Anda di halaman 1dari 83

SEJARAH PERKEMBANGAN DRAMA MALAYSIA

Pengenalan

ADA dua pendekatan yang boleh dan selalu digunakan dalam pembicaraan drama:
pendekatan sastera dan pendekatan teater. Walaupun istilah drama dan teater kerap
juga digunakan sebagai istilah yang boleh saling ganti-mengganti, iaitu sebagai dua
istilah yang sama erti, namun untuk tulisan ini perlu membuat perbezaan. Beberapa
definisi terhadap istilah drama telah dicadangkan oleh pengkaji-pengkaji drama
sejak dulu hingga sekarang. Kesimpulannya drama ialah lakonan. Dengan lakonan
dimaksudkan aksi yang dicipta oleh manusia untuk tujuan berkomunikasi secara
simbolik clan dilakukan di hadapan penonton. Komunikasi secara simbolik ialah
komunikasi melalui imej dan cerita-cerita yang imaginatif. Jadi drama ialah sejenis
karya seni yang menggunakan trak, bahasa, pentas, kostum, bunyi dan cahaya.
Melihatnya sebagai satu genre sastera iaitu dengan memberi penekanan yang Icbih
kepada unsur sasteranya, bahasa merupakan media mutlak sastera. Dengan kata
lain, pendekatan sastera lebih mengutamakan ceritanya dan bagaimana cerita itu
disampaikan melalui media hahasa, tanpa melupakan pula hubungannya dengan
unsur-unsur gcrak, pentas, kostum, bunyi dan cahaya di mana unsur-unsur ini
nnemang tidak dapat dipisahkan dari drama. Demikianlah batasan pcngertian
drama dalam konteks pembicaraan ini. Dengan teater pula dimaksudkan
pementasan atau persembahan sesebuah cerita di mana bahasa hanya menjadi satu
daripada unsurnya, yang kadang-kadang merupakan unsur terpenting dan kadang-
kadang tidak begitu penting. Faktor-faktor gerak, pentas, kostum, bunyi dan cahaya
merupakan faktor-faktor luaran bagi drama sastera, tetapi menjadi faktor-faktor
dalaman dalam teater. Demikianlah perbezaan antara drama dan teater sebenarnya
lebih merupakan pcrbezaan penekanan. Tumpuan utama tulisan ini seharusnya
diberi terhadap karya-karya drama tercetak atau tertulis, dan bukan drama-drama
pentas. Tetapi seperti yang akan kelihatan, perbincangan lebih banyak tertumpu
pada drama pentas. Ini adalah kerana pertama, untuk melihat perkembangan ke
arah lahirnya drama Melayu baru, sambil melihat juga faktor-faktor yang
melambatkan perkembangan drama cetakan atau tulisan. Kedua, kebetulan memang
amat sedikit drama tulisan sebelum perang yang dapat ditemui sehingga kini.

Bangsawan Sebagai Drama Transisi

Oleh kerana belum ada kajian yang lengkap dilakukan terhadap drama-drama
tradisional Malaysia, hingga sekarang kita belum pasti ada berapa jenis drama
tradisional yang pernah wujud di sini. Namun beberapa kajian yang pernah
dilakukan mengenai beberapa bentuk penting drama tradisional telah berjaya
memperlihatkan beberapa sifat penting yang terdapat pada drama¬drama tersebut.
Sifat terpenting dalam drama-drama tradisional ialah improvisasi. Sifat ini kita
katakan sebagai terpenting adalah terutamanya dilihat dalam hubungan perubahan
yang akan terjadi pada drama baru. Improvisasi ialah cara persembahan drama yang
dilakukan tanpa berdasarkan kepada naskhah bertulis, sebaliknya hanya
berdasarkan kepada rangka dasar (tema dan plot dasar) sesebuah cerita sahaja.
Pengembangan cerita dari tema dan plot dasar itu, termasuk dialog dan lakonan
adalah hasil kreativili pelakon dan pengarah. Sifat improvisasi ini menyebabkan
drama-drama tradisional tidak pernah melahirkan naskhah bertulis. Malah ia
memang tidak memerlukan naskhah bertulis kerana konsep drama itu sendiri
bukanlah untuk dibaca, tetapi untuk ditonton dan didengar. Sama halnya dengan
sastera rakyat tradisional yang bersifat lisan. Dalam hal ini penglipurlara, satu
daripada bentuk sastera rakyat yang terpenting itu, adalah juga merupakan satu
bentuk teater tradisional, iaitu teater pengucapan, di mana unsur pengucapan lebih
dipentingkan daripada unsur-unsur teater yang lain yang sebenarnya berfungsi
untuk membantu pengucapan atau penceritaan itu.

Ada beberapa hal yang perlu dijelaskan mengenai tradisi lisan sastera dan tradisi
improvisasi teater. Kedua-dua tradisi ini dilahirkan oleh masyarakat yang buta
huruf. Karya-karya sastera disebar dan tersebar melalui lisan. Secara kasarnya
proses penghasilan karya sastera lisan melibatkan dua peringkat. Peringkat pertama
ialah peringkat penyempurnaan, di mana sesebuah karya itu mula dilahirkan dalam
bentuk yang belum sempurna lalu disebarkan dan diperbaiki secara kolektif oleh
masyarakat itu hingga mencapai bentuk yang agak sempurna diterima oleh
masyarakat tersebut. Proses pembaikan ke arah kesempurnaan ini adalah proses
improvisasi. Setelah karya itu sempurna ia terus juga disebarkan. Di peringkat ini
juga karya yang sudah sempurna itu akan terus mengalami beberapa perubahan
kecil berdasarkan kecenderungan, kemahiran dan gaya bercerita seseorang pencerita
pada bahagian pengembangan dari plot dasarnya. Manakala plot dasarnya serta
ayat-ayat atau ungkapan deskripsi dan puisi yang indah terus dipertahankan secara
hafal. Proses perubahan-perubahan kecil di peringkat ini juga adalah proses
improvisasi. Ini menun¬jukkan bahawa tradisi lisan dan tradisi improvisasi berjalin
antara satu sama lain dan berkembang dengan sejajar. Keadaan yang hampir sama
juga berlaku dalam proses penghasilan karya drama atau teater improvisasi.
Persembahan-persembahan wayang kulit dan makyong, misalnya, banyak juga
menggunakan teknik menghafal cara tradisi lisan di samping teknik improvisasi,
terutamanya pada puisi-puisi clan ungkapan-ungkapan deskripsi mengenai sesuatu.

Wujudnya sastera lisan dan drama improvisasi dalam masyarakat tradisional adalah
disebabkan oleh sifat masyarakat yang buta huruf pada waktu itu. Pada kira-kira
tahun 1870-an, di Pulau Pinang datang sebuah rombongan drama dari India yang
dikenali dengan nama Wayang Farsi yang menunjukkan permainan mereka dengan
menggunakan bahasa Hindi. Dengan mencontohi Wayang Farsi, pada tahun 1883
Mamak Haji Pushi telah men¬dirikan kumpulan drama bangsawan yang pertama di
Malaysia dikenali dengan nama Wayang pushi, bertempat di Pulau Pinang.
Sementara itu penerbitan suratkhabar menjadi bertambah maju pada awal kurun ke-
20 hingga Perang Dunia Kedua. Dalam bidang drama, bangsawan juga mencapai
kemajuannya yang boleh dikatakan selaras dengan kemajuan persuratkhabaran.
Suatu hal menarik untuk diperhatikan di sini ialah bangsawan hingga ke hari ini
pun, masih bersifat improvisasi dan tidak pernah melahirkan naskhah- bertulis. Ini
menunjukkan pula sifat improvisasi pada bangsawan bukanlah lagi diarahkan oleh
keadaan masyarakat yang buta huruf, tetapi lebih disebabkan oleh pengertian atau
konsep drama itu sendiri: bahawa drama bukannya sesuatu yang dicipta untuk
dibaca, tetapi adalah yang dicipta untuk dilakonkan, untuk ditonton dan didengtar.
Ini adalah konsep yang diwarisi daripada drama atau teater tradisional.

Ciri-ciri teater tradisional yang masih terdapat pada bangsawan selain daripada
improvisasi ialah cerita-cerita yang dipersembahkan didominasi oleh unsur-unsur
dongeng dan khayal, struktur plot cerita-cerita tersebut bersifat episodik. Juga
terdapat penggunaan puisi lama dan bahasa berirama, lakonan dilakukan secara
stylize (tidak bersahaja), persembahan dimulakan, dengan upacara pembukaan yang
agak ritualistik, dan persembahannya menggabungkan juga unsur-unsur muzik,
nyanyi, tari (termasuk silat) dan jenaka. Walaupun dalam aspek-aspek tersebut
bangsawan masih meneruskan ciri-ciri teater tradisional dan kerana itu dapat
digolongkan sebagai satu daripada bentuk teater tradisional, tetapi dalam beberapa
aspek yang lain ia telah membawa beberapa pembaharuan yang penting dalam
perkembangan drama Malaysia, hingga tidak tepat lagi kalau hendak kita golongkan
sebagai teater tradisional.

Dari segi penggunaan pentas, bangsawanlah jenis teater Malaysia yang mula-mula
menggunakan pentas prosenium. Teater-teater sebelumnya, kecuali wayang kulit,
adalah dimainkan sama ada di kawasan terbuka atau di dalam rumah-rumah tempat
kediaman, khususnya istana, dengan menggunakan teknik pentus bulatan atau arena
yang boleh ditonton dari semua sudut, atau pentas tapak kuda yang boleh ditonton
dari tiga penjuru. Wayang Wit pula, sesuai dengan teknik bayang yang digunakannya
serta tidak mempunyai pelakon hidup, tidak memerlukan pentas untuk lakonan,
sebaliknya menggunakan kain layar untuk memancarkan bayang. Bangsawan juga
menggunakan tirai penutup hadapan pentas yang tidak pernah digunakan oleh
teater-teater sebelum ini. Teater-teater tradisional mempersembahkan cerita-cerita
mereka tanpa berhenti untuk suatu persembahan. Sebuah cerita selalunya
memerlukan lebih dari satu persembahan. Persembahan tanpa berhenti begini dapat
dilakukan kerana teater-teater tradisional tidak menggambarkan latar ruang cerita-
cerita mereka secara visual, yakni tempat berlakunya cerita tidak digambarkan pada
pentas, sebaliknya digambarkan melalui dialog dan aksi pelakon kerana bangsawan
membuat gambaran tersebut, ia memerlukan tirai hadapan untuk melindungi kerja-
kerja persiapan dan penukaran setting pentas. Tirai ini juga berfungsi
membahagikan cerita kepada babak-babak, di mana di antara babak-babak itu
diadakan pula acara selingan yang dipanggil extra-turn, berupa nyanyian, tarian, dan
kadang-kadang lawak jenaka. Bangsawan diolah dalam banyak babak, selalunya
lebih daripada sepuluh, sesuai dengan struktur cerita episodik. Latar tempat dalam
bangsawan digambarkan terutamanya dengan tirai pemandangan - tirai yang dilukis
dengan gambar-gambar tertentu sesuai dengan kehendak cerita - yang digantung
menutupi dinding belakang pentas, dan apabila perlu (tidak selalu) gambaran itu
dilengkapkan lagi dengan perabot-perabot yang lain, seperti singgahsana raja dan
sebagainya. Gambaran latar tempat atau setting pentas ini merupakan satu daripada
ciri-ciri penting teater bangsawan. Lebih natural dan indah pemandangan setting
tirainya boleh menyebab-kan kumpulan bangsawan itu lebih diminati dan terkenal.

Walaupun teknik lakon bangsawan adalah teknik lakon stylize iaitu lakonan yang
menggunakan pergerakan dan pengucapan yang agak berbeza daripada pergerakan
dan pengucapan dalam kehidupan sehari-hari, namun satu perkara yang dipanggil
“tasmat" agak perlu diberi perhatian. Tasmat ialah suatu macam keajaiban yang
diperlihatkan, melalui kemahiran-kemahiran teknikal secara sebenar di atas pentas;
misalnya orang menjelma, rumah terbakar, orang terbang dan seumpamanya.
Perkara¬perkara tasmat ini, sama halnya dengan setting, tidak ditunjukkan secara
stailais ataupun simbolik, sebaliknya cuba ditunjukkan secepat mungkin. Apa yang
dimaksudkan dengan sebenar di sini ialah tasmat sebegitu rupa agar penonton akan
dapat melihat seolah-olah perkara-perkara itu adalah benar-benar berlaku.
Bangsawan bukanlah drama realisme, tetapi dramatis-dramatis bangsawan
sekurang-kurangnya dalam dua aspek tadi berbeza dengan dramatis-dramatis
tradisional di mana telah mencuba menggunakan sedikit unsur realisme dalam
bangsawan.

Teater tradisional mempunyai batasan cerita tertentu iaitu mementaskan cerita dari
sumber tertentu sahaja. Misalnya, makyong mempunyai dua belas cerita asal: tiga
cerita dari kumpulan Anak Raja Gondang, enam cerita dari kumpulan Dewa Tujuh,
cerita Raja Muda La Leng, Raja Muda Lembek, dan Anak Raja Tangkai Hati. Kalau
ada cerita-cerita selain daripada itu dimainkan dalam makyong, itu adalah dari
pengaruh-pengaruh yang datang terkemudian. Cerita-cerita asal wayang kulit pula
adalah cerita-cerita yang bersumberkan epik Hin¬du termasyhur Ramayana, atau
yang dikenali dalam kesusasteraan Melayu sebagai Hikayat Seri Rama. Cerita-cerita
selain daripada itu yang dimainkan dalam wayang kulit adalah dari pengaruh-
pengaruh yang datang terkermudian. Bangsawan mempunyai sumber cerita yang
tidak terbatas. Sama ada cerita-cerita itu datang dari dongeng, cerita rakyat, sejarah,
Hindu, Timur Tengah, Jawa, Bali, China, Eropah - asalkan cerita-cerita itu dijangka
akan mendapat sambutan dari penonton. Yang menentukan repertoire atau
perbendaharaan cerita-cerita bangsawan ialah penonton, kerana ukuran mutu teater
bangsawan, berbeza dari teater-teater tradisional, ditentukan oleh bilangan
penonton yang datang menon¬ton, sesuai dengan sifatnya sebagai seni komersial-
profesional. Sifat membuka diri kepada sebarang cerita inilah, walaupun kebanyakan
cerita-cerita bangsawan bersifat dongeng clan khayal, apabila sam¬pai waktunya
yang sesuai bangsawan pun mementaskan cerita-¬cerita baru yang diangkat dari
kejadian-kejadian sezaman. Ini terjadi pada tahun-tahun tiga puluhan.

Teater tradisional keseluruhannya lahir dengan sifat dan fungsi yang ritualistik dan
kemudiannya beransur-ansur mencapai fungsi hiburan tanpa terpisah langsung dari
fungsi ritualnya. Bangsawan lahir dengan sifat dan fungsi hiburan dan terus berkem-
bang menjadi bentuk hiburan popular di samping menjadi seni komersial dan
profesional. Kalau ada sedikit-sedikit upacara yang ritualistik di dalamnya, itu lebih
merupakan faktor luaran yang diwarisi dari kepercayaan lama. Teater tradisional
yang terkenal, khususnya makyong dan wayang kulit, mencapai kemasyhuran dan
ketinggian mutunya kerana dibiayai dan dinaungi oleh istana, manakala bangsawan
mendapatkan kemasyhuran kerana mereka sentiasa berusaha untuk memenuhi
kepuasan selera penonton dan penontonlah yang membiayai kehidupannya.
Dapatlah dikatakan bahawa fungsi hiburan bangsawan lebih terbuka dibandingkan
dengan teater tradisional. Isi dan bentuknya sentiasa terbuka kepada perubahan,
asalkan perubahan itu menjaminkan penonton yang lebih ramai. Ini bermakna
audien terlibat secara langsung dalam menentukan bentuk dan isi bangsawan.
Kerana sifat yang flexible inilah maka bangsawan dalam konteks zamannya telah
menjadi satu persembahan yang berjaya menghapuskan perbezaan kelas masyarakat
yang meminatinya. Penonton bangsawan terdiri dari seluruh lapisan masyarakat,
dari golongan atasan hingga golongan bawaharr. Walaupun makyong dan wayang
kulit juga diminati oleh golongan atasan dan bawahan, namun mereka
menikmatinya secara terpisah.

Kemunculan bangsawan sebagai satu bentuk teater atau seni hiburan yang bebas
dari naungan pemerintah dan mendapat sam¬butan yang begitu hebat dari seluruh
lapisan masyarakat hingga berjaya menjadi suatu macam perusahaan yang
menguntungkan adalah merupakan suatu fenomena baru dalam kehidupan
kebudayaan Melayu. Bangsawan tersebar ke seluruh pelusuk negara dengan
menggunakan bahasa Melayu standard yang dapat difahami oleh penonton-
penonton dari semua daerah, menjadi-kannya teater Melayu pertama bertaraf
nasional. Sambutan hebat yang diberikan masyarakat kepada pertunjukan-
pertunjukan bangsawan telah menggerakkan orang-orang kaya dan pengusaha-
pengusaha untuk menjadikannya suatu perusahaan bagi mencari untung.
Bangsawan menjadi seni teater Melayu yang pertama bersifat dan berfungsi
komersial. Ini melibatkan pula bangsawan ke dalam satu sistem organisasi moden.
Keperluan modal yang besar untuk mengadakan keperluan¬keperluan pementasan,
membayar gaji para pelakon dan pekerja, perbelanjaan bergerak dari satu tempat ke
satu tempat untuk membuat pertunjukan, pengurusan membuat pertunjukan,
pengurusan ahli-ahli kumpulan, dan sebagainya, memerlukan satu sistem
pengurusan yang cekap. Penglibatan bangsawan ke dalam satu organisasi yang
bergerak luas, malah hingga ke luar negeri, dan bertujuan komersial, adalah suatu
perkara baru dalam sejarah perkembangan kesenian Melayu.
Pelakon-pelakon bangsawan sejak pertengahan tahun 1880 lagi sudah bercampur
lelaki dan perempuan di mana hal seperti ini tidak terdapat pada teater tradisional,
kalau ada pun terlalu terbatas tetapi pergaulan dan akhlak mereka dikawal dengan
ketat terutamanya orang-orang perempuan. Zaman perkembangan bangsawan, iaitu
sejak akhir kurun ke-19 hingga Perang Dunia Kedua, kalau dilihat pada
perkembangan sosial masyarakat Melayu adalah suatu zaman transisi. Perubahan
pada nilai ekonomi, sosial dan moral ini turut mempengaruhi, malah membentuk
cara hidup anak-anak bangsawan. Anak-anak bangsawan di tahap gemilangnya telah
hidup dalam suatu komuniti tersendiri dengan nilai moral yang relatif bebas.
Pengaruh kebendaan yang diterima bersama-sama tamadun Barat telah
menyebabkan mereka menukar nilai-nilai sosial dan moral. Kalau dulu mereka
berakhlak seperti "orang baik-baik", sekarang kerana mengikut arus peredaran
zaman dan kemewahan material, mereka semakin bebas dari batasan-batasan akhlak
yang ada. Apa lagi bila zaman kegemilangan bangsawan kebetulan pula dengan
zaman kemewahan ekonomi orang-oranp Melayu akibat melambungnya harga getah
selepas Perang Dunia Pertama. Penonton-penonton yang mewah tidak teragak-agak
menghadiahkan wang ringgit dan benda-benda berharga kepada bintang-bintang
bangsawan pujaan mereka. Waktu inilah anak anak bangsawan hidup seperti
bintang-bintang filem Hollywood yang terkenal dengan kebebasan moral dan
skendal-skendal seks. Mereka juga pernah menjadi ejen perubahan sosial di
kalangan muda mudi waktu itu apabila fesyen-fesyen pakaian dan kebebasan
pergaulan mereka menjadi ikutan golongan muda mudi.

Antara faktor-faktor mengapa bangsawan mendapat sambutan begitu hebat dari


masyarakat waktu itu ialah persembahan yang berbeza daripada teater-teater
tradisional. Ia juga berjaya melayan impian dan khayalan penonton secara lebih luas
dan nyata. Bangsawan juga telah menggarap sensasi asas manusia berhubung
dengan pembebasan desakan seksual melalui gambaran-gambaran percintaan bebas,
hubungan bebas lelaki perem¬puan, kostum yang mendedah aurat dan tarian-tarian
serta lagu-¬lagu yang sensasional. Melalui bangsawan juga penonton dapat
melepaskan keinginan untuk menjadi hero atau heroin dalam kehidupan mereka
dengan mengidentifikasikan diri mereka dengan bintang-bintang pelakon pujaan.
Ini adalah berhubungan juga dengan kesedaran keindividualan yang terbit dari
pengaruh kebudayaan Barat yang mulai berkembang. Semuanya ini dieksploit pula
oleh pengusaha-pengusaha atau tauke-tauke menjadi perniagaan secara kapitalis
dengan mengamalkan sistem organisasi moden.

Sebagai sejenis seni komersial, hasil yang diharapkan dari setiap pertunjukan
bangsawan dan usaha-usaha yang berhubungan dengannya ialah keuntungan wang,
bukannya meninggikan mutu seni teater. Faktor utama ke arah mencapai tujuan ini
ialah pelakon-pelakon yang handal dan diminati malah digilai oleh penonton,
bukannya cerita-cerita yang baik. Cerita yang akan dipentaskan mungkin sudah
diketahui oleh audien, namun mereka pergi menonton untuk melihat pelakon-
pelakon yang bermain dan juga teknik-teknik persembahan yang mengkagumkan,
termasuk tasmat serta kostum dan tirai-tirai pemandangan yang indah-indah. Ini
merupakan satu daripada faktor faktor mengapa walaupun pengaruh-pengaruh
moden sudah kelihatan pada cara hidup anak-anak bangsawan, pada acara-acara
selingan dan sistem penguasaan organisasi sejak tahun-tahun dua puluhan dan
sebelumnya lagi, namun kemodenan dalam cerita cerita bangsawan baharu kelihatan
pada tahun-tahun tiga puluhan.

Satu lagi faktor kelambatan pemodenan dalam cerita-cerita bangsawan ialah anak-
anak bangsawan, khususnya pengarah-pengarahnya tidak terdiri daripada orang-
orang terpelajar atau orang-orang pemikir, seperti penulis-penulis. Mereka hanya
mahu menghambat sensasi audien dan tidak berusaha untuk menghasilkan karya-
karya yang bermutu. Kebanyakan anak-anak bangsawan adalah datang daripada
golongan penganggur. Faktor yang lain pula berhubungan dengan satu tradisi teater
tradisional, iaitu bahawa cerita-cerita yang dipentaskan bukanlah milik individu.
Dalam masyarakat tradisional, hasil sastera adalah milik bersama. Walaupun pada
tahun-tahun tiga puluhan sudah terdapai pengarah-pengarah bangsawan mencipta
dengan cerita "moden", namun nama mereka sebagai pencipta bukanlah suatu
perkara yang penting. Cerita-cerita itu akan dipentaskan pula oleh orang-¬orang lain
dan nama penciptanya akan hilang. Selain daripada sebab-sebab tradisi sastera
sebagai milik bersama dan cerita bukanlah perkara yang begitu penting dalam teater
bangsawan. Ketiadaan skrip yang akan mencatatkan nama-nama pengarang
berkenaan supaya kekal bersama karya-karya mereka dan diketahui umum juga
menyebabkan peranan pengarang dalam bangsawan kelihatan seperti tiada dihargai.
Ini menyebabkan dorongan ke arah penciptaan cerita-cerita baru amat tidak
menggalakkan.
Perbendaharaan cerita bangsawan membuka dirinya kepada sebarang cerita asalkan
dijangka mendapat sambutan penonton. Cerita-cerita pilihan bangsawan adalah
cerita-cerita yang penuh imaginasi dan memungkinkan pementasan yang dapat
menimbulkan kesan-kesan yang menarik clan mempesona, sesuai dengan daya
terima audien. Bangsawan adalah sejenis teater hiburan yang menghibur melalui
nyanyian, muzik, lawak jenaka dan juga tarian serta lakonan-lakonan yang stailistik,
dengan kostum dan seting yang indah¬-indah belaka. Jadi cerita-cerita yang dipilih
adalah cerita-cerita yang mempunyai unsur-unsur hiburan seumpama itu. Cerita-
cerita mengenai masyarakat sezaman agak kurang sesuai dengan semangat teater
bangsawan. Kita perhatikan bahawa cerita-cerita dari Eropah yang pernah
dipentaskan oleh mereka pun bercorak begitu atau boleh disesuaikan kepada
semangat itu - bolehlah kita katakan semangat romantik. Kisah mengenai hero yang
gagah dan baik, yang sentiasa menang dalam perlawanan-perlawanannya dengan
ejen-ejen kejahatan (seperti jin), dan akhirnya berjaya men¬dapatkan perempuan
yang cantik dan baik pula, atau kisah-kisah lain yang serupa itu di mana dalam apa
cerita pun watak peran atau lawak harus ada.

Pengaruh yang lebih jelas ke arah pemodenan cerita-cerita bangsawan terjadi pada
tahun 1928 apabilarombongan Miss Ribut Opera dari Indonesia datang ke sini dan
mementaskan cerita-cerita "moden" mereka. Bagimana modennya pementasan-
pementasan Miss Ribut ini dapat difahami dari tulisan "Tengku Syed Abdul Kadir
dan Zen Rosdy yang mengatakan "Miss Ribut sudah mulai membawa tema moden,
cerita 'masa kini' pada zaman itu walaupun dalam repertoire masih banyak
diutamakan tema heroic/ adventure dan tema-tema klasik. Tahun 193 datang pula
kumpulan Dardanella oleh Boen S Oemarjati yang dikatakan telah "mengadakan
perombakan-perombakan revolusioner" dalam perkembangan drama Indonesia."
Persembahan-persembahan Dardanella telah meninggalkan kesao yang baik di
kalangan penonton-penonton yang agak terpelajar.

Percubaan ke arah pembaharuan yang pen¬ting dalam perkembangan bangsawan


telah dilakukan oleh seorang wartawan di Singapura pada tahun 1930. Abdullah
Munshi, telah mengarang empat atau lima buah cerita untuk dipentaskan oleh
kumpulan City Opera, dan ia sendiri telah mengarah pementasan-pementasan
tersebut dengan menggunakan skrip yang dikarangnya, dan pelakon-pelakon
dikehendaki menghafal skrip tersebut. Abdullah sendiri bukanlah seorang pelakon.
Cerita-ceritanya adalah cerita-cerita sejarah tanpa unsur-unsur dongeng dengan jin,
peri dan sebagainya seperti yang ter¬dapat dalam cerita-cerita bangsawan. Bentuk
persembahannya masih lagi tidak berbeza dengan persembahan-persembahan
bangsawan yang lain. Abdullah belum mencuba menghasilkan cerita-cerita dari
kehidupan sezamannya. Namun percubaannya memasukkan penggunaan skrip ke
dalam bangsawan adalah suatu pembaharuan yang penting dalam perkembangan
teater Melayu. Cuma kerana teknik menghafal skrip yang dianjurkannya itu
ber¬lawanan dengan amalan bangsawan dan menimbulkan kesukaran-kesukaran di
samping kurang sesuai dengan semangat persembah¬an, khususnya lakonan
bangsawan, percubaannya tidak mendapat sambutan dari artis-artis bangsawan
yang lain. Dan teater Melayu pun terus berjalan tanpa penggunaan skrip.

Cerita "moden" dalam ertikata digubah berdasarkan peristiwa-peristiwa dari


masyarakat sezaman selewat-lewatnya telah dipentaskan oleh bangsawan pada
tahun 1932, iaitu "Anak Derhaka", yang dipentaskan di Johor. Oleh kerana "Anak
Derhaka" dipentaskan sesudah kedatangan kumpulan Miss Ribut, kemungkinan dia
dipengaruhi oleh drama-drama Miss Ribut tidaklah dapat dinafikan. Tetapi kita juga
harus ingat bahawa dua tahun sebelum kedatangan kumpulan teater dari Indonesia
itu majalah Tecuan Muda telah membuat kritik yang membina terhadap bangsawan,
di mana satu daripada lima syor yang dikemukakannya untuk memperbaiki mutu
bangsawan ialah: cerita-cerita kayangan yang senantiasa saja di pertunjukkan itu
patutlah ditukar terkadang-kadang dengan cerita-cerita yang berkenaan dengan hal
ehwal kehidupan bangsa kita pada zaman sekarang ini - iaitu bagaimana
kelemahannya, kehendaknya, kemahuannya dan seumpamanya.

Kritik ini besar kemungkinannya telah mempengaruhi dan menggerakkan hati


pengarah-pengarah bangsawan waktu itu untuk mencipta clan mementaskan cerita-
cerita yang realistik, yang mencerminkan kehidupan sezaman. Ini bererti desakan ke
arah pemodenan cerita-cerita bangsawan telah pun dilakukan oleh pengarang-
pengarang tempatan lebih awal dari kedatangan pengaruh dari Indonesia."Anak
Derhaka" mengisahkan seorang pemuda, Ahmad, setelah ditinggalkan oleh ibu
bapanya kerana pergi menunaikan fardhu haji ke Mekah. Ia telah menderhakai
keluarganya dengan menghalau anak isterinya setelah mengambil seorang
perempuan jahat menjadi isteri mudanya. Semua hartanya ditukar hak miliknya,
kepada isteri mudanya. Apabila ibu bapanya pulang dari Mekah, berlakulah
pertengkaran antara Ahmad dengan ibu bapa¬nya serta isteri tuanya, Esah. Kerana
ibu bapanya menyebelahi Esah, mereka pun dihalau oleh Ahmad. Selepas itu Ahmad
pula dihalau oleh isteri mudanya yang selama ini memang menyimpan seorang
kekasih. Berlaku pergaduhan yang akhirnya mengakibatkan Ahmad ditangkap dan
dihukum penjara selama lima tahun. Sementara itu Muhammad, adik Ahmad, yang
selama ini belajar di Malay College Kuala Kangsar telah tamat pengajiannya clan kini
bekerja sebagai O.C.P.D. di Kelang. Anak isteri Ah¬mad dan ibu bapanya semua
tinggal bersama Muhammad. Setelah selesai tempoh hukumannya, Ahmad pun
keluar dari penjara dan pergi ke Kelang. Secara kebetulan di situ bertemulah semula
Ah¬mad dengan keluarganya. Ahmad menyesali perbuatannya dan meminta ampun.

Selepas "Anak Derhaka", didapati ada sebanyak sembilan buah lagi drama
moden/baru bangsawan yang telah dipentaskan dalam tahun-tahun tiga puluhan.
Drama-drama itu ialah "Antara Dua Peti Mati," "Siapa Salah", "Apa kata Hukum
Syarak" (atau "Dunia Terbalik"), "Gunung Banang", "Hassan Hasnah" (atau
"Keranda Berdarah"), "Doktor Chepta", "Dua Puluh Lima 'Tahun Dalam Rahsia",
"Bukan Kerana Ilmu", dan "Fatimah di Rimba Bambu". Dari segi tema, "Anak
Derhaka" dapatlah dikatakan ber¬ternakan moral. Lain-lain drama yang
mempunyai tema yang sama ialah "Doktor Chepta", "Bukan Kerana Ilmu" clan
"Fatimah di Rimba Bambu". Drama-drama yang mengemukakan tema dan
persoalan moral adalah bersifat didaktik, bertujuan untuk memberi pelajaran dan
contoh kepada masyarakat: Bahawa orang yang berada di pihak yang salah dan jahat
akhirnya tidak akan selamat, manakala orang yang berada di pihak yang baik dan
benar akhir¬nya akan menang. Ishak dalam "Bukan Kerana Ilmu" adalah suami
yang suka mencari hiburan dengan perempuan-perernpuan di luar rumah dan selalu
meninggalkan isterinya manakala Hamidah ialah isteri yang setia clan berbakti
terhadap suaminya. Dengan suatu taktik yang halus dan lucu akhirnya Hamidah
dapat menginsatkan suaminya sehingga ia bertaubat tidak akan berpoya-poya lagi.
"Bukan Kerana Ilmu" ialah karya Mat Dadida dan telah dipentaskan pertama
kalinya oleh kumpulan Odeon Star di Pulau Pinang pada tahun 1939.

"Fatimah di Rimba Bambu" yang tidak diketahui pengarangnya pernah dipentaskan


di Singapura pada tahun 1937 dan kemudian di pentaskan oleh kumpulan Diamond
Star di bawali arahan Raden Saanan di Taiping, Perak pada tahun 1942. Idrus telah
dihukum dengan cara diikat pada pokok dan dikawal selama dua bulan oleh
Penghulu Pulau Seribu kerana mencederakan All dan kawannya dalam satu
perkelahian. Perkelahian itu berpunca bila Ali bertemu dengan Idrus sedang
bercakap berdua-duaau dengan Fatimah yang sudah menjadi tunangnya. Fatimah
sebenarnya ialah kekasih Idrus yang ditunangkan secara paksa dengan Ali, pemuda
kaya dari Singapura yang diambil oleh penghulu menjadi anak angkatnya. Dengan
pertolongan bapa saudaranya, Idrus dapat melepaskan diri dan lari ke Singapura. Di
Singapura dia menggadaikan cincin pertunangan Fatimah dengan Ali yang diberikan
oleh Fatimah kepadanya. Rupa-rupanya cincin itu adalah cincin yang dicuri oleh Ali
dan dia sedang dicari oleh polis. Ali akhirnya berjaya ditangkap oleh polis sewaktu
upacara perkah-winannya dengan Fatimah. Penghulu menyesali tindakannya yank
kurang usul periksa, dan Idrus pun selamat kembali kepada keluarga dan
kekasihnya.
....... bersambung Bahagian 2
SEJARAH PERKEMBANGAN DRAMA
A. Latar Belakang
Pada dasarnya karya sastra terbagi menjadi tiga genre, yaitu prosa, puisi, dan drama.
Ketiga genre sastra ini berkembang seiring dengan perkembangan zaman. Namun
perkembangan antara ketiga genre sastra ini tidak sama, ada yang berkembang dengan pesat
dan adapun yang berkembang tahap demi tahap. Seperti perkembangan drama misalnya.

Pementasan Drama kelas B, berjudul Dg. Suro

Perkembangan drama di Indonesia tak sesemarak dan setua perkembangan puisi dan
prosa. Jika puisi dan prosa mengenal puisi lama dan porsa lama, tak demikianlah dengan drama.
Genre sastra drama di Indonesia benar-benar baru, seiring dengan perkembangan pendidikan
di Indonesia, muncul pada tahun 1900-an.
Drama adalah karya sastra yang ditulis untuk dipentaskan. Orang seringkali bingung
membedakan antara drama, yang berkaitan dengan teks tertulis, atau naskah, atau script, untuk
pementasan, dengan teater, yang menyangkut pementasan naskah drama atau script tersebut.
Banyak sekali karya sastra terkenal, berpengaruh besar, serta bergengsi, ditulis dalam bentuk
drama. Mulai dari tragedi-tragedi Yunani tentang Aeschylus, Sopochles, dan Euripides dan
berkembang terus hingga drama-drama besar karya William Shakespeare dari Inggris, Moliere
dari Perancis, Johan Wolfgang von Goethe dari Jerman, Henrik Ibsen dari Norwegia, dan
August Strindberg dari Swedia. Di Barat, penghargaan terhadap drama begitu tinggi. Dalam
perkembangannya drama semakin mendapat tempat karena naskah-naskah tidak lagi hanya
dipentaskan di panggung seperti Broadway, tetapi juga diangkat ke layar kaca atau layar lebar.
Dengan semakin canggihnya perfilman, para penulis drama atau script film mendapat
penghargaan yang tinggi pula karena sehebat apapun sebuah film, pada mulanya dia adalah
sebuah screenplay atau script yang digarap sedemikian rupa oleh seorang sutradara beserta
seluruh crew pembuat film (film maker). Jadi sebuah film dibuat oleh banyak orang, mulai dari
penulis naskah dramanya (script writer), produser, sutradara, kameraman, hingga sopir yang
membantu team pergi syuting ke sana kemari.
Berdasarkan uraian di atas, penulis menyusun sebuah makalah yang berjudul “
Perkembangan Drama di Indonesia”.

B. Rumusan Masalah
Atas dasar latar belakang di atas, akhirnya dapat diperoleh beberapa rumusan masalah,
yaitu:
1. Bagaimana perkembangan drama pada taraf awal?
2. Bagaimana pengaruh kepercayaan ( Hindu, Budha, Kristen, dan islam) pada drama?
3. Bagaimana drama pada masa prakolonialisme dan Jepan?
4. Bagaimana drama pada zaman modern?

BAB II
PEMBAHASAN

Istilah drama dan teater seyogianya dibedakan artinya. Drama dimaksudkan sebagai
karya sastra yang dirancang untuk dipentaskan di panggung oleh para aktor di pentas,
sedangkan teater adalah istilah lain untuk drama dalam pengertian yang lebih luas, termasuk
pentas, penonton, dan tempat lakon itu dipentaskan. Di samping itu salah satu unsur penting
dalam drama adalah gerak dan dialog. Lewat dialoglah, konflik, emosi, pemikiran dan karakter
hidup dan kehidupan manusia terhidang di panggung. Dengan demikian hakikat drama
sebenarnya adalah gambaran konflik kehidupan manusia di panggung lewat gerak
A. Perkembangan Taraf Awal
Sastra drama di Indonesia ditulis pada awal abad 19, tepatnya tahun 1901, oleh seorang
peranakan Belanda bernama F. Wiggers, berupa sebuah drama satu babak berjudul Lelakon
Raden Beij Soerio Retno. kemudian bermunculanlah naskah-naskah drama dalam bahasa
Melayu Rendah yang ditulis oleh para pengarang peranakan Belanda dan/ atau Tionghoa.
Di Indonesia pada awalnya dikenal ada dua jenis teater, yaitu:
1. Teater klasik
Teater kalsik lahir dan berkembang dengan ketat di lingkungan istana, jenis teater klasik
lebih terbatas, dan berawal dari teater boneka dan wayang orang. Teater boneka sudah dikenal
sejak zaman prasejarah Indonesia (400 Masehi). Teater klasik sarat dengan aturan-aturan baku,
membutuhkan persiapan dan latihan suntuk, membutuhkan referensi pengetahuan, dan nilai
artistik sebagai ukuran utamanya.

2. Teater rakyat
Teater rakyat tak dikenal kapan munculnya. Teater rakyat lahir dari spontanitas kehidupan
masyarakat pedesaan, jauh lebih longgar aturannya dan cukup banyak jenisnya. Teater rakyat
diawali dengan teater tutur. Pertunjukannya berbentuk cerita yang dibacakan, dinyanyikan
dengan tabuhan sederhana, dan dipertunjukkan di tempat yang sederhana pula. Teater tutur
berkembang menjadi teater rakyat dan terdapat di seluruh Indonesia sejak Aceh sampai Irian.
Meskipun jenis teater rakyat cukup banyak, umumnya cara pementasannya sama.
Perlengkapannya disesuaikan dengan tempat bermainnya, terjadi kontak antara pemain dan
penonton, serta diawali dengan tabuhan dan tarian sederhana. Dalam pementasannya diselingi
dagelan secara spontan yang berisi kritikan dan sindiran. Waktu pementasannya tergantung
respons penonton, bisa empat jam atau sampai semalam suntuk.
Contoh-contoh teater rakyat adalah sebagai berikut:
1) Makyong dan Mendu di daerah Riau dan Kalimantan Barat,
2) Randai dan Bakaba di Sumatera Barat,
3) Mamanda dan Bapandung di Kalimantan Selatan,
4) Arja, Topeng Prembon, dan Cepung di Bali,
5) Ubrug, Banjet, Longser, Topeng Cirebon, Tarling, dan Ketuk Tilu di Jawa Barat,
6) Ketoprak, Srandul, Jemblung, Gatoloco di Jawa Tengah,
7) Kentrung, Ludruk, Ketoprak, Topeng Dalang, Reyog, dan Jemblung di Jawa Timur,
8) Cekepung di Lombok,
9) Dermuluk di Sumatera Selatan dan Sinlirik di Sulawesi Selatan,
10) Lenong, Blantek, dan Topeng Betawi di Jakarta dan sebagainya,
11) Randai di Sumatera Barat.
Pada dasarnya, drama pada perkembangan taraf awal hanya berupa:

1. Kegiatan ritual keagamaan (bersifat puitis, melafalkan mantra-mantra).


2. Pemvisualan dalam bentuk tari dan musik.
3. Jenis tontonan, pertunjukan, hiburan tetapi cerita bukan masalah utama, cerita berupa
mitos atau legenda. Drama bukan cerita tetapi penyampaian cerita yang sudah ada.
4. Dilakukan oleh kalangan tertentu karena sebagai kegiatan yang khidmat dan serius.
5. Kekaguman terhadap pemain karena sifat supernatural.
6. Cerita bersifat sakral, maka diperlukan seorang pawang ada persyaratan dan aturan
ketat bagi pemain dan penonton tidak boleh melanggar pantangan, pamali, dan tabu.
7. Sebagai pelipur lara.
8. Sebagai sarana mengajarkan ajaran agama (Hindu, Budha, Islam).
9. Melahirkan kesenian tradisional. Ciri-ciri kesenian tradisional menurut Kayam 1981:
44 kesenian tradisional-termasuk didalamnya teater-yaitu bentuk kesenian yang yang
hidup dan berakar dalam masyarakatdaerah yang memelihara suatu tradisi bidaya
daerah, akan memiliki ciri-ciri ketradisionalan dan kedaerahan. Ciri-ciri kesenian
tradisional, yang di dalam pembicaraan ini dimaksudkan sebagai teater tradisional,
menurut Umar Kayam adalah:

a. Ruang lingkup atau jangkauan terbatas pada lingkungan budaya yang mendukungnya.
b. Berkembang secara perlahan sebagai akibat dari dinamika yang lamban dari masyarakat
tradisional.
c. Tidak spesialis.
d. Bukan merupakan hasil kreativitas individu, tetapi tercipta secara anonim bersama dengan sifat
kolektivitas masyarakat yang mendukungnya.

10. Sebagai konsekuensi kesenian tradisional, teater tradisional mempunyai fungsi bagi
masyarakat. Fungsi yang dilaksanakan oleh masyarakat pendukungnyalah yang
menyebabkan salah satu faktor mengapa teater tradisional ini tetap bertahan di dalam
masyarakatnya. Fungsi teater tradisional sebagaimana kesenian lainnya bagi
masyarakat pendukungnya adalah seperti dirumuskan berikut ini:

a. Sebagai alat pendidakan (topeng jantu dari Jakarta untuk nasehat perawinan/rumah tangga)
b. Sebagai alat kesetiakawanan sosial.
c. Sebagai sarana untuk menyampaikan kritik sosial.
d. Alat melarikan diri sementara dari dunia nyata yang membosanakan.
e. Wadah pengembangan ajaran agama.

B. Pengaruh Kepercayaan ( Hindu, Buddha, Kristen, dan Islam) pada Drama


Tradisi teater sudah ada sejak dulu dalam masyarakat Indonesia,karena pada saat itu
masyarakat Indonesia yang masih menganut paham/kepercayaan terhadap animisme dan
dinamisme, maka dari itu setiap upacara adat dan keagamaan teater selalu dipentaskan untuk
mengiringi upacara tersebut. Teater biasanya dipertunjukkan di pesta perkawinan,selamatan
dan sebagainya. Adapun fungsi teater saat itu adalah sebagai:
1. pemanggil kekuatan gaib,
2. menjemput roh pelindung untuk hadir di tempat pertunjukan,
3. memanggil roh baik untuk mengusir roh jahat,
4. peringatan nenek moyang dengan mempertontonkan kegagahan/kepahlawanan,
5. pelengkap upacara sehubungan dengan peringatan tingkat hidup seseorang, dan
6. pelengkap upacara untukk saat tertentu dalam siklus waktu.

C.Perkembangan Drama Pada Masa Kolonial dan Jepan


1. Belanda
Sepanjang tahun 1930-an para dramawan pribumi kita umumnya adalah sastrawan yang
tidak begitu akrab dengan seni pertunjukan sehingga naskah-naskah yang mereka buat
digolongkan dalam drama kamar, jenis yang lebih merupakan bacaan daripada bahan
pementasan. Para sastrawan muda angkatan Sanusi Pane mendapatkan pendidikan di sekolah
menengah Belanda yang memberikan pengetahuan mengenai kesenian sekitar tahun 1880-an
di negeri itu. Itulah sebabnya angkatan 1880-an yang muncul di negeri Belanda menjadi acuan
bagi perkembangan drama romantic di Indonesia. Dalam rangka pengaruh itu, muncullah
drama-drama yang menunjukkan perhatian mereka terhadap masa lampau dan negeri asing
seperti Sandyakalaning Majapahit yang berlatar zaman klasik dan Manusia baru yang berlatar
negeri asing untuk mengungkapkan idialisme dan simpati mereka terhadap kaum tertindas.
2. Jepang
Dalam Periode Drama Zaman Jepang setiap pementasan drama harus disertai naskah
lengkap untuk disensor terlebih dulu sebelum dipentaskan. Dengan adanya sensor ini, di satu
pihak dapat menghambat kreativitas, tetapi di pihak lain justru memacu munculnya naskah
drama. Perkembangan drama boleh dikatakan praktis berubah ke arah lain ketika pada awal
tahun 1940-an para pemerintah Jepang menguasai militer Indonesia dan menentukan dengan
tegas bahwa segala jenis seni, tak terkecuali pertunjukkan, harus dipergunakan sebagai alat
propaganda untuk mendukung gagasan Asia Timur Raya. Sensor sangat ketat dari pemerintah
militer Jepang menyebabkan dramawan kita tidak bias berbuat lain kecuali mematuhinya
dengan menghasilkan sejumlah drama yang dianggap bisa menyebarluaskan gagasan dasar
Asia Timur Raya, tujuan utama Jepang dalam melakukan ekspansi ke Asia Timur dan
Tenggara. Dengan demikian muncullah drama seperti karya Merayu Sukma, Pandu Pertiwi.
Karya Merayu Sukma jelas-jelas menggunakan simbol-simbol dalam rangka menyebarluaskan
gagasan militerisme, suatu hal yang pada dasarnya dilakukan juga oleh Rustam Efendi dalam
Bebasari, tetapi tujuan penulisannya berbeda, bahkan berlwanan. Bebasari adalah drama yang
mempropogandakan gagasan kemerdekaan sebagai lakon simbolis sementara Pandu Pertiwi
adalah drama yang memaksakan pelaksanaan gagasan militerisme Jepang. Persamaannya
adalah keduanya menggunakan simbol-simbol dalam teknik penulisannya.

C. Perkembangan Drama Pada Masa Modern


Pada Periode Drama Sesudah Kemerdekaan naskah-naskah drama yang dihasilkan
sudah lebih baik dengan menggunakan bahasa Indonesia yang sudah meninggalkan gaya
Pujangga Baru. Pada saat itu penulis drama yang produktif dan berkualitas baik adalah Utuy
Tatang Sontani, Motinggo Boesye dan Rendra. Pada Periode Mutakhir peran TIM dan DKJ
menjadi sangat menonjol. Terjadi pembaruan dalam struktur drama. Pada umumnya tidak
memiliki cerita, antiplot, nonlinear, tokoh-tokohnya tidak jelas identitasnya, dan bersifat
nontematis. Penulis-penulis dramanya yang terkenal antara lain Rendra, Arifin C. Noer, Putu
Wijaya, dan Riantiarno.
Kini kita berpaling ke drama-drama modern yang menggunakan naskah. Kiranya
sukses drama tradisional dalam kemandiriannya tidak dapat diwarisi oleh grup-grup drama
modern. Walaupun begitu kehadiran mereka dalam khasanah sastra Indonesia merupakan
fenomena yang tidak dapat dilupakan. Kita kenal nama-nama besar seperti Bengkel Teater,
Teater Populer, Teater Starka, Teater Alam, dan sebagainya. Profesionalisme dalam
berkesenian belum cukup untuk menjawab tantangan jaman. Dibutuhkan pengelola keuangan
dan organisator yang mampu memanjangkan nafas hidup group-group teater modern. Paling
tidak teater modern membutuhkan impresario atau tokoh semacam itu.
Di berbagai kota, banyak dramawan-dramawan muda yang masih memiliki idealisme tinggi
meneruskan kegiatan berteater meskipun secara finansial tidak menjajikan perbaikan nasib. Di
Surakarta, kehidupan Taman Budaya Surakarta (TBS) dimotori oleh dramawan-dramawan
muda, seperti Hanindrawan, Sosiawan Leak, dan dramawan-dramawan muda dari 9 fakultas di
UNS, serta dari perguruan tinggi lain di Surakarta.

BAB III
PENUTUP

A. Simpulan
1. Di Indonesia pada awalnya ada dua jenis teater, yaitu teater klasik yang berkembang dengan
sangat ketat di lingkungan istana, dan teater rakyat.
2. Teater memilki kaitan penting dengan keagamaan pada masyarakat Indonesia pada saat dulu
karena teater seringkali di pentaskan pada upacara adat dan keagamaan
3. Naskah drama yang dibuat pada masa kolonial disebut sebagai drama dalam kamar.
4. Dalam periode drama masa jepan setiap pementasan harus disertai naskah lengkap untuk
disensor terlebih dahulu untuk di pentaskan.
5. Pada Periode Drama Sesudah Kemerdekaan naskah-naskah drama yang dihasilkan sudah lebih
baik dengan menggunakan bahasa Indonesia yang sudah meninggalkan gaya Pujangga Baru.

B. Saran
Berdasarkan pada simpulan di atas, maka disarankan kepada mahasiswa agar membaca
makalah ini dengan jelas yang nantinya dapat dijadikan sebagai bahan penunjang dalam proses
pembelajaran di kelas khususnya ketika berusaha mengkaji perkembangan drama di Indonesia.

DAFTAR PUSTAKA

Anonim. Sejarah teater di Indonesia.(online). Diakses tanggal: 7 Oktober 2011


Damono,Sapardi Djoko. Kesusastraan Indonesia Sebelum Kemerdekaan. PDF. (Online).Diakses
tanggal: 7 Oktober 2011
Pradopo, Rachmat Djoko. 2005. Kritik Sastra Indonesia Modern. Yogyakarta: Gama Media.
Ninung P., Theresia. 02 November 2009. Seluk beluk drama di
Indonesia.http://massofa.wordpress.com/2009/11/02/seluk-beluk-drama-di-
indonesia/.(online). Diakses tanggal: 7 Oktober 2011
Rahmanto, B. Selasa, 08 Februari 2011. Sejarah Perkembangan Drama dan Teater
Indonesia.http//Rahmanto.com.2011/0208//sejarah-perkembangan-Drama-dan-Teater-
Indonesia/.(online). Diakses tanggal: 7 Oktober 2011
Sisgo, Ardianta. Perkembangan Drama dan Teater. http//ardianta.
com./perkembangan/drama/dan/drama/.(online). Diakses tanggal: 7 Oktober 2011
MENGENAL SEJARAH DRAMA

SEJARAH DRAMA

Oleh D. Ipung Kusmawi*

Membicarakan drama tidak akan lengkap bila tidak mengenal sejarah drama itu

sendiri. Sebagaimana bentuk karya lainnya, drama terlahir melalui proses kreativitas yang

cukup panjang. Sejak berabad-abad, para penggiat drama terus melakukan eksplorasi hingga

melahirkan berbagai jenis dan bentuk pementasan drama. Meskipun waktu dan tempat

pertunjukan drama yang pertama kali dimulai tidak diketahui secara pasti, namun teori

tentang asal mulanya bisa ditelusuri berdasarkan hal-hal berikut:

- Drama berasal dari upacara agama primitif. Proses ritual yang semula hanya berisi puji-pujian

serta gerak yang sederhana mulai ditambahi dengan unsur cerita hingga berkembang

menjadi pertunjukkan drama.

- Drama berasal dari nyayian untuk menghormati seorang pahlawan di

kuburannya. Dalam prosesnya, seseorang akan mengisahkan riwayat hidup sang

pahlawan dengan penuh ekspresi penghayatan. Karena adanya respon dari para

penontonnya, riwayat tersebut disampaikan sambil diperagakan dalam bentuk pertunjukkan

drama.

- Drama berasal dari kegemaran manusia mendengarkan cerita baik tentang kisah perburuan,

kepahlawanan, perang, maupun kisah-kisah lainnya. Dengan segala kreatifitasnya, manusia

kemudian memanggungkan cerita itu ke atas pentas drama.

Bab berikut mendeskripsikan sejarah perkembangan drama yang dimulai dari

perkembangan drama di dunia barat, sebelum akhirnya membicarakan perkembangan drama

di Indonesia.

a. Sejarah Drama Dunia

1. Drama Zaman Yunani

Seperti dibicarakan pada bagian awal, bahwa drama berasal dari zaman Yunani Kuno.

Titik tolak dari pandangan ini bermula dari kegiatan upacara ritual yang dilakukan oleh

masyarakat Yunani dalam menghormati keberadaan dewa sebagai penguasa bumi sekitar

tahun 600 SM. Dalam upacara-upacara keagamaan tersebut mereka mengadakan festival

tarian dan nyanyian hingga melahirkan dramawan masyhur bernama Thespis.


Tokoh Yunani lainnya yang terkenal dalam dunia drama adalah Plato, Aristoteles, dan

Sophocles. Dengan cara pandangnya yang berbeda, ketiga tokoh ini berperan penting dalam

meletakkan dasar-dasar dramaturgi yang dikenal sekarang. Plato yang terkenal dengan

karyanya The Republic memandang seni sebagai mimetik atau tiruan dari kehidupan

jasmaniah manusia. Aristoteles berpendapat berbeda, dia memandang karya seni bukan

hanya sebagai imitasi kehidupan fisik belaka tetapi harus juga dipandang sebagai karya yang

mengandung kebajikan dalam diri karya itu sendiri.

Berbeda dengan Plato dan Aristoteles, Sophocles (496-406 SM.)memandang seni

sebagai pelukisan manusia seperti seharusnya manusia. Drama-dramanya tidak

mempersoalkan kejahatan dan hukumannya secara abstrak. Sedangkan pola drama yang

digunakan selalu memunculkan tokoh berkepribadian kuat yang memilih jalan hidup meski

berat dan sulit hingga membuatnya menderita. Beberapa karya dramanya yang terkenal

yaitu Ayax, Antigone, Wanita-wanita Trachia, Oidipus Sang Raja, Electra, Philoctetes, dan

oidipus di Kolonus. Beberapa tokoh drama Yunani lainnya adalah Aeschylus (525-SM.),

Euripideus (484-406 SM), Aristophanes (448-380 SM), dan Manander (349-291 SM.).

Lakon- lakon drama yang terkenal di Yunani umumnya seputar kisah tragedi dan

komedi. Drama tragedi cenderung menyajikan kisah yang membuat penonton tegang,

takut, dan kasihan. Tokoh drama yang terkenal dalam drama tragedi zaman Yunani Kuno

adalah Aeskill (525-456 SM) dengan karyanya yang terkenal seperti Trilogi Oresteia, Orang-

orang Persia, Prometheus dibelenggu, dan Para Pemohon, Sophokles (496-406 SM) dengan

karyanya yang terkenal seperti; Trilogi Oidipus, Ajax, Wanita-wanita Trachia, dan Electra,

juga Euripides (484-406 SM) dengan karyanya yang terkenal seperti; Hercules, Medea,

Wanita-wanita Troya, dan Cyclop.

Drama komedi biasanya menyajikan kisah yang lucu, kasar dan sering mengeritik

tokoh terkenal pada waktu itu. Tokoh drama yang terkenal dalam drama komedi zaman

Yunani Kuno adalah Aristhipanes (445-385 SM) dengan karyanya yang terkenal seperti Para

Perwira, Lysistrata, dan Burung-burung, dan Menander (349-291 SM) dengan karyanya yang

terkenal yaitu Rasa Dongkol. Selain dua jenis drama tersebut, drama zaman Yunani

mengenal juga drama satyr, yaitu bentuk drama yang berupa komedi ringan dan pendek.
Unsur humor yang disajikan merupakan parodi terhadap mitologi. Karya satyre Yunani Kuno

yang diketahui hanya Cyclop karya Euripides.

Semua lakon yang sudah ditulis dalam bentuk naskah drama ini dipentaskan di

panggung terbuka yang berada di ketinggian. Panggung tersebut berada di tengah-tengah

yang dikelilingi oleh tempat duduk penonton yang melingkari bukit. Gedung pementasan

drama yang terkenal di Athena pada saat itu adalah Teater Dionysius di samping bawah bukit

Acropolis, pusat kuil kota Athena yang dapat menampung 14.000 penonton.

Dalam prosesnya, pementasan drama di Yunani seluruhnya dimainkan pria.Bahkan

peran wanitanya dimainkan pria dan memakai topeng. Hal ini disebabkan karena setiap

pemain memerankan lebih dari satu tokoh. Selain pemeran utama juga ada pemain khusus

untuk kelompok koor (penyanyi), penari, dan narator (pemain yang menceritakan jalannya

pertunjukan).

2. Drama Zaman Romawi

Pada zaman Romawi, drama mulai dipentaskan pada tahun 240 SM di kota Roma

oleh seniman Yunani yang bernama Livius Andronicus. Bentuk yang dipentaskan pada saat

itu adalah drama tragedi. Penulis drama tragedi lainnya yang terkenal adalah Lucius Annaeus

Seneca. Selain bentuk tragedi, drama zaman Romawi juga mementaskan bentuk komedi

meskipun dalam penyajiannya banyak mencontoh dan mengembangkan komedi baru Yunani.

Penulis drama tragedi zaman Romawi yang terkenal adalah Terence dan Plautus.

Karena merupakan hasil adaptasi dari drama Yunani, maka dalam konsep

pertunjukkan drama Romawi juga terdapat konsep pertunjukkan drama Yunani. Meski

demikian, drama zaman Romawi memiliki kebaruan-kebaruan dalam penggarapan dan

penikmatan yang asli dimiliki oleh masyarakat Romawi dengan ciri-ciri sebagi berikut :

1. Koor tidak lagi berfungsi mengisi setiap adegan.

2. Musik menjadi pelengkap seluruh adegan. Tidak hanya menjadi tema cerita tetapi juga

menjadi ilustrasi cerita.

3. Tema berkisar pada masalah hidup kesenjangan golongan menengah.

4. Karekteristik tokoh tergantung kelas yaitu orang tua yang bermasalah dengan anak-anaknya

atau kekayaan, anak muda yang melawan kekuasaan orang tua dan lain sebagainya.

5. Seluruh adegan terjadi di rumah, di jalan dan di halaman.


Dalam sejarahnya, drama zaman Romawi menjadi penting karena pengaruhnya pada

zaman Renaisance. Banyak penulis Renaisance yang mempelajari drama-drama Yunani

lewat saduran-saduran Romawinya, misalnya dramawan William Shakespeare. Namun

secara perlahan, drama Romawi mengalami kemunduran setelah bentuk Republik

diganti dengan kekaisaran tahun 27 Sebelum Masehi. Drama Romawi kemudian tidak

muncul lagi setelah terjadi penyerangan bangsa-bangsa Barbar serta munculnya kekuasaan

gereja. Pertunjukan drama terakhir yang diselenggarakan di Roma terjadi tahun 533 M.

3. Drama Abad Pertengahan

Drama abad pertengahan berkembang antara tahun 900 – 1500 M dengan mendapat

pengaruh dari Gereja Katolik. Dalam pementasannya terdapat nyanyian yang dilagukan oleh

para rahib dan diselingi dengan koor. Kemudian ada pagelaran ‘pasio’ seperti yang sering

dilaksanakan di gereja menjelang upacara Paskah sampai saat ini. Lakon yang dimainkan

mula-mula peristiwa kenaikan Yesus ke surga, sekitar cerita Natal, cerita-cerita dari bible,

hingga lakon tentang para orang suci (santo-santo).

Ketika gereja tidak memperbolehkan mementaskan drama di dalam gereja, maka

drama kemudian dipentaskan di jalan- jalan dan di lapangan. Hal ini berpengaruh pada

perubahan tema lakon yang lebih cenderung tentang kebajikan, kekayaan, kemiskinan,

pengetahuan, kebodohan, dan sebagainya. Pementasan drama seperti ini disebut drama

moral, karena mengajarkan adanya pertarungan abadi antara kejahatan dengan kebaikan

dalam hati manusia. Di tengah pementasan, biasanya dimasukkan unsur badut untuk

memancing tawa penonton karena jenuh menyaksikan pementasan yang berjalan lamban.

Ketika muncul reformasi sekitar tahun 1600 M, perkembangan drama abad pertengahan

mengalami kemunduran hingga lenyap sama sekali.

Ciri-ciri teater abad Pertengahan adalah sebagai berikut:

a) Dimainkan oleh aktor-aktor yang belajar di universitas sehingga dikaitkan dengan masalah

filsafat dan agama.

b) Aktor bermain di panggung di atas kereta yang bisa dibawa berkeliling menyusuri jalanan.

c) Dekor panggung bersifat sederhana dan simbolis.

d) Lirik-lirik dialog drama menggunakan dialek atau bahasa.

e) Dimainkan di tempat umum dengan memungut bayaran.

f) Tidak memiliki nama pengarang secara pasti untuk lakon yang dipentaskannya.
4. Drama Zaman Italia

Selama abad ke-17, Italia berusaha mempertahankan bentuk Commedia

dell’arte yang bersumber dari komedi Yunani. Pada tahun 1575 bentuk ini sudah populer di

Italia. Kemudian menyebar luas di Eropa dan mempengaruhi semua bentuk komedi yang

diciptakan pada tahun 1600. Ciri Khas Commedia Dell’arteadalah:

a) Menggunakan naskah lakon yang berisi garis besar cerita.

b) Para pemain dibebaskan berimprovisasi mengikuti jalannya cerita dan dituntut memilikik

pengetahuan luas yang dapat mendukung permainan improvisasinya.

c) Cerita yang dimainkan bersumber pada cerita yang diceritakan secara turun menurun.

d) Cerita terdiri dari tiga babak didahului prolog panjang.

e) Plot cerita berlangsung dalam suasana adegan lucu.

f) Peristiwa cerita berlangsung dan berpindah secara cepat .

g) Terdapat tiga tokoh yang selalu muncul, yaitu tokoh penguasa, tokoh penggoda, dan tokoh

pembantu.

h) Tempat pertunjukannya di lapangan kota dan panggung-panggung sederhana.

i) Setting panggung sederhana yaitu; rumah, jalan, dan lapangan.

Para penulis naskah komedi terkenal pada masa itu adalah Carlo Goldoni, dengan

karya-karyanya seperti: Hamba Dua Majikan (1745), Keluarga Pedagang Antik (1750), Si

Pendusta (1750), Nyonya Sebuah Penginapan (1753); dan Carlo Gozzi, dengan karya-

karyanya yang banyak mengambil tokoh-tokoh dongeng dan fantasi. Commedia dell’arte

mulai merosot dan tidak populer di Italia pada akhir abad ke-18. Sedang dalam tragedi, penulis

Italia yang menonjol pada abad itu adalah Vittorio Alfieri dengan karyanya yang terkenal

yaitu Saul (1784) dan Mirra (1786).

5. Drama Zaman Elizabeth

Pada awal pemerintahan Ratu Elizabeth I di Inggris (1558-1603), drama berkembang

dengan sangat pesatnya. Gedung-gedung pementasan besar bermunculan mengikuti

gedung pemntasan yang telah lebih dulu diangun atas prakarsa sang ratu. Salah satu gedung

pementasan terbesar yang disebut Globe, bisa menampung 3.000 penonton. Globe

mementaskan drama-drama karya William Shakespeare, penulis drama terkenal dari inggris

yang hidup dari tahun 1564 sampai tahun1616. Ciri-ciri teater zaman Elizabeth adalah:
a) Menggunakan naskah lakon yang dilaognya cenderung berbentuk puitis dan panjang-

panjang.

b) Penyusunan naskah lebih bebas , tidak mengikuti hukum yang sudah ada.

c) Pertunjukan dilaksanakan siang hari dan tidak mengenal waktu istirahat.

d) Tempat adegan ditandai dengan ucapan yang disampaikan dalam dialog para tokoh.

e) Tokoh wanita dimainkan oleh pemain anak-anak laki-laki, bukan pemain wanita.

f) Penontonnya berbagai lapisan masyarakat dan diramaikan oleh penjual makanan dan

minuman.

g) Corak pertunjukannya merupakan perpaduan antara teater keliling dengan teater sekolah

dan akademi yang keklasik-klasikan.

Dramawan paling terkenal pada zaman ini adalah William Shakespeare (1546-1616).

Selain Romeo dan Juliet, Shakespeare juga menulis beberapa naskah drama lainnya

seperti The Comedy of Error, A Midsummer Night’s Dream, The Merchant of Venice, Julius

Caesar, Hamlet, Macbeth, King Lear, Richard II, Richard III, Hnery V, dan sebagainya. Di

Indonesia, beberapa naskah drama karya Shakespeare diterjemahkan oleh Trisno Sumardjo,

Muh. Yamin, dan Rendra. Dramawan lainnya setelah Shakespeaer adalah Thomas Dekker,

Thomas Heywood, John Marston, Thomas Middleton, dan Christopher Marlowe.

Kegiatan drama di Inggris sempat mengalami kemunduran ketika kaum Puritan yang

berkuasa menutup dan melarang segala bentuk kegiatan pementasan drama. Namun setelah

Charles II berkuasa kembali, ia menghidupkan kembali kegiatan drama. Fase ini disebut

zaman restorasi. Adapun ciri- ciri teater pada zaman restorasi adalah:

a) Tema cerita bersifat umum dan penonton sudah mengenalnya.

b) Tokoh wanita diperankan oleh Pemain wanita.

c) Penonton tidak lagi semua lapisan masyarakat, tetapi hanya kaum menengah dan kaum

atasan.

d) Gedung teater mencontoh gaya Italia.

e) Pementasan diselenggarakan di gedung proscenium diperluas dengan menambah area

yang disebut apron sehingga terjadi komunikasi yang intim antara pemain dan penonton.

f) Setting panggung bergambar perspektif dan lebih bercorak umum, misalnya taman atau

istana.
6. Drama Zaman Perancis

Drama di Perancis merupakan penerus drama abad pertengahan, yaitu drama yang

mementingkan pertunjukan dramatik, bersifat seremonial dan ritual

kemasyarakatan. Beberapa kelompok drama amatir yang eksis pada masa itu dikelola oleh

para pengusaha seperti Confrerie de la Passion yang memiliki gedung pementasan yang

tetap di Paris sekitar tahun 1400. Kelompok ini memiliki monopoli di bawah lindungan istana

hingga tahun 1598 sebelum akhirnya disewa oleh rombongan Les Comedians du Roi.

Drama zaman Prancis memiliki

konsep penulisan naskah yang cenderung menggabungkan drama-drama klasik dengan

tema-tema sosial yang dikaitkan dengan budaya pikir kaum terpelajar. Perubahan besar

terjadi sekitar tahun 1630-an, ketika teori neoklasik dari Italia masuk ke Prancis. Pada waktu

itu di Prancis teori ini amat dipegang teguh dan dipatuhi lebih dari negara manapun. Dasar

dari teori neoklasik itu adalah:

a) Hanya ada 2 bentuk drama, yaitu tragedi dan komedi yang keduanya tak boleh dicampur.

b) Drama harus berisi ajaran moral yang disajikan secara menarik.

c) Karakter harus menggambarkan sifat umum, yang universal dan bukan individual.

d) Mempertahankan kesatuan waktu, tempat, dan kejadian.

Dramawan Perancis yang terkenal pada waktu itu adalah Pierre Corneille (1606–1684)

dengan karya-karya: Horace, Cinna, Polyceucte, dan Rodogune; Jean Racine (1639-1699)

dengan karya-karya: La Thebaide, Alexandre, Les Plaideurs; Moliere (1622-673) dengan

karya-karyanya yang sudah diterjemahkan ke dalam bahasa Indonesia: Sekolah Istri, Dokter

Gadungan, Cacad Bayangan, dan sebagainya.

Pada abad 18, drama di Perancis dimonopoli oleh pemerintah dengan Comedie

Francaise-nya. Secara tetap mereka mementaskan komedi dan tragedi, sedangkan bentuk

opera, drama pendek dan burlesque dipentaskan oleh rombongan drama Italia : Comedie

Italienne yang biasanya mementaskan di pasar-pasar malam. Sampai akhir

abad 18, Perancis menjadi pusat kebudayaan Eropa. Drama Perancis yang neoklasik menjadi

model di seluruh Eropa. Kecenderungan neoklasik menjalar ke seluruh Eropa.

7. Drama Abad 19
Abad 19 merupakan babak baru bagi proses perkembangan drama. Perpindahan

orang-orang berkelas ke kota karena Revolusi Industri turut menyebabkan perubahan pada

seni drama. Di Inggris, sebuah drama kloset atau naskah lakon yang sepenuhnya tidak dapat

dipentaskan mulai bermunculan. Tercatat beberapa nama penulis drama

kloset seperti Wordswoth, Coleridge, Byron, Shelley, Swinburne, Browning, dan Tennyson.

Baru pada akhir abad 19, drama di Inggris menunjukkan tanda-tanda kehidupan dengan

munculnya Henry Arthur Jones, Sir Arthur Wing Pinero, dan Oscar Wilde. Juga terlihat

kebangkitan pergerakan teater independen yang menjadi perintis pergerakan “Teater

Kecil” yang nanti di abad ke 20 tersebar luas, misalnyai Theatre Libre Paris, Die Freie

Buhne Berlin, independent Theater London dan Miss Horniman’s Theater Manchester yang
mana Ibsen, Strindberg, Bjornson, Yeats, Shaw, Hauptmann dan Synge mulai dikenal

masyarakat.

Selama akhir abad 19 di Jerman muncul dua penulis lakon kaliber internasional yaitu

Hauptmann dan Sudermann. Seorang doktor Viennese, Arthur Schnitzler, juga menjadi

dikenal luas di luar tempat asalnya Austria dengan naskah lakon yang ringan dan

menyenangkan berjudul Anatol. Di Perancis, Brieux menjadi perintis

teater realistis dan klinis. Sedangkan di Paris dikenal naskah drama berjudulCyrano de

Bergerac karya Edmond Rostand.

Sementara itu di Italia Giacosa menulis lakon terbaiknya yang banyak dikenal, As the

Leaves, dan mengarang syair-syair untuk opera, La Boheme, Tosca, dan Madame

Butterfly. Verga menulis In the Porter’s Lodge, The Fox Hunt, dan Cavalleria Rusticana, yang

juga lebih dikenal melalui opera Muscagni. Penulis lakon Italia abad 19 yang paling terkenal
adalah, Gabriel d’Annunzio, Luigi Pirandello dan Sem Benelli dengan lakon berjudul Supper

of Jokes yang dikenal di Inggris dan Amerika sebagai The Jest. Bennelli dengan lakon Love

of the Three Kings-nya dikenal di luar Italia dalam bentuk opera.

Di Spanyol Jose Echegaray menulis The World and His Wife; Jose Benavente dengan

karyanya Passion Flower dan Bonds of Interest dipentaskan di Amerika; dan Sierra

bersaudara dengan naskah lakon Cradle Song menjadi penghubung abad ke 19 dan 20,

seperti halnya Shaw, Glasworthy, dan Barrie di Inggris, serta Lady Augusta Gregory dan W.B.

Yeats di Irlandia.
Perkembangan drama di Amerika sampai abad 19 dikuasai oleh “Stock

Company” dengan sistem bintang. Stock Company merupakan sebuah rombongan drama

lengkap dengan peralatannya serta bintang-bintangnya yang rutin mengadakan perjalanan

keliling. Dengan dibangunnya jaringan kereta api pada tahun 1870-an, Stock Company makin

berkembang. Hal ini menyebabkan seni drama tersebar luas di seluruh Amerika hingga

memunculkan beberapa kelompok drama lokal. Stock company lenyap sekitar tahun 1900.

Sindikat teater berkuasa di Amerika dari tahun 1896-1915. Realisme kemudian menguasai

panggung-panggung drama Amerika pada Abad 19. Usaha melukiskan kehidupan nyata

secara teliti dan detail ini dimulai dengan pementasan-pementasan naskah-naskah sejarah.

Setting dan kostum diusahakan sepersis mungkin dengan zaman cerita. Charles Kenble

dalam memproduksi “King John” tahun 1823 (naskah Shakespeare) mengusahakan

ketepatan sampai hal-hal yang detail.

Zaman Realisme yang lahir pada penghujung abad 19 dapat dijadikan landas pacu

lahirnya seni drama modern di barat. Penanda yang kuat adalah timbulnya gagasan untuk

mementaskan lakon kehidupan di atas pentas dan menyajikannya seolah peristiwa itu terjadi

secara nyata. Gagasan ini melahirkan konvensi baru dan mengubah konvensi lama yang lebih

menampilkan seni drama sebagai sebuah pertunjukan yang memang dikhususkan untuk

penonton. Tidak ada lagi pamer keindahan bentuk akting dan puitika kata-kata dalam

Realisme. Semua ditampilkan apa adanya seperti sebuah kenyataan kehidupan.

8. Drama Modern

Drama modern pada dasarnya merupakan proses lanjutan dari kejayaan pementasan

drama sebelumnya yang dimulai sejak zaman Yunani. Perubahan yang nampak terdapat

pada hampir seluruh unsur drama pentas. Berbagai karakter tokoh di atas pentas

diekspresikan dengan konsep pementasan modern yang memiliki efek-efek khusus dan

teknologi baru dalam unsur musik, dekorasi, tata cahaya, dan efek elektronik. Gaya

permainannya pun cenderung didominasi realistis hingga mengalami kejenuhan dan lebih

menjurus pada gaya permainan yang eksperimental.

Perkembangan gaya eksperimental ditandai dengan banyaknya gaya baru yang lahir

baik dari sudut pandang pengarang, sutradara, aktor ataupun penata artistik. Tidak jarang

usaha para dramawan berhasil dan mampu memberikan pengaruh seperti gaya; Simbolisme,

Surealisme, Epik, dan Absurd. Tetapi tidak jarang pula usaha mereka berhenti pada produksi
pertama. Lepas dari hal itu, usaha pencarian kaidah artistik yang dilakukan oleh

seniman drama modern patut diacungi jempol karena usaha-usaha tersebut mengantarkan

kita pada keberagaman bentuk ekspresi dan makna keindahan.

Selain konsep dan bentuk pementasan yang modern, perkembangan drama modern

dunia juga ditandai dengan munculnya beberapa dramawan yang namanya mendunia seperti:

1. Henrik Ibsen (1828-1906) dari Norwegia dengan karyanya seperti Nora, Love’s Comedy,

Brand and Peer Gynt, A Doll’s House, An Enemy of the People, The Wild Duck, Hedda

Gabler, dan Rosmershom.

2. Augst Strindberg (1849-1912) dari Swedia dengan karyanya seperti Saga of the Folkung,

Miss Julia, The Father, A Dream Play, The Dance of Death, dan The Spook Sonata.

3. George Bernard Shaw (1856-1950) dari Inggris dengan karyanya seperti Man and Superman,

Arms and The Man, Major Barbara, Saint Joan, The Devil’s Disciple, dan Caesar and

Cleopatra.

4. William Butler Yeats (1884) dari Irlandia dengan karyanya seperti The Shadow of a Gunman,

Juno and the Paycock, The Plough and the Stars, The Silver Tassie, Within the

Gates, dan The Star Turns Red.

5. Emile Zola (1840-1902) dari Prancis dengan karya drama terkenalnya yaitu Therese

Raquin. Selain Zola, dramawan Prancis lainnya yang terkenal adalah Jean paul Sartre (1905-

....) dengan karyanya seperti Huis Clos dan Les Mouches.

6. Bertolt Bercht (1898-1956) dari Jerman dengan karyanya seperti Threepenny Opera, Mother

Courage, dan The Good Woman of Setzuan.

7. Luigi Pirandello (1867-1936) dengan karyanya seperti Right You Are, If You Think You Are,

As You Desire Me, Henry IV, Naked, Six Characters in Search of an Author, dan Tonight We

Improvise.

8. Federico Garcia Lorca (1889-1936) dari Spanyol dengan karyanya seperti The Shoemaker’s

Prodigius Wife, dan The House of Bernarda Alba.

9. Maxim Gorky (1868-1936) dari Rusia dengan karya drama terkenalnya yaitu The Lower

Depth.

10. Tennesse Williams (1914-....) dari Amerika dengan karyanya seperti Cat on a Hot Tin Roof,

Orpheos Descending, Baby Doll, dan Sweet Bird of Youth.


b. Sejarah Drama Indonesia

Bangsa kita sudah mengenal drama sejak jaman dulu. Keberadaannya ditandai

dengan adanya kegiatan ritual keagamaan yang dilakukan oleh para pemuka agama dan

diikuti oleh masyarakat sekitarnya. Karena kegiatan ritual keagamaan erat kaitannya dengan

kehidupan masyarakat, maka kegiatan ritual ini kemudian mengalami perkembangan

dengan dimasukannya unsur tari dan musik sesuai dengan perkembangan kehidupan

masyarakat itu pula. Dibanding dengan upacara-upacara ritual keagamaan di Barat,

upacara-upacara ritual di Indonesia sifatnya lebih puitis karena dilakukan dengan

cara mengucapkan mantera- mantera.

Pada perkembangan berikutnya, Berdasarkan cara-cara melakukan upacara

keagamaan itu lahirlah tontonan drama, yang kemudian berkembang sesuai dengan selera

masyarakat dan perkembangan zaman. Berdasarkan kurun waktunya, perkembangan

drama di Indonesia dikelompokkan menjadi drama atau teater tradisional, drama atau teater

transisi dan drama atau teater modern.

1. Drama atau Teater Tradisional

Sebelum masa kemerdekaan, Indonesia mengenal istilah drama tradisional yaitu

bentuk drama yang yang bersumber dari tradisi masyarakat lingkungannya. Drama

tradisional ini merupakan hasil kreatifitas berbagai suku bangsa Indonesia di beberapa

daerah. Dasar cerita yang digunakannya bersumber dari sastra lama seperti pantun, syair,

dongeng, legenda atau sastra lisan daerah lainnya. Karena bertolak dari sastra lisan inilah,

maka drama tradisional dipentaskan tanpa menggunakan naskah. Semua dialog serta gerak

laku aktor di atas panggung diungkapkan secara spontan dan hanya

mengandalkan improvisasi. Dalam penyajiannya, drama tradisional ini juga dilakukan

dengan menari menyanyi dengan diiringi oleh tetabuhan serta sisipan lelucon, dagelan, atau

banyolan.

Kemunculan drama tradisional di Indonesia antar daerah satu dengan daerah lainnya

sangat bervariasi. Hal ini disebabkan oleh unsur-unsur pembentuk teater tradisional itu yang

berbeda-beda, tergantung dari kondisi dan sikap budaya masyarakat, sumber dan tata-cara

di mana teater tradisional lahir.


Drama tradisional ini terbagi lagi menjadi drama atau teater tutur, drama atau teater

rakyat, serta drama ata teater wayang. Berikut ini disajikan beberapa bentuk teater

tradisional yang ada di daerah-daerah di Indonesia.

a) Drama atau Teater Tutur

Drama atau teater tutur merupakan suatu jenis pementasan drama yang bertolak dari

sastra lisan yang dituturkan dan belum diperagakan secara lengkap. Proses pementasannya

hanya dituturkan oleh dalang dan sering dilakukan dengan menyanyi serta diiringi oleh suatu

tabuhan. Berikut ini disajikan beberapa bentuk drama atau teater tutur yang ada di daerah-

daerah di Indonesia.

1) PMTOH di Aceh

Drama atau teater tutur di Aceh bermula dari pembacaan hikayat (peugah haba) yang

disampaikan oleh seorang penutur cerita yang hanya dilengkapi dengan sebilah pedang dan

bantal. Penampilan nyaris tanpa akting, dan agak sulit mengikuti alur cerita karena tidak

terjadi perubahan karakter tokoh. Penggiat drama tutur ini adalah Mak Lapee dan Teungku

Ali Meukek.

Drama atau teater tutur ini menjadi menarik setelah dikembangkan Teungku Adnan

dengan mempergunakan alat musik rapa’i, pedang, suling (flute), bansi (block flute) dan

mempergunakan proferti mainan anak-anak, serta kostum. Oleh Teungku Adnan dan para

apresiatornya pertunjukkan drama ini dinamai PMTOH. Nama ini diambil dari sebuah tiruan

bunyi klakson bus bernama P.M.T.O.H yang sering ditumpangi oleh Teungku Adnan ketika

hendak berjualan obat sambil menunjukkan kepiawaiannya bercerita. Kekuatan yang paling

mendasarkan dalam teater tutur P.M.T.O.H adalah daya improvisasi penyaji yang sangat

tinggi. Gaya komedikalnya membawakan hikayat masa lalu dikaitkan dengan peristiwa masa

kini.

2) Bakaba di Sumatera Barat

Bakaba merupakan drama rakyat dari Sumatera Barat yang dalam pertunjukkannya

dituturkan oleh sekurang-kurangnya dua tukang cerita dalam prosa liris yang dilagukan. Lagu

yang disampaikan disesuaikan dengan kebutuhan cerita. Untuk mengiringi tukang cerita

tersebut, biasanya digunakan musik pengiring seperti rebab, kecapi dan rebana. Pada saat

pertunjukkan tidak jarang terjadi komunikasi antara penutur cerita dengan para penonton.
Pertunjukkan Bakaba ini biasanya dilaksanakan apabila salah satu anggota keluarga

melangsungkan acara perkawinan, pesta panen atau menempati rumah baru.

3) Pantun Sunda dari Jawa Barat

Sesuai dengan arti kata pantun yaitu ‘padi’, pada awalnya pantun Sunda dihubungkan

dengan pemujaan terhadap Dewi Padi yaitu Nyi Pohaci, Kersa Nyai, atau Nyi Pohaci Sang

Hyang Sri. Pada perkembangan selanjutnya sering dilaksanakan pada upacara keluarga

seperti ruwatan, kelahiran, khitanan, perkawinan, kematian, dan nazar.

Cerita pantun kebanyakan memaparkan kerajaan-kerajaan Sunda lama seperti Galuh

dan Pajajaran. Cerita lain yang sering muncul antara lain ‘Munding Laya Dikusumah’,

‘sangkuriang’, ‘Ciung Wanara’, ‘Sumur Bandung’, ‘Sulanjaya’, ‘Kidang Pananjung’, dan lain-

lain. Cerita-cerita tersebut disampaikan oleh seorang juru pantun yang dibantu oleh dua orang

nayaga yaitu penabuh musik pengiring (kecapi).

4) Kentrung, dari Jawa Timur

Secara umum, kentrung merupakan bentuk drama berupa cerita yang disampaikan

secara lisan oleh dalang kentrung. Meski demikian, pengertian kata kentrung bisa dibedakan

menjadi dua, yakni berdasarkan penyingkatan dua kata dan bunyi yang dikeluarkan oleh

instrumen. Pengertian yang pertama, kentrung berasal dari kata Ngre’ken (menghitung )

dan Ngantung (berangan-angan). Maksudnya mengatur jalannya dengan berangan-

angan. Pengertian kedua berasal dari bunyi kata Kluntrang-Kluntrung yang artinya pergi dan

mengembara kesana kemari.

Kesenian kentrung banyak dijumpai di Jawa Tengah dan Jawa Timur khususnya di

derah pesisir timur selatan. Selain itu, juga terdapat di sentra daerah, misalnya Surabaya,

Jember, Pasuruan, Bojonegoro, Lamongan. Nganjuk dan Jombang. Kentrung biasanya

dipentaskan pada acara sunatan, tingkeban, perkawinan, atau ruwatan. Cerita yang disajikan

adalah prosa yang diselingi oleh puisi yang dilagukan dengan iringan tabuhan rebana,

gendang, angklung, lesung, terompet, dan lain-lain.

Sepanjang pementasanya Kentrung hanya diisi oleh seorang dalang yang merangkap

sebagai penabuh gendang dan ditemani oleh penyenggak serta para

personel yang memegang instrumen jidor, ketipung/kempling/timplung, dan kendang. Dalam


perkembangannya pemain kentrung sudah bisa berekspresi memerankan tokoh seperti

pemain ludruk dan kesenian ketoprak.

5) Cekepung di Lombok.

Cekepung berawal dari tiruan bunyi alat musik yang diujarkan cek...cek...cek...pung.

Cekepung pada dasarnya adalah seni membaca kitab lontar yang diiringi oleh instrumen

suling, dan beberapa peniruan bunyi alat musik oleh ujaran. Pemain cekepung sedikitnya

terdiri dari 6 orang pemusik dan penyanyi serta seorang pembaca lontar. Masing-masing

bertugas memainkan suling, redep (rebab, sejenis alat musik yang digunakan dalam kesenian

gambang keromong, Betawi). Kemudian ada pemaos (pembaca naskah

lontar), penyokong (pendukung), dan punggawa (penerjemah) naskah Lontar Monyeh

sebagai sumber cerita. Bahasa yang digunakan adalah bahasa Sasak dengan penjelasan

gerak tari, mimik wajah, dan lawakan.

6) Sinrilik di Sulawesi Selatan

Sinrilik merupakan pertunjukkan drama tutur yang dari Sulawesi Selatan (khususnya

daerah Gowa dan Maros) yang dinyanyikan dalam bahasa Makasar oleh seorang pasinrili dan

dimainkan para pemain dengan iringan keso-keso (rebab). Tema-tema sinrilik menyangkut

kepahlawanan, keagamaan dan cinta. Baik ceritanya maupun musiknya diimprovisasikan,

namun mampu membangkitkan perasaan, keindahan dan komedi.

Dulu Sinrilik hanya dipentaskan apabila raja yang meminta, namun kesenian ini

kemudian berubah bentuk menjadi pertunjukkan drama populer yang disenangi seluruh

lapisan masyarakat. Pertunjukkannya biasanya dilakukan di anjungan rumah atau halaman

pada acara-acara tertentu sperti syukuran, pesta panen, membangun rumah, dan

sebagainya. Sedangkan waktunya dilakukan siang hari atau malam setelah sembahyang isya.

7) Wayang Beber dari Pacitan

Wayang Beber berbentuk lukisan di atas kertas tentang wayang yang bergambar

seperti wayang kulit purwa. Lukisan wayang tergantung pada cerita yang disajikan, jadi

semacam komik tanpa dialog. Lukisan wayang terdiri dari enam gulung, dan setiap gulung

terdiri dari empat adegan. Sambil membeberkan lukisan itu, dalang bernarasi sambil diiringi

seperangkat gamelan, rebab, kendang, kenong, gong, dan lain-lain yang dipikul beberapa
pemusik. Pertunjukkan ini turun temurun artinya tidak bisa diturunkan atau diajarkan kepada

orang lain selain keluarga. Biasanya pertunjukkan untuk upacara ruwatan dan nazar saja.

b) Drama atau Teater Rakyat

Drama atau Teater Rakyat merupakan jenis drama yang berkembang dan hidup di

tengah masyarakat pedesaan. pada umumnya dilakukan secara spontan dengan cerita-

cerita yang hidup di daerah tersebut. Cerita-cerita tersebut biasanya diambil dari cerita lisan

atau diambil dari sastra lisan.

Seperti drama tutur, dalam pertunjukkannya jenis drama ini juga dilengkapi dengan

musik tradisional, tari-tarian, serta lagu. Jenis drama ini juga dikenal begitu akrab dengan

penontonnya. Humor atau banyolan selalu spontan muncul sebagai dialog segar dari para

aktor yang kadang bisa dijawab oleh para penontonnya. Berikut ini disajikan beberapa bentuk

drama atau teater rakyat yang ada di daerah-daerah di Indonesia.

1) Randai dari Sumatera Barat

Randai merupakan suatu bentuk teater tradisional yang bersifat kerakyatan yang

terdapat di daerah Minangkabau, Sumatera Barat. Randai hidup, berkembang, serta masih

digemari oleh masyarakatnya, terutama di daerah pedesaan atau di kampung-kampung.

Seperti drama tradisional lainnya di Minangkabau, cerita Randai bertolak dari sastra lisan

yang disebut “kaba” (dapat diartikan sebagai cerita).

Ada dua unsur pokok yang menjadi dasar Randai, yaitu.

a) Unsur penceritaan. Cerita yang disajikan adalah kaba, dan disampaikan lewat gurindam,

dendang dan lagu. Sering diiringi oleh alat musik tradisional Minang, yaitu salung, rebab,

bansi, rebana atau yang lainnya, dan juga lewat dialog.

b) Unsur laku dan gerak, atau tari, yang dibawakan melalui galombang. Gerak tari yang

digunakan bertolak dari gerak-gerak silat tradisi Minangkabau, dengan berbagai variasinya

dalam kaitannya dengan gaya silat di masingmasing daerah.

2) Lenong, dan Topeng Blantek di Jakarta.

(a) Lenong
Lenong merupakan drama rakyat dari Betawi (Jakarta). Selain lenong, di Jakarta

masih terdapat empat jenis drama rakyat lainnya seperti topeng Betawi, topeng blantek, dan

jipeng atau jinong. Pada kenyataannya keempat teater rakyat tersebut banyak

persamaannya. Perbedaan umumnya hanya pada cerita yang dihidangkan dan musik

pengiringnya. Cerita lenong umumnya mengandung pesan moral, yaitu berbuat kebajikan dan

melawan kejahatan. Berbagai cerita yang ditampilkan di atas panggung akan berkembang

dari lawakan-lawakan yang dirangkai-rangkai hingga menjadi pertunjukan semalam suntuk

dengan lakon panjang dan utuh.

Dalam pertunjukkannya, lenong menggunakan bahasa Betawi kental yang segar,

penuh humor, dan saling ledek. Drama jenis ini telah menggunakan panggung, dekorasi, dan

properti seperti meja dan dua buah kursi. Musik yang digunakan untuk mengiringi adegan

cerita dalam lenong adalah gambang, kromong, gong, kendang, kempor, suling, dan

kecrekan, serta alat musik unsur Tionghoa seperti tehyan, kongahyang, dan sukong.

Lenong berkembang sejak akhir abad ke-19 atau awal abad ke-20. Kesenian teatrikal

tersebut mungkin merupakan adaptasi oleh masyarakat Betawi atas kesenian serupa seperti

"komedi bangsawan" dan "teater stambul" yang sudah ada saat itu. Pada mulanya kesenian

ini dipertunjukkan dengan mengamen dari kampung ke kampung. Pertunjukan diadakan di

udara terbuka tanpa panggung. Selanjutnya, lenong mulai dipertunjukkan atas permintaan

pelanggan dalam acara-acara di panggung hajatan seperti resepsi pernikahan. Baru di awal

kemerdekaan, teater rakyat ini murni menjadi tontonan panggung.

Dalam perkembangan selanjutnya, terdapat dua jenis lenong yaitu lenong denes dan

lenong preman. Dalam lenong denes (dari kata denes dalam dialek Betawi yang berarti

"dinas" atau "resmi"), aktor dan aktrisnya umumnya mengenakan busana formal dan kisahnya

ber-seting kerajaan atau lingkungan kaum bangsawan, sedangkan dalam lenong preman

busana yang dikenakan tidak ditentukan oleh sutradara dan umumnya berkisah tentang

kehidupan sehari-hari. Selain itu, kedua jenis lenong ini juga dibedakan dari bahasa yang

digunakan; lenong denes umumnya menggunakan bahasa yang halus (bahasa Melayu

tinggi), sedangkan lenong preman menggunakan bahasa percakapan sehari-hari.

(b) Topeng Blantek

Menurut asal katanya, Blantek mengandung arti ‘campur aduk’ atau ‘tidak karuan’. Topeng

Blantek ini muncul di wilayah Jawa Barat bagian selatan Jakarta seperti Bojong Gede, Pondok
Rajeg, Citayem, dan Ciseeng. Cerita yang dimainkan biasanya pendek dan bernafaskan

Islam. Pada saat pergantian babak sering diperdengarkan lagu-lagu dzikir berbahasa Arab

atau lagu-lagu berbahasa Betawi. Musik pengiringnya terdiri dari rebab, kecrek, kromong,

kenong, dan gong.

3) Ludruk di Jawa timur.

Ludruk merupakan drama rakyat yang berasal dari daerah Jombang, Jawa Timur

selain reog dan jemblung. Dalam perkembangannya ludruk menyebar ke daerah-daerah

sebelah barat seperti karesidenan Madiun, Kediri, dan sampai ke Jawa Tengah. Ciri-ciri

bahasa dialek Jawa Timuran tetap terbawa meskipun semakin ke barat makin luntur menjadi

bahasa Jawa setempat.

Dibandingkan dengan kesenian drama rakyat lainnya, ludruk memiliki ciri khusus pada

para pemainnya yang semuanya diperankan oleh laki-laki. Untuk peran wanitapun dimainkan

oleh laki-laki. Hal ini terjadi karena pada zaman itu wanita tidak diperkenankan muncul di

depan umum.

Dengan menggunakan bahasa Jawa dialek Jawa Timuran yang segar dan penuh

humor, para pemain ludruk bisanya memainkan cerita tentang segala hal yang berhubungan

dengan lingkungan sekitarnya. Peralatan musik daerah yang digunakan untuk mengiringi

adegan terdiri dari kendang, cimplung, jidor dan gambang. sedangkan lagu-lagu (gending)

yang digunakan, yaitu Parianyar,Beskalan, Kaloagan, Jula-juli, Samirah, Junian.

4) Ketoprak di Jawa tengah.

Ketoprak merupakan drama rakyat yang begitu populer di Jawa Timur dan Jawa

Tengah terutama di daerah Yogyakarta selain Srandul, Jemlung, dan Gotoloco. Pada

mulanya ketoprak bukanlah sebuah tontonan, tapi hanya merupakan permainan orang-orang

desa yang sedang menghibur diri dengan menabuh lesung pada waktu bulan purnama, yang

disebut gejogan. Dalam perkembangannya ditambahi nyanyian, juga tarian hingga menjadi

suatu bentuk drama rakyat yang lengkap.

Kesenian ketoprak pertama kali ditemukan oleh Wreksodiningrat di Klaten. Dari

penemuan ini kemudian dikembangkan dengan menambahkan beberapa alat musik pengiring

seperti kendang, terbang, suling, dan kecrek. Pada tahun 1909, ketoprak pertama kali
dipentaskan di depan penonton. Cerita yang disajikan biasanya seperti ‘Damarwulan’, ‘Aji

Saka’, ‘Lara Mendut’, dan lain-lain.

Dalam pertunjukannya, ketoprak sangat memperhatikan bahasa yang digunakan.

Meskipun yang digunakan bahasa Jawa, namun harus diperhitungkan

masalah unggahungguh (tingkatan-tingkatan) bahasa. Selain itu, diperhatikan pula kehalusan

bahasa. Karena itu muncul yang disebut bahasa ketoprak, bahasa Jawa dengan bahasa yang

halus dan spesifik.

5) Ubrug dan Longser di Jawa Barat.

a) Ubrug

Ubrug merupakan teater tradisional bersifat kerakyatan yang terdapat di daerah

Banten. Bahasa yang digunakan dalam pertunjukkan ubrug adalah bahasa campuran daerah

Sunda, Jawa dan Melayu. Musik yang digunakan untuk megiringi drama ini terdiri dari iringan

musik gamelan dan goong buyung. Busana yang dikenakan para pemeran disesuaikan

dengan cerita yang dekat dengan kehidupans ehari-hari. Sedangkan untuk para penari

berbusana srimpian. Para pemain biasanya bertukar busana dan berhias di tempat pemusik.

Seperti drama rakyat lainnya, Ubrug dapat dipentaskan di ruang terbuka seperti

halaman rumah atau tanah lapang dengan menggunakan penerangan obor atau petromaks

yang disimpan di tengah arena pentas. Ubrug dipentaskan bukan saja untuk hiburan, tetapi

juga untuk memeriahkan suatu “hajatan”, atau meramaikan suatu “perayaan”. Untuk apa saja,

yang dilakukan masyarakat, ubrug dapat diundang tampil.

Cerita-cerita yang dipentaskan terutama cerita rakyat, sesekali dongeng atau cerita

sejarah Beberapa cerita yang sering dimainkan ialah Dalem Boncel, Jejaka Pecak, Si

Pitung atau Si Jampang (pahlawan rakyat setempat, seperti juga di Betawi). Gaya penyajian

cerita umumnya dilakukan seperti pada teater rakyat, menggunakan gaya humor (banyolan),

dan sangat karikatural sehingga selalu mencuri perhatian para penonton.

b) Longser

Menurut asala katanya, longser berasal dari kata melong (melihat)

dan seredet (tergugah). Artinya barang siapa melihat (menonton) pertunjukan, hatinya akan

tergugah. Pertunjukan longser sama dengan pertunjukan kesenian rakyat yang lain, yang

bersifat hiburan sederhana, sesuai dengan sifat kerakyatan, gembira dan jenaka. Sebelum
longser lahir, ada beberapa kesenian yang sejenis dengan Longser, yaitu lengger. Ada lagi

yang serupa, dengan penekanan pada tari, disebut ogel atau doger.

Longser merupakan jenis drama rakyat yang terdapat di wilayah Priangan seperti

Subang, bandung, dan sekitarnya. Pertunjukan longser hampir sama dengan drama rakyat di

Jawa Barat lainnya. Perbedaannya terdapat pada jenis-jenis tarian yang sering memasukkan

silat dan ketuk tilu yang dilengkapi dengan sinden atau juru kawih. Gamelan pengiring yang

digunakan adalah gamelan salendro dengan dua belas nayaga. Selian longser, ada juga jenis

kesenian drama rakyat lainnya seperti Banjet, Topeng Cirebon, Tarling, dan Ketuk tilu.

6) Mamanda dan Bapandung di Kalimantan Selatan.

Mamanda merupakan drama rakyat asli suku Banjar di Provinsi Kalimantan Selatan.

Menurut sejarahnya, pada tahun 1897 datang ke Banjarmasin suatu rombongan bangsawan

Malaka. Selain untuk kepentingan berdagang, rombingan ini juga memperkenalkan suatu

kesenian baru yang bersumber dari syair Abdoel Moeloek. Kesenian tersebut kemudian

dikenal dengan sebutan Badarmuluk. Seiring perkembangan zaman, sebutan untuk kesenian

ini berkembang menjadi bamanda atau Mamanda.

Ada dua jenis aliran dalam mamanda, yaitu:

1. Aliran Batang Banyu

Ciri khas dari liran ini adalah dari proses pementasannya yang dilakukan di perairan atau di

sungai. Aliran yang juga disebut Mamanda Periukdan berasal dari Margasari ini merupakan

cikal bakal Mamanda.

2. Aliran Tubau

Aliran yang berasal dari Desa Tubau Rantau ini merupakan perkembangan baru dari

Mamanda yang kini justru lebih terkenal dari Mamanda aliran Batang Banyu. Dalam

pementasannya, cerita yang diangkat tidak bersuber dari syair atau hikayat, namun dikarang

sendiri dan disesuaikan dengan perkembangan zaman. Struktur pertunjukkannya masih sama

seperti pementasan drama lainnya yang dimulai dari ladon atau konom, sidang kerajaan, dan

cerita. Pementasan aliran ini tidak mengutamakan musik atau tari, namun lebih

mengutamakan bagaimana isi ceritanya. Aliran ini dipentaskan di daratan sehingga juga

dikenal dengan sebutan Mamanda Batubau.


7) Makyong dari Riau

Makyong merupakan drama rakyat Melayu yang masih hidup sampai di Malaysia,

Singapura, bahkan Muangthai. Makyong yang paling tua terdapat di pulau Mantang, salah

satu pulau di daerah Riau. Pada mulanya kesenian Makyong berupa tarian joget atau

ronggeng. Dalam perkembangannya kemudian dimainkan dengan cerita-cerita rakyat,

legenda dan juga cerita-cerita kerajaan. Makyong juga digemari oleh para bangsawan dan

sultansultan, hingga sering dipentaskan di istana-istana.

Pertunjukkan makyong menggunakan media ungkap tarian, nyanyian, laku, dan dialog

dengan membawa cerita-cerita rakyat yang sangat populer di daerahnya. Cerita-cerita rakyat

tersebut bersumber pada sastra lisan Melayu. Drama ini dipertunjukkan di tempat terbuka

untuk keperluan hajatan. Semua pemeran yang sebgian besar wanita ini menggunakan

topeng dalam pertunjukkannya. Iringan musik yang digunakan adalah kendang, serunai,

rebab, gong, mong-mong (gong kecil) masing-masing satu buah.

Pementasan makyong selalu diawali dengan bunyi tabuhan yang dipukul bertalu-talu

sebagai tanda bahwa ada pertunjukan makyong dan akan segera dimulai. Setelah penonton

berkumpul, kemudian seorang pawang (sesepuh dalam kelompok makyong) tampil ke tempat

pertunjukan melakukan persyaratan sebelum pertunjukan dimulai yang dinamakan upacara

buang bahasa atau upacara membuka tanah dan berdoa untuk memohon agar pertunjukan

dapat berjalan lancar.

Penari dalam pertunjukan makyong

8) Arja di Bali.

Menurut asal katanya, Arja berasal dari bahasa Sansekerta “reja” yang kemudian

mendapat awalan “a” sehingga menjadi “areja” dan akhirnya berubah menjadi Arja yang

berarti keindahan atau mengandung keindahan. Sebagai suatu bentuk drama, Arja
merupakan seni drama yang sangat kompleks karena merupakan perpaduan dari berbagai

jenis kesenian yang hidup di Bali, seperti seni tari, seni drama, seni vokal, seni instrumentalia,

puisi, seni peran, seni pantomim, seni busana, seni rupa dan sebagainya. Di Bali, Arja masih

tersebar di banyak wilayah, seperti Bangli, Klungkung, Gianyar, Anlapura, Badung, Tabanan,

Jembrana, hingga Singaraja.

Arja menyajikan cerita kerajaan dan perwatakannya sangat diperngaruhi oleh adanya

kasta seperti Cerita Panji, Cerita Mahabarata, Ramayana dan sejenisnya.Pada tahapan

berikutnya, cerita dalam pertunjukkan Arja berkembang sampai cerita-cerita keseharian yang

dapat membuat orang sejenak melupakan segala permasalahan keluarga, pekerjaan dan

lainnya yang dialami pada siang hari sebelumnya.

Selain bentuk-bentuk drama rakyat di atas, masih banyak lagi jenis drama atau teater

rakyat lainnya baik yang berupa drama tutur maupun drama rakyat yang sudah diperagakan

yang semuanya tersebar di seluruh wilayah nusantara. Sebagian dari drama rakyat tersebut

telah mengalami perubahan sesuai dengan perkembangan kreatifitasnya. Perkembangan

teknologi serta komunikasi yang cukup pesat bahkan membawa pengaruh terhadap tumbuh

dan berkembangnya kesenian tersebut.

Beberapa jenis drama tradisional kemudian dikenal luas oleh masyarakat dari etnis

lainnya. Kesenian longser, yang semula dikenal sebagai jenis teater tradisional dari Jawa

Barat, kini digemari pula oleh masyarakat lainnya di luar Jawa Barat. Demikian juga dengan

ketoprak (Jawa Tengah), ludruk (Jawa Timur), lenong (Jakarta), dan yang lainnya. Gejala

perkembangan seperti ini merupakan kebahagiaan tersendiri bagi kesenian tradisional di

Indonesia. Selain memupuk rasa toleransi berkesenian antar etnis, juga diharapkan mampu

menjaga kelestarian kekayaan seni tradisi yang kini mulai mengkhawatirkan. Budaya global

secara negatif yang sangat cepat diserap oleh generasi muda, akan terkikis dengan

sendirinya bila diimbangi dengan semangat cinta akan kesenian tradisi milik sendiri.

c) Drama atau Teater Wayang/Klasik

Wayang merupakan suatu bentuk drama tradisional yang sangat tua. Jejak

keberadaannya dapat kita temukan pada berbagai prasasti pada Zaman Raja Jawa, antara

lain pada masa Raja Balitung. Pada masa pemerintahan Raja Balitung, telah ada petunjuk
adanya pertunjukan Wayang seperti yang terdapat pada Prasasti Balitung dengan tahun 907

Masehi. Prasasti tersebut mewartakan bahwa pada saat itu telah dikenal adanya pertunjukan

wayang. Petunjuk lainnya juga dapat ditemukan dalam sebuah kakawin Arjunawiwaha karya

Mpu Kanwa, pada Zaman Raja Airlangga dalam abad ke-11. Namun bentuk wayang pada

zaman itu belum jelas tergambar model pementasannya.

Di Jawa, awal mula adanya wayang diketahui pada saat Prabu Jayabaya bertakhta di

Mamonang pada tahun 930 M. Saat itu Sang Prabu ingin mengabadikan wajah para

leluhurnya dalam bentuk gambar yang kemudian dinamakan Wayang Purwa. Dalam

gambaran itu diinginkan wajah para dewa dan manusia Zaman Purba. Pada mulanya hanya

digambar di dalam rontal (daun tal). Kemudianberkembang menjadi wayang kulit

sebagaimana dikenal sekarang.

Secara harfiah, wayang berarti bayangan. Artinya, dunia yang diperlihatkan lewat

pertunjukkan wayang merupakan bayangan dari kehidupan kita sehari-hari. Dari segi fisik,

pertunjukkan wayang, terutama wayang kulit, memang terjadi dari bayangan boneka wayang

yang disorot oleh lampu blencong dan jatuh pada kain putih bertepi merah yang merentang

lebar (kelir).

Penyajian wayang biasanya dilakukan semalam suntuk oleh seorang dalang. Dalang

ini memiliki peran dominan dalam pertunjukkan wayang. Seorang dalang harus bisa

menguasai semua dialog dan jenis suara tiap karakter, membuat suara-suara pembentuk

suasana adegan, memberi komando pada pemain gamelan, sambil tetap memainkan wayang

di tangannhya. Pertunjukkan dibuka dan ditutup dengan permainan wayang berbentuk seperti

daun bernama gunungan/kayon. Gunungan ini merupakan pohon kehidupan, simbol dari

dunia.

Berikut ini disajikan beberapa bentuk drama wayang yang ada di daerah-daerah di

Indonesia.

1) Wayang Kulit

Wayang kulit merupakan drama klasik yang menggunakan bentuk wayang dari kulit

tipis yang dilukis cermat dengan warna-warni yang menjelaskan karakter. Untuk

mementaskan pertunjukan wayang kulit secara lengkap dibutuhkan kurang lebih sebanyak 18

orang pendukung. Satu orang sebagai dalang, 2 orang sebagai waranggana, dan 15 orang

sebagai penabuh gamelan merangkap wiraswara. Rata-rata pertunjukan dalam satu malam
adalah 7 sampai 8 jam, mulai dari jam 21.00 sampai jam 05.00 pagi. Bila dilakukan pada siang

hari pertunjukan biasanya dimulai dari jam 09.00 sampai dengan jam 16.00. Tempat

pertunjukan wayang ditata dengan menggunakan konsep pentas yang bersifat abstrak. Arena

pentas terdiri dari layar berupa kain putih dan sebagai sarana tehnis di bawahnya ditaruh

batang pisang untuk menancapkan wayang.

Dalam pertunjukkannya, wayang kulit digerakkan oleh seorang dalang yang bercerita

juga berdialog sekaligus. Ketika berdialog, dalang mampu mengubah suaranya sesuai

dengan tokoh wayang yang sedang dimainkannya dari balik layar. Karenanya, dalam

pertunjukkan wayang kulit penonton tidak dapat melihat wayang yang dimainkan dalang

secara langsung, melainkan hanya melihat bayangan wayangnya saja. Musik yang mengiringi

pertunjukkan wayang kulit berasal dari gamelan lengkap dan tembang yang dinyanyikan oleh

pesinden.

2) Wayang wong (wayang orang)

Dalam bahasa Indonesia Wayang Wong artinya wayang orang, yaitu pertunjukan yang

dimainkan oleh para pemeran yang memerankan tokoh wayang. Pertunjukan wayang orang

terdapat di Jawa Tengah dan Jawa Timur. Sedangkan di Jawa Barat ada juga pertunjukan

wayang orang (terutama di Cirebon) tetapi tidak begitu populer.

Berbeda dengan pertunjukkan wayang kulit, wayang wong tidak memunculkan dalang

sebagaimana dalam wayang kulit. Dalang wayang orang hanya bertindak sebagai pengatur

perpindahan adegan, yang ditandai dengan suara suluk atau monolog. Dalam dialog yang

diucapkan oleh pemain, sedikit sekali campur tangan dalang. Dalang hanya memberikan

petunjuk-petunjuk garis besar saja. Selanjutnya pemain sendiri yang harus berimprovisasi

dengan dialognya sesuai dengan alur ceritera yang telah diberikan oleh sang dalang. Selain

harus pandai berakting, para pemain ini harus pandai menari dan menyanyi di atas panggung

yang sudah menggunakan set dekorasi lengkap dengan gambar realis seperti hutan, alun-

alun, gerang keraton, jalan desa, dan lain-lain.

Lama pertunjukan wayang orang biasanya sekitar 7 atau 8 jam untuk satu lakon,

biasanya dilakukan hanya pada malam hari. Untuk menyelenggarakan pertunjukan wayang

orang secara lengkap, biasanya dibutuhkan pendukung sebanyak 35 orang, yang terdiri

dari 20 orang sebagai pemain (terdiri dari pria dan wanita), 12 orang sebagai penabuh
gamelan merangkap wiraswara, 2 orang sebagai waranggana, dan 1 orang sebagai

dalang. Sedangkan untuk musik pengiring yang digunakan adalah seperangkat Gamelan

seperti juga dalam wayang kulit yaitu pelog dan slendro.

3) Wayang Golek

Wayang golek merupakan drama klasik yang berasal dari Jawa Barat. Seperti wayang

kulit, wayang golek juga tidak menggunakan manusia sebagai medianya, tetapi menggunakan

boneka kayu berwujud tokoh-tokoh wayang. Berbeda dengan wayang kulit, wayang golek ini

lebih realis, karena bentuknya menyerupai bentuk badan manusia serta dilengkapi dengan

kostum yang terbuat dari kain.

Dalam pertunjukkannya, dalang merupakan orang yang bercerita sekaligus berdialog

mewakili para tokoh wayang. Untuk berdialog, dalang mampu mengubah suaranya

sedemikian rupa sehingga menarik. Jenis drama ini pun menggunakan musik gamelan

lengkap sebagai pengiringnya, dan dibantu beberapa sinden sebagai penyanyi yang isi

syairnya memperjelas cerita.

2. Drama atau Teater Transisi

Drama atau Teater Transisi merupakan jenis drama tradisional yang sudah mendapat

pengaruh konsep teater Barat yang dipentaskan oleh orang-orang Belanda di Indonesia

sekitar tahun 1805 yang kemudian berkembang hingga di Betawi (Batavia) dan mengawali

berdirinya gedung Schouwburg pada tahun 1821 (Sekarang Gedung Kesenian Jakarta).

Selain konsep teater dari Barat, drama bangsawan juga dipengaruhi bentuk teater yang

datang dari Timur Tengah, dan sangat kuat ditunjang oleh kebudayaan Melayu.

Pengaruh ini nampak dari beberapa perubahan yang terdapat pada penulisan cerita

dan cara penyajian pertunjukkan. Cerita dalam drama atau teater bangsawan sudah mulai

ditulis, meskipun masih dalam wujud cerita ringkas atau outline story (garis besar cerita per

adegan). Cara penyajian cerita pun sudah menggunakan set panggung lengkap dengan tata

dekor, lampu, rias dan lain-lain layaknya drama modern.

Beberapa kelompok drama yang lahir pada masa transisi ini diantaranya adalah

sebagai berikut.
a. Perkumpulan kelompok drama Komedie Stamboel di Surabaya pada tahun 1891 yang

didirikan oleh Agust Mahieu.

b. Sandiwara Dardanella (The Malay Opera Dardanella) yang didirikan Willy Klimanoff alias A.

Pedro pada tanggal 21 Juni 1926.

c. Opera Stambul, Komidi Bangsawan, Indra Bangsawan, Sandiwara Orion, Opera Abdoel

Moeloek, Sandiwara Tjahaja Timoer, juga kelompok sandiwara Maya yang dipimpin oleh

Usmar Ismail.

3. Drama atau Teater Modern

Drama atau teater modern merupakan periode baru dalam drama tradisional yang

sudah mendapatkan pengaruh dari ‘Teater Barat’. Artinya, susunan naskah, cara pentas,

gaya penyuguhan, dan pola pemikiran banyak bersumber dari pola pendekatan dan pemikiran

‘kebudayaan barat’. Jadi jelas, bahwa Drama atau teater modern mulai tumbuh dengan

ditandai dengan adanya penulisan naskah serta diikat oleh hukum-hukum dramaturgi.
Periode pementasan drama dengan menggunakan naskah sebenarnya dimulai sejak
tahun 1901 ketika F. Wiggers menulis sastra drama satu babak yang pertama berjudul
‘Lelakon Beij Retno’. Meskipun tidak jelas untuk keperluan apa naskah tersebut dibuat, namun
mulai nampak kecenderungan pengaruh dari ‘Barat’ tersebut yang diikuti pula oleh penulis-
penulis naskah drama lainnya.
Meski demikian, bentuk sastra drama yang pertamakali menggunakan bahasa
Indonesia dan disusun dengan model dialog antar tokoh dan berbentuk sajak
adalah Bebasari (artinya kebebasan yang sesungguhnya atau inti kebebasan) karya Rustam
Efendi (1926). Lakon Bebasari merupakan sastra drama yang menjadi pelopor semangat
kebangsaan. Setelahnya kemudian muncul beberapa penulis lakon lainnya seperti Sanusi
Pane, Muhammad Yamin, Armiijn Pane, Nur Sutan Iskandar, Imam Supardi, Dr. Satiman
Wirjosandjojo, Mr. Singgih, hingga Ir. Soekarno. Penulis-penulis ini adalah cendekiawan
Indonesia, menulis dengan menggunakan bahasa Indonesia dan berjuang untuk
kemerdekaan Indonesia. Naskah-naskah yang ditulisnya memiliki tema kebangsaan,
persoalan, dan harapan serta misi mewujudkan Indonesia sebagai negara merdeka.
Pada tahun 1940-an, semua unsur kesenian dan kebudayaan dikonsentrasikan untuk
mendukung pemerintahan totaliter Jepang. Segala daya kreasi seni secara sistematis
diarahkan untuk menyukseskan pemerintahan totaliter Jepang. Rombongan sandiwara yang
mula-mula berkembang pada zaman ini adalah rombongan sandiwara profesional. Dalam
kurun waktu ini semua bentuk seni hiburan yang berbau Belanda lenyap karena pemerintah
penjajahan Jepang antibudaya Barat. Rombongan sandiwara keliling komersial, seperti
misalnya Bintang Surabaya, Dewi Mada, Mis Ribut, Mis Tjitjih, Tjahaya Asia, Warna Sari, Mata
Hari, Pancawarna, dan lain-lain kembali berkembang dengan mementaskan cerita dalam
bahasa Indonesia, Jawa, maupun Sunda.
Pertumbuhan sandiwara profesional tidak luput dari perhatian Sendenbu. Jepang
menugaskan Dr. Huyung (Hei Natsu Eitaroo), ahli seni drama atas nama Sendenbu
memprakarsai berdirinya POSD (Perserikatan Oesaha Sandiwara Djawa) yang
beranggotakan semua rombongan sandiwara profesional. Sendenbu menyiapkan naskah
lakon yang harus dimainkan oleh setiap rombongan sandiwara karangan penulis lakon
Indonesia dan Jepang, Kotot Sukardi menulis lakon, AmatHeiho, Pecah Sebagai Ratna,
Bende Mataram, Benteng Ngawi. Hei Natsu Eitaroo menulis Hantu, lakon Nora karya Henrik
Ibsen diterjemahkan dan judulnya diganti dengan Jinak-jinak Merpati oleh Armijn Pane.
Lakon Ibu Prajurit ditulis oleh Natsusaki Tani. Oleh karena ada sensor Sendenbu maka lakon
harus ditulis lengkap berikut dialognya.
Para pemain tidak boleh menambah atau melebih-lebihkan dari apa yang sudah ditulis
dalam naskah. Sensor Sendenbu malah menjadi titik awal dikenalkannya naskah dalam
setiap pementasan sandiwara. Menjelang akhir pendudukan Jepang muncul
rombongan sandiwara yang melahirkan karya ssatra yang berarti, yaitu Penggemar Maya
(1944) pimpinan Usmar Ismail, dan D. Djajakusuma dengan dukungan Suryo Sumanto,
Rosihan Anwar, dan Abu Hanifah dengan para anggota cendekiawan muda, nasionalis dan
para profesional (dokter, apoteker, dan lain-lain). Kelompok ini berprinsip menegakkan
nasionalisme, humanisme dan agama. Pada saat inilah pengembangan ke arah pencapaian
teater nasional dilakukan. Teater tidak hanya sebagai hiburan tetapi juga untuk ekspresi
kebudayaan berdasarkan kesadaran nasional dengan cita-cita menuju humanisme dan
religiositas dan memandang teater sebagai seni serius dan ilmu pengetahuan.Kelak,
Penggemar Maya menjadi pemicu berdirinya Akademi Teater Nasional Indonesia (ATNI) di
Jakarta.
ATNI merupakan akademi teater modern yang pertama di Asia Tenggara yang
menggalakkan dan memapankan realisme dengan mementaskan lakon-lakon terjemahan
dari Barat, seperti karyakarya Moliere, Gogol, dan Chekov. Sedangkan metode pementasan
dan pemeranan yang dikembangkan oleh ATNI adalah Stanislavskian. Alumni Akademi
Teater Nasional yang menjadi aktor dan sutradara antara lain, Teguh Karya, Wahyu
Sihombing, Tatiek Malyati, Pramana Padmadarmaya, Galib Husein, dan Kasim Achmad.
Mereka adalah dramawan-dramawan Indonesia yang juga melahirkan beberapa naskah
drama modern yang berkualitas.
Jika diurutkan berdasarkan angka tahun, berikut ini adalah gambaran beberapa
naskah drama yang berhasil ditulis oleh para dramawan Indonesia.
1. Tahun 1913 : naskah drama berjudul ‘Karina, Adinda, Lelakon komedie Hindia Timoer’
karya lauw Giok Lan yang disadur dari naskah karya Victor Ido.
2. Tahun 1917 : naskah ‘Tjerita Satoe Ibu Tiri Pinter Adjar Anak’ karya Kiong Ho Hie.
3. Tahun 1919 : naskah ‘Allah Jang Palsoe’ karya Kwee Tek Hoay saduran dari naskah
karya E. Philip Oppeinheim berjudul ‘The False Gods’.
4. Tahun 1923 : naskah ‘Lajar Malaise’ karya Ang Jan Goan.
5. Tahun 1924 : naskah ‘Siapa jang Berdosa’ karya Oen Tjing Tiauw.
6. Tahun 1926 : naskah ‘Bebasari’ karya Roestam Effendi.
7. Tahun 1926 : naskah ‘Korbannja Kong Ek’ karya Kwee Tek Hoay.
8. Tahun 1927 : naskah Rainbow, Krukut Bikutbi, dan Dr. Setan karya Ir. Soekarno.
9. Tahun 1928 : naskah ‘Airlangga’ karya Sanoesi Pane.
10. Tahun 1930 : naskah ‘Kebiasaan Boesoek’ karya Tjing Tiauw.
11. Tahun 1931 : naskah ‘Bapak Kerbo Anak Sapi’ karya Ong Pik Lok.
12. Tahun 1932 : naskah ‘Kertajaya’ karya Sanusi Pane.
13. Tahun 1932 : naskah ‘Eenzame Garoedavlucht’ karya Sanusi Pane.
14. Tahun 1933 : naskah ‘Djoeal Air Kringet’ karya Ong Pik Lok.
15. Tahun 1934 : naskah ‘Ken Arok dan Ken Dedes’ karya Muhamad Yamin.
16. Tahun 1936 : naskah ‘Biji Lada’ karya Kwee Tek Hoay.
17. Tahun 1937 : naskah ‘Setahun di Bedahulu’ karya Armijn Pane.
18. Tahun 1937 : naskah ‘Loekisan Masa’ karya Armijn Pane.
19. Tahun 1938 : naskah ‘Satoe Katja’ karya Oen Tjing Tiauw.
20. Tahun 1939 : naskah ‘Nyai Lenggang Kencana’ karya Armijn Pane.
21. Tahun 1940 : naskah ‘Manoesia Baroe’ karya Sanoesi Pane.
22. Tahun 1943 : naskah ‘Citra’ karya Usmar Ismail.
23. Tahun 1944 : naskah ‘Liburan Seniman’ karya Usmar Ismail.
24. Tahun 1945 : naskah ‘Dokter Bisma’ karya Idrus.
25. Tahun 1946 : naskah ‘Suling’ karya Utuy Tatang Sontani.
26. Tahun 1947 : naskah ‘Bunga Rumah Makan’ karya Utuy Tatang Sontani.
27. Tahun 1948 : naskah ‘Keluarga Surono’ karya Idrus.
28. Tahun 1950 : naskah ‘Prabu dan Putri’ karya Rustandi Karta Kusumah.
29. Tahun 1951 : naskah ‘Heddie dan Tuti’ karya Rustandi Karta Kusumah.
30. Tahun 1952 : naskah ‘Bentrokan dalam Asmara’ karya Achdiat Kartamihardja.
31. Tahun 1953 : naskah ‘Tjendera Kirana’ karya Sri Murtono.
32. Tahun 1954 : naskah ‘Jalan Mutiara’ karya Sitor Situmorang.
33. Tahun 1958 : naskah ‘Bunga Merah Merah Semwa. Bunga Putih Putih Semwa’ karya
Rustandi Karta Kusumah’.
34. Tahun 1960 : naskah ‘Sejuta Matahari’ karya Motingge Busye.
35. Tahun 1961 : naskah ‘Pertahanan terakhir’ karya Endang Achmadi.
Pada periode tahun 1960 hingga akhir tahun 90-an, naskah drama semakin
menunjukan banyak perkembangan. Penulisnya tidak hanya terfokus pada sastrawan yang
sudah ternama, para mahasiswa atau para remaja yang tergabung dalam sanggar-sanggar
teater juga sudah mulai menunjukkan bakatnya dalam bidang menulis naskah. Sebagian dari
mahasiswa penggiat drama di kampus tersebut diantaranya ada Darmanto Jt. di Undip,
Sanento Juliman di ITB, Bakdi Sumanto di Sanata Dharma, Godi Suwarna di IKIP Bandung,
Hikmat Gumelar di UNPAD, dan beberapa nama lainnya hingga era tahun 2000-an seperti
Yani Mae di STSI Bandung, Aan Sugianto Mas dari Uniiversitas Kuningan, Sosiawan Leak di
UNS dan yang lainnya.
Dari beberapa sanggar drama, muncul beberapa nama seperti WS. Rendra (1935-
2009) dari Bengkel Teater, Teguh Karya (1937-2001) dari Teater Populer, Nano Riantiarno
(1949- ...) dari Teater Koma, Arifin C. Noor (.......) dari Teater Kecil, Putu Wijaya (1944-......)
dari Teater Mandiri, Suyatna Anirun (........) dari Studiklub Teater Bandung, Rahman Sabur
(1957-...........) dari Teater Payung Hitam, Mohamad Sunjaya (1937-.....) dari Actors Unlimited,
Heru Kesawa Murti (1957-.....) dari Teater Gandrik, Dindon W. S. (1960-.....) dari Teater
Kubur, hingga generasi Shinta Febriany (1979-......) dari Teater Kala di Makasar, dan yang
lainnya.
Kondisi drama modern di Indonesia terus berkembang seiring dengan pesatnya
kemajuan zaman. Meski gedung dan sarana pementasan lainnya tidak murah lagi, namun
geliat aktivitas bermain drama tetap bertahan. Beberapa kelompok drama bahkan kembali
kepada konsep pementasan drama tradisional yang menyelenggarakan aksi pentasnya di
area terbuka seperti lapangan bola, alun-alun, aula sekolah, balai desa, dan sebagainya. Di
beberapa sekolah dan kampus bahkan sudah memiliki kelompok drama yang rutin
menyelenggarakan pementasan. Tercatat beberapa kelompok drama dari kampus yang
masih rutin menyelenggarakn pementasan seperti Teater Awal dari STAIN (Jakarta, Bandung,
Cirebon), Teater SK dari IAIN Sunan Kalijaga Jogjakarta, Teater ................. dari Universitas
Negeri Jakarta, Teater Lakon dari UPI Bandung, Teater Pecut di Universitas Kuningan, juga
beberapa kelompok lainnya.
Untuk memotivasi dan memunculkan potensi-potensi berbakat dalam dunia drama,
beberapa komunitas dan lembaga yang peduli pada kemajuan drama menyelenggarakan
workshop serta festival drama. Diantara festival drama yang sudah digelar adalah Festival
Seni Pertunjukan Rakyat yang diselenggarakan Departemen Penerangan Republik
Indonesia tahun 1983 di Yogyakarta, Festival Teater Jakarta (sebelumnya disebut Festival
Teater Remaja) di Jakarta, Festival Drama Basa Sunda oleh Teater Sunda Kiwari di
Bandung, Festival Drama Lima Kota di Surabaya, dan festival-festival drama lainnya.
Sedangkan workshop drama marak dan cukup rutin diselenggarakan di beberapa sanggar
teater seperti pelatihan ‘Gladiactor’ oleh Teater Populer, ‘Workshop Teater untuk Siswa SMA’
oleh Teater Koma, dan yang lainnya.
Pengenalan dan Sejarah Teater
1.0 PENGENALAN
1.1 KONSEP DAN DEFINISI TEATER

- Perkataan Teater berasal dari perkataan 'THEATRON' yang membawa maksud tempat menonton
pada zaman Yunani ( greek tua ).
- Satu gabungan kerja-kerja kreatif yang merangkumi semua unsur seni dan pengurusan berdasarkan
daripada naskhah lakon dipersembahkan secara langsung kepada penonton yang dipisahkan oleh
ruang dan waktu.
- Satu bentuk persembahan lakonan yang menghiburkan, dipersembahkan kepada penonton secara
langsung disebuah tempat dikenali sebagai pentas dan ahli persembahnnya dikenali sebagai pelakon
atau aktor.
- Suatu bentuk kerja secara bersama (berpasukan) antara artis dengan naskhah lakon di mana
pelakon membawa watak di dalam produksi persembahan secara langsung dihadapan khalayak.

1.2 Kumpulan Kerja Kreatif

A. Kumpulan kerja kreatif:

Penulis naskhah lakon (playwright)


Pengarah
Pelakon
Pereka – pereka
Tatacahaya
Tatabunyi
Tatarias
Rekabentuk pentas dan set
Pereka tari
Pereka muzik
Pereka gerak
Busana
Kesan khas

B. Kumpulan pengurusan
1. Pentas
Penolong pengarah / pengurus
(Ikut dalam sukatan)

1.2 CIRI-CIRI TEATER


-Teater sesuatu yang hidup.
- Cermin atau gambaran masyarakat realiti
- Berbeza dengan drama tv atau filem kerana teater dipersembahkan secara langsung dan boleh
mewujudkan interasi 2 hala.
- Pengalaman berkumpulan.
- Berbeza dgn bahan seni yang lain ia boleh dinikmati sendirian. Dipersembahkan secara berpasukan.
- Kombinasi pelbagai unsur seni. Satu persembahan yang mengkolaborasikan pelbagai unsur seni
seperti seni visual, busana, muzik, tari, lakon, pertukangan,
- Tranformasi kertas ke pentas memerlukan pentafsiran daripada sebuah skrip untuk dipersembahan
kepada khalayak.
- Pengarang perlu interpretasi skrip, menentukan konsep dan sinografi.

1.3 ELEMEN-ELEMEN DALAM TEATER


- Pelakon
- Ruang lakon (pentas)
- Skrip atau idea (Jika tanpa skrip)
- Penonton
- Elemen visual
- Subjek
- Struktur dramatik
- Koordinasi semua elemen
- Keperluan sosial

1.4 JENIS-JENIS TEATER

- Tragedi
- Cerita di akhiri dgn kesedihan. Wira dimatikan
- Cerita menyentuh perasaan kerana yang baik biasanya ditimpa kesusahan
(Nasib tidak menyebelahi orang yang baik)
-Jalan ceritanya seseorang yang ditimpa bencana yang membawa kesusahan dalam hidupnya
n Tragedi – pergelutan manusia melawan takdir/berakhir dengan duka/ kematian
n Komedi – penuh tawa/ gembira / berakhir dengan kegembiraan
n Komedi tragedi / Tragikomedi – gabungan komedi dan tragedi / ketawa yang diakhiri dengan duka
n Melodrama – penuh kesyahduan/ biasanya dipadukan dengan muzik
n Farce – gerak yang berlebihan/ tidak wajar/ karikatural
n Satira – cemohan / ejekan / sindiran
n Muzikal – seluruhnya diiringi dengn muzik dan dinyanyikan / dialog diubah menjadi nyanyian

1.5 JENIS-JENIS PENTAS

- Arena
- Frame
- Thrust
- Persekitaran
- Open Stage
- Prosinium
- Black Box
- Amphitheatre

1.6 BENTUK DAN ALIRAN

- Eksperimental
- Muzikal
- Neutralisme
- Bangsawan
- Sandiwara

Sejarah

2.1 Asal usul

1. Kepercayaan kepada ‘SUPER NATURAL’: Semua kejadian mempunyai kuasa, atau penunggu.
Ada perantara SHARMAN dipilih oleh masyarakat untuk menjalankan upacara. Unsur-unsur teater
telah dijelmakan dalam upacara mereka.
2. Penglipurlara/ bercerita. Cerita mempunyai nilai dramatic dipersembahkan dikhalayak.
3. Permainan kanak-kanak berimprovisasi.

2.2 Perkembangan teater barat :

1. Teori awal sejarah teater di Barat 1200 – 500SM


2. Asal perkataan teater diambil – Theatron ( tempat menonton )
3. Mendapat tampat di dalam acara festival Memuja Dewa Dioynisus ( Dewa kesuburan dan Wine).
Acara tersebut dikenali sebagai Dionysia.
4. Persembahan selama lima hari dimusim bunga. Persembahan yang bemotifkan tujuan keagamaan.
5. Diprsembahkan disebuah panggung yang dibina dilereng bukit di Akrapolis boleh menempatkan
seramai 14000 penonton (setengah daripada rakyat Athens)
6. Hari pertama persembahan dimulakan dengan pertandingan dikenali sebagai DITHYRAMBS-lagu
puji-pujian yang dinyanyikan oleh korus.
Diikuti pula persembahan drama:
Komidi (lima drama) – 1 hari
Tragedi – 3 hari (sehari satu drama dan diikuti dengan drama satira sebagai comic relief
Tragedi – Drama serius yang membabitkan perihal isu politik ( kehidupan, kematian dan Dewa)
Satyrs (satira) dipersembahkan diakhir tragedy – setengah manusia setengah kambing – sindiran di
dalam bentuk komidi.
Komidi – Drama lucu berkisar tentang kehidupan seharian

7. Cerita yang dipersembahkan berdasarkan mitologi Yunani


8. Pelakon mengambil bahagian semuanya adalah lelaki.
9. Pelakon pertama THESPIS ( 550SM ) – bertukar daripada bentuk upacara keagamaan kepada
persembahan teater.

PENULIS DRAMA

Aeschylus ( 525-456 SM ) – Agamemnon ( 458SM )


Sophocles ( 496 -406 SM ) – Oedipus
Euripides ( 480-406 SM ) – Madea
Teater Yunani – Tragedi – Sophocles – Aristotle ( Abad 3 SM )
- Ciri – cirri teater tregedi antaranya

Watak utama terdiri daripada anak bangsawan. Golongan bangsawan.


Telah diramalkan akan menghadapi kecelakaan.
Wira berlawan dengan takdir untuk mendapatkan kejayaan.
Wira tewas di dalam perjalanan melawan takdir.
Berakhir dengan kematian atau darah.

KRONOLOGI SEJARAH TEATER BARAT

800-277 Teater Yunani


753 – 27 SM – Teater Rom
500 – 1453 – Zaman Pertengahan ( Keagamaan dan secular )
1454 – 1700 – Renaissance
Abad ke 18 – Permodenan
Abad ke 19
Abad ke 20
Sejarah Teater
By Ahmad Fasoni on 4:40 AM

Sejarah Teater: Teater adalah kata yang berasal dari bahasa Inggris theater atau theatre, bahasa Perancis
théâtre asal kata dari theatron (θέατρον) dari bahasa Yunani, berarti "tempat untuk menonton"). Istilah
lainnya dari teater adalah drama, tetapi dalam pengertian yang lebih luas, teater adalah proses pemilihan
teks atau naskah, penafiran, penggarapan, penyajian atau pementasan dan proses pemahaman atau
penikmatan dari public atau audience (bisa pembaca, pendengar, penonton, pengamat, kritikus atau
peneliti). Proses penjadian drama ke teater disebut prose teater atau disingkat berteater. Teater bisa
diartikan dengan dua cara yaitu dalam arti sempit dan dalam arti luas. Teater dalam arti sempit adalah
sebagai drama (kisah hidup dan kehiudpan manusia yang diceritakan di atas pentas, disaksikan orang
banyak dan didasarkan pada naskah yang tertulis). Dalam arti luas, teater adalah segala tontonan yang
dipertunjukkan di depan orang banyak contohnya wayang orang, ketoprak, ludruk dan lain-lain. (dari
wikipedia)

DramaDrama berarti perbuatan, tindakan. Berasal dari bahasa Yunani “draomai” yang berarti berbuat,
berlaku, bertindak dan sebagainya.
Drama adalah hidup yang dilukiskan dengan gerak.
Konflik dari sifat manusia merupakan sumber pokok drama.

Dalam bahasa Belanda, drama adalah toneel, yang kemudian oleh PKG Mangkunegara VII dibuat istilah
Sandiwara.
Arti Teater

Secara etimologis: Teater adalah gedung pertunjukan atau auditorium.


Dalam arti luas: Teater ialah segala tontonan yang dipertunjukkan di depan orang banyak
Dalam arti sempit: Teater adalah drama, kisah hidup dan kehidupan manusia yang diceritakan di atas
pentas dengan media yaitu percakapan, gerak dan laku didasarkan pada naskah yang tertulis ditunjang
oleh dekor, musik, nyanyian, tarian, dsb.

Akting Yang Baik


Akting tidak hanya berupa dialog saja, tetapi juga berupa gerak.

Dialog yang baik ialah dialog yang:


Terdengar (volume baik)
Jelas (artikulasi baik)
Dimengerti (lafal benar)
Menghayati (sesuai dengan tuntutan/jiwa peran yang ditentukan dalam naskah)

Gerak yang balk ialah gerak yang:


Terlihat (blocking baik)
Jelas (tidak raguragu, meyakinkan)
Dimengerti (sesuai dengan hukum gerak dalam kehidupan)
Menghayati (sesuai dengan tuntutan/jiwa peran yang ditentukan dalam naskah)

Unsur-Unsur Dalam TeaterUnsur-unsur dalam teater antara lain:


1. Naskah atau Skenario
Naskah atau Skenario berisi kisah dengan nama tokoh dan diaolog yang diucapkan.
2. Pemain
Pemain merupakan orang yang memerankan tokoh tertentu. Ada tiga jenis pemain, yaitu peran utama,
peran pembantu dan peran tambahan atau figuran. Dalam film atau sinetron, pemain biasanya disebut
Aktris untuk perempuan, dan Aktor untuk laki-laki. idiot
3. Sutradara
Sutradara adalah orang yang memimpin dan mengatur sebuah teknik pembuatan atau pementasan
teater.
4. Properti
Properti merupakan sebuah perlengkapan yang diperlukan dalam pementasan teater. Contohnya kursi,
meja, robot, hiasan ruang, dekorasi, dan lain-lain
5.Penataan
Seluruh pekerja yang terkait dengan pementasan teater, antara lain:
1. Tata Rias adalah cara mendadndani pemain dalam memerankan tokoh teater agar lebih meyakinkan.
2. Tata Busana adalah pengaturan pakaina pemain agar mendukung keadaan yang menghendaki.
Contohnya pakaian sekolah lain dengan pakaian harian.
3. Tata Lampu adalah pencahayaan dipanggung.
4. Tata Suara adalah pengaturan pengeras suara.

Sejarah Teater

Asal Mula TeaterWaktu dan tempat pertunjukan teater yang pertama kali dimulai tidak diketahui.
Adapun yang dapat diketahui hanyalah teori tentang asal mulanya. Di antaranya teori tentang asal mula
teater adalah sebagai berikut:

 Berasal dari upacara agama primitif. Unsur cerita ditambahkan pada upacara semacam itu yang
akhirnya berkembang menjadi pertunjukan teater. Meskipun upacara agama telah lama ditinggalkan, tapi
teater ini hidup terus hingga sekarang.
 Berasal dari nyanyian untuk menghormati seorang phlawan dikuburannya. Dalam acara ini
seseorang mengisahkan riwayat hidup sang pahlawan yang lama kelamaan diperagakan dalam bentuk
teater.
 Berasal dari kegemaran manusia mendengarkan cerita. Cerita itu kemudian juga dibuat dalam
bentuk teater (kisah perburuan, kepahlawanan, perang, dan lain sebagainya).
Rendra dalam (San Santosa, 2008: 4), menyebutkan bahwa naskah teater tertua di dunia yang pernah
ditemukan ditulis seorang pendeta Mesir, I Kher-nefert, di zaman peradaban Mesir Kuno kira-kira 2000
tahun sebelum tarikh Masehi. Pada zaman itu peradaban Mesir Kuno sudah maju. Mereka sudah bisa
membuat piramida, sudah mengerti irigasi, sudah bisa membuat kalender,

Teater Yunani KlasikTempat pertunjukan teater Yunani pertama yang permanen dibangun sekitar 2300
tahun yang lalu. Teater ini dibangun tanpa atap dalam bentuk setengah lingkaran dengan tempat duduk
penonton melengkung dan berundak-undak yang disebut amphitheater (Jakob Soemardjo, 1984). Ribuan
orang mengunjungi amphitheater untuk menonton teater-teater, dan hadiah diberikan bagi teater
terbaik. Naskah lakon teater Yunani merupakan naskah lakon teater pertama yang menciptakan dialog
diantara para karakternya.

Ciri-ciri khusus pertunjukan teater pada masa Yunani Kuno adalah:

1. Pertunjukan dilakukan di amphitheater.


2. Sudah menggunakan naskah lakon.
3. Seluruh pemainnya pria bahkan peran wanitanya dimainkan pria dan memakai topeng
karena setiap pemain memerankan lebih dari satu tokoh.
4. Cerita yang dimainkan adalah tragedi yang membuat penonton tegang, takut, dan
kasihan serta cerita komedi yang lucu, kasar dan sering mengeritik tokoh terkenal pada waktu
itu.
5. Selain pemeran utama juga ada pemain khusus untuk kelompok koor (penyanyi), penari,
dan narator (pemain yang menceritakan jalannya pertunjukan).
Teater Romawi KlasikBrockett (San Santosa, 2008: 7) menyatakan bahwa Setelah tahun 200 Sebelum
Masehi kegiatan kesenian beralih dari Yunani ke Roma, begitu juga Teater. Namun mutu teater Romawi
tak lebih baik daripada teater Yunani. Teater Romawi menjadi penting karena pengaruhnya kelak pada
Zaman Renaissance. Teater pertama kali dipertunjukkan di kota Roma pada tahun 240 SM Pertunjukan ini
dikenalkan oleh Livius Andronicus, seniman Yunani. Teater Romawi merupakan hasil adaptasi bentuk
teater Yunani.
Cirinya sebagai berikut:
1. Koor tidak lagi berfungsi mengisi setiap adegan.
2. Musik menjadi pelengkap seluruh adegan. Tidak hanya menjadi tema cerita tetapi juga
menjadi ilustrasi cerita.
3. Tema berkisar pada masalah hidup kesenjangan golongan menengah.
4. Karakteristik tokoh tergantung kelas yaitu orang tua yang bermasalah dengan anak-
anaknya atau kekayaan, anak muda yang melawan kekuasaan orang tua dan lain sebagainya.
5. Seluruh adegan terjadi di rumah, di jalan, dan di halaman.
Sumber pustaka:Santosa, Eko. Dkk. 2008.Seni Teater Jilid I Untuk Sekolah Menengah Kejuruan. Jakarta:
Departemen Pendidikan Nasional

Referensi blog: http://indra-anwar.blogspot.com/2012/03/definsi-teater-dan-sejarah-teater.html


Sejarah Seni Teater Melayu

Sejarah Seni Teater Melayu...Tajuk macam ilmiah sikit kan, maklumlah


ada melibatkan perkataan sejarah kan, jika ada sejarah,mesti ada
fakta. Tapi usahlah bimbang, saya bukan nak mengajar sejarah di
sini. Ini cuma sekadar perkongsian bersama. Bak kata Hang Tuah,
"takkan hilang Melayu di dunia" , jadi adalah baiknya saya berkongsi
sedikit mengenai kebudayaan kita iaitu seni teater dalam masyarakat
kita. Sebenarnya ini adalah tugasan atau assignment saya untuk
matapelajaran Kemahiran Belajar (KB) pada semester 1 yang lepas di
Institut Pendidikan Guru Kampus Bahasa Melayu. Saya memilih tajuk
ini kerana saya amat meminati bidang ini. Pendek kata, saya suka
berlakonlah... sejak dari bangku sekolah lagi saya telah berjinak -
jinak dalam bidang ini. Berbalik kepada fokus utama kita, adalah
lebih baik saya mulakan perkongsian ini dengan memberikan sedikit
pendahuluan.

Perkataan Teater dikatakan berasal daripada perkataan dalam bahasa Yunani purba
iaitu theatron yang membawa maksud tempat duduk penonton atau stage. Perkataan drama
pula dikatakan berasal dari perkataan dran yang bermaksud aksi atau lakonan. Manakala
persembahan teater pula dipercayai berasal dari upacara yang berkembang
menjadi natya dengan memasukkan beberapa unsur lain seperti nyanyian, tarian dan lakonan
dalam upacara tersebut.

Mesir, Yunani dan India merupakan tempat terawal bermulanya sejarah teater dunia.
Kemunculan teater berkait rapat dengan struktur kehidupan masyrakat setempat di Mesir,
Yunani dan India. Sebagai contoh, upacara persembahan Dewata Dionysus di Greece lama-
kelamaannya bertukar menjadi pesta drama. Begitu juga dengan upacara nrtta di India yang
mengandungi unsur tarian, seterusnya berubah menjadi drama apabila dimasukkan gerak
bebas yang membentuk aksi berlambang.

Seni teater merupakan suatu karya seni yang rumit dan kompleks, sehinggakan seni ini dijolok
dengan istilah collective art atau synthetic art. Teater merupakan gabungan daripada pelbagai
cabang seni seperti tarian, lakonan, nyanyian dan sedikit unsur lawak. Dalam pada itu, seni
teater juga menggabungkan unsur-unsur audio, visual, dan kinestetik (gerak) yang meliputi
bunyi, suara, muzik, gerak, bahasa badan serta seni rupa.

Seni teater merupakan suatu gabungan seni yang dicipta oleh penulis, sutradara, penata artistik,
krew teknikal, dan seterusnya untuk diproduksikan. Sebagai seni kolektif, seni teater perlu
dilakukan dengan penuh kerjasama supaya semuanya berjalan serentak dan seirama serta
memerlukan harmonisasi dari keseluruhan krew kumpulan.

Baiklah, begitulah sedikit pengenalan tentang teater ini. Kita teruskan dengan kandungan utama
entri ni iaitu Sejarah Seni Teater Melayu di Malaysia .
Teater Melayu berkembang dalam empat generasi. Generasi pertama dalam teater Melayu
adalah bangsawan, seterusnya diikuti oleh sandiwara, kemudiannya raelisme dan akhir sekali
adalah taeter Melayu kontemporari. Setiap generasi ini mempunyai ciri yang berbeza-beza.
Namun demikian, teater bangsawan merupakan titik tolak kepada penghapusan unsur ritual
dan keagamaan dalam persembahan teater sebaliknya hanya menampilkan unsur hiburan
semata-mata. Pementasan mula berkonsepkan komersial serta menuntut aspek pengurusan
seperti iklan, gaji sewa dan promosi. Permulaan teater generasi pertama ini adalah zaman
peralihan teater tradisional kepada teater moden.

Generasi pertama – Teater bangsawan

Teater bangsawan di tanah Melayu bermula pada tahun 1870-an. Sebuah rombongan seni
drama dari India yang yang dikenali dengan nama Rombongan Wayang Parsi atau Mendu telah
datang menunjukkan persembahan mereka di Pulau Pinang pada ketika itu. Setiap
persembahan yang mereka lakukan sentiasa mendapat sambutan hangat oleh penduduk
setempat.

Selain Pulau Pinang, Melaka dan Singapura juga turut menjadi tempat pengembangan budaya
lantaran lokasi Melaka dan Singapura yang stratergik sebagai tempat persinggahan pedagang
asing. Selain berdagang, mereka juga telah membawa perubahan sosial di Melaka dan Singapura
dengan memperkenalkan kebudayaan mereka. Teater merupakan satu hiburan pedagang-
pedagang yang menjadi aspirasi penduduk tempatan untuk mewujudkan satu bentuk hiburan
yang serupa.

Perkataan baangsawan dalam istilah melayu berasal dari dua perkataan iaitu perkataan
‘Bangsa’ dan ‘Wan’. ‘Bangsa’ bermaksud berkumpulan atau segolongan manusia yang sudah
bersatu sebagai satu kumpulan tertentu. ‘Wan’ pula ialah gelaran untuk orang kenamaan seperti
raja-raja dan kerabatnya. Ini merujuk kepada persembahan untuk golongan atasan serta
bersifat istimewa dan eksklusif. Namun demikian, setelah diaplikasikan keistimewaan
bangsawan ini,ia menjadi bentuk hiburan yang diminati dan dapat diterima oleh segenap
lapisan masyarakat. Teater bangsawan juga turut bertembung dengan pengaruh drama Barat,
terutamanya cerita-cerita yang dikarang oleh Shakespeare yang kemudiannya diterap dalam
drama bangsawan menjadikan drama bangsawan menjadi lebih menarik. Hal ini telah
menyebabkan munculnya istilah opera dalam seni teater melayu.

Tahun 1915 dianggap sebagai zaman kemasyuran teater bangsawan Melayu. Pengaruh opera
Barat adalah selari dengan penjajahan Barat di Timur serta kesedaran tentang pendidikan
dalam bahasa Inggeris. Namun begitu, pengertian opera dalam seni teater Melayu adalah
berbeza dengan pengertian opera Barat yang bererti pertunjukkan yang semata-mata dalam
bentuk nyanyian. Sebaliknya, opera Melayu atau teater Melayu banyak disulami dengan lagu-
lagu sedih dan gembira tetapi dialog masih penting serta lagu-lagu hanyalah sebagai selingan
dalam penceritaan dalam teater melayu.

Bangsawan juga mula menggunakan alat muzik moden seperti piano, biola dan alat-alat muzik
lain sebagai muzik iringan yang mengiringi lagu yang dinyanyikan oleh pelakon dalam sesuatu
pementasan.

Menjelang tahun 1930-an ,bidang perfileman telah memberi saingan hebat kepada
persembahan teater bangsawan di Tanah Melayu. Ramai pelakon bangsawan dipelawa untuk
membintangi filem dengan tawaran yang lebih lumayan. Dalam pada itu, pendudukan tentera
Jepun juga merupakan penyebab kepada kemerosotan teater bangsawan pada penghujung
1930-an.

Selain itu, terdapat juga faktor dalaman yang membawa kepada kemerosotan teater bangsawan
di Tanah Melayu. Antaranya ialah persembahan bangsawan itu sendiri yang terlalu bergantung
dengan pelakon utama bangsawan itu sendiri. Hal ini kerana penonton lebih memandang
kepada kecantikan dan suara pelakon utama yang membintangi sesebuah bangsawan itu. Jalan
cerita, mutu lakonan, bakat dan nilai estetika persembahan tidak begitu menjadi tumpuan
penonton. Oleh itu, hanya bangsawan yang dibintangi oleh pelakon yang mempunyai pakej
tersebut menjadi pujaan dan tontonan ramai.

Generasi kedua – Sandiwara

Teater sandiwara mula bertapak di tanah air hasil daripada pengaruh perkembangan drama
yang dibawa masuk dari luar negara. Kedatangan teater sandiwara ke Tanah Melayu berkait
rapat dengan kedatangan kumpulan Miss Ribut sekitar tahun 1930-an. Kumpulan ini
merupakan sebuah kumpulan sandiwara yang berpengaruh di Indonesia.

Kemunculan sandiwara di Tanah Melayu juga adalah kesan daripada arus pemodenan drama
barat. Cerita yang paling popular pada ketika itu adalah drama nukilan Shakespeare.
Pendedahan karya dan teknik pementasan Barat turut memberi pengaruh kepada
perkembangan drama sandiwara.

Selain itu, Maktab Perguruan Sultan Idris yang merupakan satu-satunya pusat pengajian tinggi
orang Melayu turut memainkan peranan penting dalam merancakkan suasana drama di Tanah
Melayu. Za’ba (Zainal Abidin bin Ahmad) yang bertugas di maktab berkanaan turut memainkan
peranan yang besar. Beliau mengambil berat akan perkembangan drama tanah air. Abdul
Rahman Napiah menyimpulkan catatan Za’ba sebagai induk kesusasteraan melayu dan
kemudiannya mengemukakan teori sejatan atau saduran sekitar tahun 1924 hingga 1936.
Antara drama yang disadur dari drama tulisan Shakespeare ialah The Black Mask yang
dipersembahkan di Tanah Melayu dengan nama Topeng Hitam dengan menggunakan bahasa
Melayu.
Generasi ketiga – Realisme

Drama Malaysia mula menerima pengaruh realistik terutamanyaoleh arus yang dibawa oleh
perkembangan drama di Indonesia. Pengaruh ini muncul selari dengan unsur perbandaran di
Eropah sekitar abad ke-19. Ini ditambah lagi dengan kepesatan pendidikan dan seterusnya
banyak melahirkan penulis-penulis elit yang mempelopori seni teater di Eropah.

Sebelum kemunculan teater realisik, seni teater Eropah ikuasai oleh lakonan yang bergaya iaitu
unsur melebih-lebihkan gerakan badan, emosi serta peristiwa yang ajaib semasa pementasan.
Ciri ini dikenali sebagai melodrama.

Kemunculan ilmu saintifik seperti sosiologi, antropologi dan psikologi turut membawa
perubahan terhadap persepsi dan gaya penghasilan drama. Tafsiran dan pembaharuan mula
dibuat dan drama dijadikan sebagai lambang kehidupan yang nyata. Pada ketika itulah drama
realistik mula menguasai drama di dunia iaitu sekitar tahun 1920-an.

Di Malaysia, teater ini merupakan tahap kedua dalam arus pembaharuan seni teater Melayu.
Bentuk teater ini menjadi asas sama seperti pada zaman teater sandiwara juga. Ciri-ciri asas ini
adalah seperti sebuah pementasan yang mengambil masa antara satu hingga tiga jam. Konsep
bersiri atau berepisod seperti drama bangsawan tidak lagi wujud.

Dialog juga memainakan peranan penting dalam menimbulkan unsur dramatic serta sebagai
penggerak cerita. Penulis biasanya menggunakan bahasa mudah, bahasa pertuturan harian
dengan tujuan untuk memudahkan audiens memahami watak serta jalan cerita sebuah
pementasan. Bahasa dan puisi tidak lagi digunakan , sebaliknya terdapat sedikit bahasa
simbolik yang tidak terlalu abstrak dan tidak begittu personal. Drama aliran realisme umumnya
memaparkan mesej yang serius.

Generasi keempat – Teater Kontemporari

Teater ini juga dikenali sebagai teater experimental yang bermula pada tahun 1970-an.
Perkembangan teater ini merujuk kepada keinginan dan kecenderungan penulis-penulis muda
meneroka imaginasi, menjelajahi bentuk teater barat, mencipta sesuatu yang baru dan mencari
sumber budaya asli.

Teater kontemporari mengutarakan beberapa ciri teater lama yang diubahsuai kepada bentuk
baharu. Pengaruh teater kontemporari Melayu sebenarnya adalah pengaruh perkembangan
teater kontemporari Barat yang sedang menular ke negara-negara timur.
Drama seharusnya membentuk plot yang mempunyai awalan, pertengahan dan
pengakhirannya. Suatu situasi cerita dikembangkan oleh aksi tertentu dan situasi yang
dirasakan benar-benar perlu sahaja.

Watak yang ditonjolkan dalam drama kontemporari tidak berkembang seperti struktur cerita
realisme. Situasi ini menyebabkan konsep heroism seolah-olah terhapus. Peranan watak utama
menjadi samar-samar seperti dalam drama realisme sebelumnya.

Dialog dalam drama kontemporari adalah bersifat asumi. Sifat ini mengelirukan dan bertujuan
untuk menerangkan peranan watak atau situasi dalam sesebuah cerita. Dialog ini merupakan
permainan kata-kata, berunsurkan lirik, lebih puitis, dan bicara unik yang dikombinasikan
dengan gaya prosa formal. Hal ini telah melahirkan satu stail baharu.

Hmm, itulah sedikit sebanyak perkongsian dari saya. Semoga ia membantu dan memberi
pengetahuan kepada anda semua. Ingatlah kata pepatah, "biar mati anak, jangan mati anak" .
Peliharalah kebudayaan dan kesenian kita ini. Kalau bukan kita, siapa lagi? *_^

Bibliografi :

Kamaluddin Abd. Rahman. (2007). Teater Melayu Suatu Risalah Pemikiran Melayu. Kuala Lumpur:
Dewan Bahasa Dan Pustaka.

AKTIVITI-AKTIVITI TEATER

Seperti yang kita ketahui, teater dalam pendidikan adalah pengintergrasian seni dan
aktiviti-aktiviti teater untuk menyampaikan pendidikan. Melalui pengintergrasian ini, murid
akan dapat mengenal diri mereka dengan lebih jelas, mengenal ruang dan persekitaran,
memahami rakan serta dapat meningkatkan keupayaan mereka dalam pelbagai aspek. Untuk
tujuan itu, guru perlulah bijak memilih dan menggunakan aktiviti teater yang bersesuaian demi
mencapai objektif pembelajaran yang telah dirancang. Antara aktiviti teater yang boleh
digunakan oleh guru untuk tujuan tersebut adalah seperti berikut :

1. Improvisasi

Menurut Brain Way (1967:183) dalam Modul Elektif PSE3013 Teater Dalam
Pendidikan (2013:10), improvisasi adalah aktiviti drama tanpa skrip. Beliau menerangkan
improvisasi sebagai aktiviti drama yang ringkas tanpa menggunakan skrip dan tidak
bergantung pada kebolehan membaca dan menghafal skrip. Dalam proses pendidikan, aktiviti
improvisasi dilakukan berdasarkan pelbagai sumber tertentu sama ada daripada idea murid,
arahan guru ataupun sumber-sumber lain seperti kurikulum.
Dalam pada itu, Ruth Beall Heinig turut bersependapat dengan Brain Way dalam
memperkatakan tentang improvisasi. Menurutnya, improvisasi adalah aktiviti drama yang
dihasilkan secara spontan melalui sesuatu situasi yang dirancang (Ruth Beall Heinig,
1993:184 dalam Modul Elektif PSE3013 Teater Dalam Pendidikan, 2013:10).

Secara ringkasnya, improvisasi boleh kita fahami sebagai sebuah aktiviti teater atau
drama yang dijalankan tanpa menggunakan skrip dan dilakukan secara spontan. Aktiviti
improvisasi sangat sesuai dan berkesan digunakan dalam sesi pengajaran kerana melalui
aktiviti ini guru akan dapat merangsang kanak-kanak untuk berinteraksi secara spontan
berdasarkan situasi yang dicipta oleh guru. Dengan ini, murid akan menjadi lebih kreatif dalam
menjana idea dan dapat meningkatkan daya imaginasi dalam menyelesaikan masalah
pembelajaran selaras dengan matlamat Pelan Pembangunan Pendidikan Malaysia 2013-
2025 yang menghasratkan murid memiliki kemahiran berfikir aras tinggi.

Disamping itu, melalui aktiviti improvisasi guru juga dapat melatih kemahiran bertutur
murid dengan lebih optimum, iaitu secara natural dan bersahaja. Hal ini kerana, aktiviti
improvisasi melibatkan latihan verbal disamping aktiviti pergerakan yang bersesuaian dengan
situasi selaras dengan pendapat David A. Male (1973:30) yang mengatakan improvisasi
sebagai aktiviti yang berkait rapat dengan latihan verbal dan aktiviti pergerakan.

Tuntasnya, improvisasi adalah aktiviti teater yang dijalankan tanpa menggunakan


skrip dan dilakukan secara spontan bagi menggalakkan kemahiran berfikir, daya imaginasi,
kreativiti dan inovasi berdasarkan situasi dan rangsangan yang diwujudkan oleh guru.

2. Simulasi

Simulasi adalah aktiviti teater yang dijalankan secara berkumpulan berdasarkan


sesuatu situasi yang ditentukan oleh guru ataupun murid sendiri. Situasi yang ditentukan
perlulah berdasarkan kepada situasi sebenar tentang sesuatu perkara. Situasi ini adalah
bersifat terkawal bagi tujuan melatih murid menyelesaikan masalah-masalah pembelajaran.
Masalah atau situasi yang dicipta juga perlu berkait dengan persekitaran murid.

Tuntasnya, dalam aktiviti simulasi ini murid akan menjalankan pembelajaran dengan
cara melakonkan sesuatu situasi seakan-seakan mereka benar-benar dalam situasi tersebut.
Melalui aktiviti seperti ini, murid akan dapat menyelesaikan masalah yang ditimbulkan oleh
guru dalam situasi yang telah ditentukan. Dengan ini, jelaslah bahawa aktiviti simulasi
merupakan sebuah aktiviti yang amat sesuai digunakan dalam pembelajaran.

3. Main Peranan

Main peranan bermaksud melakonkan sesuatu situasi atau masalah atau peristiwa
yang dianggap penting (Tuan Jah Tuan Yusof et al, 2011:58). Dalam aktiviti ini murid diberi
peranan dan menjalankan peranan tersebut dalam suatu situasi yang telah ditetapkan. Aktiviti
ini tidak memerlukan hafalan skrip, sebaliknya murid perlu menjelaskan situasi kepada murid-
murid lain, dan murid-murid lain itu pula akan mempraktikkan peranan murid yang
menjelaskan situasi itu tadi secara spontan.

Ringkasnya, aktiviti main peranan amat sesuai dijalankan di dalam bilik darjah kerana
ini akan melatih untuk peka terhadap peranan diri masing-masing, sekali gus melahirkan
murid yang bertanggungjawab terhadap tugas dan peranan sebagai seorang murid.

4. Bercerita Tanpa Alat

Bercerita tanpa alat adalah cara bercerita yang konvensional dan masih lagi popular
dalam kalangan pencerita hari ini. Penceritaan diadakan secara bersahaja dengan intonasi,
nada dan mimik muka atau ekspresi yang menarik serta tidak formal dan ini akan membuatkan
audien berasa lebih selesa dan santai.

Dalam konteks bilik darjah pula, aktiviti ini sesuai dijalankan kerana dari segi
penyampaiannya adalah lebih mudah berbanding aktiviti-aktiviti lain kerana aktiviti ini bersifat
santai dan bersahaja. Aktiviti ini menekankan pembelajaran secara didik hibur yang mana
lebih menyeronokkan dan tidak memberi tekanan kepada murid. Dari segi bahannya pula,
guru hanya perlu menyediakan cerita yang sesuai serta menyampaikannya dalam gaya yang
mudah difahami dengan menggunakan sebutan dan intonasi yang betul tetapi menghibur.
Dengan ini murid akan lebih fokus dan terhibur semasa mengikuti sesi pembelajaran.

5. Bercerita Dengan Alat

Bercerita dengan alat merupakan satu aktiviti bercerita yang selalu digunakan untuk
mengajarkan kemahiran berbahasa kepada murid. Aktiviti bercerita menggunakan alat sangat
berkesan kerana aktiviti ini mampu menarik minat murid untuk menumpukan perhatian
kepada penyampaian guru. Penggunaan pelbagai alat semasa bercerita mampu
meningkatkan kefahaman dan penghayatan murid terhadap sesuatu isi pelajaran kerana
dengan melihat kepada alat yang digunakan, murid akan menjadi lebih fokus dan dapat
membayangkan dengan jelas isi cerita yang disampaikan oleh guru. Antara alat yang boleh
digunakan untuk aktiviti ini adalah seperti gambar, garisan, benang, tali, sapu tangan dan
kertas.

6. Teater Pembaca

Teater pembaca adalah aktiviti teater yang memberi penekanan kepada bacaan
mekanis dan melibatkan pembaca membaca secara individu berdasarkan skrip pendek yang
disediakan. Teater pembaca tidak melibatkan set dan prop yang berat serta ruang yang luas
untuk persembahan, sebaliknya audien atau penonton hanya dibiarkan membayangkan
babak dan aksi daripada suara dan gerak isyarat yang simbolik daripada pembaca.

Aktiviti teater pembaca biasanya melibatkan sekumpulan murid untuk membaca


sebuah cerita dengan intonasi yang betul disertai dengan penghayatan yang tinggi. Intonasi
dan penghayatan ini penting bagi menimbulkan suasana cerita yang menarik dan mudah
difahami oleh audien. Oleh yang demikian, aktiviti teater pembaca mengutamakan
penggunaan suara, sebutan, gerak badan dan mimik muka bagi membantu murid memahami,
menghayati dan merasakan seolah-olah cerita itu sedang berlaku di hadapan mata mereka.

7. Teater Bercerita

Teater bercerita ialah aktiviti teater yang bersifat naratif yang mudah dilakonkan
dengan melibatkan seorang watak pencerita dan beberapa orang pelakon yang beraksi
mengikut watak dan arahan dalam cerita. Untuk aktiviti ini, murid tidak perlu menghafal dialog
dan aksi-aksi hanya dilakukan mengikut cerita yang disampaikan pencerita. Dalam bahasa
mudahnya, hanya pencerita sahaja yang perlu menghayati cerita manakala mereka yang
melakonkan watak bebas melakukan aksi secara spontan tetapi berpandukan cerita daripada
pencerita.

8. Boneka

Istilah boneka dikatakan muncul daripada Portugis, iaitu boneca yang membawa
maksud patung permainan. Boneka ialah benda bukan hidup atau figura yang menyerupai
manusia, haiwan atau apa-apa jenis benda lain yang dianimasikan atau dimanipulasi oleh
pencerita untuk dipersembahkan dalam teater, filem atau televisyen.

Dalam aktiviti teater boneka, boneka digunakan sebagai alat dan dianimasikan bagi
menggambarkan jalan cerita dan mesej yang mahu disampaikan. Antara jenis boneka yang
selalu digunakan dalam aktiviti teater adalah boneka jari wajah, boneka tangan, boneka lidi,
boneka kayu, boneka bertali, dan wayang kulit.

9. Tetamu Dalam Aksi

Tetamu dalam aksi adalah aktiviti pembelajaran yang menampilkan seseorang tetamu
untuk bercerita tentang diri, kejayaan dan pengalaman tertentu yang menarik untuk
dibicarakan. Tetamu boleh terdiri daripada model atau idola yang menjadi ikon atau contoh
kepada murid atau dalam konteks yang lebih besar ikon kepada masyarakat. Aktiviti tetamu
dalam aksi ini biasanya dilakukan dengan mengadakan dialog atau temu ramah bersama
tetamu yang dijemput itu. Hal ini adalah untuk merangsang pemikiran murid untuk melahirkan
idea untuk membina dialog, mengumpul serta menyampaikan maklumat yang didengar,
membina cerita atau menghasilkan karangan tentang tetamu yang dijemput.
Jenis-jenis Teater
Seni teater merupakan suatu karya seni yang rumit dan kompleks sehingga dianggap sebagai
seni kolektif yang mana menggabungkan pelbagai cabang seni seperti tarian, lakonan,
nyanyian, unsur jenaka, audio, visual, dan kinestetik yang meliputi bunyi, suara, muzik, gerak,
bahasa badan serta seni rupa. Gabungan daripada pelbagai cabang seni inilah yang menjadi
rencah utama kepada sesebuah persembahan teater. Gabungan cabang-cabang seni ini jika
dicerakinkan, maka kita akan dapat melihat sub-sub kecil sesebuah teater. Sub-sub inilah
yang kita gelarkan sebagai jenis-jenis teater. Antara jenis-jenis yang biasa kita dengar adalah
seperti berikut :

1. Teater Muzikal

Teater muzikal merupakan sejenis teater yang menggabungkan seni nyanyian, seni
tarian dan seni gerak. Teater muzikal menekankan unsur seperi muzik, nyanyian dan gerak
berdasarkan dialog yang dibawa oleh pelakonnya. Dalam teater ini, pelakon bukan hanya
perlu menghayati dialog atau lirik yang diungkapkan, sebaliknya perlu memastikan lirik atau
dialog itu selaras dengan melodi, lagu,emosi dan gerak tari.

Secara ringkasnya, teater muzikal adalah teater yang berlatarbelakangkan karya


muzik. Karya muzik menjadi tulang belakang kepada persembahan teater ini dalam
menyampaikan isi cerita dan mesej yang mahu diketengahkan dengan cara menggabungkan
karya muzik dengan elemen-elemen seni seperti gerak tari, alunan lagu, dan tata pentas.
Antara teater muzikal yang popular di Malaysia adalah seperti Muzikal Tun Mahathir, Teater
Muzikal P. Ramlee dan Teater Muzikal Puteri Gunung Ledang. Teater-teater ini kesemuanya
menggunakan muzik sebagai elemen dalam menyampaikan jalan cerita dan mesej daripada
teater tersebut.

2. Teater Gerak

Teater gerak adalah sejenis persembahan teater yang menekankan unsur gerak,
ekspresi wajah dan gerak tubuh pelakonnya. Pengucapan dialog atau skrip dalam teater gerak
sangat terhad dan ada kalanya tidak digunakan langsung. Pentomin merupakan contoh teater
gerak yang sangat jelas. Dalam persembahan pentomin, pelakon bebas mengekspresikan
gerakan dan mimik muka bagi menyampaikan makna atau mesej cerita. Dalam erti kata
lainnya, mesej atau jalan cerita yang hendak ditampilkan semuanya dilakukan dalam bentuk
gerakan tanpa menggunakan skrip atau dialog. Apa yang penting dalam persembahan teater
gerak adalah gerakan dan ekspresi wajah para pelakonnya kerana itulah kekuatan teater
gerak.

3. Teater Dramatik

Dramatik merujuk kepada aksi lakon yang dipertujukkan dalam sesebuah


persembahan teater. Teater dramatik menekankan perubahan watak secara psikologi,
sementara jalan cerita dan latar dilakukan seteliti mungkin. Rangkaian cerita dalam teater
dramatik mengikut susunan plot yang ketat dan terikat. Kebanyakkan aksi atau babak dalam
teater ini ditonjolkan secara sensasi bagi menarik minat penonton terhadap sitausi dan aksi
yang dipertontonkan.

Secara mudahnya, teater dramatik adalah teater yang menekankan unsur aksi dalam
persembahannya. Sesuatu babak akan sedaya upaya ditonjolkan secara dramatik bagi
memberi kesan kepada penonton dan supaya aksi itu kelihatan nyata atau real.

4. Teater Puisi / Teatrikalisasi Puisi

Teater atau teatrikalisasi puisi adalah sejenis persembahan teater yang


dipersembahkan berdasarkan karya sastera puisi. Teater puisi lebih menekankan unsur
estetika puitik dan biasanya dipersembahkan dengan teatrikal. Karya sastera puisi dijadikan
sebagai bahan dasar yang menceritakan cerita dan mesej dalam sesebuah persembahan
teater puisi.

Tuntasnya, teater puisi adalah medium untuk penulis atau pengarang puisi untuk
menterjemahkan makna bait-baik puisinya ke dalam bentuk laku aksi dan tata artistik untuk
tujuan dipertontonkan. Dalam bahasa mudahnya, teater ini umpama kita menonton video klip
lagu, memahami dan menghubungkait lirik dengan gerak laku.
TEATER DAN SEJARAHNYA ; dibalik arti hingga
Yunani Kuno
Asal, Arti,dan Makna Teater

Hampir setiap orang di sekitar kita pernah mendengar istilah kata teater, bahkan sebuah
fasilitas media hiburan pun yang berupa televisi Flat ukuran besar dengan seperangkat audionya
disebut Home theater, Gedung bioskop pun disebut teater, gedung tempat pertunjukan musik, tarian,
juga drama disebut teater jadi sebenarnya apa itu teater? Akan coba saya jelaskan secara singkat
dan alakadarnya Dengan sumber dan pengetahuan sedikit yang saya miliki seputar arti, makna, dan
sejarah teater.

Asal penamaan teater bermula pada zaman Yunani kuno, tak aneh jika memang asal kata
teater muncul di disuatu bangsa pencetus ilmu pengetahuan, bangsa para filosof, namun itu hanya
dalam wilayah kata, bukan asal mula teaternya, dilihat dari teori sejarah pun asal muasal teater
berawal sejak jaman primitive jauh sebelum zaman Yunani kuno. Kembali ke penamaan kata, teater
yang sebenarnya berasal dari kata theatron, kata Yunani yang artinya seeing place atau tempat
tontonan. Jadi bioskop, atau gedung pertunjukan disebut teater oleh masyarakat tertentu itu adalah
adaptasi kata dari theatron sendiri, jadi saat ini kata teater masih digunakan sebagai tempat
berlangsungnya suatu pementasan atau pertunjukan. Sekarang ini pemaknaan dari teater pun
semakin melebur, semakin luas dalam sebuah karya seni, dan bahkan dapat menunjukan sebuah
kejadian atau peristiwa dalam masyarakat, maka dengan istilah teater , kita mampu mengetahui
seluruh warisan budaya drama, sastra drama, bahkan beberapa bentuk jenis pertunjukan
seperti mime, pantomime, kabaret, wayang kulit, wayang golek, dan kesenian-kesenian lainnya yang
berhubungan dengan pertunjukan. Itulah asal dari kata dan pemaknaan tentang teater secara garis
besarnya

Sejarah Teater ; Berawal Dari Yunani Kuno.

Sebelum membahas langsung kepada teater jaman Yunani kuno, saya akan mengulas dahulu
tentang teori asal mula teater atau drama. (1) Benih teater itu salah satunya berasal dari upacara
agama primitive, upacara yang biasanya bersifat mistis dengan penghayatan dan keseriusannya
sebagai bentuk sesembahan kepada dewa, roh, atau penguasa alam. Dan upacara semacam itu
biasanya menambahkan unsur cerita yang akhirnya berkembang menjadi sebuah pertunjukan. (2)
Berasal dari nyanyian untuk memnghormati seseorang yang dianggap berjasa. Dalam nyanyiannya
bercerita kisah riwayat hidup seseorang yang meninggal dan jasa-jasanya, yang lama kelamaan
nyanyian tersebut diiringi sebuah peragaan teaterikal. (3)berasal dari kesukaan manusia bercerita,
dan mendengarkan cerita, dan hal yang diceritakan itu dikembangkan menjadi sebuah pertunjukan
(seperti kepahlawanan, perang, legenda dll)

Perkembangan drama sekarang ini berawal dari Yunani Purba seperti yang sudah dijelaskan
sebelumnya. Sekitar tahun 600 SM ada festival untuk menghormati dewa Dyonysius yaitu dewa
anggur dan kesuburan. Festival tersebut berbentuk festifal tarian dan nyanyian, kemudian mereka
menyelenggarakan sayembara pertunjukan dimana ada tarian, nyanyian yang didasarkan pada
sebuah cerita, secara historis itu menjadi sayembara drama pertama. Sayembara biasa dilakukan di
Athena dan pertunjukan yang dibawakan adalah drama tragedy. Pemenang sayembara pertama kali
itu ialah Thespis seorang actor dan penulis tragedi yang pertama dikenal di dunia. Thespis
sebenarnya merupakan tokoh historis tetapi oleh masyarakat Yunani Kuno dijadikan legenda, dan
segala seuatu tentang drama dinyatakan sebagai penemuan Thespis, maka kerena itu para actor
pertunjukan disaat itu disebut Thespian.

Perkembangan drama Yunani mengalami puncaknya sekitar tahun 400 SM . drama masih
diperuntukan sebagai bagian dari upacara agama. Upacaranya terbuka untuk umum . tempat
pertunjukan yag terkenal di Athena adalah teater Dyonysius, yang terletak disamping bawah bukit
Acropolis, yaitu pusat kuil di Athena.
Pada saat itu penulis drama biasa memainkan naskahnya sendiri, jadi seorang actor
sekaligus seorang penulis naskah cerita. Dari begitu banyaknya naskah drama Yunani kuno kurang
lebih hanya tigapuluh naskah yang ada sampai sekarang ini. Dan naskah-naskah itu ditulis oleh
penulis-penulis terkenal dizamannya seperti Aeskilos, Sophokles dan Euripedes (ketiga tokoh drama
ini spesialis Tragedi), Aristhopanes (Komedi), dan Menander (komedi).

Pada akhir Tahun 400-an SM festival drama Dyonysius, tidak melulu drama tragedy malah
sang actor peserta festival harus menyuguhkan 3 tragedi dan 1 Satyr. Satyr ini dimaksudkan sebagai
komedi ringan dan pendek yang jenaka dan parody terhadap mitologi. Arti Satyr sendiri adalah
makhluk mitologi yang setengah manusia setengah binatang dan para koor drama Satyir biasanya
memerankan para Satyr sang makhluk dongeng. Hanya ada satu naskah satyr yang selamat yakni
Naskah Euripedes, yang berjudul Cyclop.

Pada tahun 300-an SM Komedi muncul, Komedi berasal dari kata Komodia yang maknanya
membuat gembira. Dalam komedi pelaku utama biasanya memerankan tokoh sebagai pembawa ide
gembira, misalnya pembawa pesan damai untuk mengakhiri perang, seluruh cerita naskah drama
pada saat itu berakhir menggembirakan. Karena saat itu tidak ada atau tidak boleh ada percampuran
jenis cerita drama antara komedi dan tragedi (karena pertunjukan tragedy bermula dari perayaan
upacara keagamaan) Biasanya setelah pertunjukan komedi, acara dilanjutkan dengan Komos yakni
keluar arena pertunjukan dan mengadakan pesta dengan penuh kegembiraan. Itu sekilas ulasan
tentang sejarah teater pada zaman Yunani kuno. Dan setelah itu beralih ke Zaman Romawi yang
mungkin akan saya ulas di tulisan berikutnya.

Semoga tulisan ini bermanfaat bagi para pembaca, dan mohon memaklumi jika ada kesalaah
penulisan dari penempatan kata atau bahasa yang kurang ideal dan proposional.

GERAKAN-GERAKAN DALAM PENCIPTAAN


KARYA-KARYA DRAMA/TEATER
A. Gerakan-Gerakan yang Tergolong sebagai ‘Gerakan dalam Penciptaan Karya Drama/Teater’

Gerakan-gerakan yang tergolong sebagai ‘gerakan dalam penciptaan karya-karya drama/teater


adalah: 1) gerakan dalam penciptaan Teater Kekejaman (Theatre of Cruelty) yang dipelopori oleh
Antonin Artaud mulai dari tahun 1936 (setelah pada tahun 1931 Artaud menyaksikan tarian Bali di
Paris Colonial Exposition; dan pada tahun yang sama, mempublikasikan 'First Manifesto for a Theatre
of Cruelty' yang akhirnya, dimuat sebagai sebuah uraian dalam ‘The Theatre and Its Double’ pada La
Nouvelle Revue Francaise); 2) gerakan dalam penciptaan Teater Epik (Epic Theatre) yang dipelopori
oleh beberapa praktisi teater seperti Erwin Picastor, Vladimir Myakovsky, Vsevolod Meyerhold dan
terutama yang paling terkenal, Bertolt Brecht mulai dari permulaan sampai pertengahan abad ke 20;
3) gerakan dalam penciptaan karya-karya Teater Absurd (Theatre of the Absurd) dengan tokoh-tokoh
seperti Albert Camus, Samuel Beckett, Eugène Ionesco, Harold Pinter, Jean Paul Sartre, Jean Genet,
dan lain-lain pada tahun 1950-an sampai tahun 1960-an; 4) gerakan dalam penciptaan karya-karya
Teater Kehidupan (The Living Theatre) dari Julian Beck dan Judith Malina; 5) gerakan dalam
penciptaan karya-karya Teater Miskin (The Poor Theatre) dari Jerzy Grotowski; 6) gerakan dalam
penciptaan karya-karya Teater Terbuka (The Open Theatre) dari Joseph Chaikin; 7) gerakan dalam
penciptaan karya-karya Teater Kesukacitaan (The Joyous Theatre) dari Peter Brook; dan 8) gerakan
dalam penciptaan karya-karya Gerakan Panik (Panic Movement) dengan tokoh-tokoh penciptaan
karya seperti Fernando Arrabal, Alejandro Jodorowsky dan Roland Topor di Paris pada tahun 1962.

Beberapa penciptaan karya drama/teater yang juga dapat dilibatkan sebagai ‘gerakan dalam
penciptaan karya drama/teater’ adalah: 1) gerakan dalam penciptaan karya-karya drama romantik
dengan gagasan “Strum und Drang’ dan; 2) gerakan dalam penciptaan karya-karya teater Vsevolod
Meyerhold dengan ide penciptaan akting ‘biomekanik’.

B. Pengertian-Pengertian

Beberapa pengertian yang dapat dijelaskan di sini, adalah:


Teater Kekejaman

(The Theatre of Cruelty)

Teater Kekejaman adalah jenis karya teater modern garda-depan (avant-garde) atau kontemporer
yang bersifat surrealis yang dibuat berdasarkan aturan-aturan penciptaan karya-karya Teater
Kekejaman yang dikemukakan oleh Antonin Artaud (1896-1948), seorang penyair, penulis lakon dan
aktor (yang pada akhirnya menjadi gila) dalam bukunya yang berjudul “Theatre and its Double”.

Teater ini merupakan teater yang sarat menyuguhkan spektakel-spektakel yang dianggap Artaud
sebagai unsur yang paling utama karya-karya yang disebut sebagai ‘karya-karya teater’.

Bahwa metafisika, tindakan-tindakan transedental dan hal-hal yang irasional harus masuk kembali
dalam jiwa/pikiran kita agar kita mampu mengatasi kemerosotan ahklak kita. Kekejaman menurut
Artaud, tidak menunjuk dalam kesadisan atau yang menyebabkan sakit; tetapi lebih menunjuk pada
kekerasan-kekerasan fisikal yang menegangkan yang umumnya dilakukan manusia, tetapi yang tidak
mau diakui dilakukan manusia, apalagi dipertunjukkan secara terbuka oleh manusia waras.

Artaud menciptakan karya-karya Teater Kekejaman karena menurutnya, ingatan dan persepsi-
persepsi manusia modern, sudah tercemar dengan kedustaan realita-realita palsu (akibat adanya
internalisasi-internalisasi psikologis dalam masa pembentukan kepribadian kita); kedustaan-
kedustaan mana mengakibatkan manusia modern sulit hidup secara baik dan menyenangkan; dan
bahwa kedustaan-kedustaan itu harus dibersihkan dari ingatan dan persepsi manusia modern (yang
ingin disucikan/dikatharsiskan) dengan cara menonton karya-karya Teater Kekejaman.

Teater Kekejaman adalah teater yang mengekspresikan gesture, gerak-gerik teatrikal, spektakel dan
teater yang menyuguhkan pemikiran-pemikiran. Artaud tidak menyukai kata-kata karena menurutnya
kata-kata telah menjadi tiran yang membatasi kemampuan-kemampuan manusia untuk tiba pada
kesimpulan-kesimpulan objektif dan individualnya.

Teater Kekejaman dianggap sebagai wahana yang dapat membumikan kembali manusia-manusia
modern yang sudah tercemar dengan peradaban-peradaban yang mengakibatkan manusia-manusia
modern menjadi mahkluk-mahkluk yang sakit.

Meskipun Teater Kekejaman dianggap Stephen Barber, kurang jelas dan ‘teater yang tidak mungkin’
(karena melihat manusia lain melalui diri mereka yang mungkin sakit), banyak teaterawan lain yang
menganggap mereka pengikut Artaud. Teaterawan-teaterawan dimaksud adalah Jerzy Grotowski,
Peter Brook dan Richard Schechner.

Teater Epik

(Epic Theatre)

Sebagaimana yang telah dikemukakan, gerakan dalam penciptaan Teater Epik (Epic Theatre) adalah
gerakan yang pada awalnya, dipelopori keberadaannya oleh beberapa praktisi teater seperti Erwin
Picastor, Vladimir Myakovsky, Vsevolod Meyerhold dan terutama yang paling terkenal adalah Eugene
Bertolt Brecht mulai dari permulaan abad ke 20 sampai pertengahan abad yang sama.

Karya-karya drama/teater yang diciptakan berdasarkan gerakan penciptaan karya drama/teater ini
tergolong sebagai karya-karya teater modern yang umumnya dibuat berdasarkan pada naskah-
naskah lakon tertulis.

Gerakan dalam penciptaan karya-karya teater epik merupakan gerakan reaksi dalam
menandingi/menentang penciptaan karya-karya drama/teater naturalistik yang dipelopori oleh para
pencipta drama/teater naturalistik, dan terutama oleh Constantin Stanislavski yang dianggap
senantiasa mendangkalkan spektakel, memanipulasi plot, berusaha menggiring penonton ke dunia
eskapisme fiksi drama/teater, dan seperti cenderung mengagitasi munculnya emosi-emosi
melodramatik penonton.

Selain itu, gerakan ini pun dianggap sebagai gerakan reaksioner atas munculnya gerakan penciptaan
karya-karya teater surrealis dan Teater Kekejaman yang—oleh para pemuncul gerakan ini, terutama
Brecht—dianggap sebagai gerakan dalam penciptaan karya-karya teater yang cenderung
mengakibatkan munculnya irasionalitas penonton.

Karya-karya yang diciptakan berdasarkan prinsip-prinsip penciptaan karya-karya ini adalah karya-
karya yang: 1) umumnya mengetengahkan cerita-cerita mengsejarah atau mencerita-rakyat dengan
pola penceritaan mengepisodik dan tema-tema mengsosial politik, sosial ekonomi dan lain-lain; 2)
dibuat dengan adanya kesengajaan agar pada waktu-waktu tertentu, penonton sadar bahwa yang
ditontonnya, hanya semata-mata karya drama/teater yang tidak sungguh-sungguh terjadi, atau dibuat
dengan—pada waktu-waktu tertentu, muncul—peristiwa-peristiwa tertentu yang—oleh Brecht—
disebut sebagai ‘allienation effect’ atau ‘a affect’; sehingga—pada gilirannya—penonton kehilangan
kesinambungan keterlibatan imajinatif dan emosional (atau ilusi-dramatik) terhadap karya yang
ditonton; dan—pada waktu-waktu kemudian—terlibat secara intelektual dan kritis terhadap realitas
karya yang ditonton; 3) dibuat dengan adanya tujuan mengagitasi masyarakat penonton agar
terjerumus dalam proses dialektika untuk menemukan kebenaran yang tepat untuk diterapkan dalam
kehidupan-kehidupan bermasyarakat, berbangsa atau bernegara; dan terdorong untuk menerapkan
yang ditemukannya sebagai kebenaran dalam peri kehidupannya sehari-hari.

Teater Absurd

(Theatre of the Absurd)

Karya-karya Teater Absurd adalah karya-karya yang diciptakan berdasarkan naskah-naskah lakon
ciptaan dramawan-dramawan Teater Absurd seperti Albert Camus, Samuel Beckett, Eugène Ionesco,
Harold Pinter, Jean Paul Sartre, Jean Genet, dan lain-lain. Menurut Martin Esslin, karya-karya ini
pada dasarnya merupakan karya-karya yang mengungkapkan situasi-situasi jiwa yang paling akhir
yang dialami oleh orang-orang Barat (ketika mereka telah mengalami kemajuan-kemajuan yang
begitu berarti dalam bidang kebudayaan), dan umumnya menceritakan keabsurditasan-
keabsurditasan manusia karena misalnya kehilangan rasa kemanusiaan, individualitas, tujuan-hidup
dan lain-lain.

Teater Absurd adalah teater yang secara total, lirikal yang memunculkan adegan-adegan abstrak
yang kebanyakan di antaranya merupakan modifikasi dari berbagai pertunjukan teater populer seperti
mime, balet, akrobat, dan aksi para badut dalam pertunjukan music-hall dan film-film bisu.

Teater ini oleh sebagian besar pengamat, dianggap muncul sebagai respons traumatik akan horor
yang terjadi dalam Perang Dunia Ke 2 yang secara total mempertunjukkan ketidakpermanenan suatu
nilai, ketidaksahihan suatu konvensi dan ketidakberartian manusia dalam hidupnya.

Teater ini juga dianggap muncul sebagai reaksi atas hilangnya dimensi religiusitas dari kehidupan
manusia modern; dan muncul sebagai upaya untuk memugar mitos dan ritual dalam kehidupan di
jaman modern dengan cara mendorong manusia agar sadar mengenai kenyataan terakhir kehidupan
mereka (bahwa mereka telah kehilangan kekaguman-kekaguman akan kosmos dan seringkali
terbenam dalam banyak kesedihan mendalam).

Tujuan dari penghadiran teater-teater ini adalah agar penonton tersentak keluar dari eksistensi yang
membuat mereka menjadi basi, mekanis (dengan kebiasaan hidup modern sehari-hari) dan
cenderung berpuas-diri. Para penonton dalam pandangan kaum absurdis perlu mengalami
pengalaman-pengalaman mistikal dengan cara menonton karya-karya Teater Absurd.

Teater Absurd merupakan teater tidak konvensional, cenderung surrealis, tidak logis, miskin konflik
dan miskin plot dengan dialog-dialog yang cenderung berbelat-belit dan sulit dipahami.

Teater ini pada dasarnya merupakan teater yang merepresentasikan ketidakpercayaan kaum
absurdis akan bahasa sebagai alat komunikasi. Bahasa dalam pandangan kaum absurdis
merupakan wahana pengkonvensionalan, pengstereotipikalan dan ketidakmampuan membuat
pengertian. Kata-kata dalam pandangan kaum absurdis, gagal untuk mengekspresikan hakikat dari
pengalaman-pengalaman sebenarnya umat-manusia; dan kaum absurdis mempergunakan kata-kata
untuk menghadirkan dialog-dialog konvensional yang klise, mengslogan, mengjargon, memparodi
dan lain-lain untuk menonjolkan keabsurditasan manusia dalam mempergunakan kata-kata/bahasa
dalam kehidupan modern mereka; dan mendorong manusia agar mampu berkomunikasi secara
otentik.

Teater Absurd adalah teater yang cenderung mempermainkan logika karena kaum absurdis adalah
kaum yang anti-rasional yang benci kemunafikan. Teater ini adalah teater dengan kecenderungan
tidak ada konflik dramatik, penuh dengan pernyataan-pernyataan lirikal; dan dalam penciptaannya,
kaum absurdis cenderung memunculkan pengalaman-pengalaman arketipal dari situasi-situasi hidup
manusia dalam komunikasi-komunikasi atmosferikal.

Teater Kehidupan

(Living Theatre)

Teater Kehidupan (The Living Theatre) Julian Beck (seorang pelukis abstrak-ekspresionis dan
penyair) dan Judith Malina (seorang aktris) adalah sejenis teater eksperimental yang merupakan
kombinasi dari berbagai macam seni seperti musik, tari, lukisan dan lain-lain yang diciptakan dengan
maksud mendorong para dramawan untuk menciptakan karya-karya drama puitik dengan cara
menyediakan bagi para dramawan itu, sebuah pentas di mana lakon-lakon dari karya-karya semacam
ini dapat diciptakan. Teater ini mulai dipertunjukkan pada akhir dekade 1950-an (tahun 1947) dan
berakhir pada tahun 1969.

Teater Miskin

(The Poor Theatre)

Teater Miskin (The Poor Theatre) Jerzy Grotowski adalah sejenis teater di mana: 1) karya ini
diciptakan hanya untuk mempertunjukkan laku-laku manusia dengan tidak adanya bantuan penataan-
penataan setting, cahaya, busana, rias, properti dan lain-lain; 2) pemain teater dianggap dan
diperlakukan sebagai pembuat pertunjukan (performer) yang paling utama dan yang berfungsi
sebagai penampil laku-laku yang dibangun berdasarkan teknik-teknik pemeranan yang menuntut
adanya pembebasan jiwa dan raga pemain secara utuh; dan 3) penonton dikondisikan (melalui
penataan pentas dan auditorium) untuk dapat terlibat secara langsung sebagai pemain dalam karya
yang sedang dipertunjukkan.

Teater Kesukacitaan

(Joyous Theatre)

Teater Kesukacitaan (The Joyous Theatre) atau yang disebut Brook sebagai “The Immediate
Theatre” adalah teater dengan sifat-sifat gabungan antara sifat-sifat teater rakyat-jelata (The Rough
Theatre) yang umumnya kotor, kasar, vulgar dan cabul dengan sifat-sifat teater ritual (The Holy
Theatre) yang umumnya magis. Teater semacam ini dalam pandangan Brook adalah teater-teater
yang perlu diciptakan di dunia dewasa ini. Akan tetapi teater-teater semacam ini, menurut Brook,
hanya mungkin diciptakan sekali waktu karena untuk waktu-waktu berikutnya, teater-teater semacam
ini hanya mungkin menjadi Teater Kematian (The Deadly Theatre) yang—secara negatif—dianggap
Brook sebagai “teater pelacuran”.

Teater Terbuka
(Open Theatre)

Teater Terbuka (The Open Theatre) adalah sejenis teater abstraktif yang diciptakan secara
eksploratif dan kolaboratif oleh sekelompok aktor, musisi, pengarang, sutradara dan para penata
yang lain untuk mengabstraksikan dalam rupa imaji-imaji teatrikal dan ekspresi-ekspresi fisikal,
emosi-emosi ketakutan dan frustrasi-frustrasi eksistensial yang biasa hadir dalam kehidupan manusia
sehari-hari.

Disebut “teater eksperimental” karena teater semacam ini adalah teater yang tidak pernah menetap
dalam bentuk dan gaya keberadaannya.

[1] Istilah “avant-garde” adalah istilah yang muncul untuk menamai suatu gerakan dalam bidang
pemikiran dan penciptaan karya-seni yang bersifat modern, eksperimental (coba-coba, tentatif atau
tidak menetap) dan inovatif. Dalam dunia penciptaan karya-seni, istilah ini umumnya dipergunakan
untuk menamai karya-karya yang diciptakan berdasarkan gagasan suatu gerakan yang beranggapan
bahwa “seni diciptakan hanya untuk seni itu sendiri” (art for art’s sake), (Avant-Garde, 2 April 2009).

[1] Istilah “teater baru” adalah istilah lain yang dipergunakan Yudiaryani (2002: 189–190) untuk
menamai “teater garda depan”.

[1] Istilah “teater revolusioner” dan “teater protes” merupakan dua istilah lain yang dipergunakan
Pickering (1975:82) untuk menamai “teater kontemporer”.

Asal Mula Teater


Waktu dan tempat pertunjukan teater pertama kali dimulai tidak diketahui. Adapun yang dapat
diketahui hanyalah teori tentang asal mulanya. Di antaranya teori tentang asal mula teater adalah
sebagai berikut:
 Berasal dari upacara agama primitif. Unsur cerita ditambahkan pada upacara semacam itu
yang akhirnya berkembang menjadi pertunjukan teater. Meskipun upacara agama telah lama
ditinggalkan, tapi teater ini hidup terus hingga sekarang.
 Berasal dari nyayian untuk menghormati seorang pahlawan di kuburannya. Dalam acara ini
seseorang mengisahkan riwayat hidup sang pahlawan yang lama kelamaan diperagakan dalam
bentuk teater.
 Berasal dari kegemaran manusia mendengarkan cerita. Cerita itu kemudian juga dibuat dalam
bentuk teater (kisah perburuan, kepahlawanan, perang, dsb).
Naskah teater tertua di dunia yang pernah ditemukan ditulis seorang pendeta Mesir, I Kher-nefert, di
jaman peradaban mesir kuno kira-kira 2000 tahun sebelum tarikh Masehi dimana pada jaman itu
peradaban Mesir kuno sudah maju. Mereka sudah bisa membuat piramida, sudah mengerti irigasi,
sudah bisa membuat kalender, sudah mengenal ilmu bedah, dan juga sudah mengenal tulis menulis.
I Kher-nefert menulis naskah tersebut untuk sebuah pertunjukan teater ritual di kota Abydos,
sehingga terkenal sebagai “Naskah Abydos” yang menceritakan pertarungan antara dewa buruk dan
dewa baik. Jalan cerita naskah Abydos juga diketemukan tergambar dalam relief kuburan yang lebih
tua. Sehingga para ahli bisa mengira bahwa jalan cerita itu sudah ada dan dimainkan orang sejak
tahun 5000 SM. Meskipun baru muncul sebagai naskah tertulis di tahun 2000 SM. Dari hasil
penelitian yang dilakukan diketahui juga bahwa pertunjukan teater Abydos terdapat unsur-unsur
teater yang meliputi; pemain, jalan cerita, naskah dialog, topeng, tata busana, musik, nyanyian,
tarian, dan properti pemain seperti tombak, kapak, tameng, dan sejenisnya.
v Teater Yunani Klasik
Tempat pertunjukan teater Yunani pertama yang permanen dibangun sekitar 2300 Tahun yang lalu.
Teater ini dibangun tanpa atap dalam bentuk setengah lingkaran dengan tempat duduk penonton
melengkung dan berundak-undak yang disebut Amphiteater.
Ribuan orang mengujungi amphiteater untuk menonton teater-teater, dan hadiah diberikan bagi teater
terbaik. Naskah lakon teater Yunani merupakan naskah lakon teater pertama yang menciptakan
dialog diantara para karakternya.

Ciri-ciri khusus pertunjukan teater pada masa Yunani Kuno adalah:


 Pertunjukan dilakukan di Amphiteater
 Sudah menggunakan naskah lakon
 seluruh pemainnya pria bahkan peran wanitanya dimainkan pria dan memakai topeng karena
 setiap pemain memerankan lebih dari satu tokoh.
 Cerita yang dimainkan adalah tragedi yang membuat penonton tegang, takut,dan kasihan serta
cerita komedi yang lucu, kasar dan sering mengeritik tokoh terkenal pada waktu itu
 Selain pemeran utama juga ada pemain khusus untuk kelompok koor (penyanyi), penari, dan
narator (pemain yang menceritakan jalannya pertunjukan).
Pengarang teater Yunani Klasik Yaitu :
 Aeschylus(525-SM.) Dialah yang pertama kali mengenalkan tokoh prontagonis dan antagonis
mampu menghidupkan peran. Karyanya yang terkenal adalah Trilogi Oresteia yang terdiri
dariAgamennon , The Libatian Beavers, dan The Furies.
 Shopocles (496-406 SM.) Karya yang terkenal adalah Oedipus The King, Oedipus at Colonus,
Antigone.
 Euripides (484-406 SM) Karya-karyanya antara lain Medea, Hyppolitus, The Troyan Woman,
Cyclops.
 Aristophanes (448-380 SM)Penulis naskah drama komedi, karyanya yang terkenal
adalahLysistrata, The Wasps, The Clouds, The Frogs, The Birds.
 Manander (349-291 SM.) Manander menghilangkan Koor dan menggantinya dengan berbagai
watak, misalnya watak orang tua yang baik, budak yang licik, anak yang jujur, pelacur yang
kurang ajar, tentara yang sombong dan sebagainya. Karya Manander juga berpengaruh kuat
pada jaman Romawi Klasik dan drama komedi jaman Renaisans dan Elisabethan.
Kebanyakan drama tragedi Yunani dibuat berdasarkan legenda. Drama-drama ini sering membuat
penonton merasa tegang, takut, dan kasihan. Drama komedi bersifat lucu dan kasar serta sering
mengolok-olok tokoh-tokohterkenal.

v Teater Romawi Klasik


Setelah tahun 200 sebelum Masehi kegiatan kesenian beralih dari Yunani ke Roma, begitu juga
Teater. Namun mutu Teater Romawi tak lebih baik daripada teater Yunani. Teater Romawi menjadi
penting karena pengaruhnya kelak pada zaman Renaisans. Teater pertama kali dipertunjukkan di
kota Roma pada tahun 240 SM. Pertunjukan ini dikenalkan oleh Livius Andronicus, seniman Yunani.
Teater Romawi merupakan hasil adaptasi bentuk teater Yunani. Hampir di setiap unsur panggungnya
terdapat unsur pemanggungan teater Yunani. Namun demikian teater Romawi pun memiliki
kebaruan-kebaruan dalam penggarapan dan penikmatan yang asli dimiliki oleh masyarakat Romawi
dengan ciri-ciri sebagi berikut :
 Koor tidak lagi berfungsi mengisi setiap adegan .
 Musik menjadi pelengkap seluruh adegan. Tidak hanya menjadi tema cerita tetapi juga menjadi
ilustrasi cerita.
 Tema berkisar pada masalah hidup kesenjangan golongan menengah.
 Karekteristik tokoh tergantung kelas yaitu orang tua yang bermasalah dengan anak-anaknya atau
kekayaan, anak muda yang melawan kekuasaan orang tua dan lain sebagainya.
 Seluruh adegan terjadi di rumah, di jalan dan di halaman
Bentuk – bentuk pertunjukan yang terkenal di zaman Romawi klasik adalah:
 Tragedi. Satu-satunya bentuk tragedi yang terkenal dan berhasil diselamatkan adalah karya
Lucius Anneus Seneca ( 4 SM-65 M) dengan ciri-ciri:
Plot cerita terdiri dari 5 babak dengan struktur cerita yang terperinci jelas
Adegan berlangsung dalam ketegangan tinggi
Dialog ditulis dalam bentuk sajak
Tema cerita seputar hubungan antara alam kemanusiaan dan alam gaib
Menggunakan teknik monolog, bisikan-bisikan pada beberapa tokoh penting yang mengungkapkan
isi hati.
 Farce Pendek. Farce (pertunjukan jenaka) sejak abad 1 SM menjadi bagian sastra dan menjadi
bentuk drama yang terkenal. Bentuk pertunjukan teater tertua pada zaman teater Romawi
Klasik ini ciri-cirinya adalah sebagai berikut:
Selalu menggunakan tokoh yang sama dan sangat tipikal, misalnya tokoh badut tolol yang bernama
Maccus. Tokoh yang serakah dan rakus bernama Bucco. Sedangkan Pappus adalah tokoh yang
tua dan mudah ditipu.
Plot cerita berupa tipuan-tipuan dan hasutan-hasutan yang dilakukan para badut dimana musik dan
tari menjadi unsur penting dalam menjaga jalannya cerita.
Menggunakan Seting suasana alam pedesaan
 Mime. Mime muncul di zaman Yunani sekitra abad 5 SM dan kemudian masuk Romawi sekitar
tahun 212 SM ini ciri-cirinya adalah:
Banyak terdapat adegan-adegan lucu, singkat, dan impovisasi
Tokoh wanita dimainkan oleh pemain wanita
Para pemiannya tidak mengenakan topeng
Cerita yang dibawakan bertema perzinahan, menentang sakramen, dan upacara gereja
Teater Romawi merosot setelah bentuk Republik diganti dengan kekaisaran tahun 27 Sebelum
Masehi dan lenyap setelah terjadi penyerangan bangsa-bangsa Barbar serta munculnya kekuasaan
gereja. Pertunjukan teater terakhir di Roma terjadi tahun 533.

v Teater Abad Pertengahan


Dalam tahun 1400-an dan 1500-an, banyak kota di Eropa mementaskan drama untuk merayakan
hari-hari besar umat Kristen. Drama-drama dibuat berdasarkan cerita-cerita Alkitab dan
dipertunjukkan di atas kereta, yang disebut pegeant, dan ditarik keliling kota. Bahkan kini pertunjukan
jalan dan prosesi penuh warna diselenggarakan diseluruh dunia untuk merayakan berbagai hari
besar keagamaan. Para pemain drama pageant menggunakan tempat dibawah kereta untuk
menyembunyikan peralatan. peralatan ini digunakan untuk efek tipuan, seperti menurunkan seorang
aktor dari atas ke panggung. Para pemain pegeant memainkan satu adegan dari kisah dalam
Alkitab, lalu berjalan lagi. Pegeant lain dari aktor-aktor lain untuk adegan berikutnya,
menggantikannya. Aktor-aktor pegeant seringkali adalah para perajin setempat yang memainkan
adegan yag menunjukan keahlian mereka.Orang berkerumun untuk menyaksikan
drama pegeant religius di Eropa. drama ini populer karena pemainnya berbicara dalam bahasa
sehari-hari, bukan bahasa Latin yang merupakan bahasa resmi gereja-gereja Kristen.
Ciri-ciri teater abad Pertengahan adalah sebagai berikut:
 Drama dimainkan oleh aktor-aktor yang belajar di universitas sehingga dikaitkan dengan masalah
filsafat dan agama.
 Aktor bermain di panggung di atas kereta yang bisa dibawa berkeliling menyusuri jalanan
 Lirik-lirik dialog drama menggunakan dialek atau bahasa
 Drama banyak disispi cerita kepahlawanan yang dibumbui cerita percintaan.
 Drama diaminkan di tempat umum dengan memeungut bayaran.
 Drama tidak memiliki nama pengarang

v Reanissance
Abad 17 memberi sumbangan yang sangat berarti bagi kebudayaan Barat. Sejarah abad 15 dan 16
ditentukan oleh penemuan-penemuan penting yaitu mesin, kompas, dan mesin cetak. Semangat baru
muncul untuk menyelidiki kebudayaan Yunani dan Romawi klasik. Semangat ini disebut
semangat Reanissance yang berasal dari kata renaitre yang berarti kelahiran kembali manusia
untuk mendapatkan semangat hidup baru. Gerakan yang menyelidiki semangat ini disebut
gerakan Humanisme.
Pusat-pusat aktivitas teater di Italia adalah istana-istana dan akademi. Di gedung-gedung teater milik
para bangsawan inilah dipentaskan naskah-naskah yang meniru drama-drama klasik. Para aktor
kebanyakan pegawai-pegawai istana dan pertunjukan diselenggarakan dalam pesta-pesta istana.
Ada 3 jenis drama yang dikembangkan, yaitu : Tragedi, Komedi dan Pastoral ataun drama yang
membawakan kisah-kisah percintaan antara dewa-dewa dengan para gembala di daerah pedesaan.
Namun nilai seni ketiganya masih rendah. Meskipun demikian gerakan mereka memiliki arti penting
karena mulailah Eropa mengenal drama yang jelas struktur bentuknya.
Ciri-ciri teater jaman Reanissance
 Naskah lakon yang dipertunjukan meniru teater zaman Yunani klasik.
 Cerita bertema Mitologi atau kehidupan sehari-hari
 Tata buasana dan seting yang dipergunakan sangat inofatif.
 Pelaksanaan bentuk teater diatur oleh kerajaan maupun universitas sehingga moral pengetahuan
perspektif dan Fagade Roma.
 Menggunakan panggung prosenium yaitu bentuk panggung yang memisahkan area panggung
dengan penonton.
Pada zaman ini juga melahirkan satu bentu teater yang disebut Commedia Dell’arte. Merupakan
bentuk teater rakyat Italia yang berkembang di luar lingkungan istana dan akademisi. Pada tahun
1575 bentuk ini sudah populer di Italia. Kemudian menyebar luas di Eropa dan mempengaruhi semua
bentuk komedi yang diciptakan pada tahun 1600. Ciri Khas Commedia Dell’arte adalah:
 Para pemain dibebaskan berimprovisasi mengikuti jalannya cerita dan dituntut memilikik
pengetahuan luas yang dapat mendukung permainan improvisasinya.
 Menggunakan naskah lakon yang berisi garis besar cerita
 Cerita yang dimainkan bersumber pada cerita yang diceritakan secara turun menurun.
 Cerita terdiri dari tiga babak didahului prolog panjang. Plot cerita berlangsung dalam suasana
adegan lucu.
 Peristiwa ceritaberlangsung dan berpindah secara cepat .
 Terdapat tiga tokoh yang selalu muncul, yaitu tokoh penguasa, tokoh penggoda, dan tokoh
pembantu.
 Tempat pertunjukannya di lapangan kota dan panggung-panggung sederhana.
 Setting panggung sederhana yaitu; rumah, jalan, dan lapangan

v Teater Zaman Elizabeth


Pada tahun 1576, selama pemerintahan Ratu Elizabeth I, gedung teater besar dari kayu dibangun di
London Inggris. Gedung ini dibangun seperti lingkaran sehingga penonton bisa duduk dihampir
seluruh sisi panggung. Gedung teater ini sangat sukses sehingga banyak gedung sejenis dibangun
disekitarnya.salah satunya yang disebut Globe, gedung teater ini bisa menampung 3.000 penonton.
Penonton yang mampu membeli tiket duduk di sisi-sisi panggung. Mereka yang tidak mampu
membeli tiket berdiri di sekitar panggung.
Globe mementaskan drama-drama karya William Shakespeare, penulis drama terkenal dari inggris
yang hidup dari tahun 1564 sampai tahun1616. Ia adalah seorang aktor dan penyair, selain penulis
drama. Ia biasanya menulis dalam bentuk puisi atau sajak. Beberapa ceritanya melakukan monolog
panjang, yang disebut solloquy, yang menceritakan gagasan-gagasan mereka kepada penonton. Ia
menulis 37 drama dengan berbagai tema, mulai dari pembunuhan dan perang sampai cinta dan
kecemburuan. Ciri-ciri teater zaman Elizabeth adalah:
 Pertunjukan dilaksanakan sian g hari dan tidak mengenal waktu istirahat.
 Tempat adegan ditandai dengan ucapan dengan disampaikan dalam dialog para tokoh.
 Tokoh wanita dimainkan oleh pemain anak-anak laki-laki. Tidak pemain wanita.
 Penontonya berbagai lapisan masyarakat dan diramaikan oleh penjual makanan dan minuman.
 Menggunakan naskah lakon.
 Corak pertunjukannya merupakan perpaduan antara teater keliling dengan teater sekolah dan
akademi yang keklasik-klasikan.

v Teater abad 17 di Spanyol dan Perancis


Drama-drama agama hanya berkembang di Spanyol Utara dan Barat karena sebagian besar Spanyol
dikuasai Islam. Ketika kekuasaan Arab dapat diusir dari Spanyol kira-kira tahun 1400 maka drama
dijadikan salah satu media untuk “menghistorikan” kembali bekas jajahan Arab. Teater berkembang
sebagai media dakwah agama. Inilah sebabnya drama agama berkembang di Spanyol.Gereja
sangat berperan dalam pengembangan drama. Pertunjukan yang berkembang
adalah Autos Sacramentales dengan ciri ciri antara lain:
 Tokoh-tokoh dalam cerita adalah tokoh simbolik, misalnya si Dosa, Si Bijaksana dipertemukan
dengan tokoh supranatural dan manusia biasa dengan cerita berdasarkan kehidupan sekuler
maupun ajaran-ajaran gereja.
 Dipertunjukkan di atas kereta kuda (2 tingkat) yang dinamai carros. Kereta-kereta kuda tadi juga
membawa setting.
 Pertunjukan dilakukan oleh rombongan profesional yang selalu berhubungan dengan gereja
 Pertunjukannya selalu diselingi tarian dan interlude Farce pendek.

Unsur Farce berdampak masuknya sekularisme dalam drama Autos dan berakibat gereja melarang
Autos pada tahun 1765 karena merajalelanya semangat Farce dan menyimpang dari ajaran-ajaran
agama.
Drama di luar gereja yaitu drama sekuler juga berkembang pesat. Pada tahun 1579 telah berdiri
gedung permanen di Madrid. Bentuk gedung teater ini mirip dengan Elizabethan di Inggris. Pelopor
drama sekuler di Spanyol ialah lope de rueda (1510-1565). Ia dramawan, aktor dan produsen yang
mendirikan gedung teater permanen di Spanyol. Tetapi profesionalisme dalam teater baru
berkembang setelah kematiannya tahun 1580-an.
Pada abad 17 Teater di Perancis menjadi penerus teater abad pertengahan, yaitu teater yang
mementingkan pertunjukan dramatik, bersifat seremonial dan ritual kemasyarakatan. terdapat
kecenderungan menulis naskah yang menggabungkan drama-drama klasik dengan tema-tema sosial
yang dikaitkan dengan budaya pikir kaum terpelajar. Dramawan Perancis bergerak lebih ekstrim
dalam mengembangkan bentuk baru tragedi klasik yang melampaui tragedi Yunani yang padat,
cermat, dan santun. Lahirlah Klasisme baru atau neo klasik yang memiliki konvensi sebagai berikut:
 Mengikuti dan memahami konsep pembuatan naskah klasik,
 Menjaga kemurnian tipe drama,
 Setia kepada kaidah klasik,
 Berorientasi pada fungsi drama,
 Menitikberatkan pada konsep tentang kebenaran dan moral kebaikan,
 Setia kepada keutuhan waktu, tempat, dan peristiwa,
 Hanya mengakui dua bentuk drama yaitu tragedi dan komedi,
 Konsep Neoklasik mengajarkan tentang kebenaran.

v Teater Restorasi di Inggris


Zaman restorasi adalah zaman kebangkitan kembali kegiatan teater di Inggris setelah kaum Puritan
yang berkuasa menutup kegiatan teater. Segala bentuk teater dilarang.Namun setelah Charles II
berkuasa kembali, ia menghidupkan kembali teater. Adapun ciri- ciri teater pada zaman restorasi
adalah:
 Tema cerita bersifat umum dan penonton sudah mengenalnya.
 Tokoh wanita diperankan oleh Pemain wanita
 Penonton tidak lagi semua lapisan masyarakat, tetapi hanya kaum menengah dan kaum atasan,
 Gedung teater mencontoh gaya Italia.
 Pertunjukan diselenggarakan di gedung proscenium diperluas dengan menambah area
yangdisebut apron.sehingga terjadi komunikasi yang intim antara pemain dan penonton. .
 Setting panggung bergambar perspektif dan lebih bercorak umum, misalnya taman atau istana.
v Teater Abad 18
Di abad ke 17, teater Italia memiliki struktur-struktur bangunan dan panggung-panggung arsitektural.
Panggung-panggung itu dihiasi setting-setting perspektif yang dilukis.Letak panggung dipisahkan
dengan auditorium oleh lengkung prosenium. Di Inggris dan Spanyol, tidak terdapat pemain wanita
dalam pementasan teater mereka. Tradisi tersebut berlangsung sampai kira-kira 1587. Di abad ke 17,
perusahaan-perusahaan seni peran Perancis dan Inggris mulai menambahkan wanita ke dalam
rombongan-rombongan pertunjukan mereka. Di Amerika, teater kolonial baru mulai muncul. Mereka
menggunakan sandiwara-sandiwara dan aktor-aktor Inggris. Abad ke 18 adalah masa agung pertama
teater untuk kaum bangsawan.
Pada abad 18 teater di Perancis dimonopoli oleh pemerintah dengan Comedie Francaise-nya. Secara
tetap mereka mementaskan komedi dan tragedi, sedangkan bentuk opera, drama pendek dan
burlesque dipentaskan oleh rombongan teater Italia : Comedie Italienne yang biasanya mementaskan
di pasar-pasar malam. Sampai akhir abad XVIII Perancis menjadi pusat kebudayaan Eropa. Drama
Perancis yang neoklasik menjadi model di seluruh Eropa. Kecenderungan neoklasik menjalar ke
seluruh Eropa.
Selama abad18 Italia berusaha mempertahankan bentuk Commedia Dell’arte. Penulis besarnya ialah
Carlo Goldoni. Karya-karyanya berupa komedi yang kebanyakan agak sentimental tetapi tergolong
bermutu. Penulis naskah yang lain adalah Carlo Gozzi. Ia tidak meneruskan tradisi dell’arte tetapi
menciptakan sendiri komedi-komedi fantasi dengan adegan-adegan penuh improvisasi. Commedia
dell’arte sendiri mulai merosot dan tidak populer di Italia pada akhir abad XVIII. Sedang dalam
tragedi, penulis Italia abad itu yang menonjol hanya Vittorio Alfieri.
Teater di Jerman sudah berkembang pada zaman Renaissance (1500-1600) meskipun dalam bentuk
yang belum sempurna, inilah sebabnya teater Jerman tak berbicara banyak di Eropa sampai tahun
1725. Teater Jerman dengan model Comedie Francaise, menciptakan suatu organisasi teater paling
baik di Eropa pada akhir abad XVIII sejak itu gerakan teater Jerman berpaling dari ide neoklasik
kepada aliran romantik.
v Teater Awal Abad ke 19
Drama Romantik berkembang antara tahun 1800-1850 karena memudarnya gagasan neoklasik dan
terjadinya peristiwa revolusi Perancis . Revolusi perancis — yang berhasil mengubah struktur dan
pola kehidupan rakyat Perancis –menghadirkan gerakan baru di dunia teater yang mendorong
terciptanya formula penulisan tema dan penokohan dalam naskah lakon.
Ciri-ciri pertunjukan teater Romantik adalah:
 menggunakan naskah dengan struktur yang bersifat longgar dengan karakter tokoh yang
berubah-ubah di setiap episode. Setiap bagian
 Plot cerita memiliki episodenya sendiri (plot episodik)

 Inti cerita adalah masalah kebebasan . Memberontak pada fakta dan aturan yang bersifat klasik.
 Membawakan cerita kesejarahan yang memuat adegan perang, pemberontakan, pembakaran
istana, perang tanding dan sebagainya.
 Panggung dihiasi dengan gambar-gambar yang sangat indah.
 Setting perspektif diganti dengan lukisan untuk layar sayap panggung dan sayap belakang dan
bentuk skeneri ditampilkan bergantian.
Di awal abad ke 19, sebuah pergerakan teater besar yang dikenal dengan Romantik mulai
berlangsung di Jerman. August Wilhelm Schlegel adalah seorang penulis Roman Jerman yang
menganggap Shakespeare adalah salah satu dari pengarang naskah lakobn terbesar dan
menerjemahkan 17 dari naskah lakonnya. Penggemar besar Shakespeare lain adalah Ludwig
Tiecky yang sangat berperan dalam memperkenalkan karya-karya Shakespeare kepada orang-orang
Jerman. Salah satu lakon tragedinya adalah Kaiser Octaveous. Pengarang Jerman lainnya di awal
abad ke 19 antara lain, Henrich von Kleist yang dikenal sebagai penulis lakon terbaik
jaman itu, Christian Grabbe yang menulis Don Jaun dan Faust, Franz Grillparzer yang dipandang
sebagai penulis lakon serius pertama Austria, dan George Buchner yang menulis Danton’s Death dan
Leoce & Lena.
Di Inggris, pergerakan Romantik dipicu oleh naskah lakon karya Samuel Taylor Coleridge, Henry
James Byron, Percy Bysshe Shelley, dan John Keats. Dengan naskah lakon seperti, Remorse karya
Coleridge, Marino Fanceiro karya Byron, dan The Cinci karya Shelley. Inggris menjadi berpengaruh
kuat dalam mempopulerkan aliran Romantik. Di Perancis, Victor Hugo menulis Hernani ( tahun 1830)
. The Moor of Venice adalah naskah lakon yang ditulis oleh Alfred de Vigny
yang merupakan adaptasi Othello. Alexandre Dumas pere menulis lakon Henri III and his
Court dan Christine . Alfred de Musset menulislakon A Venician Night dan No Trifling With Love.
v Teater Abad 19 dan Realisme
Banyak perubahan terjadi di Eropa pada abad ke 19. karena Revolusi Industri. Orang-orang
berkelas pindah ke kota dan teater pun mulai berubah. Bentuk-bentuk baru teater diciptakan untuk
pekerja industri seperti Vaudeville (aksi-aksi seperti rutinitas lagu dan tari), Berlesque (karya-karya
drama yang membuat subyek nampak menggelikan), dan melodrama (melebih-lebihkan karakter
dalam konflik – pahlawan vs penjahat). Sandiwara-sandiwara romantis dan kebangkitan klasik
dimainkan di gedung teater-teater yang megah pada masa itu. Amerika Serikat masih
mengandalkan gaya teater dan lakon Eropa. Di tahun 1820, lilin-lilin dan lampu-lampu minyak
digantikan oleh lampu-lampu gas di gedung- gedung teater abad 19. Gedung Teater Savoy di London
(1881) yang mementaskan drama- drama Shakespeare adalah gedung teater pertama yang
panggungnya diterangi lampu listrik.
Pada abad 19 di Inggris sebuah drama kloset atau naskah lakon yang sepenuhnya tidak dapat
dipentaskan bermunculan. Tercatat nama-nama penulis drama kloset, seperti Wordswoth, Coleridge,
Byron, Shelley, Swinburne, Browning, dan Tennyson. Baru pada akhir abad 19 teater di Inggris juga
menunjukkan tanda-tanda kehidupan dengan munculnya Henry Arthur Jones, Sir Arthur Wing Pinero,
dan Oscar Wilde. Juga terlihat kebangkitan pergerakan teater independen yang menjadi perintis
pergerakan “Teater Kecil” yang nanti di abad ke 20 tersebar luas, misalnyai Theatre Libre Paris, Die
Freie Buhne Berlin, independent Theater London dan Miss Horniman’s Theater Manchester yang
mana Ibsen, Strindberg, Bjornson, Yeats, Shaw, Hauptmann dan Synge mulai dikenal masyarakat.
Selama akhir abad 19 di Jerman muncul dua penulis lakon kaliber internasional yaitu Hauptmann
dan Sudermann. Seorang doktor Viennese, Arthur Schnitzler, menjadi dikenal luas di luar tempat
asalnya Austria dengan naskah lakon yang ringan dan menyenangkan berjudul Anatol. Di Perancis,
Brieux menjadi perintis teater realistis dan klinis. Belgia menghasilkan Maeterlinck. Di Paris, Cyrano
de Bergerac, karya Edmond Rostand. Sementara itu di Italia Giacosa menulis lakon terbaiknya yang
banyak dikenal, As the Leaves, dan mengarang syair-syair untuk opera, La Boheme,
Tosca, dan Madame Butterfly. Verga menulis In the Porter’s Lodge, The Fox Hunt, dan Cavalleria
Rusticana, yang juga lebih dikenal melalui opera Muscagni;.Penulis lakon Italia abad 19 yang paling
terkenal adalah, Gabriel d’Annunzio, Luigi Pirandello dan Sem Benelli dengan lakon berjudul Supper
of Jokes yang dikenal di Inggris dan Amerika sebagai The Jest. Bennelli dengan lakon Love of the
Three Kings-nya dikenal di luar Italia dalam bentuk opera. Di Spanyol Jose Echegaray menulis The
World and His Wife; Jose Benavente dengan karyanya Passion Flower dan Bonds of
Interest dipentaskan di Amerika; dan Sierra bersaudara dengan naskah lakon Cradle Song menjadi
penghubung abad ke 19 dan 20, seperti halnya Shaw, Glasworthy, dan Barrie di Inggris, serta Lady
Augusta Gregory dan W.B. Yeats di Irlandia.
Sampai abad 19 teater di Amerika dikuasai oleh “Stock Company” dengan sistem bintang. Sebuah
rombongan drama lengkap dengan peralatannya serta bintang-bintangnya mengadakan perjalanan
keliling. Dengan dibangunnya jaringan kereta api Stock Company makin berkembang (1870). Namun
akibatnya juga bahwa seni Teater tersebar luar di seluruh Amerika. Maka muncullah teater-teater
lokal. Stock company lenyap sekitar tahun 1900. Sindikat teater berkuasa di Amerika dari tahun 1896-
1915. Realisme menguasai panggung-panggung teater Amerika pada Abad 19. Usaha melukiskan
kehidupan nyata secara teliti dan detail ini dimulai dengan pementasan-pementasan naskah-naskah
sejarah. Setting dan kostum diusahakan sepersis mungkin dengan zaman cerita. Charles Kenble
dalam memproduksi “king john” tahun 1823 (naskah Shakespeare) mengusahakan ketepatan sampai
hal-hal yang detail.
Zaman Realisme yang lahir pada penghujung abad 19 dapat dijadikan landas pacu lahirnya seni
teater modern di barat. Penanda yang kuat adalah timbulnya gagasan untuk mementaskan lakon
kehidupan di atas pentas dan menyajikannya seolah peristiwa itu terjadi secara nyata. Gagasan ini
melahirkan konvensi baru dan mengubah konvensi lama yang lebih menampilkan seni teater sebagai
sebuah pertunjukan yang memang dikhususkan untuk penonton. Tidak ada lagi pamer keindahan
bentuk akting dan puitika kata-kata dalam Realisme. Semua ditampilkan apa adanya seperti sebuah
kenyataan kehidupan.
Diiringi dengan perkembangan teknologi yang dapat digunakan untuk mendukung artistik pentas,
Realisme menjadi primadona di dunia barat. Seni teater yang menghadirkan penggal kenyataan
hidup di atas pentas ini begitu membius penggemarnya. Para penonton dibuat terhanyut dan larut
dalam cerita-cerita yang dimainkan. Pesona semacam ini membuat Realisme begitu berpengaruh
dalam waktu yang cukup lama.
v Teater Abad 20
Teater telah berubah selama ber -abad-abad. Gedung-gedung pertunjukan modern memiliki efek-
efek khusus dan teknologi baru. Orang datang ke gedung pertunjukan tidak hanya untuk
menyaksikan teater melainkan juga untuk menikmati musik, hiburan, pendidikan, dan mempelajari
hal-hal baru. Rancangan-rancangan panggung termasuk pengaturan panggung arena, atau yang kita
sebut saat ini, Teater di Tengah-Tengah Gedung. Dewasa ini, beberapa cara untuk
mengekspresikan karakter-karakter berbeda dalam pertunjukan-pertunjukan (disamping nada suara)
dapat melalui musik, dekorasi, tata cahaya, dan efek elektronik. Gaya-gaya pertunjukan realistis dan
eksperimental ditemukan dalam teater Amerika saat ini.
Seiring dengan perkembangan waktu. Kualitas pertunjukan Realis oleh beberapa seniman dianggap
semakin menurun dan membosankan. Hal ini memdorong para pemikir teater untuk menemukan satu
bentuk ekspresi baru yang lepas dari konvensi yang sudah ada. Wilayah jelajah artisitk dibuka
selebar-lebarnya untuk kemungkinan perkembangan bentuk pementasan seni teater. Dengan
semangat melawan pesona Realisme, para seniman mencari bentuk pertunjukannya sendiri. Pada
awal abad 20 inilah istilah teater Eksperimental berkembang. Banyak gaya baru yang lahir baik dari
sudut pandang pengarang, sutradara, aktor ataupun penata artistik. Tidak jarang usaha mereka
berhasil dan mampu memberikan pengaruh seperti gaya; Simbolisme, Surealisme, Epik, dan Absurd.
Tetapi tidak jarang pula usaha mereka berhenti pada produksi pertama. Lepas dari hal itu, usaha
pencarian kaidah artistik yang dilakukan oleh seniman teater modern patut diacungi jempol karena
usaha-usaha tersebut mengantarkan kita pada keberagaman bentuk ekspresi dan makna keindahan.
v Gaya Pementasan
Gaya dapat didefinisikan sebagai corak ragam penampilan sebuah pertunjukan yang merupakan
wujud ekspresi dari:
 Cara pribadi sang pengarang lakon dalam menerjemahkan cerita kehidupan di atas pentas
 Konvensi atau aturan-aturan pementasan yang berlaku pada masa lakon ditulis
 Konsep dasar sutradara dalam mementaskan lakon yang dipilih untuk menegaskan makna
tertentu.
Gaya penampilan pertunjukan teater secara mendasar dibagi ke dalam tiga (3) gaya besar yaitu;
Presentasional, Representasional (Realisme), dan Post-Realistic.

v Presentasional
Hampir semua teater klasik menggunakan gaya ini dalam pementasannya. Gaya Presentasional
memiliki ciri khas, “pertunjukan dipersembahkan khusus kepada penonton”. Bentuk-bentuk teater
awal selalu menggunakan gaya ini karena memang sajian pertunjukan mereka benar-benar
dipersembahkan kepada penonton. Yang termasuk dalam gaya ini adalah:
Teater Klasik Yunani dan Romawi
Teater Timur (Oriental) termasuk teater tradisional Indonesia
Teater abad pertengahan
Commedia dell’arte, teater abad 18
Unsur-unsur gaya Presentasional adalah:
 Para pemain bermain langsung di hadapan penonton. Artinya, karya seni pemeranan yang
ditampilkan oleh para aktor di atas pentas benar-benar disajikan kepada khalayak penonton
sehingga bentuk ekspresi wajah, gerak, wicara sengaja diperlihatkan lebih kepada penonton
daripada antarpemain.
 Gerak para pemain diperbesar (grand style), menggunakan wicara menyamping (aside), dan
banyak melakukan soliloki (wicara seorang diri).
 Menggunakan bahasa puitis dalam dialog dan wicara.
Beberapa lakon yang biasa dan dapat dipentaskan dengan gaya Presentasional, di antaranya adalah:
 Romeo and Juliet, Piramus dan Thisbi, Raja Lear, Machbeth (William Shakespeare)
 Akal Bulus Scapin, Tartuff, Tabib Gadungan (Moliere)
 Oidipus (Sopokles)
 Epos dan Roman Sejarah yang biasa dipentaskan dalam teater tradisonal Indonesia

v Representasional (Realisme)
Seiring berkembangya ilmu pengetahuan dan teknologi pada abad 19, bersama itu pula teknik tata
lampu dan tata panggung maju pesat sehingga para seniman teater berusaha dengan keras untuk
mewujudkan gambaran kehidupan di atas pentas. Perwujudan dari usaha ini melahirkan gaya yang
disebut Representasional atau biasa disebut Realisme. Gaya ini berusaha menampilkan kehidupan
secara nyata di atas pentas sehingga apa yang disaksikan oleh penonton seolah-olah bukanlah
sebuah pentas teater tetapi potongan cerita kehidupan yang sesungguhnya. Para pemain beraksi
seolah-olah tidak ada penonton yang menyaksikan. Tata artistik diusahakan benar-benar menyerupai
situasi sesungguhnya di mana lakon itu berlangsung.
Gaya Realisme sangat mempesona karena berbeda sekali dengan gaya Presentasional. Para
penonton tak jarang ikut hanyut dalam laku cerita sehingga mereka merasakan bahwa apa yang
terjadi di atas pentas adalah kejadian sesungguhnya. Unsur-unsur gaya Representasional adalah:
 Aktor saling bermain di antara mereka, beranggapan seolah-olah penonton tidak ada sehingga
mereka benar-benar memainkan sebuah cerita seolah-olah sebuah kenyataan
 Menciptakan dinding keempat (the fourth wall) sebagai pembatas imajiner antara penonton dan
pemain
 Konvensi seperti wicara menyamping (aside) dan soliloki sangat dibatasi
 Menggunakan bahasa sehari-hari.
Beberapa lakon yang biasa dan dapat dipentaskan dengan gaya Representasional, di antaranya
adalah:
 Kebun Cherry, Burung Manyar, Penagih Hutang, Pinangan (Anton Chekov)
 Hedda Gabbler, Hantu-hantu, Musuh Masyarakat (Henrik Ibsen)
 Senja Dengan Dua Kelelawar, Penggali Intan, Penggali Kapur (Kirdjomuljo)
 Titik-titik Hitam (Nasjah Djamin)
 Tiang Debu, Malam Jahanam (Motinggo Boesje)
Dalam perkembangannya gaya Representasional atau Realisme ini melahirkan gaya-gaya baru yang
masih berada dalam ruang lingkupnya yaitu; Naturalisme, Selektif Realisme, dan Sugestif Realisme
(Mary McTigue, Ibid., 162).
Naturalisme merupakan sub gaya Realisme yang paling ekstrim. Gaya ini menghendaki sajian
pertunjukan yang benar-benar mirip dengan kenyataan. Setiap detil dan struktur tata panggung harus
benar-benar mirip seperti aslinya sehingga panggung merupakan potret kehidupan sesungguhnya.
Naturalisme, selain menuntut pendekatan ilmiah, juga percaya bahwa kondisi manusia amat
ditentukan oleh faktor lingkungan dan keturunan. Dalam prakteknya kaum naturalisme banyak
mengungkapkan kemerosotan dan kebobrokan masyarakat golongan bawah. Drama-drama mereka
penuh dengan kebusukan manusia dan hal-hal yang tak menyenangkan “dalam kehidupan”.
Panggung harus menggambarkan kenyataan sebenarnya yang mereka ambil dari kehidupan nyata.
Tokoh naturalisme yang sangat penting ialah Emile Zola. Ia mengangkat : “Bukan drama, tetapi
kehidupan yang harus disajikan pada penonton”. Sebagai gerakan teater, naturalisme hanya hidup
sampai tahun 1900 setelah itu hanya realisme yang semakin berpengaruh seiring dengan
perkembangan teknologi terutama kelistrikan yang dapat diguankan untuk menunjang teknik
pemanggungan.
Selektif Realisme, merupakan cabang gaya Realisme yang memilih atau menyeleksi detil tertentu
dan digabungkan dengan unsur-unsur simbolik dalam manyajikan keseluruhan tata ruang yang ada di
atas pentas. Misalnya, dinding, pintu, dan jendela dibuat seperti aslinya, tetapi atap rumah hanya
dtampilkan dalam bentuk kerangka. Sedangkan dalam Sugestif Realisme menggunakan bagian-
bagian dari bangunan atau ruang yang dipilih dan ditampilkan secara mendetil untuk memberikan
gambaran sugestif bentuk keseluruhannya. Misalnya, satu tiang ditampilkan untuk memberikan
gambaran ruang Istana dengan bantuan tata lampu yang mendukung, selebihnya adalah imajinasi.
v Gaya Post-Realistic
Dalam abad 20, seniman seni teater melakukan banyak usaha untuk membebaskan seni teater dari
batasan-batasan konvensi tertentu (Presentasional dan Representasional) dan berusaha memperluas
cakrawala kreativitas baik dari sisi penulisan lakon maupun penyutradaraan. Gaya ini membawa
semangat untuk melawan atau mengubah gaya Realisme yang telah menjadi konvensi pada masa
itu. Setiap seniman memiliki caranya tersenidiri dalam mengungkapkan rasa, gagasan, dan kreasi
artistiknya. Banyak percobaan dilakukan sehingga pada masa tahun 1950-1970 di Eropa dan
Amerika gaya ini dikenal sebagai gaya Teater Eksperimen. Meskipun pada saat ini banyak teater
yang hadir dengan gaya Realisme tetapi kecenderungan untuk melahirkan gaya baru masih saja lahir
dari tangan-tangan kreatif pekerja seni teater. Banyak gaya yang dapat digolongkan dalam Post-
Realistic, beberapa di antaranya sangat berpengaruh dan banyak di antaranya yang tidak mampu
bertahan lama.
Unsur-unsur gaya Post-Realistic adalah:
 Mengkombinasikan antara unsur Presentasional dan Representasional
 Menghilangkan dinding keempat (the fourth wall), dan terkadang berbicara langsung atau kontak
dengan penonton
 Bahasa formal, sehari-hari, puitis digabungkan dengan beberpa idiom baru atau dengan
bahasaslank.
Beberapa gaya Post-Realistic yang berpengaruh adalah:

 Simbolisme, sebuah gaya yang menggunakan simbol-simbol untuk mengungkapkan makna


lakon atau ekspresi dan emosi tertentu. Meskipun pada awalnya gaya ini muncul tahun 1180 di
Perancis, namun baru memegang peranan berarti pada tahun 1900. Simbolisme tidak terlalu
mempercayai kelima panca indera dan pemikiran rasional untuk memahami kenyataan. Intuisi
dipercayai untuk memahami kenyataan karena kenyataan tak dapat dipahami secara logis, maka
kebenaran itu juga tidak mungkin diungkapkan secara logis pula. Kenyataan yang hanya dapat
dipahami melalui intuisi itu harus diungkapkan dalam bentuk simbol-simbol. Untuk keperluan
tersebut gaya ini mencoba mensintesiskan beberapa cabang seni dalam pertunjukan seperti;
seni rupa (lukisan), musik, tata lampu, seni tari, dan unsur seni visual lain. Simbolisme sering
juga disebut sebagai Teater Multi-Media.
 Teatrikalisme, mencoba menarik perhatian penonton secara langsung dan menyadarkan
mereka bahwa yang mereka tonton adalah pertunjukan teater dan bukan penggal cerita
kehidupan seperti dalam gaya Realisme. Sengaja menghapus “dinding keempat”, menggunakan
properti imajiner atau tata dekorasi yang berganti-ganti di hadapan penonton.
 Surealisme, sebuah gaya yang mendapat pengaruh dari berkembangnya teori psikologi
Sigmund Freud dalam usahanya untuk mengekspresikan dunia bawah sadar manusia melalui
simbol-simbol mimpi, penyimpangan watak atau kejiwaan manusia, dan asosiasi bebas gagasan.
Gaya ini begitu menarik karena penonton seolah dibawa ke alam lain atau dunia mimpi yang
terkadang muskil tapi hampir bisa dirasakan dan pernah dialami oleh semua orang.

 Ekspresionisme, istilah ini diambil dari gerakan seni rupa pada akhir abad 19 yang dipelopori
oleh pelukis Van Gogh dan Gauguin. Namun gerakan itu kemudian meluas pada bentuk-bentuk
seni yang lain termasuk teater. Ekspresionisme sudah ada dalam teater jauh sebelum masa itu,
hanya masih merupakan salah satu elemen saja dalam teater. Sebagai suatu gerakan teater, ia
baru muncul tahun 1910 di Jerman. Sukses pertama teater ekspresionisme dicapai oleh Walter
Hasenclever pada tahun 1914 dengan dramanya Sang Anak. Adapun puncak gerakan ini terjadi
sekitar tahun 1918 (pada saat Perang Dunia I) dan mulai merosot tahun 1925. Meskipun mula-
mula ekspresionisme berkembang di Eropa, terutama selama Perang Dunia I (1914-1918),
namun pengaruhnya menjangkau ke luar Eropa dan dalam masa yang lebih kemudian. Beberapa
dramawan Amerika yang terpengaruh oleh gerakan ekspresionisme ini adalah: Elmer Rice,
Eugene O’neill, Marc Connelly, dan George Kaufman. Pengaruh ini terutama nampak dalam tata
panggung dan elemen visual yang lebih bebas diatasnya, adegan mimpi dalam lokal realistis,
misalnya adalah salah satu bentuk kebebasan itu. Jadi teknik dramatik dan pendekatan-
pendekatannya dalam pemanggungan merupakan pengaruh besar ekspresionisme dalam teater
abad 20 (Yakob Soemardjo: 1983-1984).
 Teater Epik, disebut juga sebagai “teater pembelajaran”. Gaya ini menolak gaya Realisme,
empaty, dan ilusi dalam usahanya mengajarkan teori atau pernytaan sosio-politis melalui
penggunaan narasi, proyeksi, slogan, lagu, dan bahkan terkadang melaljui kontak lang sung
dengan penonton. Gaya ini sering juga disebut “Teater Obsevasi”. Tokoh yang terkenal dalam
gaya ini adalah Bertold Brecht. Teater epik digunakan oleh Brecht untuk melawan apa yang lazim
disebut sebagai teater dramatik. Teater dramatik yang konvensional ini dianggapnya sebagai
sebuah pertunjukan yang membuat penonton terpaku pasif. Sebab semua kejadian disuguhkan
dalam bentuk “masa kini” seolah-olah masyarakat dan waktu tidak pernah berubah. Dengan
demikian ada kesan bahwa kondisi sosial tak bisa berubah. Brecht berusaha membuat
penontonnya ikut aktif berpartisipasi dan merupakan bagian vital dari peristiwa teater.

 Absurdisme, gaya yang menyajikan satu lakon yang seolah tidak memiliki kaitan rasional antara
peristiwa satu dengan yang lain, antara percakapan satu dengan yang lain. Unsur-unsur
Surealisme dan Simbolisme digunakan bersamaan dengan irrasionalitas untuk memberikan
sugesti ketidakbermaknaan hidup manusia serta kepelikan komunikasi antarsesama. Drama-
drama yang kini disebut absurd, pada mulanya dinamai eksistensialisme. Persoalan
eksistensialisme adalah mencari arti “Eksistensi” atau “ada”. Apa akibat arti itu bagi kehidupan
sehari-hari?. Pencarian makna “ada” ini berpusat pada diri pribadi sang manusia dan
keberadaannya di dunia. Dua tokoh eksistensialis yang terkemuka adalah: Jean Paul Sartre
(1905) dan Albert Camus (1913-1960). Para dramawan setelah Sartre dan Camus lebih banyak
menekankan bentuk absurditas dunia itu sendiri. Dan obyek absurd itu mereka tuangkan dalam
bentuk teater yang absurd pula. Tokoh-tokoh Teater Absurd di antaranya, adalah: Samuel
Beckett (1906), Jean Genet (1910), Harold Pinter, Edward Albee, dan Eugene Ionesco (1912).

 Mempelajari Panggung

Dalam sejarah perkembangannya, seni teater memiliki berbagai macam jenis panggung
yang dijadikan tempat pementasan. Perbedaan jenis panggung ini dipengaruhi oleh tempat
dan zaman dimana teater itu berada serta gaya pementasan yang dilakukan. Bentuk
panggung yang berbeda memiliki prinsip artistik yang berbeda. Misalnya, dalam panggung
yang penontonnya melingkar, membutuhkan tata letak perabot yang dapat enak dilihat dari
setiap sisi. Berbeda dengan panggung yang penontonnya hanya satu arah dari depan. Untuk
memperoleh hasil terbaik, penata panggung diharuskan memahami karakter jenis panggung
yang akan digunakan serta bagian-bagian panggung tersebut.

 4.1.1 Jenis-jenis Panggung

 Panggung adalah tempat berlangsungnya sebuah pertunjukan dimana interaksi antara kerja
penulis lakon, sutradara, dan aktor ditampilkan di hadapan penonton. Di atas panggung inilah
semua laku lakon disajikan dengan maksud agar penonton menangkap maksud cerita yang
ditampilkan. Untuk menyampaikan maksud tersebut pekerja teater mengolah dan menata
panggung sedemikian rupa untuk mencapai maksud yang dinginkan. Seperti telah disebutkan
di atas bahwa banyak sekali jenis panggung tetapi dewasa ini hanya tiga jenis panggung
yang sering digunakan. Ketiganya adalah panggung proscenium, panggung thrust, dan
panggung arena. Dengan memahami bentuk dari masingmasing panggung inilah, penata
panggung dapat merancangkan karyanya berdasar lakon yang akan disajikan dengan baik.

 4.1.1.1 Arena

 Panggung arena adalah panggung yang penontonnya melingkar atau duduk mengelilingi
panggung (Gb.274). Penonton sangat dekat sekali dengan pemain. Agar semua pemain
dapat terlihat dari setiap sisi maka penggunaan set dekor berupa bangunan tertutup vertikal
tidak diperbolehkan karena dapat menghalangi pandangan penonton. Karena bentuknya
yang dikelilingi oleh penonton, maka penata panggung dituntut kreativitasnya untuk
mewujudkan set dekor. Segala perabot yang digunakan dalam panggung arena harus benar-
benar dipertimbangkan dan dicermati secara hati-hati baik bentuk, ukuran, dan
penempatannya. Semua ditata agar enak dipandang dari berbagai sisi.


 Panggung arena biasanya dibuat secara terbuka (tanpa atap) dan tertutup. Inti dari pangung
arena baik terbuka atau tertutup adalah mendekatkan penonton dengan pemain. Kedekatan
jarak ini membawa konsekuensi artistik tersendiri baik bagi pemain dan (terutama) tata
panggung. Karena jaraknya yang dekat, detil perabot yang diletakkan di atas panggung harus
benar-benar sempurna sebab jika tidak maka cacat sedikit saja akan nampak. Misalnya, di
atas panggung diletakkan kursi dan meja berukir. Jika bentuk ukiran yang ditampilkan tidak
nampak sempurna – berbeda satu dengan yang lain – maka penonton akan dengan mudah
melihatnya. Hal ini mempengaruhi nilai artistik pementasan.

 Lepas dari kesulitan yang dihadapi, panggun arena sering menjadi pilihan utama bagi teater
tradisional. Kedekatan jarak antara pemain dan penonton dimanfaatkan untuk melakukan
komunikasi langsung di tengah-tengah pementasan yang menjadi ciri khas teater tersebut.
Aspek kedekatan inilah yang dieksplorasi untuk menimbulkan daya tarik penonton.
Kemungkinan berkomunikasi secara langsung atau bahkan bermain di tengah-tengah
penonton ini menjadi tantangan kreatif bagi teater modern. Banyak usaha yang dilakukan
untuk mendekatkan pertunjukan dengan penonton, salah satunya adalah penggunaan
panggung arena. Beberapa pengembangan desain dari teater arena melingkar dilakukan
sehingga bentuk teater arena menjadi bermacammacam.



 Masing-masing bentuk memiliki keunikannya tersendiri tetapi semuanya memiliki tujuan yang
sama yaitu mendekatkan pemain dengan penonton.

 4.1.1.2 Proscenium

 Panggung proscenium bisa juga disebut sebagai panggung bingkai karena penonton
menyaksikan aksi aktor dalam lakon melalui sebuah bingkai atau lengkung proscenium
(proscenium arch). Bingkai yang dipasangi layar atau gorden inilah yang memisahkan
wilayah akting pemain dengan penonton yang menyaksikan pertunjukan dari satu arah
(Gb.276). Dengan pemisahan ini maka pergantian tata panggung dapat dilakukan tanpa
sepengetahuan penonton. Panggung proscenium sudah lama digunakan dalam dunia teater.
Jarak yang sengaja diciptakan untuk memisahkan pemain dan penonton ini dapat digunakan
untuk menyajikan cerita seperti apa adanya. Aktor dapat bermain dengan leluasa seolah-olah
tidak ada penonton yang hadir melihatnya. Pemisahan ini dapat membantu efek artistik yang
dinginkan terutama dalam gaya realisme yang menghendaki lakon seolah-olah benar-benar
terjadi dalam kehidupan nyata.


 Tata panggung pun sangat diuntungkan dengan adanya jarak dan pandangan satu arah dari
penonton. Perspektif dapat ditampilkan dengan memanfaatkan kedalaman panggung (luas
panggung ke belakang). Gambar dekorasi dan perabot tidak begitu menuntut kejelasan detil
sampai hal-hal terkecil. Bentangan jarak dapat menciptkan bayangan arstisitk tersendiri yang
mampu menghadirkan kesan. Kesan inilah yang diolah penata panggung untuk mewujudkan
kreasinya di atas panggung proscenium. Seperti sebuah lukisan, bingkai proscenium menjadi
batas tepinya. Penonton disuguhi gambaran melalui bingkai tersebut. Hampir semua sekolah
teater memiliki jenis panggung proscenium. Pembelajaran tata panggung untuk menciptakan
ilusi (tipuan) imajinatif sangat dimungkinkan dalam panggung proscenium.

 Jarak antara penonton dan panggung adalah jarak yang dapat dimanfaatkan untuk
menciptakan gambaran kreatif pemangungan. Semua yang ada di atas panggung dapat
disajikan secara sempurna seolah-olah gambar nyata. Tata cahaya yang memproduksi sinar
dapat dihadirkan dengan tanpa terlihat oleh penonton dimana posisi lampu berada. Intinya
semua yang di atas panggung dapat diciptakan untuk mengelabui pandangan penonton dan
mengarahkan mereka pada pemikiran bahwa apa yang terjadi di atas pentas adalah
kenyataan. Pesona inilah yang membuat penggunaan panggung proscenium bertahan
sampai sekarang.

 4.1.1.3 Thrust

 Panggung thrust seperti panggung proscenium tetapi dua per tiga bagian depannya menjorok
ke arah penonton. Pada bagian depan yang menjorok ini penonton dapat duduk di sisi kanan
dan kiri panggung (Gb.277). Panggung thrust nampak seperti gabungan antara panggung
arena dan proscenium.

 Untuk penataan panggung, bagian depan diperlakukan seolah panggung Arena sehingga
tidak ada bangunan tertutup vertikal yang dipasang. Sedangkan panggung belakang
diperlakukan seolah panggung proscenium yang dapat menampilan kedalaman objek atau
pemandangan secara perspektif. Panggung thrust telah digunakan sejak Abad Pertengahan
(Medieval) dalam bentuk panggung berjalan (wagon stage) pada suatu karnaval. Bentuk ini
kemudian diadopsi oleh sutradara teater modern yang menghendaki lakon ditampilkan
melalui akting para pemain secara lebih artifisial (dibuat-buat agar lebih menarik) kepada
penonton. Bagian panggung yang dekat dengan penonton memungkinkan gaya akting teater
presentasional yang mempersembahkan permainan kepada penonton secara langsung,
sementara bagian belakang atau panggung atas dapat digunakan untuk penataan panggung
yang memberikan gambaran lokasi kejadian.

 4.1.2 Bagian-bagian Panggung

 Panggung teater modern memiliki bagian-bagian atau ruangruang yang secara mendasar
dibagi menjadi tiga, yaitu bagian panggung, auditorium (tempat penonton), dan ruang depan.
Bagian yang paling kompleks dan memiliki fungsi artistik pendukung pertunjukan adalah
bagian panggung. Masing-masing memiliki fungsinya sendiri. Seorang penata panggung
harus mengenal bagian-bagian panggung secara mendetil. Gambar 278 dan 279
menerangkan bagian-bagian panggung.

 A Border. Pembatas yang terbuat dari kain. Dapat dinaikkan dan diturunkan. Fungsinya untuk
memberikan batasan area permaianan yang digunakan.

 B Backdrop. Layar paling belakang. Kain yang dapat digulung atau diturun-naikkan dan
membentuk latar belakang panggung.

 C Batten. Disebut juga kakuan. Perlengkapan panggung yang dapat digunakan untuk
meletakkan atau menggantung benda dan dapat dipindahkan secara fleksibel.

 D Penutup/flies. Bagian atas rumah panggung yang dapat digunakan untuk menggantung set
dekor serta menangani peralatan tata cahaya.

 E Rumah panggung (stage house). Seluruh ruang panggung yang meliputi latar dan area
untuk tampil

 F Catwalk (jalan sempit). Permukaan, papan atau jembatan yang dibuat di atas panggung
yang dapat menghubungkan sisi satu ke sisi lain sehingga memudahkan pekerja dalam
memasang dan menata peralatan.

 G Tirai besi. Satu tirai khsusus yang dibuat dari logam untuk memisahkan bagian panggung
dan kursi penonton. Digunakan bila terjadi kebakaran di atas panggung. Tirai ini diturunkan
sehingga api tidak menjalar keluar dan penonton bisa segera dievakuasi.

 H Latar panggung atas. Bagian latar paling belakang yang biasanya digunakan untuk
memperluas area pementasan dengan meletakkan gambar perspektif.

 I Sayap (side wing). Bagian kanan dan kiri panggung yang tersembunyi dari penonton,
biasanya digunakan para aktor menunggu giliran sesaat sebelum tampil.

 J Layar panggung. Tirai kain yang memisahkan panggung dan ruang penonton. Digunakan
(dibuka) untuk menandai dimulainya pertunjukan. Ditutup untuk mengakhiri pertunjukan.

 Digunakan juga dalam waktu jeda penataan set dekor antara babak satu dengan lainnya.

 K Trap jungkit. Area permainan atau panggung yang biasanya bisa dibuka dan ditutup untuk
keluar-masuk pemain dari bawah panggung.

 L Tangga. Digunakan untuk naik ke bagian atas panggung secara cepat. Tangga lain,
biasanya diletakkan di belakang atau samping panggung sebelah luar.

 M Apron. Daerah yang terletak di depan layar atau persis di depan bingkai proscenium.

 N Bawah panggung. Digunakan untuk menyimpan peralatan set. Terkadang di bagian bawah
ini juga terdapat kamar ganti pemain.

 O Panggung. Tempat pertunjukan dilangsungkan.


 P Orchestra Pit. Tempat para musisi orkestra bermain. Dalam beberapa panggung
proscenium, orchestra pit tidak disediakan.

 Q FOH (Front Of House) Bar. Baris lampu yang dipasang di atas penonton. Digunakan untuk
lampu spot.

 R Langit-langit akustik. Terbuat dari bahan yang dapat memproyeksikan suara dan tidak
menghasilkan gema.

 S Ruang pengendali. Ruang untuk mengendalikan cahaya dan suara (sound system).

 T Bar. Tempat menjual makan dan minum untuk penonton selama menunggu pertunjukan
dimulai.

 U Foyer. Ruang tunggu penonton sebelum pertunjukan dimulai atau saat istirahat.

 V Tangga. Digunakan untuk naik dan turun dari ruang lantai satu ke ruang lantai lain.

 W Auditorium (house). Ruang tempat duduk penonton di panggung proscenium. Istilah
auditorium sering juga digunakan sebagai pengganti panggung proscenium itu sendiri.

 X Ruang ganti pemain. Ruang ini bisa juga terletak di bagian bawah belakang panggung.


 Sumber :
 Santosa, Eko dkk, 2008, Seni Teater Jilid 2 untuk SMK, Jakarta : Pusat Perbukuan
Departemen Pendidikan Nasional, h. 387 – 395.


 Sumber : materiteater.blogspot.com