Werkbund en
Colonia. La 1 Guerra Mundial interrumpe su trabajo. En 1918 el gob.
Alemán lo pone bajo la DIRECCION Y ADMINISTRACION de dos
escuelas que las unifica en 1919 con el nombre de STAATLICH
BAUHAUS. Se radica en Weimar hasta 1925 que se traslada a
Dessau con el nombre de BAUHAUS.
En 1920 el 1º gran proyecto en común de la Bauhaus es la CASA
SOMMERFELD en Berlín (construida en madera, afuera es simetrica,
tiene un carácter expresionista). En 1926 realiza el BARRIO TORTEM
en Dessau, que se convierte en el laboratorio para verificar los
conceptos teóricos de la Bauhaus; son casas en fila de dos pisos, en
el centro hay un edificio de 4 pisos. Son viviendas minimas con
muebles producidos en la Bauhaus.
En 1928 se retira de la Bauhaus y se ocupa de dar solución al
problema del “housing” (vivienda) establece condiciones de una
vivienda mínima y tb se centra en la vivienda colectiva (altos bloques
de forma rectangular, con poco fondo, de 10 pisos, con ventilación
cruzada, etc)
En 1929 realiza el BARRIO SIEMENSTADT en Berlín, en donde
participan distintos proyectistas.
En 1933 con la llegada de los nazis al poder se traslada a Inglaterra,
pero no puede imponerse por lo q asimila las características
británicas. Luego se va a EEUU donde se asocia con Bremen. En
1938 realiza su propia casa, la CASA GROPIUS en EEUU. Entre sus
obras de posguerra encontramos en 1949 HARVARD GRADUATE
CENTER, la EMBAJADA DE EEUU en Atenas 1960, la
UNIVERSIDAD DE BAGDAD 1961 y el unico rascacielos que hizo: el
MET-LIFE en Nueva York 1963 se encuentra ubicado en la Park
Avenue, la cuarta avenida -que remata en el edificio-, es un ejemplo
del estilo internacional, Las partes de la estructura que quedaban
vistas sobre la fachada. fallece en 1969 en Boston.
Las contribuciones de Gropius se caracterizan por un empleo audaz
de los materiales modernos (acero, Hº, vidrio). Su influencia como
profesor fue decisiva. Fue partidario de la estandarización y una
prefabricación bien pensada, pero por sobre todo insistió en la
eficacia del trabajo en equipo.

Edificio de la BAUHAUS en Dessau:


Es el 1º edif. moderno. volúmenes geometricos cerrados e integros
que se relacionan y se articulan en fomra de L. es asimetrico en todos
sus ejes. Planos llenos y vacios.
Consta de 5 partes: los talleres, la escuela, las oficinas, un espacio de
recreación –teatro, auditorio- y los dormitorios. Son bloques
individuales q estan conectados. Hay un equilibrio entre estos bloques
a pesar de poseer diferentes dimensiones; se da una uniformidad en
el tratamiento exterior.
Desarrolla una nueva estructura independiente, separando la
estructura del cerramiento, logrando generar una expresión de pieles
a traves del aventanamiento corrido y el paño de vidrio
ininterrumpido.
Esqueleto de HºAº con paredesde ladrillo, losas de HºAº que en el
ultimo nivel de la cubierta permiten q se vuelvan accesibles y sean
utilizadas como terrazas.
Los talleres y laboratorios poseen una fachada de vidrio corrido en su
totalidad a lo largo de tres pisos.
La envolvente de revoque pintado con colores minerales y el vidrio
esta enmarcado con metal. El terreno es de grandes dimensiones y se
ubicaba en las afueras de la ciudad, permitiendo esto una apertura de
todas las fachadas. Limita con una calle y la atraviesa otra
perpendicularmente. El edificio presenta una marcada horizontalidad
con los cerramientos corridos remarcados por el zocalo retrocedido de
la planta baja, dandole a la obra una sensación de libertad, haciendo
q la masa se libere del suelo (idea propia de Gropius). La Bauhaus
unifica los principios basicos del MM. su lenguaje racional y funcional,
racionalizando los materiales utilizados y la tecnica empleada, como
asi tb la definición de los espacios, los culaes determinan los dif.
volumenes del conjunto planteando la idea basica donde “LA FORMA
SIGUE A LA FUNCION”.
El estilo Bauhaus se caracteriza por la ausencia de ornamento, asi
como por la armonia entre funcion y medios artisticos y tecnicos de
elaboración. No tiene referencias a los estilos historicos, se percibe el
concepto de la 4ta dimension q viene del cubismo (el tiempo p
recorrer la obra) q tb se ve en L.C.
El diseño es una unidad, desde el mobiliario hasta la arq., es
antiacademicista, vision aerea de la arq (se percibe a vuelo de pajaro)

BIOGRAFÍA

Nació en una fecha indeterminada, que ni él mismo recordaba, entre 1867 y 1869 en el
seno de una modesta familia de emigrantes, de padre inglés y madre galesa en Wisconsin. La
madre (su gran impulso) se preocupó de educarlo por el método Fróbel y pasó largas
temporadas en la granja de su tío en Spring Green, lo que explica la indisoluble unión del autor
con la naturaleza. Su padre era un predicador sin éxito de la secta unitaria.

Wright inicia sus estudios de ingeniería en la Universidad de Wisconsin y entra a


trabajar en el taller de Silsbee en Chicago, para pasar luego al de Sullivan con quien
colaboraría seis años. Su primer trabajo será su propia casa en Oak Park en 1889, todavía
bastante tradicional simétrica. En sus primeras obras manifiesta su preferencia a la habitación
unifamiliar integrando los edificios en el entorno natural, como se aprecia en la Casa Robie o la
Casa Gale, obras ambas de 1909. Entre 1909 y 1911 viajó por Europa; a su regreso a Estados
Unidos se instaló en la localidad de Spring Green en Wisconsin, donde realizó el complejo
Tialiesin I, destinado a su propia familia, complejo que será destruido de manera tragica,
perdiendo la vida sus familiares. Tras un primer viaje a Japón en 1905, regresa al Extremo
Oriente en 1916 para construir el Hotel Imperial de Tokio y olvidarse de su Tragedia. A su
regreso le llevaría tiempo buscar nuevas fuentes de inspiración, dirigiéndose hacia los templos
mayas para construir una serie de casas realizadas en la década de 1920. La década de 1930
traerá un nuevo proyecto, la Broadacre City, ciudad ideal en la que se combinan elementos
urbanos y rurales de manera acertada. En la segunda mitad de esta década propone un
lenguaje absolutamente renovado como se aprecia en de la Cascada en Bear Run de 1936, la
famosa Casa de los Kauffman. Así explica que para el arquitecto lo más importante es el
espacio interior y sostendría en su libro "la realidad de un edificio no reside en las cuatro
paredes y el techo, sino en el espacio que éstos encierran, en el espacio en que se vive". En
sus siguientes trabajos sigue ofreciendo soluciones magistrales como en el edificio de oficinas
para la Jonson Wax Company en Racine de 1939 o el complejo universitario de Florida
Southern College en Lakeland de 1940. Su complejo Taliesin West en Phoenix será uno de los
lugares donde sintetiza todas sus aportaciones a la arquitectura, convirtiéndose en uno de los
máximos exponentes y mentor de la arquitectura orgánica. En la década de los años 1950, y a
pesar de su edad, no duda en continuar experimentando al emplear plantas curvas o circulares
para conseguir un espacio único, como se demuestra en el Guggenheim de Nueva York 1943.
Entre sus últimas obras conviene destacar la sinagoga Beth Sholem en Elkins Park,
Pennsylvania en 1959, el proyecto para la construcción de un rascacielos en medio del lago
Michigan o el proyecto para el centro cívico de Marin County en California, finalizado tras su
fallecimiento.

La Casa Robie (The Robie House) 1909

El estilo pradera seria mas bien una calificación que comenzaría a otorgarse a este tipo
de construcciones que en si representaban sencillos conceptos de estructura y composición
que se destacaban por el gran impacto visual que causaban al espectador.

1906

En esta casa queda mas que expresada la idea de Wright de que la arquitectura debía
de jugar con el entorno, es allí cuando comienza a revisarse la cultura americana que era
representada por un elemento que estructuraba el conjunto tanto en la planta como en las
vistas y perspectivas, según este importante maestro de la arquitectura americana, la chimenea
conformaba el centro de la vida hogareña y por ende debía atar el resto de las actividades que
comenzaban a rotar en torno a este elemento vertical, la planta cruciforme de la casa robie era
sin dudas una expresión voluntaria de esta necesidad de remarcar elementos por su esencia
misma, dotada de una centralidad que sumada a la delicada utilización de los materiales en los
cerramientos que jugaban al contraste de luces y sombras con el frondoso paisaje americano.
La gran horizontalidad del conjunto jugaba a los opuestos con su interior que se oponía
a la dirección expresada en el exterior y que tensionaba en forma opuesta hacia el
aventanamiento de hierro, vidrio y madera que cubría los laterales mas largos.

La Casa de la Cascada (The falling Water) 1936

Otra obra maestra de la arquitectura orgánica de Wright fue la impresionante casa


ubicada sobre una cascada, esta fantástica vivienda de fin de semana no seria mas que un
ejemplo de lo que la arquitectura podía representar en la construcción de la vida americana y
su cosmovisión.

En si, su composición era simple con una planta cruciforme centrada por una
chimenea, lograba jugar con el entorno rocoso mediante la utilización de materiales de la
misma zona y donde solo se despegaban dos planos que se cruzaban sobre la cascada en un
vuelo que desafiaba el sentido de la gravedad.

Totalmente desprovista de muros ciegos, la casa parecía mezclarse con su entorno en


un dialogo que buscaba la aproximación del hombre con su entorno natural a tal punto de
colocarlo dentro de la vida natural.

Museo Guggenhein NY (Guggenhein Museum) 1943


1943 - 58

El museo de Nueva York mas reconocido seria obra del arquitecto Wright, este edificio
de estructura helicoidal que seria el contenedor de las mas importantes obras de arte del
mundo, seria en si una gigantesca rampa que lleva al visitante hasta la cima y lo regresaba en
un recorrido sencillo donde se puede apreciar el vacío sobre el atrio central de esta figura
helicoidal que juega con la perspectiva es ahí cuando Wright deja los planos y juega con la
curva y deslumbra con su respuesta simple ante la complejidad del problema.

ALBERTO PREBISCH (ARGENTINA)


Nació en Tucuman, en 1899. Estudió en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de BsAs, en un
ámbito donde el sistema de enseñanza de la arquitectura se desarrollaba aún bajo los cánones del
academicismo, fuertemente influenciado por la escuela de bellas artes de París (Beaux arts). Sin embargo
se había iniciado en esos tiempos un fuerte impulso por parte de los estudiantes en la búsqueda de
lenguajes y pensamientos nuevos de forma, estos pensamientos iniciaron un movimiento que quedó
plasmado en la Revista de Arquitectura en la que posteriormente se conjugaría la Sociedad Central de
Arquitectos. Con 22 años de edad se graduó como arquitecto, ya terminada la Gran Guerra, a pocos años
de la fundamental Reforma Universitaria (1918). Sale al mundo profesional, en medio de este fuerte
debate en el cual su espíritu inquieto no estaría ajeno. A tal punto es así que en el año 1919 obtuvo su
Primer premio en el curso de "Composición Decorativa" con su proyecto de una "Tumba de un Gran
General", donde se observa su insólito dominio y fuerte formación academicista. Fue muy fuerte su
vinculación al pensamiento católico. En 1922 inició junto a Vautier un viaje por Europa, donde se acerca a
los textos de Le Corbusier. Allí, Prebisch tomó un fuerte distanciamiento con el academicismo y el
neocolonialismo. Del primero afirmaría que “no se podía seguir dignamente en el papel de simples
repetidores del pasado” y que había reducido a la arquitectura a “un mezquino problema de orden
estético”. Del segundo, tomaría rápidamente distancia pues no veía en ella más que variaciones de los
signos utilizados por los académicos pero con la constante repetición formal que traía aparejado.
Muy significativa fue la tarea que desarrolló Alberto Prebisch a su vuelta a Buenos Aires. En el año 1924,
junto a su compañero Vautier, obtuvo un Premio en el Salón de Bellas Artes de Buenos Aires por su
proyecto de “La Ciudad Azucarera en la provincia de Tucumán”. En esta obra se percibe una muy
evidente influencia de la ciudad industrial de Tony Garnier, tanto en su diseño como la resolución formal
de las viviendas y los edificios emblemáticos que la conforman. Sin embargo, ante una muestra clara de
adopción del modernismo como solución urbanística del proyecto, mostró una concepción de no realizar
una transculturación de un formalismo interpretado hasta ese momento como “marxista”. La presencia
clara de una capilla así como elementos que son característicos del norte argentino, nos evidencian por
un lado el conocimiento de las soluciones arquitectónicas del modernismo pero una fuerte presencia de
los valores tradicionales de su país negándose a la mera repetición historicista que, en palabras de
Prebisch, “era un empeño irracional de perseguir una tradición inexistente”. Es en esta época que el
arquitecto se incorporó al cuerpo directivo de la revista Martín Fierro, donde su postura crítica lo pone en
violento enfrentamiento con las corrientes academicistas. Su visión de la realidad determinaría una
permanente defensa de los valores de la modernidad.
Victoria Ocampo fue su eterna mecenas. La posición de Prebisch fue la reafirmación de su postura
modernista dentro de su concepción católica, compartiendo con Wladimiro Acosta o Fermín Bereterbide
su posición en el plano estético pero no así en lo social y político dada las claras posiciones de izquierda
de sus colegas.
Prebisch desarrolló obras significativas en el plano estético y formal, siempre en dirección abiertamente
enfrentada a las posturas clasicistas, tal como lo demostró en la desaparecida casa de Raúl Prebisch
en el barrio de Belgrano. Varias viviendas, edificios de propiedad horizontal y edificios de envergadura,
muchos de ellos construidos y muchos mas que queradaron como meros proyectos.
Por esos años participó en los proyectos de los Mercados de Abasto de Tucumán, recientemente
desactivado, y un Mercado Municipal de Barrio, este no construido. En estas obras se pueden vislumbrar
claramente un postura de adoptar el estilo neocolonial, no como una concesión sino como un compromiso
con el lugar, su gente y su cultura.
Sus obras mas emblematicas:
Son en los años 1933 y 1934 cuando Prebisch realiza un viaje a los Estados Unidos donde su
pensamiento se vincula a nuevas posturas del modernismo a través del organicismo wrightiano,
liberándose de las ataduras que representaban para él sus fuertes vínculos con su formación europea.
A su regreso se dio el fuerte impulso en el proyecto y construcción de uno de los emblemas de Buenos
Aires, el Obelisco (1936) en la intersección de las avenidas Corrientes y 9 de Julio, ensanchadas poco
antes. Fue este proyecto uno de los mas discutidos en su momento, en donde toda la intelectualidad
Argentina tomó apasionadas posturas a favor y en contra de su construcción. Inspirado en su visita a
Washington, retomó con esta obra a las fuentes del clasicismo geometrico.
Otra obra de este autor fue el teatro Cine Gran Rex (1937) en capital federal. Indudable producto de su
visita a los Estados Unidos de Norteamérica, representa, tal vez, uno de los puntos culminantes en su
carrera profesional y creativa. -modulación, regularidad y despojo ornamental- Fue el inicio de una serie
de encargos de obras análogas como el proyecto de un auditorio al aire libre en Palermo (1937), el
segundo premio de un Concurso para la Sociedad de Autores, Intérpretes y Compositores (SADAIC),
junto a Eduardo Sacriste (1937), un proyecto de cine en la avenida de Mayo (1942), el Cine Teatro
Güemes de Salta (1943), el Cine Moderno en Tucumán (1943), el Cine Cóndor en Rosario (1945), el Cine
Teatro Victoria y la Confitería en Salta (1945), entre otros. El Gran Rex representó un hito dentro de la
historia de la arquitectura moderna argentina. Destaca en su construcción el efecto de continuidad entre
el exterior e interior, con su foyer o vestíbulo separados “del afuera” por una superficie vidriada, solo
cortada por una marquesina lineal. Este magnífico espacio se destaca en forma ambivalente, con una
grandiosa estructura resuelta con una simpleza formal y estética admirable. Su interior, de idénticas
características espaciales y constructivas, destaca por su absoluta falta de decoración, alejándose
definitivamente de todos aquellas típicas salas cargadas de metáforas a las antiguos palacios de música
clásicos europeos.
La labor de Alberto Prebisch continuó a lo largo de los años, plasmando su obra y pensamiento en varias
viviendas individuales, colectivas, edificios de propiedad horizontal y comercios. Cabe destacar el edificio
para locales comerciales en Viamonte 605, el edificio de departamentos de la avenida Libertador 846/48,
el edificio para oficinas y sede de los Laboratorios de la Sociedad Química Rhodia Argentina S.A., entre
otros. En todos ellos se observa a un Prebisch maduro, desarrollando en sus proyectos todas las
experiencias acumuladas en largos años de búsqueda de un lenguaje moderno acorde a la problemática
de la ciudad de su tiempo.
Su aporte indiscutido al desarrollo y evolución de la arquitectura moderna representa un hito en la historia
del arte y la cultura argentinas, las cuales tendrán en él un artífice indiscutido.

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ANTONIO U. VILAR (ARGENTINA)
Estudió en la en la facultad de ciencias exactas de la UBA y se recibió de ingeniero civil en 1914,
comenzó su carrera profesional con su padre y su hermano hasta que se convirtió en jefe de servicio de
obra y construcciones de explotación nacional de petróleo donde se vincula con el estado.
Aventamamiento corrido, superficies blancas, lisas y desprovistas de todo orden clásico, su obra marcaría
en la historia de la arquitectura argentina un hito, como el diseñador la imagen que identificaría
formalmente a las estaciones de servicio de YPF y a las sucursales de ACA en todo el país, también
realizaría obras en propiedades de renta volúmenes prismáticos apenas calados, donde poco a poco va
quitando el orden clásico tripartito de basa, desarrollo y coronamiento.
Aun seguiría presente esta imagen en el banco popular argentino, donde expresa al estado totalitario, allí
se presenta por primera vez, la idea del espacio racionalista la “forma y su función” al mismo tiempo en
paralelo realizaría en la una aproximación a un elemento que lo identificaría, el aventamamiento corrido
que se evidenciaba independencia de su planta en el Edificio Nordiska, luego quedaría clara esta
concepción de forma y función en el hospital Churruca de capital federal con 120 metros de largo por 30
de alto, separado por sus núcleos verticales completamente visibles desde el exterior y como remate
desmaterializa el ultimo nivel expresando la estructura en su esplendor, algo jamás visto, ya que en el
banco popular argentino, esconde la estructura aunque realiza un apareamiento de ventanas que
empezaban a separar al orden clásico del movimiento moderno. Esto surge ante la necesidad de
eficiencia en la función publica asistencial del estado, no solo en lo que a lo económico se refiere sino a la
forma de ahorrar tiempo y esfuerzo.
Vilar se puede incluir en una tendencia purista dentro del racionalismo, sobre todo en sus aspectos
formales. Las estaciones del ACA llevaron a diversas ciudades del interior las primicias del racionalismo, a
la vez que obras como el Hospital Churruca y el Edificio Nordiska señalaban su talentosa inserción en la
arquitectura bonaerense.
Realizó gran cantidad de casas individuales y departamentos. Su casa particular (san isidro); se eleva
sobre pilotis, siguiendo los preceptos corbuserianos, y el 1º piso avanza sobre los jardines por medio de
un balcón terraza curvo delimitado por una baranda de caños muy liviana y por una viga que remata en lo
alto el espacio de este volumen virtual.
Tendencia purista dentro del racionalismo, sobre todo en aspectos formales.
Hospital Churruca: adscribe a una estética moderna y responde a una mirada funcionalista a los
requerimientos hospitalarios a escala de una gran ciudad. Conjunción de un diseño maduro con claras
intenciones formales, pero sin perder de vista el destino del edificio y su utilidad para la sociedad. –
Producto de alta calidad con un alto nivel que nada tenía que envidiar a las obras materializadas en los
países centrales. –Frente: largas líneas horizontales, se proyecto de manera que no se evidencian los
núcleos de los ascensores y escaleras, se mantuvo una proporción en las tiras de aventanamiento que
superaban a los paños de revoque. –La carpintería de herrería delineaba otro ritmo dentro de los vanos,
dibujando una grilla en el frente. –El diseño del hospital “1máquina de curar” contempló gran amplitud en
los espacios comunes, buenas ventilaciones y luz natural.
ACA-Mar del Plata: influido por las ideas modernas de LC. –Proyecta una obra con presencia urbana
imponente, de máxima simplicidad, con una planta clara y líneas puras. –Propone un “no-estilo” apoyado
en la carencia de elementos decorativos. –Presición y alto grado de definición en cuanto a detalles
constructivo, pasó a integrar un catálogo de resoluciones que luego se repitió a modo racional en el resto
de las obras del ACA. –Tipos arquitectónicos estandarizados, cubrieron la extensa red territorial y
afirmaron principios nuevos de identidad y soberanía nacional.

Hospital Churruca

ALEJANDRO BUSTILLO (ARGENTINA)


Nacido en buenos aires en 1889, bustillo es considerado como uno de los últimos representantes del
eclecticismo, construyo también la primer casa moderna de la argentina, la Casa de Victoria Ocampo
en Grand Bourg en 1928, en un juego de prismas y cubos desnudos, blancos y perforados con aberturas
dispuestas libremente en función de cada habitación, y no de la composición externa.
Mas allá de su arquitectura aplicada a la vivienda continuaba proyectando edificios de monumentales
como el banco de la nación argentina y complejos veraniegos como la rambla en mar del plata
(hotel – casino) donde con rasgos pintoresquistas genera una especialidad ritmo y repetición fuertemente
modernistas, algo que logra desprender en el edificio volta donde se resalta esta verticalidad y el
aventanamiento juega un papel importante definiendo las partes del edificio que si bien seguía normas
academicistas, se distanciaba y se desprendía de todo orden clásico.

WLADIMIRO ACOSTA (ARGENTINA)


Nació en Rusia. Arquitecto. Lúcido y comprometido representante de las posiciones políticas y culturales
más avanzadas de la arquitectura europea en los años veinte, su trayectoria en la Argentina emblematiza
las fuertes diferencias que distinguían el Modernismo local de sus modelos externos. Defendió la
necesidad de una arquitectura como solución de problemas concretos, prestando especial atención a las
condiciones climáticas locales. Sostuvo la vinculación entre arquitectura y ciudad. Procuró aportar
soluciones para los sectores sociales más carenciados. Fue dueño de una especial sensibilidad plástica y
creativa.
En Europa y en especial en Alemania experimenta el impacto de la inmensa y diversa vida artística de la
ciudad y es atraído por el Expresionismo, especialmente por el trabajo de Mendelsohn.
PROYECTO DEL CITY BLOCK
Llegado a Buenos Aires en 1928, se conecta con Prebisch, quien parecía más cercano a algunas ideas
de la vanguardia europea, y trabaja con él pocos meses con el hasta que considera que estaba muy lejos
del programa místico y de reforma social del que Acosta había formado parte hasta entonces. ensayos de
casas mínimas adaptadas a las condiciones de los lotes característicos del urbanismo español, con 8,66
metros de frente y largos diversos hasta alcanzar los 5 o metros, y los comienzos de la formulación del
City Block.
Las primeras alcanzarían una expresión más acabada en 1932, en las viviendas suburbanas de Santa Fe;
la propuesta consistió en una variante intermedia entre la casa chorizo y la casa compacta. Al primer tipo
corresponde la ristra de dormitorios, baño y alero-garaje, ubicados sobre la medianera, y el consiguiente
patio lateral que así se genera, atravesando sobre el terreno un recinto mayor, el living.
En lo primeros meses de 1931, vuelve a Buenos Aires, donde residirá en forma permanente hasta 1947,
diez años mas tarde construirá su primera obra. Entre tanto, su reflexión teórica es intensa en las
búsquedas de "reforma de vida" y el descubrimiento plástico de Río y la relación libre volumen / piel. vira
hacia el antiurbanismo y a la vida en relación con lo natural.
El hecho más destacable es la invención del sistema Helios en 1932. En su versión elemental, dicho
sistema consiste en un corte aterrazado, protegido del sol con una losa visera ubicada en el nivel de la
cubierta, aunque puede hacerse más complejo incorporando placas verticales u otras horizontales a la
piel exterior de protección, las primeras versiones cruciformes del City Block fueron corregidas cuando
paso a ser asesor para el estudio del Código de Edificación.
En 1935 comienza a colaborar con una publicación de izquierda, hasta su designación como
representante oficial de los CIAM (Congreso Internacional de Arquitectura Moderna) en la Argentina, sus
obras más importantes fueron: las casas de Villa Urquiza (1934), Villa del Parque, La Falda, Bahía
Blanca, Ramos Mejía (1939), Punta del Este (1940), Calp (Rosario, 1942), Castelar (1944), y los edificios
de la Colonia Oliveros (Santa Fe, 1939), Figueroa Alcorta (Buenos Aires, 1942), y el primer proyecto de la
casa colectiva del Hogar Obrero. Esas casas se caracterizan por un estudio meticuloso de las
orientaciones y el funcionamiento del sistema Helios, por apelar a una combinación equilibrada de
superficies y formas abstractas con materiales rústicos, especialmente en los basamentos, y por la gran
libertad de sus agrupaciones en planta, muy lejanas de la rigidez geométrica que manifiestan sus
primeros trabajos.
El proyecto para el Hogar Obrero constituye un intento de poner en práctica los temas que había
ensayado en Vivienda y Ciudad, particularmente sus últimas propuestas para el City Block, pero una gran
cantidad de inconvenientes lo separan y desvinculan de la solución definitivamente construida. Quizás por
eso el edificio de Av. Figueroa Alcorta parece ser un gran esfuerzo por responder a las condiciones de la
ciudad en tanto tal, con sus reglamentos, sus predios y su tipología. Simultáneamente, y dando testimonio
de una industria de la construcción con nuevas potencialidades, el repertorio de materiales empleados
con sabiduría y delicadeza constructiva muestra
En 1947 parte de la Argentina y proyecta la excelente Escuela Unificada de Aplicación del Instituto
Pedagógico en Caracas. Viaja en 1948 a Guatemala, donde actúa como asesor del gobierno. También
visita los Estados Unidos para dictar una serie de conferencias, antes de volver a la Argentina. Realiza un
par de casas (Giardino, Nastri y Levinton) y, en 1954, vuelve a trasladarse a los Estados Unidos, donde
no consigue trabajar aunque dicta conferencias en varias universidades, como Harvard y Cornell.
Su trayectoria en la Argentina emblematiza las fuentes diferencias que distinguían al MM local de sus
modelos externos. Defendió la necesidad de 1arquitectura como solución de problemas concretos,
prestando especial atención a las condiciones climáticas locales. Vinculación entre arquitectura y ciudad,
soluciones para los sectores sociales más carenciados.
Influencia europea: se establece en Roma y trabaja con Marcel Piacentini, (ferviente defensor del
Clasicismo mediterráneo, apoyaba al movimiento fachista, y simultáneamente fue el 1en divulgar la nueva
arquitectura). Además influencias de LC (casa Schwob) y Theo Van Doesburg.
Se va al verdadero sur, al continente nuevo y en pleno movimiento de crecimiento a la Argentina.
City Bloc: proyecto complejo, referirse a las 2experiencias de las que parte su reflexión: 1-GROSTADT
(concentración absoluta de las funciones metropolitanas, por medio de bloques que bordean gigantescos
predios entre los cuales se intercalan placas verticales) y 2-el rascacielos cruciforme de LC.
Fusiona estos 2proyectos con el damero porteño. Es una alternativa posible de reforma. Necesidad de
conciliación se expresa en la relación interior-exterior.
Idea de división en vertical de las funciones y la trama de circulaciones peatonales sobreelevada; con los
rascacielos cruciformes de LC que eran ubicados en el centro de las manzanas componentes del damero.
Luego fue introduciendo correcciones a su CB original, hasta concebirlo como una placa y formular la
hipótesis de una ciudad lineal.
Sistema Helios: para su formulación: separación entre cuerpo y piel, entre volumen y membrana
perimetral. Dicho sistema consiste en un corte aterrazado, protegido del sol con una losa visera ubicada
en el nivel de la cubierta. Será una constante en su arquitectura, quien ensaya en esos años con casas
individuales (barrio de Flores), colectivas (conjunto en los alrededores de BA) o los grandes edificios de
las nuevas versiones del City Bloc. Estudio meticuloso de las orientaciones y apela a1 combinación
equilibrada de superficies y formas abstractas con materiales rústicos, y especialmente en los
basamentos y por la gran libertad de sus agrupaciones en planta.
Basado en la protección contra el calor solar durante el verano y en su conservación máxima en invierno,
por medio de la colocación de losas protectoras sobre las aberturas de salientes considerables (2-+mts)
elevadas a +altura de doble piso (5-6mts) denominada losa visera. El sistema no es un aditamento
auxiliar pegado al edificio: constituye una parte orgánica de la arquitectura de la casa, resultado formal de
su aplicación proporciona un rico juego esencial que da lugar a la destrucción del volumen construido
como sólido opaco.
Casa en la Falda: perfil de líneas rectas se destaca en el apacible paisaje cordobés. –Una equilibrada
combinación de superficies y formas abstractas, resulta sin desdeñar el uso de materiales rústicos
locales. –En un contexto suburbano de chales pintoresquitas, la arquitectura de la casa provee una
relación de comunicación y continuidad del hombre con la naturaleza, garantizada por las grandes
superficies vidriadas, las terrazas y las espacios intermedios. Aplicó a la vivienda un sistema original de
control de asoleamiento.
*Representante oficial de los CIAM. Ejerce una poderosa influencia docente y con algunos de sus
discípulos produce su último gran proyecto: unidad vecinal de la Isla Maciel, en la ribera del riachuelo. El
conjunto articula distintas unidades de distinto tipo y es producido con gran rigor y economía de recursos,
conservando rasgos de la riqueza volumétrica que había caracterizado a sus 1obras.
Casa de Departamentos (Av. Figueroa Alcorta): obra más importante, solución interesante de un edificio
entre medianeras. Deja un espacio-patio que aleja de la avenida la zona de estar, gran living con
aventanamiento doble, sobre una plaza y la avenida. Clara estructuración del conjunto, elevado sobre
pilotis.

Casa en la Falda

GRUPO AUSTRAL (ARGENTINA)


La historia comienza en París, durante 1938. En el taller de Le Corbusier se encontraron Antonio Bonet,
Juan Kurchan y Jorge Ferrari Hardoy. Unidos quizás en un principio por un idioma común y por la
distancia que los separaba de sus tierras, estos jóvenes arquitectos se trasladaron a Bs. As. con la idea
de formar una grupo  Grupo AUSTRAL.
Su propósito era lograr una trasformación de la Arquitectura, pero estaban convencidos de que eso
exigiría organizar un vasto conjunto de personalidades de la economía y la cultura capaz de movilizar a la
opinión pública, de generar nuevos programas, nuevas formas de ocupación del espacio y una acelerada
modernización de los sistemas productivos.
Si bien ya había habido un intento previo a cargo de Wladimiro Acosta, Alberto Presbich y Antonio U. Vilar,
que no llegó a formalizarse, la idea de formar un grupo de trabajo y de estudio era novedosa por aquellos
años.
Austral era un grupo iconoclasta, un grupo de acción, idealista, que se había formado no solo para
construir sino también para debatir, polemizar, combatir y además, defender sus propias ideas y las de los
CIAM.
A pocos años de la visita de Le Corbusier y de la construcción de los primeros edificios racionalistas en
nuestro país, el Grupo Austral llamó la atención de los arquitectos, advirtiendo el peligro de que el
funcionalismo se convirtiera en un estilo más y de ese modo, fuera incorporado al catalogo de opciones
de la Academia. Una de las metas de Austral fue la promoción del Plan Director para Bs. As.
A fines de 1939 aparecen los primeros anteproyectos del Grupo, realizados para un concurso que impulsa
el Banco de la Nación para casas rurales en todo el país.
Los integrantes del grupo trabajaron a veces de manera individual, en pequeños equipos o en algunas
ocasiones como unidad.
En carácter individual o en equipos las obras más destacables realizados por los integrantes de Austral
son el ya mencionado edificio de Ateliers de Artistas, el de departamentos conocidos como “Los
Eucaliptos” y las casas en Martínez.
Como equipo, Austral no construyó ningún proyecto de arquitectura. El espíritu de conjunto que prevaleció
en los primeros años, fue dando paso a la aparición de las diferentes individualidades, dentro del grupo
Sin duda algo con lo que cargaban los arquitectos y diseñadores argentinos era con las limitaciones
económicas propias de un país que estaba en plena consolidación, es en los Ateliers del grupo austral
cuando Antonio Bonet, Jorge Ferrari – Hardoy, Juan Kurchan logran esta maravilla del diseño argentino,
que en 1039 formaría parte de los salones de exposiciones universales como el MOMA DE Nueva York.
Su diseño es claramente una reformulación del sillón tripolina diseñado en 1855 en Inglaterra y que luego
de 81 años se transformara en esta elegante silla que equipaba estos estudios de arte y que hasta en la
actualidad se vende en todo el mundo bajo el nombre de BKF “Butterfly Chair”
Entre una de las mas importantes obras del grupo austral esta es el edificio de departamentos en capital
federal, donde se utilizan planteos próximos a corbusier como su retirada de la línea de edificación, y si
mezcla entre geometría y naturaleza, dada por la introducción en el conjunto de un eucalipto que hace un
juego de luz y sombra en la fachada geométrica de parasoles salientes y balcones que ponen sobre
relieve la verticalidad de la composición, novedosa para ese entonces, 1941. Bonet por otro lado deja
volar planos y coloca delgadas columnas y desmaterializa casi hasta su limite a los bordes de la casa oks
en 1950.
Agrupación de arquitectura a los que la historia presenta como el verdadero inicio de la vanguardia
argentina. Jóvenes sentían el doble rechazo hacia sus “maestros”: identificaban a los profesores de la
escuela de arquitectura con esas posiciones anacrónicas incapaces de comprender las nuevas
condiciones de producción y sus consecuencias en la disciplina.
Antonio Bonet - Jorge Ferrari Hardoy – Juan Kurchan – Amancio Williams – Mario Roberto
Alvarez – Federico Peralta Ramos – Santiago Sánchez Elías –Alfredo Agostini/ SEPRA – Jorge
Azlan y Hector Azcurra.
La historia comienza en París, 1938, en el taller de LC, se encontraron Bonet, Kurchan y Ardió. Se
trasladaron a BA para formar un grupo. A través de una declaración titulada “voluntad y acción” aparece el
grupo Austral.
Grupo de acción, idealista, que se había formado no solo para construir sino también para debatir,
polemizar, combatir y además, defender sus propias ideas y las de los CIAM.
Cuando se afirma que con ellos se comienza verdaderamente la historia de la arquitectura moderna, se
exagera, pero tal vez no se yerra en un aspecto sustancial: primera vez que los jóvenes se comportaron a
la manera de los vanguardistas de todo occidente.
La arquitectura actual se encuentra, a parte del relativo progreso técnico, en un momento crítico de su
desarrollo y desprovista del espíritu de sus iniciadores. “Ha originado la nueva academia refugio de los
mediocres, dando lugar al estilo moderno”.
Manifiesto “volunta y acción”: apropiación de las formas del funcionalismo. Preocupados por el clima,
modos de vida de la gente, sistemas constructivos tradicionales, materiales locales, revalorización de
soluciones funcionales populares; transitar otro camino diferencial del “estilo moderno”; preocupación por
temas a escala urbana y elaboración teórica más peso que la obra realizada.
V CIAM: todavía figuraba como delegado en la argentina Wladimiro Acosta. Refundan 1delegación de los
CIAM en la argentina: Ferrari Hardoy, Juan Kurcham y Bonet. Decidieron unirse exclusivamente para
lograr una transformación de la arquitectura pero estaban convencidos de que eso exigía organizar un
vasto conjunto de personalidades capaces de movilizar la opinión pública, de generar nuevos programas,
nuevas formas de ocupación del espacio y una acelerada modernización de los sistemas productivos.
Se propusieron: -establecer contacto con los grupos similares de otros países; -estudios particulares y
colectivos de los problemas teóricos y prácticos de arquitectura contemporánea; -participación del grupo
en los concursos, exposiciones, congresos nacionales e internacionales; -proponer y organizar secciones
culturales a las cuales serán invitados todos los socios; -redactar una revista órgano del grupo; -agrupar
en torno del mismo a individuos y grupos de distintas actividades (pintura, escultura, música, fotografía,
médicos, abogados, financistas, etc); -tomar iniciativa para la resolución de todos los problemas de
arquitectura de la argentina.
La disolución parece haber ido produciéndose poco a poco, sin que nunca se decidiera una conclusión
formal. 1crisis; renuncias después de publicado el manifiesto de fundación; progresiva consolidación de la
carrera profesional de cada uno.
Hechos: -redacción de un plan para la ciudad universitaria de BA; -ampliación del grupo y de sus
relaciones con otros sectores de la sociedad argentina y del mundo; -construcción de un pabellón propio
permanente en el centro de BA; -publicación de una revista; -estudios sobre viviendas obreras;
-presentación a concursos.
Ideas: -Surrealismo; muchos de sus elementos, propósitos e intenciones revelan contactos bastantes
evidentes, el canal más importante debió ser el propio Bonet, quién venía de ser seducido por
compatriotas como Gaudí, Dalí, Miró y Buñuel. –Arquitectura Moderna y ciudad; los jóvenes del grupo
eran corbuserianos no solo –o no tanto- porque concebían a sus proyectos como pequeños gérmenes o
fragmentos anticipados de una ciudad futura, sino porque, a la manera de los viejos académicos,
pensaban que era posible y deseable imaginar a la ciudad como un proyecto de escala monumental.
Buscaban unir aspectos aparentemente opuestos: por un lado la máxima densidad de población y con
esto los más intensos niveles de vida en comunidad, y por otro la integración con la naturaleza postulada
hasta entonces solo desde posiciones antiubanas. –El “descubrimiento” de la Argentina: la superpoblación
de BA era atribuida a un desequilibrio nacional que podría corregirse con planes de organización y
estímulo al desarrollo regional que evitarán la profundización del éxodo rural.
Obras: el grupo no produjo conjuntamente ninguna construcción, es aceptable que buena parte de las
ideas que lo convocaron se encuentran expresadas en un pequeño grupo de piezas que sus miembros
idearon solos o constituyendo distintos grupos.
Sillón BKF: constituye un doble fenómenos, estético y productivo, y es en este sentido una cabal
expresión de las componentes de Austral. El pasar de la madera al hierro tiene varias consecuencias: por
ej; que los ángulos deben resolverse en curvas dando continuidad y “organicidad” a la forma. Con su
empleo de hierro y cuero, el sillón presentaba además compuestos mediante elementos de mundos
opuestos: la industria y al artesanía. Pero lo que lo colocó en el centro de los debates y el interés
internacional fue su cualidad de objeto sin frente, ni espalda, ni lados, una totalidad de materia y forma
que se desarrollaba en el espacio, la gran cualidad auspiciada por la crítica modernista.
Los jóvenes de Austral constituyeron el primer grupo “radicalizado” en la historia de la arquitectura
argentina, la 1manifestación de una voluntad de repudio con las estructuras existentes, algo que ninguno
de los modernistas locales se había propuesto. Todos criticaban la repetición profesionalista de fórmulas a
que se había reducido el Modernismo local, y el Academicismo vacío de los viejos tradicionalistas, y
deseaban reconstruir una dimensión cultural, crítica y en cierto modo utópica de la disciplina
arquitectónica.
Pese a la inmadurez y a su efímera existencia, tuvieron un extraordinario efecto en la historia de la
arquitectura argentina porque reinstaló a la disciplina como hecho cultural y no meramente profesional.
Austral demostró que la forma moderna era consecuencia de una toma de posición frente a la cultura, las
tradiciones y las utopías de una sociedad.

ARQ MODERNA Y CIUDAD (ARGENTINA)


KALNAY:
Una modernidad distinta. Desarrolla un enorme talento creativo en una variedad de propuestas que son
de por sí innovadoras, pero que al mismo tiempo reconocen su articulación con la tradición.
-Cervecería Munich: construido mediante un sistema de piezas prefabricadas, inventadas por Kalnay, que
diseñó desde el mobiliario hasta los vitraux.
-Capacidad de integración paisajística.
-Búsqueda en la idea de una articulación entre decoración y estructura, subordinada ambas a la función y
al carácter del edificio. Realizó decenas de viviendas unifamiliares y conjuntos que mostraban esa
preocupación por el carácter del edificio, economía de construcción y funcionalidad en el diseño.
Edificio de renta: resuelve el programa ajustándose a las razones objetivas del problema, la estructura
económica de la cual depende, adelantos tecnológicos disponibles y la incidencia que tiene la propiedad
de la tierra sobre la obra. Acceso fácil y elegante, distribución orgánica y funcional, ambientes de
generosas proporciones, amplia recepción, cada unidad funcional fue cuidadosamente elaborada para
responder a los principios modernos de buen vivir.
Espíritu racionalista, con marcada adscripción a la corriente Alemana del MM. –Valorización de la
volumetría a partir de un elaborado juego de entrantes y salientes –meticuloso diseño de las aberturas –
grandes superficies vidriadas –balcones de amplias dimensiones –uso de carpintería y persiana corrediza
que se insertan en el espesor del muro y de un diseño de equipamiento para aprovechar el máximo
espacio.
SANCHEZ, LAGOS Y DE LA TORRE:
Situaban en su estructuración profesionalizada, la posibilidad de ofrecer un repertorio variado de
lenguajes, una especie de “cartera” de variantes eclécticas, -incluido el “Moderno”-además de una
sofisticada disponibilidad de avances tecnológicos, precisamente son ellos los que introducen, por 1°vez,
el aire acondicionado en un proyecto nacional.
Una lectura atenta de sus edificios y de su obra en general, muestra permanentes vaivenes ente rasgos
lingüísticos tradicionales con filiaciones académicas y rasgos renovadores, contraste comunes a la
producción porteña del período 1920-1940. En una primera etapa se dedican a viviendas para usuarios
de altos ingresos. Amplia gama de representaciones estilísticas, de acuerdo con los comitentes a quienes
están destinadas (petit-hotel, neomedieval, tudor).
En su segunda parte incorporan equipamientos públicos además de viviendas. El área de vivienda
individual sigue manteniendo un repertorio variado en las fachadas, si bien hay una lenta depuración en el
diseño de las plantas.
En sus soluciones parecen haber tenido un rol significativo los comitentes. De todos modos, su
zigzagueante trayectoria es común a los estudios que producen arquitectura en las transiciones del 20-40
Kavanagh: conjugaba en sí las contradicciones de una época problemática, conservadora y renovadora a
la vez. Obra paradigmática de la arquitectura moderna de la argentina. Torre escalonada a 120mts de
altura, con los servicios más modernos. El más alto del mundo, un temprano alarde de la tecnología del
hormigón armado. Aspecto atípico: distribución de los ascensores, en distintos puntos de la planta
triangular, para permitir el acceso individual a los departamentos e impedir los cruces entre vecinos.
Característico escalonado, da origen a terrazas y miradores (30% de los departamentos tiene
expansiones al aire libre, algunos verdaderos jardines). Con su morfología y distribución funcional, es
ejemplo de vanguardia adecuada a la realidad argentina de esa época.
Posibilidad de aumentar la altura original permitida en la zona abriéndose como compensación una calle
transversal de uso semipúblico.
Experimentaron las posibilidades del hormigón armado en una escala jamás afrontada en el mundo hasta
el momento. Es remarcable la calidad de los materiales y el cuidado de la ejecución general.
Mostraron que lo “moderno” aun resuelto con calidad era “un estilo más”.
Sus proporciones, imponente volumetría y novedosa implantación urbana (abierta a una calle lateral para
crear una situación de torre exenta) lo convierten en un edificio paradigmático. Fue considerado el edificio
de renta más completo de Sudamérica; contó con instalaciones centrales de aire acondicionado,
calefacción, electrobombas e incinerador de basura, y además servicios comunes como gimnasio y
piletas de natación.
El edificio expresa la voluntad formal de trabajar con un volumen exterior separado de las resoluciones
internas. Mientras la volumetría, su forma geométrica dada por los retiros, la altura, su implantación, son
elementos de vanguardia respecto de gran parte de la producción contemporánea, en las plantas no
sucede lo mismo, pues operan, en cambio premisas de compartimentación espacial.

AMANCIO WILLIAMS (ARGENTINA)


Amancio Williams falleció en 1989, fue miembro de la Academia Nacional de Bellas Artes y Doctor
Honoris Causa de la Universidad Nacional de Buenos Aires. Estudioso e investigador.
Williams se convirtió en el último representante del período purista del movimiento moderno, e introdujo
cambios que revolucionaron la forma de entender y ejercer la arquitectura en el país.
Muchas de sus obras, como la Casa del Puente, tres hospitales para la provincia de Corrientes, el
Pabellón de Exposiciones de Palermo, muebles, interiores y monumentos, obtuvieron distinciones
internacionales y fueron publicadas en libros y revistas especializadas de distintos países. Arquitectos
como Le Corbusier, Georges Candilis y Max Bill elogiaron la obra de Williams.
entre 1943 a 1946, construyó, en las afueras de la ciudad de Mar del Plata, la Casa del Puente. Fue
levantada sobre un angosta corriente de agua este edificio fue incendiado y aun no se conocen los
resultados de los peritajes, se cree que el incendio fue intencional. Hay testigos que aseguran que vieron
cuando de la casa escaparon al menos seis personas, pero no hay detenidos. El corazón de esta vivienda
ya no es la distribución de formas, la pulcritud de un diseño. Su sentido es ahora su poder de
comunicación.
La casa debe unir, comunicar dos orillas, dos márgenes de la tierra. Es alli cuando la imagen de este
prisma logra confundirse entre los follajes de el verde predio de 2 hectareas propiedad de su padre, La
Casa del Puente, también conocida como Casa del Arroyo, es obra del último representante del período
purista del Movimiento Moderno, que introdujo cambios revolucionarios en la forma de entender y hacer
arquitectura en Argentina. Con una idea paisajística de la vida del hombre, en medio de una frondosa
arboleda, la construcción desarrolla características tecnológicas de vanguardia para cubrir el Arroyo de
las Chacras, a la manera de un puente. Fue concebida como una "forma recionalizada y abstracta"
inserta en el espacio salvaje, tanto su estructura como sus materiales están mostrados al desnudo, esta
propiedad fue residencia de su padre Alberto Williams, célebre compositor argentino. Ahora en medio de
batallas jurídicas este edificio reposa en ruinas sobre un arroyo seco, conde alguna vez cobro vida.
Algunos proyectos de Williams rozaban la razón, como por ejemplo un rascacielos de 36 pisos en el que
potencia su idea de negación de la ciudad actual casi en una dialéctica futurista de la vida, así como
también en el complejo de viviendas escalonadas.
Premio Konex 1982: Arquitectura. Nació en 1913 en Buenos Aires. En 1930 ingresó en la Facultad de
Ingeniería de la UBA, carrera que abandonó tres años después para dedicarse a la aviación, lo cual le
aportaría gran experiencia para el futuro desarrollo de su nueva profesión, la de arquitecto, yq que ingresó
de nuevo en la universidad en 1938.
En 1947, viajó a Europa para conocer a Le Corbusier, excelente arquitecto, con el que colaborará para la
construcción de la Casa Curutchet. Dentro de su producción destacan la propuesta para el aeropuerto de
Buenos Aires (1945); el proyecto del Edificio suspendido de oficinas (1946); la Cruz en el Río de la Plata
(1978-1980), el pabellón de exposiciones en Palermo y la Ciudad que necesitaba la humanidad (1974-
1989).
Fue autor de prolongados estudios e investigaciones, así como de innovadores proyectos e impecables
realizaciones, que manifiestan siempre su moderna preocupación a favor de una vida humana más digna,
junto a una visión territorial del paisaje americano, abarcando la plástica, el diseño, la arquitectura, el
urbanismo y el planeamiento.
En su obra pueden encontrarse desde objetos, muebles, interiores, monumentos, hasta edificios y
ciudades; entre ellos sus proyectos y realizaciones más conocidas como las de viviendas en el espacio, la
sala para el espectáculo plástico y el sonido en el espacio, la casa sobre el arroyo en Mar del Plata, los
tres hospitales para Corrientes. Muchos de estos trabajos han sido expuestos en diversas universidades,
habiendo obtenido importantes distinciones, y publicados en gran número de libros y revistas
especializadas de diversos países, siendo allí elogiados por personalidades como Le Corbusier, Max Bill,
Georges Candilis, entre otros.
Además, desarrolló una intensa actividad docente en su taller. Cuando falleció, en 1989, era reconocido a
nivel internacional como una de las principales figuras de la arquitectura moderna, gracias entre otras
cosas a haber sido Académico de la Academia Nacional de Bellas Artes y Doctor Honoris Causa por la
Universidad Nacional de Buenos Aires
Amancio Williams (1913 - 1989)
Visionario y aventurero, Amancio Williams nació en 1913 en Buenos Aires. A los dieciocho años ingresó
en la Facultad de Ingeniería de la UBA, pero abandonó sus estudios tres años después para dedicarse a
la aviación. En 1938 volvió a la universidad, pero esta vez eligió la carrera de Arquitectura, también en la
UBA, de donde egresó en 1941.
Williams privilegió siempre la investigación como forma de desarrollar su profesión, abarcando varias
áreas a la vez: la plástica, la escritura, la música, entre otras. En 1947 viajó a Europa para conocer a Le
Corbusier, con quien mantuvo una vasta correspondencia. En 1949 se hizo cargo de la dirección de la
única obra en la Argentina del maestro del modernismo: la casa Curutchet.
Si bien se lo conoce como el arquitecto sin obra, dentro de su producción se destacan la propuesta para
el aeropuerto de Buenos Aires (1945); el proyecto del Edificio suspendido de oficinas (1946); la Cruz en el
Río de la Plata (1978-1980) y la Ciudad que necesitaba la humanidad (1974-1989). Además, desarrolló
una intensa actividad docente en su taller. Cuando falleció, en 1989, era reconocido a nivel internacional
como una de las principales figuras de la arquitectura moderna

MARIO ROBERTO ALVAREZ


Egresado de la Universidad de Buenos Aires en 1936 ha desarrollado una intensa e ininterrumpida
práctica. Participó en un gran número de concursos y fue premiado en varias oportunidades.
Es una personalidad de consulta permanente de las universidades del país. Los emprendimientos
llevados adelante desde los primeros años comprenden: viviendas unifamiliares, edificios de oficinas,
sedes bancarias, sanatorios, teatros, laboratorios, galerías comerciales, edificios de propiedad horizontal
y proyectos urbanísticos. se destaca fundamentalmente como profesional liberal, Si bien sus primeras
encomiendas datan de 1937 en orbitas del estado, será en 1947 cuando desarrolla arquitectura en
ámbitos particulares.
Muchos de los trabajos mas importantes realizados se obtuvieron mediante concursos, ganando los
primeros premios, como la Facultad de ingeniería de la Universidad de La Plata y la Universidad de
Belgrano. Igualmente importantes en su trayectoria han sido la propuesta para la Nueva Sede del jockey
Club en Buenos Aires o el edificio para la Sede Social de la Sociedad Mixta Siderurgia Argentina
(SOMISA).
OBRAS E IDEOLOGIAS
Su ideología no es la de las grandes transformaciones o la del compromiso social, insistir en las calidades
de los espacios, en las proporciones apropiadas según sitios y premisas generales, son parte de las
constantes con que la oficina agudiza la resolución de los detalles para maximizar su eficiencia técnica y
confortabilidad. Es evidente la búsqueda de síntesis basada en la economía funcional con que ordenan
las plantas y la depuración de muros y carpinterías, mediante las que se asume la delimitación entre
espacios exteriores e interiores, desarrolla una estrategia proyectual apta para responder a la diversidad
climática y material de las distintas regiones geográficas.
Los elementos se expresan con autonomía y tensionan las relaciones entre el todo y las partes. Se hará
presente en el prisma laminar de las viviendas en propiedad horizontal, en Posadas esquina Schiaffino,
Capital Federal (1957-1959), diferenciando base, fuste y remate con el tratamiento de materiales.
Pero la obra de mayor potencial de esta etapa es el Teatro Municipal General San Martín Fue necesario
expropiar terrenos para poder concretar un complejo programa de un edificio que debería de ser
polifuncional, este programa de necesidades se definió alrededor de una sala de espectáculos públicos,
apta para teatro de comedia, pero con posibilidad de adaptación. El conjunto se organizó de acuerdo a un
cuerpo de "conceptos rectores", en los que la racionalidad presidía la concepción funcional, plástica, y
evitaba el exceso.
Un caso particular de intensificación de estos procedimientos estético-técnicos, está representado en el
edificio para SOMISA. Convergen aquí cuestiones de rigor tecnológico pero también de retórica
expresiva; en este edificio, la tensión entre ambiente urbano, construcción de la forma edilicia de valor
emblemático de la tecnología, una operación de completamiento referida al fragmento urbano con una
idea del progreso técnico como soporte de las innovaciones en la arquitectura y su manifestación en la
dialéctica entre estructura y cerramiento de fachadas, lo atípico de la propuesta se basa en el
materialidad de un edificio hecho íntegramente en acero laminado y vidrio.

CLORINDO TESTA
Urbanista y artista plástico argentino, Clorindo Testa es hasta hoy en día el gran que el siglo XX ha dejado
como visionario moderno.
Nacido en Benevento, Italia en 1923, llego al país a los 3 meses de edad, luego de un año de estudios en
ingeniería civil, ingreso como alumno de la escuela de arquitectura de la universidad de buenos aires,
donde cinco años mas tarde obtendría su título de arquitecto.
En 1948 se incorporo al plan regulador de buenos aires, bajo las ordenes de Ferrari Hardoy acompañado
de Bonet, Kurchan y Rogers (grupo austral) 1949 obtuvo una beca de estudios en Italia, España y Francia
de casi dos años de duración, luego regresaría a buenos aires a trabajar para el municipio y diseño
templetes para el cementerio de la chacarita y paso a ser la cabeza del plan regulador.
Su vida de pintor y escultor también ha tenido su reconocimiento.
Su obra mas importante fue la biblioteca nacional y el banco de Londres en buenos ambos edificios
expresan la inclinación plástica de testa, de volúmenes casi en estado puro calados que llevan al
observador hacia el extremo en cuanto a la sensación de estabilidad, espacios donde el hormigón se
expresa con dimensiones, pesado desafiante de la gravedad, tan liviano y pesado a la vez, espacios que
fluyen desde adentro hacia fuera, y de fuera hacia dentro en una rara mezcla manierista de formas
exageradas y desproporcionadas según las interpretaciones que se le den a este monumento, de la
arquitectura moderna Argentina.
El edificio de 1970 ocupa en su totalidad una manzana de forma trapezoidal de dimensiones atípicas en
el tejido urbano frente al Parque Centenario, en la planta baja se resuelven todos los accesos
(emergencias, público ambulatorio, médicos, auxiliares, técnicos y abastecimiento). Los dos subsuelos
albergan los servicios generales, consultorios externos y salas de radioterapia. En primer piso están los
laboratorios y en el segundo quirófanos y terapia intensiva, los cuatro niveles superiores están destinados
a internación.

LUCIO COSTA
Fue pionero del movimiento moderno brasilero y una de las figuras de la arquitectura y el urbanismo. Su
obra emblemática fue el planeamiento de la ciudad de Brasilia, la nueva ciudad capital del país y
considerada Patrimonio Cultural de la Humanidad en 1966.
Nació en Tolón Francia en 1902 y se formó como arquitecto en Francia. Este hecho fue fundamental para
el posterior desarrollo de las ideas del movimiento moderno en Brasil, país al que se trasladó en la
década del `20. En 1935 se hizo cargo junto con otros arquitectos, entre los que estaba Oscar Niemeyer,
de la ejecución del Ministerio de Educación bajo la atenta supervisión de Le Corbusier, quien se desplazó
en varias ocasiones a Brasil para trabajar en el proyecto. El edificio, concluido en 1946, constituye un
compendio de los cinco postulados del maestro franco-suizo: bloques elevados sobre columnas de
hormigón en una espacie de planta libre, con fachada independiente de la estructura, ventanales
longitudinales, cubiertas planas ajardinadas.
Ministerio de Educación. 1949
En muchas de sus obras, como el edificio residencial del parque Eduardo Guinle en Río de Janeiro, Costa
proyectó grandes fachadas con parasoles, un invento corbusiano cuya finalidad era proteger los interiores
del intenso sol tropical. La obra fundamental de Lúcio Costa es el proyecto urbanístico de Brasilia. Este
proyecto se había mantenido vigente durante el siglo XIX pero no fue hecho realidad hasta el XX. Para
ello, fue crucial la elección en 1956 de Juscelino Kubitschek, hasta entonces gobernador del Estado de
Minas Gerais, como presidente de la República.
La idea central del proyecto es la creación de un complejo sistema vial cuya arteria principal recorre el eje
norte-sur desde el aire se asemejaba a un aeroplano; a ambos lados de éste se disponen las zonas
residenciales articuladas en supermanzanas. Perpendiculares a esta directriz se cruzan numerosas vías
de penetración perfectamente diseñadas donde se sitúan los centros de recreación. El eje este-oeste,
más corto que el anterior, es de marcado carácter representativo. En el vértice del triángulo está situada
la plaza de los Tres Poderes, centro neurálgico de la vida política. Esta idea urbanística parte del
concepto de ciudad ideal propuesta por Le Corbusier, que dividía la ciudad en cuatro zonas destinadas a
las diferentes actividades sociales: vivienda, ocio, desplazamiento y trabajo. Brasilia es una ciudad que
surgió de la utopía de los CIAM y que pudo llevarse a cabo gracias a la mentalidad progresista de unos
gobernantes que apostaron por la modernidad.
Al margen de los problemas antes descritos, su planificación es el fruto de un programa político que
demandaba más una ciudad capital que una ciudad vital, es decir, que requería un alto grado de
monumentalidad. En este sentido, cumple perfectamente con el programa previsto, no sólo por su original
planteamiento, sino también por la belleza plástica de sus edificios.

OSCAR NIEMEYER
Nació en Río de Janeiro y después de graduarse en 1935, Niemeyer trabajó con Le Corbusier en los
planos para el ministerio de Educación y Salud de Río de Janeiro en 1936. Realizó el Pabellón brasileño
para la feria mundial de Nueva York EN 1939 y en 1943 la residencia Peixoto. A finales de esta década se
le encargó realizar en el suburbio de Belo Horizonte el teatro municipal y el edificio del gobernador. Otro
de sus trabajos es la polémica iglesia de San Francisco, tan radical en su estructura que su consagración
se pospuso 16 años después de su finalización en 1959. Su reputación internacional le viene de su
audacia e imaginación. Asemejando a la naturaleza, serian la mayor parte de sus obras, ya que Niemeyer
busca adaptar los edificios a las condiciones del medio ambiente, al hacer convivir grandes volúmenes
con espacios vacíos en una lucha de escalas. Otra característica de sus edificios es que se elevan sobre
pilotes de acero y hormigón algo que el movimiento moderno desarrollaría.
ASPECTOS DE SU OBRA.
En la década de 1950 fue el arquitecto organizador de los edificios oficiales de la ciudad de Brasilia, la
nueva capital del Brasil Junto al arquitecto brasileño Lucio Costa es responsable de la planificación y
construcción de esta ciudad. A partir de 1960 ha trabajado indistintamente en su país y en el extranjero,
realizando diversos conjuntos arquitectónicos en Alemania, Gran Bretaña, Italia, Argelia o Francia, entre
otros países.
Brasilia y algunas obras en Río fueron de su creación, la planificación de una ciudad en el medio del
territorio brasilero, le preemitiría una libertad inimaginada de juego en el espacio vacío de la meseta.
Este edificio polémico, ante la ruptura que realiza con respecto a la concepción de una iglesia, no es más
que una imagen contundente del nuevo lenguaje de Niemeyer, donde aun expresando la unión del
hombre con su dios, no deja de sorprender esa manifestación simbólica de agua, estructura orgánica y
geométrica. Su nave esta hundida a lo largo de 70 metros de diámetro, de manera longitudinal a pesar de
la planta circular de la Catedral. Su interior está decorado con Vitro. Cerca de la entrada hay cuatro
estatuas conocidas como los Cuatro Evangelistas.
Así juega con el reflejo, la repetición, y el espacio volumétrico de líneas rectas, planos y curvas, mezclado
con el exuberante verde de la planicie brasileña.
El panteón el congreso nacional y la capilla del palacio Itamatary, muestran esta libertad con la que
cuenta este arquitecto.

JUAN O´GORMAN (MEXICO)


Nació en 1905, en México D.F., su padre fue Cecil Crawford O' Gorman, proveniente de Irlanda, y su
madre Encarnación O'Gorman de O'Gorman era mexicana. Su abuela marcó una huella profunda en el ya
que era una persona muy intuitiva y netamente mexicana que siempre lo animó a seguir una carrera
artistica ya que veía en Juan un excelente porvenir. De 1922 a 1927, Juan O'Gorman cursó sus estudios
de licenciatura en la Escuela de Arquitectura, dependiente entonces a la Academia de San Carlos. No
solo en la escuela recibió la sólida preparación, sino también en los trabajos realizados: primero, como
dibujante en las oficinas de los arquitectos Carlos Obregón Santacilia, Carlos Tarditi y José Villagran
García y años más tarde como pasante de arquitectura y arquitecto auxiliar en el taller de Obregón
Santacilia. En esta época, O' Gorman participó con Marcial Gutiérrez Camarena y Enrique del Moral en la
recostrucción del edificio del Banco de México. Con las ganancias de este contrato, compró un terreno
en la avenida Altavista y la calle de las Palmas, en San Angel, frente al Restaurane San Angel Inn. Eran
dos lotes, el que hacía esquina se lo vendió al pintor Diego Rivera para que contruyera su casa-estudio, y
el otro que es el no. 80 de la calle Palmas construyó la primera casa funcional en México, la cuál según
el mismo O'Gorman causo sensación ya que nunca se había visto en México una construcción en la que
la forma fuera completamente derivada de la función.
ASPECTOS DE SU OBRA
Aún dentro de sus amplias composiciones murales, su pintura tiene cualidades de miniatura por su
perfecto acabado tanto en los paisajes con arquitectura, como en sus retratos y alegorías.
Aparte de su obra de caballete y mural, en 1954 recubrió con mosaicos de piedras naturales policromas,
la biblioteca central de la Ciudad Universitaria en México. En esta obra integró su formación pictórica y
arquitectónica, logrando excelentes resultados. La realidad mexicana, así como la influencia de la pintura
popular fueron características constantes que se combinaron con lo insólito, maravilloso o fantástico
Los trabajos famosos de O'Gorman incluyen: La casa-estudio de Diego Rivera, que era la primera de
su clase y fue creada en 1928. Murales en el Museo Nacional de Antropología, los cuales ilustran la
historia de la aviación. Murales en el aeropuerto de Ciudad de México. Dos de los tres paneles de este
mural fueron retirados en 1939 por su carácter anticlerical y antifascista. Entre 1932-1935 construyó 29
escuelas que eran sobre todo escuelas primarias con estructura funcionalista. Su propia casa, fuera de
Ciudad de México, que fue creada entre 1953-1956 y destruida más adelante en 1969, se considera su
trabajo más extraordinario. Muchos murales y mosaicos en lugares públicos.
Muchos de sus trabajos reflejan la historia de México, de la Revolución Mexicana, de la historia de los
Mayas y de los Aztecas y de otras costumbres políticas, tales como separación de la iglesia y del estado.
Por afinidad en sus ideas políticas y culturales, Juan O´Gorman mantuvo una amistad muy estrecha con
los pintores Diego Rivera y Frida Kahlo.
Debuta de manera precoz como arquitecto, antes de cumplir veinticinco años, en 1929, con una obra
revolucionaria. Luego de una actividad muy intensa, se retira de la arquitectura de manera paulatina a
partir de 1935. En 1937, trabajó ya de manera intensa como muralista. Tiene un breve retorno a la
arquitectura a finales de la década de 1940. O’Gorman dedicó la mayor parte de su vida a la pintura; la
obra arquitectónica con que más se le identifica es la de la Biblioteca de la Ciudad Universitaria.
Nunca quiso pertenecer a galería alguna y malbarató su propia obra. Ida Rodríguez Prampolini lo
promovió como pintor y arquitecto
O’Gorman no permanece mucho tiempo en el terreno de la reflexión, y con su primer sueldo adquiere dos
canchas de tenis frente al antiguo hotel de San Ángel In. En una de ellas construye una pequeña casa-
estudio para un pintor, destinada según él a su padre. O’Gorman cuenta la historia: "La casa que construí
causó sensación porque jamás se había visto en México una construcción en la que la forma fuera
completamente derivada de la función utilitaria. Las instalaciones, tanto la eléctrica como la sanitaria,
estaban aparentes. Las losas de concreto sin enyesado. Solamente los muros de barro-block y de tabique
estaban aplanados. Los tinacos eran visibles (...) No había pretiles en la azotea y toda la construcción se
hizo con el mínimo posible de trabajo y gastos de dinero".
Diego Rivera, a petición de Juan, fue a visitar la casa. A Diego no sólo le pareció interesante, sino que dijo
que era una casa estéticamente bella y en consecuencia le encargó la construcción de su casa bajo los
mismos lineamientos.
Pero más allá de la historia de cómo tuvo la oportunidad de construir para Diego Rivera, lo que se debe
mencionar es como las tendencias e ideas del funcionalismo tuvieron seguidores en México. Tomando las
ideas fundamentales de Le Corbusier en su libro "Hacia una nueva Arquitectura", donde se refería a la
casa como "una máquina para vivir" y recapacitando sobre las condiciones vividas en México, se vio la
posibilidad de resolver al mínimo costo, los problemas de vivienda.
La corriente del funcionalismo radical, el que se preocupaba por las satisfacción de las necesidades
funcionales y el máximo aprovechamiento de los recursos económicos, fue la que Juan O'Gorman
introdujo. Esta teoría radical se concentraba en el funcionamiento a través de una ingeniería bien
aplicada. Los radicales del funcionalismo buscaron satisfacer las necesidades de la sociedad creando una
arquitectura no sólo funcionalista sino también para las masas. Y por considerarlo necesario en aquel
tiempo, los arquitectos de esta corriente renunciaron a la definición dada por Le Corbusier para explicar a
la arquitectura como un arte y se limitaron a tratarla como una función técnica. Y así se pronunciaron por
una solución arquitectónica cuantitativa y no cualitativa apartándose de la estética.
O’Gorman pensaba que la arquitectura no debía ser considerada como arte y llegó a perder de vista que
tras el sistema de utilidad práctica que había adoptado, se daba una nueva estética en la arquitectura.
Fue Diego Rivera quien le hizo ver que también estaba presente el arte en su obra funcional.

VILLAGRAN GARCIA (MEXICO)


Nació y murió en México, D.F. (1901-1982). Arquitecto (1923) por la Universidad Nacional Autónoma de
México (UNAM), fue profesor (1924-1977), director de la Escuela Nacional de Arquitectura (1933-1935) y
miembro de la Junta de Gobierno de esa casa de estudios (1953-1970).
Realizó trabajos para el Departamento de Salud Pública (1924-1935), el Consejo de Arquitectura de la
Ciudad de México (1934-1937), el Comité Nacional de Lucha contra la Tuberculosis (1939-1947) y el
Comité de Construcción de Escuelas (1949-1981).
Fue consultor por Iberoamérica, en materia de hospitales, de la Organización Mundial de la Salud (1951).
De entre su obra arquitectónica desarrollada a lo largo de casi seis décadas, se distinguen las siguientes
realizaciones en la ciudad de México: Instituto de Higiene en Popotla (1925), Sanatorio para Tuberculosis
en Huipulco (1929), Proveedora de Leche en Popotla (1929), Dispensario de Higiene Infantil (1929),
Escuela Hogar núm 5 (1934), Comercial La Palma (1935), Instituto Nacional de Cardiología (1937),
Hospital Infantil (1941), Maternidad Mundet (1943), Centro Universitario México (1944), Escuela Nacional
de Arquitectura en la Ciudad Universitaria (1951), edificio comercial y cine Las Américas (1952), edificio
para oficinas y cine Reforma (1957), capilla de Santa Cruz en San Ángel (1958), pabellones de Cirugía
Experimental y de Médicos Residente en el Instituto Nacional de Cardiología (1958), Unidad de
Academias y Congresos Médicos del Centro Médico Nacional (1958), Hotel Alameda (1961), Hospital de
la Fundación Mier y Pesado (1961), Hotel María Isabel (en colaboración , 1962), edificio Bolivia (en
colaboración, 1963) y los edificios de las escuelas preparatorias Tacubaya, La Viga y Coyoacán de la
UNAM (en colaboración, 1963).
Publicó artículos en las revistas Arquitectura (1939-1955) y México en el Arte (1950-1959). En El Colegio
Nacional desde el 4 de abril de 1960. Se le otorgó el Premio Nacional de Artes en 1968.
SU ARQUITECTURA
Su obra señala toda una gran etapa de la arquitectura mexicana desde su prédica racionalista y anti-
academicista desde la década del ´20 del siglo XX.
Desde su punto de vista teórico, Villagrán García concibe el valor arquitectónico como la integración de
otros valores útiles, lógicos, estéticos y sociales pero no jerarquiza nada en particular, por eso se
desvirtúan los componentes disgregados. Los social para el, no es un valor arquitectónico de por sí, sino
la razón misma de una arquitectura que relativiza el sentido de lo que es útil en compromiso con la
realidad. Villagrán encontró que en la propia teoría se hallaba el puente entre los principios y la práctica
profesional concreta en un momento dado; para lograr una arquitectura útil y sólida, a la vez que estética,
y cuyos elementos se trataran con sinceridad, era necesario partir del conocimiento profundo de la
situación nacional. Los arquitectos no podían resolver el problema socialmente hablando si desconocían
las necesidades de nuestro pueblo. ¿Cómo resolver un problema si se le desconoce? En consecuencia,
la arquitectura debía reivindicar la utilidad como uno de sus valores propios, pero ¿cómo hacerlo cuando
se desconocía a qué grupos sociales iba a satisfacer, sus condiciones económicas, ideológicas,
culturales, sus hábitos y costumbres?
En en el año de 1925 se le encomendó a Villagrán el proyecto de la llamada Granja Sanitaria, a la vez
que el del Instituto de Higiene. Se trataba de contar con los espacios adecuados para elaborar la vacuna
antivarilosa. Para ello, la granja necesitaba de establos para la inoculación de los animales, así como
depósitos de forrajes, baños para los animales y los laboratorios correspondientes. Pero ¿qué pasó al
momento de iniciar el proyecto?; ¿contaban los médicos con el programa arquitectónico? Dicho de otra
forma, ¿sabían qué espacios necesitaba el instituto y cuáles eran las finalidades de cada uno de ellos a
fin de que el arquitecto pudiera complementarlas todas? Nada de eso. Según se lee en la memoria
respectiva: "se presentaron dificultades de carácter técnico debido a la falta de un programa de
funcionamiento que permitiera deducir las condiciones arquitectónicas del edificio".
Así pues, lo que Villagrán propugnaba en las aulas, lo ratificaba su propia práctica profesional: el
desconocimiento de nuestros problemas, de nuestras necesidades, era el principal obstáculo para
proyectar la nueva arquitectura. A fin de cuentas, el proyecto de la Granja Sanitaria y del Instituto de
Higiene pudo llevarse a cabo gracias a la información obtenida en instituciones estadunidenses dedicadas
al procesamiento de las mismas vacunas.
Villagrán corroboraba la inaplazable urgencia de conocer a fondo nuestros problemas, nuestro país, para
poder tener éxito en la toma de decisiones. Esta tesis la expuso en su primera conferencia pública,
cuando en 1931 la Sociedad de Arquitectos Mexicanos organizó la Primera Convención Nacional de
Arquitectos Mexicanos. Ahí señaló: "Mis proposiciones van por ahora a concentrarse en los tres puntos
esenciales que he desarrollado como fases de la producción arquitectónica; el primero se refiere a la
investigación que denominé continua y que sirve de base común para los problemas particulares: el
conocimiento perfectamente real de la situación social de nuestro pueblo en las distintas regiones de la
República; pretendo fundar sobre este conocimiento, las soluciones que constituyen nuestra verdadera
arquitectura nacional: de hoy: cimiento sólido, inconmovible, porque estará apoyado sobre la realidad
misma de nuestras exigencias sociales; propongo emprender una obra de investigación social que reúna
en un solo organismo de trabajadores a aquellos que se interesen por esta lenta labor de conquista
cultural que forma parte este programa de acción". ¿Quiénes participarían en esta empresa de
investigación que proponía Villagrán a la Convención Nacional? Antropólogos, sociólogos, higienistas,
ecólogos, geógrafos y, dado que se trataba de una "labor de reconquista del país", sería obligación de
"todos los universitarios mexicanos".
Cuando Villagrán expuso estas ideas y este programa de acción para sobre él fundar la nueva
arquitectura, apenas tenía ocho años de práctica profesional. Se había recibido de arquitecto en 1923 y
ya en 1926 fue nombrado presidente de la Sociedad de Arquitectos Mexicanos. En 1929 se le había
encomendado la realización de un hospital que se convertiría en otro hito de la historia de la arquitectura
moderna: el Hospital de Huipulco, que fue proyectado a partir del conocimiento del programa
arquitectónico, esto es, de la suma de finalidades diversas que tenía que satisfacer como un hospital en el
México agobiado por la crisis económica del 29.
En 1939 fue nombrado director de la Escuela de Arquitectura; cargo con el que se le reconoció
públicamente como el maestro de la arquitectura moderna de México, como el guía, como el educador. Al
poco tiempo inició la primera política de construcción de hospitales, colaborando con el doctor Gustavo
Baz. A partir de aquí su obra como arquitecto corre paralelamente con la realizada en las aulas,
exponiendo e insistiendo siempre en la fecundidad de la teoría para encontrar las mediaciones entre los
más abstractos postulados teóricos y la aplicación de ellos a la realidad concreta.

LUIS BARRAGÁN (MEXICO)


Nació en Guadalajara en 1902 en una aristocrática y prospera familia, creció en un gran rancho cerca del
lejano pueblo de Mazamitla en Michoacan, una región conocida por su bella arquitectura vernácula.
Aunque su formación fue de ingeniero, Barragán descubrió que tenía una afinidad más fuerte por la
arquitectura. El nunca estudio ni tampoco se recibió oficialmente como arquitecto (lo cual no evito que
recibiera el premio Pritzer, el "premio Nóbel" de arquitectura en 1980). Su educación en arquitectura
proviene de la escuela de ingeniería (lo que fue suficiente para permitirle construir casas), de otros
arquitectos, y de la experiencia practica. Mas tarde el sintió que la carencia de conocimiento académico
en arquitectura fue probablemente una bendición- liberándolo de los alcances rígidos de muchos de sus
colegas y permitiéndole alcanzar soluciones instintivas a problemas de diseño.
A los 20 años vivió en Europa como parte de su proceso formativo. En Francia encontró los escritos de
Ferdinand Bac, un arquitecto del paisaje de origen francés, ilustrador e intelectual. Los libros ilustrados
por Bac en el arte del paisaje -Le Colombier y The enchanted gardens- sugerían que los jardines deberían
ser lugares encantados para la meditación, con la capacidad de hechizar al espectador. Estas ideas
fueron una gran influencia en el futuro de la carrera en el paisaje de Barragán, especialmente desde que
fue capaz relacionar el ambiente mediterráneo enmarcado en las ilustraciones de Bac al de su nativa
Guadalajara con su clima similar. Cuando Barragán finalmente conoció a Bac y discutió de arquitectura
con el, Bac le mostró "con la fuerza de una revelación" un nuevo y profundo entendimiento de los
elementos básicos de construcción: vigas, tejas, arcos, y como los elementos naturales como rocas y
piedras, el agua, y el horizonte jugaban un papel en el diseño.
Regresando a Guadalajara, Barragán reanudo su amistad con dos arquitectos de su generación, Rafael
Urzua e Ignacio Díaz Morales. Ellos también estaban empezando a construir casas con influencia Moroca
similar a las de Barragán. Juntos estudiaron los libros de Bac, y Barragán empezó a diseñar patios los
cuales hechizarían al usuario, y continuarían su investigación hacia una "arquitectura emocional".
A finales de los 30's Barragán se muda a vivir a la Ciudad de México. Diseño una serie de edificios al
estilo internacional, que para entonces había llegado a ser muy popular (más que en cualquier otro país).
Fue en los 40's que Barragán empezó a descubrir un estilo mas personal por el cual su posteriores
trabajos serian fácilmente reconocidos. De 1943 a 1950 estuvo ocupado con los jardines del pedregal, un
proyecto del paisaje en un área árida cubierta de lava volcánica cerca de San Ángel en la parte sur de la
Ciudad de México. Su intención fue crear un área de casas selectas, irrumpiendo lo menos posible en el
paisaje inusual y casi lunar. Actuó como urbanista y arquitecto, diseñando varias casas para el pedregal y
planeando calles, estanques, senderos, y fuentes- siempre con la intención de proteger las formaciones
rocosas naturales. Paredes de roca y lava dividían lotes; vegetación natural, además cactus y chilares
fueron preservados.
Poco después de que Barragán se mudo a México, conoció a otro tapatío, Chucho Reyes. Reyes -artista,
anticuario, y creador de ambientes fue un apasionado defensor de la cultura indígena en México. Había
sido influyente en la transición de la influencia francesa a la mexicana en decoración interior que ocurrió
durante los 30's y los 40's. Una gran afinidad creció entre aquellos dos hombres, y Reyes muy pronto se
convirtió en la mayor influencia en el crecimiento creativo de Barragán.
Durante el periodo de su trabajo en el pedregal, Barragán empleo a Reyes (pagándole por día) como
consultor. Además de ayudarlo con los problemas diarios de diseño, Reyes fue un catalista en la
metamorfosis radical del estilo de Barragán. Los edificios de apartamentos genéricos, de estilo
internacional y casas de influencia moroca de lo 30's le dio el camino hacia el altamente abstracto y
personal trabajo de su periodo de madurez, empezando en los 40's con el pedregal y continuando, como
un proceso de refinamiento para el resto de su carrera.
Durante este periodo de transformación, Barragán descubrió su país. Su subsecuente arquitectura puede
ser vista como un destilamiento de las proporciones y detalles de los viejos conventos coloniales
mexicanos, monasterios y haciendas. Un profundo católico, Barragán fue también influenciado por el
espíritu de gracia y soledad con el cual estos edificios están fuertemente inmersos.
Al mismo tiempo, un número de sus motivos decorativos más característicos empezaron a hacer
aparición. Estos incluían los agrupamientos de gigantescas ollas para fermentar pulque en el patio de sus
posteriores casas, y el uso de bolas espejeadas y coloreadas que habían sido originalmente colgadas en
las pulquerías del siglo XIX. Aparecieron en grupos simbólicos en las mesas de café de Barragán. La
paleta de Barragán, que hasta entonces había sido limitado al rojo indio, azul y blanco, de repente adopto
los tintes de la ropa y fiestas tradicionales mexicanos: amarillos, rosas, rojos y morados. Estas decisiones
de diseño fueron todas influenciadas por Chucho Reyes.
Durante los 50's en adelante, Barragán se vio envuelto en mas proyectos del paisaje y residenciales.
Construyo una capilla en 1955 en Tapian en la Ciudad de México, y diseño otros que permanecen sin
construir.
Barragán nunca fue prolífico, pero nunca fue decepcionante que a finales de los treinta años de su vida
activa solo produjo tres casas: La casa Gálvez en los 50's, San Cristóbal en los 60's y Casa Giraldi en los
70's.
Aunque muy poco de su igualmente remarcable trabajo paisajista ha sobrevivido, Barragán es mejor
conocido por sus casas. Cada casa fue una variación de un tema continuo. Barragán no estaba
interesado en la innovación técnica, y estaba contento con un simple vocabulario de materiales como el
adobe y vigas de madera.
Sus casas fueron monásticas en espíritu y representaron un refugio de la vida contemporánea. Los
cercanamente integrados espacios interiores y exteriores fueron rodeados por paredes diseñadas para
crear un ambiente privado y sereno. Las dimensiones de las ventanas fueron limitadas excepto cuando
daban a un patio privado, con su estanque y fuente. Como Barragán explico: " La arquitectura, además de
ser espacial, es también musical. Esa música es interpretada por el agua. La importancia de las paredes
es que nos aíslan del espacio exterior de las calles. La calle es agresiva, incluso hostil: las paredes crean
silencio. Desde ese silencio tú puedes hacer música con agua. Después, esa música nos rodea."
SU OBRA ARQUITECTONICA
Luis Barragán se inscribe en el grupo de arquitectos que al generarse una crisis del paradigma de la
máquina, buscan un nuevo lenguaje apartado de la simplicidad de los espacios geometrizados,
acercándose más a la vertiente organicista con una alta calidad estética y a una admiración por la
arquitectura vernácula, popular y anónima.
Su obra arquitectónica atraviesa tres etapas, la vernacular, la racionalista próxima a Le Corbusier y de la
“nueva objetividad alemana”, y una última más personal con un lenguaje propio y depurado en donde
afloran sus experiencias personales.
Barragán realiza una recreación de las formas arquitectónicas, lejana a la calidad tecnológica, a través del
tratamiento de los muros con texturas y colores vivos (típicos de las construcciones mexicanas), de
planos puros y paredes agresivas que contrastan con las simplicidades del lenguaje de la máquina, y del
recurso del agua, de influencias mediterráneas y árabes. Algunos claros ejemplos de este lenguaje son su
propia casa de Tucubaya en México D.F. de 1950 y la Escuela de equitación en San Cristóbal.
En su arquitectura se perciben sensaciones plásticas y espaciales que buscan crear espacios
secuénciales abiertos como patios y cerrados como estancias, que conducen a la intimidad, con
elementos que valorizan esa introversión, que proviene de la arquitectura popular del Mediterráneo y
árabe, el recurso a las formas, colores y texturas vernaculares y la presencia de objetos de arte populares
en los espacios abiertos y cerrados de las casas.
La pared es el más mexicano de los elementos de construcción, y con Barragán recibió una nueva
expresión, llegando a ser escultura y logrando una extraordinaria plasticidad y monumentalidad. Puertas,
ventanas y otras interrupciones en la superficie de las paredes fueron colocadas con la máxima intención.
Barragán estaba constantemente haciendo cambios durante la construcción, a menudo derribando una
pared para luego empezar de nuevo.
El uso las paredes para crear un cerramiento doméstico que envolvieron todo, permitiendo pequeñas
vistas del cielo y un poco más del mundo exterior. Las vistas se concentraban mejor en el patio que
estaba rodeado por altas paredes. Su descontento con las casas modernas era su afecto por ventanas
que permitieran vistas indiscriminadas del mundo de afuera y competían por la atención del ocupante. In
las casas de Barragán el interior es cómodo, protector, y sin distracción alguna.
El color fue usado en la superficie de las paredes para efectos espaciales o para expresar estados de
ánimo. Una pared podía haber sido pintada de azul como una metáfora del cielo, o amarillo para dar un
efecto de luz solar.
En las palabras que el dirigió al recibir el premio Pritzker, indico la importancia que el dio a lo intangible de
la arquitectura: "En proporciones alarmantes las siguientes palabras han desaparecido de las
publicaciones de arquitectura: Belleza, inspiración, magia, hechicería, encanto, y también serenidad,
misterio, silencio, privacia, asombro. Todas ellas han encontrado un hogar amoroso en mi alma.

ALVAR AALTO
Nació en 1898 en el pueblo de Kuortane, situado entre la zona lacustre de Finlandia central y las llanas
granjas de la provincia occidental de Ostrobotnia. Fue el mayor de tres hijos en una familia que pertenecía
a la clase media de funcionarios civiles. Su padre era topógrafo. Cuando Aalto contaba con 5 años, su
familia se mudó a Jyväskylä, una ciudad que siempre permanecerá asociada a su nombre. Sería su hogar
durante los siguientes 24 años y allí se encuentran más edificios suyos que en cualquier otro lugar del
mundo. Aalto diseñó 70 construcciones para la ciudad y sus alrededores, de los cuales 37 se llevaron a
cabo. Tras dejar la escuela, se matriculó en la Universidad de Tecnología de Helsinki, donde se graduó en
arquitectura en 1921. De vuelta en Jyväskylä, abrió allí un estudio de arquitectura en 1923 y al año
siguiente se casó con la arquitecta Aino Marsio. Su viaje de luna de miel a Italia selló una unión intelectual
con la cultura mediterránea que constituiría algo importante para él durante el resto de su vida. En 1927
se transladó con su familia a Turku, una ciudad situada al suroeste, para realizar algunos encargos
importantes y de allí se mudo a Helsinki en 1933. Durante su época en Turku, el diseño más importante
fue el Sanatorio Paimio, una construcción que rápidamente lo elevó al estatus de maestro del
funcionalismo heróico, algo de lo que pronto se apartaría en su busca de armonía artística a través de
una sinergía que englobara a las personas, su medioambiente y las construcciones en las que viven. Su
percepción de lazos orgánicos entre indivuduo, naturaleza y edificios maduró a finales de los años 30,
cuando diseñó la Villa Mairea, una de las más admiradas residencias privadas de la arquitectura
moderna. Entre las últimas obras maestras de Aalto se incluye el ayuntamiento de Säynätsalo, finalizado
en 1952, y la iglesia de Vuoksenniska Church (1959).
La obra de Alvar Aalto tuvo un excepcional alcance, y abarcó desde edificios y diseños ciudadanos, a
muebles, cristal, joyería y otras formas de arte. Era un hombre cosmopolita, cuyo conocimiento de varios
idiomas hacía que le fuera fácil viajar y hablar en público. Cuando estaba a punto de dejar su hogar para
estudiar en Helsinki, su padre le dio un consejo que era bueno, pero quizás estaba de más: "Alvar, sé
siempe un caballero". Sus hijos le describen como un hombre de temperamento equilibrado que evitaba
enfadarse, un hombre que con frecuencia era capaz de encontrar una solución cuando surgían
diferencias con sus clientes. Sin ninguna duda, su tacto y encanto hubieran resuelto las controversias
surgidas por la superficie de marmol para el Palacio Finlandia, su último gran edificio en Helsinki, un tema
que se presentó unos 20 años después de su muerte.'
Hay un elemento esencialmente finlandés en la arquitectura de Aalto, muchos que conocen el legado
cultural de Finlandia lo verían. Ellos vislumbrarían en su trabajo las mismas metáforas de la naturaleza y
de la vida finlandesa que existen en la música de Jean Sibelius o en las creaciones de diseñadores como
Wirkkala, Sarpaneva y tantos más. Pero la importancia de Aalto como arquitecto transpasa las fronteras
de su país. Como todo el Arte con mayúscula, el suyo tiene el poder de evocar sentimientos y derecho a
un lugar propio en el patriminio cultural del mundo.
ASPECTOS DE SU OBRA ARQUITECTÓNICA
Alvar Aalto es el representante de la producción arquitectónica que reúne la producción en serie y la
irracionalidad, cuyo objetivo era restablecer la unidad entre arquitectura y vida, regenerando, a través de
un proceso, su interior.
Alvar era el más jóven de los arquitectos de su tiempo que se inclinaba hacia el aspecto más humano de
la arquitectura, cuyo don particular era el de afrontar los problemas de la construcción funcionalmente y
de resolverlos orgánicamente.
Los nuevos medios de expresión y la búsqueda de una unidad entre función y arte, la producción en
serie, los nuevos sistemas de construcción y la nueva concepción del espacio habían conformado un
nuevo lenguaje arquitectónico que se hallaba a disposición y que Alvar Aalto aprovechó y profundizó con
su mirada particular.
Junto al desarrollo de la obra de los pintores Juan Miró y Paul Klee, que se ligaba al mundo irracional y
orgánico, algunas tendencias similares maduraban en la arquitectura.
Alvar Aalto colocó al lado del hierro y el hormigón armado un antiguo material muy importante en la
industria finlandesa, la madera, descubriendo en ella nuevas posibilidades.
Entre 1928 y 1930 desarrolló el proyecto para la sede del “Turín Sanomat” en Tuki, en donde se observa
ya la cooperación de la técnica occidental combinada con una expresión artística propia y personal. Utiliza
la estructura de hormigón armado, la fachada de ventanas apaisadas, la cubierta en forma de terraza y
las columnas fungiformes.
En 1929 comienza a proyectar el Sanatorio Paimio para los tuberculosos , tiene seis plantas orientado
hacia el sur-sudoeste, con un solario con balcones que sobresalen verticalmente. Tuvo muy en cuenta el
punto de vista humano en la distribución de las habitaciones para el dormitorio individual, hasta en los
más pequeños detalles. Las distintas alas y funciones las dispuso de forma radial y todo fortalece esa
concepción de “espacio-tiempo” de este conjunto. Cada pared posee su propia existencia de acuerdo con
la función de las habitaciones. Utilizó las formas puras y su construcción fue audaz, en donde las diversas
partes se hallan integradas como los órganos de un cuerpo permaneciendo inseparable de las demás.
Sólo abarcando todo el conjunto uno se da cuentas de esa articulación según el concepto de espacio-
tiempo y de sus relaciones con la tierra y los bosques.
Cuando realiza la Biblioteca de Viipuri entre 1927 y 1934, que consta de la biblioteca en sí y de una sala
de conferencias con un vestíbulo amplio que unía ambos espacios, resolvió para su techo , la utilización
de la madera y de la posibilidad que esta le ofrecía para buscar formas onduladas e irracionales que se
deslizan suavemente como en una pintura de Miró. También resuelve una pared en cristal con curvas al
parecer irracionales. La forma ondulada le permitió resolver motivos acústicos, ya que estas facilitan el
mejor sonido para el oído humano.
En el pabellón finlandés en la Feria Mundial de New York, utilizó un biombo mampara inclinada de madera
de un tres plantas de altura, que circundaba el espacio interior con una curva trazada libremente, resulta
violenta bárbara pero muy novedosa.
En la residencia estudiantil del Instituto de Tecnología de Massachussets en 1947, busca evitar la
impresión de hormigueo revalorizando a cada individuo en sus derechos personales, a través de medios
como la sistematización de escaleras, la fusión de los espacios para la unidad de conjunto y variando la
capacidad, forma y distribución de cada dormitorio.
La fachada la resuelve con una línea ondulada, grandes muros de ladrillos de reducidas dimensiones con
colores, tamaños y formas variados. La hilera de ventanales en curva tiene una incompleta perspectiva
final al verse en escorzo.
Este esfuerzo de Aalto por imbuir en las cosas una flexibilidad muy orgánica, le viene de su propio origen,
de la naturaleza de su país, de la gran masa de árboles amontonados junto a los lagos finlandeses.
Hay que tener muy presente que la principal actividad de Aalto en Finlandia es la planificación industrial
desde cada una de las fábricas hasta la ordenación de toda el área industrial. El ha construido muchas
fábricas sobre todo de celulosa y serrerías. El emplazamiento, el empleo variado de materiales y la
articulación de sus volúmenes es tratado con el mismo cuidado como la producción misma. El mejor
ejemplo de esto es Sunila, realizado entre 1937 y 1939; es un complejo homogéneo de zonas de vivienda
y de producción. Esta fábrica se encuentra en una isla, y Alvar supo aprovechas muy bien del contraste
del aspecto macizo de las rocas de granito junto a la estructura de acero de os pilares situados en fila que
sostienen todo el edificio.
Otro de sus obras que podemos citar es la casa que realizó para su amigo Gullichsen en 1938. Esta
morada es una finca amplia cargada de intimidad.