COMENTARIO DE IMÁGENES

1. IMAGEN

- Título: “Autorretrato en un Bugatti

verde” (​“Self-portrait: Tamara in a
green Bugatti”​).

- Tamara de Lempicka: Artista rusa

cuya obra es un interesante cruce
artístico entre manierismo y cubismo.

- Tipo de obra: pintura.

- Estilo: Cubista.

- Cronología: Varsovia 1898-

Cuernavaca 1980.

- Pertenece a una colección privada

suiza.

- Tema de la obra: es un autorretrato

de la artista polaca Tamara de
Lempicka, que pintó en París en 1929.
Fue encargado por la revista de moda alemana 'Die Dame para la portada de la
revista, para celebrar Independencia de la mujer.

- Elementos técnicos: óleo sobre lienzo.

- Dimensiones: 35 cm × 26.6 cm.

- Descripción: l​a editora de la revista alemana Die Dame se encontró con Tamara en
Monte Carlo, mientras que la baronesa casi divorciada estaba de vacaciones y le
encargó un autorretrato para una próxima portada. Tamara reemplazó su Renault
amarillo por un Bugatti verde sinónimo de velocidad y glamour.

- Descripción de los caracteres generales del estilo:​ Influenciada por la vanguardia,

el neo cubismo, el futurismo… Tamara estudió en la Académie Ranson con Maurice
Denis. Una de sus principales influencias fue el neo cubista André Lhote (profesor
de De Lempicka en la Académie de la Grande Chaumière.
- Simbología, iconografía y función: el coche es la belleza para los futuristas, el
sustituto de la mujer, aquí la pintora se autorretrata con él dando al traste con el
machismo imperante en el movimiento. La dosis de elegancia de su vestimenta y
complemento casan a la perfección con la portada de una revista de moda pero
transmitiendo el gusto por la modernidad en sus guantes, gorro, su pelo que se
adivina corto, androginia y un nuevo estilo para una nueva mujer.

- Influencias: Al retratarse a sí misma como sentada en un automóvil, un vehículo

rápido, elegante y moderno, se alía con el futurismo, caracterizado por su
fascinación por la velocidad, la tecnología y la vida urbana. Es posible que Lempicka
se haya inspirado en la foto de André Kertész de 1927, en la que el fotógrafo
húngaro inmortalizó a una joven con un sombrero de aviador que conducía un
automóvil deportivo. El tema en la pintura de Lempicka encaja en el culto de la
máquina, por un lado, y en el otro retrata el automóvil como una herramienta de la
emancipación de la mujer.

- Otras obras del autor: “La música”, “Muchacha con guantes”, “Joven mujer en
verde”...

- Marco histórico: Una mujer que conduce un automóvil, especialmente en la década

de 1920, entra en una esfera dominada por hombres. Es una amazona moderna
que cambió su caballo por un modo de transporte mecánico.

- Posibles antecedentes: Es posible que Lempicka se haya inspirado en la foto de

André Kertész de 1927, en la que el fotógrafo húngaro inmortalizó a una joven con
un sombrero de aviador que conducía un automóvil deportivo

- Su importancia en la producción total del artista: se trata de su obra más

emblemática y popular, objeto de gran merchandising.

- Su trascendencia en la Historia del Arte: Tamara de Lempicka supo representar

como nadie la estética y la atmósfera que caracterizan a los años 20 y los principios
de los años 30. Su obra se convierte en un legado histórico de su tiempo y de la
mentalidad que caracterizaron el positivismo de estos años.
2. IMAGEN

- Título: “Femme assise” (Mujer sentada).

- André LHote: Pintor francés.Tras asistir al curso de escultura de la École des
Beaux-Arts de Burdeos, entró en el mundo de los profesionales de la pintura.
Expuso en el Salón de Artistas Independientes en 1906 y en el Salón de Otoño del
año siguiente.
- Pintura cubista (y antes fauvista).
- Cronología: Burdeos, 5 de julio de 1885 - París, 24 de enero de 1962. Nace en una
modesta familia, y empieza a aprender en un taller de ebanistería, escultura.
- Cuadro albergado en el Museo de Arte de Nantes.
- Sobre 1925. Óleo sobre lienzo. 915 x 560 cm.
- Tema de la obra: Retrato de su mujer Madame André LHote sentada.
- Descripción:, vestida y enjoyada de forma elegante con actitud de reposo y calma.
- Descripción de los caracteres generales del estilo:
Se sintió atraído por el Cubismo, integrando la Section d'Or. Intentó adaptar el
cubismo al clasicismo y obtuvo por ello la adhesión de gran número de aficionados
que se espantaban con los cambios excesivamente radicales pero en sus obras
denota el más puro academicismo.

- Influencias:
Sus inicios, se enmarcan dentro del fauvismo, para posteriormente evolucionar
hacia el cubismo.

- Otras obras del autor: “Esquisse pour Léda” (1932), “Portrait de Simone” (1947),
“Sainte Trinité”...

- Marco histórico:
Tuvo que interrumpir su carrera al desencadenarse la Primera Guerra Mundial, en la
que participó hasta 1917. Ese mismo año se integró en el grupo de cubistas que
contaban con el apoyo de Léonce Rosenberg.

- Posibles antecedentes: Invoca a los grandes pintores que deforman la apariencia

como Greco, Tintoretto, Ingres… reduciendo sus formas en el caso de L´Hote a
elementos geométricos.

- Su importancia en la producción total del artista: Obra menos conocida pero de

importancia porque aglutina su estilo elegantemente cubista.

- Su trascendencia en la Historia del Arte:

Fue un prolífico conferenciante en varios países europeos, Egipto y Brasil. Le fue
concedido el Gran Premio Nacional de Pintura en 1955. Su obra es importante, pero
más aún su actividad docente. En 1922 abrió una academia para difundir su
pensamiento estético, ejerciendo de influyente pedagogo (a decir de mucho fue
mejor profesor que pintor). Su obra teórica tuvo mucho peso en las décadas
centrales del siglo XX. Fueron sus alumnos, entre otros, William Klein, Tamara de
Lempicka, Lino Spilimbergo, Bertrand Dorny, Marcelle Rivier, Henri Cartier-Bresson,
Héctor Sgarbi y Robert Wehrlin.
3. IMAGEN

- 'Cabeza de mujer,
mascarón', Henri Matisse
(1938). ´Tête de Femme
au Mascaron´

- Henri Émile Benoît

Matisse fue un pintor
francés conocido por su
uso del color y por su uso
original y fluido del dibujo.
Como dibujante, grabador,
escultor, pero
principalmente como
pintor, Matisse es
reconocido ampliamente,
junto a Pablo Picasso,
como uno de los grandes
artistas del siglo XX.

-Precursor del
Fauvismo.Su pintura se
destacó sobre todo por el
uso original del color, que
fue de una gran
sensualidad, aunque de forma equilibrada y bien estructurada, y lo fluido de su
dibujo.

-Cronología: Henri Émile Benoît Matisse nació en Le Cateau-Cambrésis, Francia, el

31 de diciembre de 1869.Matisse está reconocido y es sin duda uno de los Grandes
Pintores del siglo XX. Estudió la Carrera de Derecho en París y comenzó a ejercer
como abogado, sin embargo tras una operación de apendicitis en 1890, mientras
convalecía se sintió atraído por la pintura, tanto así que sólo dos años más tarde, en
1892, dejó la abogacía y marchó a París con el objetivo de formarse artísticamente.
Estudió inicialmente en la Academia Julien y posteriormente en la Escuela de Bellas
Artes de la capital francesa. Tuvo como maestro en la Escuela, al simbolista
Gustave Moreau, y como compañeros a Georges Henri Rouault, Charles Camoin y
Albert Marquet. durante esta época de estudiante hizo además amistad con Raoul
Dufy, discípulo de Pierre Bonnard. En 1896 logró un enorme éxito con cuatro lienzos
que expuso en la Société Nationale des Beaux Arts, uno de ellos, «The maid». En
los inicios del siglo XX lideró junto a André Derain el fauvismo, y en 1905 expuso por
primera vez de forma individual en la Galería Ambroise Vollard, con un éxito escaso.
Abrazando más tarde el cubismo y la temática orientalista después de sus viajes a
España y a Marruecos. A diferencia de otros artistas de su tiempo, tuvo un
importante reconocimiento internacional en vida, gozando del favor de los
coleccionistas, críticos de arte y de la generación de artistas más jóvenes.

-Técnica del cuadro: En 1938 el pintor francés optó por una nueva técnica: el
linograbado. En lugar de tallar en la madera las líneas que quería dibujar, en este
caso el artista cortaba su alrededor sobre la plancha de manera que, al entintar, solo
cobraba el color negro el espacio que rodea las líneas. En algunas de estas obras
utilizaba el color, pero la mayoría están impresas en negro, creando un efecto que
recuerda los negativos de las fotografías.

-Dimensiones: Linograbado en papel con marca de agua, G. Maillol, firmado a lápiz

por el artista y con la numeración ⅖. Dimensiones: 192 x 173 mm.

-Posibles antecedentes: Fue influenciado en su pintura por Vincent Van Gogh, Paul
Gauguin, por las cerámicas persas, el arte africano y las telas moriscas.

-Otras obras:
Dentro de esta técnica destaca el minimalista “El Abrazo” en la que resume este
acto en sintéticas líneas cargadas de expresividad.

-Influencia: Debido a su relativa facilidad respecto del grabado en madera, el

linograbado fue considerado durante mucho tiempo como un simple sucedáneo de
la xilografía. Matisse contribuyó decisivamente a darle carta de naturaleza al ser uno
de los primeros artistas de renombre en utilizarlo, no como un sustituto de la madera
sino explotando sus propias calidades.

- Marco histórico: En la primera década del siglo XX surgirán en Europa los

movimientos expresionistas. El término de expresionista se emplea para designar
esas formas artísticas en las que la imagen sacrificará el parecido verista respecto
al modelo, para potenciar la transmisión de los sentimientos del propio autor, por
medio de recursos plásticos como el gesto de la pincelada, la textura de la superficie
pictórica, el empleo expresivo de la línea y la simplificación formal. Evidentemente,
el expresionismo no surge de la nada. Ya en 1861, el poeta simbolista Stéphane
Mallarmé proponía que el artista debía de ocuparse menos del objeto que
representa que del “efecto que producía”.
- Posibles antecedentes: Podemos considerar a Van Gogh, Gauguin y al simbolista
Redon como predecesores de estas tendencias. Pero además, las influencias de las
llamadas artes primitivas, que provenientes de las colonias africanas y de Oceanía
llegaban a la metrópoli, así como el interés por la pintura de la alta edad media
fueron determinantes en la aparición del estilo.
- Su importancia en la producción total del artista:
Fue un artista total porque además de pintura, realizó también un buen número de
grabados, de algunos de ellos realizó hasta quinientas piezas, entre litografías,
aguafuertes y xilografías. Esculpió en bronce y escribió artículos para diversas
revistas de arte.
- Su trascendencia en la Historia del Arte: Entre todos los pintores fauve destaca
Henri Matisse quien es junto con Picasso, uno de los pintores más importantes del
siglo XX. Su aportación al arte ha sido fundamental, no sólo por su propia obra, sino
por la influencia que ésta ha ejercido en numerosos artistas posteriores.
4. IMAGEN

-”Arco y punta”,
Wassily Kandinsky
(1925).
-Tipo de obra:
Pintura.
-Estilo:
Expresionismo
alemán (abstracción
lírica).
-Cronología: Nacido
en 1866, Moscú,
Rusia - Fallecido en
1944,
Neuilly-sur-Seine,
Francia. Fue un
pintor ruso, teórico y
precursor de la
abstracción en la
pintura. Procedente
de una clase
media-alta, vivió su
infancia y juventud
entre Moscú y
Odesa. Hizo estudios de música y en Moscú comenzó sus estudios de Derecho,
Económicas y Etnografía; incluso fue nombrado profesor de la Facultad de Derecho
, profesión que abandonó para dedicarse por completo a su pasión: el arte. La
exposición de los impresionistas en Moscú, en 1895, determinó su decisión de ser
pintor. Para ello se trasladó a Munich, donde tuvo que esperar para entrar en la
Escuela de Arte. Su divorcio y el nuevo matrimonio con la artista Gabriela Münter le
llevó a viajar por media Europa, pintando y exponiendo. El cuadro titulado "Arco y
punta" de de Wassily Kandinsky fue pintado por el artista en Moscú 1929.

-Propiedad: The State Pushkin Museum of Fine Arts, Moscú. Rusia.

-Elementos técnicos: Tinta, acuarela y lápiz sobre papel.
-Dimensiones: 81 x 100 cm.
-Tema de la obra:
-Descripción: Una diagonal protagonista que cruza el cuadro, con punta de flecha,
un arco rojo en el otro extremo, flotando: esferas, geometrías y un equilibrio de
colores que van del azul, al ocre pasando por el eterno negro, el rojo, el amarillo.
Simbología de formas y tonalidades como en una sinfonía o partitura musical.

-Descripción de los caracteres generales de estilo: El alcance del color y las formas
de sus composiciones e improvisaciones, fue reconocido como genial por sus
contemporáneos. Los cuadros de Kandinsky muestran grandes explosiones de color
y siluetas que constantemente se transforman ante el espectador.Se considera que
las pinturas de Kandinsky funden la percepción del oído y la vista. Él visualizaba
sonidos como parches de color (arte sinestésico), era amante de la música de
Wagner, y esta emergía en sus más abstractas creaciones. El entendimiento del
papel que juegan: matices, música e iconografía en las obras de este maestro, nos
puede abrir nuevos caminos en la apreciación de su arte y del ideal que lo guió
durante su vida por su camino de abstracción y asombrosas imágenes.

-Simbología, iconografía y función: La pintura tenía para él como objeto despertar la

emoción del espectador, en el que deben actuar solo los sentimientos. Su forma de
titular en abstracto, de manera intrascendente, creó moda y fue imitado
posteriormente por otros pintores. Kandinsky consideró la abstracción como una vía
de la liberación del hombre, una función mística del arte. Sus ideas de geometría
fueron difundidas a través del punto y la línea sobre el plano como en la obra que
reseño. Pintó obras de tres categorías: las impresiones (inspiradas en la
naturaleza), las improvisaciones (expresiones de emociones internas) y las
composiciones (de gran rigor compositivo aunque basadas en la pura intuición).
Líneas negras agrupadas junto a vivos colores, geometrías, motivos decorativos
eslavos y formas en armonía.

-Influencias: Las influencias artísticas principales de este pintor fueron Monet, “los
fauves” en general y Matisse en particular. Coincidiendo con Mondrian, estuvo
interesado en la teosofía, la creencia en una realidad esencial; y en 1912 publica
“De lo espiritual del arte”, donde fundamenta teóricamente el movimiento abstracto:
el color y sus propiedades emocionales de cada tonalidad. Encabeza el grupo
expresionista Der Blaue Reiter (el jinete azul), con el que comienza a obsesionarse
con expresar algo más allá de la recreación de la naturaleza.

-Otras obras del autor: “Composition VIII”, “Yellow-Red-Blue”, “Transverse Line”,

“Color Study, Squares with Concentric Circles”, “Himmelblau”...

-Marco histórico: Con el estallido de la I Guerra Mundial se traslada a Suiza y

posteriormente a Rusia, donde se casa de nuevo. En el 1922 vuelve a Alemania, a
Weimar donde imparte clases en la Bauhaus. El ascenso del movimiento nazi y la
consideración de su pintura como degenerada, supuso el cierre de la Bauhaus y el
artista se exilió a Francia, a los suburbios de París, donde vivió –y pintó- hasta el
resto de sus días.

-Posibles antecedentes: Se interesó por la cultura primitiva y las manifestaciones

artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de
Vologda, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.
Conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada amistad. Su
interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede
apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y
el Jugendstil alemán.

-Importancia de la obra en la producción total del artista: Excelente ejemplo de la

musicalidad de su pintura a la que atribuye características teosóficas, y esenciales
para el alma humana.

-Trascendencia en la Historia del Arte: Un visionario, un artista, discutido pero

apasionante por su interpretación del arte con la ayuda de la música y la geometría.
Fue el gran teórico (y práctico) del Arte Abstracto, es decir, este arte en el que la
representación del objeto es secundaria e incluso perjudicial: la belleza del arte
reside en la riqueza cromática y la simplificación formal. Es la representación de lo
esencial del arte, no una burda imitación de la naturaleza, que es de por sí
insuperable.
5. IMAGEN

-”Madonna”, Edvard Munch

(1894 - 1895). Existen
varias versiones pintadas
por el autor del mismo
cuadro.

-Tipo obra: Pintura al óleo.

-Estilo: Su estilo, es muy

personal y expresivo, nada
naturalista.

-Cronología: Edvard Munch

nació el 12 de diciembre de
1863 en Løten, Noruega.
Hijo del médico militar Dr.
Christian Munch y su
esposa Laura Cathrine,
tuvo una infancia muy
difícil, ya que su madre y
su hermana murieron de
tuberculosis cuando él era muy joven, y su padre era un hombre dominado por
obsesiones de tipo religioso que falleció en 1889. De todo ello surgió una
personalidad conflictiva y un tanto desequilibrada, que él mismo consideraba la base
de su genio. No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la
fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y
hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de ahí su clasificación como
pintor simbolista. En su primera exposición individual con 110 cuadros en Oslo hizo
que una parte del público lo aclamara con entusiasmo.

-Propiedad: Una de las cinco versiones en óleo que realizó el pintor, se expone en el
Museo Munch, museo del cual fue robado en 2004 junto con El grito del mismo
autor y recuperada dos años más tarde.2​ Otras dos versiones son propiedad de la
Galería Nacional de Noruega y la Kunsthalle de Hamburgo. Otra es propiedad del
empresario Nelson Blitz, y una fue comprada en el año 1999 por Steven A. Cohen.
-Elementos técnicos: Madonna o La Madonna es una pintura del pintor expresionista
noruego Edvard Munch. Munch realizó diversas versiones de la Madonna en 1894 y
1895, algunas al óleo sobre lienzo y otras versiones en grabado principalmente en
litografías.​ Esta es un lienzo.

-Dimensiones: 91 cm × 70,5 cm.

-Tema de la obra: En una pose inusual, simboliza María, la madre de Jesús, el título
de Madonna puede estar destinado específicamente como una representación de
María, aunque Munch utiliza más de un título como Mujer que ama o Madonna. El
historiador del arte Werner Hofmann sugiere que la pintura es una "imagen de
devoción extraña glorificando el amor decadente. El culto a la mujer fuerte que
reduce al hombre con la sujeción que da a la figura de la mujer proporciones
monumentales, y que también hace un demonio de ella”. Una especie de femme
fatale, una madonna sexualizada y poderosa.

-Descripción: Munch no es famoso por obras de arte religiosas y tampoco era

conocido como cristiano. La afinidad a María también podría tener como objetivo,
sin embargo, un énfasis en la belleza y la perfección de su amiga y modelo Dagny
Juel-Przybyszewska, y una expresión de su culto en ella como un ideal de mujer.

-Descripción de los caracteres generales de estilo: Sus evocativas obras sobre la

angustia influyeron profundamente en el expresionismo alemán de comienzos del
siglo XX. Sus obras han sido consideradas como variaciones constantes sobre la
gran sinfonía de la existencia humana en sus lados diurnos, pero aún más, como es
congruente con la sensibilidad finisecular, en los nocturnos. El amor y el odio, el
deseo y la angustia, las pasiones y las emociones, son elevados a arquetipos de la
vida anímica del hombre moderno o, incluso, de la propia condición humana.

-Simbología, iconografía y función: Pintor de la angustia, del miedo, de la

enfermedad, de la muerte… Y precisamente por ello fue precursor del
Expresionismo alemán, al que tanto le gustaban estas temáticas sórdidas.

-Influencias: La influencia del neoimpresionismo en sus obras fue muy notoria.

-Otras obras del autor: “El grito”, “Pubertad”, “La rue Lafayette”, “La niña enferma”,
“Celos”, “Por la mañana”...

-Marco histórico: Tuvo una mala época como pintor, pues el gobierno
nacionalsocialista confiscó 82 cuadros suyos de los museos alemanes. Sus pinturas
fueron consideradas como “degeneradas”. La mayoría de sus cuadros plasmaban la
muerte o temas que en aquella época resultaban muy polémicos. En 1940 con la
invasión del régimen Nazi a Noruega le retiraron muchos de sus cuadros de las
galerías de arte porque pensaban que escandalizaban a sus visitantes. Munch no
quería tener ningún tipo de relación con los invasores, ya que le consideraban un
demente.Durante la Segunda Guerra Mundial Munch se hace mundialmente
conocido y expone por primera vez sus cuadros en los Estados Unidos en 1942 en
Nueva York.

-Posibles antecedentes: Da Vinci, porque del mismo modo que Leonardo da Vinci
había estudiado la anatomía humana y diseccionado cuerpos, Munch intentaba
diseccionar almas. Pero fundamentalmente bebía del simbolismo de Gauguin.

-Importancia de la obra en la producción total del artista: En su juventud, tras la

experiencia orgiástica (y para él, sagrada) del sexo, declaró que sólo pintaría
mujeres. Desengaños, enfermedades y muertes, y el ambiente misógino de su
época, le llevaron a entender el amor vinculado al dolor, desplegando una amplia
tipología, de la femme fragile a la femme fatale que es protagonista del cuadro
analizado.

-Trascendencia en la Historia del Arte: Al morir, legó más de 1000 cuadros, 15 400
grabados, 4500 dibujos y acuarelas y seis esculturas a la ciudad de Oslo, que
construyó el Museo Munch en el barrio de Tøyen en su honor. Las obras se
costearon con la recaudación de las salas de cine de propiedad municipal, y se
inauguró en 1963. Tras el sonado robo de El grito y Madonna, de gran resonancia
internacional, se reforzaron las medidas de seguridad en 2005, de tal modo que las
obras más valiosas se exhiben detrás de grandes paneles de vidrio, en expositores
que recuerdan a los escaparates comerciales. Los dos cuadros citados se
recuperaron con desperfectos menores, y fueron presentados provisionalmente en
una vitrina, sin sus marcos, para mostrar el alcance de tales daños. Es un pintor que
ha conseguido el beneplácito del público, sus obras han sido reproducidas hasta la
saciedad porque representa la parte más oscura del ser humano que busca
explicación de sus miedos y temores en el arte: la soledad y la angustia. Es
reconocido como el mejor pintor noruego.
6. IMAGEN

-”Mujer desnuda, acostada, piernas separadas”, de Egon Schiele (1914). “Liegender

Frauenakt mit gespreizten Beinen”.

-Tipo de obra: Dibujo.

-Estilo: Expresionismo. Desarrolló un estilo muy personal dentro del tratamiento

decorativo de las superficies y las fluidas líneas ornamentales que eran propias de
la Secesión vienesa. El uso expresionista del lenguaje corporal, los gestos y la
mímica responden a la influencia de la fotografía clínica que documentaba los
síntomas de la “histeria” que manifestaban las pacientes del doctor Jean-Martin
Charcot, del hospital de la Salpêtrière de París; también se inspiran en la fotografía
erótica del estudio de Otto Schmidt. Schiele libera la representación erótica del
desnudo femenino de las ataduras de la caricatura o de la finalidad pornográfica,
eliminando el histórico antagonismo entre lo bello y lo feo y otorgando al desnudo
femenino un nuevo y diferente protagonismo en el arte.

-Cronología: Schiele vivió poco, pero creo muchísimo. Pintó más de 300 cuadros y
realizó cerca de 3.000 dibujos y acuarelas, un profuso quehacer calificado por
algunos como erótico, pero para otros no más que pornografía, pedofilia o
inmoralidad. El artista murió con 28 años por la epidemia de gripe de 1918 que
también se llevó a personalidades como Otto Wagner o Guillaume Apollinaire.

-Propiedad: A​dquirido por Eduard Josef Wimmer-Wisgrill (1882-1961), Viena. Hoy

en el Museo Albertina de Viena.

-Elementos técnicos: Aguada y lápiz sobre papel japonés.

-Dimensiones: 31,2 x 48 cm.

-Tema de la obra: El pintor Klimt retrata a Wally Neuzil, su musa, tumbada y

desnuda, con ella tendría una fuerte relación, muchas veces tormentosa.

-Descripción: Wally Neuzil, la amante del pintor, yace en una cama, entre ellos hubo
una alianza muy sexual, altamente espiritual y artísticamente transformadora que
refleja este cuadro.

-Descripción de los caracteres generales de estilo: La libertad individual para

representar cualquier tema de cualquier forma, aunque sea prohibido (como en el
caso de los desnudos). Su estilo es apasionado, deformando la figura humana para
impactar al espectador y llegarle muy dentro. Empleando la línea y el color con
temperamento y emoción.

-Simbología, iconografía y función: Schiele vivió siempre asociado al escándalo. En

1912 lo arrestaron en Neulengbach, cerca de Viena, por el supuesto rapto de una
adolescente. Pero aunque la Justicia nada le comprobó, fue condenado a 24 días de
prisión porque sus dibujos eran demasiado explícitos sexualmente y corrompían a
los niños. Los críticos dicen que es difícil encontrar un artista más obsesionado con
su imagen que Schiele. Basta contar y apreciar sus considerables autorretratos en
los que, como sus modelos, aparece en posiciones infrecuentes (a veces grotescas)
o en actitudes provocadoras.

-Influencias: Sus primeras obras fueron deudoras de Gustav Klimt (fue su alumno
aventajado) y del Jugendstil, aunque pronto destacó con un estilo personal de
grafismo intenso y nervioso, de acusada sexualidad, que fue objeto de denuncia e
incluso estuvo un breve periodo de tiempo en la cárcel en 1912, (por tener una
amante de 17 años).

-Otras obras del autor: “Retrato de Wally”, “Mujer reclinada”, “La muerte y la
doncella”, “Retrato de Gerti Schiele”...

-Marco histórico: La dureza directa del expresionismo de Egon Schiele fue una
bofetada a los ojos de la sociedad de su época; al igual que los cuerpos
demacrados y el erotismo que dominan su producción le valieron el desprecio y la
incomprensión generalizados del público de su época.

-Posibles antecedentes: Schiele no tiene paralelo en la historia del arte occidental, y

en que sus dibujos muestran una visión intensa y casi atemorizante de sí. “Verse a
uno mismo permite entender lo que pasa en la mente”, habría dicho el artista.

-Importancia de la obra en la producción total del artista:

-Trascendencia en la Historia del Arte: “No ha influido muy positivamente en el arte

posterior al ser malentendido porque no se le ha prestado una atención suficiente a
su gramática”, afirma Carla Carmona, doctora en filosofía y autora de ensayos sobre
la obra de Schiele. No obstante, la identidad sexual moderna de Occidente que tiene
sus orígenes en los primeros años del siglo XX austriaco y la modernidad vienesa
tiene al pintor Egon Schiele (1890-1918) como uno de los grandes exponentes junto
a Gustav Klimt o Kokoschka. Como dato anecdótico pero triste: aún hoy su obra es
censurada (en especial la que atañe a desnudos).