LA FOTOGRAFÍA
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En el presente trabajo trataré de esbozar una aproximación, cuanto menos interpretativa,
de algunas de las ideas que trata Susan Sontag en Sobre la Fotografía (1947). Antes de
nada me gustaría comentar dos cosas importantes. La primera es que al dedicarme solo
a unas ideas he tenido que rechazar otras cuántas que, sin embargo he decidido usarlas
de complementos para algunas matizaciones de las mismas. Sin embargo, decir también
que aún siendo “rechazadas” las considero de un interés importante para hacer justicia
al pensamiento de la autora. En segundo lugar me gustaría adelantar, resumidamente, la
estructura y el objetivo del trabajo así como la obra en general.
Susan Sontag escribió Sobre la Fotografía en una serie de artículos que se fueron
publicando progresivamente en torno al significado y la trayectoria de las fotografías.
Aunque la obsesión de Sontag le venía desde que era una niña si es cierto que no fueron
los mismos asuntos los que siempre le perturbaron. Es así como al comienzo de los
primeros capítulos de la obra Sontag hace una especie de fenomenología de la
fotografía. En esta expone, bajo una actitud crítica, una perspectiva del quehacer
fotográfico y de su respectiva visualización. Sin embargo, a medida que Sontag va
reflexionando sobre estas ideas se va alejando de la fenomenología fotográfica hacia
una consideración más abarcadora: una ontología de la imagen.
En el presente trabajo pretendo reflexionar las ideas entorno a cuestión de índole -quizás
si sea cierto decirlo- más ontológica. Todo ello entorno a una, pero que personalmente
me parece la más interesante, temática: la estetización de la imagen fotográfica y la
pérdida colectiva de la conmoción que conlleva. Pero como he dicho antes
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demorándome en ciertas matizaciones del pensamiento de Sontag que considero
relevantes en su obra. Es por ello que creo que la mejor forma de presentarlo es
mediante “secciones” en las cuales se traten ciertos temas específicos pero en cuyo
fondo resida la cuestión principal a la que he aludido arriba.
Antes de comenzar me gustaría señalar una última cosa. En 2003 Susan Sontag publicó
Ante el dolor de los demás donde expone una respuesta acerca de ciertas cuestiones e
incluso declaraciones que expone en Sobre la Fotografía. Ya que trata de lleno la
temática esencial de este ensayo he decido incorporar una especie de diálogo entre las
dos obras con el fin de completar aún más el pensamiento de la autora.
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acontecido. Sin embargo no cualquier fotografía es adecuada si no que se persigue lo
fotogénico, y a la vez se rechazan tantas cosas del lugar visitado haciendo de la
experiencia del viajar una experiencia primordialmente estetizada. Esta experiencia
como cualquier otra implica una creencia común: que el tiempo es lo equivalente a
acontecimientos interesantes y éstos son los que merecen ser fotografiados para
inmortalizarlos.
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apariencias. El vacío es la expresión de nuestra época ya que es lo único de lo que puede
presumir de transparencia. Sin embargo Sontag parece que aun reserva unas cuantas
dudas sobre si estamos o no en la caverna de Platón donde aún las apariencias, las
imágenes conforman una relación ‘amorosa’ con la realidad. Aun así parece ser presa de
una negatividad ya expresa en su tiempo: la adicción a la imagen, y por lo tanto de la
fotografía, que ha desembocado en una liquidación de la información ético-política que
en algún momento pudo ofrecer; éste consumismo estético del que veía que nos
estábamos haciendo presos y que incluso contamina nuestra mente en una incesante
cabezonería por lo bello cada vez era mayor. Es por esto que no solo acabamos por no
comprender el mundo sino que nuestra experiencia del mismo se transforma en una
forma de ver, cuyo valor reside en la exposición y no conforme a cuestiones culturales.
Se han escrito tantos manifiestos sobre fotografía que parece aún más contradictoria
entre sí de lo que cabría esperar de ellos. La fotografía muta, deviene a su autor y su
autor deviene a la fotografía, es una síntesis, una relación de poder que se ha expresado
en modalidades e intensidades muy divergentes. Es por ello que se podría decir que no
está en la objetividad ni en la subjetividad, sino en las dos partes. Conforma una
relación con el mundo y el mundo la conforma con nosotros, es un entre, pero no uno
desinteresado o sin intención alguna sino que, como se puede observar, es (a mi parecer)
esa intención él entre que capta, el motor que impulsa a presionar el botón de disparo,
una intención que pretende pillar a la realidad desprevenida. La cuestión sobre si la
fotografía debe ser o no imparcial es un tema recurrente en estos manifiestos. El
fotógrafo observa el mundo y decide qué debe y no debe fotografiarse, y no es una
subjetividad trascendente sino más bien una ideología la que determina qué constituye
un acontecimiento, en la medida en que somos sujetos culturales y por supuesto
político, el acontecimiento digno de ser fotografiado proviene de una intención (antes
aludida) singular. La objetividad del fotógrafo sin embargo no es contradictoria a este
‘imperativo’, sino más bien se determina conforme a una finalidad, una utilidad que
moldea el tipo de implicación del fotógrafo. Ejemplo de este tipo de fotografía podrían
ser las de tipo científico; se emplean de la forma más objetivamente posible -no ya
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dentro de las posibilidades de la fotografía, sino de la ciencia misma- a su objeto de
estudio. Por otro lado se podría decir que aunque no anule la objetividad si la limitan,
siendo imposible la imparcialidad. Detrás de la cámara hay un ojo que mira y, aunque
sea para una automática, presiona. Esta mirada, como he dicho arriba, es una y por lo
tanto ofrece una visión singular. La mirada es el encuadre de la foto. No hay una mala
foto, dirá Sontag, las hay más o menos interesantes, informativas, técnicas, etc. Y aún
así que entre los fotógrafos que quieren cumplir con ciertos objetivos éticos y estéticos
siguen siendo, en la mayoría de ellos, opuestos radicalmente es otra muestra de la
implicación subjetiva en la acción de fotografiar. Se podría interpretar, de paso, dos
modos quizás bastantes generales de dicha acción: intelectual e intuitivo. Que sea una
cuestión de formación y profesionalidad es un tema que trataré más adelante en torno a
la cuestión de la fotografía como arte y no-arte. Sin embargo, me parece interesante
traer aquí el tema de la consciencia, se podría decir, y la de su opuesta pues creo que
implica –aunque no siempre- una tendencia orientativa hacia la subjetividad y
objetividad. En el caso de la fotografía cotidiana, la casera que hoy día sirve de pretexto
para Facebook, Instagram y demás redes sociales, no implica una subjetividad muy
explícita (más bien la subjetividad se ajusta a unos estándares previos, objetivos en este
caso, de consumo), en la fotografía familiar o turística también ocurre algo parecido. No
necesita de un conocimiento lúcido y preciso para su realización. Sin embargo una
fotografía de moda por ejemplo, precisa de cierto perfilamiento técnico que resulta
opuesto a la mera intuición.
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alcance fotográfico la realidad ya no estaba representada sino más bien proyectada a la
perfección y con una disponibilidad casi inmediata. La fotografía, al contrario de la
pintura, fue procediendo de forma cada vez más fragmentaria. Un ejemplo que trae
Sontag son las fotos de pimientos de Weston. Los pimientos son una aspiración hacia
una belleza que irónicamente no es tal en la realidad. Weston es un ejemplo de el
paradigma formalista de la fotografía en el que hay una tendencia a convertir las cosas
en humanos y viceversa. En este sentido la fotografía fue desarrollándose acorde a
ciertos ideales de belleza, en el caso de Weston, y de orden o proporción en el caso de
Cartier Bresson. La modernidad, sin embargo emergió con un torrente de libertad tal
que acabó por dejar sin sentido al formalismo. La cuestión de la belleza (que
mencionaré más adelante) fue relativizada incluso repudiada, dando paso a todo tipo de
sensacionalismos visuales como puede ser la fotografía de Witklin, Roger Ballen o
Diane Arbus. El caso de Diane Arbus me parece interesante mencionarlo. Sontag lo
desarrolla activamente en Estados Unidos visto por fotografías, oscuramente. Diane
Arbus a pesar de que su reconocimiento haya aumentado después de su muerte,
consiguió alcanzar su fama mediante una fotografía de lo diferente. Se dedicaba a
fotografiar a humanos particulares como drag queens, personas con síndrome de Down,
enanos, gigaantes, etc. Diane Arbus representa un ejemplo de este salto hacia lo
grotesco, lo llamativo propio de las vanguardias en la modernidad. Con el paso del
tiempo la fotografía se descubrió a sí misma como capaz de expandir sus límites como
la pintura, hasta un nivel tal de oposición con el mundo que contribuyó a considerársele
como un sistema único de revelaciones de la realidad, como no se la había visto
anteriormente. El realismo de la fotografía rezaba extraer lo oculto de la realidad
mediante la acción fotográfica sin enfrentarse al mundo. Pero la fotografía, expone
Sontag: «es el paradigma de una relación inherentemente equívoca entre el yo y el
mundo, […] a veces dictamina que ese yo se anule a sí mismo frente al mundo, y a
veces autoriza una relación agresiva con el mundo para celebrar el yo».
Aún así parece seguir habiendo una diferencia clave entre lo que usan la cámara
mecánicamente y los que las trascienden de forma artística. Y parece ser el primero de
los argumentos a favor de la fotografía como arte: se puede diferenciar de la artesanal.
Sin embargo, a lo largo de la historia de la fotografía se han considerado dignas de
categoría artística tal cantidad de fotos azarosas, accidentales e interesantes al mismo
tiempo que pervierten el argumento. Parece que ya no es necesaria una intención, un
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criterio formal de belleza ni si quiera unos conocimientos previos. De hecho incluso
parece que el azar, el desconocimiento, la suerte y demás ya no son un obstáculo para la
estética sino más bien la refuerzan. ¿Entonces cómo saber si es arte o no-arte?
Actualmente esa diferencia ya no existe ni en la propia definición de arte y mucho
menos en fotografía. Por eso que la comparación con la pintura sea una forma
estratégica de intentar posicionarla, ya que la pintura es el arte por antonomasia. La
fotografía exige una praxis imaginativa y un gusto muy distinto al de la pintura.
Algunas de las diferencias y semejanzas que hay entre la pintura y la fotografía que voy
a recoger están más ampliamente detalladas en el capítulo Evangelios Fotográficos,
pero básicamente son las siguientes: 1) En la pintura se requieren unos criterios de
estética y autenticidad que no existen en la fotografía. 2) Ambos imponen nuevos
esquemas formales o cambios en el lenguaje visual y ambos tienen la cualidad de tener
presencia. 3) Todas las fotos son valiosas (recuérdese lo anteriormente mencionado) al
contrario que en la pintura. La cuestión entonces no se vuelve mucho más clara tras las
diferencias y semejanzas sino al revés. En mi opinión pasan dos cosas simultáneas. Por
un lado las valoraciones estéticas son un embrollo debido a la incesante mutabilidad del
gusto fotográfico. Desde que las fotografías fueron consideradas dignas de exposición
su valoración se ha convertido en una decisión en torno al consumismo. Ya que la
estética es una propiedad relacional su valor depende de un público que la observe y
consuma. La segunda es que la fotografía aún es una resistencia hacia a sí misma,
donde aún no puede mirárselas desde una óptica artística sino más bien ontológica. Las
fotografías hablan del mundo y conforman nuestra forma de mirarlo, esta es la
diferencia radical con la pintura. Si no hay una obsesión temática tras el autor es difícil
considerar el reconocimiento artístico, y si la autoridad de una fotografía depende de la
temática entonces toda declaración de la misma como arte tendrá que enfatizar la
subjetividad de la visión. Sin embargo estamos fascinados por la fotografía, se ha dado
un paso de las apariencias a las ideas de Platón, la fotografía son nuestro ideal de
realidad y se nos presentan sin representar ningún ente. Las imágenes en general no
necesitan referirse a nada, ellas mismas tienen vida propia y como dice B.Y.Han: «son
más entitativas y llenas de vida que el ente». Es por ello que Sontag considera que la
fotografía no es una disciplina artística, pero con la peculiaridad de transformar sus
temas en obras de arte.
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«Nadie jamás descubrió la fealdad por medio de la fotografía» sino al revés, encontrar
algo bello es lo que mueve a las personas a fotografiarlo. La huída hacia lo bello de las
apariencias es un valor que concierne al registro fotográfico. Y alteran nuestra
concepción de la realidad, la descubren bella en lo que todos la ven pero desestiman por
común. En los años veinte, con la visión fracturada, se descubrió que en la realidad
recortada aparecían formas magníficas (recuérdese los pimientos de Weston) y así fue
como lo bello paso a ser una forma de visión a la que el ojo no alcanza y sólo puede
acceder la cámara.
El valor de la belleza poco a poco fue perdiendo sentido con la aparición de las
vanguardias. Fue un proceso generalizado de desestetización de la imagen relacionada
con la búsqueda del shock, el asco, la repugnancia,… en general la dimensión estética
podía estar presente en una obra de arte como podría no estarlo también.
Siendo tal la confusión y el entramado ideológico de la fotografía, ésta huyó hacía una
definición absolutamente propia. La fotografía quiso declarar sus objetivos en torno a
sus dimensiones normativas, cognitivas, etc. Sin embargo lo que pasó y pasa resulto ser
algo muy distinto.
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Vivimos en la era del esse est percipi, sobretodo digitalmente. Una muestra de ello
(explica Sontag) son la gente de los países industrializados que viajan, parece como si
tuviesen la necesidad imperiosa de fotografiarlo todo, como si se sintieran ellos mismos
imágenes y sólo las fotografías pudieran conferirle realidad. La realidad se asemeja cada
vez más a una fotografía y no a la inversa pues la realidad no se puede poseer, una
imagen sí. Todo esto obedeciendo una lógica de consumo propia de los países
capitalistas en las que hay una tendencia hacia una cultura de imágenes. Las fotografías
ofrecen el entretenimiento necesario para incentivar el consumo y así servir de
anestésico para los asuntos políticos y sociales de relevancia. Objetivar y subjetivar la
realidad aumenta la productividad y afianza el orden. Por otro lado consumir implica
agotar y sucesivamente un reabastecimiento que se extiende hasta el infinito. Esto
obedece a la paradójica avidez de novedades que ya vislumbró Heidegger: lo nuevo se
vuelve viejo, desfasado cuando lo tenemos; en una sociedad donde continuamente
tenemos que llenar nuestro vacío, las imágenes se han vuelto nuestro consumo
imperante. El vacío es propio de una sociedad de la transparencia y la transparencia es
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propia de una sociedad industrial. Para desterrar el vacío se nos embota de información
en forma de imágenes que continuamente tienen que ser renovadas.
Sontag señala dos maneras en las que las cámaras definen la realidad para el
funcionamiento de una sociedad industrial: como espectáculo (para las masas) y como
vigilancia (para los gobernantes). En esta negativa se haya su pensamiento, y bajo la
misma preocupación de fondo en todos los temas abarcados: las fotografías ya no
pueden conseguir hablar. La pérdida del sentido moral a causa de la estetización y la
cámara como transformadora de las personas en consumidores o turistas de la realidad
son los motivos que mueven a Sontag a formular un diagnóstico. Pero también una
solución: una ecología de las cosas reales y también de la imagen. Aunque de hecho este
sea el final de su libro no desarrolla esta idea, sin embargo críticos y demás fanáticos de
la fotografían interpretan como ecología una equilibrada relación entre el yo y el
mundo. Años después en Ante el dolor de los demás Sontag retoma el tema para aclarar
que nunca la habrá.
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cognitivas, normativas,… Aunque no todas las fotografías son iguales en cuanto a los
sentimientos que puedan suscitar, por ejemplo las hay que provocan deseo (y éste por lo
tanto es efímero) y las que provocan un sentimiento moral (hacen historia). A estas
últimas es a las que más les afecta ese proceso de estetización, en la medida en que su
objetivo principal era comunicar, impactar y como no, conmover. La fotografía como
conocimiento pasa a ser mera fotografía a secas. Pero ¿es cierto que esta estetización,
sobre todo de la imagen violenta, está acabando con nuestra capacidad de conmoción?
Para contestar a esta pregunta me he apoyado en Sobre el dolor de los demás, donde
Sontag hace una investigación rigurosa acerca del asunto.
La cámara nos obliga a mirar, y el fotógrafo decide qué ver. La fotografía habla,
comunica sobre la realidad y nos hace tomar conciencia, no solo de nuestra condición
de voyeur sino también de que hay sufrimiento, asuntos que nos podemos ignorar.
También nos hace recordar, es un nuevo medio de memorizar en el que cuando hay
cierta distancia temática lo que la fotografía dice se puede interpretar de diversos
modos. El problema comienza cuando recordamos solo mediante fotografías. Cuando el
criterio de realidad de algo se lo confiere el ser fotografiado, en esta medida se está
produciendo una transformación de la conciencia del sufrimiento; se ha convertido en
una conciencia de imágenes. Y en una memoria colectiva, ya que se decide mediante
ellas los sucesos importantes de la historia, lo que merece no ser olvidado.
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ejemplo es el de las fotografías de Gervasio Sánchez publicadas en un libro titulado
Vidas minadas. Estos ejemplos ilustran la pérdida de conmoción de las personas. Ya no
nos impactan tanto, ni nos hacen reflexionar de la misma forma. Buscamos lo bello y lo
encontramos en la fotografía, por encima de lo que haya decidido el autor, lo que ocurra
con las fotos no corre a suerte del mismo, sino desgraciadamente de la masa. Por
ejemplo la foto de Kevin Carter de una niña africana muriendo y un buitre esperando
para comérsela, la imagen provocó un impacto contrario al deseado por el autor.
El mejoramiento de la realidad, donde hay una imperante huída hacia lo bello, se puede
conseguir mediante la fotografía. Y de hecho se consigue, dándole un valor de belleza
tal a las apariencias que preferimos vivir en ellas.
Pero la realidad no se puede valorar estéticamente, sino más bien atendiendo a una
dimensión ético-social, por ello dirá Sontag que la fotografía documental no deberían
ser bella, para que no se confunda el objetivo de la foto. Por otro lado, en una sociedad
industrial la conmoción se ha convertido en la principal fuente de consumo. Y esta
progresiva estetización de la imagen ayuda a la pérdida del sentido moral y
necesariamente la conmoción envejece cada vez más rápido. Un ejemplo de esta
‘insensibilización’ al que alude Sontag es el de las imágenes de operaciones de
pulmones, gargantas, enfermedades,… que se ponen en los paquetes de tabaco. Aunque
al principio sí que redujeron el número de fumadores, hoy día no producen el mismo
efecto, tampoco es que le guste a la gente, pero ya no les conmueven como antes.
Porque vivimos por la imagen y para la imagen. Porque en las sociedades de consumo
se ha construido una realidad en torno a ellas, y en continuas y masivas cantidades nos
han anestesiado y embrujado. Es así como no solo se constituye una realidad sino que
también lo hace una identidad, nosotros mismos nos sentimos imágenes. Desde esta
perspectiva el mundo se torna espectáculo y los humanos actores y actrices del mismo,
queremos ver y ser cosas interesantes. En esta continua retroalimentación (cuantas más
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imágenes tengamos más queremos, y cuantas más queramos más insensibles nos
hacemos) se encuentra el dilema y la imposibilidad de la ecología.
En este mundo cada vez más digitalizado, la realidad virtual parece cada vez más
próxima, cada vez hacemos más fotos y vídeos, y cada vez las consumimos más
frecuentemente. El mundo se ha vuelto más accesible por una ventana de ordenador que
por el mundo mismo. Estamos cada vez más próximos a una sociedad del
enclaustramiento y de la digitalización de las relaciones humanas. Lo cual resulta
determinante en nuestra forma de ser en el mundo.
Conclusiones
En un momento del ensayo he comentado que las fotografías son resistencia a las
mismas, me gustaría aclarar esto. En la medida en que cualquier sociedad y cualquier
estetizaión de la que pueda ser partícipe una fotografía, todas tienen algo en común:
hablan. Dicen cosas y nosotros las escuchamos. En este sentido las fotografías pueden
hablar sobre sí mismas, sobre los problemas relevantes y conmocionar de verdad. La
resistencia es contra la misma estetización, la resistencia es artística (pues resiste a la
muerte), pero también es moral. Las fotografías nos dicen: no lo olvides. Y no
recordamos la fotografía sino lo que nos dice, y nos dice tantas cosas que nos embota
anque no anula la reflexión. Lo que hay detrás de una foto es una historia, unos seres
humanos que son percibidos cada vez más como cosas en lugar de individuos, y un
mundo de sentido. En esta línea la fotografía no ha perdido toda su capacidad de
comunicar ni de recordar. De hecho, dirá Sontag, «la memoria es la única relación que
tenemos con los muertos», y por esto no solo conforman una forma de tratar con el
pasado sino también con el presente.
Por lo tanto la negativa de Sontag parece que se desvanece un poco. Aunque aún quedan
dudas por resolver, la fotografía parece seguir teniendo un atisbo de autenticidad en
cuanto a sus intenciones informativas. Y en el caso de la fotografía artística, ésta será y
está sujeta a ciertos criterios e imperativos artísticos que cada vez la diferencian más de
la no-artística.
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Todo esto no quiere decir que aunque la fotografía no haya dejado de tener sentido la
actualidad lo tenga. La fotografía como resistencia representa el diagnóstico de la
actualidad misma. El sentido de la realidad está cada vez más en las imágenes y la
resistencia es lo que nos queda para ampliar los medios de comunicación y por lo tanto
de observación del mundo. Las fotografías que resisten se pueden escuchar, se puede
ver un sentido menos transparente, pero más nítido en ellas. El intersticio mismo entre
el fotógrafo y lo fotografiado, el mundo y el yo y que difiere al mismo tiempo de
ambos. Las fotografías informan pero se precisa de una demora para escucharlas, se
necesita habitarlas. Las fotografías son un medio, no la realidad misma.
Así que parece que para la fotografía tampoco hace falta una hermenéutica, sino una
erótica, en ambas formulaciones de la misma (arte y no-arte). Hace falta rechazar lo
aparente de las apariencias paradójicamente, entender, conocer, interpretar más allá de
las mismas. Y no es sino mediante una erótica el único método de habitar la obra
fotográfica. Esta sensualidad que se requiere es delicada, perspicaz y aguda, ve más allá
pero no se limita a la visión. La erótica salvaguarda la dignidad y la conmoción, pues
hace falta una demora.
Hace falta más fotografía de resistencia. Hace falta una erótica y una ecología de la
imagen. Nuevos espacios donde relacionarnos estéticamente fuera de los parámetros
institucionales. Necesitamos una sociedad más lenta y menos cansada, para escapar o
mediar con el mundo de forma auténtica. La fotografía es una forma de estar en sintonía
y a la vez es un diferir, erótico, que hay que cuidar y del que hay que distanciarse para
no ser presa de ella. Es por ello que Sontag no está ni mucho menos en contra de la
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fotografía, sino a favor de afirmarla desde un trato digno y respetuoso, ya no sólo con lo
fotografiado sino con la imagen misma.
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Bibliografía
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