Pengenalan
ADA dua pendekatan yang boleh dan selalu digunakan dalam pembicaraan drama:
pendekatan sastera dan pendekatan teater. Walaupun istilah drama dan teater kerap
juga digunakan sebagai istilah yang boleh saling ganti-mengganti, iaitu sebagai dua
istilah yang sama erti, namun untuk tulisan ini perlu membuat perbezaan. Beberapa
definisi terhadap istilah drama telah dicadangkan oleh pengkaji-pengkaji drama
sejak dulu hingga sekarang. Kesimpulannya drama ialah lakonan. Dengan lakonan
dimaksudkan aksi yang dicipta oleh manusia untuk tujuan berkomunikasi secara
simbolik clan dilakukan di hadapan penonton. Komunikasi secara simbolik ialah
komunikasi melalui imej dan cerita-cerita yang imaginatif. Jadi drama ialah sejenis
karya seni yang menggunakan trak, bahasa, pentas, kostum, bunyi dan cahaya.
Melihatnya sebagai satu genre sastera iaitu dengan memberi penekanan yang Icbih
kepada unsur sasteranya, bahasa merupakan media mutlak sastera. Dengan kata
lain, pendekatan sastera lebih mengutamakan ceritanya dan bagaimana cerita itu
disampaikan melalui media hahasa, tanpa melupakan pula hubungannya dengan
unsur-unsur gcrak, pentas, kostum, bunyi dan cahaya di mana unsur-unsur ini
nnemang tidak dapat dipisahkan dari drama. Demikianlah batasan pcngertian
drama dalam konteks pembicaraan ini. Dengan teater pula dimaksudkan
pementasan atau persembahan sesebuah cerita di mana bahasa hanya menjadi satu
daripada unsurnya, yang kadang-kadang merupakan unsur terpenting dan kadang-
kadang tidak begitu penting. Faktor-faktor gerak, pentas, kostum, bunyi dan cahaya
merupakan faktor-faktor luaran bagi drama sastera, tetapi menjadi faktor-faktor
dalaman dalam teater. Demikianlah perbezaan antara drama dan teater sebenarnya
lebih merupakan pcrbezaan penekanan. Tumpuan utama tulisan ini seharusnya
diberi terhadap karya-karya drama tercetak atau tertulis, dan bukan drama-drama
pentas. Tetapi seperti yang akan kelihatan, perbincangan lebih banyak tertumpu
pada drama pentas. Ini adalah kerana pertama, untuk melihat perkembangan ke
arah lahirnya drama Melayu baru, sambil melihat juga faktor-faktor yang
melambatkan perkembangan drama cetakan atau tulisan. Kedua, kebetulan memang
amat sedikit drama tulisan sebelum perang yang dapat ditemui sehingga kini.
Oleh kerana belum ada kajian yang lengkap dilakukan terhadap drama-drama
tradisional Malaysia, hingga sekarang kita belum pasti ada berapa jenis drama
tradisional yang pernah wujud di sini. Namun beberapa kajian yang pernah
dilakukan mengenai beberapa bentuk penting drama tradisional telah berjaya
memperlihatkan beberapa sifat penting yang terdapat pada drama¬drama tersebut.
Sifat terpenting dalam drama-drama tradisional ialah improvisasi. Sifat ini kita
katakan sebagai terpenting adalah terutamanya dilihat dalam hubungan perubahan
yang akan terjadi pada drama baru. Improvisasi ialah cara persembahan drama yang
dilakukan tanpa berdasarkan kepada naskhah bertulis, sebaliknya hanya
berdasarkan kepada rangka dasar (tema dan plot dasar) sesebuah cerita sahaja.
Pengembangan cerita dari tema dan plot dasar itu, termasuk dialog dan lakonan
adalah hasil kreativili pelakon dan pengarah. Sifat improvisasi ini menyebabkan
drama-drama tradisional tidak pernah melahirkan naskhah bertulis. Malah ia
memang tidak memerlukan naskhah bertulis kerana konsep drama itu sendiri
bukanlah untuk dibaca, tetapi untuk ditonton dan didengar. Sama halnya dengan
sastera rakyat tradisional yang bersifat lisan. Dalam hal ini penglipurlara, satu
daripada bentuk sastera rakyat yang terpenting itu, adalah juga merupakan satu
bentuk teater tradisional, iaitu teater pengucapan, di mana unsur pengucapan lebih
dipentingkan daripada unsur-unsur teater yang lain yang sebenarnya berfungsi
untuk membantu pengucapan atau penceritaan itu.
Ada beberapa hal yang perlu dijelaskan mengenai tradisi lisan sastera dan tradisi
improvisasi teater. Kedua-dua tradisi ini dilahirkan oleh masyarakat yang buta
huruf. Karya-karya sastera disebar dan tersebar melalui lisan. Secara kasarnya
proses penghasilan karya sastera lisan melibatkan dua peringkat. Peringkat pertama
ialah peringkat penyempurnaan, di mana sesebuah karya itu mula dilahirkan dalam
bentuk yang belum sempurna lalu disebarkan dan diperbaiki secara kolektif oleh
masyarakat itu hingga mencapai bentuk yang agak sempurna diterima oleh
masyarakat tersebut. Proses pembaikan ke arah kesempurnaan ini adalah proses
improvisasi. Setelah karya itu sempurna ia terus juga disebarkan. Di peringkat ini
juga karya yang sudah sempurna itu akan terus mengalami beberapa perubahan
kecil berdasarkan kecenderungan, kemahiran dan gaya bercerita seseorang pencerita
pada bahagian pengembangan dari plot dasarnya. Manakala plot dasarnya serta
ayat-ayat atau ungkapan deskripsi dan puisi yang indah terus dipertahankan secara
hafal. Proses perubahan-perubahan kecil di peringkat ini juga adalah proses
improvisasi. Ini menun¬jukkan bahawa tradisi lisan dan tradisi improvisasi berjalin
antara satu sama lain dan berkembang dengan sejajar. Keadaan yang hampir sama
juga berlaku dalam proses penghasilan karya drama atau teater improvisasi.
Persembahan-persembahan wayang kulit dan makyong, misalnya, banyak juga
menggunakan teknik menghafal cara tradisi lisan di samping teknik improvisasi,
terutamanya pada puisi-puisi clan ungkapan-ungkapan deskripsi mengenai sesuatu.
Wujudnya sastera lisan dan drama improvisasi dalam masyarakat tradisional adalah
disebabkan oleh sifat masyarakat yang buta huruf pada waktu itu. Pada kira-kira
tahun 1870-an, di Pulau Pinang datang sebuah rombongan drama dari India yang
dikenali dengan nama Wayang Farsi yang menunjukkan permainan mereka dengan
menggunakan bahasa Hindi. Dengan mencontohi Wayang Farsi, pada tahun 1883
Mamak Haji Pushi telah men¬dirikan kumpulan drama bangsawan yang pertama di
Malaysia dikenali dengan nama Wayang pushi, bertempat di Pulau Pinang.
Sementara itu penerbitan suratkhabar menjadi bertambah maju pada awal kurun ke-
20 hingga Perang Dunia Kedua. Dalam bidang drama, bangsawan juga mencapai
kemajuannya yang boleh dikatakan selaras dengan kemajuan persuratkhabaran.
Suatu hal menarik untuk diperhatikan di sini ialah bangsawan hingga ke hari ini
pun, masih bersifat improvisasi dan tidak pernah melahirkan naskhah- bertulis. Ini
menunjukkan pula sifat improvisasi pada bangsawan bukanlah lagi diarahkan oleh
keadaan masyarakat yang buta huruf, tetapi lebih disebabkan oleh pengertian atau
konsep drama itu sendiri: bahawa drama bukannya sesuatu yang dicipta untuk
dibaca, tetapi adalah yang dicipta untuk dilakonkan, untuk ditonton dan didengtar.
Ini adalah konsep yang diwarisi daripada drama atau teater tradisional.
Ciri-ciri teater tradisional yang masih terdapat pada bangsawan selain daripada
improvisasi ialah cerita-cerita yang dipersembahkan didominasi oleh unsur-unsur
dongeng dan khayal, struktur plot cerita-cerita tersebut bersifat episodik. Juga
terdapat penggunaan puisi lama dan bahasa berirama, lakonan dilakukan secara
stylize (tidak bersahaja), persembahan dimulakan, dengan upacara pembukaan yang
agak ritualistik, dan persembahannya menggabungkan juga unsur-unsur muzik,
nyanyi, tari (termasuk silat) dan jenaka. Walaupun dalam aspek-aspek tersebut
bangsawan masih meneruskan ciri-ciri teater tradisional dan kerana itu dapat
digolongkan sebagai satu daripada bentuk teater tradisional, tetapi dalam beberapa
aspek yang lain ia telah membawa beberapa pembaharuan yang penting dalam
perkembangan drama Malaysia, hingga tidak tepat lagi kalau hendak kita golongkan
sebagai teater tradisional.
Dari segi penggunaan pentas, bangsawanlah jenis teater Malaysia yang mula-mula
menggunakan pentas prosenium. Teater-teater sebelumnya, kecuali wayang kulit,
adalah dimainkan sama ada di kawasan terbuka atau di dalam rumah-rumah tempat
kediaman, khususnya istana, dengan menggunakan teknik pentus bulatan atau arena
yang boleh ditonton dari semua sudut, atau pentas tapak kuda yang boleh ditonton
dari tiga penjuru. Wayang Wit pula, sesuai dengan teknik bayang yang digunakannya
serta tidak mempunyai pelakon hidup, tidak memerlukan pentas untuk lakonan,
sebaliknya menggunakan kain layar untuk memancarkan bayang. Bangsawan juga
menggunakan tirai penutup hadapan pentas yang tidak pernah digunakan oleh
teater-teater sebelum ini. Teater-teater tradisional mempersembahkan cerita-cerita
mereka tanpa berhenti untuk suatu persembahan. Sebuah cerita selalunya
memerlukan lebih dari satu persembahan. Persembahan tanpa berhenti begini dapat
dilakukan kerana teater-teater tradisional tidak menggambarkan latar ruang cerita-
cerita mereka secara visual, yakni tempat berlakunya cerita tidak digambarkan pada
pentas, sebaliknya digambarkan melalui dialog dan aksi pelakon kerana bangsawan
membuat gambaran tersebut, ia memerlukan tirai hadapan untuk melindungi kerja-
kerja persiapan dan penukaran setting pentas. Tirai ini juga berfungsi
membahagikan cerita kepada babak-babak, di mana di antara babak-babak itu
diadakan pula acara selingan yang dipanggil extra-turn, berupa nyanyian, tarian, dan
kadang-kadang lawak jenaka. Bangsawan diolah dalam banyak babak, selalunya
lebih daripada sepuluh, sesuai dengan struktur cerita episodik. Latar tempat dalam
bangsawan digambarkan terutamanya dengan tirai pemandangan - tirai yang dilukis
dengan gambar-gambar tertentu sesuai dengan kehendak cerita - yang digantung
menutupi dinding belakang pentas, dan apabila perlu (tidak selalu) gambaran itu
dilengkapkan lagi dengan perabot-perabot yang lain, seperti singgahsana raja dan
sebagainya. Gambaran latar tempat atau setting pentas ini merupakan satu daripada
ciri-ciri penting teater bangsawan. Lebih natural dan indah pemandangan setting
tirainya boleh menyebab-kan kumpulan bangsawan itu lebih diminati dan terkenal.
Walaupun teknik lakon bangsawan adalah teknik lakon stylize iaitu lakonan yang
menggunakan pergerakan dan pengucapan yang agak berbeza daripada pergerakan
dan pengucapan dalam kehidupan sehari-hari, namun satu perkara yang dipanggil
“tasmat" agak perlu diberi perhatian. Tasmat ialah suatu macam keajaiban yang
diperlihatkan, melalui kemahiran-kemahiran teknikal secara sebenar di atas pentas;
misalnya orang menjelma, rumah terbakar, orang terbang dan seumpamanya.
Perkara¬perkara tasmat ini, sama halnya dengan setting, tidak ditunjukkan secara
stailais ataupun simbolik, sebaliknya cuba ditunjukkan secepat mungkin. Apa yang
dimaksudkan dengan sebenar di sini ialah tasmat sebegitu rupa agar penonton akan
dapat melihat seolah-olah perkara-perkara itu adalah benar-benar berlaku.
Bangsawan bukanlah drama realisme, tetapi dramatis-dramatis bangsawan
sekurang-kurangnya dalam dua aspek tadi berbeza dengan dramatis-dramatis
tradisional di mana telah mencuba menggunakan sedikit unsur realisme dalam
bangsawan.
Teater tradisional mempunyai batasan cerita tertentu iaitu mementaskan cerita dari
sumber tertentu sahaja. Misalnya, makyong mempunyai dua belas cerita asal: tiga
cerita dari kumpulan Anak Raja Gondang, enam cerita dari kumpulan Dewa Tujuh,
cerita Raja Muda La Leng, Raja Muda Lembek, dan Anak Raja Tangkai Hati. Kalau
ada cerita-cerita selain daripada itu dimainkan dalam makyong, itu adalah dari
pengaruh-pengaruh yang datang terkemudian. Cerita-cerita asal wayang kulit pula
adalah cerita-cerita yang bersumberkan epik Hin¬du termasyhur Ramayana, atau
yang dikenali dalam kesusasteraan Melayu sebagai Hikayat Seri Rama. Cerita-cerita
selain daripada itu yang dimainkan dalam wayang kulit adalah dari pengaruh-
pengaruh yang datang terkermudian. Bangsawan mempunyai sumber cerita yang
tidak terbatas. Sama ada cerita-cerita itu datang dari dongeng, cerita rakyat, sejarah,
Hindu, Timur Tengah, Jawa, Bali, China, Eropah - asalkan cerita-cerita itu dijangka
akan mendapat sambutan dari penonton. Yang menentukan repertoire atau
perbendaharaan cerita-cerita bangsawan ialah penonton, kerana ukuran mutu teater
bangsawan, berbeza dari teater-teater tradisional, ditentukan oleh bilangan
penonton yang datang menon¬ton, sesuai dengan sifatnya sebagai seni komersial-
profesional. Sifat membuka diri kepada sebarang cerita inilah, walaupun kebanyakan
cerita-cerita bangsawan bersifat dongeng clan khayal, apabila sam¬pai waktunya
yang sesuai bangsawan pun mementaskan cerita-¬cerita baru yang diangkat dari
kejadian-kejadian sezaman. Ini terjadi pada tahun-tahun tiga puluhan.
Teater tradisional keseluruhannya lahir dengan sifat dan fungsi yang ritualistik dan
kemudiannya beransur-ansur mencapai fungsi hiburan tanpa terpisah langsung dari
fungsi ritualnya. Bangsawan lahir dengan sifat dan fungsi hiburan dan terus berkem-
bang menjadi bentuk hiburan popular di samping menjadi seni komersial dan
profesional. Kalau ada sedikit-sedikit upacara yang ritualistik di dalamnya, itu lebih
merupakan faktor luaran yang diwarisi dari kepercayaan lama. Teater tradisional
yang terkenal, khususnya makyong dan wayang kulit, mencapai kemasyhuran dan
ketinggian mutunya kerana dibiayai dan dinaungi oleh istana, manakala bangsawan
mendapatkan kemasyhuran kerana mereka sentiasa berusaha untuk memenuhi
kepuasan selera penonton dan penontonlah yang membiayai kehidupannya.
Dapatlah dikatakan bahawa fungsi hiburan bangsawan lebih terbuka dibandingkan
dengan teater tradisional. Isi dan bentuknya sentiasa terbuka kepada perubahan,
asalkan perubahan itu menjaminkan penonton yang lebih ramai. Ini bermakna
audien terlibat secara langsung dalam menentukan bentuk dan isi bangsawan.
Kerana sifat yang flexible inilah maka bangsawan dalam konteks zamannya telah
menjadi satu persembahan yang berjaya menghapuskan perbezaan kelas masyarakat
yang meminatinya. Penonton bangsawan terdiri dari seluruh lapisan masyarakat,
dari golongan atasan hingga golongan bawaharr. Walaupun makyong dan wayang
kulit juga diminati oleh golongan atasan dan bawahan, namun mereka
menikmatinya secara terpisah.
Kemunculan bangsawan sebagai satu bentuk teater atau seni hiburan yang bebas
dari naungan pemerintah dan mendapat sam¬butan yang begitu hebat dari seluruh
lapisan masyarakat hingga berjaya menjadi suatu macam perusahaan yang
menguntungkan adalah merupakan suatu fenomena baru dalam kehidupan
kebudayaan Melayu. Bangsawan tersebar ke seluruh pelusuk negara dengan
menggunakan bahasa Melayu standard yang dapat difahami oleh penonton-
penonton dari semua daerah, menjadi-kannya teater Melayu pertama bertaraf
nasional. Sambutan hebat yang diberikan masyarakat kepada pertunjukan-
pertunjukan bangsawan telah menggerakkan orang-orang kaya dan pengusaha-
pengusaha untuk menjadikannya suatu perusahaan bagi mencari untung.
Bangsawan menjadi seni teater Melayu yang pertama bersifat dan berfungsi
komersial. Ini melibatkan pula bangsawan ke dalam satu sistem organisasi moden.
Keperluan modal yang besar untuk mengadakan keperluan¬keperluan pementasan,
membayar gaji para pelakon dan pekerja, perbelanjaan bergerak dari satu tempat ke
satu tempat untuk membuat pertunjukan, pengurusan membuat pertunjukan,
pengurusan ahli-ahli kumpulan, dan sebagainya, memerlukan satu sistem
pengurusan yang cekap. Penglibatan bangsawan ke dalam satu organisasi yang
bergerak luas, malah hingga ke luar negeri, dan bertujuan komersial, adalah suatu
perkara baru dalam sejarah perkembangan kesenian Melayu.
Pelakon-pelakon bangsawan sejak pertengahan tahun 1880 lagi sudah bercampur
lelaki dan perempuan di mana hal seperti ini tidak terdapat pada teater tradisional,
kalau ada pun terlalu terbatas tetapi pergaulan dan akhlak mereka dikawal dengan
ketat terutamanya orang-orang perempuan. Zaman perkembangan bangsawan, iaitu
sejak akhir kurun ke-19 hingga Perang Dunia Kedua, kalau dilihat pada
perkembangan sosial masyarakat Melayu adalah suatu zaman transisi. Perubahan
pada nilai ekonomi, sosial dan moral ini turut mempengaruhi, malah membentuk
cara hidup anak-anak bangsawan. Anak-anak bangsawan di tahap gemilangnya telah
hidup dalam suatu komuniti tersendiri dengan nilai moral yang relatif bebas.
Pengaruh kebendaan yang diterima bersama-sama tamadun Barat telah
menyebabkan mereka menukar nilai-nilai sosial dan moral. Kalau dulu mereka
berakhlak seperti "orang baik-baik", sekarang kerana mengikut arus peredaran
zaman dan kemewahan material, mereka semakin bebas dari batasan-batasan akhlak
yang ada. Apa lagi bila zaman kegemilangan bangsawan kebetulan pula dengan
zaman kemewahan ekonomi orang-oranp Melayu akibat melambungnya harga getah
selepas Perang Dunia Pertama. Penonton-penonton yang mewah tidak teragak-agak
menghadiahkan wang ringgit dan benda-benda berharga kepada bintang-bintang
bangsawan pujaan mereka. Waktu inilah anak anak bangsawan hidup seperti
bintang-bintang filem Hollywood yang terkenal dengan kebebasan moral dan
skendal-skendal seks. Mereka juga pernah menjadi ejen perubahan sosial di
kalangan muda mudi waktu itu apabila fesyen-fesyen pakaian dan kebebasan
pergaulan mereka menjadi ikutan golongan muda mudi.
Sebagai sejenis seni komersial, hasil yang diharapkan dari setiap pertunjukan
bangsawan dan usaha-usaha yang berhubungan dengannya ialah keuntungan wang,
bukannya meninggikan mutu seni teater. Faktor utama ke arah mencapai tujuan ini
ialah pelakon-pelakon yang handal dan diminati malah digilai oleh penonton,
bukannya cerita-cerita yang baik. Cerita yang akan dipentaskan mungkin sudah
diketahui oleh audien, namun mereka pergi menonton untuk melihat pelakon-
pelakon yang bermain dan juga teknik-teknik persembahan yang mengkagumkan,
termasuk tasmat serta kostum dan tirai-tirai pemandangan yang indah-indah. Ini
merupakan satu daripada faktor faktor mengapa walaupun pengaruh-pengaruh
moden sudah kelihatan pada cara hidup anak-anak bangsawan, pada acara-acara
selingan dan sistem penguasaan organisasi sejak tahun-tahun dua puluhan dan
sebelumnya lagi, namun kemodenan dalam cerita cerita bangsawan baharu kelihatan
pada tahun-tahun tiga puluhan.
Satu lagi faktor kelambatan pemodenan dalam cerita-cerita bangsawan ialah anak-
anak bangsawan, khususnya pengarah-pengarahnya tidak terdiri daripada orang-
orang terpelajar atau orang-orang pemikir, seperti penulis-penulis. Mereka hanya
mahu menghambat sensasi audien dan tidak berusaha untuk menghasilkan karya-
karya yang bermutu. Kebanyakan anak-anak bangsawan adalah datang daripada
golongan penganggur. Faktor yang lain pula berhubungan dengan satu tradisi teater
tradisional, iaitu bahawa cerita-cerita yang dipentaskan bukanlah milik individu.
Dalam masyarakat tradisional, hasil sastera adalah milik bersama. Walaupun pada
tahun-tahun tiga puluhan sudah terdapai pengarah-pengarah bangsawan mencipta
dengan cerita "moden", namun nama mereka sebagai pencipta bukanlah suatu
perkara yang penting. Cerita-cerita itu akan dipentaskan pula oleh orang-¬orang lain
dan nama penciptanya akan hilang. Selain daripada sebab-sebab tradisi sastera
sebagai milik bersama dan cerita bukanlah perkara yang begitu penting dalam teater
bangsawan. Ketiadaan skrip yang akan mencatatkan nama-nama pengarang
berkenaan supaya kekal bersama karya-karya mereka dan diketahui umum juga
menyebabkan peranan pengarang dalam bangsawan kelihatan seperti tiada dihargai.
Ini menyebabkan dorongan ke arah penciptaan cerita-cerita baru amat tidak
menggalakkan.
Perbendaharaan cerita bangsawan membuka dirinya kepada sebarang cerita asalkan
dijangka mendapat sambutan penonton. Cerita-cerita pilihan bangsawan adalah
cerita-cerita yang penuh imaginasi dan memungkinkan pementasan yang dapat
menimbulkan kesan-kesan yang menarik clan mempesona, sesuai dengan daya
terima audien. Bangsawan adalah sejenis teater hiburan yang menghibur melalui
nyanyian, muzik, lawak jenaka dan juga tarian serta lakonan-lakonan yang stailistik,
dengan kostum dan seting yang indah¬-indah belaka. Jadi cerita-cerita yang dipilih
adalah cerita-cerita yang mempunyai unsur-unsur hiburan seumpama itu. Cerita-
cerita mengenai masyarakat sezaman agak kurang sesuai dengan semangat teater
bangsawan. Kita perhatikan bahawa cerita-cerita dari Eropah yang pernah
dipentaskan oleh mereka pun bercorak begitu atau boleh disesuaikan kepada
semangat itu - bolehlah kita katakan semangat romantik. Kisah mengenai hero yang
gagah dan baik, yang sentiasa menang dalam perlawanan-perlawanannya dengan
ejen-ejen kejahatan (seperti jin), dan akhirnya berjaya men¬dapatkan perempuan
yang cantik dan baik pula, atau kisah-kisah lain yang serupa itu di mana dalam apa
cerita pun watak peran atau lawak harus ada.
Pengaruh yang lebih jelas ke arah pemodenan cerita-cerita bangsawan terjadi pada
tahun 1928 apabilarombongan Miss Ribut Opera dari Indonesia datang ke sini dan
mementaskan cerita-cerita "moden" mereka. Bagimana modennya pementasan-
pementasan Miss Ribut ini dapat difahami dari tulisan "Tengku Syed Abdul Kadir
dan Zen Rosdy yang mengatakan "Miss Ribut sudah mulai membawa tema moden,
cerita 'masa kini' pada zaman itu walaupun dalam repertoire masih banyak
diutamakan tema heroic/ adventure dan tema-tema klasik. Tahun 193 datang pula
kumpulan Dardanella oleh Boen S Oemarjati yang dikatakan telah "mengadakan
perombakan-perombakan revolusioner" dalam perkembangan drama Indonesia."
Persembahan-persembahan Dardanella telah meninggalkan kesao yang baik di
kalangan penonton-penonton yang agak terpelajar.
Selepas "Anak Derhaka", didapati ada sebanyak sembilan buah lagi drama
moden/baru bangsawan yang telah dipentaskan dalam tahun-tahun tiga puluhan.
Drama-drama itu ialah "Antara Dua Peti Mati," "Siapa Salah", "Apa kata Hukum
Syarak" (atau "Dunia Terbalik"), "Gunung Banang", "Hassan Hasnah" (atau
"Keranda Berdarah"), "Doktor Chepta", "Dua Puluh Lima 'Tahun Dalam Rahsia",
"Bukan Kerana Ilmu", dan "Fatimah di Rimba Bambu". Dari segi tema, "Anak
Derhaka" dapatlah dikatakan ber¬ternakan moral. Lain-lain drama yang
mempunyai tema yang sama ialah "Doktor Chepta", "Bukan Kerana Ilmu" clan
"Fatimah di Rimba Bambu". Drama-drama yang mengemukakan tema dan
persoalan moral adalah bersifat didaktik, bertujuan untuk memberi pelajaran dan
contoh kepada masyarakat: Bahawa orang yang berada di pihak yang salah dan jahat
akhirnya tidak akan selamat, manakala orang yang berada di pihak yang baik dan
benar akhir¬nya akan menang. Ishak dalam "Bukan Kerana Ilmu" adalah suami
yang suka mencari hiburan dengan perempuan-perernpuan di luar rumah dan selalu
meninggalkan isterinya manakala Hamidah ialah isteri yang setia clan berbakti
terhadap suaminya. Dengan suatu taktik yang halus dan lucu akhirnya Hamidah
dapat menginsatkan suaminya sehingga ia bertaubat tidak akan berpoya-poya lagi.
"Bukan Kerana Ilmu" ialah karya Mat Dadida dan telah dipentaskan pertama
kalinya oleh kumpulan Odeon Star di Pulau Pinang pada tahun 1939.
Perkembangan drama di Indonesia tak sesemarak dan setua perkembangan puisi dan
prosa. Jika puisi dan prosa mengenal puisi lama dan porsa lama, tak demikianlah dengan drama.
Genre sastra drama di Indonesia benar-benar baru, seiring dengan perkembangan pendidikan
di Indonesia, muncul pada tahun 1900-an.
Drama adalah karya sastra yang ditulis untuk dipentaskan. Orang seringkali bingung
membedakan antara drama, yang berkaitan dengan teks tertulis, atau naskah, atau script, untuk
pementasan, dengan teater, yang menyangkut pementasan naskah drama atau script tersebut.
Banyak sekali karya sastra terkenal, berpengaruh besar, serta bergengsi, ditulis dalam bentuk
drama. Mulai dari tragedi-tragedi Yunani tentang Aeschylus, Sopochles, dan Euripides dan
berkembang terus hingga drama-drama besar karya William Shakespeare dari Inggris, Moliere
dari Perancis, Johan Wolfgang von Goethe dari Jerman, Henrik Ibsen dari Norwegia, dan
August Strindberg dari Swedia. Di Barat, penghargaan terhadap drama begitu tinggi. Dalam
perkembangannya drama semakin mendapat tempat karena naskah-naskah tidak lagi hanya
dipentaskan di panggung seperti Broadway, tetapi juga diangkat ke layar kaca atau layar lebar.
Dengan semakin canggihnya perfilman, para penulis drama atau script film mendapat
penghargaan yang tinggi pula karena sehebat apapun sebuah film, pada mulanya dia adalah
sebuah screenplay atau script yang digarap sedemikian rupa oleh seorang sutradara beserta
seluruh crew pembuat film (film maker). Jadi sebuah film dibuat oleh banyak orang, mulai dari
penulis naskah dramanya (script writer), produser, sutradara, kameraman, hingga sopir yang
membantu team pergi syuting ke sana kemari.
Berdasarkan uraian di atas, penulis menyusun sebuah makalah yang berjudul “
Perkembangan Drama di Indonesia”.
B. Rumusan Masalah
Atas dasar latar belakang di atas, akhirnya dapat diperoleh beberapa rumusan masalah,
yaitu:
1. Bagaimana perkembangan drama pada taraf awal?
2. Bagaimana pengaruh kepercayaan ( Hindu, Budha, Kristen, dan islam) pada drama?
3. Bagaimana drama pada masa prakolonialisme dan Jepan?
4. Bagaimana drama pada zaman modern?
BAB II
PEMBAHASAN
Istilah drama dan teater seyogianya dibedakan artinya. Drama dimaksudkan sebagai
karya sastra yang dirancang untuk dipentaskan di panggung oleh para aktor di pentas,
sedangkan teater adalah istilah lain untuk drama dalam pengertian yang lebih luas, termasuk
pentas, penonton, dan tempat lakon itu dipentaskan. Di samping itu salah satu unsur penting
dalam drama adalah gerak dan dialog. Lewat dialoglah, konflik, emosi, pemikiran dan karakter
hidup dan kehidupan manusia terhidang di panggung. Dengan demikian hakikat drama
sebenarnya adalah gambaran konflik kehidupan manusia di panggung lewat gerak
A. Perkembangan Taraf Awal
Sastra drama di Indonesia ditulis pada awal abad 19, tepatnya tahun 1901, oleh seorang
peranakan Belanda bernama F. Wiggers, berupa sebuah drama satu babak berjudul Lelakon
Raden Beij Soerio Retno. kemudian bermunculanlah naskah-naskah drama dalam bahasa
Melayu Rendah yang ditulis oleh para pengarang peranakan Belanda dan/ atau Tionghoa.
Di Indonesia pada awalnya dikenal ada dua jenis teater, yaitu:
1. Teater klasik
Teater kalsik lahir dan berkembang dengan ketat di lingkungan istana, jenis teater klasik
lebih terbatas, dan berawal dari teater boneka dan wayang orang. Teater boneka sudah dikenal
sejak zaman prasejarah Indonesia (400 Masehi). Teater klasik sarat dengan aturan-aturan baku,
membutuhkan persiapan dan latihan suntuk, membutuhkan referensi pengetahuan, dan nilai
artistik sebagai ukuran utamanya.
2. Teater rakyat
Teater rakyat tak dikenal kapan munculnya. Teater rakyat lahir dari spontanitas kehidupan
masyarakat pedesaan, jauh lebih longgar aturannya dan cukup banyak jenisnya. Teater rakyat
diawali dengan teater tutur. Pertunjukannya berbentuk cerita yang dibacakan, dinyanyikan
dengan tabuhan sederhana, dan dipertunjukkan di tempat yang sederhana pula. Teater tutur
berkembang menjadi teater rakyat dan terdapat di seluruh Indonesia sejak Aceh sampai Irian.
Meskipun jenis teater rakyat cukup banyak, umumnya cara pementasannya sama.
Perlengkapannya disesuaikan dengan tempat bermainnya, terjadi kontak antara pemain dan
penonton, serta diawali dengan tabuhan dan tarian sederhana. Dalam pementasannya diselingi
dagelan secara spontan yang berisi kritikan dan sindiran. Waktu pementasannya tergantung
respons penonton, bisa empat jam atau sampai semalam suntuk.
Contoh-contoh teater rakyat adalah sebagai berikut:
1) Makyong dan Mendu di daerah Riau dan Kalimantan Barat,
2) Randai dan Bakaba di Sumatera Barat,
3) Mamanda dan Bapandung di Kalimantan Selatan,
4) Arja, Topeng Prembon, dan Cepung di Bali,
5) Ubrug, Banjet, Longser, Topeng Cirebon, Tarling, dan Ketuk Tilu di Jawa Barat,
6) Ketoprak, Srandul, Jemblung, Gatoloco di Jawa Tengah,
7) Kentrung, Ludruk, Ketoprak, Topeng Dalang, Reyog, dan Jemblung di Jawa Timur,
8) Cekepung di Lombok,
9) Dermuluk di Sumatera Selatan dan Sinlirik di Sulawesi Selatan,
10) Lenong, Blantek, dan Topeng Betawi di Jakarta dan sebagainya,
11) Randai di Sumatera Barat.
Pada dasarnya, drama pada perkembangan taraf awal hanya berupa:
a. Ruang lingkup atau jangkauan terbatas pada lingkungan budaya yang mendukungnya.
b. Berkembang secara perlahan sebagai akibat dari dinamika yang lamban dari masyarakat
tradisional.
c. Tidak spesialis.
d. Bukan merupakan hasil kreativitas individu, tetapi tercipta secara anonim bersama dengan sifat
kolektivitas masyarakat yang mendukungnya.
10. Sebagai konsekuensi kesenian tradisional, teater tradisional mempunyai fungsi bagi
masyarakat. Fungsi yang dilaksanakan oleh masyarakat pendukungnyalah yang
menyebabkan salah satu faktor mengapa teater tradisional ini tetap bertahan di dalam
masyarakatnya. Fungsi teater tradisional sebagaimana kesenian lainnya bagi
masyarakat pendukungnya adalah seperti dirumuskan berikut ini:
a. Sebagai alat pendidakan (topeng jantu dari Jakarta untuk nasehat perawinan/rumah tangga)
b. Sebagai alat kesetiakawanan sosial.
c. Sebagai sarana untuk menyampaikan kritik sosial.
d. Alat melarikan diri sementara dari dunia nyata yang membosanakan.
e. Wadah pengembangan ajaran agama.
BAB III
PENUTUP
A. Simpulan
1. Di Indonesia pada awalnya ada dua jenis teater, yaitu teater klasik yang berkembang dengan
sangat ketat di lingkungan istana, dan teater rakyat.
2. Teater memilki kaitan penting dengan keagamaan pada masyarakat Indonesia pada saat dulu
karena teater seringkali di pentaskan pada upacara adat dan keagamaan
3. Naskah drama yang dibuat pada masa kolonial disebut sebagai drama dalam kamar.
4. Dalam periode drama masa jepan setiap pementasan harus disertai naskah lengkap untuk
disensor terlebih dahulu untuk di pentaskan.
5. Pada Periode Drama Sesudah Kemerdekaan naskah-naskah drama yang dihasilkan sudah lebih
baik dengan menggunakan bahasa Indonesia yang sudah meninggalkan gaya Pujangga Baru.
B. Saran
Berdasarkan pada simpulan di atas, maka disarankan kepada mahasiswa agar membaca
makalah ini dengan jelas yang nantinya dapat dijadikan sebagai bahan penunjang dalam proses
pembelajaran di kelas khususnya ketika berusaha mengkaji perkembangan drama di Indonesia.
DAFTAR PUSTAKA
SEJARAH DRAMA
Membicarakan drama tidak akan lengkap bila tidak mengenal sejarah drama itu
sendiri. Sebagaimana bentuk karya lainnya, drama terlahir melalui proses kreativitas yang
cukup panjang. Sejak berabad-abad, para penggiat drama terus melakukan eksplorasi hingga
melahirkan berbagai jenis dan bentuk pementasan drama. Meskipun waktu dan tempat
pertunjukan drama yang pertama kali dimulai tidak diketahui secara pasti, namun teori
- Drama berasal dari upacara agama primitif. Proses ritual yang semula hanya berisi puji-pujian
serta gerak yang sederhana mulai ditambahi dengan unsur cerita hingga berkembang
pahlawan dengan penuh ekspresi penghayatan. Karena adanya respon dari para
drama.
- Drama berasal dari kegemaran manusia mendengarkan cerita baik tentang kisah perburuan,
di Indonesia.
Seperti dibicarakan pada bagian awal, bahwa drama berasal dari zaman Yunani Kuno.
Titik tolak dari pandangan ini bermula dari kegiatan upacara ritual yang dilakukan oleh
masyarakat Yunani dalam menghormati keberadaan dewa sebagai penguasa bumi sekitar
tahun 600 SM. Dalam upacara-upacara keagamaan tersebut mereka mengadakan festival
Sophocles. Dengan cara pandangnya yang berbeda, ketiga tokoh ini berperan penting dalam
meletakkan dasar-dasar dramaturgi yang dikenal sekarang. Plato yang terkenal dengan
karyanya The Republic memandang seni sebagai mimetik atau tiruan dari kehidupan
jasmaniah manusia. Aristoteles berpendapat berbeda, dia memandang karya seni bukan
hanya sebagai imitasi kehidupan fisik belaka tetapi harus juga dipandang sebagai karya yang
mempersoalkan kejahatan dan hukumannya secara abstrak. Sedangkan pola drama yang
digunakan selalu memunculkan tokoh berkepribadian kuat yang memilih jalan hidup meski
berat dan sulit hingga membuatnya menderita. Beberapa karya dramanya yang terkenal
yaitu Ayax, Antigone, Wanita-wanita Trachia, Oidipus Sang Raja, Electra, Philoctetes, dan
oidipus di Kolonus. Beberapa tokoh drama Yunani lainnya adalah Aeschylus (525-SM.),
Euripideus (484-406 SM), Aristophanes (448-380 SM), dan Manander (349-291 SM.).
Lakon- lakon drama yang terkenal di Yunani umumnya seputar kisah tragedi dan
komedi. Drama tragedi cenderung menyajikan kisah yang membuat penonton tegang,
takut, dan kasihan. Tokoh drama yang terkenal dalam drama tragedi zaman Yunani Kuno
adalah Aeskill (525-456 SM) dengan karyanya yang terkenal seperti Trilogi Oresteia, Orang-
orang Persia, Prometheus dibelenggu, dan Para Pemohon, Sophokles (496-406 SM) dengan
karyanya yang terkenal seperti; Trilogi Oidipus, Ajax, Wanita-wanita Trachia, dan Electra,
juga Euripides (484-406 SM) dengan karyanya yang terkenal seperti; Hercules, Medea,
Drama komedi biasanya menyajikan kisah yang lucu, kasar dan sering mengeritik
tokoh terkenal pada waktu itu. Tokoh drama yang terkenal dalam drama komedi zaman
Yunani Kuno adalah Aristhipanes (445-385 SM) dengan karyanya yang terkenal seperti Para
Perwira, Lysistrata, dan Burung-burung, dan Menander (349-291 SM) dengan karyanya yang
terkenal yaitu Rasa Dongkol. Selain dua jenis drama tersebut, drama zaman Yunani
mengenal juga drama satyr, yaitu bentuk drama yang berupa komedi ringan dan pendek.
Unsur humor yang disajikan merupakan parodi terhadap mitologi. Karya satyre Yunani Kuno
Semua lakon yang sudah ditulis dalam bentuk naskah drama ini dipentaskan di
yang dikelilingi oleh tempat duduk penonton yang melingkari bukit. Gedung pementasan
drama yang terkenal di Athena pada saat itu adalah Teater Dionysius di samping bawah bukit
Acropolis, pusat kuil kota Athena yang dapat menampung 14.000 penonton.
peran wanitanya dimainkan pria dan memakai topeng. Hal ini disebabkan karena setiap
pemain memerankan lebih dari satu tokoh. Selain pemeran utama juga ada pemain khusus
untuk kelompok koor (penyanyi), penari, dan narator (pemain yang menceritakan jalannya
pertunjukan).
Pada zaman Romawi, drama mulai dipentaskan pada tahun 240 SM di kota Roma
oleh seniman Yunani yang bernama Livius Andronicus. Bentuk yang dipentaskan pada saat
itu adalah drama tragedi. Penulis drama tragedi lainnya yang terkenal adalah Lucius Annaeus
Seneca. Selain bentuk tragedi, drama zaman Romawi juga mementaskan bentuk komedi
meskipun dalam penyajiannya banyak mencontoh dan mengembangkan komedi baru Yunani.
Penulis drama tragedi zaman Romawi yang terkenal adalah Terence dan Plautus.
Karena merupakan hasil adaptasi dari drama Yunani, maka dalam konsep
pertunjukkan drama Romawi juga terdapat konsep pertunjukkan drama Yunani. Meski
penikmatan yang asli dimiliki oleh masyarakat Romawi dengan ciri-ciri sebagi berikut :
2. Musik menjadi pelengkap seluruh adegan. Tidak hanya menjadi tema cerita tetapi juga
4. Karekteristik tokoh tergantung kelas yaitu orang tua yang bermasalah dengan anak-anaknya
atau kekayaan, anak muda yang melawan kekuasaan orang tua dan lain sebagainya.
diganti dengan kekaisaran tahun 27 Sebelum Masehi. Drama Romawi kemudian tidak
muncul lagi setelah terjadi penyerangan bangsa-bangsa Barbar serta munculnya kekuasaan
gereja. Pertunjukan drama terakhir yang diselenggarakan di Roma terjadi tahun 533 M.
Drama abad pertengahan berkembang antara tahun 900 – 1500 M dengan mendapat
pengaruh dari Gereja Katolik. Dalam pementasannya terdapat nyanyian yang dilagukan oleh
para rahib dan diselingi dengan koor. Kemudian ada pagelaran ‘pasio’ seperti yang sering
dilaksanakan di gereja menjelang upacara Paskah sampai saat ini. Lakon yang dimainkan
mula-mula peristiwa kenaikan Yesus ke surga, sekitar cerita Natal, cerita-cerita dari bible,
drama kemudian dipentaskan di jalan- jalan dan di lapangan. Hal ini berpengaruh pada
perubahan tema lakon yang lebih cenderung tentang kebajikan, kekayaan, kemiskinan,
pengetahuan, kebodohan, dan sebagainya. Pementasan drama seperti ini disebut drama
moral, karena mengajarkan adanya pertarungan abadi antara kejahatan dengan kebaikan
dalam hati manusia. Di tengah pementasan, biasanya dimasukkan unsur badut untuk
memancing tawa penonton karena jenuh menyaksikan pementasan yang berjalan lamban.
Ketika muncul reformasi sekitar tahun 1600 M, perkembangan drama abad pertengahan
a) Dimainkan oleh aktor-aktor yang belajar di universitas sehingga dikaitkan dengan masalah
b) Aktor bermain di panggung di atas kereta yang bisa dibawa berkeliling menyusuri jalanan.
f) Tidak memiliki nama pengarang secara pasti untuk lakon yang dipentaskannya.
4. Drama Zaman Italia
dell’arte yang bersumber dari komedi Yunani. Pada tahun 1575 bentuk ini sudah populer di
Italia. Kemudian menyebar luas di Eropa dan mempengaruhi semua bentuk komedi yang
b) Para pemain dibebaskan berimprovisasi mengikuti jalannya cerita dan dituntut memilikik
c) Cerita yang dimainkan bersumber pada cerita yang diceritakan secara turun menurun.
g) Terdapat tiga tokoh yang selalu muncul, yaitu tokoh penguasa, tokoh penggoda, dan tokoh
pembantu.
Para penulis naskah komedi terkenal pada masa itu adalah Carlo Goldoni, dengan
karya-karyanya seperti: Hamba Dua Majikan (1745), Keluarga Pedagang Antik (1750), Si
Pendusta (1750), Nyonya Sebuah Penginapan (1753); dan Carlo Gozzi, dengan karya-
karyanya yang banyak mengambil tokoh-tokoh dongeng dan fantasi. Commedia dell’arte
mulai merosot dan tidak populer di Italia pada akhir abad ke-18. Sedang dalam tragedi, penulis
Italia yang menonjol pada abad itu adalah Vittorio Alfieri dengan karyanya yang terkenal
gedung pemntasan yang telah lebih dulu diangun atas prakarsa sang ratu. Salah satu gedung
pementasan terbesar yang disebut Globe, bisa menampung 3.000 penonton. Globe
mementaskan drama-drama karya William Shakespeare, penulis drama terkenal dari inggris
yang hidup dari tahun 1564 sampai tahun1616. Ciri-ciri teater zaman Elizabeth adalah:
a) Menggunakan naskah lakon yang dilaognya cenderung berbentuk puitis dan panjang-
panjang.
b) Penyusunan naskah lebih bebas , tidak mengikuti hukum yang sudah ada.
d) Tempat adegan ditandai dengan ucapan yang disampaikan dalam dialog para tokoh.
e) Tokoh wanita dimainkan oleh pemain anak-anak laki-laki, bukan pemain wanita.
f) Penontonnya berbagai lapisan masyarakat dan diramaikan oleh penjual makanan dan
minuman.
g) Corak pertunjukannya merupakan perpaduan antara teater keliling dengan teater sekolah
Dramawan paling terkenal pada zaman ini adalah William Shakespeare (1546-1616).
Selain Romeo dan Juliet, Shakespeare juga menulis beberapa naskah drama lainnya
seperti The Comedy of Error, A Midsummer Night’s Dream, The Merchant of Venice, Julius
Caesar, Hamlet, Macbeth, King Lear, Richard II, Richard III, Hnery V, dan sebagainya. Di
Indonesia, beberapa naskah drama karya Shakespeare diterjemahkan oleh Trisno Sumardjo,
Muh. Yamin, dan Rendra. Dramawan lainnya setelah Shakespeaer adalah Thomas Dekker,
Kegiatan drama di Inggris sempat mengalami kemunduran ketika kaum Puritan yang
berkuasa menutup dan melarang segala bentuk kegiatan pementasan drama. Namun setelah
Charles II berkuasa kembali, ia menghidupkan kembali kegiatan drama. Fase ini disebut
zaman restorasi. Adapun ciri- ciri teater pada zaman restorasi adalah:
c) Penonton tidak lagi semua lapisan masyarakat, tetapi hanya kaum menengah dan kaum
atasan.
yang disebut apron sehingga terjadi komunikasi yang intim antara pemain dan penonton.
f) Setting panggung bergambar perspektif dan lebih bercorak umum, misalnya taman atau
istana.
6. Drama Zaman Perancis
Drama di Perancis merupakan penerus drama abad pertengahan, yaitu drama yang
kemasyarakatan. Beberapa kelompok drama amatir yang eksis pada masa itu dikelola oleh
para pengusaha seperti Confrerie de la Passion yang memiliki gedung pementasan yang
tetap di Paris sekitar tahun 1400. Kelompok ini memiliki monopoli di bawah lindungan istana
hingga tahun 1598 sebelum akhirnya disewa oleh rombongan Les Comedians du Roi.
tema-tema sosial yang dikaitkan dengan budaya pikir kaum terpelajar. Perubahan besar
terjadi sekitar tahun 1630-an, ketika teori neoklasik dari Italia masuk ke Prancis. Pada waktu
itu di Prancis teori ini amat dipegang teguh dan dipatuhi lebih dari negara manapun. Dasar
a) Hanya ada 2 bentuk drama, yaitu tragedi dan komedi yang keduanya tak boleh dicampur.
c) Karakter harus menggambarkan sifat umum, yang universal dan bukan individual.
Dramawan Perancis yang terkenal pada waktu itu adalah Pierre Corneille (1606–1684)
dengan karya-karya: Horace, Cinna, Polyceucte, dan Rodogune; Jean Racine (1639-1699)
karya-karyanya yang sudah diterjemahkan ke dalam bahasa Indonesia: Sekolah Istri, Dokter
Pada abad 18, drama di Perancis dimonopoli oleh pemerintah dengan Comedie
Francaise-nya. Secara tetap mereka mementaskan komedi dan tragedi, sedangkan bentuk
opera, drama pendek dan burlesque dipentaskan oleh rombongan drama Italia : Comedie
abad 18, Perancis menjadi pusat kebudayaan Eropa. Drama Perancis yang neoklasik menjadi
7. Drama Abad 19
Abad 19 merupakan babak baru bagi proses perkembangan drama. Perpindahan
orang-orang berkelas ke kota karena Revolusi Industri turut menyebabkan perubahan pada
seni drama. Di Inggris, sebuah drama kloset atau naskah lakon yang sepenuhnya tidak dapat
kloset seperti Wordswoth, Coleridge, Byron, Shelley, Swinburne, Browning, dan Tennyson.
Baru pada akhir abad 19, drama di Inggris menunjukkan tanda-tanda kehidupan dengan
munculnya Henry Arthur Jones, Sir Arthur Wing Pinero, dan Oscar Wilde. Juga terlihat
Kecil” yang nanti di abad ke 20 tersebar luas, misalnyai Theatre Libre Paris, Die Freie
Buhne Berlin, independent Theater London dan Miss Horniman’s Theater Manchester yang
mana Ibsen, Strindberg, Bjornson, Yeats, Shaw, Hauptmann dan Synge mulai dikenal
masyarakat.
Selama akhir abad 19 di Jerman muncul dua penulis lakon kaliber internasional yaitu
Hauptmann dan Sudermann. Seorang doktor Viennese, Arthur Schnitzler, juga menjadi
dikenal luas di luar tempat asalnya Austria dengan naskah lakon yang ringan dan
teater realistis dan klinis. Sedangkan di Paris dikenal naskah drama berjudulCyrano de
Sementara itu di Italia Giacosa menulis lakon terbaiknya yang banyak dikenal, As the
Leaves, dan mengarang syair-syair untuk opera, La Boheme, Tosca, dan Madame
Butterfly. Verga menulis In the Porter’s Lodge, The Fox Hunt, dan Cavalleria Rusticana, yang
juga lebih dikenal melalui opera Muscagni. Penulis lakon Italia abad 19 yang paling terkenal
adalah, Gabriel d’Annunzio, Luigi Pirandello dan Sem Benelli dengan lakon berjudul Supper
of Jokes yang dikenal di Inggris dan Amerika sebagai The Jest. Bennelli dengan lakon Love
Di Spanyol Jose Echegaray menulis The World and His Wife; Jose Benavente dengan
karyanya Passion Flower dan Bonds of Interest dipentaskan di Amerika; dan Sierra
bersaudara dengan naskah lakon Cradle Song menjadi penghubung abad ke 19 dan 20,
seperti halnya Shaw, Glasworthy, dan Barrie di Inggris, serta Lady Augusta Gregory dan W.B.
Yeats di Irlandia.
Perkembangan drama di Amerika sampai abad 19 dikuasai oleh “Stock
Company” dengan sistem bintang. Stock Company merupakan sebuah rombongan drama
keliling. Dengan dibangunnya jaringan kereta api pada tahun 1870-an, Stock Company makin
berkembang. Hal ini menyebabkan seni drama tersebar luas di seluruh Amerika hingga
memunculkan beberapa kelompok drama lokal. Stock company lenyap sekitar tahun 1900.
Sindikat teater berkuasa di Amerika dari tahun 1896-1915. Realisme kemudian menguasai
panggung-panggung drama Amerika pada Abad 19. Usaha melukiskan kehidupan nyata
secara teliti dan detail ini dimulai dengan pementasan-pementasan naskah-naskah sejarah.
Setting dan kostum diusahakan sepersis mungkin dengan zaman cerita. Charles Kenble
Zaman Realisme yang lahir pada penghujung abad 19 dapat dijadikan landas pacu
lahirnya seni drama modern di barat. Penanda yang kuat adalah timbulnya gagasan untuk
mementaskan lakon kehidupan di atas pentas dan menyajikannya seolah peristiwa itu terjadi
secara nyata. Gagasan ini melahirkan konvensi baru dan mengubah konvensi lama yang lebih
menampilkan seni drama sebagai sebuah pertunjukan yang memang dikhususkan untuk
penonton. Tidak ada lagi pamer keindahan bentuk akting dan puitika kata-kata dalam
8. Drama Modern
Drama modern pada dasarnya merupakan proses lanjutan dari kejayaan pementasan
drama sebelumnya yang dimulai sejak zaman Yunani. Perubahan yang nampak terdapat
pada hampir seluruh unsur drama pentas. Berbagai karakter tokoh di atas pentas
diekspresikan dengan konsep pementasan modern yang memiliki efek-efek khusus dan
teknologi baru dalam unsur musik, dekorasi, tata cahaya, dan efek elektronik. Gaya
permainannya pun cenderung didominasi realistis hingga mengalami kejenuhan dan lebih
Perkembangan gaya eksperimental ditandai dengan banyaknya gaya baru yang lahir
baik dari sudut pandang pengarang, sutradara, aktor ataupun penata artistik. Tidak jarang
usaha para dramawan berhasil dan mampu memberikan pengaruh seperti gaya; Simbolisme,
Surealisme, Epik, dan Absurd. Tetapi tidak jarang pula usaha mereka berhenti pada produksi
pertama. Lepas dari hal itu, usaha pencarian kaidah artistik yang dilakukan oleh
seniman drama modern patut diacungi jempol karena usaha-usaha tersebut mengantarkan
Selain konsep dan bentuk pementasan yang modern, perkembangan drama modern
dunia juga ditandai dengan munculnya beberapa dramawan yang namanya mendunia seperti:
1. Henrik Ibsen (1828-1906) dari Norwegia dengan karyanya seperti Nora, Love’s Comedy,
Brand and Peer Gynt, A Doll’s House, An Enemy of the People, The Wild Duck, Hedda
2. Augst Strindberg (1849-1912) dari Swedia dengan karyanya seperti Saga of the Folkung,
Miss Julia, The Father, A Dream Play, The Dance of Death, dan The Spook Sonata.
3. George Bernard Shaw (1856-1950) dari Inggris dengan karyanya seperti Man and Superman,
Arms and The Man, Major Barbara, Saint Joan, The Devil’s Disciple, dan Caesar and
Cleopatra.
4. William Butler Yeats (1884) dari Irlandia dengan karyanya seperti The Shadow of a Gunman,
Juno and the Paycock, The Plough and the Stars, The Silver Tassie, Within the
5. Emile Zola (1840-1902) dari Prancis dengan karya drama terkenalnya yaitu Therese
Raquin. Selain Zola, dramawan Prancis lainnya yang terkenal adalah Jean paul Sartre (1905-
6. Bertolt Bercht (1898-1956) dari Jerman dengan karyanya seperti Threepenny Opera, Mother
7. Luigi Pirandello (1867-1936) dengan karyanya seperti Right You Are, If You Think You Are,
As You Desire Me, Henry IV, Naked, Six Characters in Search of an Author, dan Tonight We
Improvise.
8. Federico Garcia Lorca (1889-1936) dari Spanyol dengan karyanya seperti The Shoemaker’s
9. Maxim Gorky (1868-1936) dari Rusia dengan karya drama terkenalnya yaitu The Lower
Depth.
10. Tennesse Williams (1914-....) dari Amerika dengan karyanya seperti Cat on a Hot Tin Roof,
Bangsa kita sudah mengenal drama sejak jaman dulu. Keberadaannya ditandai
dengan adanya kegiatan ritual keagamaan yang dilakukan oleh para pemuka agama dan
diikuti oleh masyarakat sekitarnya. Karena kegiatan ritual keagamaan erat kaitannya dengan
dengan dimasukannya unsur tari dan musik sesuai dengan perkembangan kehidupan
keagamaan itu lahirlah tontonan drama, yang kemudian berkembang sesuai dengan selera
drama di Indonesia dikelompokkan menjadi drama atau teater tradisional, drama atau teater
bentuk drama yang yang bersumber dari tradisi masyarakat lingkungannya. Drama
tradisional ini merupakan hasil kreatifitas berbagai suku bangsa Indonesia di beberapa
daerah. Dasar cerita yang digunakannya bersumber dari sastra lama seperti pantun, syair,
dongeng, legenda atau sastra lisan daerah lainnya. Karena bertolak dari sastra lisan inilah,
maka drama tradisional dipentaskan tanpa menggunakan naskah. Semua dialog serta gerak
dengan menari menyanyi dengan diiringi oleh tetabuhan serta sisipan lelucon, dagelan, atau
banyolan.
Kemunculan drama tradisional di Indonesia antar daerah satu dengan daerah lainnya
sangat bervariasi. Hal ini disebabkan oleh unsur-unsur pembentuk teater tradisional itu yang
berbeda-beda, tergantung dari kondisi dan sikap budaya masyarakat, sumber dan tata-cara
rakyat, serta drama ata teater wayang. Berikut ini disajikan beberapa bentuk teater
Drama atau teater tutur merupakan suatu jenis pementasan drama yang bertolak dari
sastra lisan yang dituturkan dan belum diperagakan secara lengkap. Proses pementasannya
hanya dituturkan oleh dalang dan sering dilakukan dengan menyanyi serta diiringi oleh suatu
tabuhan. Berikut ini disajikan beberapa bentuk drama atau teater tutur yang ada di daerah-
daerah di Indonesia.
1) PMTOH di Aceh
Drama atau teater tutur di Aceh bermula dari pembacaan hikayat (peugah haba) yang
disampaikan oleh seorang penutur cerita yang hanya dilengkapi dengan sebilah pedang dan
bantal. Penampilan nyaris tanpa akting, dan agak sulit mengikuti alur cerita karena tidak
terjadi perubahan karakter tokoh. Penggiat drama tutur ini adalah Mak Lapee dan Teungku
Ali Meukek.
Drama atau teater tutur ini menjadi menarik setelah dikembangkan Teungku Adnan
dengan mempergunakan alat musik rapa’i, pedang, suling (flute), bansi (block flute) dan
mempergunakan proferti mainan anak-anak, serta kostum. Oleh Teungku Adnan dan para
apresiatornya pertunjukkan drama ini dinamai PMTOH. Nama ini diambil dari sebuah tiruan
bunyi klakson bus bernama P.M.T.O.H yang sering ditumpangi oleh Teungku Adnan ketika
hendak berjualan obat sambil menunjukkan kepiawaiannya bercerita. Kekuatan yang paling
mendasarkan dalam teater tutur P.M.T.O.H adalah daya improvisasi penyaji yang sangat
tinggi. Gaya komedikalnya membawakan hikayat masa lalu dikaitkan dengan peristiwa masa
kini.
Bakaba merupakan drama rakyat dari Sumatera Barat yang dalam pertunjukkannya
dituturkan oleh sekurang-kurangnya dua tukang cerita dalam prosa liris yang dilagukan. Lagu
yang disampaikan disesuaikan dengan kebutuhan cerita. Untuk mengiringi tukang cerita
tersebut, biasanya digunakan musik pengiring seperti rebab, kecapi dan rebana. Pada saat
pertunjukkan tidak jarang terjadi komunikasi antara penutur cerita dengan para penonton.
Pertunjukkan Bakaba ini biasanya dilaksanakan apabila salah satu anggota keluarga
Sesuai dengan arti kata pantun yaitu ‘padi’, pada awalnya pantun Sunda dihubungkan
dengan pemujaan terhadap Dewi Padi yaitu Nyi Pohaci, Kersa Nyai, atau Nyi Pohaci Sang
Hyang Sri. Pada perkembangan selanjutnya sering dilaksanakan pada upacara keluarga
dan Pajajaran. Cerita lain yang sering muncul antara lain ‘Munding Laya Dikusumah’,
‘sangkuriang’, ‘Ciung Wanara’, ‘Sumur Bandung’, ‘Sulanjaya’, ‘Kidang Pananjung’, dan lain-
lain. Cerita-cerita tersebut disampaikan oleh seorang juru pantun yang dibantu oleh dua orang
Secara umum, kentrung merupakan bentuk drama berupa cerita yang disampaikan
secara lisan oleh dalang kentrung. Meski demikian, pengertian kata kentrung bisa dibedakan
menjadi dua, yakni berdasarkan penyingkatan dua kata dan bunyi yang dikeluarkan oleh
instrumen. Pengertian yang pertama, kentrung berasal dari kata Ngre’ken (menghitung )
angan. Pengertian kedua berasal dari bunyi kata Kluntrang-Kluntrung yang artinya pergi dan
Kesenian kentrung banyak dijumpai di Jawa Tengah dan Jawa Timur khususnya di
derah pesisir timur selatan. Selain itu, juga terdapat di sentra daerah, misalnya Surabaya,
dipentaskan pada acara sunatan, tingkeban, perkawinan, atau ruwatan. Cerita yang disajikan
adalah prosa yang diselingi oleh puisi yang dilagukan dengan iringan tabuhan rebana,
Sepanjang pementasanya Kentrung hanya diisi oleh seorang dalang yang merangkap
5) Cekepung di Lombok.
Cekepung berawal dari tiruan bunyi alat musik yang diujarkan cek...cek...cek...pung.
Cekepung pada dasarnya adalah seni membaca kitab lontar yang diiringi oleh instrumen
suling, dan beberapa peniruan bunyi alat musik oleh ujaran. Pemain cekepung sedikitnya
terdiri dari 6 orang pemusik dan penyanyi serta seorang pembaca lontar. Masing-masing
bertugas memainkan suling, redep (rebab, sejenis alat musik yang digunakan dalam kesenian
sebagai sumber cerita. Bahasa yang digunakan adalah bahasa Sasak dengan penjelasan
Sinrilik merupakan pertunjukkan drama tutur yang dari Sulawesi Selatan (khususnya
daerah Gowa dan Maros) yang dinyanyikan dalam bahasa Makasar oleh seorang pasinrili dan
dimainkan para pemain dengan iringan keso-keso (rebab). Tema-tema sinrilik menyangkut
Dulu Sinrilik hanya dipentaskan apabila raja yang meminta, namun kesenian ini
kemudian berubah bentuk menjadi pertunjukkan drama populer yang disenangi seluruh
pada acara-acara tertentu sperti syukuran, pesta panen, membangun rumah, dan
sebagainya. Sedangkan waktunya dilakukan siang hari atau malam setelah sembahyang isya.
Wayang Beber berbentuk lukisan di atas kertas tentang wayang yang bergambar
seperti wayang kulit purwa. Lukisan wayang tergantung pada cerita yang disajikan, jadi
semacam komik tanpa dialog. Lukisan wayang terdiri dari enam gulung, dan setiap gulung
terdiri dari empat adegan. Sambil membeberkan lukisan itu, dalang bernarasi sambil diiringi
seperangkat gamelan, rebab, kendang, kenong, gong, dan lain-lain yang dipikul beberapa
pemusik. Pertunjukkan ini turun temurun artinya tidak bisa diturunkan atau diajarkan kepada
orang lain selain keluarga. Biasanya pertunjukkan untuk upacara ruwatan dan nazar saja.
Drama atau Teater Rakyat merupakan jenis drama yang berkembang dan hidup di
tengah masyarakat pedesaan. pada umumnya dilakukan secara spontan dengan cerita-
cerita yang hidup di daerah tersebut. Cerita-cerita tersebut biasanya diambil dari cerita lisan
Seperti drama tutur, dalam pertunjukkannya jenis drama ini juga dilengkapi dengan
musik tradisional, tari-tarian, serta lagu. Jenis drama ini juga dikenal begitu akrab dengan
penontonnya. Humor atau banyolan selalu spontan muncul sebagai dialog segar dari para
aktor yang kadang bisa dijawab oleh para penontonnya. Berikut ini disajikan beberapa bentuk
Randai merupakan suatu bentuk teater tradisional yang bersifat kerakyatan yang
terdapat di daerah Minangkabau, Sumatera Barat. Randai hidup, berkembang, serta masih
Seperti drama tradisional lainnya di Minangkabau, cerita Randai bertolak dari sastra lisan
a) Unsur penceritaan. Cerita yang disajikan adalah kaba, dan disampaikan lewat gurindam,
dendang dan lagu. Sering diiringi oleh alat musik tradisional Minang, yaitu salung, rebab,
b) Unsur laku dan gerak, atau tari, yang dibawakan melalui galombang. Gerak tari yang
digunakan bertolak dari gerak-gerak silat tradisi Minangkabau, dengan berbagai variasinya
(a) Lenong
Lenong merupakan drama rakyat dari Betawi (Jakarta). Selain lenong, di Jakarta
masih terdapat empat jenis drama rakyat lainnya seperti topeng Betawi, topeng blantek, dan
jipeng atau jinong. Pada kenyataannya keempat teater rakyat tersebut banyak
persamaannya. Perbedaan umumnya hanya pada cerita yang dihidangkan dan musik
pengiringnya. Cerita lenong umumnya mengandung pesan moral, yaitu berbuat kebajikan dan
melawan kejahatan. Berbagai cerita yang ditampilkan di atas panggung akan berkembang
penuh humor, dan saling ledek. Drama jenis ini telah menggunakan panggung, dekorasi, dan
properti seperti meja dan dua buah kursi. Musik yang digunakan untuk mengiringi adegan
cerita dalam lenong adalah gambang, kromong, gong, kendang, kempor, suling, dan
kecrekan, serta alat musik unsur Tionghoa seperti tehyan, kongahyang, dan sukong.
Lenong berkembang sejak akhir abad ke-19 atau awal abad ke-20. Kesenian teatrikal
tersebut mungkin merupakan adaptasi oleh masyarakat Betawi atas kesenian serupa seperti
"komedi bangsawan" dan "teater stambul" yang sudah ada saat itu. Pada mulanya kesenian
udara terbuka tanpa panggung. Selanjutnya, lenong mulai dipertunjukkan atas permintaan
pelanggan dalam acara-acara di panggung hajatan seperti resepsi pernikahan. Baru di awal
Dalam perkembangan selanjutnya, terdapat dua jenis lenong yaitu lenong denes dan
lenong preman. Dalam lenong denes (dari kata denes dalam dialek Betawi yang berarti
"dinas" atau "resmi"), aktor dan aktrisnya umumnya mengenakan busana formal dan kisahnya
ber-seting kerajaan atau lingkungan kaum bangsawan, sedangkan dalam lenong preman
busana yang dikenakan tidak ditentukan oleh sutradara dan umumnya berkisah tentang
kehidupan sehari-hari. Selain itu, kedua jenis lenong ini juga dibedakan dari bahasa yang
digunakan; lenong denes umumnya menggunakan bahasa yang halus (bahasa Melayu
Menurut asal katanya, Blantek mengandung arti ‘campur aduk’ atau ‘tidak karuan’. Topeng
Blantek ini muncul di wilayah Jawa Barat bagian selatan Jakarta seperti Bojong Gede, Pondok
Rajeg, Citayem, dan Ciseeng. Cerita yang dimainkan biasanya pendek dan bernafaskan
Islam. Pada saat pergantian babak sering diperdengarkan lagu-lagu dzikir berbahasa Arab
atau lagu-lagu berbahasa Betawi. Musik pengiringnya terdiri dari rebab, kecrek, kromong,
Ludruk merupakan drama rakyat yang berasal dari daerah Jombang, Jawa Timur
sebelah barat seperti karesidenan Madiun, Kediri, dan sampai ke Jawa Tengah. Ciri-ciri
bahasa dialek Jawa Timuran tetap terbawa meskipun semakin ke barat makin luntur menjadi
Dibandingkan dengan kesenian drama rakyat lainnya, ludruk memiliki ciri khusus pada
para pemainnya yang semuanya diperankan oleh laki-laki. Untuk peran wanitapun dimainkan
oleh laki-laki. Hal ini terjadi karena pada zaman itu wanita tidak diperkenankan muncul di
depan umum.
Dengan menggunakan bahasa Jawa dialek Jawa Timuran yang segar dan penuh
humor, para pemain ludruk bisanya memainkan cerita tentang segala hal yang berhubungan
dengan lingkungan sekitarnya. Peralatan musik daerah yang digunakan untuk mengiringi
adegan terdiri dari kendang, cimplung, jidor dan gambang. sedangkan lagu-lagu (gending)
Ketoprak merupakan drama rakyat yang begitu populer di Jawa Timur dan Jawa
Tengah terutama di daerah Yogyakarta selain Srandul, Jemlung, dan Gotoloco. Pada
mulanya ketoprak bukanlah sebuah tontonan, tapi hanya merupakan permainan orang-orang
desa yang sedang menghibur diri dengan menabuh lesung pada waktu bulan purnama, yang
disebut gejogan. Dalam perkembangannya ditambahi nyanyian, juga tarian hingga menjadi
penemuan ini kemudian dikembangkan dengan menambahkan beberapa alat musik pengiring
seperti kendang, terbang, suling, dan kecrek. Pada tahun 1909, ketoprak pertama kali
dipentaskan di depan penonton. Cerita yang disajikan biasanya seperti ‘Damarwulan’, ‘Aji
bahasa. Karena itu muncul yang disebut bahasa ketoprak, bahasa Jawa dengan bahasa yang
a) Ubrug
Banten. Bahasa yang digunakan dalam pertunjukkan ubrug adalah bahasa campuran daerah
Sunda, Jawa dan Melayu. Musik yang digunakan untuk megiringi drama ini terdiri dari iringan
musik gamelan dan goong buyung. Busana yang dikenakan para pemeran disesuaikan
dengan cerita yang dekat dengan kehidupans ehari-hari. Sedangkan untuk para penari
berbusana srimpian. Para pemain biasanya bertukar busana dan berhias di tempat pemusik.
Seperti drama rakyat lainnya, Ubrug dapat dipentaskan di ruang terbuka seperti
halaman rumah atau tanah lapang dengan menggunakan penerangan obor atau petromaks
yang disimpan di tengah arena pentas. Ubrug dipentaskan bukan saja untuk hiburan, tetapi
juga untuk memeriahkan suatu “hajatan”, atau meramaikan suatu “perayaan”. Untuk apa saja,
Cerita-cerita yang dipentaskan terutama cerita rakyat, sesekali dongeng atau cerita
sejarah Beberapa cerita yang sering dimainkan ialah Dalem Boncel, Jejaka Pecak, Si
Pitung atau Si Jampang (pahlawan rakyat setempat, seperti juga di Betawi). Gaya penyajian
cerita umumnya dilakukan seperti pada teater rakyat, menggunakan gaya humor (banyolan),
b) Longser
dan seredet (tergugah). Artinya barang siapa melihat (menonton) pertunjukan, hatinya akan
tergugah. Pertunjukan longser sama dengan pertunjukan kesenian rakyat yang lain, yang
bersifat hiburan sederhana, sesuai dengan sifat kerakyatan, gembira dan jenaka. Sebelum
longser lahir, ada beberapa kesenian yang sejenis dengan Longser, yaitu lengger. Ada lagi
yang serupa, dengan penekanan pada tari, disebut ogel atau doger.
Longser merupakan jenis drama rakyat yang terdapat di wilayah Priangan seperti
Subang, bandung, dan sekitarnya. Pertunjukan longser hampir sama dengan drama rakyat di
Jawa Barat lainnya. Perbedaannya terdapat pada jenis-jenis tarian yang sering memasukkan
silat dan ketuk tilu yang dilengkapi dengan sinden atau juru kawih. Gamelan pengiring yang
digunakan adalah gamelan salendro dengan dua belas nayaga. Selian longser, ada juga jenis
kesenian drama rakyat lainnya seperti Banjet, Topeng Cirebon, Tarling, dan Ketuk tilu.
Mamanda merupakan drama rakyat asli suku Banjar di Provinsi Kalimantan Selatan.
Menurut sejarahnya, pada tahun 1897 datang ke Banjarmasin suatu rombongan bangsawan
Malaka. Selain untuk kepentingan berdagang, rombingan ini juga memperkenalkan suatu
kesenian baru yang bersumber dari syair Abdoel Moeloek. Kesenian tersebut kemudian
dikenal dengan sebutan Badarmuluk. Seiring perkembangan zaman, sebutan untuk kesenian
Ciri khas dari liran ini adalah dari proses pementasannya yang dilakukan di perairan atau di
sungai. Aliran yang juga disebut Mamanda Periukdan berasal dari Margasari ini merupakan
2. Aliran Tubau
Aliran yang berasal dari Desa Tubau Rantau ini merupakan perkembangan baru dari
Mamanda yang kini justru lebih terkenal dari Mamanda aliran Batang Banyu. Dalam
pementasannya, cerita yang diangkat tidak bersuber dari syair atau hikayat, namun dikarang
sendiri dan disesuaikan dengan perkembangan zaman. Struktur pertunjukkannya masih sama
seperti pementasan drama lainnya yang dimulai dari ladon atau konom, sidang kerajaan, dan
cerita. Pementasan aliran ini tidak mengutamakan musik atau tari, namun lebih
mengutamakan bagaimana isi ceritanya. Aliran ini dipentaskan di daratan sehingga juga
Makyong merupakan drama rakyat Melayu yang masih hidup sampai di Malaysia,
Singapura, bahkan Muangthai. Makyong yang paling tua terdapat di pulau Mantang, salah
satu pulau di daerah Riau. Pada mulanya kesenian Makyong berupa tarian joget atau
legenda dan juga cerita-cerita kerajaan. Makyong juga digemari oleh para bangsawan dan
Pertunjukkan makyong menggunakan media ungkap tarian, nyanyian, laku, dan dialog
dengan membawa cerita-cerita rakyat yang sangat populer di daerahnya. Cerita-cerita rakyat
tersebut bersumber pada sastra lisan Melayu. Drama ini dipertunjukkan di tempat terbuka
untuk keperluan hajatan. Semua pemeran yang sebgian besar wanita ini menggunakan
topeng dalam pertunjukkannya. Iringan musik yang digunakan adalah kendang, serunai,
Pementasan makyong selalu diawali dengan bunyi tabuhan yang dipukul bertalu-talu
sebagai tanda bahwa ada pertunjukan makyong dan akan segera dimulai. Setelah penonton
berkumpul, kemudian seorang pawang (sesepuh dalam kelompok makyong) tampil ke tempat
buang bahasa atau upacara membuka tanah dan berdoa untuk memohon agar pertunjukan
8) Arja di Bali.
Menurut asal katanya, Arja berasal dari bahasa Sansekerta “reja” yang kemudian
mendapat awalan “a” sehingga menjadi “areja” dan akhirnya berubah menjadi Arja yang
berarti keindahan atau mengandung keindahan. Sebagai suatu bentuk drama, Arja
merupakan seni drama yang sangat kompleks karena merupakan perpaduan dari berbagai
jenis kesenian yang hidup di Bali, seperti seni tari, seni drama, seni vokal, seni instrumentalia,
puisi, seni peran, seni pantomim, seni busana, seni rupa dan sebagainya. Di Bali, Arja masih
tersebar di banyak wilayah, seperti Bangli, Klungkung, Gianyar, Anlapura, Badung, Tabanan,
Arja menyajikan cerita kerajaan dan perwatakannya sangat diperngaruhi oleh adanya
kasta seperti Cerita Panji, Cerita Mahabarata, Ramayana dan sejenisnya.Pada tahapan
berikutnya, cerita dalam pertunjukkan Arja berkembang sampai cerita-cerita keseharian yang
dapat membuat orang sejenak melupakan segala permasalahan keluarga, pekerjaan dan
Selain bentuk-bentuk drama rakyat di atas, masih banyak lagi jenis drama atau teater
rakyat lainnya baik yang berupa drama tutur maupun drama rakyat yang sudah diperagakan
yang semuanya tersebar di seluruh wilayah nusantara. Sebagian dari drama rakyat tersebut
teknologi serta komunikasi yang cukup pesat bahkan membawa pengaruh terhadap tumbuh
Beberapa jenis drama tradisional kemudian dikenal luas oleh masyarakat dari etnis
lainnya. Kesenian longser, yang semula dikenal sebagai jenis teater tradisional dari Jawa
Barat, kini digemari pula oleh masyarakat lainnya di luar Jawa Barat. Demikian juga dengan
ketoprak (Jawa Tengah), ludruk (Jawa Timur), lenong (Jakarta), dan yang lainnya. Gejala
Indonesia. Selain memupuk rasa toleransi berkesenian antar etnis, juga diharapkan mampu
menjaga kelestarian kekayaan seni tradisi yang kini mulai mengkhawatirkan. Budaya global
secara negatif yang sangat cepat diserap oleh generasi muda, akan terkikis dengan
sendirinya bila diimbangi dengan semangat cinta akan kesenian tradisi milik sendiri.
Wayang merupakan suatu bentuk drama tradisional yang sangat tua. Jejak
keberadaannya dapat kita temukan pada berbagai prasasti pada Zaman Raja Jawa, antara
lain pada masa Raja Balitung. Pada masa pemerintahan Raja Balitung, telah ada petunjuk
adanya pertunjukan Wayang seperti yang terdapat pada Prasasti Balitung dengan tahun 907
Masehi. Prasasti tersebut mewartakan bahwa pada saat itu telah dikenal adanya pertunjukan
wayang. Petunjuk lainnya juga dapat ditemukan dalam sebuah kakawin Arjunawiwaha karya
Mpu Kanwa, pada Zaman Raja Airlangga dalam abad ke-11. Namun bentuk wayang pada
Di Jawa, awal mula adanya wayang diketahui pada saat Prabu Jayabaya bertakhta di
Mamonang pada tahun 930 M. Saat itu Sang Prabu ingin mengabadikan wajah para
leluhurnya dalam bentuk gambar yang kemudian dinamakan Wayang Purwa. Dalam
gambaran itu diinginkan wajah para dewa dan manusia Zaman Purba. Pada mulanya hanya
Secara harfiah, wayang berarti bayangan. Artinya, dunia yang diperlihatkan lewat
pertunjukkan wayang merupakan bayangan dari kehidupan kita sehari-hari. Dari segi fisik,
pertunjukkan wayang, terutama wayang kulit, memang terjadi dari bayangan boneka wayang
yang disorot oleh lampu blencong dan jatuh pada kain putih bertepi merah yang merentang
lebar (kelir).
Penyajian wayang biasanya dilakukan semalam suntuk oleh seorang dalang. Dalang
ini memiliki peran dominan dalam pertunjukkan wayang. Seorang dalang harus bisa
menguasai semua dialog dan jenis suara tiap karakter, membuat suara-suara pembentuk
suasana adegan, memberi komando pada pemain gamelan, sambil tetap memainkan wayang
di tangannhya. Pertunjukkan dibuka dan ditutup dengan permainan wayang berbentuk seperti
daun bernama gunungan/kayon. Gunungan ini merupakan pohon kehidupan, simbol dari
dunia.
Berikut ini disajikan beberapa bentuk drama wayang yang ada di daerah-daerah di
Indonesia.
1) Wayang Kulit
Wayang kulit merupakan drama klasik yang menggunakan bentuk wayang dari kulit
tipis yang dilukis cermat dengan warna-warni yang menjelaskan karakter. Untuk
mementaskan pertunjukan wayang kulit secara lengkap dibutuhkan kurang lebih sebanyak 18
orang pendukung. Satu orang sebagai dalang, 2 orang sebagai waranggana, dan 15 orang
sebagai penabuh gamelan merangkap wiraswara. Rata-rata pertunjukan dalam satu malam
adalah 7 sampai 8 jam, mulai dari jam 21.00 sampai jam 05.00 pagi. Bila dilakukan pada siang
hari pertunjukan biasanya dimulai dari jam 09.00 sampai dengan jam 16.00. Tempat
pertunjukan wayang ditata dengan menggunakan konsep pentas yang bersifat abstrak. Arena
pentas terdiri dari layar berupa kain putih dan sebagai sarana tehnis di bawahnya ditaruh
Dalam pertunjukkannya, wayang kulit digerakkan oleh seorang dalang yang bercerita
juga berdialog sekaligus. Ketika berdialog, dalang mampu mengubah suaranya sesuai
dengan tokoh wayang yang sedang dimainkannya dari balik layar. Karenanya, dalam
pertunjukkan wayang kulit penonton tidak dapat melihat wayang yang dimainkan dalang
secara langsung, melainkan hanya melihat bayangan wayangnya saja. Musik yang mengiringi
pertunjukkan wayang kulit berasal dari gamelan lengkap dan tembang yang dinyanyikan oleh
pesinden.
Dalam bahasa Indonesia Wayang Wong artinya wayang orang, yaitu pertunjukan yang
dimainkan oleh para pemeran yang memerankan tokoh wayang. Pertunjukan wayang orang
terdapat di Jawa Tengah dan Jawa Timur. Sedangkan di Jawa Barat ada juga pertunjukan
Berbeda dengan pertunjukkan wayang kulit, wayang wong tidak memunculkan dalang
sebagaimana dalam wayang kulit. Dalang wayang orang hanya bertindak sebagai pengatur
perpindahan adegan, yang ditandai dengan suara suluk atau monolog. Dalam dialog yang
diucapkan oleh pemain, sedikit sekali campur tangan dalang. Dalang hanya memberikan
petunjuk-petunjuk garis besar saja. Selanjutnya pemain sendiri yang harus berimprovisasi
dengan dialognya sesuai dengan alur ceritera yang telah diberikan oleh sang dalang. Selain
harus pandai berakting, para pemain ini harus pandai menari dan menyanyi di atas panggung
yang sudah menggunakan set dekorasi lengkap dengan gambar realis seperti hutan, alun-
Lama pertunjukan wayang orang biasanya sekitar 7 atau 8 jam untuk satu lakon,
biasanya dilakukan hanya pada malam hari. Untuk menyelenggarakan pertunjukan wayang
orang secara lengkap, biasanya dibutuhkan pendukung sebanyak 35 orang, yang terdiri
dari 20 orang sebagai pemain (terdiri dari pria dan wanita), 12 orang sebagai penabuh
gamelan merangkap wiraswara, 2 orang sebagai waranggana, dan 1 orang sebagai
dalang. Sedangkan untuk musik pengiring yang digunakan adalah seperangkat Gamelan
3) Wayang Golek
Wayang golek merupakan drama klasik yang berasal dari Jawa Barat. Seperti wayang
kulit, wayang golek juga tidak menggunakan manusia sebagai medianya, tetapi menggunakan
boneka kayu berwujud tokoh-tokoh wayang. Berbeda dengan wayang kulit, wayang golek ini
lebih realis, karena bentuknya menyerupai bentuk badan manusia serta dilengkapi dengan
mewakili para tokoh wayang. Untuk berdialog, dalang mampu mengubah suaranya
sedemikian rupa sehingga menarik. Jenis drama ini pun menggunakan musik gamelan
lengkap sebagai pengiringnya, dan dibantu beberapa sinden sebagai penyanyi yang isi
Drama atau Teater Transisi merupakan jenis drama tradisional yang sudah mendapat
pengaruh konsep teater Barat yang dipentaskan oleh orang-orang Belanda di Indonesia
sekitar tahun 1805 yang kemudian berkembang hingga di Betawi (Batavia) dan mengawali
berdirinya gedung Schouwburg pada tahun 1821 (Sekarang Gedung Kesenian Jakarta).
Selain konsep teater dari Barat, drama bangsawan juga dipengaruhi bentuk teater yang
datang dari Timur Tengah, dan sangat kuat ditunjang oleh kebudayaan Melayu.
Pengaruh ini nampak dari beberapa perubahan yang terdapat pada penulisan cerita
dan cara penyajian pertunjukkan. Cerita dalam drama atau teater bangsawan sudah mulai
ditulis, meskipun masih dalam wujud cerita ringkas atau outline story (garis besar cerita per
adegan). Cara penyajian cerita pun sudah menggunakan set panggung lengkap dengan tata
Beberapa kelompok drama yang lahir pada masa transisi ini diantaranya adalah
sebagai berikut.
a. Perkumpulan kelompok drama Komedie Stamboel di Surabaya pada tahun 1891 yang
b. Sandiwara Dardanella (The Malay Opera Dardanella) yang didirikan Willy Klimanoff alias A.
c. Opera Stambul, Komidi Bangsawan, Indra Bangsawan, Sandiwara Orion, Opera Abdoel
Moeloek, Sandiwara Tjahaja Timoer, juga kelompok sandiwara Maya yang dipimpin oleh
Usmar Ismail.
Drama atau teater modern merupakan periode baru dalam drama tradisional yang
sudah mendapatkan pengaruh dari ‘Teater Barat’. Artinya, susunan naskah, cara pentas,
gaya penyuguhan, dan pola pemikiran banyak bersumber dari pola pendekatan dan pemikiran
‘kebudayaan barat’. Jadi jelas, bahwa Drama atau teater modern mulai tumbuh dengan
ditandai dengan adanya penulisan naskah serta diikat oleh hukum-hukum dramaturgi.
Periode pementasan drama dengan menggunakan naskah sebenarnya dimulai sejak
tahun 1901 ketika F. Wiggers menulis sastra drama satu babak yang pertama berjudul
‘Lelakon Beij Retno’. Meskipun tidak jelas untuk keperluan apa naskah tersebut dibuat, namun
mulai nampak kecenderungan pengaruh dari ‘Barat’ tersebut yang diikuti pula oleh penulis-
penulis naskah drama lainnya.
Meski demikian, bentuk sastra drama yang pertamakali menggunakan bahasa
Indonesia dan disusun dengan model dialog antar tokoh dan berbentuk sajak
adalah Bebasari (artinya kebebasan yang sesungguhnya atau inti kebebasan) karya Rustam
Efendi (1926). Lakon Bebasari merupakan sastra drama yang menjadi pelopor semangat
kebangsaan. Setelahnya kemudian muncul beberapa penulis lakon lainnya seperti Sanusi
Pane, Muhammad Yamin, Armiijn Pane, Nur Sutan Iskandar, Imam Supardi, Dr. Satiman
Wirjosandjojo, Mr. Singgih, hingga Ir. Soekarno. Penulis-penulis ini adalah cendekiawan
Indonesia, menulis dengan menggunakan bahasa Indonesia dan berjuang untuk
kemerdekaan Indonesia. Naskah-naskah yang ditulisnya memiliki tema kebangsaan,
persoalan, dan harapan serta misi mewujudkan Indonesia sebagai negara merdeka.
Pada tahun 1940-an, semua unsur kesenian dan kebudayaan dikonsentrasikan untuk
mendukung pemerintahan totaliter Jepang. Segala daya kreasi seni secara sistematis
diarahkan untuk menyukseskan pemerintahan totaliter Jepang. Rombongan sandiwara yang
mula-mula berkembang pada zaman ini adalah rombongan sandiwara profesional. Dalam
kurun waktu ini semua bentuk seni hiburan yang berbau Belanda lenyap karena pemerintah
penjajahan Jepang antibudaya Barat. Rombongan sandiwara keliling komersial, seperti
misalnya Bintang Surabaya, Dewi Mada, Mis Ribut, Mis Tjitjih, Tjahaya Asia, Warna Sari, Mata
Hari, Pancawarna, dan lain-lain kembali berkembang dengan mementaskan cerita dalam
bahasa Indonesia, Jawa, maupun Sunda.
Pertumbuhan sandiwara profesional tidak luput dari perhatian Sendenbu. Jepang
menugaskan Dr. Huyung (Hei Natsu Eitaroo), ahli seni drama atas nama Sendenbu
memprakarsai berdirinya POSD (Perserikatan Oesaha Sandiwara Djawa) yang
beranggotakan semua rombongan sandiwara profesional. Sendenbu menyiapkan naskah
lakon yang harus dimainkan oleh setiap rombongan sandiwara karangan penulis lakon
Indonesia dan Jepang, Kotot Sukardi menulis lakon, AmatHeiho, Pecah Sebagai Ratna,
Bende Mataram, Benteng Ngawi. Hei Natsu Eitaroo menulis Hantu, lakon Nora karya Henrik
Ibsen diterjemahkan dan judulnya diganti dengan Jinak-jinak Merpati oleh Armijn Pane.
Lakon Ibu Prajurit ditulis oleh Natsusaki Tani. Oleh karena ada sensor Sendenbu maka lakon
harus ditulis lengkap berikut dialognya.
Para pemain tidak boleh menambah atau melebih-lebihkan dari apa yang sudah ditulis
dalam naskah. Sensor Sendenbu malah menjadi titik awal dikenalkannya naskah dalam
setiap pementasan sandiwara. Menjelang akhir pendudukan Jepang muncul
rombongan sandiwara yang melahirkan karya ssatra yang berarti, yaitu Penggemar Maya
(1944) pimpinan Usmar Ismail, dan D. Djajakusuma dengan dukungan Suryo Sumanto,
Rosihan Anwar, dan Abu Hanifah dengan para anggota cendekiawan muda, nasionalis dan
para profesional (dokter, apoteker, dan lain-lain). Kelompok ini berprinsip menegakkan
nasionalisme, humanisme dan agama. Pada saat inilah pengembangan ke arah pencapaian
teater nasional dilakukan. Teater tidak hanya sebagai hiburan tetapi juga untuk ekspresi
kebudayaan berdasarkan kesadaran nasional dengan cita-cita menuju humanisme dan
religiositas dan memandang teater sebagai seni serius dan ilmu pengetahuan.Kelak,
Penggemar Maya menjadi pemicu berdirinya Akademi Teater Nasional Indonesia (ATNI) di
Jakarta.
ATNI merupakan akademi teater modern yang pertama di Asia Tenggara yang
menggalakkan dan memapankan realisme dengan mementaskan lakon-lakon terjemahan
dari Barat, seperti karyakarya Moliere, Gogol, dan Chekov. Sedangkan metode pementasan
dan pemeranan yang dikembangkan oleh ATNI adalah Stanislavskian. Alumni Akademi
Teater Nasional yang menjadi aktor dan sutradara antara lain, Teguh Karya, Wahyu
Sihombing, Tatiek Malyati, Pramana Padmadarmaya, Galib Husein, dan Kasim Achmad.
Mereka adalah dramawan-dramawan Indonesia yang juga melahirkan beberapa naskah
drama modern yang berkualitas.
Jika diurutkan berdasarkan angka tahun, berikut ini adalah gambaran beberapa
naskah drama yang berhasil ditulis oleh para dramawan Indonesia.
1. Tahun 1913 : naskah drama berjudul ‘Karina, Adinda, Lelakon komedie Hindia Timoer’
karya lauw Giok Lan yang disadur dari naskah karya Victor Ido.
2. Tahun 1917 : naskah ‘Tjerita Satoe Ibu Tiri Pinter Adjar Anak’ karya Kiong Ho Hie.
3. Tahun 1919 : naskah ‘Allah Jang Palsoe’ karya Kwee Tek Hoay saduran dari naskah
karya E. Philip Oppeinheim berjudul ‘The False Gods’.
4. Tahun 1923 : naskah ‘Lajar Malaise’ karya Ang Jan Goan.
5. Tahun 1924 : naskah ‘Siapa jang Berdosa’ karya Oen Tjing Tiauw.
6. Tahun 1926 : naskah ‘Bebasari’ karya Roestam Effendi.
7. Tahun 1926 : naskah ‘Korbannja Kong Ek’ karya Kwee Tek Hoay.
8. Tahun 1927 : naskah Rainbow, Krukut Bikutbi, dan Dr. Setan karya Ir. Soekarno.
9. Tahun 1928 : naskah ‘Airlangga’ karya Sanoesi Pane.
10. Tahun 1930 : naskah ‘Kebiasaan Boesoek’ karya Tjing Tiauw.
11. Tahun 1931 : naskah ‘Bapak Kerbo Anak Sapi’ karya Ong Pik Lok.
12. Tahun 1932 : naskah ‘Kertajaya’ karya Sanusi Pane.
13. Tahun 1932 : naskah ‘Eenzame Garoedavlucht’ karya Sanusi Pane.
14. Tahun 1933 : naskah ‘Djoeal Air Kringet’ karya Ong Pik Lok.
15. Tahun 1934 : naskah ‘Ken Arok dan Ken Dedes’ karya Muhamad Yamin.
16. Tahun 1936 : naskah ‘Biji Lada’ karya Kwee Tek Hoay.
17. Tahun 1937 : naskah ‘Setahun di Bedahulu’ karya Armijn Pane.
18. Tahun 1937 : naskah ‘Loekisan Masa’ karya Armijn Pane.
19. Tahun 1938 : naskah ‘Satoe Katja’ karya Oen Tjing Tiauw.
20. Tahun 1939 : naskah ‘Nyai Lenggang Kencana’ karya Armijn Pane.
21. Tahun 1940 : naskah ‘Manoesia Baroe’ karya Sanoesi Pane.
22. Tahun 1943 : naskah ‘Citra’ karya Usmar Ismail.
23. Tahun 1944 : naskah ‘Liburan Seniman’ karya Usmar Ismail.
24. Tahun 1945 : naskah ‘Dokter Bisma’ karya Idrus.
25. Tahun 1946 : naskah ‘Suling’ karya Utuy Tatang Sontani.
26. Tahun 1947 : naskah ‘Bunga Rumah Makan’ karya Utuy Tatang Sontani.
27. Tahun 1948 : naskah ‘Keluarga Surono’ karya Idrus.
28. Tahun 1950 : naskah ‘Prabu dan Putri’ karya Rustandi Karta Kusumah.
29. Tahun 1951 : naskah ‘Heddie dan Tuti’ karya Rustandi Karta Kusumah.
30. Tahun 1952 : naskah ‘Bentrokan dalam Asmara’ karya Achdiat Kartamihardja.
31. Tahun 1953 : naskah ‘Tjendera Kirana’ karya Sri Murtono.
32. Tahun 1954 : naskah ‘Jalan Mutiara’ karya Sitor Situmorang.
33. Tahun 1958 : naskah ‘Bunga Merah Merah Semwa. Bunga Putih Putih Semwa’ karya
Rustandi Karta Kusumah’.
34. Tahun 1960 : naskah ‘Sejuta Matahari’ karya Motingge Busye.
35. Tahun 1961 : naskah ‘Pertahanan terakhir’ karya Endang Achmadi.
Pada periode tahun 1960 hingga akhir tahun 90-an, naskah drama semakin
menunjukan banyak perkembangan. Penulisnya tidak hanya terfokus pada sastrawan yang
sudah ternama, para mahasiswa atau para remaja yang tergabung dalam sanggar-sanggar
teater juga sudah mulai menunjukkan bakatnya dalam bidang menulis naskah. Sebagian dari
mahasiswa penggiat drama di kampus tersebut diantaranya ada Darmanto Jt. di Undip,
Sanento Juliman di ITB, Bakdi Sumanto di Sanata Dharma, Godi Suwarna di IKIP Bandung,
Hikmat Gumelar di UNPAD, dan beberapa nama lainnya hingga era tahun 2000-an seperti
Yani Mae di STSI Bandung, Aan Sugianto Mas dari Uniiversitas Kuningan, Sosiawan Leak di
UNS dan yang lainnya.
Dari beberapa sanggar drama, muncul beberapa nama seperti WS. Rendra (1935-
2009) dari Bengkel Teater, Teguh Karya (1937-2001) dari Teater Populer, Nano Riantiarno
(1949- ...) dari Teater Koma, Arifin C. Noor (.......) dari Teater Kecil, Putu Wijaya (1944-......)
dari Teater Mandiri, Suyatna Anirun (........) dari Studiklub Teater Bandung, Rahman Sabur
(1957-...........) dari Teater Payung Hitam, Mohamad Sunjaya (1937-.....) dari Actors Unlimited,
Heru Kesawa Murti (1957-.....) dari Teater Gandrik, Dindon W. S. (1960-.....) dari Teater
Kubur, hingga generasi Shinta Febriany (1979-......) dari Teater Kala di Makasar, dan yang
lainnya.
Kondisi drama modern di Indonesia terus berkembang seiring dengan pesatnya
kemajuan zaman. Meski gedung dan sarana pementasan lainnya tidak murah lagi, namun
geliat aktivitas bermain drama tetap bertahan. Beberapa kelompok drama bahkan kembali
kepada konsep pementasan drama tradisional yang menyelenggarakan aksi pentasnya di
area terbuka seperti lapangan bola, alun-alun, aula sekolah, balai desa, dan sebagainya. Di
beberapa sekolah dan kampus bahkan sudah memiliki kelompok drama yang rutin
menyelenggarakan pementasan. Tercatat beberapa kelompok drama dari kampus yang
masih rutin menyelenggarakn pementasan seperti Teater Awal dari STAIN (Jakarta, Bandung,
Cirebon), Teater SK dari IAIN Sunan Kalijaga Jogjakarta, Teater ................. dari Universitas
Negeri Jakarta, Teater Lakon dari UPI Bandung, Teater Pecut di Universitas Kuningan, juga
beberapa kelompok lainnya.
Untuk memotivasi dan memunculkan potensi-potensi berbakat dalam dunia drama,
beberapa komunitas dan lembaga yang peduli pada kemajuan drama menyelenggarakan
workshop serta festival drama. Diantara festival drama yang sudah digelar adalah Festival
Seni Pertunjukan Rakyat yang diselenggarakan Departemen Penerangan Republik
Indonesia tahun 1983 di Yogyakarta, Festival Teater Jakarta (sebelumnya disebut Festival
Teater Remaja) di Jakarta, Festival Drama Basa Sunda oleh Teater Sunda Kiwari di
Bandung, Festival Drama Lima Kota di Surabaya, dan festival-festival drama lainnya.
Sedangkan workshop drama marak dan cukup rutin diselenggarakan di beberapa sanggar
teater seperti pelatihan ‘Gladiactor’ oleh Teater Populer, ‘Workshop Teater untuk Siswa SMA’
oleh Teater Koma, dan yang lainnya.
Pengenalan dan Sejarah Teater
1.0 PENGENALAN
1.1 KONSEP DAN DEFINISI TEATER
- Perkataan Teater berasal dari perkataan 'THEATRON' yang membawa maksud tempat menonton
pada zaman Yunani ( greek tua ).
- Satu gabungan kerja-kerja kreatif yang merangkumi semua unsur seni dan pengurusan berdasarkan
daripada naskhah lakon dipersembahkan secara langsung kepada penonton yang dipisahkan oleh
ruang dan waktu.
- Satu bentuk persembahan lakonan yang menghiburkan, dipersembahkan kepada penonton secara
langsung disebuah tempat dikenali sebagai pentas dan ahli persembahnnya dikenali sebagai pelakon
atau aktor.
- Suatu bentuk kerja secara bersama (berpasukan) antara artis dengan naskhah lakon di mana
pelakon membawa watak di dalam produksi persembahan secara langsung dihadapan khalayak.
B. Kumpulan pengurusan
1. Pentas
Penolong pengarah / pengurus
(Ikut dalam sukatan)
- Tragedi
- Cerita di akhiri dgn kesedihan. Wira dimatikan
- Cerita menyentuh perasaan kerana yang baik biasanya ditimpa kesusahan
(Nasib tidak menyebelahi orang yang baik)
-Jalan ceritanya seseorang yang ditimpa bencana yang membawa kesusahan dalam hidupnya
n Tragedi – pergelutan manusia melawan takdir/berakhir dengan duka/ kematian
n Komedi – penuh tawa/ gembira / berakhir dengan kegembiraan
n Komedi tragedi / Tragikomedi – gabungan komedi dan tragedi / ketawa yang diakhiri dengan duka
n Melodrama – penuh kesyahduan/ biasanya dipadukan dengan muzik
n Farce – gerak yang berlebihan/ tidak wajar/ karikatural
n Satira – cemohan / ejekan / sindiran
n Muzikal – seluruhnya diiringi dengn muzik dan dinyanyikan / dialog diubah menjadi nyanyian
- Arena
- Frame
- Thrust
- Persekitaran
- Open Stage
- Prosinium
- Black Box
- Amphitheatre
- Eksperimental
- Muzikal
- Neutralisme
- Bangsawan
- Sandiwara
Sejarah
1. Kepercayaan kepada ‘SUPER NATURAL’: Semua kejadian mempunyai kuasa, atau penunggu.
Ada perantara SHARMAN dipilih oleh masyarakat untuk menjalankan upacara. Unsur-unsur teater
telah dijelmakan dalam upacara mereka.
2. Penglipurlara/ bercerita. Cerita mempunyai nilai dramatic dipersembahkan dikhalayak.
3. Permainan kanak-kanak berimprovisasi.
PENULIS DRAMA
Sejarah Teater: Teater adalah kata yang berasal dari bahasa Inggris theater atau theatre, bahasa Perancis
théâtre asal kata dari theatron (θέατρον) dari bahasa Yunani, berarti "tempat untuk menonton"). Istilah
lainnya dari teater adalah drama, tetapi dalam pengertian yang lebih luas, teater adalah proses pemilihan
teks atau naskah, penafiran, penggarapan, penyajian atau pementasan dan proses pemahaman atau
penikmatan dari public atau audience (bisa pembaca, pendengar, penonton, pengamat, kritikus atau
peneliti). Proses penjadian drama ke teater disebut prose teater atau disingkat berteater. Teater bisa
diartikan dengan dua cara yaitu dalam arti sempit dan dalam arti luas. Teater dalam arti sempit adalah
sebagai drama (kisah hidup dan kehiudpan manusia yang diceritakan di atas pentas, disaksikan orang
banyak dan didasarkan pada naskah yang tertulis). Dalam arti luas, teater adalah segala tontonan yang
dipertunjukkan di depan orang banyak contohnya wayang orang, ketoprak, ludruk dan lain-lain. (dari
wikipedia)
DramaDrama berarti perbuatan, tindakan. Berasal dari bahasa Yunani “draomai” yang berarti berbuat,
berlaku, bertindak dan sebagainya.
Drama adalah hidup yang dilukiskan dengan gerak.
Konflik dari sifat manusia merupakan sumber pokok drama.
Dalam bahasa Belanda, drama adalah toneel, yang kemudian oleh PKG Mangkunegara VII dibuat istilah
Sandiwara.
Arti Teater
Sejarah Teater
Asal Mula TeaterWaktu dan tempat pertunjukan teater yang pertama kali dimulai tidak diketahui.
Adapun yang dapat diketahui hanyalah teori tentang asal mulanya. Di antaranya teori tentang asal mula
teater adalah sebagai berikut:
Berasal dari upacara agama primitif. Unsur cerita ditambahkan pada upacara semacam itu yang
akhirnya berkembang menjadi pertunjukan teater. Meskipun upacara agama telah lama ditinggalkan, tapi
teater ini hidup terus hingga sekarang.
Berasal dari nyanyian untuk menghormati seorang phlawan dikuburannya. Dalam acara ini
seseorang mengisahkan riwayat hidup sang pahlawan yang lama kelamaan diperagakan dalam bentuk
teater.
Berasal dari kegemaran manusia mendengarkan cerita. Cerita itu kemudian juga dibuat dalam
bentuk teater (kisah perburuan, kepahlawanan, perang, dan lain sebagainya).
Rendra dalam (San Santosa, 2008: 4), menyebutkan bahwa naskah teater tertua di dunia yang pernah
ditemukan ditulis seorang pendeta Mesir, I Kher-nefert, di zaman peradaban Mesir Kuno kira-kira 2000
tahun sebelum tarikh Masehi. Pada zaman itu peradaban Mesir Kuno sudah maju. Mereka sudah bisa
membuat piramida, sudah mengerti irigasi, sudah bisa membuat kalender,
Teater Yunani KlasikTempat pertunjukan teater Yunani pertama yang permanen dibangun sekitar 2300
tahun yang lalu. Teater ini dibangun tanpa atap dalam bentuk setengah lingkaran dengan tempat duduk
penonton melengkung dan berundak-undak yang disebut amphitheater (Jakob Soemardjo, 1984). Ribuan
orang mengunjungi amphitheater untuk menonton teater-teater, dan hadiah diberikan bagi teater
terbaik. Naskah lakon teater Yunani merupakan naskah lakon teater pertama yang menciptakan dialog
diantara para karakternya.
Perkataan Teater dikatakan berasal daripada perkataan dalam bahasa Yunani purba
iaitu theatron yang membawa maksud tempat duduk penonton atau stage. Perkataan drama
pula dikatakan berasal dari perkataan dran yang bermaksud aksi atau lakonan. Manakala
persembahan teater pula dipercayai berasal dari upacara yang berkembang
menjadi natya dengan memasukkan beberapa unsur lain seperti nyanyian, tarian dan lakonan
dalam upacara tersebut.
Mesir, Yunani dan India merupakan tempat terawal bermulanya sejarah teater dunia.
Kemunculan teater berkait rapat dengan struktur kehidupan masyrakat setempat di Mesir,
Yunani dan India. Sebagai contoh, upacara persembahan Dewata Dionysus di Greece lama-
kelamaannya bertukar menjadi pesta drama. Begitu juga dengan upacara nrtta di India yang
mengandungi unsur tarian, seterusnya berubah menjadi drama apabila dimasukkan gerak
bebas yang membentuk aksi berlambang.
Seni teater merupakan suatu karya seni yang rumit dan kompleks, sehinggakan seni ini dijolok
dengan istilah collective art atau synthetic art. Teater merupakan gabungan daripada pelbagai
cabang seni seperti tarian, lakonan, nyanyian dan sedikit unsur lawak. Dalam pada itu, seni
teater juga menggabungkan unsur-unsur audio, visual, dan kinestetik (gerak) yang meliputi
bunyi, suara, muzik, gerak, bahasa badan serta seni rupa.
Seni teater merupakan suatu gabungan seni yang dicipta oleh penulis, sutradara, penata artistik,
krew teknikal, dan seterusnya untuk diproduksikan. Sebagai seni kolektif, seni teater perlu
dilakukan dengan penuh kerjasama supaya semuanya berjalan serentak dan seirama serta
memerlukan harmonisasi dari keseluruhan krew kumpulan.
Baiklah, begitulah sedikit pengenalan tentang teater ini. Kita teruskan dengan kandungan utama
entri ni iaitu Sejarah Seni Teater Melayu di Malaysia .
Teater Melayu berkembang dalam empat generasi. Generasi pertama dalam teater Melayu
adalah bangsawan, seterusnya diikuti oleh sandiwara, kemudiannya raelisme dan akhir sekali
adalah taeter Melayu kontemporari. Setiap generasi ini mempunyai ciri yang berbeza-beza.
Namun demikian, teater bangsawan merupakan titik tolak kepada penghapusan unsur ritual
dan keagamaan dalam persembahan teater sebaliknya hanya menampilkan unsur hiburan
semata-mata. Pementasan mula berkonsepkan komersial serta menuntut aspek pengurusan
seperti iklan, gaji sewa dan promosi. Permulaan teater generasi pertama ini adalah zaman
peralihan teater tradisional kepada teater moden.
Teater bangsawan di tanah Melayu bermula pada tahun 1870-an. Sebuah rombongan seni
drama dari India yang yang dikenali dengan nama Rombongan Wayang Parsi atau Mendu telah
datang menunjukkan persembahan mereka di Pulau Pinang pada ketika itu. Setiap
persembahan yang mereka lakukan sentiasa mendapat sambutan hangat oleh penduduk
setempat.
Selain Pulau Pinang, Melaka dan Singapura juga turut menjadi tempat pengembangan budaya
lantaran lokasi Melaka dan Singapura yang stratergik sebagai tempat persinggahan pedagang
asing. Selain berdagang, mereka juga telah membawa perubahan sosial di Melaka dan Singapura
dengan memperkenalkan kebudayaan mereka. Teater merupakan satu hiburan pedagang-
pedagang yang menjadi aspirasi penduduk tempatan untuk mewujudkan satu bentuk hiburan
yang serupa.
Perkataan baangsawan dalam istilah melayu berasal dari dua perkataan iaitu perkataan
‘Bangsa’ dan ‘Wan’. ‘Bangsa’ bermaksud berkumpulan atau segolongan manusia yang sudah
bersatu sebagai satu kumpulan tertentu. ‘Wan’ pula ialah gelaran untuk orang kenamaan seperti
raja-raja dan kerabatnya. Ini merujuk kepada persembahan untuk golongan atasan serta
bersifat istimewa dan eksklusif. Namun demikian, setelah diaplikasikan keistimewaan
bangsawan ini,ia menjadi bentuk hiburan yang diminati dan dapat diterima oleh segenap
lapisan masyarakat. Teater bangsawan juga turut bertembung dengan pengaruh drama Barat,
terutamanya cerita-cerita yang dikarang oleh Shakespeare yang kemudiannya diterap dalam
drama bangsawan menjadikan drama bangsawan menjadi lebih menarik. Hal ini telah
menyebabkan munculnya istilah opera dalam seni teater melayu.
Tahun 1915 dianggap sebagai zaman kemasyuran teater bangsawan Melayu. Pengaruh opera
Barat adalah selari dengan penjajahan Barat di Timur serta kesedaran tentang pendidikan
dalam bahasa Inggeris. Namun begitu, pengertian opera dalam seni teater Melayu adalah
berbeza dengan pengertian opera Barat yang bererti pertunjukkan yang semata-mata dalam
bentuk nyanyian. Sebaliknya, opera Melayu atau teater Melayu banyak disulami dengan lagu-
lagu sedih dan gembira tetapi dialog masih penting serta lagu-lagu hanyalah sebagai selingan
dalam penceritaan dalam teater melayu.
Bangsawan juga mula menggunakan alat muzik moden seperti piano, biola dan alat-alat muzik
lain sebagai muzik iringan yang mengiringi lagu yang dinyanyikan oleh pelakon dalam sesuatu
pementasan.
Menjelang tahun 1930-an ,bidang perfileman telah memberi saingan hebat kepada
persembahan teater bangsawan di Tanah Melayu. Ramai pelakon bangsawan dipelawa untuk
membintangi filem dengan tawaran yang lebih lumayan. Dalam pada itu, pendudukan tentera
Jepun juga merupakan penyebab kepada kemerosotan teater bangsawan pada penghujung
1930-an.
Selain itu, terdapat juga faktor dalaman yang membawa kepada kemerosotan teater bangsawan
di Tanah Melayu. Antaranya ialah persembahan bangsawan itu sendiri yang terlalu bergantung
dengan pelakon utama bangsawan itu sendiri. Hal ini kerana penonton lebih memandang
kepada kecantikan dan suara pelakon utama yang membintangi sesebuah bangsawan itu. Jalan
cerita, mutu lakonan, bakat dan nilai estetika persembahan tidak begitu menjadi tumpuan
penonton. Oleh itu, hanya bangsawan yang dibintangi oleh pelakon yang mempunyai pakej
tersebut menjadi pujaan dan tontonan ramai.
Teater sandiwara mula bertapak di tanah air hasil daripada pengaruh perkembangan drama
yang dibawa masuk dari luar negara. Kedatangan teater sandiwara ke Tanah Melayu berkait
rapat dengan kedatangan kumpulan Miss Ribut sekitar tahun 1930-an. Kumpulan ini
merupakan sebuah kumpulan sandiwara yang berpengaruh di Indonesia.
Kemunculan sandiwara di Tanah Melayu juga adalah kesan daripada arus pemodenan drama
barat. Cerita yang paling popular pada ketika itu adalah drama nukilan Shakespeare.
Pendedahan karya dan teknik pementasan Barat turut memberi pengaruh kepada
perkembangan drama sandiwara.
Selain itu, Maktab Perguruan Sultan Idris yang merupakan satu-satunya pusat pengajian tinggi
orang Melayu turut memainkan peranan penting dalam merancakkan suasana drama di Tanah
Melayu. Za’ba (Zainal Abidin bin Ahmad) yang bertugas di maktab berkanaan turut memainkan
peranan yang besar. Beliau mengambil berat akan perkembangan drama tanah air. Abdul
Rahman Napiah menyimpulkan catatan Za’ba sebagai induk kesusasteraan melayu dan
kemudiannya mengemukakan teori sejatan atau saduran sekitar tahun 1924 hingga 1936.
Antara drama yang disadur dari drama tulisan Shakespeare ialah The Black Mask yang
dipersembahkan di Tanah Melayu dengan nama Topeng Hitam dengan menggunakan bahasa
Melayu.
Generasi ketiga – Realisme
Drama Malaysia mula menerima pengaruh realistik terutamanyaoleh arus yang dibawa oleh
perkembangan drama di Indonesia. Pengaruh ini muncul selari dengan unsur perbandaran di
Eropah sekitar abad ke-19. Ini ditambah lagi dengan kepesatan pendidikan dan seterusnya
banyak melahirkan penulis-penulis elit yang mempelopori seni teater di Eropah.
Sebelum kemunculan teater realisik, seni teater Eropah ikuasai oleh lakonan yang bergaya iaitu
unsur melebih-lebihkan gerakan badan, emosi serta peristiwa yang ajaib semasa pementasan.
Ciri ini dikenali sebagai melodrama.
Kemunculan ilmu saintifik seperti sosiologi, antropologi dan psikologi turut membawa
perubahan terhadap persepsi dan gaya penghasilan drama. Tafsiran dan pembaharuan mula
dibuat dan drama dijadikan sebagai lambang kehidupan yang nyata. Pada ketika itulah drama
realistik mula menguasai drama di dunia iaitu sekitar tahun 1920-an.
Di Malaysia, teater ini merupakan tahap kedua dalam arus pembaharuan seni teater Melayu.
Bentuk teater ini menjadi asas sama seperti pada zaman teater sandiwara juga. Ciri-ciri asas ini
adalah seperti sebuah pementasan yang mengambil masa antara satu hingga tiga jam. Konsep
bersiri atau berepisod seperti drama bangsawan tidak lagi wujud.
Dialog juga memainakan peranan penting dalam menimbulkan unsur dramatic serta sebagai
penggerak cerita. Penulis biasanya menggunakan bahasa mudah, bahasa pertuturan harian
dengan tujuan untuk memudahkan audiens memahami watak serta jalan cerita sebuah
pementasan. Bahasa dan puisi tidak lagi digunakan , sebaliknya terdapat sedikit bahasa
simbolik yang tidak terlalu abstrak dan tidak begittu personal. Drama aliran realisme umumnya
memaparkan mesej yang serius.
Teater ini juga dikenali sebagai teater experimental yang bermula pada tahun 1970-an.
Perkembangan teater ini merujuk kepada keinginan dan kecenderungan penulis-penulis muda
meneroka imaginasi, menjelajahi bentuk teater barat, mencipta sesuatu yang baru dan mencari
sumber budaya asli.
Teater kontemporari mengutarakan beberapa ciri teater lama yang diubahsuai kepada bentuk
baharu. Pengaruh teater kontemporari Melayu sebenarnya adalah pengaruh perkembangan
teater kontemporari Barat yang sedang menular ke negara-negara timur.
Drama seharusnya membentuk plot yang mempunyai awalan, pertengahan dan
pengakhirannya. Suatu situasi cerita dikembangkan oleh aksi tertentu dan situasi yang
dirasakan benar-benar perlu sahaja.
Watak yang ditonjolkan dalam drama kontemporari tidak berkembang seperti struktur cerita
realisme. Situasi ini menyebabkan konsep heroism seolah-olah terhapus. Peranan watak utama
menjadi samar-samar seperti dalam drama realisme sebelumnya.
Dialog dalam drama kontemporari adalah bersifat asumi. Sifat ini mengelirukan dan bertujuan
untuk menerangkan peranan watak atau situasi dalam sesebuah cerita. Dialog ini merupakan
permainan kata-kata, berunsurkan lirik, lebih puitis, dan bicara unik yang dikombinasikan
dengan gaya prosa formal. Hal ini telah melahirkan satu stail baharu.
Hmm, itulah sedikit sebanyak perkongsian dari saya. Semoga ia membantu dan memberi
pengetahuan kepada anda semua. Ingatlah kata pepatah, "biar mati anak, jangan mati anak" .
Peliharalah kebudayaan dan kesenian kita ini. Kalau bukan kita, siapa lagi? *_^
Bibliografi :
Kamaluddin Abd. Rahman. (2007). Teater Melayu Suatu Risalah Pemikiran Melayu. Kuala Lumpur:
Dewan Bahasa Dan Pustaka.
AKTIVITI-AKTIVITI TEATER
Seperti yang kita ketahui, teater dalam pendidikan adalah pengintergrasian seni dan
aktiviti-aktiviti teater untuk menyampaikan pendidikan. Melalui pengintergrasian ini, murid
akan dapat mengenal diri mereka dengan lebih jelas, mengenal ruang dan persekitaran,
memahami rakan serta dapat meningkatkan keupayaan mereka dalam pelbagai aspek. Untuk
tujuan itu, guru perlulah bijak memilih dan menggunakan aktiviti teater yang bersesuaian demi
mencapai objektif pembelajaran yang telah dirancang. Antara aktiviti teater yang boleh
digunakan oleh guru untuk tujuan tersebut adalah seperti berikut :
1. Improvisasi
Menurut Brain Way (1967:183) dalam Modul Elektif PSE3013 Teater Dalam
Pendidikan (2013:10), improvisasi adalah aktiviti drama tanpa skrip. Beliau menerangkan
improvisasi sebagai aktiviti drama yang ringkas tanpa menggunakan skrip dan tidak
bergantung pada kebolehan membaca dan menghafal skrip. Dalam proses pendidikan, aktiviti
improvisasi dilakukan berdasarkan pelbagai sumber tertentu sama ada daripada idea murid,
arahan guru ataupun sumber-sumber lain seperti kurikulum.
Dalam pada itu, Ruth Beall Heinig turut bersependapat dengan Brain Way dalam
memperkatakan tentang improvisasi. Menurutnya, improvisasi adalah aktiviti drama yang
dihasilkan secara spontan melalui sesuatu situasi yang dirancang (Ruth Beall Heinig,
1993:184 dalam Modul Elektif PSE3013 Teater Dalam Pendidikan, 2013:10).
Secara ringkasnya, improvisasi boleh kita fahami sebagai sebuah aktiviti teater atau
drama yang dijalankan tanpa menggunakan skrip dan dilakukan secara spontan. Aktiviti
improvisasi sangat sesuai dan berkesan digunakan dalam sesi pengajaran kerana melalui
aktiviti ini guru akan dapat merangsang kanak-kanak untuk berinteraksi secara spontan
berdasarkan situasi yang dicipta oleh guru. Dengan ini, murid akan menjadi lebih kreatif dalam
menjana idea dan dapat meningkatkan daya imaginasi dalam menyelesaikan masalah
pembelajaran selaras dengan matlamat Pelan Pembangunan Pendidikan Malaysia 2013-
2025 yang menghasratkan murid memiliki kemahiran berfikir aras tinggi.
Disamping itu, melalui aktiviti improvisasi guru juga dapat melatih kemahiran bertutur
murid dengan lebih optimum, iaitu secara natural dan bersahaja. Hal ini kerana, aktiviti
improvisasi melibatkan latihan verbal disamping aktiviti pergerakan yang bersesuaian dengan
situasi selaras dengan pendapat David A. Male (1973:30) yang mengatakan improvisasi
sebagai aktiviti yang berkait rapat dengan latihan verbal dan aktiviti pergerakan.
2. Simulasi
Tuntasnya, dalam aktiviti simulasi ini murid akan menjalankan pembelajaran dengan
cara melakonkan sesuatu situasi seakan-seakan mereka benar-benar dalam situasi tersebut.
Melalui aktiviti seperti ini, murid akan dapat menyelesaikan masalah yang ditimbulkan oleh
guru dalam situasi yang telah ditentukan. Dengan ini, jelaslah bahawa aktiviti simulasi
merupakan sebuah aktiviti yang amat sesuai digunakan dalam pembelajaran.
3. Main Peranan
Main peranan bermaksud melakonkan sesuatu situasi atau masalah atau peristiwa
yang dianggap penting (Tuan Jah Tuan Yusof et al, 2011:58). Dalam aktiviti ini murid diberi
peranan dan menjalankan peranan tersebut dalam suatu situasi yang telah ditetapkan. Aktiviti
ini tidak memerlukan hafalan skrip, sebaliknya murid perlu menjelaskan situasi kepada murid-
murid lain, dan murid-murid lain itu pula akan mempraktikkan peranan murid yang
menjelaskan situasi itu tadi secara spontan.
Ringkasnya, aktiviti main peranan amat sesuai dijalankan di dalam bilik darjah kerana
ini akan melatih untuk peka terhadap peranan diri masing-masing, sekali gus melahirkan
murid yang bertanggungjawab terhadap tugas dan peranan sebagai seorang murid.
Bercerita tanpa alat adalah cara bercerita yang konvensional dan masih lagi popular
dalam kalangan pencerita hari ini. Penceritaan diadakan secara bersahaja dengan intonasi,
nada dan mimik muka atau ekspresi yang menarik serta tidak formal dan ini akan membuatkan
audien berasa lebih selesa dan santai.
Dalam konteks bilik darjah pula, aktiviti ini sesuai dijalankan kerana dari segi
penyampaiannya adalah lebih mudah berbanding aktiviti-aktiviti lain kerana aktiviti ini bersifat
santai dan bersahaja. Aktiviti ini menekankan pembelajaran secara didik hibur yang mana
lebih menyeronokkan dan tidak memberi tekanan kepada murid. Dari segi bahannya pula,
guru hanya perlu menyediakan cerita yang sesuai serta menyampaikannya dalam gaya yang
mudah difahami dengan menggunakan sebutan dan intonasi yang betul tetapi menghibur.
Dengan ini murid akan lebih fokus dan terhibur semasa mengikuti sesi pembelajaran.
Bercerita dengan alat merupakan satu aktiviti bercerita yang selalu digunakan untuk
mengajarkan kemahiran berbahasa kepada murid. Aktiviti bercerita menggunakan alat sangat
berkesan kerana aktiviti ini mampu menarik minat murid untuk menumpukan perhatian
kepada penyampaian guru. Penggunaan pelbagai alat semasa bercerita mampu
meningkatkan kefahaman dan penghayatan murid terhadap sesuatu isi pelajaran kerana
dengan melihat kepada alat yang digunakan, murid akan menjadi lebih fokus dan dapat
membayangkan dengan jelas isi cerita yang disampaikan oleh guru. Antara alat yang boleh
digunakan untuk aktiviti ini adalah seperti gambar, garisan, benang, tali, sapu tangan dan
kertas.
6. Teater Pembaca
Teater pembaca adalah aktiviti teater yang memberi penekanan kepada bacaan
mekanis dan melibatkan pembaca membaca secara individu berdasarkan skrip pendek yang
disediakan. Teater pembaca tidak melibatkan set dan prop yang berat serta ruang yang luas
untuk persembahan, sebaliknya audien atau penonton hanya dibiarkan membayangkan
babak dan aksi daripada suara dan gerak isyarat yang simbolik daripada pembaca.
7. Teater Bercerita
Teater bercerita ialah aktiviti teater yang bersifat naratif yang mudah dilakonkan
dengan melibatkan seorang watak pencerita dan beberapa orang pelakon yang beraksi
mengikut watak dan arahan dalam cerita. Untuk aktiviti ini, murid tidak perlu menghafal dialog
dan aksi-aksi hanya dilakukan mengikut cerita yang disampaikan pencerita. Dalam bahasa
mudahnya, hanya pencerita sahaja yang perlu menghayati cerita manakala mereka yang
melakonkan watak bebas melakukan aksi secara spontan tetapi berpandukan cerita daripada
pencerita.
8. Boneka
Istilah boneka dikatakan muncul daripada Portugis, iaitu boneca yang membawa
maksud patung permainan. Boneka ialah benda bukan hidup atau figura yang menyerupai
manusia, haiwan atau apa-apa jenis benda lain yang dianimasikan atau dimanipulasi oleh
pencerita untuk dipersembahkan dalam teater, filem atau televisyen.
Dalam aktiviti teater boneka, boneka digunakan sebagai alat dan dianimasikan bagi
menggambarkan jalan cerita dan mesej yang mahu disampaikan. Antara jenis boneka yang
selalu digunakan dalam aktiviti teater adalah boneka jari wajah, boneka tangan, boneka lidi,
boneka kayu, boneka bertali, dan wayang kulit.
Tetamu dalam aksi adalah aktiviti pembelajaran yang menampilkan seseorang tetamu
untuk bercerita tentang diri, kejayaan dan pengalaman tertentu yang menarik untuk
dibicarakan. Tetamu boleh terdiri daripada model atau idola yang menjadi ikon atau contoh
kepada murid atau dalam konteks yang lebih besar ikon kepada masyarakat. Aktiviti tetamu
dalam aksi ini biasanya dilakukan dengan mengadakan dialog atau temu ramah bersama
tetamu yang dijemput itu. Hal ini adalah untuk merangsang pemikiran murid untuk melahirkan
idea untuk membina dialog, mengumpul serta menyampaikan maklumat yang didengar,
membina cerita atau menghasilkan karangan tentang tetamu yang dijemput.
Jenis-jenis Teater
Seni teater merupakan suatu karya seni yang rumit dan kompleks sehingga dianggap sebagai
seni kolektif yang mana menggabungkan pelbagai cabang seni seperti tarian, lakonan,
nyanyian, unsur jenaka, audio, visual, dan kinestetik yang meliputi bunyi, suara, muzik, gerak,
bahasa badan serta seni rupa. Gabungan daripada pelbagai cabang seni inilah yang menjadi
rencah utama kepada sesebuah persembahan teater. Gabungan cabang-cabang seni ini jika
dicerakinkan, maka kita akan dapat melihat sub-sub kecil sesebuah teater. Sub-sub inilah
yang kita gelarkan sebagai jenis-jenis teater. Antara jenis-jenis yang biasa kita dengar adalah
seperti berikut :
1. Teater Muzikal
Teater muzikal merupakan sejenis teater yang menggabungkan seni nyanyian, seni
tarian dan seni gerak. Teater muzikal menekankan unsur seperi muzik, nyanyian dan gerak
berdasarkan dialog yang dibawa oleh pelakonnya. Dalam teater ini, pelakon bukan hanya
perlu menghayati dialog atau lirik yang diungkapkan, sebaliknya perlu memastikan lirik atau
dialog itu selaras dengan melodi, lagu,emosi dan gerak tari.
2. Teater Gerak
Teater gerak adalah sejenis persembahan teater yang menekankan unsur gerak,
ekspresi wajah dan gerak tubuh pelakonnya. Pengucapan dialog atau skrip dalam teater gerak
sangat terhad dan ada kalanya tidak digunakan langsung. Pentomin merupakan contoh teater
gerak yang sangat jelas. Dalam persembahan pentomin, pelakon bebas mengekspresikan
gerakan dan mimik muka bagi menyampaikan makna atau mesej cerita. Dalam erti kata
lainnya, mesej atau jalan cerita yang hendak ditampilkan semuanya dilakukan dalam bentuk
gerakan tanpa menggunakan skrip atau dialog. Apa yang penting dalam persembahan teater
gerak adalah gerakan dan ekspresi wajah para pelakonnya kerana itulah kekuatan teater
gerak.
3. Teater Dramatik
Secara mudahnya, teater dramatik adalah teater yang menekankan unsur aksi dalam
persembahannya. Sesuatu babak akan sedaya upaya ditonjolkan secara dramatik bagi
memberi kesan kepada penonton dan supaya aksi itu kelihatan nyata atau real.
Tuntasnya, teater puisi adalah medium untuk penulis atau pengarang puisi untuk
menterjemahkan makna bait-baik puisinya ke dalam bentuk laku aksi dan tata artistik untuk
tujuan dipertontonkan. Dalam bahasa mudahnya, teater ini umpama kita menonton video klip
lagu, memahami dan menghubungkait lirik dengan gerak laku.
TEATER DAN SEJARAHNYA ; dibalik arti hingga
Yunani Kuno
Asal, Arti,dan Makna Teater
Hampir setiap orang di sekitar kita pernah mendengar istilah kata teater, bahkan sebuah
fasilitas media hiburan pun yang berupa televisi Flat ukuran besar dengan seperangkat audionya
disebut Home theater, Gedung bioskop pun disebut teater, gedung tempat pertunjukan musik, tarian,
juga drama disebut teater jadi sebenarnya apa itu teater? Akan coba saya jelaskan secara singkat
dan alakadarnya Dengan sumber dan pengetahuan sedikit yang saya miliki seputar arti, makna, dan
sejarah teater.
Asal penamaan teater bermula pada zaman Yunani kuno, tak aneh jika memang asal kata
teater muncul di disuatu bangsa pencetus ilmu pengetahuan, bangsa para filosof, namun itu hanya
dalam wilayah kata, bukan asal mula teaternya, dilihat dari teori sejarah pun asal muasal teater
berawal sejak jaman primitive jauh sebelum zaman Yunani kuno. Kembali ke penamaan kata, teater
yang sebenarnya berasal dari kata theatron, kata Yunani yang artinya seeing place atau tempat
tontonan. Jadi bioskop, atau gedung pertunjukan disebut teater oleh masyarakat tertentu itu adalah
adaptasi kata dari theatron sendiri, jadi saat ini kata teater masih digunakan sebagai tempat
berlangsungnya suatu pementasan atau pertunjukan. Sekarang ini pemaknaan dari teater pun
semakin melebur, semakin luas dalam sebuah karya seni, dan bahkan dapat menunjukan sebuah
kejadian atau peristiwa dalam masyarakat, maka dengan istilah teater , kita mampu mengetahui
seluruh warisan budaya drama, sastra drama, bahkan beberapa bentuk jenis pertunjukan
seperti mime, pantomime, kabaret, wayang kulit, wayang golek, dan kesenian-kesenian lainnya yang
berhubungan dengan pertunjukan. Itulah asal dari kata dan pemaknaan tentang teater secara garis
besarnya
Sebelum membahas langsung kepada teater jaman Yunani kuno, saya akan mengulas dahulu
tentang teori asal mula teater atau drama. (1) Benih teater itu salah satunya berasal dari upacara
agama primitive, upacara yang biasanya bersifat mistis dengan penghayatan dan keseriusannya
sebagai bentuk sesembahan kepada dewa, roh, atau penguasa alam. Dan upacara semacam itu
biasanya menambahkan unsur cerita yang akhirnya berkembang menjadi sebuah pertunjukan. (2)
Berasal dari nyanyian untuk memnghormati seseorang yang dianggap berjasa. Dalam nyanyiannya
bercerita kisah riwayat hidup seseorang yang meninggal dan jasa-jasanya, yang lama kelamaan
nyanyian tersebut diiringi sebuah peragaan teaterikal. (3)berasal dari kesukaan manusia bercerita,
dan mendengarkan cerita, dan hal yang diceritakan itu dikembangkan menjadi sebuah pertunjukan
(seperti kepahlawanan, perang, legenda dll)
Perkembangan drama sekarang ini berawal dari Yunani Purba seperti yang sudah dijelaskan
sebelumnya. Sekitar tahun 600 SM ada festival untuk menghormati dewa Dyonysius yaitu dewa
anggur dan kesuburan. Festival tersebut berbentuk festifal tarian dan nyanyian, kemudian mereka
menyelenggarakan sayembara pertunjukan dimana ada tarian, nyanyian yang didasarkan pada
sebuah cerita, secara historis itu menjadi sayembara drama pertama. Sayembara biasa dilakukan di
Athena dan pertunjukan yang dibawakan adalah drama tragedy. Pemenang sayembara pertama kali
itu ialah Thespis seorang actor dan penulis tragedi yang pertama dikenal di dunia. Thespis
sebenarnya merupakan tokoh historis tetapi oleh masyarakat Yunani Kuno dijadikan legenda, dan
segala seuatu tentang drama dinyatakan sebagai penemuan Thespis, maka kerena itu para actor
pertunjukan disaat itu disebut Thespian.
Perkembangan drama Yunani mengalami puncaknya sekitar tahun 400 SM . drama masih
diperuntukan sebagai bagian dari upacara agama. Upacaranya terbuka untuk umum . tempat
pertunjukan yag terkenal di Athena adalah teater Dyonysius, yang terletak disamping bawah bukit
Acropolis, yaitu pusat kuil di Athena.
Pada saat itu penulis drama biasa memainkan naskahnya sendiri, jadi seorang actor
sekaligus seorang penulis naskah cerita. Dari begitu banyaknya naskah drama Yunani kuno kurang
lebih hanya tigapuluh naskah yang ada sampai sekarang ini. Dan naskah-naskah itu ditulis oleh
penulis-penulis terkenal dizamannya seperti Aeskilos, Sophokles dan Euripedes (ketiga tokoh drama
ini spesialis Tragedi), Aristhopanes (Komedi), dan Menander (komedi).
Pada akhir Tahun 400-an SM festival drama Dyonysius, tidak melulu drama tragedy malah
sang actor peserta festival harus menyuguhkan 3 tragedi dan 1 Satyr. Satyr ini dimaksudkan sebagai
komedi ringan dan pendek yang jenaka dan parody terhadap mitologi. Arti Satyr sendiri adalah
makhluk mitologi yang setengah manusia setengah binatang dan para koor drama Satyir biasanya
memerankan para Satyr sang makhluk dongeng. Hanya ada satu naskah satyr yang selamat yakni
Naskah Euripedes, yang berjudul Cyclop.
Pada tahun 300-an SM Komedi muncul, Komedi berasal dari kata Komodia yang maknanya
membuat gembira. Dalam komedi pelaku utama biasanya memerankan tokoh sebagai pembawa ide
gembira, misalnya pembawa pesan damai untuk mengakhiri perang, seluruh cerita naskah drama
pada saat itu berakhir menggembirakan. Karena saat itu tidak ada atau tidak boleh ada percampuran
jenis cerita drama antara komedi dan tragedi (karena pertunjukan tragedy bermula dari perayaan
upacara keagamaan) Biasanya setelah pertunjukan komedi, acara dilanjutkan dengan Komos yakni
keluar arena pertunjukan dan mengadakan pesta dengan penuh kegembiraan. Itu sekilas ulasan
tentang sejarah teater pada zaman Yunani kuno. Dan setelah itu beralih ke Zaman Romawi yang
mungkin akan saya ulas di tulisan berikutnya.
Semoga tulisan ini bermanfaat bagi para pembaca, dan mohon memaklumi jika ada kesalaah
penulisan dari penempatan kata atau bahasa yang kurang ideal dan proposional.
Beberapa penciptaan karya drama/teater yang juga dapat dilibatkan sebagai ‘gerakan dalam
penciptaan karya drama/teater’ adalah: 1) gerakan dalam penciptaan karya-karya drama romantik
dengan gagasan “Strum und Drang’ dan; 2) gerakan dalam penciptaan karya-karya teater Vsevolod
Meyerhold dengan ide penciptaan akting ‘biomekanik’.
B. Pengertian-Pengertian
Teater Kekejaman adalah jenis karya teater modern garda-depan (avant-garde) atau kontemporer
yang bersifat surrealis yang dibuat berdasarkan aturan-aturan penciptaan karya-karya Teater
Kekejaman yang dikemukakan oleh Antonin Artaud (1896-1948), seorang penyair, penulis lakon dan
aktor (yang pada akhirnya menjadi gila) dalam bukunya yang berjudul “Theatre and its Double”.
Teater ini merupakan teater yang sarat menyuguhkan spektakel-spektakel yang dianggap Artaud
sebagai unsur yang paling utama karya-karya yang disebut sebagai ‘karya-karya teater’.
Bahwa metafisika, tindakan-tindakan transedental dan hal-hal yang irasional harus masuk kembali
dalam jiwa/pikiran kita agar kita mampu mengatasi kemerosotan ahklak kita. Kekejaman menurut
Artaud, tidak menunjuk dalam kesadisan atau yang menyebabkan sakit; tetapi lebih menunjuk pada
kekerasan-kekerasan fisikal yang menegangkan yang umumnya dilakukan manusia, tetapi yang tidak
mau diakui dilakukan manusia, apalagi dipertunjukkan secara terbuka oleh manusia waras.
Artaud menciptakan karya-karya Teater Kekejaman karena menurutnya, ingatan dan persepsi-
persepsi manusia modern, sudah tercemar dengan kedustaan realita-realita palsu (akibat adanya
internalisasi-internalisasi psikologis dalam masa pembentukan kepribadian kita); kedustaan-
kedustaan mana mengakibatkan manusia modern sulit hidup secara baik dan menyenangkan; dan
bahwa kedustaan-kedustaan itu harus dibersihkan dari ingatan dan persepsi manusia modern (yang
ingin disucikan/dikatharsiskan) dengan cara menonton karya-karya Teater Kekejaman.
Teater Kekejaman adalah teater yang mengekspresikan gesture, gerak-gerik teatrikal, spektakel dan
teater yang menyuguhkan pemikiran-pemikiran. Artaud tidak menyukai kata-kata karena menurutnya
kata-kata telah menjadi tiran yang membatasi kemampuan-kemampuan manusia untuk tiba pada
kesimpulan-kesimpulan objektif dan individualnya.
Teater Kekejaman dianggap sebagai wahana yang dapat membumikan kembali manusia-manusia
modern yang sudah tercemar dengan peradaban-peradaban yang mengakibatkan manusia-manusia
modern menjadi mahkluk-mahkluk yang sakit.
Meskipun Teater Kekejaman dianggap Stephen Barber, kurang jelas dan ‘teater yang tidak mungkin’
(karena melihat manusia lain melalui diri mereka yang mungkin sakit), banyak teaterawan lain yang
menganggap mereka pengikut Artaud. Teaterawan-teaterawan dimaksud adalah Jerzy Grotowski,
Peter Brook dan Richard Schechner.
Teater Epik
(Epic Theatre)
Sebagaimana yang telah dikemukakan, gerakan dalam penciptaan Teater Epik (Epic Theatre) adalah
gerakan yang pada awalnya, dipelopori keberadaannya oleh beberapa praktisi teater seperti Erwin
Picastor, Vladimir Myakovsky, Vsevolod Meyerhold dan terutama yang paling terkenal adalah Eugene
Bertolt Brecht mulai dari permulaan abad ke 20 sampai pertengahan abad yang sama.
Karya-karya drama/teater yang diciptakan berdasarkan gerakan penciptaan karya drama/teater ini
tergolong sebagai karya-karya teater modern yang umumnya dibuat berdasarkan pada naskah-
naskah lakon tertulis.
Gerakan dalam penciptaan karya-karya teater epik merupakan gerakan reaksi dalam
menandingi/menentang penciptaan karya-karya drama/teater naturalistik yang dipelopori oleh para
pencipta drama/teater naturalistik, dan terutama oleh Constantin Stanislavski yang dianggap
senantiasa mendangkalkan spektakel, memanipulasi plot, berusaha menggiring penonton ke dunia
eskapisme fiksi drama/teater, dan seperti cenderung mengagitasi munculnya emosi-emosi
melodramatik penonton.
Selain itu, gerakan ini pun dianggap sebagai gerakan reaksioner atas munculnya gerakan penciptaan
karya-karya teater surrealis dan Teater Kekejaman yang—oleh para pemuncul gerakan ini, terutama
Brecht—dianggap sebagai gerakan dalam penciptaan karya-karya teater yang cenderung
mengakibatkan munculnya irasionalitas penonton.
Karya-karya yang diciptakan berdasarkan prinsip-prinsip penciptaan karya-karya ini adalah karya-
karya yang: 1) umumnya mengetengahkan cerita-cerita mengsejarah atau mencerita-rakyat dengan
pola penceritaan mengepisodik dan tema-tema mengsosial politik, sosial ekonomi dan lain-lain; 2)
dibuat dengan adanya kesengajaan agar pada waktu-waktu tertentu, penonton sadar bahwa yang
ditontonnya, hanya semata-mata karya drama/teater yang tidak sungguh-sungguh terjadi, atau dibuat
dengan—pada waktu-waktu tertentu, muncul—peristiwa-peristiwa tertentu yang—oleh Brecht—
disebut sebagai ‘allienation effect’ atau ‘a affect’; sehingga—pada gilirannya—penonton kehilangan
kesinambungan keterlibatan imajinatif dan emosional (atau ilusi-dramatik) terhadap karya yang
ditonton; dan—pada waktu-waktu kemudian—terlibat secara intelektual dan kritis terhadap realitas
karya yang ditonton; 3) dibuat dengan adanya tujuan mengagitasi masyarakat penonton agar
terjerumus dalam proses dialektika untuk menemukan kebenaran yang tepat untuk diterapkan dalam
kehidupan-kehidupan bermasyarakat, berbangsa atau bernegara; dan terdorong untuk menerapkan
yang ditemukannya sebagai kebenaran dalam peri kehidupannya sehari-hari.
Teater Absurd
Karya-karya Teater Absurd adalah karya-karya yang diciptakan berdasarkan naskah-naskah lakon
ciptaan dramawan-dramawan Teater Absurd seperti Albert Camus, Samuel Beckett, Eugène Ionesco,
Harold Pinter, Jean Paul Sartre, Jean Genet, dan lain-lain. Menurut Martin Esslin, karya-karya ini
pada dasarnya merupakan karya-karya yang mengungkapkan situasi-situasi jiwa yang paling akhir
yang dialami oleh orang-orang Barat (ketika mereka telah mengalami kemajuan-kemajuan yang
begitu berarti dalam bidang kebudayaan), dan umumnya menceritakan keabsurditasan-
keabsurditasan manusia karena misalnya kehilangan rasa kemanusiaan, individualitas, tujuan-hidup
dan lain-lain.
Teater Absurd adalah teater yang secara total, lirikal yang memunculkan adegan-adegan abstrak
yang kebanyakan di antaranya merupakan modifikasi dari berbagai pertunjukan teater populer seperti
mime, balet, akrobat, dan aksi para badut dalam pertunjukan music-hall dan film-film bisu.
Teater ini oleh sebagian besar pengamat, dianggap muncul sebagai respons traumatik akan horor
yang terjadi dalam Perang Dunia Ke 2 yang secara total mempertunjukkan ketidakpermanenan suatu
nilai, ketidaksahihan suatu konvensi dan ketidakberartian manusia dalam hidupnya.
Teater ini juga dianggap muncul sebagai reaksi atas hilangnya dimensi religiusitas dari kehidupan
manusia modern; dan muncul sebagai upaya untuk memugar mitos dan ritual dalam kehidupan di
jaman modern dengan cara mendorong manusia agar sadar mengenai kenyataan terakhir kehidupan
mereka (bahwa mereka telah kehilangan kekaguman-kekaguman akan kosmos dan seringkali
terbenam dalam banyak kesedihan mendalam).
Tujuan dari penghadiran teater-teater ini adalah agar penonton tersentak keluar dari eksistensi yang
membuat mereka menjadi basi, mekanis (dengan kebiasaan hidup modern sehari-hari) dan
cenderung berpuas-diri. Para penonton dalam pandangan kaum absurdis perlu mengalami
pengalaman-pengalaman mistikal dengan cara menonton karya-karya Teater Absurd.
Teater Absurd merupakan teater tidak konvensional, cenderung surrealis, tidak logis, miskin konflik
dan miskin plot dengan dialog-dialog yang cenderung berbelat-belit dan sulit dipahami.
Teater ini pada dasarnya merupakan teater yang merepresentasikan ketidakpercayaan kaum
absurdis akan bahasa sebagai alat komunikasi. Bahasa dalam pandangan kaum absurdis
merupakan wahana pengkonvensionalan, pengstereotipikalan dan ketidakmampuan membuat
pengertian. Kata-kata dalam pandangan kaum absurdis, gagal untuk mengekspresikan hakikat dari
pengalaman-pengalaman sebenarnya umat-manusia; dan kaum absurdis mempergunakan kata-kata
untuk menghadirkan dialog-dialog konvensional yang klise, mengslogan, mengjargon, memparodi
dan lain-lain untuk menonjolkan keabsurditasan manusia dalam mempergunakan kata-kata/bahasa
dalam kehidupan modern mereka; dan mendorong manusia agar mampu berkomunikasi secara
otentik.
Teater Absurd adalah teater yang cenderung mempermainkan logika karena kaum absurdis adalah
kaum yang anti-rasional yang benci kemunafikan. Teater ini adalah teater dengan kecenderungan
tidak ada konflik dramatik, penuh dengan pernyataan-pernyataan lirikal; dan dalam penciptaannya,
kaum absurdis cenderung memunculkan pengalaman-pengalaman arketipal dari situasi-situasi hidup
manusia dalam komunikasi-komunikasi atmosferikal.
Teater Kehidupan
(Living Theatre)
Teater Kehidupan (The Living Theatre) Julian Beck (seorang pelukis abstrak-ekspresionis dan
penyair) dan Judith Malina (seorang aktris) adalah sejenis teater eksperimental yang merupakan
kombinasi dari berbagai macam seni seperti musik, tari, lukisan dan lain-lain yang diciptakan dengan
maksud mendorong para dramawan untuk menciptakan karya-karya drama puitik dengan cara
menyediakan bagi para dramawan itu, sebuah pentas di mana lakon-lakon dari karya-karya semacam
ini dapat diciptakan. Teater ini mulai dipertunjukkan pada akhir dekade 1950-an (tahun 1947) dan
berakhir pada tahun 1969.
Teater Miskin
Teater Miskin (The Poor Theatre) Jerzy Grotowski adalah sejenis teater di mana: 1) karya ini
diciptakan hanya untuk mempertunjukkan laku-laku manusia dengan tidak adanya bantuan penataan-
penataan setting, cahaya, busana, rias, properti dan lain-lain; 2) pemain teater dianggap dan
diperlakukan sebagai pembuat pertunjukan (performer) yang paling utama dan yang berfungsi
sebagai penampil laku-laku yang dibangun berdasarkan teknik-teknik pemeranan yang menuntut
adanya pembebasan jiwa dan raga pemain secara utuh; dan 3) penonton dikondisikan (melalui
penataan pentas dan auditorium) untuk dapat terlibat secara langsung sebagai pemain dalam karya
yang sedang dipertunjukkan.
Teater Kesukacitaan
(Joyous Theatre)
Teater Kesukacitaan (The Joyous Theatre) atau yang disebut Brook sebagai “The Immediate
Theatre” adalah teater dengan sifat-sifat gabungan antara sifat-sifat teater rakyat-jelata (The Rough
Theatre) yang umumnya kotor, kasar, vulgar dan cabul dengan sifat-sifat teater ritual (The Holy
Theatre) yang umumnya magis. Teater semacam ini dalam pandangan Brook adalah teater-teater
yang perlu diciptakan di dunia dewasa ini. Akan tetapi teater-teater semacam ini, menurut Brook,
hanya mungkin diciptakan sekali waktu karena untuk waktu-waktu berikutnya, teater-teater semacam
ini hanya mungkin menjadi Teater Kematian (The Deadly Theatre) yang—secara negatif—dianggap
Brook sebagai “teater pelacuran”.
Teater Terbuka
(Open Theatre)
Teater Terbuka (The Open Theatre) adalah sejenis teater abstraktif yang diciptakan secara
eksploratif dan kolaboratif oleh sekelompok aktor, musisi, pengarang, sutradara dan para penata
yang lain untuk mengabstraksikan dalam rupa imaji-imaji teatrikal dan ekspresi-ekspresi fisikal,
emosi-emosi ketakutan dan frustrasi-frustrasi eksistensial yang biasa hadir dalam kehidupan manusia
sehari-hari.
Disebut “teater eksperimental” karena teater semacam ini adalah teater yang tidak pernah menetap
dalam bentuk dan gaya keberadaannya.
[1] Istilah “avant-garde” adalah istilah yang muncul untuk menamai suatu gerakan dalam bidang
pemikiran dan penciptaan karya-seni yang bersifat modern, eksperimental (coba-coba, tentatif atau
tidak menetap) dan inovatif. Dalam dunia penciptaan karya-seni, istilah ini umumnya dipergunakan
untuk menamai karya-karya yang diciptakan berdasarkan gagasan suatu gerakan yang beranggapan
bahwa “seni diciptakan hanya untuk seni itu sendiri” (art for art’s sake), (Avant-Garde, 2 April 2009).
[1] Istilah “teater baru” adalah istilah lain yang dipergunakan Yudiaryani (2002: 189–190) untuk
menamai “teater garda depan”.
[1] Istilah “teater revolusioner” dan “teater protes” merupakan dua istilah lain yang dipergunakan
Pickering (1975:82) untuk menamai “teater kontemporer”.
v Reanissance
Abad 17 memberi sumbangan yang sangat berarti bagi kebudayaan Barat. Sejarah abad 15 dan 16
ditentukan oleh penemuan-penemuan penting yaitu mesin, kompas, dan mesin cetak. Semangat baru
muncul untuk menyelidiki kebudayaan Yunani dan Romawi klasik. Semangat ini disebut
semangat Reanissance yang berasal dari kata renaitre yang berarti kelahiran kembali manusia
untuk mendapatkan semangat hidup baru. Gerakan yang menyelidiki semangat ini disebut
gerakan Humanisme.
Pusat-pusat aktivitas teater di Italia adalah istana-istana dan akademi. Di gedung-gedung teater milik
para bangsawan inilah dipentaskan naskah-naskah yang meniru drama-drama klasik. Para aktor
kebanyakan pegawai-pegawai istana dan pertunjukan diselenggarakan dalam pesta-pesta istana.
Ada 3 jenis drama yang dikembangkan, yaitu : Tragedi, Komedi dan Pastoral ataun drama yang
membawakan kisah-kisah percintaan antara dewa-dewa dengan para gembala di daerah pedesaan.
Namun nilai seni ketiganya masih rendah. Meskipun demikian gerakan mereka memiliki arti penting
karena mulailah Eropa mengenal drama yang jelas struktur bentuknya.
Ciri-ciri teater jaman Reanissance
Naskah lakon yang dipertunjukan meniru teater zaman Yunani klasik.
Cerita bertema Mitologi atau kehidupan sehari-hari
Tata buasana dan seting yang dipergunakan sangat inofatif.
Pelaksanaan bentuk teater diatur oleh kerajaan maupun universitas sehingga moral pengetahuan
perspektif dan Fagade Roma.
Menggunakan panggung prosenium yaitu bentuk panggung yang memisahkan area panggung
dengan penonton.
Pada zaman ini juga melahirkan satu bentu teater yang disebut Commedia Dell’arte. Merupakan
bentuk teater rakyat Italia yang berkembang di luar lingkungan istana dan akademisi. Pada tahun
1575 bentuk ini sudah populer di Italia. Kemudian menyebar luas di Eropa dan mempengaruhi semua
bentuk komedi yang diciptakan pada tahun 1600. Ciri Khas Commedia Dell’arte adalah:
Para pemain dibebaskan berimprovisasi mengikuti jalannya cerita dan dituntut memilikik
pengetahuan luas yang dapat mendukung permainan improvisasinya.
Menggunakan naskah lakon yang berisi garis besar cerita
Cerita yang dimainkan bersumber pada cerita yang diceritakan secara turun menurun.
Cerita terdiri dari tiga babak didahului prolog panjang. Plot cerita berlangsung dalam suasana
adegan lucu.
Peristiwa ceritaberlangsung dan berpindah secara cepat .
Terdapat tiga tokoh yang selalu muncul, yaitu tokoh penguasa, tokoh penggoda, dan tokoh
pembantu.
Tempat pertunjukannya di lapangan kota dan panggung-panggung sederhana.
Setting panggung sederhana yaitu; rumah, jalan, dan lapangan
Unsur Farce berdampak masuknya sekularisme dalam drama Autos dan berakibat gereja melarang
Autos pada tahun 1765 karena merajalelanya semangat Farce dan menyimpang dari ajaran-ajaran
agama.
Drama di luar gereja yaitu drama sekuler juga berkembang pesat. Pada tahun 1579 telah berdiri
gedung permanen di Madrid. Bentuk gedung teater ini mirip dengan Elizabethan di Inggris. Pelopor
drama sekuler di Spanyol ialah lope de rueda (1510-1565). Ia dramawan, aktor dan produsen yang
mendirikan gedung teater permanen di Spanyol. Tetapi profesionalisme dalam teater baru
berkembang setelah kematiannya tahun 1580-an.
Pada abad 17 Teater di Perancis menjadi penerus teater abad pertengahan, yaitu teater yang
mementingkan pertunjukan dramatik, bersifat seremonial dan ritual kemasyarakatan. terdapat
kecenderungan menulis naskah yang menggabungkan drama-drama klasik dengan tema-tema sosial
yang dikaitkan dengan budaya pikir kaum terpelajar. Dramawan Perancis bergerak lebih ekstrim
dalam mengembangkan bentuk baru tragedi klasik yang melampaui tragedi Yunani yang padat,
cermat, dan santun. Lahirlah Klasisme baru atau neo klasik yang memiliki konvensi sebagai berikut:
Mengikuti dan memahami konsep pembuatan naskah klasik,
Menjaga kemurnian tipe drama,
Setia kepada kaidah klasik,
Berorientasi pada fungsi drama,
Menitikberatkan pada konsep tentang kebenaran dan moral kebaikan,
Setia kepada keutuhan waktu, tempat, dan peristiwa,
Hanya mengakui dua bentuk drama yaitu tragedi dan komedi,
Konsep Neoklasik mengajarkan tentang kebenaran.
Inti cerita adalah masalah kebebasan . Memberontak pada fakta dan aturan yang bersifat klasik.
Membawakan cerita kesejarahan yang memuat adegan perang, pemberontakan, pembakaran
istana, perang tanding dan sebagainya.
Panggung dihiasi dengan gambar-gambar yang sangat indah.
Setting perspektif diganti dengan lukisan untuk layar sayap panggung dan sayap belakang dan
bentuk skeneri ditampilkan bergantian.
Di awal abad ke 19, sebuah pergerakan teater besar yang dikenal dengan Romantik mulai
berlangsung di Jerman. August Wilhelm Schlegel adalah seorang penulis Roman Jerman yang
menganggap Shakespeare adalah salah satu dari pengarang naskah lakobn terbesar dan
menerjemahkan 17 dari naskah lakonnya. Penggemar besar Shakespeare lain adalah Ludwig
Tiecky yang sangat berperan dalam memperkenalkan karya-karya Shakespeare kepada orang-orang
Jerman. Salah satu lakon tragedinya adalah Kaiser Octaveous. Pengarang Jerman lainnya di awal
abad ke 19 antara lain, Henrich von Kleist yang dikenal sebagai penulis lakon terbaik
jaman itu, Christian Grabbe yang menulis Don Jaun dan Faust, Franz Grillparzer yang dipandang
sebagai penulis lakon serius pertama Austria, dan George Buchner yang menulis Danton’s Death dan
Leoce & Lena.
Di Inggris, pergerakan Romantik dipicu oleh naskah lakon karya Samuel Taylor Coleridge, Henry
James Byron, Percy Bysshe Shelley, dan John Keats. Dengan naskah lakon seperti, Remorse karya
Coleridge, Marino Fanceiro karya Byron, dan The Cinci karya Shelley. Inggris menjadi berpengaruh
kuat dalam mempopulerkan aliran Romantik. Di Perancis, Victor Hugo menulis Hernani ( tahun 1830)
. The Moor of Venice adalah naskah lakon yang ditulis oleh Alfred de Vigny
yang merupakan adaptasi Othello. Alexandre Dumas pere menulis lakon Henri III and his
Court dan Christine . Alfred de Musset menulislakon A Venician Night dan No Trifling With Love.
v Teater Abad 19 dan Realisme
Banyak perubahan terjadi di Eropa pada abad ke 19. karena Revolusi Industri. Orang-orang
berkelas pindah ke kota dan teater pun mulai berubah. Bentuk-bentuk baru teater diciptakan untuk
pekerja industri seperti Vaudeville (aksi-aksi seperti rutinitas lagu dan tari), Berlesque (karya-karya
drama yang membuat subyek nampak menggelikan), dan melodrama (melebih-lebihkan karakter
dalam konflik – pahlawan vs penjahat). Sandiwara-sandiwara romantis dan kebangkitan klasik
dimainkan di gedung teater-teater yang megah pada masa itu. Amerika Serikat masih
mengandalkan gaya teater dan lakon Eropa. Di tahun 1820, lilin-lilin dan lampu-lampu minyak
digantikan oleh lampu-lampu gas di gedung- gedung teater abad 19. Gedung Teater Savoy di London
(1881) yang mementaskan drama- drama Shakespeare adalah gedung teater pertama yang
panggungnya diterangi lampu listrik.
Pada abad 19 di Inggris sebuah drama kloset atau naskah lakon yang sepenuhnya tidak dapat
dipentaskan bermunculan. Tercatat nama-nama penulis drama kloset, seperti Wordswoth, Coleridge,
Byron, Shelley, Swinburne, Browning, dan Tennyson. Baru pada akhir abad 19 teater di Inggris juga
menunjukkan tanda-tanda kehidupan dengan munculnya Henry Arthur Jones, Sir Arthur Wing Pinero,
dan Oscar Wilde. Juga terlihat kebangkitan pergerakan teater independen yang menjadi perintis
pergerakan “Teater Kecil” yang nanti di abad ke 20 tersebar luas, misalnyai Theatre Libre Paris, Die
Freie Buhne Berlin, independent Theater London dan Miss Horniman’s Theater Manchester yang
mana Ibsen, Strindberg, Bjornson, Yeats, Shaw, Hauptmann dan Synge mulai dikenal masyarakat.
Selama akhir abad 19 di Jerman muncul dua penulis lakon kaliber internasional yaitu Hauptmann
dan Sudermann. Seorang doktor Viennese, Arthur Schnitzler, menjadi dikenal luas di luar tempat
asalnya Austria dengan naskah lakon yang ringan dan menyenangkan berjudul Anatol. Di Perancis,
Brieux menjadi perintis teater realistis dan klinis. Belgia menghasilkan Maeterlinck. Di Paris, Cyrano
de Bergerac, karya Edmond Rostand. Sementara itu di Italia Giacosa menulis lakon terbaiknya yang
banyak dikenal, As the Leaves, dan mengarang syair-syair untuk opera, La Boheme,
Tosca, dan Madame Butterfly. Verga menulis In the Porter’s Lodge, The Fox Hunt, dan Cavalleria
Rusticana, yang juga lebih dikenal melalui opera Muscagni;.Penulis lakon Italia abad 19 yang paling
terkenal adalah, Gabriel d’Annunzio, Luigi Pirandello dan Sem Benelli dengan lakon berjudul Supper
of Jokes yang dikenal di Inggris dan Amerika sebagai The Jest. Bennelli dengan lakon Love of the
Three Kings-nya dikenal di luar Italia dalam bentuk opera. Di Spanyol Jose Echegaray menulis The
World and His Wife; Jose Benavente dengan karyanya Passion Flower dan Bonds of
Interest dipentaskan di Amerika; dan Sierra bersaudara dengan naskah lakon Cradle Song menjadi
penghubung abad ke 19 dan 20, seperti halnya Shaw, Glasworthy, dan Barrie di Inggris, serta Lady
Augusta Gregory dan W.B. Yeats di Irlandia.
Sampai abad 19 teater di Amerika dikuasai oleh “Stock Company” dengan sistem bintang. Sebuah
rombongan drama lengkap dengan peralatannya serta bintang-bintangnya mengadakan perjalanan
keliling. Dengan dibangunnya jaringan kereta api Stock Company makin berkembang (1870). Namun
akibatnya juga bahwa seni Teater tersebar luar di seluruh Amerika. Maka muncullah teater-teater
lokal. Stock company lenyap sekitar tahun 1900. Sindikat teater berkuasa di Amerika dari tahun 1896-
1915. Realisme menguasai panggung-panggung teater Amerika pada Abad 19. Usaha melukiskan
kehidupan nyata secara teliti dan detail ini dimulai dengan pementasan-pementasan naskah-naskah
sejarah. Setting dan kostum diusahakan sepersis mungkin dengan zaman cerita. Charles Kenble
dalam memproduksi “king john” tahun 1823 (naskah Shakespeare) mengusahakan ketepatan sampai
hal-hal yang detail.
Zaman Realisme yang lahir pada penghujung abad 19 dapat dijadikan landas pacu lahirnya seni
teater modern di barat. Penanda yang kuat adalah timbulnya gagasan untuk mementaskan lakon
kehidupan di atas pentas dan menyajikannya seolah peristiwa itu terjadi secara nyata. Gagasan ini
melahirkan konvensi baru dan mengubah konvensi lama yang lebih menampilkan seni teater sebagai
sebuah pertunjukan yang memang dikhususkan untuk penonton. Tidak ada lagi pamer keindahan
bentuk akting dan puitika kata-kata dalam Realisme. Semua ditampilkan apa adanya seperti sebuah
kenyataan kehidupan.
Diiringi dengan perkembangan teknologi yang dapat digunakan untuk mendukung artistik pentas,
Realisme menjadi primadona di dunia barat. Seni teater yang menghadirkan penggal kenyataan
hidup di atas pentas ini begitu membius penggemarnya. Para penonton dibuat terhanyut dan larut
dalam cerita-cerita yang dimainkan. Pesona semacam ini membuat Realisme begitu berpengaruh
dalam waktu yang cukup lama.
v Teater Abad 20
Teater telah berubah selama ber -abad-abad. Gedung-gedung pertunjukan modern memiliki efek-
efek khusus dan teknologi baru. Orang datang ke gedung pertunjukan tidak hanya untuk
menyaksikan teater melainkan juga untuk menikmati musik, hiburan, pendidikan, dan mempelajari
hal-hal baru. Rancangan-rancangan panggung termasuk pengaturan panggung arena, atau yang kita
sebut saat ini, Teater di Tengah-Tengah Gedung. Dewasa ini, beberapa cara untuk
mengekspresikan karakter-karakter berbeda dalam pertunjukan-pertunjukan (disamping nada suara)
dapat melalui musik, dekorasi, tata cahaya, dan efek elektronik. Gaya-gaya pertunjukan realistis dan
eksperimental ditemukan dalam teater Amerika saat ini.
Seiring dengan perkembangan waktu. Kualitas pertunjukan Realis oleh beberapa seniman dianggap
semakin menurun dan membosankan. Hal ini memdorong para pemikir teater untuk menemukan satu
bentuk ekspresi baru yang lepas dari konvensi yang sudah ada. Wilayah jelajah artisitk dibuka
selebar-lebarnya untuk kemungkinan perkembangan bentuk pementasan seni teater. Dengan
semangat melawan pesona Realisme, para seniman mencari bentuk pertunjukannya sendiri. Pada
awal abad 20 inilah istilah teater Eksperimental berkembang. Banyak gaya baru yang lahir baik dari
sudut pandang pengarang, sutradara, aktor ataupun penata artistik. Tidak jarang usaha mereka
berhasil dan mampu memberikan pengaruh seperti gaya; Simbolisme, Surealisme, Epik, dan Absurd.
Tetapi tidak jarang pula usaha mereka berhenti pada produksi pertama. Lepas dari hal itu, usaha
pencarian kaidah artistik yang dilakukan oleh seniman teater modern patut diacungi jempol karena
usaha-usaha tersebut mengantarkan kita pada keberagaman bentuk ekspresi dan makna keindahan.
v Gaya Pementasan
Gaya dapat didefinisikan sebagai corak ragam penampilan sebuah pertunjukan yang merupakan
wujud ekspresi dari:
Cara pribadi sang pengarang lakon dalam menerjemahkan cerita kehidupan di atas pentas
Konvensi atau aturan-aturan pementasan yang berlaku pada masa lakon ditulis
Konsep dasar sutradara dalam mementaskan lakon yang dipilih untuk menegaskan makna
tertentu.
Gaya penampilan pertunjukan teater secara mendasar dibagi ke dalam tiga (3) gaya besar yaitu;
Presentasional, Representasional (Realisme), dan Post-Realistic.
v Presentasional
Hampir semua teater klasik menggunakan gaya ini dalam pementasannya. Gaya Presentasional
memiliki ciri khas, “pertunjukan dipersembahkan khusus kepada penonton”. Bentuk-bentuk teater
awal selalu menggunakan gaya ini karena memang sajian pertunjukan mereka benar-benar
dipersembahkan kepada penonton. Yang termasuk dalam gaya ini adalah:
Teater Klasik Yunani dan Romawi
Teater Timur (Oriental) termasuk teater tradisional Indonesia
Teater abad pertengahan
Commedia dell’arte, teater abad 18
Unsur-unsur gaya Presentasional adalah:
Para pemain bermain langsung di hadapan penonton. Artinya, karya seni pemeranan yang
ditampilkan oleh para aktor di atas pentas benar-benar disajikan kepada khalayak penonton
sehingga bentuk ekspresi wajah, gerak, wicara sengaja diperlihatkan lebih kepada penonton
daripada antarpemain.
Gerak para pemain diperbesar (grand style), menggunakan wicara menyamping (aside), dan
banyak melakukan soliloki (wicara seorang diri).
Menggunakan bahasa puitis dalam dialog dan wicara.
Beberapa lakon yang biasa dan dapat dipentaskan dengan gaya Presentasional, di antaranya adalah:
Romeo and Juliet, Piramus dan Thisbi, Raja Lear, Machbeth (William Shakespeare)
Akal Bulus Scapin, Tartuff, Tabib Gadungan (Moliere)
Oidipus (Sopokles)
Epos dan Roman Sejarah yang biasa dipentaskan dalam teater tradisonal Indonesia
v Representasional (Realisme)
Seiring berkembangya ilmu pengetahuan dan teknologi pada abad 19, bersama itu pula teknik tata
lampu dan tata panggung maju pesat sehingga para seniman teater berusaha dengan keras untuk
mewujudkan gambaran kehidupan di atas pentas. Perwujudan dari usaha ini melahirkan gaya yang
disebut Representasional atau biasa disebut Realisme. Gaya ini berusaha menampilkan kehidupan
secara nyata di atas pentas sehingga apa yang disaksikan oleh penonton seolah-olah bukanlah
sebuah pentas teater tetapi potongan cerita kehidupan yang sesungguhnya. Para pemain beraksi
seolah-olah tidak ada penonton yang menyaksikan. Tata artistik diusahakan benar-benar menyerupai
situasi sesungguhnya di mana lakon itu berlangsung.
Gaya Realisme sangat mempesona karena berbeda sekali dengan gaya Presentasional. Para
penonton tak jarang ikut hanyut dalam laku cerita sehingga mereka merasakan bahwa apa yang
terjadi di atas pentas adalah kejadian sesungguhnya. Unsur-unsur gaya Representasional adalah:
Aktor saling bermain di antara mereka, beranggapan seolah-olah penonton tidak ada sehingga
mereka benar-benar memainkan sebuah cerita seolah-olah sebuah kenyataan
Menciptakan dinding keempat (the fourth wall) sebagai pembatas imajiner antara penonton dan
pemain
Konvensi seperti wicara menyamping (aside) dan soliloki sangat dibatasi
Menggunakan bahasa sehari-hari.
Beberapa lakon yang biasa dan dapat dipentaskan dengan gaya Representasional, di antaranya
adalah:
Kebun Cherry, Burung Manyar, Penagih Hutang, Pinangan (Anton Chekov)
Hedda Gabbler, Hantu-hantu, Musuh Masyarakat (Henrik Ibsen)
Senja Dengan Dua Kelelawar, Penggali Intan, Penggali Kapur (Kirdjomuljo)
Titik-titik Hitam (Nasjah Djamin)
Tiang Debu, Malam Jahanam (Motinggo Boesje)
Dalam perkembangannya gaya Representasional atau Realisme ini melahirkan gaya-gaya baru yang
masih berada dalam ruang lingkupnya yaitu; Naturalisme, Selektif Realisme, dan Sugestif Realisme
(Mary McTigue, Ibid., 162).
Naturalisme merupakan sub gaya Realisme yang paling ekstrim. Gaya ini menghendaki sajian
pertunjukan yang benar-benar mirip dengan kenyataan. Setiap detil dan struktur tata panggung harus
benar-benar mirip seperti aslinya sehingga panggung merupakan potret kehidupan sesungguhnya.
Naturalisme, selain menuntut pendekatan ilmiah, juga percaya bahwa kondisi manusia amat
ditentukan oleh faktor lingkungan dan keturunan. Dalam prakteknya kaum naturalisme banyak
mengungkapkan kemerosotan dan kebobrokan masyarakat golongan bawah. Drama-drama mereka
penuh dengan kebusukan manusia dan hal-hal yang tak menyenangkan “dalam kehidupan”.
Panggung harus menggambarkan kenyataan sebenarnya yang mereka ambil dari kehidupan nyata.
Tokoh naturalisme yang sangat penting ialah Emile Zola. Ia mengangkat : “Bukan drama, tetapi
kehidupan yang harus disajikan pada penonton”. Sebagai gerakan teater, naturalisme hanya hidup
sampai tahun 1900 setelah itu hanya realisme yang semakin berpengaruh seiring dengan
perkembangan teknologi terutama kelistrikan yang dapat diguankan untuk menunjang teknik
pemanggungan.
Selektif Realisme, merupakan cabang gaya Realisme yang memilih atau menyeleksi detil tertentu
dan digabungkan dengan unsur-unsur simbolik dalam manyajikan keseluruhan tata ruang yang ada di
atas pentas. Misalnya, dinding, pintu, dan jendela dibuat seperti aslinya, tetapi atap rumah hanya
dtampilkan dalam bentuk kerangka. Sedangkan dalam Sugestif Realisme menggunakan bagian-
bagian dari bangunan atau ruang yang dipilih dan ditampilkan secara mendetil untuk memberikan
gambaran sugestif bentuk keseluruhannya. Misalnya, satu tiang ditampilkan untuk memberikan
gambaran ruang Istana dengan bantuan tata lampu yang mendukung, selebihnya adalah imajinasi.
v Gaya Post-Realistic
Dalam abad 20, seniman seni teater melakukan banyak usaha untuk membebaskan seni teater dari
batasan-batasan konvensi tertentu (Presentasional dan Representasional) dan berusaha memperluas
cakrawala kreativitas baik dari sisi penulisan lakon maupun penyutradaraan. Gaya ini membawa
semangat untuk melawan atau mengubah gaya Realisme yang telah menjadi konvensi pada masa
itu. Setiap seniman memiliki caranya tersenidiri dalam mengungkapkan rasa, gagasan, dan kreasi
artistiknya. Banyak percobaan dilakukan sehingga pada masa tahun 1950-1970 di Eropa dan
Amerika gaya ini dikenal sebagai gaya Teater Eksperimen. Meskipun pada saat ini banyak teater
yang hadir dengan gaya Realisme tetapi kecenderungan untuk melahirkan gaya baru masih saja lahir
dari tangan-tangan kreatif pekerja seni teater. Banyak gaya yang dapat digolongkan dalam Post-
Realistic, beberapa di antaranya sangat berpengaruh dan banyak di antaranya yang tidak mampu
bertahan lama.
Unsur-unsur gaya Post-Realistic adalah:
Mengkombinasikan antara unsur Presentasional dan Representasional
Menghilangkan dinding keempat (the fourth wall), dan terkadang berbicara langsung atau kontak
dengan penonton
Bahasa formal, sehari-hari, puitis digabungkan dengan beberpa idiom baru atau dengan
bahasaslank.
Beberapa gaya Post-Realistic yang berpengaruh adalah:
Ekspresionisme, istilah ini diambil dari gerakan seni rupa pada akhir abad 19 yang dipelopori
oleh pelukis Van Gogh dan Gauguin. Namun gerakan itu kemudian meluas pada bentuk-bentuk
seni yang lain termasuk teater. Ekspresionisme sudah ada dalam teater jauh sebelum masa itu,
hanya masih merupakan salah satu elemen saja dalam teater. Sebagai suatu gerakan teater, ia
baru muncul tahun 1910 di Jerman. Sukses pertama teater ekspresionisme dicapai oleh Walter
Hasenclever pada tahun 1914 dengan dramanya Sang Anak. Adapun puncak gerakan ini terjadi
sekitar tahun 1918 (pada saat Perang Dunia I) dan mulai merosot tahun 1925. Meskipun mula-
mula ekspresionisme berkembang di Eropa, terutama selama Perang Dunia I (1914-1918),
namun pengaruhnya menjangkau ke luar Eropa dan dalam masa yang lebih kemudian. Beberapa
dramawan Amerika yang terpengaruh oleh gerakan ekspresionisme ini adalah: Elmer Rice,
Eugene O’neill, Marc Connelly, dan George Kaufman. Pengaruh ini terutama nampak dalam tata
panggung dan elemen visual yang lebih bebas diatasnya, adegan mimpi dalam lokal realistis,
misalnya adalah salah satu bentuk kebebasan itu. Jadi teknik dramatik dan pendekatan-
pendekatannya dalam pemanggungan merupakan pengaruh besar ekspresionisme dalam teater
abad 20 (Yakob Soemardjo: 1983-1984).
Teater Epik, disebut juga sebagai “teater pembelajaran”. Gaya ini menolak gaya Realisme,
empaty, dan ilusi dalam usahanya mengajarkan teori atau pernytaan sosio-politis melalui
penggunaan narasi, proyeksi, slogan, lagu, dan bahkan terkadang melaljui kontak lang sung
dengan penonton. Gaya ini sering juga disebut “Teater Obsevasi”. Tokoh yang terkenal dalam
gaya ini adalah Bertold Brecht. Teater epik digunakan oleh Brecht untuk melawan apa yang lazim
disebut sebagai teater dramatik. Teater dramatik yang konvensional ini dianggapnya sebagai
sebuah pertunjukan yang membuat penonton terpaku pasif. Sebab semua kejadian disuguhkan
dalam bentuk “masa kini” seolah-olah masyarakat dan waktu tidak pernah berubah. Dengan
demikian ada kesan bahwa kondisi sosial tak bisa berubah. Brecht berusaha membuat
penontonnya ikut aktif berpartisipasi dan merupakan bagian vital dari peristiwa teater.
Absurdisme, gaya yang menyajikan satu lakon yang seolah tidak memiliki kaitan rasional antara
peristiwa satu dengan yang lain, antara percakapan satu dengan yang lain. Unsur-unsur
Surealisme dan Simbolisme digunakan bersamaan dengan irrasionalitas untuk memberikan
sugesti ketidakbermaknaan hidup manusia serta kepelikan komunikasi antarsesama. Drama-
drama yang kini disebut absurd, pada mulanya dinamai eksistensialisme. Persoalan
eksistensialisme adalah mencari arti “Eksistensi” atau “ada”. Apa akibat arti itu bagi kehidupan
sehari-hari?. Pencarian makna “ada” ini berpusat pada diri pribadi sang manusia dan
keberadaannya di dunia. Dua tokoh eksistensialis yang terkemuka adalah: Jean Paul Sartre
(1905) dan Albert Camus (1913-1960). Para dramawan setelah Sartre dan Camus lebih banyak
menekankan bentuk absurditas dunia itu sendiri. Dan obyek absurd itu mereka tuangkan dalam
bentuk teater yang absurd pula. Tokoh-tokoh Teater Absurd di antaranya, adalah: Samuel
Beckett (1906), Jean Genet (1910), Harold Pinter, Edward Albee, dan Eugene Ionesco (1912).
Mempelajari Panggung
Dalam sejarah perkembangannya, seni teater memiliki berbagai macam jenis panggung
yang dijadikan tempat pementasan. Perbedaan jenis panggung ini dipengaruhi oleh tempat
dan zaman dimana teater itu berada serta gaya pementasan yang dilakukan. Bentuk
panggung yang berbeda memiliki prinsip artistik yang berbeda. Misalnya, dalam panggung
yang penontonnya melingkar, membutuhkan tata letak perabot yang dapat enak dilihat dari
setiap sisi. Berbeda dengan panggung yang penontonnya hanya satu arah dari depan. Untuk
memperoleh hasil terbaik, penata panggung diharuskan memahami karakter jenis panggung
yang akan digunakan serta bagian-bagian panggung tersebut.
4.1.1 Jenis-jenis Panggung
Panggung adalah tempat berlangsungnya sebuah pertunjukan dimana interaksi antara kerja
penulis lakon, sutradara, dan aktor ditampilkan di hadapan penonton. Di atas panggung inilah
semua laku lakon disajikan dengan maksud agar penonton menangkap maksud cerita yang
ditampilkan. Untuk menyampaikan maksud tersebut pekerja teater mengolah dan menata
panggung sedemikian rupa untuk mencapai maksud yang dinginkan. Seperti telah disebutkan
di atas bahwa banyak sekali jenis panggung tetapi dewasa ini hanya tiga jenis panggung
yang sering digunakan. Ketiganya adalah panggung proscenium, panggung thrust, dan
panggung arena. Dengan memahami bentuk dari masingmasing panggung inilah, penata
panggung dapat merancangkan karyanya berdasar lakon yang akan disajikan dengan baik.
4.1.1.1 Arena
Panggung arena adalah panggung yang penontonnya melingkar atau duduk mengelilingi
panggung (Gb.274). Penonton sangat dekat sekali dengan pemain. Agar semua pemain
dapat terlihat dari setiap sisi maka penggunaan set dekor berupa bangunan tertutup vertikal
tidak diperbolehkan karena dapat menghalangi pandangan penonton. Karena bentuknya
yang dikelilingi oleh penonton, maka penata panggung dituntut kreativitasnya untuk
mewujudkan set dekor. Segala perabot yang digunakan dalam panggung arena harus benar-
benar dipertimbangkan dan dicermati secara hati-hati baik bentuk, ukuran, dan
penempatannya. Semua ditata agar enak dipandang dari berbagai sisi.
Panggung arena biasanya dibuat secara terbuka (tanpa atap) dan tertutup. Inti dari pangung
arena baik terbuka atau tertutup adalah mendekatkan penonton dengan pemain. Kedekatan
jarak ini membawa konsekuensi artistik tersendiri baik bagi pemain dan (terutama) tata
panggung. Karena jaraknya yang dekat, detil perabot yang diletakkan di atas panggung harus
benar-benar sempurna sebab jika tidak maka cacat sedikit saja akan nampak. Misalnya, di
atas panggung diletakkan kursi dan meja berukir. Jika bentuk ukiran yang ditampilkan tidak
nampak sempurna – berbeda satu dengan yang lain – maka penonton akan dengan mudah
melihatnya. Hal ini mempengaruhi nilai artistik pementasan.
Lepas dari kesulitan yang dihadapi, panggun arena sering menjadi pilihan utama bagi teater
tradisional. Kedekatan jarak antara pemain dan penonton dimanfaatkan untuk melakukan
komunikasi langsung di tengah-tengah pementasan yang menjadi ciri khas teater tersebut.
Aspek kedekatan inilah yang dieksplorasi untuk menimbulkan daya tarik penonton.
Kemungkinan berkomunikasi secara langsung atau bahkan bermain di tengah-tengah
penonton ini menjadi tantangan kreatif bagi teater modern. Banyak usaha yang dilakukan
untuk mendekatkan pertunjukan dengan penonton, salah satunya adalah penggunaan
panggung arena. Beberapa pengembangan desain dari teater arena melingkar dilakukan
sehingga bentuk teater arena menjadi bermacammacam.
Masing-masing bentuk memiliki keunikannya tersendiri tetapi semuanya memiliki tujuan yang
sama yaitu mendekatkan pemain dengan penonton.
4.1.1.2 Proscenium
Panggung proscenium bisa juga disebut sebagai panggung bingkai karena penonton
menyaksikan aksi aktor dalam lakon melalui sebuah bingkai atau lengkung proscenium
(proscenium arch). Bingkai yang dipasangi layar atau gorden inilah yang memisahkan
wilayah akting pemain dengan penonton yang menyaksikan pertunjukan dari satu arah
(Gb.276). Dengan pemisahan ini maka pergantian tata panggung dapat dilakukan tanpa
sepengetahuan penonton. Panggung proscenium sudah lama digunakan dalam dunia teater.
Jarak yang sengaja diciptakan untuk memisahkan pemain dan penonton ini dapat digunakan
untuk menyajikan cerita seperti apa adanya. Aktor dapat bermain dengan leluasa seolah-olah
tidak ada penonton yang hadir melihatnya. Pemisahan ini dapat membantu efek artistik yang
dinginkan terutama dalam gaya realisme yang menghendaki lakon seolah-olah benar-benar
terjadi dalam kehidupan nyata.
Tata panggung pun sangat diuntungkan dengan adanya jarak dan pandangan satu arah dari
penonton. Perspektif dapat ditampilkan dengan memanfaatkan kedalaman panggung (luas
panggung ke belakang). Gambar dekorasi dan perabot tidak begitu menuntut kejelasan detil
sampai hal-hal terkecil. Bentangan jarak dapat menciptkan bayangan arstisitk tersendiri yang
mampu menghadirkan kesan. Kesan inilah yang diolah penata panggung untuk mewujudkan
kreasinya di atas panggung proscenium. Seperti sebuah lukisan, bingkai proscenium menjadi
batas tepinya. Penonton disuguhi gambaran melalui bingkai tersebut. Hampir semua sekolah
teater memiliki jenis panggung proscenium. Pembelajaran tata panggung untuk menciptakan
ilusi (tipuan) imajinatif sangat dimungkinkan dalam panggung proscenium.
Jarak antara penonton dan panggung adalah jarak yang dapat dimanfaatkan untuk
menciptakan gambaran kreatif pemangungan. Semua yang ada di atas panggung dapat
disajikan secara sempurna seolah-olah gambar nyata. Tata cahaya yang memproduksi sinar
dapat dihadirkan dengan tanpa terlihat oleh penonton dimana posisi lampu berada. Intinya
semua yang di atas panggung dapat diciptakan untuk mengelabui pandangan penonton dan
mengarahkan mereka pada pemikiran bahwa apa yang terjadi di atas pentas adalah
kenyataan. Pesona inilah yang membuat penggunaan panggung proscenium bertahan
sampai sekarang.
4.1.1.3 Thrust
Panggung thrust seperti panggung proscenium tetapi dua per tiga bagian depannya menjorok
ke arah penonton. Pada bagian depan yang menjorok ini penonton dapat duduk di sisi kanan
dan kiri panggung (Gb.277). Panggung thrust nampak seperti gabungan antara panggung
arena dan proscenium.
Untuk penataan panggung, bagian depan diperlakukan seolah panggung Arena sehingga
tidak ada bangunan tertutup vertikal yang dipasang. Sedangkan panggung belakang
diperlakukan seolah panggung proscenium yang dapat menampilan kedalaman objek atau
pemandangan secara perspektif. Panggung thrust telah digunakan sejak Abad Pertengahan
(Medieval) dalam bentuk panggung berjalan (wagon stage) pada suatu karnaval. Bentuk ini
kemudian diadopsi oleh sutradara teater modern yang menghendaki lakon ditampilkan
melalui akting para pemain secara lebih artifisial (dibuat-buat agar lebih menarik) kepada
penonton. Bagian panggung yang dekat dengan penonton memungkinkan gaya akting teater
presentasional yang mempersembahkan permainan kepada penonton secara langsung,
sementara bagian belakang atau panggung atas dapat digunakan untuk penataan panggung
yang memberikan gambaran lokasi kejadian.
4.1.2 Bagian-bagian Panggung
Panggung teater modern memiliki bagian-bagian atau ruangruang yang secara mendasar
dibagi menjadi tiga, yaitu bagian panggung, auditorium (tempat penonton), dan ruang depan.
Bagian yang paling kompleks dan memiliki fungsi artistik pendukung pertunjukan adalah
bagian panggung. Masing-masing memiliki fungsinya sendiri. Seorang penata panggung
harus mengenal bagian-bagian panggung secara mendetil. Gambar 278 dan 279
menerangkan bagian-bagian panggung.
A Border. Pembatas yang terbuat dari kain. Dapat dinaikkan dan diturunkan. Fungsinya untuk
memberikan batasan area permaianan yang digunakan.
B Backdrop. Layar paling belakang. Kain yang dapat digulung atau diturun-naikkan dan
membentuk latar belakang panggung.
C Batten. Disebut juga kakuan. Perlengkapan panggung yang dapat digunakan untuk
meletakkan atau menggantung benda dan dapat dipindahkan secara fleksibel.
D Penutup/flies. Bagian atas rumah panggung yang dapat digunakan untuk menggantung set
dekor serta menangani peralatan tata cahaya.
E Rumah panggung (stage house). Seluruh ruang panggung yang meliputi latar dan area
untuk tampil
F Catwalk (jalan sempit). Permukaan, papan atau jembatan yang dibuat di atas panggung
yang dapat menghubungkan sisi satu ke sisi lain sehingga memudahkan pekerja dalam
memasang dan menata peralatan.
G Tirai besi. Satu tirai khsusus yang dibuat dari logam untuk memisahkan bagian panggung
dan kursi penonton. Digunakan bila terjadi kebakaran di atas panggung. Tirai ini diturunkan
sehingga api tidak menjalar keluar dan penonton bisa segera dievakuasi.
H Latar panggung atas. Bagian latar paling belakang yang biasanya digunakan untuk
memperluas area pementasan dengan meletakkan gambar perspektif.
I Sayap (side wing). Bagian kanan dan kiri panggung yang tersembunyi dari penonton,
biasanya digunakan para aktor menunggu giliran sesaat sebelum tampil.
J Layar panggung. Tirai kain yang memisahkan panggung dan ruang penonton. Digunakan
(dibuka) untuk menandai dimulainya pertunjukan. Ditutup untuk mengakhiri pertunjukan.
Digunakan juga dalam waktu jeda penataan set dekor antara babak satu dengan lainnya.
K Trap jungkit. Area permainan atau panggung yang biasanya bisa dibuka dan ditutup untuk
keluar-masuk pemain dari bawah panggung.
L Tangga. Digunakan untuk naik ke bagian atas panggung secara cepat. Tangga lain,
biasanya diletakkan di belakang atau samping panggung sebelah luar.
M Apron. Daerah yang terletak di depan layar atau persis di depan bingkai proscenium.
N Bawah panggung. Digunakan untuk menyimpan peralatan set. Terkadang di bagian bawah
ini juga terdapat kamar ganti pemain.
O Panggung. Tempat pertunjukan dilangsungkan.
P Orchestra Pit. Tempat para musisi orkestra bermain. Dalam beberapa panggung
proscenium, orchestra pit tidak disediakan.
Q FOH (Front Of House) Bar. Baris lampu yang dipasang di atas penonton. Digunakan untuk
lampu spot.
R Langit-langit akustik. Terbuat dari bahan yang dapat memproyeksikan suara dan tidak
menghasilkan gema.
S Ruang pengendali. Ruang untuk mengendalikan cahaya dan suara (sound system).
T Bar. Tempat menjual makan dan minum untuk penonton selama menunggu pertunjukan
dimulai.
U Foyer. Ruang tunggu penonton sebelum pertunjukan dimulai atau saat istirahat.
V Tangga. Digunakan untuk naik dan turun dari ruang lantai satu ke ruang lantai lain.
W Auditorium (house). Ruang tempat duduk penonton di panggung proscenium. Istilah
auditorium sering juga digunakan sebagai pengganti panggung proscenium itu sendiri.
X Ruang ganti pemain. Ruang ini bisa juga terletak di bagian bawah belakang panggung.
Sumber :
Santosa, Eko dkk, 2008, Seni Teater Jilid 2 untuk SMK, Jakarta : Pusat Perbukuan
Departemen Pendidikan Nasional, h. 387 – 395.
Sumber : materiteater.blogspot.com