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El arte en el renacimiento

Nombre y apellido: Gabriel Alejandro poma carrillo

Docente: edgar Zelaya

Curso: 6to “C” seCundaria

aÑo: 2017
El arte en el renacimiento;

El renacimiento se aplica a la época artística que da comienzo a la Edad Moderna,


el siglo XIX este concepto no recibió una amplia interpretación histórico-artística. De
hecho el Renacimiento rompe, conscientemente, con la tradición artística de
la Edad Media, a la que califica, con pleno desprecio, como un estilo de bárbaros o
de godos, el Renacimiento significa una ruptura con la unidad estilística que hasta
ese momento había sido supranacional, supone una nueva forma de entender el
arte No es una copia de la antigüedad, sino su interpretación. Se busca el realismo,
pero se idealiza la naturaleza, se trata de un arte burgués, El hombre es la obra
más perfecta de Dios Se pinta la figura humana independientemente de lo que
represente, Virgen o cortesana, Apolo o Cristo, lo que importa es la figura humana.
El tema interesa poco, pero sí lo bello frente a lo representativo. El objeto del arte
es el mundo natural, la imagen del mundo que se identifica con la civilización. Hay
un nuevo humanismo y una mentalidad burguesa que busca al hombre ideal en
equilibrio con la naturaleza. El nombre Renacimiento se utilizó porque éste retomó
los elementos de la cultura clásica planteó una nueva forma de ver el mundo y al
ser humano, el interés por las artes, la política y las ciencias el humanismo se dirigió
más al intelecto que a los sentidos, pero no por esto dejó de influir también en las
artes. La Iglesia siguió siendo el principal mecenas de las artes para colocarlas al
servicio de la comunicación y formación cristiana de las masas analfabetas. Por
esto, la Virgen, Cristo y los Santos se mantuvieron como temas preponderantes de
la pintura y escultura. Influenciados por los adelantos científicos modernos
desarrollan una óptica particular de la belleza mirada a través de la nostalgia del
pasado clásico. Se desarrolla un gusto por el realismo anatómico del cuerpo
humano y la representación gráfica precisa crear innumerables cosas prácticas y
bellas y de obtener el conocimiento necesario para ser mejor hombre y mejor
cristiano. El periodo del renacimiento marca en la historia de la humanidad el
comienzo de la era moderna. Después de terminada la época oscura y haber
sobrevivido a la plaga negra, se empieza a valorar la individualidad, los logros
personales a través de la obtención de conocimientos, los cuales para ellos valían
tanto como el oro. Surge un nuevo culto a la fama y a partir de ese momento los
monumentos escultóricos y pinturas tienen el propósito de enaltecer a las figuras
importantes, así como sus hazañas y logros. El camino a pertenecer a una clase
alta ya no lo marca tan solo el hecho de ser rico, sino el valor que tiene el individuo
como creador y lo que aporta a la sociedad en términos de conocimiento y éxito
personal.
Arquitectura:

Se caracteriza por ser un momento de ruptura en la Historia de la Arquitectura, en


especial con respecto al estilo arquitectónico previo: el Gótico; mientras que, por el
contrario, busca su inspiración en una interpretación propia del Arte clásico, en
particular en su vertiente arquitectónica, que se consideraba modelo perfecto de
las Bellas Artes. Otra de las notas que caracteriza este movimiento es la nueva
actitud de los arquitectos, que pasaron del anonimato del artesano a una nueva
concepción de la profesionalidad como correspondía a la concepción integral
del humanismo renacentista. La Historia de la Arquitectura del Renacimiento, como
éste mismo, suele dividirse en dos grandes períodos denominados en italiano por
el numeral de los años:
Siglo XV o Quattrocento, el Renacimiento temprano, momento en que se destacan
las figuras de Filippo Brunelleschi y Leon Battista Alberti. Es una arquitectura que
aspira al Clasicismo y que pone los puntales teóricos de la canonización del estilo,
que caracterizará al período siguiente.
Siglo XVI o Cinquecento, a su vez dividido en dos fases:
Fase de culminación o madurez: el Renacimiento medio, pleno o Alto Renacimiento,
que cubre el primer cuarto del siglo XVI (hasta el saco de Roma de 1527). Durante
ese periodo, los principales arquitectos italianos intervinieron en los distintos
proyectos del inicio de las obras de la Basílica de San Pedro (Donato
Bramante, Rafael Sanzio, Antonio da Sangallo el Joven y posteriormente Miguel
Ángel).
Fase del Manierismo: el Renacimiento tardío o Bajo Renacimiento, desde mediados
del siglo XVI hasta el comienzo del siglo XVII (en que se inicia la arquitectura
barroca). En esta fase, siguiendo la maniera de Miguel Ángel, las individualidades
de los arquitectos comienzan a sobreponerse al proyecto teórico clásico. Destacan
maestros como Giulio Romano, Jacopo Vignola, Giorgio Vasari, Giacomo della
Porta o Andrea Palladio.

Hay que destacar que los ideales y valores renacentistas no pudieron surgir
totalmente desvinculados del acervo medieval que le precedió, sin embargo, los
conceptos que subyacen a este estilo arquitectónico se construyeron sobre la
consciente y efectiva ruptura de la producción artística de la Edad Media, en
especial del estilo gótico.
Búsqueda del ideal clásico: A través del clasicismo, los hombres del
Renacimiento miraban hacia el mundo greco-romano como modelo para su
sociedad contemporánea
Visión profana sobre temas religiosos: Los valores clásicos, desde el punto de
vista del Cristianismo
Influencia de la naturaleza: La naturaleza era vista como la creación suprema de
la obra de Dios y el elemento más próximo a la perfección
Antropocentrismo y humanismo: Además de la naturaleza como creación
perfecta, se vuelve la mirada al ser humano
Escultura:

En un principio, la escultura renacentista se desarrolla en relación con la


arquitectura. Más, la estatuaria no tarda en independizarse. Al igual que las demás
artes, refleja el humanismo ambiente exaltando la belleza del cuerpo humano,
utilizando los nuevos conocimientos anatómicos y los cañones griegos. El hombre
es el tema principal y el contraposto aparece de nuevo. Además, la escultura se
caracteriza por su expresividad y la perfección de las formas, tanto en el bajo relieve
como en la estatuaria. El bajo relieve constituye la clave en la escultura
arquitectónica. Su principal progreso se encuentra en el uso de las leyes de la
perspectiva redescubiertas por Lorenzo Ghiberti. A pesar de su marcado clasicismo,
la gran influencia católica española hace que los temas mitológicos sean superados
por los religiosos y los funerarios, desapareciendo casi por completo el desnudo. Se
trata de una escultura de hondo sentido religioso y de gran emotividad. Presenta
gran originalidad por los materiales empleados. Tal es el caso de la escultura hecha
en madera policromada con la técnica del estofado, técnica empleada de manera
casi sistemática en los retablosEl cuerpo humano representó la Belleza absoluta,
cuya correspondencia matemática entre las partes se encontraba bien definida, y
el contrapposto fue utilizado constantemente desde Donatello a Miguel Ángel. En
esta época es cuando se dio prácticamente la liberación de la escultura del marco
arquitectónico, los relieves se realizaron con las reglas de la perspectiva y se
mostraban a los personajes con expresiones de dramatismo que llevaban a la
sensación de gran terribilità en los sentimientos expuestos en las esculturas
de Miguel Ángel, como en el rostro de su David. Reapareció con el Renacimiento
la glíptica greco-romana, que se había olvidado casi por completo durante la Edad
Media en la labra de piedra finas se labraron preciosos camafeos de gusto clásico,
tan perfectos que, a veces, llegan a confundirse con los antiguos. No obstante,
apenas sí alcanzó a restablecerse el uso de los entalles de piedra fina, tan
predilectos de las civilizaciones griega y romana. Estos pequeños relieves sirvieron
como modelo, una vez agrandados, para la decoración por parte de escultores en
grandes medallones para palacios de Italia y Francia. El Renacimiento adoptó los
elementos básicos que había descrito Vitruvio, que sostenía:... que la proporción de
la forma humana había de servir de paradigma para las proporciones de las
creaciones del hombre. Ya que la naturaleza ha diseñado al cuerpo humano de
manera que sus miembros están debidamente proporcionados a la figura en su
conjunto; parece que los antiguos tenían una buena razón para su regla, que dice
que en los edificios perfectos los diferentes miembros deben guardar relaciones
simétricas exactas con el esquema general en su conjunto.
Pintura:
La pintura del renacimiento se caracterizó por la conquista por la perspectiva y el
dominio del espacio. El color, la composición las escenas de fondo se utilizaban
para crear distintos planos y conseguir dar planos de sensación de profundidad. Los
escritores se inspiraron en la antigüedad clásica por lo que cuidaban mucho las
proporciones y la belleza, idealizando rostros, cuerpos y movimientos aunque
seguían realizándose muchas escenas religiosa, también se representaban
escenas mitológicas, desnudos y retratos. Se considera a Italia la cuna de la pintura
renacentista al confluir allí las nuevas técnicas Allí se conservaban a la vista los
monumentos de la Antigüedad a la que se quería hacer renacer, buscando modelos
de armonía y belleza Se fue perfeccionando a lo largo del siglo XV en las ciudades
estado italianas
En un primer momento, en el quattrocento (siglo XV) se investigaron distintos
aspectos técnicos. Así, Piero della Francesca estudió la luz. Masaccio destacó por
la figura humana. adquieren importancia el color y una cierta sensibilidad, si bien
su temática sigue siendo religiosa, con composiciones que enlazan directamente
con los modelos medievales precedentes Los grandes maestros de la pintura
renacentista aparecerán a finales de siglo, principios del XVI,
el cinquecento: Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel. En el siglo XVI, al
clasicismo del Alto Renacimiento le seguirán, en la segunda mitad del siglo,
el manierismo de autores como Parmigianino o El Greco quienes, sin dejar de ser
renacentistas, adoptan unas formas alargadas con cierta exageración que preludia
el Barroco. en la Edad Media la pintura fue de manera casi exclusiva religiosa, en
el Renacimiento se introducen nuevos temas, como los mitológicos, alegorías y
temas históricos. Aparece el desnudo, no por sí mismo sino en el marco de una
pintura de naturaleza por ejemplo mitológica. Siendo la iglesia católica uno de los
principales mecenas de la época, no dejan por ello de pintarse cuadros religiosos.
Se cultiva con extraordinario vigor el retrato con maestros como Tiziano o Antonio
Moro. En esta época empiezan, tímidamente, otros géneros considerados menores,
como el paisaje o el bodegón, entendidos en el Renacimiento como un elemento
subordinado frente a la historia, algo accesori, Se extiende el uso del lienzo, que es
más económico que la tabla. Los grandes retablos, en que cada cuadro es parte de
un tema más amplio, pierden presencia, en favor del cuadro único, bien como tabla
de altar, bien como lienzo. Se adopta de manera casi exclusiva la pintura al
óleo. Jan Van Eyck sin haberla inventado, mejora la técnica de la pintura con este
material. En Italia, sin embargo, se conserva la pintura sobre tabla y la técnica del
temple en la pintura llamada ≪de caballete≫. Es principalmente en Venecia donde,
por influencia flamenca, se introduce el uso del óleo.

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