Maria Camila Cifuentes

Parcial II Arte en Latinoamérica

Profesor Ricardo Toledo
Mayo 11 de 2017

Al entrar en la etapa del arte moderno, en Latinoamérica se ve una gran exploración

temática que acoge todo el contexto sociopolítico. La modernidad trae consigo una
liberación artística, los artistas empiezan a producir arte del pueblo para el pueblo,
generando relaciones directas y sinceras con la sociedad. Se rompe con las
esquematizaciones de europeizar al indígena y nace un arte totalmente incluyente que
manifiesta contenidos ligados al socialismo.

Dentro de este periodo, a lo largo del siglo XX, surgen varias escuelas las cuales están
muy ligadas a corrientes del pensamiento revolucionario. Asi mismo, al interior de
éstas se desarrollaban (sin una linealidad especifica) diferentes tendencias muy
ligadas a los movimientos y vanguardias artísticas que tenían lugar en Europa, pero
que temáticamente hablaban de contextos muy diferentes. A través del territorio
suramericano surgieron grandes escuelas que fueron muy importantes dentro de los
procesos y contenidos artísticos que caracterizaron a sus países. Estas eran la Escuela
Mexicana, la Escuela del sur, y la antropofagia (como etapa artística), cada una con sus
características particulares pero que recogían la temática de lo popular.

Al poner estas tres escuelas en un mismo momento histórico salen semejanzas en

cuanto a temas y discursos. Podría decirse que en las tres se tocan grandes temas
políticos, puede que abordados desde diversos estilos, pero tienen un gran matiz en el
contenido cultural, social y político. La mayoría de los artistas estudiaban en
academias de Europa, recogían un montón de conocimiento técnico, algunos bajo la
influencia de vanguardias y después al regresar a sus países resaltaban su cultura a
través del arte, con una intención donde se diera a conocer la dignidad indígena. Asi
mismo dentro de cada una, desde su propio contexto, se intentaba politizar el arte a
través de manifiestos.

En el caso de la escuela mexicana se ve muy marcado este rasgo, desde la revolución

zapatista se ve un gran vuelco idealista que el arte también marca. Los campesinos se
alzan en voz y arma por la reclamación de la propiedad de la tierra y mas factores por
los que se veían oprimidos. Y es a partir de cuando finaliza ésta que el arte que entra
en una etapa de producción plástica masiva, intentando reconstruir el tejido social.
Toda esta práctica debía estar regida bajo un manifiesto socialista, todo artista debía
producir bajo las consignas ideológicas, el arte tenia una gran utilidad propagandista
por el bien del pueblo, generar consciencia popular, tenia la capacidad de empoderar
el pueblo, también podía guiarse bajo lo místico. De ahí el fomento a la producción
cultural desde el gobierno, recibiendo asi un gran apoyo, como espacios de exhibición,
publicaciones y becas.
Podría decirse que bajo la consigna de “el ser mexicano” se produjo demasiado arte
bajo el tiempo de la revolución. Artistas tales como Saturnino Herrán, como uno de los
pioneros quien exponía contenidos de diversidad, realizando grandes homenajes a las
figuras trabajadoras. El Dr Atl, conocido por su personalidad excéntrica pero también
guiado por la fuerza rebelde, quien era un gran paisajista y llegó a ser un artista
internacional, realizando grandes encargos en Estados Unidos. Podría decirse que en
esta etapa se generaban grandes contradicciones frente al régimen del manifiesto. El
muralismo mexicano fue uno de los grandes movimientos que llego con la revolución.
Uno de ellos fue Siqueiros quien a través de sus imágenes invitaba a tomar una
posición ética frente al momento histórico posrevolucionario. Grandes murales de
campesinos en sus luchas, financiados por el gobierno de izquierda. Él junto a José
Clemente Orozco comenzaron a experimentar mas con la formas y temas, haciendo la
pintura un poco mas abstracta pero sin dejar lo mexicano que los caracterizaba. De
igual forma seguía siendo una época muy marcada por el contexto asi que no se
alejaba del todo. Diego Rivera, también fue un gran muralista con influencia cubista
capaz de mirar modelos y geometrizarlos e integraba cosas, fragmentos,
esquematizaciones simbólicamente.

Simultáneamente en la escuela del sur sucedían cosas similares en el campo del arte.
En Brasil, Chile, Argentina, Uruguay, entre otros, se generaban practicas artísticas
desde el espacio público. Los artistas del sur al igual que en México, exaltaban al
pueblo, visibilizando sus prácticas y formas campesinas. Asi mismo se empieza a
potenciar la línea gráfica. Artistas como Abraham Regino Vigo quien empieza a
generar imágenes, desde el grabado o pintura, que dan cuenta de una liberación frente
a lo anterior. Incluye el papel de la mujer, la vincula hacia un empoderamiento, asi
mismo como al mismo pueblo tras las opresiones, pero la diferencia con lo mexicano
es que las imágenes no son atadas a su contexto, sino que sirven para otros tiempos,
se puede identificar y trasladar a otros momentos futuros. En este punto donde
empieza a gestar cosas un poco mas liberantes entra el manifiesto de Martin Fierro. El
cual es el producto de la unión de escritores y artistas visuales. Como en este mismo
se acota: “MARTIN FIERRO siente la necesidad imprescindible de definirse y de llamar a
cuantos sean capaces de percibir que nos hallamos en presencia de una nueva
sensibilidad y de una nueva comprensión que, al ponemos de acuerdo con nosotros
mismos, nos descubra panoramas insospechados y nuevos medios y formas de
expresión.”1 Surge la implementación de distintas formas de propagar el arte,
relacionadas con la influencia literaria, a partir de las vanguardias y también de
estructuras míticas y la politización de la fantasía.

En la misma época, en Brasil surge el Manifiesto Antropófago, donde se expone la idea

de la vanguardia moderna brasilera. La antropofagia propone exportar la poesía, sacar
la cultura propia. La antropofagia disuelve la diferencia entre nacionalismo y
cosmopolitismo a través de la incorporación del otro en el cuerpo propio.

1Tomado de EL MANIFIESTO DE MARTIN FIERRO, publicado en 1924

Una de las grandes precursoras fue Tarsila de Amaral, quien a través de una de las
pinturas mas importantes para el movimiento (Abaporu) por medio de la desnudez
,los pies, vínculos directos con la tierra, son la experiencia de la vida, apareciendo en
primer plano y dejando atrás la cabeza. La antropofagia busca un problema. Encierra
la multiculturalidad, el mestizaje y la incorporación de rasgos. Se pronuncia contra el
arte que tiene por función el control del ocio para mantener alejada la mente de la
vida. Es también fundamental el uso de la poesía y literatura, consigue condensar
universos de significaciones dispares en sus versos.

Es entonces un momento clave donde los artistas sean pertenecientes a la escuela

mexicana, del sur o antropofagia, se liberan un poco de los mensajes sociales y
conducen su arte por medio de vanguardias tales como el surrealismo, el cubismo, el
constructivismo, para pasar de la representación a la visión. Una visión mas personal,
estructurada ya sea por la geometrizacion, en el caso de Rivera y Emilio Pettorutti, o el
dialogo con lo onírico, en el caso de Antonio Ruiz del Corzo, Rufino Tamayo, Maria
Izquierdo, Leonora Carrington, Frida Kahlo, Wilfedo Lam, Roberto Matt, entre otros.
Cabe aclarar que no todos los anteriores pertenecían estrictamente al movimiento
surrealista pero si se aprecia en sus obras un sentido onírico y el uso de códigos
mitológicos, simbólicos y espirituales y el uso de formas orgánicas y abstractas. El
constructivismo es también un movimiento artístico que surge en la escuela del sur
que incorpora a la obra artística los conceptos de espacio y tiempo, a fin de conseguir
formas dinámicas. Joaquin Torres Garcia, artista uruguayo, fue su mayor gestor; a
partir del constructivismo se genera todo un lenguaje artístico vinculado desde el
anti-naturalismo, donde la imagen parte de la idea del pensamiento y del pensamiento
al mundo. Usando como herramientas básicas y fundamentales, la geometría y la
reticulacion espacial, temáticamente surgen simbolismos que hablan de la estética del
obrero y la descomposición de espacios y figuras.

Es un momento clave para Latinoamérica, momento histórico en que el arte surge

desde lo propio, generando identidad y memoria histórica. Adopta los estilos y
vanguardias a su propia manera latina y crea espacios multiculturales en busca de la
unificación y empoderamiento de un pueblo con ansias de liberarse y revolucionar las
opresiones e injusticias. Claro que de esto se despliegan intereses propios de los
artistas de relacionarse con ellos mismos y su comunidad. Me parece un momento
valioso para nuestra cultura ya que es evidente como el arte se manifiesta para la
gente, con grandes artistas que representan nuestra identidad ancestral. En las tres
escuelas mencionadas vemos que de diferentes formas se llega a un mismo sentir
latinopensante. Cada una tiene maneras diferentes de generar estos lenguajes, cada
uno influido por su historia y contexto como país, que hace que los artistas respondan
de diferentes formas. Son procesos marcados por la lucha de clases e influidos por el
pensamiento marxista, que poco a poco fueron transmutando en un arte mas interior
pero que comparte un sentimiento como hermanos. A través de estos procesos algo
que siento vale la pena resaltar es el empoderamiento artístico de la mujer. Surgen
una pelea política femenina manifestada a través de la pintura, fotografía, entre otros.
Y esto es clave como antecedente de la lucha femenina, de romper con los estigmas
sociales hacia la mujer, y sacar la voz defendiendo la posición y figura femenina.