HISTORIA DE LA MÚSICA

AINHOA LÓPEZ PRADA

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 ¿POR QUÉ A DIA DE HOY ES MÁS CELEBRE MOZART QUE SALIERI, SI
SALIERI TIENE MÁS REPERCUSIÓN QUE MOZART EN SU MOMENTO?

Retrato de Antonio Salieri y Mozart, obra de 1815 de Willibrord Joseph Mähler (1778 - 1860).

Vamos a comenzar, situándonos en el tiempo, para meternos más en el tema

expuesto:
Nos encontramos en el tardío siglo XVIII, este fue relativamente apacible. No
hubo guerras mayores en Europa, aunque al otro lado del océano tuvo lugar,
entre 1775 y 1783, la Guerra de Independencia de Estados Unidos. Sin embargo,
había mucho descontento en Europa. La gente estaba harta de las sociedades
con estructuras de clases en las que un diminuto grupo de ricos estaba en el
poder y dominaba a un gran número de pobres en la escala social inferior, que
apenas tenían derechos ni podían salir de su pobreza.
Pero el poder estaba cambiando de manos lentamente, de la aristocracia a la
creciente clase media. Esta clase media fue fruto en parte de la Revolución
Industrial, que provocó un repentino y masivo aumento del número de trabajos
disponibles en minas, fábricas y ferrocarriles. Fue la era de los inventos: desde
la máquina a vapor de Watt (1775) hasta los globos aerostáticos (1783) ¡y los
refrescos gaseosos (1785)!
Se instauró un movimiento filosófico conocido como la Ilustración o Siglo de las
Luces. La gente empezó a creer en el poder de la razón para resolver los
problemas sociales, corregir las injusticias y mejorar la vida. Los derechos del
individuo, la libertad de pensamiento, la disminución de la censura y la gradual
abolición del trabajo infantil fueron sólo algunos de los cambios fruto de la
Ilustración.
Hablaremos a continuación sobre Mozart y Salieri, para conocerlos
individualmente.

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 MOZART
Wolfgang Amadeus Mozart fue un compositor y pianista austriaco del siglo XVIII
(nació el 27 de enero de 1756 y murió el 5 de diciembre de 1791) conocido
principalmente por su prodigioso y temprano talento para la música y por la
composición de más de 600 obras en 35 años de vida, algunas tan
extraordinarias que hoy le reconocen indiscutiblemente como uno de los músicos
más importantes de la historia.
Nació en el seno de una familia de músicos en Salzburgo (actual Austria). Su
padre, Leopold Mozart, consciente de la precoz habilidad de su hijo y de su
interés natural por la música, abandonó la mayoría de sus tareas profesionales
para dedicarse exclusivamente a la formación musical de Mozart y su hermana
Nannerl. Con tan solo 5 años, el pequeño Mozart ya mostraba un dominio
prodigioso del violín y el teclado, e incluso ya había compuesto sus primeras
obras musicales.
Su adolescencia y la mayor parte de la vida adulta la dedicó a componer, si bien
las continuas dificultades económicas a las que estuvo expuesto le obligaron a
simultanear su don para crear música con trabajos esporádicos como intérprete
y profesor; hasta que el emperador del Sacro Imperio, José II de Habsburgo, le
ofreciera un trabajo estable como compositor pocos años antes de fallecer
(1787). En estos últimos años de vida compuso dos de sus mejores obras: La
Flauta Mágica y Réquiem. Finalmente, fallecería en Viena el 5 de diciembre de
1791 a la edad de 35 años.

ANTONIO SALIERI
Nació en Legnano, actual Italia, 1750 y Murió en Viena, 1825.Compositor y
pedagogo italiano. Aunque en su tiempo fue uno de los compositores más
apreciados, en la actualidad es más conocido por su rivalidad con Mozart que
por su propia labor creativa, hasta el punto de ser protagonista de una leyenda,
surgida durante el Romanticismo, que le acusaba de haber envenenado al genio
de Salzburgo.
Salieri se educó en Venecia, ciudad desde la que se trasladó a Viena en 1766
en compañía de Leopold Gassmann, su maestro desde ese momento. Fue este
compositor bohemio quien le introdujo en la corte austriaca, al servicio de la cual
iba a desarrollarse toda la carrera del músico. En Viena se relacionó con Gluck,
Scarlatti, Metastasio y Calzabigi y se dio a conocer como autor de óperas
cómicas en el teatro de la corte. En 1771, con Armida, inició la ópera seria. En
1774 sucedió a Gassmann como compositor cortesano. Entre 1778 y 1780 viajó
por Italia, donde hizo representar algunas de sus obras en diversas poblaciones
del país. Vuelto a Viena, alcanzó uno de sus mayores éxitos con la ópera
alemana El deshollinador.
En 1784 estrenó en París su obra maestra: la ópera Las Danaides. En ella, la
clara vena melódica se funde admirablemente con un fuerte dramatismo: arias,

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duetos, coros, intermedios, todo se sucede en un sugestivo crescendo, en el que
la música y el argumento se funden en una conciencia de valores expresivos que
anuncia ya, en cierto sentido, al teatro romántico. En la primera representación
de Las Danaides, Salieri figuró como "colaborador" de Gluck, pero en las
representaciones siguientes, tras el gran éxito, el maestro italiano se reveló como
el único autor de la obra y su nombre llegó al máximo de la fama.
Luego, en Viena, llevó a la escena las composiciones cómicas La gruta de
Trofonio (1785) y Prima la musica e poi le parole (1786).
Durante el período 1788-1824 desempeñó en la corte austríaca el cargo del
maestro de capilla. Por aquel entonces desarrolló asimismo una importante
actividad didáctica; entre sus discípulos figuraron Beethoven, Schubert y Liszt.
De sus restantes óperas merecen citarse Le donne letterate (1770), Don
Chisciotte (1770), L’Europa riconosciuta (1778), Tarare (1787) y Falstaff (1799).
Vamos a olvidar por un momento la conocida obra teatral Amadeus, de Peter
Shaffer, que Miloš Forman llevó magistralmente a la gran pantalla en 1984.
Mozart y Salieri fueron más amigos que enemigos. Más colegas que rivales. Es
bien sabido que compartieron escenario en Schönbrunn en 1786 durante los
estrenos de Der Schauspieldirektor y Prima la musica e poi le parole, coincidieron
después en Fráncfort en la coronación de Leopoldo II y asistieron juntos en 1791
a una función de Die Zauberflöte en Viena. El mito popular y romántico que
retrata Amadeus surgió tardíamente en 1823, cuando un Salieri enfermo y
demente confesó haber envenenado a Mozart.
Ahora podemos demostrar incluso que Mozart y Salieri colaboraron
ocasionalmente en 1785 componiendo juntos una misma obra.
Desde mi punto de vista, la respuesta a esta pregunta se basa en la técnica, y
para explicarlo, tenemos que informarnos sobre las diferencias de la técnica de
Morzart y la de Salieri.

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 CARACTERISTICAS DE LA MÚSICA DE MOZART
1.-Armonía: La mayor parte de las composiones de Mozart son armónicas. Su
música tiene “lógica” es “perfecta”, incluso cuando de forma esporádica utiliza
disonancias sigue sonando bien, parece que de una forma lógica las disonancias
aparecen porque es “lógico” que aparezcan. Como en el caso del Cuarteto para
instrumentos para cuerda en Do mayor K465 o también llamado el Cuarteto de
las disonancias.
2.-Equilibrio: En las composiciones de Mozart la simetría siempre esta presente.
Siempre despues de una sucesión de notas ascendentes habrá otra de
descendentes, despues de un solo de piano habrá una respuesta de la orquesta
o que en una obra tormentosa siempre incluirá fragmentos tranquilos para
compensar. En el siempre siempre hay un equilibrio, una simetría, un orden.
3.-Energía: Las obras de Mozart son composiciones que aportan energía gracias
a elementos tales como velocidad, un tempo vigoroso, una tonalidad en mayor
(la tonalidad en mayor aporta optimismo y energía, la tonalidad en menor
pesimismo), elementos inesperados a la vez elementos alegres y humor.
4.-Corriente natural: Lo que se oye cuadra y aunque por supuesto hay cosas
inesperadas por lo general se tiene la sensación que se escucha un movimiento
natural y fluido.
5.-Ritmo: Algunas obras de Mozart tienen un ritmo marcado y consecuente. Así
si escuchamos la obra para cuerda K174. La primera parte está marcada como
un reloj (Trio), mientras que la tercera podría ser música de baile (Final).
6.-Drama, pasión, sentimientos…
Especialmente los efectos dramaticos aportados por Mozart se encuentran en
las óperas si bien también en muchas obras instrumentales podemos encontrar
sensaciones de pesimismo, drama y desesperación.

7.-Complejidad y sencillez
Algunos expertos consideran que Mozart utiliza una tonalidad determinada para
expresar un estado de ánimo. De este modo el sol menor expresa tristeza y
pesimismos. Lo que sí estamos todos de acuerdo es que la música que compuso
Mozart y que a menudo suena ligera, tiene mucha más profundidad de lo que
cabría pensar.
Además, Mozart utiliza motivos sencillos que todos conocemos, como la escala
musical. Si se fija con atención, le sorprenderá con cuanta frecuencia aparece
una escala en sus conciertos. Eso sí, utiliza una escala de modo creativo, que
no se oye en ningún otro lugar.

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 CARACTERISTICAS DE LA MÚSICA DE SALIERI
Para empezar, se sabe poco de las características de su música.
Sabemos que:
1.-Trabajó como compositor de la corte de Viena. Autor principalmente de
óperas, música religiosa y cantatas, obtuvo un gran éxito en vida.
3.- “Envejezco sin gloria”. Fue la socorrida expresión de este compositor que
consagró su vida a la música, pero que la vida se ocupó de desconocer sus
valiosos méritos.
5.- Escribió treinta y nueve óperas; diez de las cueles fueron exitosas en sus
representaciones. Salieri no hizo otra cosa en toda su vida que escribir óperas.
Para la inauguración del teatro la Scala de Milán, en 1778, escribió la ópera:
“Europa reconocida”. Salieri recibió formación musical de Gluck en París. Mozart
murió muy joven, tenía 35 años, y Salieri había sido su amigo. Pero después de
su desaparición los comentarios adversos dieron crédito a la más negativa de
las visiones que se tejieron contra él.
6.- Era un hombre callado, tímido, humilde, emotivo. Que esto se pudo ver
reflejado en su música.“No puedo hacer nada contra las emociones”, solía decir;
de él es la frase: “envejezco sin gloria”. Armida fue su opera preferida. La pureza
de la bien timbrada voz de la soprano italiana de apellido Bártoli, en digno gesto
de reconocimiento, ha dado voz a su valioso repertorio musical.
CONCLUSIÓN
En conclusión, en la actualidad, es más conocido Mozart. Desde pequeños nos
ponen sus obras, es el primer compositor que se te viene a la mente. En mi
opinión creo, que es más famoso, a parte de por su forma de componer, por ser
un niño prodigio. Opino que Salieri si fue más importante en su época, por sus
logros, trabajaba en la corte, tenía dinero y era un hombre benemérito. En
cambio, Mozart era un derrochador, y vivía de las actuaciones que le ofrecían,
hasta que al final se asentó.
Tras haber investigado, sobre su obra, técnica, pensamiento… definitivamente,
Mozart en la actualidad es uno de los mayores compositores de la historia de la
música.

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¿CÓMO SE REFLEJA EL CAMBIO DE PENSAMIENTO DE LA DOS MITADES
DEL SIGLO XVIII EN LA OBRA E BACH?

Retrato de Bach por Elias Gottlob Haussmann en 1746, Museo de la Ciudad de Leipzig.

El Barroco es el periodo artístico que va desde 1600 hasta 1750. Está

encuadrado entre el Renacimiento y el Clasicismo. Los hechos musicales que
encuadran esta etapa son la creación de la primera ópera “Orfeo” del italiano
Claudio Monteverdi (1607) y la muerte de Johann Sebastian Bach (1750), que
será el genio indiscutible de esta época.
Las monarquías absolutas dominan el panorama político de una Europa que está
sumida en un continuo de luchas políticas y guerras. El poder sigue estando en
manos de la aristocracia y de la Iglesia que quieren mostrar su autoridad
organizando grandes espectáculos en los que la música siempre estará
presente. Se convierten, para ello, en mecenas de los mejores artistas, los cuales
trabajarán en sus grandes cortes y palacios. La música estará al servicio de las
grandes monarquías europeas, la aristocracia y la iglesia, que la utilizarán como
una manifestación más de su poder. El papel del músico se reduce al de
un sirviente de su protector.
El hombre barroco no persigue la belleza, tal y como se había hecho en el
Renacimiento, sino que fundamenta su pensamiento en torno a dos
aspectos opuestos: la RAZÓN y el SENTIMIENTO. La razón en cuanto
que intentan buscar la lógica y el lado científico de todo. El arte barroco
busca la expresión de sentimientos, el sentido del movimiento y los
contrastes, el gusto por el detalle y la ornamentación.
Es uno de los periodos más revolucionarios de la historia de la música.
Nace la orquesta, las grandes formas instrumentales y vocales. Se establece el
uso de la tonalidad y de la armonía. Surgen los primeros intérpretes virtuosos y
los primeros grandes compositores. Pero además, se van a crear nuevas

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técnicas para poder expresar de la mejor manera posible los sentimientos. La
ópera será el género que más desarrolle la expresión de los sentimientos.

El gran representante e esta etapa será J.S.Bach.Fue un compositor, organista,

clavecinista, violinista, violista, maestro de capilla y cantor alemán .
Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda
Europa por su gran técnica y capacidad de improvisar música al teclado. Además
del órgano y del clavecín, tocaba el violín y la viola de gamba.
Su obra es considerada como la cumbre de la música barroca; destaca en ella
su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, además
de la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y
su incomparable extensión. Bach es considerado el último gran maestro del arte
del contrapunto, donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores
compositores y músicos desde Wolfgang Amadeus Mozart pasando por Arnold
Schönberg, hasta nuestros días.
En la música de Johann Sebastian Bach se sintetiza toda la tradición de la
música clásica europea precedente: la polifonía que iniciaron Perotín yLéonin, la
música renacentista de Giovanni Pierluigi da Palestrina, el primer Barroco de
Girolamo Frescobaldi, y la de autores de su época comoDietrich Buxtehude y
Antonio Vivaldi. De este último aprendió, copió y adaptó obras desde su juventud:
así lo hizo en Weimar, cuando, gracias al duque, pudo versionar algunas de sus
obras en sus Conciertos BWV 592-597 y BWV 972-987).
Bach dominaba los dos estilos principales de su época, el francés y el italiano, y
de hecho su producción está muy influida por el concierto italiano y la suite
francesa.Sintetizó en sus obras elementos de ambos junto a rasgos autóctonos
alemanes como el complejo contrapunto alemán del norte y el coral, del que hace
amplio uso en sus obras religiosas. Resulta de todo ello un estilo fácilmente
reconocible, moderno pero de claras raíces en el pasado. Escribió en casi todos
los géneros y formas de su época, en multitud de combinaciones instrumentales
y vocales. Culminó y realizó obras destacables en todos ellos, abarcando todos
los aspectos, elevando muchos de ellos a un nivel superior e incluso creando
géneros nuevos, como la sonata para teclado y un instrumento. Única excepción
fue la ópera, género para el cual no compuso, aunque el lenguaje e influencia de
la ópera seria del siglo XVIII está presente e impregna su producción vocal.
En algunas formas es el gran maestro de todos los tiempos. Sus pasiones son
las mejores obras de todo el repertorio, igual que las cantatas sacras o las
tocatas y fugas. Después de Bach, algunas de estas formas musicales fueron
cayendo en el olvido para los grandes compositores.
Durante los últimos años de su vida –dominados ya en Alemania por la estética
de la Ilustración– su obra fue considerada anticuada, árida, difícil y muy llena de
adornos. Por entonces, el estilo musical había cambiado notablemente, y las
nuevas generaciones de músicos componían de forma muy diferente a Bach: era

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el llamado estilo preclásico o galante, en el que la música era
predominantemente homofónica, y apenas asomaba el cargado contrapunto que
Bach usó. Así, en 1737, Johann Adolph Scheibe, crítico musical de la nueva
mentalidad ilustrada, criticó duramente la música de Bach: «Espera que
instrumentistas y cantantes hagan lo mismo que él cuando toca el clavecín».
Tras su muerte la música tomó una dirección en la que su obra no tendrá cabida;
él es el punto final respecto a una forma de entender la música que se remontaba
a la Edad Media, cuando tenían más importancia la polifonía que la armonía o el
timbre. Pero Bach también fue innovador y abrió caminos para la música del
futuro.
Bach nunca escribió nada teórico sobre música, su enseñanza sólo llegó a la
posteridad a través de sus discípulos.
PERIODOS:
 El primer período, el de aprendizaje y estudio, va desde 1700 hasta 1713,
estando ya en Weimar. En este período, que está centrado en la música
para clave y órgano y cantatas sacras, asimila y supera la música alemana
del siglo XVII y principios del XVIII en el ámbito instrumental y vocal
religioso.
 El segundo período, el de maestría, empieza en 1713, en Weimar, y acaba
en 1740, afincado ya en Leipzig. En este período, después de haber
asimilado y superado completamente el estilo alemán del periodo anterior,
a partir de 1713 asimila y es influido por la música italiana de finales del
siglo XVII y primer cuarto del siglo XVIII, cuando, cogiendo y sintetizando
las características del estilo italiano (claridad melódica y dinamismo
rítmico) y del estilo alemán (sobriedad, contrapunto complejo y textura
interna), logra hacer su estilo personal inconfundible, adaptable
perfectamente a todos los géneros y formas de su tiempo menos el género
de la ópera. En Leipzig y Köthen, ya forjado su estilo personal, adquiere
un dominio técnico cada vez más profundo conforme pasa el tiempo.

 El último período de su música va desde la publicación de Clavier-Übung

III en 1739 y acaba con la muerte del compositor en 1750, componiendo
el El arte de la fuga. En este período, se centra significativamente en la
música instrumental, como haría más adelante Beethoven, y su estilo
personal se vuelve más contrapuntístico, con una leve influencia de la
nueva música galante naciente en aquellos momentos.
El periodo de transición entre el barroco y el clasicismo abarca desde 1750 a
1775. Ambas tendencias se superponen en un sutil fundido encadenado.
Hablar de la transición que hubo del barroco al clasicismo, es hablar de un
surgimiento de nuevas ideas, de experimentaciones. Es hablar de un periodo de
la historia en el que se forman revoluciones, se hacen reformas, se plantean
nuevas visiones de los poderes que tiene la burguesía con el pueblo. Por tanto

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la sociedad durante estos siglos creará una gran transformación, un forcejeo de
ideas, que no afecta sólo a la música.
Un malestar político jalona el medio siglo. Los ideales de libertad, igualdad,
independencia, comienzan a imponerse en …

EL ESTILO GALANTE
Dentro del Estilo Galante se dan tres fases: 1720-40 (Rococó); 1740-60
(Empfindsamer Stil) y 1760-80 (Estilo pre-clásico).
En música "galante" significaba "componer de manera moderna", es decir, como
la manera moderna teatral italiana: melodías periódicas con acompañamiento
ligero y acompañadas con armonía simple con frecuentes paradas en cadencias.
Los principales compositores son Carl Philip Emmanuel Bach, quien dijo que la
música era para tocar el corazón y mover los afectos y Wilhelm Friedemann Bach
(ambos hijos de los 20 que tuvo J.S. Bach).

CARL PHILIP EMMANUEL BACH

En adición a sus sustanciales contribuciones a la música, Carl Philipp se dedicó
a proteger el legado de su padre. Lamentablemente tras la muerte de Johann
Sebastián la mayoría de sus manuscritos fueron entregados a Wilhelm
Friedemann. La negligencia del hijo menor condujo a que muchas partituras se
perdieran. De hecho se dice que Johann Sebastián dejó cinco Pasiones y ambos
hijos las repartieron, Carl Philipp se quedó con dos, San Juan y San Mateo, que
son las que hoy conocemos, y Wilhelm Friedemann con tres, de las cuales
solamente hay fragmentos de una.
Lo mismo sucedió con los cinco ciclos de cantatas. Pero junto atesorar las
partituras de su padre, Carl Philip fue el responsable de las únicas publicaciones
con música de Johann Sebastián entre la edición de El Arte de la Fuga, publicada
poco después de la muerte de éste, y las competentes ediciones de El Clavecín
Bien Temperado que aparecieron en 1801. También dirigió obras de Johann
Sebastián como el Credo de la Misa en Si Menor en Hamburgo en 1784 y publicó,
hacia el final de su vida, una defensa del arte de su padre contra las
desfavorables comparaciones con aquel de Haendel.

Con todo Carl Philipp se preocupó de producir sus propias obras maestras y
nunca se sintió empequeñecido por el aporte de su padre. Sabía que cultivaba
un estilo distinto, con partituras muy sensibles y cambios impredecibles en
dinámica, rítmica y modulaciones. En vez de tratar de competir con el estilo de
su padre, o vagar entre distintos estilos como lo hizo Friedemann, desarrolló una
estrecha relación con la respuesta emocional del público. Lamentablemente el
siglo XIX se encargó de minimizar el aporte de Carl Philipp al compararlo sin
razón con el de Johann Sebastián. De hecho, solamente al final del siglo XX se

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comenzó a preparar una edición completa de sus obras. Carl Philipp emergió
entre la sombra de su padre y concretó su propio mundo musical, reflejando todo
un periodo y no, como muchos afirman, solamente una transición.

CONCLUSIÓN

En resumen, podríamos decir que en la primera mitad del siglo XVIII, J.S.Bach,
será el compositor más importante, es considerada como la cumbre de la música
barroca; destaca en ella su profundidad intelectual, su perfección técnica y su
belleza artística, además de la síntesis de los diversos estilos internacionales de
su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es considerado el
último gran maestro del arte del contrapunto. Pero cuando muere, empieza a
nacer otro tipo de música, que protagonizara su hijo CPE Bach, quiere seguir el
legado de su padre, pero de distinta forma. Las características del clasicismo
empiezan a salir y surge, nueva música. Por lo tanto, la música de Bach padre,
se queda un poco anticuada.

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 WEBGRAFÍA

http://www.hagaselamusica.com/clasica-y-opera/compositores/carl-philipp-e-
bach/
https://histoclasica.blogspot.com/2014/04/tres-grandes-del-preclasicismo-
musical.html
https://www.nationalgeographic.com.es/historia/grandes-reportajes/mozart-el-
genio-mas-fulgurante-del-siglo-xviii_9275
http://www.filatelissimo.com/grandes-compositores-del-siglo-xviii/
https://soclassiq.com/es/l%C3%ADnea_de_tiempo_m%C3%BAsica_cl%C3%A
1sica/Los_compositores_de_m%C3%BAsica_cl%C3%A1sica_del_siglo_XVIII/t
s/18/
http://www.conservatoriosuperiorgranada.com/wp-
content/uploads/2015/05/isabel-gutierrez.pdf
https://medium.com/@fundacionmarch/mozart-y-salieri-la-historia-y-la-leyenda-
f428560c7135
https://culturacolectiva.com/historia/mozart-vs-salieri-realidad-vs-ficcion
https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/4312/Antonio%20Salieri
https://www.monografias.com/trabajos28/revancha-salieri/revancha-salieri.shtml
BIBLIOGRAFIA
 LOS GRANDES COMPOSITORES ( HAROLD.C.SCHONBERG)
EDITORIAL: MANONOTROPPO.
 HISTORIA DE LA MÚSICA OCCIDENTAL (J.PETER BURKHOLDER,
DONALD .J. GROUT, CLAUDE V . PALISCA) EDITORIAL: ALIANZA
MÚSICA.

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