TRADUCIDO AL ESPAÑOL

Versión traducida de tabla de contenidos Objetos y bloques de datos

.xhtml Preferencias de usuario

Tabla de contenidos Capítulo 2: Trabajo con mallas

Portada Polígonos y Subsurfacing

Título de la página Poly-por-Poly Modelos y Modelado Caja

Derechos de autor Problemas comunes y soluciones de modelado de malla

Nota del Editor Capítulo 3: Completar el modelo con materiales, texturas, y

Cabello
Dedicación
Materiales y ranuras de materiales
Agradecimientos
Propiedades de los Materiales
Acerca del Autor
Texturas y mapeado UV
Prefacio
Trabajando con el pelo de partículas
Introducción
Capítulo 4: Armaduras y Rigging
Parte I: Creación de un personaje con Blender
Blender Armature Sistema
Capítulo 1: Conceptos básicos de Blender: Interfaz y Objetos
La construcción de una armadura simple
Áreas de trabajo y tipos de ventana
Rigging Capitán Blender con Rigify
Navegando por el espacio 3D
Capítulo 5: Claves de forma y Rigging Facial Capítulo 8: Animación Facial y Lip Sync

Forma Fundamentos clave Posando Facial

La construcción de un Juego de llaves Forma para el Capitán Lip Sync

Blender
Reproducción
Los huesos faciales y controles
Capítulo 9: Animación de Producción
Deformaciones de malla mejoradas Uso de las teclas
accionadas Forma Trabajar con servidores proxy

Parte II: Bringing It to Life: Animación Uso del editor NLA

Capítulo 6: Conceptos básicos de la animación NLA en acción

Fotogramas clave y curvas de función Capítulo 10: Temas adicionales en la animación de personajes

Uso del editor de gráficos: rebotar una pelota Interactuar con los apoyos

Interpolación y extrapolación Verjas y deformadores de malla

Capítulo 7: Animación Armature Softbodies y METABALLS

Plantear y fotogramas clave con el dopesheet y Editor de Capítulo 11: La iluminación, renderización y edición de la
acciones animación

Caminata y Carrera Ciclos Conceptos básicos de iluminación

Pose a Pose Animación Representación de la animación

Edición en el editor de secuencias Capítulo 15: Detrás de las escenas con Sintel

Capítulo 12: Los scripts de Python y add-ons De Durian a Sintel

Con Add-Ons El Sintel Open Content

El Blender Python API Sintel artistas en sus propias palabras

Aprender más acerca de Blender Python Scripting Capítulo 16: Feifi el canario Plumíferos Takes Wing

Parte III: Blender en Producción Al presentar Feifi

Capítulo 13: Los frutos de la libertad: Películas abiertas y Las deformaciones faciales con Rejas
Contenido Abierto
Rigging una historieta del pájaro
El Instituto Blender
Parte IV: Blender y más allá
La licuadora Abierto Movie Project
Capítulo 17: Otro software y formatos
Licencias libres y de código abierto para el software y
contenido Importación y exportación de otros formatos de archivo

Capítulo 14: Una mirada dentro de las películas de Blender Software de código abierto útil para Blender Artists
abiertas
Mezclando hacia el futuro (cercano)
Aprender de Elephants Dream
Capítulo 18: Recursos para el aprendizaje posterior
Rigs no humanos en Big Buck Bunny y Sintel
Seleccionado Blender Recursos
La línea de producción
Recomendado para no específicos de Blender Books
On Becoming a Master Blender

Índice

Color de inserción
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Prefacio

A decir verdad, la primera vez que he descargado Blender Yo no sabía lo que me estaba metiendo. Pensé que esto sería fácil de
animación! Yo tenía unos 14 años cuando por primera vez trató de Blender, y si no recuerdo mal, fue probablemente alrededor de
un año después de que el software ha sido liberado como código abierto. El primer día pasé cerca de ocho horas tratando de
modelar un cubo, vértice por vértice. Cuando terminé con algo que se parecía más a un huevo revuelto, quite a Blender de mi disco
duro por la frustración. Yo no estaba preparado para Blender, y Blender no estaba preparado para mí. Era torpe e intimidante y
difícil en los ojos.

Pero cuando volví a sólo un par de meses más tarde, con un poco más de paciencia y determinación, me enamoré.

Me siento de una manera que yo he crecido con Blender. Como ya he madurado como artista, he sido testigo del Blender maduro.
A través de los años he sido sorprendido por el ritmo de su desarrollo y la amplitud creciente de su conjunto de características.
Blender ha sido siempre una herramienta 3D capaz, pero creo que es sólo recientemente que realmente se destaca su tierra junto a
sus contrapartes comerciales. He tenido el privilegio de ver el software y hacer crecer la comunidad de Blender.

Como muchos otros, yo estaba asombrado e impresionado por Elephants Dream y Big Buck Bunny. Además de ser grandes películas
en sus propios derechos, ambos proyectos encabezó enormes mejoras en Blender y han demostrado su viabilidad en un entorno de
producción más seria (y completamente de código abierto!). Como un aspirante a cineasta, que estaba motivado en gran medida por
esos proyectos. Es realmente posible hacer películas con el software completamente gratis! Fue un sueño hecho realidad para mí a
participar en el Proyecto tercera película Blender Open, Sintel.

Si algo he aprendido en el proyecto, es que hacer películas es difícil. Animación 3D es un proceso increíblemente complejo, y cada
paso puede ser una lucha tanto en lo artístico como a nivel técnico.
Hay mucho que aprender. Y el aprendizaje requiere tiempo.
Hay una gran variedad de materiales de capacitación por ahí, más o menos con claridad y calidad. Sé que yo personalmente he
tamizado a través de docenas de tutoriales escritos, documentos wiki, y videos, tratando de encontrar la manera de acercarme a mis
proyectos de animación de carácter personal. Animación de Tony Mullen libro Carácter con Blender es la guía autorizada en la parte
técnica de la animación en Blender. Desde la introducción del uso de la interfaz a los pequeños detalles de la creación de drivers para
las teclas de forma de la cara, este libro le guiará a través del complejo panorama de las herramientas de animación de Blender y en
última
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Agradecimientos

Como siempre, agradezco a los desarrolladores de Blender dedicados en todo el mundo que dedican su tiempo y esfuerzo a la mejora
de Blender. Me gustaría dar las gracias a mi editor Mariann Barsolo, gerente editorial Pete Gaughan, director de desarrollo Stephanie
Barton, editor técnico Terry Wallwork, la producción editor Eric Charbonneau, y el resto del equipo de Sybex que hizo posible este
libro. También me gustaría dar las gracias a la comunidad de usuarios de Blender por su apoyo y en especial a los lectores de la primera
edición de este libro, que ofrecieron sus comentarios sobre la forma en que se podría mejorar. Por último, doy las gracias a mi esposa,
Yuka, y mis hijas, Hana y Beni, por su amor y apoyo.

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 Versión traducida de 9781118090633f03.xhtml

Estimado lector,

Gracias por elegir Introducción Animación de personajes con Blender, Segunda Edición. Este libro es parte de una familia de primera
calidad Sybex libros, todos los cuales están escritos por autores destacados que combinan la experiencia práctica con el don de la
enseñanza.

Sybex fue fundada en 1976. Más de 30 años después, todavía estamos comprometidos a producir libros siempre excepcionales. Con
cada uno de nuestros títulos, estamos trabajando duro para establecer un nuevo estándar para la industria. Desde el papel que imprimir,
a los autores con los que trabajamos, nuestro objetivo es brindarle los mejores libros disponibles.

Espero que veas todo lo que se refleja en estas páginas. Yo estaría muy interesado en escuchar sus comentarios y recibir sus
comentarios sobre cómo lo estamos haciendo. No dude en hacérmelo saber lo que piensas acerca de este o cualquier otro libro Sybex
enviándome un correo electrónico a nedde@wiley.com . Si usted piensa que ha encontrado un error técnico en este libro, por favor
visite http://sybex.custhelp.com . Comentarios de los clientes es fundamental para nuestros esfuerzos de Sybex.

Saludos cordiales,

Neil Edde

Vice Presidente y Editor

Sybex, un sello de Wiley

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Acerca del Autor

De Tony Mullen, PhD, tiene una amplia experiencia en trabajos relacionados con CG. Es profesor de Tsuda College y la Universidad de
Arte Musashino, donde sus cursos han incluido modelado y animación con Blender y programación con Python. Mullen ha sido un
dibujante e ilustrador, y sus créditos cinematográficos incluyen escritor, co-director y animador principal en varios cortometrajes,
entre ellos el premiado film live-action/stop-motion Braustache Gustav y el Debilitator automática. Él es el autor de cinco libros
relacionados con Blender de Sybex incluyendo Blender Studio Projects: películas de vídeo digital (con Claudio Andaur) y Bounce,
Tumble and Splash! Simulación del Mundo Físico con Blender 3D.

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Versión traducida de capitulo 01.xhtml
Capítulo 1
BLENDER BASICS: INTERFAZ Y OBJETOS
El primer obstáculo en el aprendizaje de cualquier
pieza compleja de software es familiarizarse con la
interfaz. En el pasado, esto era especialmente cierto en
Blender, que hasta hace poco ganó una reputación de
una interfaz idiosincrásico y desconcertante a menudo.
Con el lanzamiento de la muy esperada Blender 2.5,
esta reputación puede cambiar. Blender 2.5 es el
resultado de miles de horas de diseño, depuración y
codificación, de una recodificación completa de bajo
nivel de Blender de control de eventos del sistema a
un nuevo diseño de arriba hacia abajo de la interfaz
gráfica de usuario (GUI). Los usuarios que vienen de
otro software 3D se siente especialmente bien recibida
por la mejora de la organización de la interfaz y por su
alto grado de personalización.
Mucha de esta personalización es el resultado de una
revisión de Python de Blender API, que permite a los
usuarios avanzados para tener un control casi total
sobre todos los aspectos de la interfaz (así como el
acceso a los datos más 3D) a través del lenguaje de
script Python. Para los usuarios familiarizados con las
ideas detrás de programación orientada a objetos,
muchos aspectos de la organización de Blender será
especialmente intuitivo, como el uso de objetos,
sobrecarga de funciones, y la reutilización de bloques
de datos. Conseguir una buena sensación para estas
ideas y cómo se implementan en Blender aumentará
en gran medida su capacidad de lograr lo que desea.
Yendo más allá de dominar Python scripting le dará
una gran cantidad de potencia adicional sobre el
entorno de Blender. Sin embargo, no es necesario ser
un programador para usar Blender, y este libro no
asume ningún conocimiento de programación.
Fortalezas Blender 2.5 's comenzar con su interfaz, y
también lo hará este libro. Sobre todo, usted aprenderá
haciendo a lo largo de este libro, pero en este capítulo,
echaremos un vistazo rápido a los puntos más
salientes de la interfaz de Blender.
 Áreas de trabajo y tipos de ventana
 Navegando por el espacio 3D
 Objetos y bloques de datos
 Preferencias de usuario
ÁREAS DE TRABAJO Y TIPOS DE VENTANA
La primera vez abiertas las ventanas de Blender, uno o
dos se abrirá en el escritorio del sistema, en función
del sistema operativo que utilice. En Windows, la
ventana principal de Blender aparece delante de la
consola de Blender ventana. En Linux, la consola está
oculto a menos que abra Blender desde la línea de
comandos en una ventana de terminal, en cuyo caso la
consola de Blender es la terminal. En Mac OS X, la
consola no aparece inicialmente, pero se puede
acceder a él desde dentro de las Aplicaciones /
Utilidades directorio. En Windows, la consola es una
ventana sólido negro con texto en blanco. Se debería
leer algo como Encontrado incluido Python y la ruta
de la instalación de Python. La consola muestra la
salida de scripts de Python y el software plug-ins e
integradas, tales como extracción de grasas. A los
efectos del material en este libro, sin embargo, sólo es
necesario saber que no se debe cerrar la consola. Si lo
hace, Blender se cierra bruscamente, y usted puede
perder parte de su obra.
Blender no le pide que guarde los cambios antes de
cerrar. Si cierra sin guardar Blender, simplemente abra
una nueva sesión y seleccionar File ⇒ Recuperar la
última sesión. La sesión de Blender más reciente se
guarda automáticamente en un archivo en el directorio
/ tmp por defecto. Tenga en cuenta, sin embargo, que
en Mac OS X este directorio por defecto se borra cada
vez que se reinicie el equipo.
La otra ventana es la ventana principal de Blender
(que se muestra en la Figura 1-1 ). Si aún no está
maximizada, maximizarla. Blender puede usar todo el
espacio de la pantalla, le puedes dar.
Figura 1-1: Blender escritorio
Ahora está mirando a su escritorio Blender, que
debería aparecer muy parecido a la Figura 1-1 . El
escritorio Blender consiste en una configuración no
superpuesta de ventanas. Por defecto, las ventanas
están dispuestas como se muestra en la Figura 1-2 .
Como se puede ver, cinco ventanas aparecen en esta
configuración. Cada ventana tiene un tipo diferente
editor como se identifica en la figura. Las áreas más
oscuras grises indican la ubicación de la cabecera de
cada ventana. Cabecera se puede mostrar en la parte
superior de una ventana, en la parte inferior de la
ventana, o nada en absoluto. Vas a ver lo que cada
tipo de editor es para dentro de poco.
Figura 1-2: El arreglo de ventanas por defecto
Puede cambiar el tamaño de cada ventana haciendo
clic en uno de los bordes de la ventana y arrastrarlo
para ampliar o reducir el tamaño de la ventana, como
se ilustra en la Figura 1-3 . Puede dividir una ventana
en dos ventanas idénticas haciendo clic en la esquina
superior derecha o inferior izquierda de la ventana y
arrastre en la dirección que desea que la ventana se
divide, como se muestra en la Figura 1-4 . También
puede combinar ventanas que comparten una frontera Figura 1-4: División de una ventana en dos
completa, haga clic en la esquina superior derecha o ventanas idénticas
inferior izquierda y arrastrando al otro lado de la
frontera que desea eliminar, como se muestra en la
Figura 1-5 . De esta forma, puede organizar las
ventanas en el escritorio Blender con mucha libertad.

Obviamente, la división de una ventana en dos

ventanas idénticas es de uso limitado si no se puede
cambiar el contenido de las ventanas, lo que por
supuesto que puedes. Todas las ventanas son iguales
en Blender, y cualquier ventana puede mostrar
cualquier tipo de editor. El tipo de editor en una
ventana particular se determina mediante el icono
situado en la esquina izquierda de la cabecera de la
ventana. Puede seleccionar qué tipo de editor se
muestra escogido desde el menú que se muestra en la
Figura 1-6 .

Figura 1-3: fronteras arrastrar para

redimensionar ventanas
Figura 1-5: La fusión de dos ventanas Los tipos editor son como sigue:

Vista 3D Muestra los objetos y escenas 3D en varios

modos, incluyendo el objeto, Edición y Pose modos.
Este editor permite una variedad de opciones de
visualización, incluyendo la perspectiva de activarse /
dibujo ortográfico (Numpad 5). El acceso directo para
acceder a la vista 3D es Shift + F5.

Línea del tiempo Muestra el progreso a través del

tiempo de una animación. Con este editor, puede
iniciar, detener y frote a través de la animación, y
usted puede introducir directamente el principio, al
final y los cuadros actuales.

Editor gráfico le permite seleccionar y editar las

curvas de animación de función (F-Curves) y los
Figura 1-6: El menú Editor Tipo
conductores. Las versiones anteriores de Blender
tratado esta funcionalidad por medio de curvas Ipo,
pero el sistema antiguo ha sido sustituido por una más
generalizada y potente F-Curve marco. Se puede
acceder al editor de gráficos con Shift + F6.

Dopesheet Proporciona una vista organizada de

conjunto de una escena animada, permite secuencias
de armadura supone para ser almacenados juntos
como acciones para su posterior uso en la animación
no lineal, y le permite ver y editar animaciones de
forma clave. Puede acceder a la dopesheet con Shift +
F12.

NLA Editor le permite combinar acciones y otras

animaciones de una manera no lineal para formar
animaciones complejas.
UV / Image Editor le permite editar la información del
mapeado UV y texturas basadas en imágenes. Se
accede al editor UV / Image Shift + F10 con.
Video Editor de secuencias permite la edición no
lineal, composición y reproducción de secuencias de
vídeo. Pueden pasar todavía-frame o secuencias de
vídeo como entrada. Se puede acceder al editor de
secuencias de vídeo con F8 + Shift.
Editor de texto Permite la edición de texto. A menudo
se utiliza este tipo de editor como un espacio para
notas sobre el blend o para Python scripting. Puede
ejecutar scripts de Python desde el Editor de texto
usando las teclas Alt + P teclas de acceso rápido. El
acceso directo para acceder al Editor de texto es Shift
+ F11.
Editor de Nodos Le permite editar y configurar el
material, la textura y los nodos compuestos. Se puede
acceder al Editor de Nodos con Shift + F3.
Editor de Lógica Permite editar en tiempo real de la
lógica interactiva para el uso en el motor de juegos de
Blender. Se accede al editor de lógica con Shift + F2.
Propiedades Permite ver y editar los valores de
propiedad para una amplia variedad de contextos y
entidades incluyendo objetos, escenas, hacen
contextos, simulaciones, modificadores, restricciones,
materiales, texturas, luces y cámaras. La ventana
Propiedades en gran medida sustituye a la
funcionalidad que se encuentra en la "zona Buttons"
de las versiones anteriores de Blender. Puede acceder
a la ventana Propiedades con Shift + F7.
Outliner Permite una visión general gráfica de todos
los bloques de datos y las relaciones entre ellos, con
múltiples opciones de visualización. Puede acceder a
la Outliner con Shift + F9.
Preferencias de usuario permite especificar las
preferencias de look-and-feel, preferencias de idioma,
los valores predeterminados de ubicación de archivos
y otras preferencias. Puede que aparezca un pop-up
ventana Preferencias pulsando Ctrl + Alt + U.
Información Proporciona una barra de encabezado con
fines generales menús para manejo de archivos,
adición de objetos, renderizado, configuración, ayuda
para la ventana, y la selección de escena. Información
también muestra los diagnósticos sobre el contenido
de la escena y el progreso render, entre otra
información. La ventana de información no contiene
ninguna función que no sea lo que se muestra en el
encabezado.
Explorador de archivos le permite abrir archivos desde
el disco duro y la importación o anexar bloques de
datos de Blender desde archivos en el disco duro.
Console proporciona un completo y funcional Python
intérprete de línea de comandos con acceso a la API
de Python. Puede acceder a la consola con Shift + F4.
El sistema operativo puede tener teclas de acceso
rápido que anulan la teclas de acceso rápido Blender.
Mac OS X en particular utiliza las teclas de función
para funciones distintas de administración de
escritorio. Si desea utilizar los métodos abreviados de
teclado por defecto de Blender, usted tendrá que
desactivar los atajos de OS X en primer lugar.
Consulte la documentación de su sistema operativo X
acerca de cómo hacer esto. Algunos equipos de
escritorio Linux también tienen incorporado teclas de
acceso rápido que se deben desactivar para Blender
que funcione bien, así que por favor consulte la
documentación del gestor de escritorio del sistema.
En este libro, la ventana término se refiere a una
ventana con un editor de tipo activo específico. Por
ejemplo, la ventana de vista 3D plazo se traducirá en
una ventana con el tipo de vista seleccionado editor
3D. Es perfectamente posible tener más de una
instancia del tipo mismo editor se abren en ventanas
separadas que hacen cosas diferentes al mismo
tiempo. Por ejemplo, puede tener dos o más Vista 3D
ventanas abiertas a la vez que mira la escena 3D desde
diferentes direcciones.
Ventana Propiedades
Con el Editor de Propiedades, puede acceder a una
gran cantidad de información sobre muchos aspectos
de la funcionalidad de Blender, y como tal, es un lugar
donde puedes pasar un montón de tiempo. La
información es bastante denso, por lo que vale la pena
tener una idea general de lo que está pasando allí antes
de ir mucho más allá.
El editor de propiedades se pueden mostrar cualquiera
de hasta 11 contextos a la vez. Estos contextos
corresponden con los iconos en la cabecera de la
ventana de propiedades (no todos 11 están disponibles
al mismo tiempo). Características de los contextos
posibles son los siguientes:
 Hacer
 Escena
 Mundo
 Objeto
 Las restricciones de objeto
 Modificadores
 Datos de la
 Material
 Textura
 Partículas
 Física
¿Qué contextos están disponibles depende del tipo de
objeto seleccionado en la vista 3D. A lo largo de este
libro, vas a echar mano de cada uno de estos
contextos. En este libro, por lo general se acortará la
terminología al referirse a las propiedades Render en
lugar del contexto Render del editor de propiedades.
Menús sensibles al contexto
Blender contiene una serie de menús que se puede
acceder en ciertos tipos de ventanas y en los modos
específicos. A lo largo de este libro, que va a utilizar
estos menús para agregar objetos en el modo de
objetos, para llevar a cabo operaciones especiales en
el modo de edición, y con los valores clave para la
animación, entre otras cosas.
Navegando por el espacio 3D
Al igual que con cualquier aplicación 3D, primero
tiene que acostumbrarse a navegar en el espacio 3D en
Blender. Las siguientes son las tres herramientas
principales para hacer esto:
Middle Mouse Button (MMB) gira libremente el
espacio 3D. Por defecto, el espacio 3D se rota
alrededor del origen (en otras palabras, el punto cero)
de todos los ejes. Usted puede optar por tener que
girar alrededor del objeto activo mediante el
establecimiento de la opción de girar alrededor de la
selección en las preferencias de la interfaz de usuario
en la ventana de Preferencias de Usuario.
Ctrl + MMB (o rueda del ratón) acerca y se aleja en el
espacio 3D.
Shift + MMB Pans vista 3D.
Si la opción Emular 3 botones del ratón se selecciona
en la ficha de entrada de las preferencias del usuario,
puede emular el botón central del ratón por Alt + clic.
Esto puede ser útil para los ordenadores portátiles que
no tienen ningún botón central o cuya "botón central"
es una difícil de presionar la combinación de botones
derecho e izquierdo. En el caso de un ratón de un solo
botón de Mac, el clic del ratón es equivalente a hacer
clic. El botón del medio del ratón es Alt +, y se simula
el botón derecho del ratón con Apple (F) + ratón. Esto
no es ideal. Hazte un favor y primavera para un
modelo de tres botones con una buena rueda sólida,
ratón mecánico.
En muchos casos, los atajos de teclado y movimientos
del ratón tener resultados análogos en diferentes
contextos. Un buen ejemplo es el comportamiento de
las teclas Ctrl + Shift + MMB y teclas de acceso
rápido MMB. Como se acaba de mencionar, estas
teclas permiten el zoom y el paneo en la ventana 3D.
Sin embargo, si el ratón está sobre la ventana
Propiedades, han resultado análogo para el zoom y
paneo. Al presionar Ctrl + MMB permite agrandar o
reducir el tamaño vertical de la pantalla Propiedades.
MMB le permite arrastrar la pantalla Propiedades en
la ventana.
Que va a utilizar el cursor 3D con frecuencia (ver
Figura 1-7 ). Usted puede colocar haciendo clic donde
desee en el visor 3D.
Figura 1-7: El cursor 3D
Unidades en Blender
Blender utiliza una unidad de medida, como era de
esperar denomina unidad de Blender (BU). Una
unidad de Blender es el tamaño de un solo cuadrado
en la rejilla de fondo en la ventana gráfica Blender
3D. Si está trabajando en modelos a escala, tiene que
decidir lo que en el mundo real medida a asignar a un
solo BU y luego proporción a su trabajo en
consecuencia. Algunas simulaciones suponen una BU
es igual a 1 metro, al igual que la funcionalidad
Metarig que usted verá en el capítulo 4, así que vale la
pena mantener esta escala en mente, pero no hay nada
estricto al respecto. A BU puede ser igual a lo que en
el mundo real medida que desea. Para los usuarios de
precisión, Blender 2.5 también tiene acceso a las C Círculo de selección
mediciones de unidades métricas e imperiales, así
Ctrl + P Haga padre
como las escalas de medida personalizadas.
Alt + P Padre Clear
Usando teclas de acceso rápido Shift + D Duplicar
Yo Inserte la llave de animación
Usted se dará cuenta que Blender favorece el uso de
una gran cantidad de teclas de acceso rápido. Alt + C Objeto menú de conversión
Memorizar y sentirse cómodo con las teclas de acceso Flecha derecha Avanzar un fotograma
rápido y sus diferentes configuraciones específicas de Flecha izquierda Retroceder un fotograma
su propia máquina es uno de los primeros obstáculos
para aprender a trabajar con Blender. Tabla 1-1 y la Flecha hacia Se desplaza hacia adelante 10
Tabla 1-2 lista los atajos de teclado más importantes arriba cuadros
de Blender. Puede configurar todas las teclas rápidas Flecha abajo Mueva hacia atrás de 10 fotogramas
Blender en las preferencias de los usuarios, pero si Shift + flecha
usted va a utilizar Blender frecuencia, sobre todo si va Ir al último fotograma
derecha
a utilizar varias instalaciones de Blender, entonces te
Shift + flecha
recomiendo que acostumbrarse a los valores por Ir al primer fotograma
izquierda
defecto donde se puede.
0-9/Alt 0 a través
Mostrar capa correspondiente
Tabla 1-1: Teclas de acceso directo comunes a de Alt +9
todos los modos F12 Mostrar imagen renderizada
F11 Hacer
Hotkey Todos los modos
W Ofertas menú
Barra
Función de búsqueda Restringir transformación a (eje
espaciadora X, Y, Z
global seleccionado)
R Girar
Restringir transformación a (eje
S Escala XX, YY, ZZ
local seleccionado)
G Translate (mover) Restringir la transformación que
X Borrar Shift + X, + Y tendrá lugar en el plano
Seleccionar todo / Deseleccionar Shift, Shift + Z, seleccionado por coordenadas
La globales
todos
B seleccion cuadrada Shift + XX, Shift Restringir la transformación que
+ YY, ZZ Shift + tendrá lugar en el plano
 seleccionado por coordenadas cuchillo menú
locales Únete mallas /
Ctrl + J
Mostrar propiedades de curvas
N
transformación Aplicar escala y
Ctrl + A
Shift + S Snap menú rotación
Numpad 1, 3, 7 Frontal, lateral y vista superior Alt + R, Alt Clear rotación, la
Numpad 0 Vista de cámara + G, Alt + traducción clara,
S clara escala
Ctrl + Alt +
Mover la cámara a la vista actual Actualizar archivo
Numpad 0 Ctrl + N
de inicio
Ctrl + numérico Utilice los objetos seleccionados
0 para la vista de cámara Hacer normales
consistente;
Tabla 1-2: Teclas de acceso rápido específica para recalcular las
oponerse y modos de edición normales fuera
Ctrl + E Bordes
Hotkey Objeto modo El modo de edición Alt + S Engordar / reducir
Entra en el modo Entra en el modo Ctrl + S Esquilar
Lengüeta
de edición Objeto
F Hacer Edge / Face Puede encontrar información sobre teclas de acceso
Selección rápido y editarlos en el área de configuración de mapa
independiente de de teclado de la ficha Entrada de la ventana de
P Jugar Preferencias de Usuario. Para los usuarios de
malla en un objeto
nuevo ordenadores portátiles o de uno o dos botones
dispositivos de ratón, algunas combinaciones de teclas
Seleccione vértices adicionales también son necesarios. Las instrucciones
L
enlazados de este documento presuponen que usted tiene un
Mover el objeto a ratón de tres botones y un teclado numérico separado,
M
la capa nueva pero voy a señalar cómo simular las combinaciones de
U Deshacer teclas si no lo haces. Con un poco de tiempo siguiendo
las instrucciones de este manual, las teclas de acceso
E Extrudir
rápido comenzará a venir naturalmente, y la velocidad
V Rip malla y facilidad con que se puede trabajar con Blender
K Corte Loop / aumentará enormemente. Si usted ha hecho la
animación en 3D software otra parte, es probable que
tenga una buena idea de cuál de estas teclas que
utilizará con más frecuencia. Si usted es nuevo en el
campo, le espera para familiarizarse con el R, S, y las
teclas G para rotar, escalar y mover las cosas, así
como con la tecla I para los marcos de codificación
para la animación.
Capas
En la cabecera de la ventana 3D hay 20 pequeños
botones cuadrados, divididos en 4 filas de 5 botones.
Estos botones de alternar la visibilidad de las capas
individuales en una escena.
Las capas permiten separar los objetos en la vista 3D
para que usted puede ver algunos objetos pero no
otros. La terminología es un tanto arbitraria; capas en
Blender son agrupaciones utilizadas para ocultar o
mostrar objetos específicos y para controlar qué
objetos interactúan con ciertas simulaciones y efectos
de iluminación. Pueden ser útiles para organizar su
trabajo durante la edición y también durante la
animación. Puede restringir las luces para iluminar los
objetos sólo en la misma capa que la luz, que es una
herramienta indispensable en la iluminación.
Asimismo, puede limitar fuerzas tales como los
efectos del viento, guías de curva, y los efectos de
colisión (que se analizan más adelante en este libro)
para afectar solamente los objetos en su propia capa.
Puede alternar las capas que son visibles en el visor
3D y al procesador utilizando los botones
mencionados anteriormente o utilizando las teclas de
números del teclado (no del teclado numérico). Puede
alternar varias capas a la vez haciendo Shift + clic
sobre los botones. La fila superior de las capas
corresponde a las teclas de números del teclado 1 a 0.
La fila inferior de las capas corresponde a Alt +1 a Alt
+0. En general, se utiliza el teclado numérico para
cambiar las vistas, y utiliza los números del teclado
para cambiar las capas. Usted puede utilizar el ingreso
de números en un campo de texto, por ejemplo.
Si accidentalmente se pulse una tecla numérica del
teclado que no sea la capa que se está trabajando,
puede ser un shock cuando todos los objetos de
repente desaparece de la ventana de la vista 3D! No
entre en pánico, simplemente volver a la visualización
de la capa de su trabajo fue el de utilizar los botones
de capa.
Usted puede enviar un objeto a una capa diferente
seleccionando el objeto y pulsando la tecla M. Un
cuadro de diálogo muestra los botones de capa en el
mismo orden en que aparecen en la cabecera 3D
Viewport. Simplemente haga clic en las capas que
desea enviar el elemento, manteniendo la tecla Mayús
para seleccionar varias capas y haga clic en Aceptar.
Un objeto que puede residir en tantas capas como
desee.
Puntos de vista y perspectiva
Hay varias maneras de ver la escena. Al abrir Blender
inicialmente, la vista predeterminada muestra la
escena en la vista en perspectiva, en la que las
longitudes y tamaños se ven afectados por su distancia
al espectador y lo más lejos aparecen más pequeños, al
igual que en la naturaleza. Para cambiar al modo
ortográfico, presione 5 en el teclado numérico. Este
modo proporciona una vista ortográfica menos realista
que puede ser más fácil de trabajar.
Es posible hacer zoom más allá del límite vista en
perspectiva y se encuentra atrapado. Si su punto de
vista parece congelado o difíciles de controlar, este es
probablemente el problema. Simplemente presione 5
en el teclado numérico para cambiar a la vista
ortográfico, y luego ampliar su punto de vista fuera.
También puede pulsar la tecla de inicio para traer toda
la escena a la vista.
Utilizando el teclado numérico, puede cambiar la vista
para seguir el x-, y-, o eje z. Los cambios claves
numéricas 1 de la vista para mirar hacia abajo el eje
(vista frontal) y numérico 3 cambiará la visión de
seguir el eje X (derecha). Manteniendo pulsada la
tecla Ctrl mientras pulsa estos números cambia la vista
a sus contrarios respectivos, mirando el eje de la
dirección negativa. Numérico 2 y 8 rotar la escena
verticalmente con respecto a la vista 3D, y numérico 4
y 6 rotar la escena horizontalmente.
cámara está en una capa visible, un rectángulo sólido
también aparece, que representa la cámara. Puede
hacer clic en este rectángulo para seleccionar la
cámara, al igual que cualquier otro objeto. Desde otros
puntos de vista, se puede colocar la cámara en la vista
actual pulsando Ctrl + Alt + numérico 0, lo que
también le pondrá automáticamente en vista de la
cámara. También puede utilizar las teclas Ctrl +
numérico 0 para colocar cualquier objeto en la cámara
activa. Puede usar este atajo para cambiar de cámara,
pero también se puede utilizar para comprobar el
punto de vista de otros objetos, que pueden ser útiles
para los objetos de dirección, tales como reflectores.
Figura 1-8: vista de la cámara

Si utiliza un ordenador portátil sin un teclado

numérico, estableciendo la preferencia Emulate
Numpad usuario le permitirá cambiar de vista y
utilizar los números del teclado ordinario. Si
selecciona esta opción, los números del teclado ya no
cambiar las capas visibles. Yo rara vez uso de
números del teclado para establecer la visibilidad de
capa, así que siempre elige esta opción.
Interactuar con objetos 3D
La tecla 0 en el teclado numérico cambia al punto de
vista de cámara activa. Un rectángulo de puntos En la barra de título de la ventana de vista 3D, hay un
enmarca la vista, lo que indica el área de vídeo de menú desplegable para seleccionar el modo. El modo
seguridad, como se puede ver en la Figura 1-8 . Si la por defecto para empezar es el modo de objetos, en el
que puede seleccionar y manipular objetos y las
relaciones entre ellos.
Puede seleccionar objetos de varias formas. La forma
más sencilla de seleccionar un solo objeto es el botón
derecho del ratón. Si mantiene Shift, puede agregar
objetos individuales a la selección. Los objetos
seleccionados se resumen en tonos de naranja. El
último objeto seleccionado se indica en un color
naranja más ligero, lo que indica que está activa. Para
que uno de los otros objetos seleccionados el objeto
actualmente activo, Shift + clic derecho en él. Shift +
clic derecho en el objeto activo para eliminarlo de la
selección. Pulsando la tecla Z, puede alternar entre el
alambre y puntos de vista sólidos. En vista sólido, no
se puede seleccionar objetos que están completamente
oscurecidos desde el punto de vista de otros objetos.
Usted debe mover la vista a un lugar donde se puede
llegar al objeto o escriba vista alámbrica. Alt + clic
derecho en un lugar con más de un objeto
seleccionable le permite seleccionar de una lista de los
objetos.
También puede seleccionar objetos con la herramienta
Cuadro de selección, al presionar el botón B una vez.
Con esta herramienta, arrastre un cuadro sobre un área
de la pantalla y luego seleccione todos los objetos
visibles dentro de la caja. Mantenga pulsado el botón
izquierdo del ratón mientras arrastra la caja para cubrir
la selección. Al pulsar la tecla B y luego arrastrando la
caja con el botón central del ratón utiliza la caja para
deselección. Hay varias formas de manipular la
ubicación, la rotación, y el tamaño de los objetos, y es
enteramente una cuestión de preferencia personal de
cual usar.
Teclas de acceso directo
Las siguientes son algunas de las teclas de acceso
rápido que pueden ser útiles:
 Para girar, pulse la tecla S una vez, y girar el
objeto con el ratón. El eje de rotación por
defecto es el ángulo actual de la vista 3D.
Después de girar el objeto de la forma que
quieras con el ratón, haga clic para aceptar la
nueva rotación, de lo contrario, haga clic para
salir de la rotación sin hacer el cambio.
 Para traducir o cambiar la ubicación de un
objeto en el espacio 3D, la tecla de acceso
directo es G (para "agarrar"). Pulse esta tecla
una vez y mover el objeto con el ratón. Al igual
que con la rotación, al hacer clic finaliza la
jugada, y haga clic en ella aborta.
 Para escalar un objeto, la tecla de acceso directo
es S. Una vez que haya pulsado la tecla S,
moviendo el ratón más cerca del punto de giro
se reduce la escala del objeto, y moviendo el
ratón más lejos del punto de pivote amplía el
objeto. Una vez más, al hacer clic finaliza, haga
clic aborta.
Manipuladores de movimiento
Blender también proporciona los widgets manipulador
se muestra en la Figura 1-9 para rotar, trasladar y
descamación. Puede alternar estas tres manipuladores
y desactivar de forma independiente mediante el uso
de los botones en la Figura 1-10 . Para utilizar un
manipulador, haga clic en la parte coloreada del
manipulador del eje sobre el que desea realizar la
operación. En el caso de la traducción, haga clic en la
flecha de color en el eje correspondiente, en el caso de
la escala, haga clic en el rectángulo de color, en el
caso de la rotación, haga clic en la curva de color que
rodea el eje que desea rotar el objeto alrededor.
Figura 1-9: Los widgets manipulador: (a) la
rotación, (b) la traducción, (c) Escala
Figura 1-10: Los botones de selección de manipulador
La restricción a los ejes
Al girar, traducir, o la escala, a menudo se desea
restringir la operación a un eje determinado o para
fijar un eje mientras se opera en los otros dos. Para
seleccionar un eje para girar, escalar, o trasladarse a lo
largo, prensa X, Y, o Z después de pulsar la R, S o T.
Esto restringe la operación al eje global. Presione dos
veces la tecla del eje para restringir la operación a lo
largo del eje local correspondiente del objeto. Para
escalar o trasladarse a lo largo de un plano, pulse la
tecla Mayús y la tecla correspondiente al eje que no
quieren cambiar. Por ejemplo, para escalar un objeto a
lo largo de sus xey ejes, oprima S seguido de Mayús +
Z.
Pivot Point
El punto de pivote es el punto alrededor del cual se
calculan rotaciones, y también se utiliza como punto
de referencia para la escala. Usted puede elegir el
punto de utilizar como punto de referencia en el menú
desplegable se muestra en la Figura 1-11 . El valor
predeterminado, punto medio, es un punto calculado a
estar en el centro de su selección entera. Si tiene
varios objetos seleccionados, el punto medio está en
algún lugar entre todos ellos. Usted puede elegir que
los objetos giran independientemente alrededor de su
propio centro, en torno al objeto activo, alrededor del
cursor 3D, o por el centro del cuadro delimitador del
objeto. El pivote por defecto punto medio, que se
puede configurar con la combinación de teclas Shift +
coma, es el más utilizado, pero en este libro que de
vez en cuando cambiar el punto de giro para el cursor
3D para fines específicos, que se puede configurar con
el teclado período clave.
Figura 1-11: Selección del pivote en el menú
desplegable
Centros de objeto
Cada objeto tiene un centro. El centro es el punto en
torno al cual gira el objeto de forma predeterminada, y
la ubicación del centro se considera que es la
ubicación del objeto. Al traducir y girar en el modo de
objetos, las acciones se llevan a cabo en el objeto. Sin
embargo, en el modo de edición, puede mover la
porción de 3D del objeto (por ejemplo, en el caso de
un objeto de malla, al seleccionar y mover toda la
malla en el modo de edición) sin mover el centro.
Cuando usted hace un montón de edición, esto puede
suceder fácilmente y causar mal colocados centros que
pueden causar un comportamiento inesperado con
objetos. Puede establecer el origen ya sea usando el
botón Estante de Herramientas o mediante el uso de la
tecla de acceso directo Mayús + Ctrl + Alt + C en la
ventana gráfica 3D región, que se abrirá un menú de
opciones para establecer el origen.
Emparentando
Ser padres es una forma importante de crear relaciones
entre objetos (y algunas otras entidades). Usará los
padres a menudo en modelar, animar y texturizado.
Cuando un objeto está vinculado con otro, puede
hacer referencia al primer objeto que el niño y el
segundo objeto como el padre. En este caso, los
movimientos del objeto secundario se consideran sólo
en relación con la matriz. Al traducir, rotar o escalar el
objeto principal, hacer lo mismo con el objeto
secundario. Sin embargo, la relación no es simétrica.
Como una luna alrededor de un planeta, el objeto
secundario puede mover o girar en relación con el
objeto principal sin influir en el objeto principal. Para
definir una relación de padre, seleccionar más de un
objeto. El objeto activo es el último objeto
seleccionado, y por defecto se resalta con un color
naranja más claro que los objetos previamente
seleccionados. Presione Ctrl + P a los padres todos los
objetos seleccionados al objeto activo, es decir, los
objetos seleccionados todos los objetos secundarios
para convertirse en el objeto activo. Dicho de otra
manera, el objeto seleccionado se convertirá en el
último padre de los demás objetos. En el caso de los
dos objetos, el primer objeto seleccionado está
vinculado con el segundo objeto. Para eliminar una
relación de padre, seleccione los objetos y pulse Alt +
P para abrir un menú de opciones para la limpieza de
las relaciones de los padres.
Ser padre no se limita a sólo objeto / objeto las
relaciones. Los vértices o los huesos pueden ser
padres a objetos. Hay dos tipos de crianza: vértice de
un solo vértice para padres y madres de triple vértice.
Con un solo vértice de crianza, el objeto parented
sigue sólo la ubicación de los padres vértice. Triple-
crianza vértice permite que el objeto de seguir la
localización y la rotación de la tríada de vértice a la
que se criaron. Va a ver un ejemplo de los padres
vértice en el Capítulo 3.
Del mismo modo, la paternidad ósea permite que un
objeto de estar en una relación de padre con un solo
hueso en una armadura. En la crianza hueso, el objeto
emparentado hereda la ubicación, rotación y otras
cualidades (como la compresión y extensión) del
hueso principal. Verá ejemplos de paternidad hueso en
el capítulo 4.
Objetos y bloques de datos
Objetos y bloques de datos son los bloques de
construcción fundamentales para todo lo que va a
hacer en Blender. No es un sistema complicado, pero
la comprensión de cómo todo se mantiene unido hace
que sea más fácil trabajar de manera eficiente. En este
capítulo se describen los objetos y datos de objetos e
introduce las ideas de los bloques de datos y enlace.
Más adelante en el libro, verás un montón de bloques
de datos más-de hecho, casi todo lo que veremos será
una especie de bloque de datos, por lo que ayuda a
tener una idea de lo que significa el concepto de
Blender.
A menudo se deben realizar ajustes en el modelado de
un personaje en medio de una animación. Es posible
que desee hacer esto para un número de razones. Para
reducir el tiempo de renderizado o animación, es
posible que desee bloquear una escena con una
versión más simple del carácter que en última
instancia va a utilizar. Puede que tenga que arreglar el
texturado o problemas de modelado que no te diste
cuenta antes de empezar a animar. Además, con
involucrado, el equipo de proyectos basados en
animación, un cierto grado de flexibilidad
probablemente se requiera en términos de ordenar
tareas, de modo que todos los participantes puedan
hacer un uso eficiente de su tiempo. Permitir a los
animadores para trabajar con deformaciones armadura
de objetos de malla, mientras que otros artistas son el
modelado, rigging, y el perfeccionamiento de las
mallas sí mismos, pueden ahorrar un tiempo
considerable. En particular, utilizando bloques de
datos asociados pueden eliminar la necesidad de
reeditar el bloque de datos o reappend mismo en
diferentes escenas o tomas. Por estas razones, la
comprensión del objeto subyacente de Blender y
organización bloque de datos puede ser muy útil.
En Blender, la entidad básica en 3D es un objeto. Hay
un número de diferentes tipos de objetos, cada uno de
los cuales tiene diferentes características y diferentes
tipos de datos asociados con él. Todos los objetos
tienen las características de ubicación, rotación y
tamaño.
Además de la ubicación, escala y rotación, cada objeto
3D está asociada con un bloque de datos de la
información específica de su tipo. En el caso del
objeto de vacío, no hay ninguna otra información
además de esta información de objeto 3D de base.
Tipos de objeto 3D se incluyen los siguientes:
 Mallas
 NURBS curvas / superficies
 Curvas de Bézier
 Metaobjetos
 Armaduras
 Rejas
 Los objetos de texto
 Envases
 Cámaras
 Lámparas
Todos los objetos tienen ciertas propiedades. Cada
objeto tiene un lugar, que es el punto en el espacio de
centro del objeto. Cada objeto tiene un tamaño
definido en términos de por ciento de su tamaño en el
momento de su creación. Cada objeto tiene una
rotación, que es la diferencia entre los ángulos de sus
ejes locales y los ejes globales del espacio 3D.
Todos los objetos de un tipo particular también tienen
tipos específicos de bloques de datos asociados con
ellos. Un objeto de malla requiere un bloque de datos
de malla, por ejemplo, y un objeto de la lámpara se
requiere un bloque de datos de la lámpara. Este bloque
de datos contiene información relativa a la cosa
misma. Las propiedades específicas a una malla, como
la colocación de sus vértices y caras, están contenidos
en el bloque de datos de malla. Un bloque de datos
objeto de la lámpara también contiene información
sobre el tipo de fuente de luz y sus propiedades.
Mallas y objetos de malla
Es fácil confundirse entre el objeto y el bloque de
datos del objeto de tipo específico, pero la distinción
es importante. Es una abreviatura común, por ejemplo,
para hacer referencia a un objeto de malla
simplemente como una malla, pero estrictamente
hablando, una malla en Blender se refiere al bloque de
datos de malla asociados con el objeto de malla.
Para ver un ejemplo de los objetos de malla y los
bloques de datos abierta, Blender y dividir la ventana
Propiedades en dos. Seleccione el cubo por defecto en
la vista 3D, haga clic en el cubo. En una ventana
Propiedades, elija el contexto del objeto propiedades,
y en la ventana Propiedades del otro, mire el contexto
de datos de objeto, como se muestra en la Figura 1-12
. Los campos resaltados en que figura indican el
nombre del objeto y el nombre del bloque de datos de
malla. Ambos leer Cube. Dado que los objetos y
bloques de datos tienen espacios de nombres
separados, no es un problema para ellos ser
identificado de forma idéntica, de hecho, la mayor
parte del tiempo, es intuitivo, por lo que debe ser
identificado de forma idéntica.
Figura 1-12: Visualización de propiedades de los
objetos y las propiedades de objetos de datos
Ahora bien, en el modo de objetos, haga clic para
colocar el cursor 3D a un lado del cubo por defecto,
presione Shift + A para abrir el menú Agregar y
agregue una malla de cono, como se muestra en la
Figura 1-13 . Seleccionar la opción Cap Final en el
estante de herramientas cuando se añade el cono de
manera que el cono es una malla sólido cerrado.
Tenga en cuenta que el nombre de la malla y el
nombre del objeto, como era de esperar, son Cone,
como se puede ver en la figura 1-14 . (Si se agrega
otro objeto del mismo tipo, Blender añade
automáticamente el sufijo .001 al final del nuevo
nombre y se incrementa para cada nuevo objeto
posterior.)
Figura 1-13: El menú Añadir (Shift + A)
Seleccione el objeto de malla Cube pulsando el botón
derecho del ratón. Haga clic en el icono de triángulo
de malla pequeña a la izquierda del nombre del bloque
de datos en la ventana de datos de propiedades del
objeto, como se muestra en la figura 1-15 , un menú
desplegable que aparece con los nombres de
camionero. En el menú desplegable, Cone será una
opción. Seleccione esta opción y el objeto Cube es
ahora un cono! No sólo es un cono, pero es el mismo
cono como el objeto del cono. Si edita la malla en uno
de estos objetos, mallas ambos objetos "será editado,
como se puede ver en la figura 1-16 .
Figura 1-14: Los nombres de los objetos y bloque Figura 1-15: El nombre del bloque de datos en el
de datos visibles en la ventana Propiedades menú desplegable
Aunque los datos de malla es idéntico, los objetos son Figura 1-16: Edición de la malla
todavía muy independiente. Para ver esto, en el modo
de objeto, seleccione el objeto Cube. Presione S y
escala del objeto a casi el doble de su tamaño. Ahora
usted tiene un cono grande y un pequeño cono. Esto se
debe a malla ediciones se realizan en el bloque de
datos de malla, que ahora se comparte entre los
objetos, mientras que la escala global es una
propiedad a nivel de objeto. Volver a la malla en el
menú desplegable en el objeto Cube y ver las
opciones.

En el menú desplegable, hay dos opciones: Cono y

Cube. Seleccione la malla Cube en el menú
desplegable. Ahora el objeto Cube se asocia de nuevo
con una malla de cubos. Sin embargo, el cubo es ahora
el doble de grande que era antes, porque la escala que
hizo en modo Objeto aplica al objeto en lugar de la
malla.
Gestión de bloques de datos
La explotación de esta distinción entre objetos de
Bloques de datos describen la mayoría de los aspectos
malla y las del dispositivo se puede ser muy útil para
de modelado y animación en Blender. Los materiales,
la animación de personajes, ya que ayuda a mantener
texturas, curvas Ipo, y las acciones son ejemplos de
un flujo de trabajo flexible y modular. Un modificador
bloques de datos que pueden ser libremente asociados
de armadura, como se verá más adelante en el libro,
con cualquier número de objetos diferentes después de
opera en un objeto de malla, lo que significa que usted
ser creado (ver Figura 1-17 ).
puede reemplazar la malla en el medio de una
animación simplemente mediante el canje de un
bloque de datos de malla nuevo en los datos de objeto
para el objeto animado.

Usted aprenderá más acerca de estas mallas en el

capítulo 2, por lo que es una buena idea guardar este
archivo. Mezcla ahora para que pueda volver a ella
más tarde.
Figura 1-17: (a) La malla de cubo por defecto tiene un
usuario, el objeto Cube. Si se desvincula de este
objeto, no se conserva después de cerrar el archivo
porque no tiene usuarios. (B) moviendo el botón F, un
falso usuario se añade (el 2 se refiere al número de
usuarios para que bloque de datos). Ahora, incluso si
no hay usuarios reales del bloque de datos, persiste
debido a que su número de usuarios no es cero.
En el ejemplo anterior, el bloque de datos de malla
Cube ya no está asociado con ningún objeto. Blender
descarta bloques de datos no utilizados cuando se
apaga, así que si usted guarda el archivo y, a
continuación, apague y reinicie Blender con las cosas
en ese estado, esta malla se ha ido. De hecho, no hay
manera de eliminar esos bloques de datos activa, sino
que permanecerá "viva" hasta que Blender se cierra. Si
desea purgar bloques de datos no utilizados totalmente
sin dejar de Blender, puede guardar y volver a abrir el
archivo.
A veces, usted desea mantener un bloque de datos en
la mano, aunque no tiene un objeto de usuario. Si
quieres un bloque de datos utilizado para persistir
después de guardar, debe crear un usuario falso para
él. Para los bloques de datos que pueden ser retenidos
de esta manera, como los mencionados anteriormente,
hay un botón al lado del bloque de datos en el menú
desplegable con la letra F, como se muestra en la
Figura 1-17 . Seleccionar el bloque de datos que desea
hacer F persistente y haciendo clic crea un usuario
falso para el bloque de datos de modo que no se
descartará al apagar el equipo.
Outliner Ventana
En algunos casos, tales como acciones, Blender crea
un falso usuario en forma automática cuando el bloque
de datos se crea. En este caso, es posible que desee
eliminar un usuario falso para eliminar el bloque de
datos no deseado. Para ello, se utiliza la ventana
Outliner bloques de datos en la vista. Bloques de datos
están organizados por tipo. Puede navegar hasta el
bloque de datos que desea cambiar y elegir si debe
tener un usuario falso usando la casilla de verificación
correspondiente. Figura 1-18 muestra la casilla de
verificación de la malla del cubo en la vista de bloques
de datos de la Outliner. En muchos casos, un icono F
se muestra junto a las menciones de un bloque de
datos. En estos casos, puede eliminar usuarios falsos
haciendo clic en el icono F.
Figura 1-18: Vista bloques de datos en la ventana
Outliner
La ventana Outliner también ofrece varios otros
puntos de vista organizados de los datos en el archivo.
Blend. De forma predeterminada, se abre con las
escenas Todo vista seleccionada, como se muestra en
la Figura 1-19 , pero se puede seleccionar entre los
diferentes tipos de información para ver a través del
menú desplegable.
A la derecha de cada objeto 3D en la vista de escena
hay tres iconos: un ojo, una flecha y una cámara. El
icono de ojo activa la visibilidad del objeto en el visor
3D. El icono de la flecha cambia selectability en el
visor 3D. El icono de la cámara alterna si el objeto se
va a representar.
Figura 1-19: La ventana Outliner mostrando toda
la información escena
Acceso a datos de diferentes archivos
A menudo necesitan tener acceso a los objetos o
bloques de datos de otros archivos. Proyectos de
animación pueden obtener rápidamente demasiado
grande para almacenar archivos en mezclas simples.,
Y sin embargo muchos diferentes escenas y tomas
pueden compartir los mismos elementos principales.
Puede acceder a bloques de datos entre los archivos
separados en Blender de varias maneras.
La primera y más simple es el uso de datos anexados.
Para añadir un bloque de datos desde otro archivo,
seleccione Agregar en el menú Archivo o pulse Mayús
+ F1. Una ventana de explorador de archivos se abre,
en la que se puede acceder. Blend almacenados en su
ordenador y su contenido. En la ventana del
Explorador de archivos, al hacer clic en el nombre de
un archivo. Blend, verá una lista de los tipos de bloque Figura 1-20: botón Añadir a Grupo
de datos, tal y como si fueran directorios. Introduzca
el directorio tipo apropiado, usted verá una lista de los
bloques de datos de este tipo disponible para anexar.
Aquí hay otro lugar para ser consciente de la
diferencia entre los objetos y los bloques de datos de
tipos de objeto. Si desea añadir un objeto de malla de
otro archivo, por ejemplo, se encuentra el objeto en el
directorio Tipo de objeto en lugar del directorio tipo
malla.

Otro enfoque para el uso de datos en archivos

separados es mediante la vinculación de los bloques
de datos. La vinculación se puede hacer de manera
similar a añadir, excepto que en el encabezado de
Explorador de archivos, el botón de enlace se
selecciona en lugar de anexar y la zona de la Preferencias de usuario
plataforma de herramientas a la izquierda del
Puede acceder a la ventana de Preferencias de Usuario
navegador contiene las opciones relacionadas con la
de varias maneras. Debido a que es un tipo de editor
vinculación. En este caso, los datos sólo se pueden
normal, puede seleccionarlo en cualquier ventana
modificar en el archivo del cual estaba enlazado
mediante el menú Tipo Editor. También puede
originalmente, y todos los cambios aparecen en los
acceder a él en una ventana propia o bien accediendo
archivos que vinculadas a los datos. La tecla de acceso
al menú Archivo en la cabecera de información o
directo para la vinculación es Ctrl + Alt + O.
presionando Ctrl + Alt + U.
Grupos
La ventana de Preferencias de Usuario está organizado
Los objetos pueden ser reunidas en grupos con en siete paneles, consultado por botones en la parte
nombre utilizando el botón Añadir a grupo en el área superior de la ventana, como se muestra en la Figura
Propiedades de objeto, como se muestra en la Figura 1-21 .
1-20 . Grupos mismos puede ser tratado como un tipo
Interfaz Te da opciones relacionadas con la interfaz
de objeto al anexar, lo que le permite añadir
gráfica de usuario de Blender y la interacción con el
colecciones enteras de objetos fácilmente.
espacio 3D. Algunas de estas opciones se explican por
sí, y todos ellos son una cuestión de gustos, así que
experimenta con diferentes configuraciones. Te
recomiendo que revise el Girar alrededor opción
Selección, especialmente si usted planea hacer el
modelado de malla. Esto asegura que todo lo que están
trabajando en las estancias centradas en la pantalla
cuando se gira el espacio.
Figura 1-21: La ventana de Preferencias de
Usuario
Presenta opciones de edición para editar objetos, las
curvas de animación, dibujos a lápiz de grasa, y otro
tipo de edición. Ajustes para la función Deshacer
También se puede acceder en este panel. Puede ajustar
esta configuración para ahorrar memoria, pero yo
recomiendo mantener los pasos para deshacer lo más
alto de sus recursos lo permitan.
Entrada presenta opciones relacionadas con la entrada
del usuario. Puede encontrar las opciones para Emular
ratón de 3 botones y Emular teclado numérico en este
panel. Se puede cambiar entre trackball y estilos
giradiscos órbita para hacer girar el espacio 3D.
Ajuste de Blender por defecto es trackball, que puede
desorientar a los usuarios de otro software 3D que
utiliza el estilo de placa giratoria más restringido de
órbita 3D.
Este panel es también donde usted puede establecer
sus preferencias para las combinaciones de teclas de
acceso rápido. Las teclas de acceso directo están
organizadas en una estructura de árbol funcionalidad
basada. Puede acceder a la configuración de teclas de
acceso rápido para cada área de funcionalidad
haciendo clic en el triángulo situado junto a la etiqueta
de la funcionalidad para revelar la lista completa de
teclas de acceso rápido relacionadas con esa
funcionalidad. Figura 1-22 muestra la configuración
de teclas de acceso rápido para guardar un archivo de
Blender revela bajo la funcionalidad Ventana lista. La
combinación de teclas predeterminada para guardar es
Ctrl + S. Como se puede ver en la figura, a la vez
pulsada la tecla y la tecla de ayuda se pueden editar en
el panel, así como algunas opciones específicas a la
funcionalidad. Además, la llamada Python relacionado
con esta función también se muestra, por lo que este
panel una referencia práctica rápida para scripters
también.
Add-Ons que permite seleccionar los complementos
que estarán disponibles en el entorno de Blender.
Complementos proporcionar funcionalidad adicional
codificada en Python, y se integran perfectamente en
la interfaz de Blender. Por ejemplo, algunos
complementos de malla proporcionan una selección de
primitivas de malla adicionales disponibles a través
del menú Agregar.
Temas Le permite ajustar los colores y algunas otras
propiedades de los elementos visuales de Blender. Los
elementos visuales de todos los tipos editor se puede
ajustar de esta manera.
Figura 1-22: Edición de la combinación de teclas
rápidas para guardar un archivo de Blender
Archivo Permite el acceso a las preferencias
relacionadas con los archivos, incluyendo las rutas de
archivos predeterminados y opciones para el número
de versiones de copia de seguridad para guardar y con
qué frecuencia autoguardado.
Sistema Le da acceso a algunas preferencias diversos,
tales como las preferencias de manejo de sonido,
iluminación y OpenGL recorte en la ventana 3D, el
tipo de selector de color, rango personalizado peso
pintura, y de bajo nivel de preferencias del sistema
operativo relacionados. Como nuevo usuario de
Blender, es probable que no haya muchos motivos
para variar esta configuración de los valores
predeterminados.
Después de tener la configuración de la manera que le
guste, pulse Ctrl + U o haga clic en Guardar como
predeterminado en la parte inferior de la ventana User
Preferences. Al hacer esto, todo el estado actual de
Blender (excepto para la ventana de Preferencias de
Usuario en sí) se guardará como el estado por defecto
cuando se abre Blender. Esto significa que cualquier
modelo o escena 3D en la ventana gráfica también se
puede cargar como el estado por defecto de Blender.
Para volver a su estado inicial al original por defecto,
seleccione Archivo ⇒ Ajustes de fábrica de carga en
el encabezado de Información. Puede guardar este
estado de nuevo pulsando Ctrl + U.
Usted debe experimentar con las opciones de usuario.
Hay mucho para jugar con, en términos de apariencia.
Siempre y cuando no se presiona Ctrl + U, todos los
ajustes volverán a sus valores predeterminados en el
siguiente inicio. Para el resto de este libro, se supone
que la mayoría de las cosas en su configuración por
defecto, y las cifras de todos mostrará el tema por
defecto.
Ahora que hemos visto los conceptos básicos de la
interfaz de Blender y el sistema de bloque de datos,
usted está listo para ensuciarte las manos y comenzar
a modelar.
Versión traducida de capitulo 02.xhtml
Capítulo 2
TRABAJAR CON MALLAS
En Blender, como en muchos programas de animación en
3D, el tipo de objeto de base en modelado de personajes es
la malla. Dos de las principales herramientas de Blender de
animación de personajes, armaduras y las claves de forma,
son los más adecuados para su uso con mallas. Por esta
razón, aunque se pueden utilizar técnicas-tales como el
modelado NURBS, curvas de Bézier y metaballs
personajes animados que utilizan estas herramientas se
crean normalmente como mallas poligonales en Blender.
Tal vez por ello, las herramientas de modelado de malla de
Blender han alcanzado un mayor nivel de usabilidad de sus
herramientas de modelado.
Este capítulo trata de las principales herramientas de
Blender para modelado de malla orgánica. Te vas a ver a
varios enfoques diferentes, y al final se han construido una
malla de carácter bastante complejo, lo que se quiere
textura, aparejo, y animar en capítulos posteriores. Si
prefiere omitir estos tutoriales de modelado y llegar
directamente al siguiente paso, compruebe el DVD para el
archivo. Blend para empezar. Los tutoriales de este
capítulo debe dar lugar a la misma malla que se encuentra
en el archivo de CB-Modelo-base_mesh.blend, así que
usted puede utilizar ese archivo para iniciar el capítulo de
tutoriales que viene. Sin embargo, si usted está interesado
en conocer a los personajes en Blender modelo, siga los
tutoriales en este capítulo antes de pasar, y utilizar el
archivo. Mezcla como referencia adicional.
 Polígonos y Subsurfacing
 Poly-por-Poly Modelos y Modelado Caja
 Problemas comunes y soluciones de modelado de
malla
POLIGONOS Y SUBSURFACING
Modelado poligonal se refiere a formas de modelado
definidos como colecciones de vértices conectados por
bordes rectos, los cuales a su vez forman caras poligonales.
Estas formas se denominan mallas. Edición de una malla
implica agregar, quitar o mover vértices, aristas y caras.
El tiempo que tarda el ordenador para calcular la
información en 3D sobre una malla depende
principalmente del número de vértices (vértices) en la
malla. Por lo tanto, se debe utilizar la menor cantidad
posible de los vértices para representar con precisión la
forma deseada de su malla. También quiero hacer esto
porque engrana con un menor número de vértices son más
fáciles de editar. Si tiene muchos vértices, se hace difícil
mantener las superficies de la malla lo regular y lisa como
con un menor número de vértices.
Debido a que necesita un gran número de polígonos planos
y bordes rectos para dar la ilusión de superficies
redondeadas, orgánicos, Blender usa otro método de
cálculo de la superficie de una malla sobre la base de su
estructura polígono, llamado Catmull-Clark subdivisión de
superficies (también llamado subsurfacing o simplemente
subsurfing). Subsurfacing de esta manera implica calcular
una curvatura basada en la estructura de polígono para
aumentar en gran medida el aspecto de suavidad de la
superficie. Los cálculos son tan sencillos que la
computadora puede hacer sobre la marcha mucho más
rápidamente de lo que se necesita para realizar un
seguimiento de un número equivalente de vértices reales.
Volvamos a los dos objetos del capítulo 1, el cubo y cono,
y sus mallas asociadas. Seleccione el objeto Cube. ¿Es
usted el subsurfacing en Blender mediante la adición de un
modificador del subsuelo a un objeto de malla. En la
pestaña Modificadores en la ventana de botones, haga clic
en Add Modifier y seleccione superficie de subdivisión en
el menú desplegable, como se muestra en la Figura 2-1 .
Figura 2-1: Añadir un modificador subsurf
Como se puede ver, con el modificador subsurf encendido
con su punto de vista subdivisiones valor en 1, superficie
del cubo adopta una forma diferente, más suave. En el
campo Vista de las subdivisiones del panel modificador
subsurf, cambie el valor a 2. Ahora usted tiene algo que
empieza a parecerse a una esfera. Los valores óptimos para
subsurfacing son 2 o 3 para el campo Vista de las
subdivisiones y 3 o 4 para el campo Render bajo
subdivisiones, dependiendo de la velocidad de su
ordenador. Ajuste subsurfacing a ser más suave cuando en
realidad hacen es una buena idea. Los valores más altos
para estos campos no son necesarios para los fines de este
libro y puede dar lugar a retrasos graves e incluso congelar
su equipo.
Aunque el cubo ahora parece mucho más suave que antes,
todavía se ve como superficies planas que forman una
esfera. Para cambiar esto, no es necesario añadir más
niveles del subsuelo. Por el contrario, sólo tiene que
cambiar la forma en Blender calcula el sombreado, dando
la impresión de una superficie lisa, mediante la selección
de Lisa en lugar de plana en la opción de sombreado en la
plataforma de herramientas de la ventana gráfica 3D, como
se muestra en la Figura 2-2 . Para ello, en el objeto Cube, y
verá cuánto más suave que parece.
Figura 2-2: Opciones de sombreado sobre la
plataforma de herramientas
Vamos a probar el truco del capítulo 1 de nuevo, en
sustitución de los datos de la malla del cubo con los datos
del cono de malla en el objeto Cube. Un par de cosas que
vale la pena destacar. En primer lugar, la forma de cono
está ahora subsurfaced. El modificador subsurf actúa sobre
el objeto de malla, y por lo tanto el intercambio de datos
nueva malla no cambiará la subsurfacing. Ahora tiene una
forma de cono subsurfaced.
En segundo lugar, te darás cuenta de que esta forma de
cono subsurfaced no se ve muy bien. De todos modos, no
es lo que ustedes llamarían lisa, como se puede ver en la
Figura 2-3 . Este es un ejemplo de un problema que a
menudo se oye hablar de lo que se refiere a los triángulos y
subsurfacing. Debido a la naturaleza del cálculo
subsurfacing, triángulos menudo no subsuelo sin
problemas, y son los más alargados que los triángulos, más
pronunciado es este problema.
Figura 2-3: Un cono subsurfaced hecho de triángulos
En general, la sabiduría convencional sostiene que el
modelado de polígonos son triángulos que debe evitarse.
Como se puede ver en la Figura 2-4 , el mismo cono
subsuperficies mucho más suavemente cuando haga
algunos cortes y modificar la geometría para quads. De
hecho, triángulo equilátero subsuelo razonablemente bien
en muchas situaciones, pero la realidad de las
deformaciones de malla significa que cualquier triángulo
de la malla en un lugar que está animado no puedo
quedarme equilátero todo el tiempo. Por esta razón, los
triángulos se debe evitar en lugares visibles en la malla que
tiene la intención de animar. En el momento de escribir
estas líneas, polígonos de más de cuatro lados, conocidos
como n-gons, no son compatibles con Blender. Un
proyecto está en marcha para ampliar las capacidades de
modelado de malla de Blender en esta y otras formas, pero
en la actualidad, quads y los triángulos son los únicos
polígonos que Blender soporta. Eso significa que usted va
a utilizar una gran cantidad de quads.
Figura 2-4: Un cono de modelado con quads
SITEMA DE MODIFICADORES DE BLENDER
Como acabamos de ver en el caso de subsurfacing, puede
imponer ciertas cualidades de un objeto de malla utilizando
modificadores. Los modificadores le permiten alterar un
objeto de una manera no destructiva. Si elimina un
modificador de una malla, la malla simplemente vuelve a
su estado sin modificar. Una amplia variedad de
modificadores están disponibles para crear efectos
especiales, pero en este libro que será principalmente
interesado en los modificadores más pertinentes para
modelado y animación de personajes. Estos modificadores
se incluyen los siguientes:
Este modificador de superficies de subdivisión, a menudo
referido como subsurf, añade subdivisiones virtuales a una
malla de acuerdo con uno de los dos algoritmos. El método
por defecto de subsurfing utiliza un algoritmo llamado
Catmull-Clark para crear redondeados, superficies
suavemente curvadas de mallas poligonales bajos. Este
método de subsurfacing es muy importante para el
modelado de malla orgánica.
Este modificador Mirror muestra una imagen espejo virtual
de la malla a través de un eje seleccionado (el valor
predeterminado es x). Los espejos son muy útiles para
modelar objetos simétricos como las caras y cuerpos.
Este modificador de celosía asociados con una malla de un
objeto Lattice, permitiendo deformaciones simples de la
malla. Un modificador Lattice se utiliza a menudo para
distorsionar la forma de una malla de formas poco
realistas, y es útil para efectos de dibujos animados, tales
como estiramiento y aplastamiento y ojos depurado.
Esto asocia modificador Armature un objeto de malla con
un objeto armadura para la figura posando. Armaduras
permitir deformaciones más precisos y limitados que un
modificador Lattice.
Deformación de malla igual Lattice y modificadores de
armadura, el modificador Mesh es una herramienta
Deformar para deformar una malla. Modificadores de
Deformación de malla permiten deformar una malla por
medio de otro objeto Mesh. El efecto obtenido con un
modificador Mesh Deformar es algo entre un enrejado y
una armadura.
El concepto de modificadores se ha ampliado en las
últimas versiones de Blender para incluir cosas que
normalmente se tratan en otras partes de la interfaz. Por
ejemplo, las simulaciones de física y partículas son
procesados por Blender ahora como modificadores, pero
sus ajustes son controlados en sus propios paneles. Ellos
son modificadores de la medida en que su efecto sobre la
malla se calcula de acuerdo con el orden en que aparecen
en el catálogo de modificaciones, que usted aprenderá más
acerca de en capítulos posteriores. Los modificadores son
también "no destructiva" en el sentido de que puede ser
eliminada, dejando la malla en su estado original, no
modificado.
Los "tradicionales" modificadores que tratan directamente
como modificadores de compartir ciertas opciones. Puede
cambiar la visualización de la forma modificada de la
malla con estos botones, que están situadas
inmediatamente a la derecha del nombre del modificador.
El botón más a la izquierda cambia la pantalla de la malla
modificado en la vista renderizada, el botón de al lado de
la derecha cambia la pantalla en la ventana de vista 3D, el
segundo botón de la derecha específicamente cambia la
pantalla del modificador en la vista 3D en el modo de
edición y el botón para cambiar más a la derecha si el
modificador se aplica a la jaula de edición (el término para
la representación visual de los bordes y vértices que se
edita en modo de edición).
La mayoría de los modificadores también tienen la opción
de copiar y aplicar el modificador. La función de copia
crea un modificador idéntico en el mismo lugar en el
catálogo de modificaciones al original. El Aplicar función
elimina el modificador y aplica sus efectos a la malla, la
creación de una nueva malla, no modificado, que es
idéntica a la forma modificada de la malla original. Tenga
cuidado con esta opción. Por lo general, no es necesario
aplicar un modificador del subsuelo, por ejemplo, y usted
debe aplicar un modificador espejo sólo cuando haya
terminado todas las ediciones que la duplicación
necesidad.
A medida que crea modificadores, aparecen en el orden en
una pila, lo que determina el orden en el que los efectos de
los modificadores se calculan. Los botones de flecha hacia
arriba y hacia abajo en el panel de modificadores le
permiten mover el modificador hacia arriba o hacia abajo
en la pila.
NURBS Modelado
No uniforme B-splines racionales (NURBS) son una forma
de definir las líneas curvas y superficies que son más
precisos, más compacto y más restrictiva en términos de
modelado que subsurfaced mallas. NURBS es un método
más antiguo para la creación de formas orgánicas que
utilizan gráficos por ordenador, pero desde el surgimiento
de modelado del subsuelo, el modelado NURBS ha caído
en desgracia tanto para el modelado de personajes,
dependiendo de la aplicación específica 3D. Usos actuales
de NURBS tienden a centrarse en el diseño industrial,
donde la precisión es más importante de lo que es en la
animación de personajes. (Medición de precisión, en
general, no es un punto fuerte de Blender, por lo que es
inadecuado como especializado aplicación CAD).
Blender tiene capacidades de modelado NURBS, pero
tiene mucho mejor soporte para el modelado de malla. Las
únicas razones reales para un personaje modelador
NURBS para usar en Blender se aplicarán métodos
específicos, modelado personalmente preferidas y de tener
hábitos adquiridos utilizando software más orientado
NURBS. Otro inconveniente del uso de NURBS para
modelado de personajes en Blender es la limitación de la
modificación del inducido disponible para NURBS.
Aunque las superficies NURBS pueden tener
modificadores de armadura, no se pueden crear grupos de
vértices o hacer pintura de pesos en superficies NURBS, y
las armaduras se limitan a utilizar sobres para influir en la
superficie. Voy a hablar más sobre lo que esto significa y
por qué es tan restrictivo en el capítulo 4. Por ahora, baste
decir que las mallas en Blender puede ser mucho más
sensibles a las armaduras de las superficies NURBS son.
Se ha hablado acerca de cómo mejorar NURBS Blender
edición funcionalidad durante años, pero yo no aconsejaría
a nadie que contener la respiración por ello. Incluso si tales
mejoras se hacen, es poco probable que este afectaría
significativamente a cómo modelado de personajes es
mejor hacerlo en Blender.
Puede crear primitivas NURBS pulsando Shift + A para
agregar un objeto y seleccionando Superficie o Curva. Las
herramientas disponibles para el modelado con NURBS
son en general análogos a los que están disponibles para el
modelado de malla (aunque hay muchos menos).
Efectos modificadores
Para ver un ejemplo de cómo la malla resultante puede
diferir de acuerdo con el orden en que se aplican los
modificadores, crear un nuevo archivo en Blender, y
seleccionar el cubo por defecto. En la ficha modificadores,
seleccione Agregar espejo Modificador ⇒.
En el panel de modificadores, seleccione la opción de
recorte. Ahora entrar en el modo de edición. Por defecto,
todos los vértices debe ser seleccionado. Mover todo el
cubo una unidad Blender (BU) a la derecha a lo largo del
eje x. Para ello, pulse G y X en la sucesión, mantenga
pulsada la tecla Ctrl mientras mueve el objeto con el ratón
para activar el ajuste incremental.
Al mover el cubo a la derecha, podrás ver la imagen del
cubo espejo moviéndose hacia la izquierda. Cuando haya
movido la mitad de su anchura propio cubo, el cubo y su
imagen en el espejo esté a nivel con la otra, como en la
figura 2-5 (a).
Ahora, agregue un modificador del subsuelo de la misma
manera que ha añadido el modificador Mirror. Ajuste el
nivel de subdivisión Ver a 2. Usted debe terminar con la
forma de maní como se ve en la figura 2-5 (b). Esto se
debe a la malla que se subsurfaced no es el cubo original,
pero el espejo-modificada cubo.
Si desea subsuelo del cubo original y espejo modificar-la
malla resultante, es necesario golpear el modificador
subsuelo de modo que se calcula antes de que el
modificador Mirror. Haga esto haciendo clic en la flecha
hacia arriba en el modificador del subsuelo (o la flecha
hacia abajo en el modificador Mirror). La malla resultante
modificado, como se puede ver en la Figura 2.5 (c), es de
dos formas distintas esferas.
Ahora puede probar la aplicación de los modificadores.
Usted debe estar en modo Objeto para aplicar
modificadores, por lo que en la ficha Modo Objeto en
primer lugar. También, asegúrese de aplicar el modificador
superior primero, o sus resultados pueden ser inesperados.
Si aplica estos dos modificadores, acabas con un objeto de
malla única, cuya malla se compone de dos formas esfera,
como en la figura 2-5 (c). Si modifica este objeto, se verá
que cada vértice es una organización independiente y
completamente editable, real vértice.
Figura 2-5: El efecto de los modificadores de mallas: (a)
un cubo de espejo; (b) el cubo reflejado y subsurfaced
continuación, (c) el cubo subsurfaced y luego reflejado;
(d) la malla con los modificadores aplicado
Usted va a mirar más de cerca los diferentes modificadores
y sus usos más adelante en el libro.
Tamaño Vertex
Usted puede notar que los vértices de las ilustraciones aquí
son más grandes que las de su equipo. Esto se hace para
facilitar su lectura en la prensa, pero si usted desea cambiar
el tamaño vértice en su propia computadora, usted puede
hacer esto en la pestaña Temas de la ventana User
Preferences. Desplácese hasta la parte inferior de la
configuración de Temas para encontrar el campo Tamaño
de Vértice.
Poly-por-Poly Modelos y Modelado Caja
Usted puede tomar varias aproximaciones a la
modelización. En términos generales, los diferentes
enfoques se dividen en dos clases principales: poli-por-poli
modelado y modelado de caja. En poli-por-poli modelado,
el modelador comienza con una pequeña porción de un
modelo-que puede ser un polígono, un borde, o incluso
sólo un vértice y trabaja hacia fuera desde este punto de
partida mediante extrusión y otras herramientas. En el
modelado cuadro , el modelador comienza con un simple
objeto 3D, a menudo un cubo, y utiliza subdivisión y
cortes para moldear la forma en el modelo deseado.
Estos enfoques no son mutuamente excluyentes. De hecho,
al construir incluso un modelo ligeramente complejo,
suelen incorporar elementos de ambos enfoques. Todo el
modelado poligonal utiliza extrusión y subdivisión, por lo
que establecer una distinción clara entre estos enfoques de
modelado es de valor limitado. Sin embargo, a pesar de
que es en gran medida una cuestión de preferencia
personal, si usted decide comenzar con un cubo para
construir su modelo o empezar con un solo polígono o
vértice determinará los siguientes pasos que debes seguir
para crear el modelo. Debido a que los dos métodos
difieren en el énfasis que ponen en varias herramientas, es
una buena práctica para ir a través de ejemplos concretos
de ambos.
Para el resto de este capítulo, vamos a trabajar en tutoriales
paso a paso, en el que deberás seguir las instrucciones para
crear los modelos. Es importante tener en cuenta que los
pasos específicos y su orden en estos tutoriales son
arbitrarios. En su mayor parte, elegí pasos para facilitar la
explicación. En realidad, el modelado de malla no es más
un estricto paso a paso empeño de pintar un cuadro o
escultura en arcilla. Cuando vaya a hacer sus propios
modelos, puede olvidarse de estas medidas específicas.
Los objetivos importantes para aprender a dominar modelo
son las herramientas para el punto de que se puede crear
cualquier tipo de topología de malla que desea y entender
topología de malla y su relación con las deformaciones
para que usted sepa qué tipo de topología de trabajo para la
clase de modelo que quieres hacer. Por lo tanto, improvisar
aquí si es necesario, y se centran en conocer las
herramientas. Su estudio de la topología orgánica para la
animación le llevará mucho más allá de las cubiertas de
este libro y contará con una gran cantidad de experiencia
de primera mano de su propia, así como el estudio de los
modelos con topología de malla bien siempre que pueda.
Modelado de una cabeza humana con Poly-por-Poly
Modeling
En poli-a-poli modelado, usted es libre de elegir dónde
colocar los vértices en el inicio del proceso de modelado.
En este ejemplo, se puede trazar el contorno de una
fotografía de cerca.
En primer lugar usted necesita para establecer las áreas de
trabajo para que pueda ver las imágenes de fondo que
desea utilizar para guiar a su modelado. Para este tutorial,
en su mayoría querrá ver el modelo desde el frente y desde
el lado izquierdo, por lo que tendrá dos ventanas gráficas
3D para eso. Una vez que haya abierto Blender, dividir la
ventana 3D verticalmente haciendo clic con el ratón en la
esquina superior derecha de la ventana del visor 3D y
arrastrando hacia la izquierda, como se vio en el Capítulo
1. Con el puntero del ratón sobre la ventana más a la
izquierda, pulse 1 en el teclado numérico para cambiar la
vista a la vista frontal y presione 5 en el teclado numérico
para cambiar este punto de vista a la vista ortogonal.
Durante la edición, usted encontrará generalmente vista
ortogonal más fácil de trabajar que vista en perspectiva.
Ahora ponga su ratón sobre la ventana gráfica 3D derecha
y pulse 3 en el teclado numérico seguido de 5 en el teclado
numérico para obtener una vista ortogonal de (su) parte
derecha del usuario. Sus ventanas gráficas 3D debe verse
como se muestra en la Figura 2-6 . La etiqueta en la
esquina superior izquierda de la ventana de la derecha dice
"Right Ortho." Es un poco confuso, ya que es en realidad
una vista de lado izquierdo del cubo, pero el etiquetado se
basa en la perspectiva del espectador. Usted puede entrar
en la visión inversa de cada una de las opiniones número
de pad de tecla Ctrl mientras pulsa la tecla del teclado
numérico.
Para agregar una imagen de fondo a una ventana gráfica
3D, necesita tener acceso a la Plataforma de propiedades
de la ventana, que se puede hacer haciendo clic en el botón
redondo pequeño en la esquina superior derecha de la
ventana gráfica o moviendo el estante con la tecla N. . En
la Plataforma Propiedades, encontrará una casilla Fondo
imágenes de cheques. Profundizar en los paneles de aquí
con los iconos triangulares hasta que haya encontrado el
botón Abrir, como se muestra en la Figura 2-7 .
Figura 2-6: Dos ventanas en el frente y laterales vistas
ortogonales
Figura 2-7: Acceso al panel de imagen de fondo en la
plataforma Propiedades viewport
Haga clic en Abrir y aparecerá un explorador de archivos.
Desplácese hasta la imagen que desee en su disco duro y
haga clic en Abrir. Para la izquierda viewport, utilizar la
imagen de DVD front.jpg compañero del libro. Realizar
ajustes en el valor de desplazamiento X en la pestaña de las
imágenes de fondo de modo que la línea central de la vista
3D es tan cerca como sea posible a la mitad de la cara,
como se muestra en la Figura 2-8 , donde ha sido el valor
de desplazamiento X ajustó a 0,1 . Por el derecho de
visualización, siga los mismos pasos pero utilice side.jpg.
Las ventanas gráficas resultantes debe ser similar a la
Figura 2-9 . Nótese que en la figura que ha ocultado tanto
la Plataforma de propiedades y la Plataforma Herramienta
para ambos visores. Puede alternar la visibilidad estos
estantes "con la tecla N y la tecla T, respectivamente, o
simplemente arrastrarlos fuera de la vista con el ratón.
Figura 2-8: Ajuste del valor X desplazamiento de la
imagen de fondo para el centro de la cara
Figura 2-9: ventanas gráficas en 3D con imágenes de
fondo
Dado que va a comenzar a modelar con un modificador
Mirror, el modelo estará perfectamente simétrica. Caras
reales no son perfectamente simétricas, por lo que en el
transcurso de la modelización, podría ser necesario ajustar
este desplazamiento X para dar cuenta de la diferencia y de
mantener el modelo tan cerca de la cara en general como
sea posible. Modelos asimétricos, se tiene que hacer
después.
Si va a crear sus propias imágenes de fondo, tenga en
cuenta que Blender calcula el tamaño predeterminado
basado en el ancho de la fotografía. Por esta razón, resulta
más sencillo para trabajar con las fotografías de la misma
altura y anchura. La mejor cosa es recortar la imagen de
fondo en un programa de manipulación de imágenes como
Photoshop o Gimp, de tal manera que la línea de los ojos,
la nariz y los labios se alinean en la mayor medida posible.
Hay casi siempre será inconsistencias en la vista en
perspectiva y causada por pequeños cambios en la posición
del sujeto. Otra alternativa es colocar la parte delantera y
lateral en la misma imagen, como se verá hecho en el
tutorial Capitán Blender más adelante en este capítulo.
Ahora que tiene la imagen de fondo en su lugar y las vistas
organizadas, puede empezar modelado. Usted no va a
utilizar el manipulador mientras se modela, así que puedes
desactivarlo en la cabecera 3D viewport para sacarlo del
camino. Al presionar Ctrl + barra espaciadora también
cambiar la visibilidad manipulador.
Para editar la malla, seleccione primero el objeto de malla
pulsando el botón derecho del ratón y, a continuación, en
la ficha Modo de edición. Vértices del cubo son ahora
seleccionable y editable.
Vamos a empezar por eliminar la cara posterior del cubo,
dejándole con sólo el panel frontal. Esto se hace mejor en
la vista lateral vista, en transparente o en modo wireframe
vista. Para activar y desactivar el modo wireframe vista,
pulse la tecla Z, que alterna entre el modo de visualización
de alambre y sólido.
Atajo: Z cambia entre el modo de visualización de alambre
y sólido.
Cuando se encuentra en modo wireframe, los vértices que
no serían visibles en el modo sólido son visibles y
seleccionables. La selección de una tecla cambia entre
todos los vértices y vértices no. Para seleccionar la cara
posterior del cubo, primero asegúrese de que no hay
vértices están seleccionados alternando con la tecla A y, a
continuación, pulse la tecla B para inicializar cuadro de
selección y arrastre el ratón para rodear los vértices con el
cuadro de selección. La selección resultante se verá como
la figura 2-10 .
Atajo: tecla B inicializa selección del cuadro.
Seleccione todos los vértices con la tecla A. Aún en la
vista lateral vista, la escala de la parte seleccionada de la
malla hacia abajo con la tecla S y moviendo el ratón.
Atajo: Una clave cambia todos los elementos de la vista
seleccionados y no seleccionados.
Atajo: S escalas clave de la selección.
Figura 2-10: Selección de la cara posterior del cubo
Cuando haya escalado al tamaño que desee, haga clic para
confirmar la transformación. A continuación, mover la
selección hasta el puente de la nariz, como se muestra en la
Figura 2-11 , pulsando la tecla G y moverlo con el ratón.
Haga clic para confirmar la transformación.
Figura 2-11: La selección de escala y se
El proceso de rotación, la escala y el acaparamiento
(movimiento / traducir) vértices, aristas o caras es análoga
a la realización de las transformaciones en los objetos. Las
teclas de acceso rápido son R, S y G, respectivamente, y
puede restringir las transformaciones de los ejes x, y o z-
eje pulsando las teclas correspondientes. Al igual que en el
caso de los objetos, el botón izquierdo del ratón confirma
la transformación, y el botón derecho del ratón se cancela.
Cuando las cosas tales como el modelado de los rostros o
cuerpos humanos que son en gran parte simétrica, que
ayuda a ser capaces de modelar sólo la mitad y dejar que
Blender espejo del modelo de forma automática. Esto se
hace usando el modificador Mirror mencionado
anteriormente.
A y, a continuación, seleccione el borde superior del plano
manteniendo pulsada la tecla Mayús y haga clic en los dos
vértices superiores. En la ventana de la vista lateral, la
extrusión de este borde superior con la tecla E. Extruir de
nuevo para seguir el contorno de la frente, como se
muestra en la figura 2-16 .

Puede activar el modificador Mirror ahora haciendo clic Figura 2-12: El panel de modificadores propiedades
Modificador Agregar del panel de modificadores de
propiedades, como se muestra en la Figura 2-12 . Cuando
aparezca el menú desplegable, seleccione Espejo, como se
muestra en la Figura 2-13 . Deja la mayor parte de la
configuración de modificador Mirror en sus valores por
defecto, pero seleccione recorte, como se muestra en la
Figura 2-14 . Estos clips opción la costura entre las dos
mitades del espejo del modelo juntas, evitando el modelo
de división o superpuestos a lo largo de la línea central.
Como se verá más adelante en el proceso de modelado,
hay momentos en los que desea esto y momentos en los
que no lo hacen.
Figura 2-13: Agregar el modificador Mirror
En la vista 3D, mirando la escena desde la vista frontal,
seleccione los vértices del plano con la tecla A si no están
ya seleccionadas, y mover el avión hacia la derecha, lejos
del centro pulsando la tecla G y arrastrándolos con el
ratón, como se muestra en la figura 2-15 . Verá la malla de
espejo mover la dirección opuesta. Tenga en cuenta que no
importa lo lejos que tirar de los vértices del centro, el
borde más central vertical entre el medio duplicado
permanece cortada al centro. Esto sucede porque Clipping
está activo en el modificador Mirror.

Ahora vamos a comenzar con el modelado de extrusión.

Este es el corazón de poli-por-poli modelado. Asegúrese
de que todos los vértices se anula la selección con la tecla
Figura 2-14: Configuración de la réplica modificadora Atajo: tecla E extruye nueva geometría de la geometría
seleccionada.

A continuación, hacer lo mismo con el borde inferior del

plano, extrusión hacia abajo 10 veces para seguir los
contornos de la cara hacia abajo más allá de la barbilla,
como se muestra en la figura 2-17 . Siga estos pasos en la
vista lateral, pero mantener un ojo en la vista frontal para
asegurarse de que todo está donde debe estar desde todos
los ángulos.

Figura 2-16: Extrusión el borde superior sobre la frente

Figura 2-15: Mover el plano de espejo del centro

Figura 2-17: Extrusión el borde inferior sobre la parte
inferior de la cara
En la vista frontal, ajuste la posición de los vértices
alrededor de la boca. Seleccione el vértice único en el
borde superior del labio, y sacar (tecla E o Ctrl + clic)
cuatro nuevos vértices de todo el borde de la boca de la
parte superior del labio. Usted puede agregar una arista
entre dos vértices, seleccionando dos vértices y pulsando la
tecla F. Hacer esto para conectar el último de los cuatro
vértices extruidos en el borde inferior de la boca. Figura 2-
18 muestra el resultado.
Atajo: tecla F en el modo de edición crea una arista entre
dos vértices seleccionados y crea una cara cuando tres o
cuatro vértices están seleccionados.
Figura 2-18: Modelado de la forma de la boca
Cuando el contorno del labio extrusión, es posible que no
vea los cambios reflejados en el lado izquierdo de la
modelo. Si este es el caso, usted está probablemente
viendo en modo Solid, que muestra sólo los rostros
reflejados. Al pulsar la tecla Z muestra el modelo de
alambre correctamente reflejado. Si el modificador se pone
a aplicar a la caja de edición en modo de edición, entonces
el modelo de alambre será siempre visible.
Con el menú desplegable en la cabecera de la ventana 3D,
activar la edición proporcional con una fuerte caída de
modo que los iconos seleccionados aparecerá como se
muestra aquí.

Edición proporcional hace que los vértices no
seleccionados dentro de un área de influencia para
responder a cambios en los vértices seleccionados. La
influencia disminuye de acuerdo con la curva de caída del
tipo que seleccione para la herramienta de edición
proporcional. La zona de influencia está representado por
un círculo y se puede ajustar con la rueda del ratón. Puede
activar edición proporcional y se apaga con la tecla O y
recorrer los tipos de difuminación pulsando Shift + O.
Con la edición activa proporcional, seleccione los vértices
de la esquina de la boca y tirar de nuevo a lo largo del eje y
pulsando la tecla G para apoderarse de ellos y luego la
tecla Y para limitar la traducción al eje y. Como se puede
ver en la Figura 2-19 , los vértices de la boca entera debe
moverse en conformidad con la curva de edición
proporcional. Si otros vértices demasiadas o muy pocas
mover, ajustar el círculo de influencia de la herramienta de
edición proporcional con la rueda del ratón.
Figura 2-19: Traducción del borde de la boca a lo largo
del eje y con la edición proporcional
Ahora que sabes cómo vértices de extrusión con la tecla E
o Ctrl + clic y cómo crear una arista entre dos vértices con
la tecla F, que no debería tener problemas para añadir
geometría un poco más a la malla.
Desactivar la edición proporcional, y añadir los vértices y
aristas que se muestran en la Figura 2-20 . Asegúrese de
mantener un ojo en la parte delantera y lateral para que la
forma se mantiene precisa desde cualquier ángulo. De vez
en cuando es una buena idea para comprobar su trabajo
desde otros ángulos, como se muestra en la Figura 2-21 .
Mantenga pulsado el botón central del ratón para girar la
vista y, a continuación, pulse 1 o 3 en el teclado numérico
para volver a la vista frontal o lateral, respectivamente. Al
salir de las vistas ortogonales, la imagen de fondo va a
desaparecer, pero no te preocupes, aparecerá de nuevo
cuando regrese a los modos delantero y la vista lateral.
Tome nota de la geometría que hemos comenzado a Figura 2-21: Verificación de la obra desde distintos
construir en este punto. Usted ya ha establecido varias ángulos
características importantes, que son importantes,
independientemente de lo que la técnica de modelado que
utiliza. Tanto los ojos y la boca ya se están construidos de
bucles. A medida que continúe modelo, usted se quedará
con los ojos y la boca en este formulario. Al modelo de un
carácter diferente más adelante mediante modelado de
caja, que todavía se asegurará de que la boca y los ojos son
los bucles y los bucles que se extienden y se solapan en
una forma que incluye la nariz y las mejillas dentro de una
pauta ininterrumpida de bucles. Esto es importante desde
una perspectiva de animación. Usted puede ser capaz de
salirse con la diferente geometría subyacente de un modelo
aún, pero si usted tiene la intención de animar las
expresiones faciales, te darás cuenta de que el rostro
humano es implacable en términos de la geometría
necesaria.

Figura 2-20: Adición de vértices y aristas

Es necesario hacer el contorno del ojo ahora. Para ello,

cree un vert de frente con Ctrl + clic con verts no
seleccionado, como se muestra en la Figura 2-22 . Se
puede extruir a partir de este vert para crear el contorno del
ojo, como en la figura 2-23 . Completa el último borde de
la selección de los vértices y apellidos y pulsando la tecla
F. Una vez más, el número de vértices que se muestra es
importante, ya que más tarde tendrá que conectar el ojo al
resto de la cara, así que asegúrese de seguir el ejemplo
exactamente.
Figura 2-22: Adición de un único vértice en la esquina
interna del ojo

Figura 2-23: Esquema del ojo con vértices

Geometría, Topología y Loops

La geometría término se refiere a los vértices que forman

una malla y específicamente su colocación en el espacio
3D. La topología término se refiere a la estructura creada
por los bordes y las caras que conectan los vértices.
Idéntico aspecto mallas pueden tener diferentes estructuras
topológicas subyacentes, y para los modeladores principio
es fácil quedar atrapado en la toma de la forma ve bien, a
costa de prestar atención a la estructura real. Al realizar los
modelos para la animación, sin embargo, es muy
importante tener en cuenta la topología de la malla ya que
determinará cómo la malla se deforma cuando se empieza
a añadir formas o posturas.

La topología es importante debido a la forma de los bordes

y vértices proporcionar "tensión" manteniendo la
superficie en su lugar. Piense en un paraguas: un paraguas
abierto es algo con forma de hemisferio, de tela y se
mantiene en su forma por una topología de bordes que se
extiende desde la punta. Se puede construir un hemisferio
similar de tela mediante el uso de anillos concéntricos, por
ejemplo, pero tal estructura claramente no se pliega como
un paraguas común. Esto es algo análogo a la forma en
bordes influir en la deformación de una malla. Para obtener
la topología correcta, se debe considerar lo deformaciones
que desee de la malla.
A continuación, comenzar a llenar en las caras. Para
rellenar una cara, seleccione sus vértices cuatro y pulse la
tecla F, como se muestra en la Figura 2-24 .
Figura 2-24: Adición de un rostro entre cuatro vértices

Los bucles son secuencias continuas de los bordes (lazos

del borde) o caras (cara bucles) que definen la superficie
de una forma subdividida. Loops podría rodear
completamente cierta sección de la malla, pero esto no es
necesariamente el caso. No todos los bordes o caras son
parte de un bucle. Puede seleccionar bucles de borde en su
totalidad mediante Alt + RMB, usted debe tratar de
seleccionar algunas aristas del modelo de esta manera para
tener una idea de lo que Blender reconoce como lazos del
borde. Los lazos son muy importantes en el modelado
facial, sin estructura de bucle correcto en la cara, es muy
difícil conseguir buenos deformaciones faciales. Buena
estructura de bucle es especialmente crítico en la boca y la
nariz.
Las caras que rellenar también aparecerá en la parte
Para obtener los mejores deformaciones, el flujo de los reflejada de la modelo. Llenar en las caras, cuatro verts a la
bucles de aproximadamente debe seguir la forma de los vez. Rellene las caras como se muestra en la Figura 2-25 .
músculos de la cara, ya que determinan cómo la forma de
la cara cambiará y las direcciones a lo largo de la cual la
piel se estirará. A medida que avance a través de este
tutorial, se debe prestar especial atención a los bordes y las
caras manera crear bucles. Continuando el estudio de la
anatomía facial y musculatura también puede ser muy útil.

Fijar la forma del contorno del ojo para seguir el ojo en la

imagen de fondo mediante la traducción del verts
apropiada a lo largo del eje y, como con el resto de la cara.
Figura 2-25: Más caras llenas en catálogo de modificaciones por debajo del modificador de
espejo, como se muestra en la figura 2-27 . En los campos
bajo la etiqueta subdivisiones, cambie el valor a Formato 2
y el valor Render a 3. Estos valores determinan lo bien el
modelo se muestran en el visor 3D y durante la
representación. Los valores 2 y 3, respectivamente, son
generalmente ideal.

Figura 2-26: Añadir un modificador subsurf

En cualquier momento del proceso, se puede añadir una

superficie de subdivisión (subsurf) modificador para
generar una malla más suave y redondeada. En la mayoría
de los casos, usted puede modelar con la misma facilidad
con o sin subsurfing, así que es una cuestión de preferencia
personal en qué punto se agrega el modificador. Trate de
añadir ahora.

Para agregar el modificador subsurf, vaya a la misma área

Propiedades Modificador en la que ha añadido el
modificador Mirror y seleccione superficie de subdivisión
del Modificador Añadir el menú desplegable, como se
muestra en la Figura 2-26 . El modificador aparece en el
Figura 2-27: Configuración del modificador subsurf las normales inconsistentes; caras contiguas están en
direcciones opuestas. Para solucionar esto, entra en modo,
seleccione todos los vértices con la tecla A y pulse Ctrl +
N para que las normales consistente.

Figura 2-28: Los artefactos causados por las normales

inconsistentes

Continuar con el modelo por extrusión de los bordes de la

frente, como se muestra en la figura 2-29 , y el lado de la
cara, como se muestra en la figura 2-30 . Conectar la
geometría con una cara, como se muestra en la figura 2-31
Cuando se añade un modificador subsurf después de editar .
la geometría de una malla, usted puede encontrar que feos
artefactos negros aparecen, como los que se muestran en la
Figura 2-28 . La ubicación de estos artefactos depende de
factores tales como el orden en el que las caras se han
creado, por lo que es probable que los artefactos en su
modelo será diferente. Estos artefactos son causados por
Figura 2-29: extrusión de la geometría de la frente Figura 2-31: Adición de una cara en el área del templo

Figura 2-30: Extrusión de geometría para el lado de la

cara Ahora pasa a la modelización de la nariz. Comience por
seleccionar las caras que se muestran en la figura 2-32 y
extruir con la tecla E, como se muestra en la figura 2-33 .

Para formar las fosas nasales, es necesario ajustar la

configuración del modificador Mirror. En la actualidad, se
han seleccionado recorte. Con el recorte seleccionado,
rostros reflejados extruir juntos, como lo hicieron cuando
se extruye la punta de la nariz hace un momento.
Figura 2-32: Selección de las caras que forman la punta
de la nariz
Figura 2-33: extrusión de la punta de la nariz
Para las ventanas de la nariz, sin embargo, desea extruir
caras como caras de espejo individuales. Así, desactive
Recorte en el modificador Mirror panel de propiedades y, a
continuación extruir las caras como se muestra en la Figura
2-34 para empezar a formar las fosas nasales. Escala hacia
abajo ligeramente. Extruir nuevo, vista desde el lado como
se muestra en la figura 2-35 , y tire de las caras interiores
hacia arriba y hacia adentro. Escala hacia abajo un poco
para completar el modelado de base de las fosas nasales.
Una vez que hayas hecho esto, vuelve a las propiedades
modificadoras Espejo de recorte y gire de nuevo.
Cuando se tiene la topología básica hecho, usted puede
empujar los vértices alrededor hasta que usted esté
satisfecho con la forma de la nariz, que debe ser parecido a
la Figura 2-36 .
Figura 2-34: Extrusión y la ampliación de las fosas
nasales
Figura 2-35: Extrusión hacia el interior de las fosas
nasales
Figura 2-36: La nariz acabado
A continuación vamos a recurrir a los labios. Para modelar
los labios, vamos a usar el cursor 3D como un pivote para
la ampliación. Para colocar el cursor 3D en el que lo desee,
seleccione los vértices intermedios en el borde superior e
inferior de los labios, y luego presione Shift + S para
mostrar el menú de referencia y elegir Cursor de selección,
como se muestra en la Figura 2-37 . Tenga cuidado de no
colocar el cursor 3D sin darse cuenta en algún otro lugar
haciendo clic. Si usted hace esto, usted tendrá que
seleccionar estos vértices de nuevo y coloque el cursor
hacia atrás en 3D donde usted lo desee.
Teclado: Mayús + S tecla trae el menú Ajustar.
Figura 2-37: Snapping el cursor 3D en el punto entre
dos vértices
Seleccione el bucle borde alrededor de los labios
manteniendo pulsada la tecla Alt y haga clic en cualquier
borde en el bucle borde, y luego estira un total de tres
veces para crear la geometría del labio se muestra en la Figura 2-39: Cortar un nuevo bucle alrededor del ojo
Figura 2-38 . Cada vez que extruir, tendrá que reducir
ligeramente la tecla S y luego de bajar un poco más a lo
largo del eje z (vertical) pulsando la tecla S seguido de la
tecla Z. Mueve los vértices según sea necesario para crear
una forma agradable para los labios.

Para modelar los ojos, empezar por cortar un bucle

alrededor del ojo usando Ctrl + R, como se muestra en la
figura 2-39 . Entonces extruir el borde del ojo tres veces,
como se muestra en la figura 2-40 . El borde afilado del
párpado está formado por extrusión, escalando hacia abajo
ligeramente, y luego extrusión de nuevo y traducir a lo
largo del eje ligeramente. La extrusión último lleva al
borde más lejano en la cabeza donde se oculta por el globo
ocular.

Hotkey: Ctrl + R inicializa la herramienta Loop Cut en el

modo de edición.

Figura 2-38: extrusión, escalado, y la traducción de Figura 2-40: Extrusión el bucle de los párpados
lazos del borde para formar los labios
No se puede hacer mucho más modelado alrededor de los
ojos, sin saber exactamente dónde se colocará globo
ocular, por lo que ahora es un buen momento para agregar
los globos oculares. Haced esto en modo Objeto de modo
que los globos oculares será un objeto independiente de la
malla de la cabeza. En la vista frontal vista 3D, añada una
esfera pulsando Shift + A + Esfera y la selección de los
rayos UV. Establecer los parámetros para Segmentos y
Anillos en 12 en los campos en la plataforma de
herramientas a la izquierda de la ventana gráfica 3D, y
seleccione Alinear con la vista, como se muestra en la
Figura 2-41 . Si el objeto no está centrado, entonces centro
pulsando Alt + G. Alt + G coloca el objeto de manera que
su punto central se encuentra en el origen del espacio 3D.
Atajo: Alt + G borra la transformación para la selección.
Figura 2-41: Adición de una esfera para los ojos
Añadir un modificador Mirror a la esfera, dejando sin
recortar. Añadir un modificador subsurf a los ojos también,
con la misma configuración que la de la malla de la
cabeza. En el modo Edición, escalar la malla hacia abajo y
moverla a su lugar, como se muestra en la Figura 2-42 .
Los globos oculares probablemente no encajar
perfectamente en la cara, pero colocarlos donde cree que
pertenecen. Usted tendrá que entrar en el modo de objetos,
seleccione la malla de la cabeza, y entrar en el modo de
edición para editar la malla alrededor de los ojos con el fin
de hacer frente a los globos oculares en forma adecuada,
como se muestra en la Figura 2-43 .
Figura 2-42: Duplicación y el posicionamiento de los
globos oculares
Figura 2-43: Ajuste de la malla de cara para dar cabida Figura 2-44: la extrusión de la parte frontal del cuello
a los globos oculares

Figura 2-45: Adición de una cara en la frente

Extruir un poco de geometría para el cuello por debajo de

la barbilla, como se muestra en la Figura 2-44 , a
continuación, añadir una cara al frente, como se muestra en
la Figura 2-45 . Con la geometría como lo es hasta ahora,
es sencillo para extruir y modelo del resto de la cabeza,
como se muestra en la figura 2-46 y la Figura 2-47 .
Cuando haya terminado con todos estos pasos, el modelo
debe ser similar a la Figura 2-48 .
Figura 2-46: Extrusión de la frente para crear la forma
de la cabeza
Figura 2-47: Rellenar geometría restante
Figura 2-48: El modelo terminado
No hay suficiente espacio en este libro para entrar en
detalles sobre las orejas de modelado de este personaje, así
que voy a dejar esto como un ejercicio para que usted
pueda experimentar por su cuenta. Mira las fotografías y
los oídos en el espejo, y tratar de crear las orejas con
topología de malla que sigue la forma que desea modelar.
No hay manera correcta de hacerlo, y si se ve bien, es
bueno. Además, recuerde que los oídos no suelen ser
animada, y hay un montón de rincones y recovecos
escondidos donde se puede ocultar el triángulo extraño, así
que está bien para tomar algunas libertades.
El modificador Mirror funciona haciendo un espejo
duplicado de la malla que está trabajando. Después de
aplicarlo, estos vértices se vuelven reales. La adición de
otro modificador Mirror crea un nuevo conjunto de
vértices de espejo. Si este es editada, el original de malla
no reflejado se mantiene sin cambios, resultando en una usted encontrará sus propios enfoques preferidos para
variedad de problemas de malla. Por esta razón, no es modelar distintos tipos de objetos y personajes.
recomendable agregar un modificador Mirror nuevo
después de que ya haya aplicado. Una manera de evitar Introducción: Piernas y Pies
esta limitación es eliminar la mitad de la malla antes de
aplicar el modificador Mirror segundo. Sin embargo, es Para crear el Capitán Blender, usted comenzará de la
una buena idea para tratar de obtener toda la edición misma manera que lo hizo cuando modeló el rostro, con
simétrica hecho antes de aplicar el modificador Mirror. Si dos ventanas gráficas 3D, una de frente y otra ortogonal en
no estás seguro de que has hecho esto, lo mejor sería la vista lateral ortogonal. Una pequeña diferencia es que en
guardar un archivo de copia de seguridad antes de aplicar este caso, sólo hay un archivo de imagen para el fondo,
la modificación. que incluye tanto la vista frontal y lateral del capitán
Blender, como se muestra en la figura 2-49 . Vas a cargar
Al presentar el Capitán Blender: De modales suaves el mismo archivo que la imagen de fondo en su parte
cubos para Superhéroe frontal y lateral, pero en la vista lateral tendrá que ajustar
el eje x de desplazamiento de la imagen de fondo para que
En la siguiente sección, se creará un conjunto de cómic al la imagen de perfil está correctamente alineado con el cubo
estilo de caracteres mediante modelado de caja, a cuando muestra desde el lado, como se muestra en la
continuación, tendrá la base para el modelo de personaje figura 2-50 .
que va a trabajar y construir en todo el libro.
Figura 2-49: frontal y lateral bocetos vista del carácter
Aunque se puede utilizar alguna variación de poli-a-poli
modelado, porque quiere centrarse en la forma general del
cuerpo desde el principio, el modelado de caja es una
buena opción. En contraste con el ejemplo del tutorial
anterior de comenzar con los detalles de la cara y
trabajando hacia afuera a la forma de la cabeza, el
modelado de caja le permite rápidamente calcular las
proporciones y luego centrarse en áreas cada vez más
pequeñas de detalle.

Obsérvese de nuevo que estos métodos no son excluyentes

entre sí. Usted puede modelar la cabeza utilizando poli-a-
poli modelado, el modelo de un cuerpo utilizando modelos
de caja, y luego coloque la cabeza al cuerpo. Después de
que se acostumbre a la malla de modelado en Blender,
Figura 2-50: orto vistas frontal y derecha con imágenes Hotkey: W tecla trae el menú Specials específico al modo
de fondo que está adentro

Figura 2-51: El operador Subdivide Smooth en el menú

Specials malla

Cuando modelado de caja, me parece que un cubo liso,

subdividida es una buena manera de empezar. Tab en el
modo de edición, seleccione todos los vértices del cubo por
defecto pulsando la tecla A, y después pulse la tecla W
para abrir el menú malla Ofertas. Seleccione Subdivide
Smooth, como se muestra en la figura 2-51 . El resultado
será un cubo ligeramente redondeada subdividido, como se
muestra en la figura 2-52 . Esta forma será la base del
torso, escala de modo y traducir para que se ajuste a
aproximadamente el torso del personaje. Usted balanza con
la tecla S y traducir con la tecla G. Recuerde que usted
puede escalar a lo largo de un eje específico presionando la
tecla S seguido de la tecla del eje que desea escalar a lo
largo. Así que para alargar la forma vertical, presione la
tecla S y luego presione la tecla Z. Escalar y traducir la
malla como se muestra en la figura 2-53 .
Figura 2-52: El cubo subdividido este modo, pulse la tecla E para extruir la base de la pierna,
como se muestra en la Figura 2-54 .

Figura 2-53: Ajuste de la ubicación y la escala de la

malla

Figura 2-54: Extrusión de una pierna

A continuación, usted comenzará a modelar una pierna.

Para ello, podrás extruir las dos caras a la derecha en la
parte inferior del cubo subdividido. Para seleccionar tanto
la cara de frente y espalda frente, asegúrese de que la malla
es vista wireframe (transparente) en su vista frontal vista
3D, y seleccionar los vértices con la herramienta cuadro de
selección. Para acceder a la herramienta Cuadro Seleccione
con la tecla B y arrastrando el ratón para que el cuadro de
puntos rodea los vértices que desea seleccionar. Si lo hace
en el modo de vista sólido (opaco), sólo los orientados
hacia delante, vértices visibles serán seleccionados. En este
caso, desea que los vértices en la parte posterior que estar
seleccionado. Cuando haya seleccionado las dos caras de
Ahora que ha extruido la base de una pierna, es casi el
momento de añadir el modificador Mirror. Antes de hacer
esto, sin embargo, es necesario eliminar la mitad de la
malla de manera que la parte reflejada no se superpondrán.
Para ello, seleccione los vértices del lado izquierdo con el
cuadro de selección de la herramienta y pulsar la tecla X
(vértices seleccionados en el menú Delete), como se
muestra en la Figura 2-55 . Asegúrese de seleccionar los
vértices en vista wireframe para que elimine todos los
vértices en la parte delantera y trasera. Agregue el
modificador Mirror en la misma forma que lo hizo para el
modelo de cabeza en el apartado anterior, y seleccione la
opción de recorte. Figura 2-56 muestra la malla resultante
reflejada.
Atajo: X tecla borra la selección.
Figura 2-55: Eliminación de la mitad de la malla
Este es un buen momento para añadir el modificador
subsurf también. Agregue el modificador de la misma
manera que lo hizo en la sección anterior con el modelo de
la cabeza. En el modo de objetos, seleccione la opción de
sombreado suave en la plataforma de herramientas, como
se muestra en la Figura 2-57 . Tab de nuevo en el modo de
edición para continuar editando la malla.
Corte un bucle vertical en la malla con la herramienta de
corte Loop. Se accede Loop Cortar con Ctrl + R, y se
establece la ubicación del bucle al mover el ratón sobre un
borde perpendicular a donde desea que el corte de bucle.
Cuando lo haga, un indicador de bucle cortado púrpura
aparecerá, como se muestra en la Figura 2-58 . Usted
puede ajustar el número de cortes realizados con esta
herramienta utilizando la rueda del ratón, pero sólo una
corte está bien aquí. Confirmando el corte con el botón
izquierdo del ratón se cortó la malla y añadir los nuevos
vértices, como se muestra en la figura 2-59 .
Figura 2-56: La malla de espejo Figura 2-57: La malla subdividida con sombreado
suave
Figura 2-58: Cómo hacer un corte de bucle
Figura 2-59: El corte resultante reflejado bucle
Seleccione las caras en la final de la etapa extruido, como
se muestra en la Figura 2-60 , y extruir dos veces hasta los
tobillos, escalando a medida que avanza, para conseguir
que en forma, como se muestra en la Figura 2-61 . Ajustar
la ubicación de los vértices de la pierna para redondear la
forma, como se muestra en la figura 2-62 .
Extrusión de más tres veces hacia abajo para crear una
base de la que para extruir el pie. Seleccione las caras
frontales de esta forma, como se muestra en la figura 2-63 ,
y extruir cuatro veces hacia adelante a lo largo del eje y.
Forma de la malla como se muestra en la figura 2-64 para
crear los pies. Para acoplar las plantas de los pies,
seleccionar las caras inferiores de los pies y extruir con la
tecla E, como se muestra en la figura 2-65 . Escala los
vértices extruidos a 0 a lo largo del eje vertical con la tecla
S seguido de la tecla Z seguido por 0. Esto tiene el efecto
de aplanar la geometría verticalmente.
Ajustar los vértices de las patas, como se muestra en la
figura 2-66 , para formar las rodillas y las pantorrillas.
Recuerde que puede seleccionar ciclos completos borde
manteniendo pulsada la tecla Alt mientras haga clic en el
borde del bucle. Ser capaz de escalar, rotar y mover un
bucle borde entero a la vez es muy útil para hacer este tipo
de ajustes. De la misma manera, forma al resto de las patas
para que usted termina con algo similar a lo que se muestra
en la Figura 2-67 .
Figura 2-60: Mover los vértices de la pierna hacia
abajo
Figura 2-62: Adaptación de las piernas

Figura 2-61: Extrusión de las piernas Figura 2-63: Preparación para la extrusión de los pies
Figura 2-64: Los pies en forma de extruidos y Figura 2-66: Afinando la forma de la pierna

Figura 2-67: Las piernas hasta el momento

Figura 2-65: Extrusión de las plantas de los pies

Torso y brazos Figura 2-68: Un corte de lazo en el vientre

Esta sección se centrará en la parte superior del cuerpo del

capitán de Blender. Al igual que antes, se le hacen mucho
uso de cortes de bucle y extrusiones. Tenga en cuenta qué
tipos de deformaciones que se desee en el personaje
cuando se llega a la animación de él. Esta decisión influirá
en cómo modelar los brazos.

Para empezar, tendrás que añadir un poco de la nueva

geometría del torso para darle algo con qué trabajar. Para
ello, cortar un bucle alrededor de la barriga, como se
muestra en la figura 2-68 , y el otro bucle alrededor del
pecho, como se muestra en la figura 2-69 . Recuerde que la
herramienta de corte Loop se accede pulsando Ctrl + R y
luego colocar el ratón sobre un borde perpendicular al
bucle que desea cortar.

Seleccione las ocho caras que componen la parte frontal Figura 2-69: Un corte de lazo en el pecho
del abdomen, extruir con la tecla E y, a continuación escala
con la tecla S, como se muestra en la figura 2-70 . Esta es
otra manera de añadir vértices a trabajar.

Seleccione las caras de los hombros (delantero y trasero),

como se muestra en la Figura 2-71 . Extrusión de seis
veces, con lo que los vértices extruidos abajo de la
longitud del brazo y la ampliación de la circunferencia del
brazo de malla apropiada, y después activar la edición
proporcional y gire la punta del brazo alrededor del eje x
con la rotación (tecla R), como se muestra en la figura 2-72
.
Figura 2-70: Selección y extrusión de caras en el Figura 2-72: Extrusión de los brazos y girando con la
abdomen herramienta de edición proporcional

Figura 2-71: Preparación para la extrusión de los

brazos

Manos y Guantes

Esta sección examina los detalles de la creación de las

manos y los guantes acampanados. Una vez más, utilizará
todas las técnicas de las secciones anteriores, al tiempo que
añade algunos nuevos, como la separación de polígonos Figura 2-73: Extrusión de la base de la mano
utilizando la herramienta Rip y costura segmentos de malla
de nuevo mediante la creación de rostros.

Seguir donde lo dejó en la punta del brazo, y la extrusión

de la forma de la base de la mano. Este se compone de
cinco operaciones de extrusión desde la muñeca hasta
donde la base de los dedos será, como se muestra en la
figura 2-73 .

Escalar la anchura de la mano a lo largo del eje y pulsando

la tecla S seguido de la tecla y. Figura 2-74 muestra esta
operación se ve desde arriba (observe la etiqueta Top
Ortho en la esquina superior izquierda de la figura). Usted
puede entrar en el top view orto pulsando 7 en el teclado
numérico. Extrusión y la escala de la base del pulgar, como
se muestra en la figura 2-75 . Extrusión de tres veces más a Figura 2-74: Escalando la forma de la mano a lo largo
la longitud completa del pulgar, y mover los vértices del eje y
alrededor para ajustar la forma del dedo pulgar. A
continuación, eliminar el vértice en la punta del apéndice
para que la malla en la base de los dedos está abierta, como
se muestra en la figura 2-76 .
Figura 2-75: Extrusión el pulgar forma de U, como se muestra en la figura 2-77 con la
herramienta de cuchilla. Acceda a la herramienta cuchillo
manteniendo pulsada la tecla K mientras que hacer clic y
arrastrar el ratón sobre los bordes de la malla que desea
cortar. Una vez que haya hecho el corte en la parte
posterior de la mano, ver la malla desde abajo mediante la
celebración de Ctrl y pulsando 7 en el teclado numérico
(todas las vistas numéricas se puede revertir mediante la
celebración de Ctrl cuando se elija). Seleccione las ocho
caras que forman la palma de la mano, y se cortan en
forma de U, como se muestra en la figura 2-78 .

Figura 2-77: Cortar vértices en el dorso de la mano con

la herramienta cuchillo

Figura 2-76: Borrado de la más extrema vértice

De nuevo, en vista superior, seleccionar las cuatro caras

más altas en la parte posterior de la mano, y se cortan en
Figura 2-78: Corte de la palma de la mano con la Atajo: tecla R gira de la selección.
herramienta cuchillo
Para crear el guante acampanado, tendrás que rasgar la
malla. Seleccione el bucle borde justo más arriba de la
muñeca, mantenga Alt y hacer clic derecho-una ventaja en
el bucle. Extraer la malla pulsando la tecla V. Esto
separará el bucle de borde en dos, como se muestra en la
figura 2-81 . Extrusión de allí para crear la llamarada
guante, como se muestra en la figura 2-82 . Extruir una y
escalar hacia abajo ligeramente para dar el guante de cierto
espesor, y luego extruir una vez más y tirar del bucle de
nuevo al doble de nuevo en el interior del guante, en el que
se oculta por la malla de brazo, como se muestra en la
figura 2-83 .

Figura 2-79: Cumplimentación de la final de la mano

con las caras

Cerrar el extremo abierto de la mano con las caras, como

se muestra en la figura 2-79 . Como usted debe recordar el
ejemplo de modelado de poli-a-poli anteriormente, se crea
mediante la selección de las caras cuatro vértices a la vez
(Shift + clic derecho) y pulsando la tecla F. Usted
seleccionará las ocho caras nuevas de dos en dos para
formar la base de los cuatro dedos.

Seleccione cada par de caras, y extruir nueve veces a lo

largo de la longitud de los dedos. Escala de la
circunferencia de cada dedo apropiadamente. Se puede
ajustar la rotación de cada dedo seleccionando todos los
vértices y girando el dedo entero con la tecla R. Del mismo
modo, la tecla G le permitirá agarrar y mover la geometría
para conseguir la colocación perfecta. Los dedos
resultantes debería ser algo como los que se muestran en la
Figura 2-80 .
Figura 2-80: dedos extruidos Figura 2-82: Extrusión el guante

Figura 2-83: Extrusión el guante hacia adentro

Figura 2-81: Extracción de bordes en la muñeca para

crear el guante
Collar y correa Figura 2-85: Extrusión y escalar vértices alrededor del
cuello
En esta sección, podrás modelar el collar y la correa. El
collar le dará la oportunidad de ver cómo se puede utilizar
la extrusión para crear formas bien arrugados, como el
lugar en el cuello del capitán de Blender se encuentra con
su traje. La cinta será un objeto de malla separado.

Para crear el área de cuello, eliminar el vértice en la parte

superior de la malla, donde el cuello del personaje debe
ser, como se muestra en la figura 2-84 . Seleccione el bucle
borde alrededor del agujero donde el vértice se ha
eliminado, de extrusión, y luego escalar hacia adentro,
como se muestra en la figura 2-85 . Extrusión de más tres
veces: en la escala de extrusión primero ligeramente hacia
abajo, en la segunda extrusión arrastre el bucle borde
ligeramente hacia abajo a lo largo del eje z, y en la tercera
extrusión arrastre el bucle extruido más hacia abajo, donde Figura 2-86: Extrusión y traducción de vértices para
eventualmente se oculta por el cuello del carácter. completar el cuello del traje

Figura 2-84: Eliminación del vértice en el cuello

En este punto, ha terminado con el objeto principal cuerpo
de malla para el Capitán Blender. Otras partes del carácter
a utilizar objetos separados. No es ningún problema para
utilizar varios objetos para un solo carácter, de hecho, a
menudo es mucho más fácil de tratar los artículos separada
de piezas de ropa o el cuerpo como objetos separados.
Antes de pasar a modelar otros objetos, eche un vistazo al
modelo que tenga, y lo comparamos con el modelo en la
Figura 2-87 . Asegúrese de que las formas de mirar a la
derecha y la geometría es todo lo que hay. Agregar lazos
del borde si es necesario.
Figura 2-87: Puntos de vista del cuerpo
Cinturón Capitán de Blender fiel utilidad está hecho de un
círculo extruido. Escala de la correa para encajar como se
muestra en la figura 2-88 . De la misma forma que se
puede restringir transformaciones a los ejes particulares
pulsando X, Y, o Z, puede restringir las transformaciones a
los aviones particulares pulsando Shift + X, Shift + Y, o
Mayús + Z para limitar al plano perpendicular al el eje
especificado.
Figura 2-88: Modelado de la correa de un círculo
Así, con el fin de limitar su ampliación al plano xy, como
se ilustra en la figura 2-88 , usa Shift + Z. Cuando usted
tiene el cinturón de seguridad del lado derecho, la
extrusión de la cosa entera para dar un poco de grosor y de
bajar otra vez en el plano xy. Eliminar las caras interiores
de la correa.
Cuando haya terminado de modelar el cinturón, entrar en
el modo de objetos, seleccione la malla de cuerpo, y
aplicar el modificador Mirror. Esto hace que el virtual,
reflejada vértices real, y ahora son independientemente
editable. Después de haber aplicado el modificador Mirror,
seleccione el objeto del cinturón, y luego mantenga Mayús
mientras selecciona el objeto corporal. El orden de
selección es importante aquí porque el último objeto
seleccionado será el objeto de que todo el mundo está
unido a. Presione Ctrl + J para unir las dos mallas.
Esto se encarga del cuerpo. Vas a modelar la cabeza como
un objeto separado en la siguiente sección.
Modelado de la cabeza
Ahora pasemos a la cabeza. Como se mencionó
anteriormente, la cabeza será un objeto separado. Para
concentrarse en el modelado de este objeto sin distraerse
con el modelado que ya has hecho, usted puede hacer este
trabajo en una capa separada.
Funcionalidad de Blender capa le permite crear grupos de
visibilidad que se pueden activar o desactivar a su gusto.
La escena predeterminada es todos ubicados en la primera
capa, y sólo la primera capa está dispuesto a ser visible por
defecto. Cambie a la segunda capa haciendo clic en el
segundo botón en el banco capas botón en la cabecera de la
ventana 3D, como se muestra en la Figura 2-89 .
Figura 2-89: Conexión a la capa 2
Añada un nuevo cubo pulsando Shift + A y el Cubo de
elegir ⇒ Mesh en el menú Agregar. Pulse Alt + G y Alt +
R si es necesario para despejar cualquier traslación o
rotación del objeto nuevo. Tab en el modo de edición, y se
subdividen, a suavizar la malla de la misma manera que lo
hizo anteriormente para comenzar a modelar el cuerpo (la
tecla W se abrirá el menú de herramientas de malla
especial cuando se tiene un objeto de malla de tipo
selectivo y en el modo de edición) . Agarrar y escalar el
cubo subdividido, y lo colocamos sobre la cabeza de la
imagen de fondo, como se muestra en la Figura 2-90 .
Figura 2-90: Un cubo de nuevo después de que la
herramienta Suavizar Subdivide
Utilice la herramienta de corte Loop para crear más
geometría que trabajar. Figura 2-91 muestra la malla
después de cuatro lazos horizontales nuevos han sido
cortadas.
Seleccione las caras delanteras donde iran los ojos , extruir
una vez, y luego escalar hacia abajo, como se muestra en la
figura 2-92 . Haga dos cortes de bucle vertical como se
muestra en la figura 2-93 .
Seleccionar los nueve caras que componen la parte frontal
de la zona de la nariz y la boca, y extruir y la escala dos
veces, ajustando la ubicación de los vértices para obtener
un resultado, como se muestra en la Figura 2-95 .
Seleccione las seis caras de la parte inferior de la malla, y
eliminarlos con la tecla X, como se muestra en la figura 2-
96 .

Figura 2-91: Cuatro recién cortado lazos del borde Figura 2-92: Extrusión de la zona de los ojos

Seleccione las siete caras que se muestran en la Figura 2-

94 , y sacar la herramienta cuchillo a través de ellos
manteniendo pulsada la tecla K y el botón izquierdo del
ratón y moviendo el ratón a través de las caras como se
muestra. El resultado debe ser similar a la segunda imagen
de la figura 2-94 . Tenga en cuenta que el quad en el área
del ojo se ha convertido en triángulos para adaptarse a la
geometría de nueva creación. Esto está bien. Más tarde,
usted va a eliminar estos triángulos de todos modos.
Figura 2-93: Dos nuevos recortes de bucle Figura 2-95: Extrusión de la zona de la nariz y la boca
dos veces

Figura 2-96: Eliminación de caras en la parte inferior

del modelo

Figura 2-94: Cómo hacer un corte con la herramienta

cuchillo y la topología resultante

En este punto, debe ser lo suficientemente cómodo con las

herramientas para hacer un poco de vuelo en solitario. Siga
las imágenes en la Figura 2-97 para continuar el modelado
de la cabeza y la cara.
Figura 2-97: Modelado de la cara con cortes y otras con la tecla F. Luego hay que hacer algunos cortes y
extrusión extruir hacia adentro para crear las cuencas de los ojos,
como se muestra en la Figura 2-98 .

Figura 2-98: Modelado de los párpados y las cuencas de

los ojos

En este punto, añadir un modificador subsurf para tener

una mejor idea de cómo el modelo se verá cuando esté
terminado. El modelo hasta ahora debe ser similar al que
se muestra en la Figura 2-99 . También puede comprobar
lo que tienes en contra del modelo en el archivo. Mezcla de
este capítulo en los archivos del libro de compañía pueden
descargar.

Ahora dirige tu atención a la zona de los ojos. Es necesario

reorganizar las caras en la zona de los ojos ligeramente
mediante la supresión de algunas caras y haciendo algunas
 Figura 2-100: Extrusión de la base de la oreja
Figura 2-99: El modelo hasta ahora, con subsurfing

Más tarde, cuando se agrega el cabello para el personaje,

será útil contar con la porción de cabello del cuero
cabelludo emisor de modelado de una forma intuitiva. Para
lograr esto, usted hacer algunos ajustes a la topología de la
cabeza. Pero antes de eso, la extrusión de la base de las
orejas, como se muestra en la Figura 2-100 para que tenga
una mejor idea de donde la línea del cabello debe ser
localizado. Una herramienta muy útil para ajustar la topología de un
modelo es la herramienta Rotate Edge, al que se accede
desde el menú Mesh en la cabecera 3D Viewport (este
menú sólo está presente cuando una malla se selecciona en
el modo de edición). Seleccione los dos vértices que se
muestran en la Figura 2-101 , y elegir Mesh ⇒ ⇒ Edge
Rotar CCW para girar en sentido antihorario en el borde de
la malla, como se muestra en la figura. Utilice la
herramienta de Edge girar de nuevo para hacer girar el Figura 2-103: La fusión de dos vértices
borde se muestra en la Figura 2-102 .

Combinar los dos vértices que se muestran en la Figura 2-

103 en un solo vértice. La herramienta de combinación se
puede encontrar en el menú de malla Especiales (W tecla)
o activado directamente con Alt + M. En el Centro de
elegir cuando le pida que elija donde los vértices deben
fusionarse. Esto combinará los vértices en un punto medio
entre los dos vértices originales.
Figura 2-104: Más rotaciones borde y se funde vértices
Continúe de esta manera, mediante la rotación bordes y para crear una línea de cabello
vértices fusión, para modelar la línea del cabello en la
malla, como se muestra en la Figura 2-104 .

Figura 2-101: Rotación de una ventaja dentro de la

malla

Figura 2-102: Rotación otro borde
Una vez que haya terminado con el esquema básico de la
línea del cabello, es una buena idea para limpiar la
topología del cuero cabelludo un poco. Siga las imágenes
en la figura 2-105 para hacer esto. Cuando haya terminado,
añadir otro bucle borde alrededor de la línea del cabello
con la herramienta Lazo Edge (Ctrl + R), como se muestra
en 2.106.
Ahora puede volver a terminar el oído. A partir de la base Figura 2-105: Optimizando la topología del cuero
que previamente extruido, extrusión, la escala y traducir cabelludo
las caras para crear una forma de la oreja áspero, como se
muestra en la figura 2-107 . Seleccione las caras que se
muestran en la figura 2-108 , y suavizar utilizando la
herramienta suave en el menú Specials malla (W key).
Girar las iteraciones de suavizado hasta todo el camino a
100 en el campo correspondiente en el estante de
herramientas, como se muestra en la figura.

A partir de esta base y con las habilidades que he recogido

hasta ahora en este capítulo, usted debería ser capaz de
utilizar la herramienta de extrusión, y la escala, rotar y
trasladar el fin de terminar el modelo de oreja, como se
muestra en la Figura 2-109 .
Figura 2-106: Adición de un bucle borde alrededor del Figura 2-108: Suavizado de la base de la oreja
área del cuero cabelludo

Figura 2-109: Finalización de la oreja

Figura 2-107: Extrusión de geometría más oído

Todo lo que queda por hacer en este modelo en términos Figura 2-111: Extrusión el cuello
de nueva geometría es añadir algunos vértices de la base de
la cabeza, como se muestra en la figura 2-110 , y para
extruir el cuello, como se muestra en la Figura 2-111 .

Figura 2-110: Agregando algunos rostros para el área

del cuello

Una vez que hayas llegado hasta aquí, mueva el cuerpo

visible, mantenga Mayús + clic en el botón de la primera
capa en el modo de objetos para ver cómo la cabeza y el
cuerpo encajan. Realice los ajustes necesarios para
conseguir que se ajuste muy bien juntos, como se muestra
en la figura 2-112 . Este es también un buen momento para
añadir ojos a la modelo tal y como lo hizo en el "Poly-por-
Poly Modeling Modelado y Box" de este capítulo y hacer
los ajustes necesarios en la forma de la cara para dar cabida
a los globos oculares.

Para cualquier animación que implica el carácter de abrir la

boca, por supuesto, usted también tendrá que tener la boca
modelada. Esto incluye la cavidad bucal, la lengua, y las
filas superior e inferior de los dientes. Figura 2-113
muestra una configuración sencilla boca que se puede
utilizar para este personaje, y la figura 2-114 muestra su
ubicación en el interior de la cabeza. Asegúrese de que no Figura 2-114: Colocación de la boca interior
se asoman a través de la superficie de la cara.

Figura 2-112: La cabeza y el cuerpo juntos

Una vez que haya terminado todo esto, tomar un descanso!

Has terminado el Capitán completo modelo Blender, y ya
está listo para pasar a la adición de materiales y texturas
para hacer el modelo más convincente. Figura 2-115
muestra una representación simple de la malla completa
Capitán Blender.
Figura 2-113: Modelado de la boca interior
Figura 2-115: El acabado Capitán modelo Blender muestran en azul por defecto en Blender). Muy a menudo,
las normales apuntan hacia fuera, y en todos los casos debe
ser consistente a través de una malla. En este caso, las
normales en la mitad izquierda de la malla están apuntando
hacia fuera, como debe ser. Debido a que la malla de la
figura es a la vista sólida, no puede ver las normales en el
lado derecho, ya que se invierten y están apuntando hacia
adentro.

Este problema es fácil de resolver. Seleccionar todos los

vértices, y pulse Ctrl + N. El problema debería
desaparecer. Si no es así, podría haber problemas más
serios con la estructura de la malla.

Figura 2-116: normales inconsistentes

Problemas comunes y soluciones de modelado de malla

Muchos de los problemas más comunes que surgen durante

el modelado de malla son fáciles de detectar y tienen
soluciones sencillas. Esta sección cubre algunos que están
seguros de si lo hace surgir modelado de malla amplia.

Normales inconsistentes

Un indicador de sombras como feo negro costura como el

de la figura 2-116 indica las normales no coincidentes. En
la Plataforma de Propiedades (presiona la tecla N en el
visor 3D) en el panel de visualización de malla, se puede
seleccionar para mostrar caras normales. Si usted hace
esto, usted puede ver en qué dirección de las normales en
su punto de malla, como en la figura 2-117 (normales se
Figura 2-117: Con Draw Normals encendido, no lo
hacen, apuntan hacia el exterior.
Los rostros superpuestos
El problema de las caras superpuestas a menudo no es
aparente en la ventana 3D en Blender, sino que se hace
visible sólo cuando la imagen se representa, a aparecer
como un patrón de artefactos oscuros en la superficie de la
malla, como en la figura 2-118 . Este problema es causado
por múltiples caras que comparten las mismas
coordenadas. Es más a menudo el resultado de duplicar
inadvertidamente una malla o una porción de una malla y
dejando la porción duplicado en el mismo lugar que el
original.
Figura 2-118: rostros superpuestos crean artefactos
cuando se representa.
Hay dos posibilidades probables. En primer lugar, podría
haber duplicado el objeto. En el modo de objetos, haga clic
en el objeto de malla una vez, y moverlo con G para ver si
se trata de un duplicado, como en la figura 2-119 . Si se
trata de un objeto duplicado, eliminar la copia no deseada.
Si no es un objeto duplicado, los vértices y las caras de la
malla fueron probablemente accidentalmente duplicarse en
el modo de edición. Esto puede aparecer como un extraño
patrón de aristas seleccionadas, como en la figura 2-120 ,
pero podría también no ser evidente a todos. En cualquier
caso, la solución consiste en seleccionar todos verts en la
malla, pulse la tecla W para visualizar el menú Specials, y
seleccione Quitar Dobles.
Figura 2-119: Mover un objeto a un lado para ver si se Las caras internas
está escondiendo un objeto idéntico.
Pellizcos no deseados en su malla es a menudo el resultado
de tener caras innecesarias conectan las partes de la malla
que no debería estar conectado. En general, una malla debe
ser hueco, sin compartimentos separados dentro de la
misma. La malla de pinzado en la Figura 2-121 es el
resultado de tener caras internas que conectan el bucle
medio de vértices.

Figura 2-121: Un efecto causado por pellizcó de caras

internas

Figura 2-120: Un patrón de selección extraño en el

modo de edición podría indicar la superposición de
caras.

Puede resolver este problema mediante la selección de

todas las caras internas no deseadas (véase la figura 2-122
) y borrarlos con la tecla X, la elección de las caras en el
menú Eliminar.
Figura 2-122: Eliminar no deseados caras internas para
resolver el problema.
Dobles deseados
Otro problema común es la aparición de una costura de
plegado en su malla, como en la figura 2-123 , que es
causada generalmente por los bordes doblados.
Figura 2-123: Un aumento no deseado causado por
duplicado en marcha verts
Use la herramienta Cuadro de Selección (B) para
seleccionar la costura, como en la figura 2-124 y
seleccione Quitar dobles (se puede acceder desde el menú
W ofertas). Si los vértices no están exactamente en el
mismo lugar, podría ser necesario ajustar el valor de
umbral de combinación en el panel de operador Tool Shelf
cuando Remove Doubles se lleva a cabo. Al aumentar este
valor aumenta el área dentro de la cual se consideran verts
duplica el uno del otro. Al aumentar este valor demasiado
alto en los resultados de la fusión de vértices que no
deberían fusionarse, así que ten cuidado.
Figura 2-124: Seleccionar todo verts en el área afectada superficie de este problema en la figura 2-125 . La causa
utilizando la herramienta Cuadro de Selección. del problema es más evidente cuando la malla se vieron en
modo alámbrico, como en la figura 2-126 .

Figura 2-125: Problemas causados por extrusión no

deseado

En algunos casos, si hay una costura en la que los vértices

correspondientes son demasiado lejos uno del otro que se
combinarán utilizando dobles eliminar, podría ser
necesario para "soldar" la costura cerrada verts dos a la
vez. Seleccione la verts dos que desee combinar, pulse W y
seleccione Combinar. Es posible que tenga que hacer esto
para todos los vértices en la costura en algunos casos.

Extrusiones no deseadas

Al pulsar accidentalmente Ctrl + LMB con un solo vértice

seleccionado es una causa común de extrusiones no
deseados, que pueden aparecer en una malla en una
variedad de formas, creando espinillas y marcas de viruela
en la superficie de la malla, dependiendo de la naturaleza
de la extrusión. Usted puede ver los resultados de la
Figura 2-126: protuberancias no deseadas en modo Figura 2-127: Un vértice duplicado
wireframe

Ahora que usted entiende los fundamentos de modelado de

malla y han creado la malla del personaje, se puede
empezar a añadir más detalles. El siguiente capítulo cubre
La solución es simplemente para eliminar el verts extruido. la creación de materiales y texturas y el uso de partículas
En los casos en los que los vértices han sido extruido lo estáticas para hacer el pelo.
suficiente como para ser claramente identificable, como en
los dos casos en que los vértices se extruyen a y desde la
superficie de la malla, los vértices pueden ser
seleccionados y eliminada.

En el caso más sutil en la figura 2-127 , el vert extruido no

fue desplazada y así reside en la misma coordenada como
la vert original. Esto es en realidad un caso más de los
dobles no deseados, y la solución es seleccionar el vert
duplicado en el apartado de la herramienta Seleccionar y
eliminar dobles.
Versión traducida de capitulo 03.xhtml por lo que este capítulo será empezar por examinar esa
relación.
Capítulo 3
Cada objeto de malla puede tener un número virtualmente
Completar el modelo con materiales, texturas, y ilimitado de ranuras de materiales asociados. Cada ranura
Cabello de material se asigna a cero o más caras en la malla.
Asimismo, cada ranura de material se asocia con un solo
En los capítulos anteriores cubrieron los aspectos básicos material. De esta manera, los materiales se asignan a las
del uso de diversas herramientas de modelado de Blender caras en la malla. La relación entre las ranuras de material
para crear formas orgánicas. Pero esto es sólo el primer y materiales no es necesariamente uno-a-uno. Un único
paso de la creación de personajes. Por defecto, todas las material puede ser compartido por dos ranuras de
formas que construyen comenzar como un uniforme gris, materiales diferentes. Figura 3-1 muestra una posible
opaco, material ligeramente brillante. Para hacer disposición de las ranuras y materiales. En esta figura, se
personajes interesantes y realistas, o simplemente para muestran cuatro ranuras representadas por rectángulos en
cambiar su color, es necesario profundizar en el mundo de la parte izquierda, y tres materiales se muestran,
los materiales, las texturas, y el pelo de partículas para representados por círculos de la derecha. Las ranuras 3 y
completar el modelo. 4, tanto el material de enlace a tercera, etiquetadas M3. En
la práctica, esto significa que si edita M3, cambiando su
 Materiales y ranuras de materiales color u otras propiedades, las partes de la malla con las
 Propiedades de los Materiales ranuras 3 y 4 asignado cambiará.
 Texturas y mapeado UV
 Trabajando con el pelo de partículas Figura 3-1: Materiales y ranuras de materiales
Materiales y ranuras de materiales ( VER VIDEO 1,
2)
En Blender, las propiedades visibles de los objetos están
determinadas por los materiales de los objetos. Los
materiales contienen información sobre el color, la
transparencia, reflectividad, y otras cualidades que
determinan la forma en que los objetos aparezcan y cómo
responden a la luz. Los materiales también contienen
información acerca de las texturas, que permiten un
control más preciso sobre las propiedades de la superficie
de los objetos. Blender materiales asociados con objetos a
través de las ranuras de materiales. La distinción entre un
material y la ranura que ocupa en un objeto es importante,
De hecho, las franjas horarias en Blender no están Figura 3-2: La ventana Propiedades de Materiales
explícitamente numerados. Anteriores versiones de
Blender utiliza explícitamente numerados índices de
materiales, pero ahora no es más que un montón de
ranuras. Las etiquetas numeradas que utilizo en las cifras
aquí son simplemente contando desde la parte superior.

Para echar un vistazo a las ranuras de materiales

directamente, el fuego de Blender, y seleccione el cubo
por defecto. Mira a la ventana Propiedades del material,
como se muestra en la Figura 3-2 . Las ranuras de material
para este objeto se muestran en el panel cerca de la parte
superior de la ventana con los iconos más y menos a la
derecha del mismo. Por defecto, el cubo está asociado con
una ranura solo material que contiene un material con el
Nombre del material. Conceptualmente, lo que estamos
viendo representa la relación ranura / material que se
muestra en la Figura 3-3 .
Figura 3-3: La disposición de material por defecto
Haga clic en el campo de color difuso para que aparezca
un selector de color circular, y establecer el color difuso
del material en esta ranura, como se muestra en la Figura
3-4 . He puesto este material verde.
Figura 3-4: Cambiar el color difuso
Tener más de una materia en una malla, es necesario
agregar primero un slot nuevo material para sostener el
nuevo material. Para ello, haga clic en el signo + a la
derecha de la pila de material de las franjas horarias. Al
hacer esto, una nueva ranura aparecerá, como se muestra
en la Figura 3-5 . Esta ranura materia es también la
etiqueta Material. Esto significa que la ranura de nuevo
material está asociado con el mismo material que la
primera ranura. Conceptualmente, la disposición es como
se muestra en la Figura 3-6 . Todavía hay solamente un
material a trabajar. Cambie el nombre del material algo
significativo, como Green, introduciendo el nuevo nombre
en el campo material justo debajo del panel de pila. Como
se puede ver en la Figura 3-7 , el nombre en ambas
ranuras de cambios a Green.
Veamos de nuevo el campo en el que ha introducido el
nombre. A la derecha del nombre del material en este
campo es el número 2, la letra F, un signo más, y un
símbolo X. El 2 significa que este material está asociado a
dos usuarios. En este caso, esto significa que el material
está siendo utilizado por dos ranuras. El botón F alterna un
usuario falso para el material. Esto es útil si usted tiene un
material sin ranuras con lo que usted desea guardar. El
símbolo más crea un nuevo material, y el símbolo X
elimina el material de esta ranura.
Figura 3-5: Adición de un slot nuevo material
Figura 3-6: La ranura de nuevo compartiendo un muestra en la Figura 3-8 . Blender ha creado un nuevo
material material, distinto que es una copia exacta del material
Verde original y lo llamó Green.001 según automáticos de
Blender convenciones de nomenclatura. Cada vez que
Blender tiene que nombrar a un elemento con un nombre
ya utilizado-, se añade un índice de tres dígitos al nombre,
a partir de 0.001 y la iteración cuando sea necesario. La
situación ahora se muestra en la Figura 3-9 .

Figura 3-8: El material recién creado

Figura 3-7: El material renombrado

Figura 3-9: La relación entre las dos ranuras y los dos

materiales

Como usted probablemente ya habrá adivinado por ahora,

que desea hacer clic en el signo más para crear un nuevo
material en esta ranura. Otra forma de hacer la misma cosa
es hacer clic en el botón con el 2 escrito en él, lo que
tendrá el efecto de hacer que el material de "usuario El punto importante aquí es que Green.001 ahora es un
único" material. Al hacer clic en cualquiera de estos material completamente separadas. Puede cambiar las
símbolos, la segunda ranura va a cambiar, como se
propiedades de este material sin afectar el material verde
original. Probar ahora cambiando el color del material
nuevo. He hecho mis púrpura y cambió el nombre del
material de púrpura, como se muestra en la Figura 3-10 .
Figura 3-10: Materiales verdes y púrpura
panel Material de ranuras con la ranura de material
seleccionado. En la figura 3-11 , se puede ver el cubo con
la cara superior seleccionado (el objeto se muestra en
wireframe para mostrar más claramente la selección). Con
púrpura seleccionadas en la pila de material ranuras, haga
clic en Asignar y, a la cara superior del cubo se vuelve
púrpura, como se muestra (en blanco y negro, por
supuesto) en la Figura 3-12 .

Figura 3-11: El cubo con la cara superior seleccionado

Si has seguido los pasos hasta ahora, debe tener dos

ranuras de material en el objeto, con materiales únicos en
cada uno, una verde y la otra morada. Sin embargo, el
objeto en el visor 3D, el cubo por defecto, sólo es verde.
Esto se debe a que todas las caras del cubo están todavía
asociados con la ranura primer material.

Para asignar un material a una cara, simplemente ubicate

en el modo de edición, seleccione la cara o caras que
desea asignar el material y haga clic en Asignar en el
Figura 3-12: El cubo con dos materiales asignados
Se puede controlar qué materiales están asociados con qué
ranuras mediante la selección de la ranura y la elección de
un material desde el campo material menú desplegable,
como se muestra en la figura 3-13 . Si opta por el primer
puesto y elegir Purple en el menú desplegable, el cubo
entero se volverá de color púrpura. La cara superior y el
resto del cubo están todavía asociados con ranuras
separadas, pero las ranuras tanto en el punto a del mismo
material.
Figura 3-13: Selección del material de la ranura que se
apuntan a
Propiedades de los Materiales
Ahora que ya has visto cómo asociar materiales y las
ranuras de materiales con partes de su malla, echemos un
vistazo más de cerca lo que puede hacer con estos
materiales. Para los propósitos de este libro, basta pensar
en los materiales como esencialmente colores y
propiedades de sombreado. Usted aprenderá más acerca
de texturas, pero no va a ver algunas de las propiedades de
los materiales más exóticos y funciones disponibles en En Blender, el color y el sombreado para el componente
Blender. Para una información más detallada sobre los difuso y el componente especular se definen por separado,
materiales, al igual que con todos los casos, conviene como se muestra en la Figura 3-14 , donde se revela el
consultar la documentación oficial. menú desplegable para el sombreado difuso para mostrar
la lista de opciones de sombreado para dar sombra difusa .
Como vimos en la primera sección, una característica
importante de un material es el color. Puede definir R, G, Figura 3-14: Shader información en la ventana
B y valores en el widget selector de color, haga clic en la Propiedades del material
rueda de color, usando los controles deslizantes RGB, o
haciendo clic en el valor y la edición de los valores
directamente o utilizando la muestra de color representado
por el icono de cuentagotas poco.

Shaders influyen en cómo la luz se refleja desde la

superficie de un objeto. En la naturaleza, esto es
determinado por las propiedades físicas de la superficie
del material. Shaders son algoritmos para simular los
efectos de reflexión de estas propiedades físicas. Hay
algoritmos separados de sombreado para manejar
sombreado difusa y especular sombreado.

Ofertas difusas sombras con la luz que se refleja en los

objetos en todas direcciones, creando un color uniforme,
superficie mate. Ofertas especulares sombreado con luz
que se refleja en un ángulo específico de la superficie del
objeto, la creación de puntos destacados. Esta no es una
distinción que existe en la realidad, en la realidad, la luz es
luz. Sin embargo, en los gráficos por ordenador, es una
distinción importante. La mayoría de los materiales tienen
tanto un difuso y un componente especular. Materiales
brillantes tienen un mayor componente especular, mate y
materiales tienen un menor componente especular.
Normalmente lo que pensamos que es el color de un
objeto es el color de su componente difuso, el componente
especular es generalmente de color blanco.
Toon Shading Style y Anime

Normalmente se utiliza un sombreado para crear una

simulación realista de una cierta superficie física
específica. En la animación de personajes, una excepción
común a este uso de shaders está en sombreado Toon, lo
que crea una apariencia de dibujos animados o tradicional
2D estilo anime. Shaders Toon dividir gradaciones en
varios niveles de sombreado que se puede alisar y obtiene
como resultado una clara distinción, cartoony entre las
partes iluminadas y partes sombreadas del objeto. Toon
shaders se utilizan a menudo en conjunción con la
característica de borde en el panel Render botones, lo que
añade un contorno alrededor del objeto como parte del
proceso de renderizado, mejorando aún más el aspecto 2D
tradicional. Nodos de Materiales

En la imagen se muestra aquí, el viejo se representa en la
derecha está hecha de materiales toon-sombreadas con la
función Edge encendido, en contraste con el modelo más
realista sombra y rendido viejo de la izquierda. En este
caso, los materiales en el anciano de la derecha eran todo
listo para toon shading para los shaders tanto difusa y
especular con el valor Smooth establece en 0 para una
nitidez máxima entre las áreas sombreadas y nonshaded.
Especularidad y valores de tamaño varió entre los
materiales, y usted debe experimentar el efecto que desea.
Blender tiene un sistema de nodos de gran alcance que
usted puede utilizar para crear materiales y para hacer la
imagen de composición avanzada. Los nodos se
comportan de manera similar a la forma en capas se
comportan en algunas 2D aplicaciones de procesamiento
de imágenes, permitiendo efectos y las entradas que se
establezcan una sobre otra y combinarse de diversas
maneras. Los nodos son mucho más potentes que las
capas en este sentido, ya que se pueden combinar en
formas no lineales. Con los nodos de materiales, usted
puede tener un control total sobre todos los aspectos de un
material mediante la combinación de los componentes
fundamentales de los materiales y shaders de una manera
flexible. Los nodos forman una red de entradas y salidas
relacionadas, que se pueden ver y editar en la ventana del
editor de nodos, el nodo de configuración básica para el
material por defecto se muestra aquí.
 colorido traje, por no mencionar un poco de piel y el
cabello.

Orange parece un buen color para las medias capitán de

Blender, y el azul es bueno para los guantes, botas y
pantalones. Para variar, usted hará su cinturón negro.
Haga clic en el signo más al lado del panel de material
ranuras dos veces para crear dos nuevos espacios.

Usted puede hacer los próximos pasos en cualquier orden.

Es necesario asociar grupos de vértices en la malla con
ranuras de materiales, y usted tiene que crear y nombrar
un nuevo material para cada ranura. Por defecto, la malla
entera se asigna slot1 material, que será el material de
color naranja. Vamos a empezar por la selección de las
partes de la malla quieres ser azul en el modo de edición,
como se muestra en la Figura 3-15 .

Usted verá un ejemplo sencillo de trabajar con los nodos Figura 3-15: Selección de las partes de la malla para
de este capítulo, pero el conocimiento que ganar si hacer azul
trabajan con el sistema ordinario de Blender materiales
tampoco se desperdicia cuando se pasa a usar los nodos de
material más fuerte. Los materiales que se utilizan nodos
siempre se compone de al menos un material de base (no
nodo) que es la entrada a la red de nodos. La comprensión
que tiene de color, sombreado, espejo, transparencia y
texturas todos seguirá siendo pertinente cuando se trabaja
con nodos. En este sentido, los nodos de materiales no
sustituyen el sistema de materiales de base sino que se
extienden.

Sombreado y materiales para el Capitán Blender

Volvamos al modelo de superhéroe que estaba trabajando

en el capítulo anterior. Usted quiere ahora darle un
Haga clic en la ranura segundo material, y haga clic en
Asignar. A continuación, haga clic en el signo más situado
junto al campo Nombre del material para crear un nuevo
material. El nombre del nuevo material se generará
automáticamente a Material.001. Cambiar el nombre de
este azul material. Cambie el nombre del primer material
de Orange.
Para el material azul, establezca los valores RGB como R,
G: 0,2: 0,2, y B: 0,6. En Blender, los valores de color van
de 0 a 1. Si está acostumbrado a trabajar con una escala de
0 a 255, usted simplemente debe pensar en 1 como el
equivalente de 255, el valor máximo del color, siendo 0 el
mismo en ambos casos. Guantes capitán de Blender, botas
y pantalones están hechos de PVC super-fuerza, y shaders
Lambert y Wardiso son buenos para los plásticos, por lo
que vamos a usar un shader difuso Lambert con intensidad
fijado en el 0,8, porque el sombreado especular, podrás
utilizar el sombreado Wardiso con especularidad fijado en
0,6 y en 0,2 Definir pendiente.
Para Orange, establezca los valores RGB a 1,0, 0,3 y 0,0,
respectivamente. Capitán Blender pasa mucho tiempo en
este juego, y tiene que ser agradable a la piel, por lo que
tendrá que dar una superficie aterciopelada bien mediante
el uso de un sombreado Minnaert con el valor de contraste
ajustado a 0,4. Hay especularidad muy poco sobre este
material, por lo que para el sombreado especular, podrás
seguir con el shader CookTorr defecto con especularidad
establece en 0,01.
Ejecutar un render pulsando F12 para ver cómo estos
shaders busca en su malla. (En Mac, tendrás que ajustar
los atajos de teclado de Mac no para reemplazar este
hotkey Blender, pero se le alegra que usted lo hizo.)
Compruebe el Capítulo 11 para obtener consejos sobre
cómo configurar la cámara y la iluminación para un render
guapo .
Ahora seleccione cinturón capitán de Blender. Para ello,
coloca el ratón cerca de uno de los vértices de la correa, y
pulse L. Debido a que la correa no está conectado por los
bordes con el resto de la malla, se pueden seleccionar
fácilmente de esta manera. Asigne el cinturón a la tercera
ranura, y luego añadir un nuevo material para este ranura
presionando el símbolo más. Cambiar el nombre de este
material a Negro. Ajuste el color y el sombreado para el
cinturón (se puede experimentar un poco con los ajustes).
Tendrá que hacer lo mismo con el interior de la boca del
capitán de Blender y sus dientes, que son un objeto
independiente. Puede seleccionar las piezas de malla
individuales con la tecla L. Mantenga el oscuro color y
baja reflectividad en el interior de la boca, ya que se
notará si es demasiado brillante.
Basic Texturizado
Traje de superhéroe no está completo sin un gran logotipo
splashy sobre el pecho. Para ello, se utiliza una imagen de
textura de una manera análoga a una calcomanía. Para
controlar la posición, el tamaño y la rotación de la
etiqueta, se utiliza un objeto vacío. Entra en el modo de
objeto, pulse Mayús + S para ajustar el cursor 3D a la red,
y añadir un objeto vacío con Shift + A. Colocar el objeto
de vacío en ángulo recto delante del pecho moviendo el
vacío con la tecla G y restringiendo el movimiento de los
ejes correspondientes con el Y y Z teclas. Girar el objeto
Empty pulsando la tecla R seguida de la tecla X y luego
ingresando el número 90 directamente a través del teclado
para rotar el objeto Empty 90 grados hacia la izquierda
alrededor del eje x, de modo que el objeto Empty 's del eje
z puntos de distancia hacia el exterior de pecho Capitán de
Blender, como se muestra en la figura 3-16 .
Figura 3-16: Colocación del objeto vacío en frente del
pecho
Usted querrá este objeto vacío para seguir el movimiento
de la malla cuando el Capitán Blender poses. Para ello, se
utiliza un tipo especial de crianza para padres llamado
vértice. Concretamente, vamos a usar tres vértices crianza
de los hijos. Esto le permite principal de un objeto a otro
objeto no pero a los vértices reales (o triples de vértices)
en el segundo objeto. Para ello, seleccione el objeto vacío
y, a continuación, mantenga Mayús y haga clic con el
Capitán Blender malla. Pulse la tecla Tab para pasar al
modo Editar y seleccione tres vértices de todo el medio
del pecho del capitán de Blender, cerca de la ubicación del
objeto vacío. Presione Ctrl + P, y elija Crear Padres
Vertex. En este caso, se necesitan tres vértices para
asegurarse de que el objeto se deriva que vacía el pecho
del capitán de Blender, incluso cuando la malla se
deforma. En los casos en que sólo necesitan localización
de un objeto a ser influenciado por un vértice, se puede
utilizar un solo vértice padres. Un solo vértice padres y
madres de tres vértices son las únicas opciones para los
padres vértice. Si intenta padre vértice con otra cantidad
de vértices seleccionados, Blender se quejará.
Vas a poner la textura directamente sobre el material de
Orange, por lo que asegúrese de que la ranura de material
apropiado está activo. Vaya a la ventana Propiedades de
textura, y añadir una nueva textura si no lo es ya en el
material. Nombre del logotipo, textura y seleccione
Imagen o Película como el tipo de textura, como se
muestra en la Figura 3-17 . En el panel de imagen en la
ventana de Propiedades de textura, seleccione el archivo
de origen desde su disco duro, como se muestra en la
Figura 3-18 . Encontrará el archivo de origen logo.tif en el
directorio de recursos descargables para este libro.
Figura 3-17: Añadir el logotipo de textura
Figura 3-18: Ajuste de la imagen de la textura un superhéroe obtiene el logotipo en su traje?) Figura 3-19
muestra la configuración de influencia de esta textura.

Por último, es necesario establecer la asignación de los

valores como se muestra en la Figura 3-20 . La
configuración de Asignación definir la relación (mapping)
de los puntos de la textura de puntos en la superficie de la
malla. En este caso, usted va a utilizar el sistema de
coordenadas del objeto vacío que acaba de agregar para
determinar las coordenadas de la textura. Cuando se
mueve el objeto vacío, rota, o las escamas, la textura hará
lo mismo en la superficie de la malla. Seleccione Objeto
en las coordenadas en el menú desplegable e introduzca en
el campo vacío que aparece. En el panel Asignación de
imagen justo debajo, seleccione Cubo Clip. Esto controla
si la imagen se repetirá o si se proyecta a través de toda la
malla. Con Cube clip seleccionado, la imagen aparecerá
sólo una vez y sólo aparecerá dentro de un área en forma
de cubo alrededor del objeto vacío. Esto evitará que la
proyección sobre el personaje de la espalda también.

Figura 3-19: Influencia de la configuración de la

textura

En el panel de influencia, se puede elegir la forma de la

textura que se va a utilizar, es decir, qué características de
la textura influirá en el aspecto de la superficie de la
malla. En este caso, desea utilizar el color de la textura, así
que color debe ser revisado con el valor fijado en el valor
total de 1. Además, usted tendrá la textura influir en la
especularidad de la malla con un valor de 0,8. Esto hará
que el logotipo en la malla un poco brillante, como un
nuevo crujiente hierro-en remiendo. (¿Cómo, si crees que
Figura 3-20: Asignación de valores para la textura y la
imagen
Una vez que haya realizado estos ajustes, ver el resultado
de la prestación con F12. Usted tendrá que asegurarse de
colocar la cámara para que pueda ver la textura y poner
una luz en su lugar de modo que usted puede ver lo que
parece. ¿Cómo se ve? Si el logotipo es demasiado grande
o pequeño, puede ajustar el tamaño de la escala del objeto
vacío. Si está en el lugar equivocado, puede desplazarse
moviendo el objeto vacío. Por supuesto, también puede
rotar la imagen girando el objeto vacío. Figura 3-21
muestra una representación del modelo completo con
materiales hasta el momento.
Figura 3-21: Una representación de los materiales
hasta el momento
Texturas y mapeado UV
Con el ejemplo logotipo, que viste de forma muy sencilla
para asignar una textura a una malla. Claramente, mapeo
de objetos no ofrece suficiente control preciso trabajar
para texturas sofisticadas que necesitan para seguir la
forma de una malla compleja. Para ver un ejemplo de
cómo hacer esto, usted dará vuelta a la cabeza del capitán
de Blender y la cara.
El uso de materiales y shaders opciones no es realmente
suficiente para darle el tipo de mirada que usted desea
para la piel humana. La mejor manera de conseguir una
piel de apariencia convincente es mediante la aplicación
de dos dimensiones texturas a la superficie de la malla, tal
como lo hizo con el logo, aunque usted tendrá que utilizar
un enfoque más sofisticado de mapeo. En el caso del
capitán Blender, usted no va para una mirada realista
sobre todo, pero se pueden aplicar los mismos métodos
que utilizará para crear estilos más realistas. Por supuesto,
un estilo realista requiere texturas más detalladas que un
estilo de dibujos animados.
Asignación de UV proporciona una manera de aplicar una
imagen de dos dimensiones o de la textura sobre la
superficie de un objeto tridimensional. La UV nombre se
refiere a las coordenadas bidimensionales, U y V, que se
mapean en el 3D (X, Y, y Z) espacio de coordenadas.
Blender tiene herramientas poderosas para la creación de
esta asignación, que lo hacen bastante sencillo para
asignar una imagen 2D a objetos 3D cuando usted
consigue la caída de ella.
El primer paso de UV texturización de un objeto es crear
una representación de la superficie sobre la que desea
aplicar la textura en el espacio de coordenadas UV-similar
a la manera mapas del mundo se representa a veces en un
aplanado, piel de naranja estilo. La creación de esta
imagen 2D se llama desenvolviendo. Por defecto, Blender
usa un método llamado ángulo de desenvolver basado
aplanamiento.
Para trabajar con texturas UV, tendrá una ventana abierta
al tipo de editor UV / Image ventana. Dividir el escritorio
Blender en una manera que usted se sienta cómodo, y
asegúrese de que una ventana se muestra el editor UV /
Image y otra ventana muestra el visor 3D.
Debido a que la cabeza del capitán de Blender es más o
menos una superficie cerrada, lo necesario para preparar el
objeto para desenvolver proporcionando costuras a lo
largo de la cual se puede dividir. La primera
desenvolvedor cortará la superficie a lo largo de estas
costuras y luego aplanar.
Crear costuras en el modo de edición seleccionando las
aristas que deben estar juntas y presionando Ctrl + E para
el menú Edge Specials. Seleccione Mark Seam. Haga esto
para las aristas que se muestran en la figura 3-22 . En
general, es una buena idea para tratar de marcar las
costuras en lugares que son propensos a ser discreta
posterior, como partes de la malla que están cubiertos por
el pelo, sólo son visibles desde atrás, o que se ajustan a los
pliegues o lugares ocultos en la malla. También es mejor
para tratar de mantener sus costuras simétricas sobre una
malla simétrica. Por último, trate de poner las costuras en
lugares en los que se distorsione por el acoplado. En la
vida real las costuras en la ropa son una gran referencia
para saber cómo deben crearse las costuras en una malla.
Piense en artículos de ropa con mangas, capuchas, cuellos,
bolsillos, y similares. Considere por qué las costuras de los
artículos están en esas partes.
Figura 3-22: costuras de la marca para desenvolver Figura 3-23: Añadir una nueva textura UV a la malla
UV

Antes de crear un mapeado UV textura real, es necesario

añadir una ranura para su malla. Esto se hace en el panel
Texture UV en la ventana Propiedades de malla. Tenga en
cuenta que usted puede agregar más de una textura UV.
Desafortunadamente, múltiples texturas UV están más allá
del alcance de este libro, pero usted debe ser consciente de
que múltiples texturas UV son posibles. También se
pueden hornear texturas de textura UV uno con una
asignación a una textura diferente UV con una asignación
diferente, que puede ser útil para eliminar costuras
visibles. Por ahora, simplemente haga clic en el símbolo + A continuación, todavía en el modo de edición, seleccione
una vez para crear una ranura UV textura única, como se toda la cabeza con la tecla A. Mueva su ratón sobre el
muestra en la Figura 3-23 . editor UV / Image y desenvolver la malla pulsando la
tecla E. Si su estructura de malla y la colocación costura
son exactamente como se ha descrito hasta ahora,
entonces usted debe ver las islas de malla similares a los
mostrados en la Figura 3-24 . Sus posiciones, tamaños y
rotaciones pueden ser diferentes de los que se muestran,
pero se puede ajustar esto más adelante.
En el menú de la imagen en el editor UV / Image,
seleccione Nuevo. En el cuadro de diálogo que aparece,
seleccione la casilla de verificación situada junto a la
etiqueta de prueba Rejilla UV. Deje los otros valores de la
misma y crear la imagen.
Figura 3-24: El mapeado UV sin envolver
Usted debe ver a un tablero de ajedrez gris con pequeñas
cruces de colores aparecen detrás de tu mapa UV. En la
cabecera 3D viewport, elija la opción Viewport Shading
textura en el menú desplegable a la derecha del menú
Modo. Usted debe ver la textura de rejilla prueba asignada
a la cabeza del capitán de Blender, como se muestra en la
Figura 3-25 . En este punto, debe guardar la imagen
directamente eligiendo Guardar en el menú Imagen de la
cabecera de UV / Image.
Nótese que los cambios a una imagen no se guardan
automáticamente cuando se guarda Blender. Debe guardar
imágenes editadas o nuevo explícitamente como
imágenes. Como sugerencia para el usuario, una imagen
que no se ha guardado todavía tendrá un asterisco aparece
a la derecha de su nombre en la entrada de la barra de
menús.
Ahora puede comenzar a pintar su textura usando la
funcionalidad de Blender Texture Paint. Para ello, basta
con entrar en el modo Texture Paint con el menú
desplegable en la cabecera 3D. Usted puede encontrar las
herramientas de pintura de textura en la plataforma de
herramientas de la ventana gráfica 3D pulsando T o
haciendo clic en el signo más pequeño widget en la
esquina superior izquierda de la ventana gráfica 3D. En el
panel de herramientas se puede elegir el tipo de pincel
haciendo clic directamente sobre el icono de tipo cepillo
en la parte superior del panel, se puede elegir el color de
su pintura textura con el selector de colores, y se puede
ajustar la intensidad, tamaño, y fluctuación de nivel de la
brocha en los campos de valor correspondientes. Cepillo
fuerza y tamaño también se puede ajustar con las teclas
Shift + F y F teclas de acceso rápido, respectivamente.
Figura 3-26 muestra la textura de la pintura en progreso.
Figura 3-25: La malla de rejilla con la textura
predeterminada aplicada
Figura 3-26: Pintura en el modo de pintado de texturas
Tan poderoso como pintura textura es, a veces es posible
que desee hacer un trabajo textura más avanzada,
utilizando fotografías, canales alfa, cepillos más
sofisticados, u otros efectos. Para estas situaciones, puede
modificar la textura en el software de edición de imágenes
de su elección.
Para hacer referencia al patrón de mapa UV durante la
edición, puede exportar el modelo de mapa UV utilizando
la secuencia de comandos de exportación incluidos en
Blender. Esto se encuentra en el menú de UVs en la
cabecera del editor UV / Image en el modo de edición. La
salida del exportador es un archivo de imagen que muestra
la asignación de UV, como se muestra en la figura 3-27 .
Usted puede elegir el tipo de archivo de imagen a
exportar, pero el formato PNG por omisión es una buena
opción. Esto puede ser importado a GIMP como una capa.
Ajuste la capa a Divide modo le dará una capa de guías
blancas sobre la imagen de textura, como se muestra en la
figura 3-28 , para que puedas saber exactamente donde la
imagen se corresponde con la estructura de malla.
Figura 3-27: El patrón UV mapa exportado
Volviendo al Capitán Blender, ahora es el momento de
añadir otra textura. La textura que primero fue añadido
para controlar el color de la malla, pero el color es sólo
una de muchas características de la superficie que pueden
ser controlados con textura. Usted puede controlar la
especularidad, la transparencia, la emicion de luz, y otras
características con las texturas. Un uso importante de
texturas es para controlar los efectos bump. Esto permite
dar la impresión de bultos a una superficie lisa que es en
realidad.
En la piel fotorrealista texturas, bump mapping se utiliza
para crear arrugas, poros, baches y otras irregularidades de
la piel que son demasiado pequeños para modelo con
vértices reales. Con el capitán Blender, usted va para un
efecto mucho menos realista, por lo que sólo vamos a usar
bump mapping para las cejas como un ejemplo del
proceso.
Figura 3-28: Edición de la textura en GIMP
Comience creando una nueva imagen en el editor UV /
Image. ¿Es este exactamente de la misma manera que ha
creado la imagen de textura de color, excepto en lugar de
seleccionar la opción Prueba de cuadrícula UV, deje en
blanco la casilla de verificación y crear una imagen en
negro liso, como se muestra en la Figura 3-29 . Guardar la
imagen con un nombre indicativo para saber a simple vista
que se trata de la imagen de mapa de relieve.
Figura 3-29: Adición de un nuevo todo-negro textura
de la imagen
Una vez más, entrar en el modo Texture Paint, pintura y la
textura. Utilice un tamaño de pincel fino y pintura blanca
para pintar las cejas, como se muestra en la figura 3-30 .
Cuando termine, guarde la textura.
Figura 3-30: Pintar un mapa de relieve para las cejas
En este punto, usted debe tener dos archivos de texturas
diferentes guardados en el disco duro: La textura de mapa
de relieve para las cejas y la textura del color de la cara,
que se muestra en la Figura 3-31 y Figura 3-32 ,
respectivamente.
Figura 3-31: La textura bump mapa terminado
Figura 3-32: La textura de color acabado
Si se va a representar una imagen ahora, se verá que el
capitán jefe de Blender es el gris opaco mismo que era al
principio. Usted ha creado texturas, pero no las ha
aplicado a un material, por lo que el procesador no puede
acceder a ellos. Para hacer estas texturas, primero debe
crear un nuevo material para la cabeza, tal como hizo
anteriormente para el cuerpo (si es un material ya está
activa en la malla, puedes usar ese uno).
malla. Figura 3 -36 muestra los valores de materiales para
el material de la cabeza. Observe que la vista previa
muestra la textura aplicada.
Figura 3-33: Aplicación de la textura de la imagen de
color a la materia

Con la ranura de material seleccionado, entrar en la

ventana Propiedades de textura, y añadir una nueva
textura ranura (de nuevo, si ya hay una ranura textura allí,
el uso que uno). Asigne un nombre al color, textura y
elegir la imagen o película en el desplegable Tipo de
menú. En el panel de imagen, busque la textura del color
que ha guardado en su disco duro. Figura 3-33 muestra la
ventana Propiedades de textura con todo este hecho.

Desplácese por la ventana de Propiedades de textura en el

panel de asignación y elija UV en el menú desplegable.

Que va a hacer lo mismo con el mapa de relieve,

colocándolo en la ranura segunda textura y el
nombramiento de este Bump ranura, como se muestra en
la Figura 3-34 . El valor de esta textura de mapas también
se debe establecer en UV. Sin embargo, en el mapa de
relieve, también debe ajustar los valores de Influencia. En
el panel de Influencia, desactive la casilla Color y
comprobar Especular: Intensidad y Geometría: Normal.
Establecer los campos con los valores de -0,8 y -0,6
respectivamente, como se muestra en la figura 3-35 . Esto
hará dos cosas: que hará que el más brillante de malla en
los lugares donde la textura es blanca (pelo de las cejas es
más brillante que la piel), y que hará que las áreas blancas
a aparecer para volcar hacia fuera de la superficie de la
Figura 3-34: Aplicación de la textura de la imagen Figura 3-35: Influencia de la configuración de la
bump al material textura bump
Figura 3-36: La vista previa de material con la textura Dispersión del subsuelo
aplicada
No importa cuán realista el color, bump, y especularidad
en un modelo es, hay ciertas características de la piel y el
tejido que no se pueden representar con texturas
superficiales solo. De hecho, la piel y el tejido animal (así
como muchas otras sustancias, tales como cera, materia
vegetal, leche, y ciertos tipos de materiales sintéticos) son
ligeramente translúcido y exhiben una propiedad
denominada dispersión del subsuelo (SSS).

Dispersión del subsuelo se produce cuando no toda la luz

que llega a la superficie de un material se refleja
exactamente en la superficie. Parte de la luz penetra en la
superficie ligeramente y se refleja desde un punto dentro
de la superficie. Esto crea un desenfoque (o dispersión)
efecto. En la vida real dispersión del subsuelo es la razón
principal por la que una estatua de cera en el Madame
Tussauds es más real que un maniquí de plástico en
Target.

En Blender, se accede a la dispersión del subsuelo en el

panel de material en el panel de Dispersión del subsuelo.
Para el modelo Capitán Blender, active la casilla de
verificación Subsurface Scattering, y elegir el preset
Skin2, como se muestra en la Figura 3-37 . Rechacé la
influencia color algo para este modelo. Usted debe
experimentar con la representación con SSS activado para
ver el tipo de resultados que produce. Conseguir un efecto
muy realista SSS puede ser complicado, pero es un efecto
importante si usted está buscando modelos de los
personajes reales.
En este punto, con la aplicada texturas y SSS activada, la
malla mostrada debe aparecer como se muestra en la
figura 3-38 .
Figura 3-37: Adición de dispersión del subsuelo
Figura 3-38: La malla hasta ahora
Pestañas
Hasta ahora, usted ha considerado el modelado y
texturizado de malla para tareas separadas. En algunos
casos, sin embargo, las dos tareas se vuelven
especialmente interrelacionados. En el caso de las
pestañas, por ejemplo, puede utilizar una misma textura
para crear la forma de las pestañas. Uso de una textura 2D
en los aviones es una forma común de crear muchos
efectos de pelo. No suele resultar en el cabello de la forma
más realista el pelo partícula que se verá en la sección
"Trabajar con las partículas del pelo" de este capítulo,
pero puede ser mucho más fácil de manejar. En particular,
en un caso simple, como las pestañas, los beneficios de
trabajar con texturas simples a menudo son mayores que
los de la utilización de partículas.
Dado que debe aplicar una textura a una malla, es
necesario volver brevemente a la malla de modelado para
crear una superficie sobre la que aplicar la textura. Vamos
a empezar por la selección y la duplicación de los lazos
del borde alrededor de los párpados, que será
aproximadamente donde desea que el latigazos a ser.
Seleccione el bucle mediante la celebración de Alt
mientras haga clic en el borde en el circuito, y luego
copiar el bucle pulsando Shift + D. Mover los bordes
duplicados fuera un poco a lo largo del eje y para hacerlos
más fáciles de trabajar con, como se muestra en la figura
3-39 . A continuación, podrás extruir el borde a lo largo
del eje y para darle la superficie, como se muestra en la
Figura 3-40 .
Que va a hacer un poco de ajuste ahora, la separación de
los bordes exteriores de la superficie mediante la selección
de cada borde y pulsar la tecla V. Además, mover las Figura 3-40: Extrusión de las pestañas
caras de nuevo hacia la cara y darles forma en la forma en
que desea que las pestañas de ser. Otro paso importante en
este caso es seleccionar todas las caras y pulse Ctrl + N
para recalcular las normales exteriores. Los resultados
deben parecerse a la Figura 3-41 .

Figura 3-39: Geometría Copia de bucles de bordes

para empezar a crear pestañas

Figura 3-41: Selección de las pestañas completamente

modelados
Seleccione sólo las pestañas presionando la tecla L con el
ratón sobre un vértice en cada pestaña, arriba y abajo,
derecha e izquierda. La tecla L le permite seleccionar las
piezas conectadas de malla. Asegúrese de no seleccionar
la malla de toda la cabeza, que ya ha desenvuelto esa
parte, y usted no desea reasignar. Con sólo las pestañas
seleccionadas, pulse la tecla E en el editor UV / Imagen a
desenvolver las pestañas, como se muestra en la Figura 3-
42 .
Atajo: Tecla L selecciona una sola sección de la malla
conectada basado en la proximidad con el puntero del
ratón en el modo de edición.
Figura 3-42: UV desenvolver las pestañas
Exportar el mapa UV como se ha descrito anteriormente,
y abrir la imagen en 2D su aplicación de edición de
imágenes. Añadir una nueva capa transparente y dibujar
algunas líneas de las pestañas simples en la nueva capa,
como se muestra en la Figura 3-43 . Guardar sólo la capa
transparente con las pestañas aprovecharse como su
textura. Guarde el archivo como un archivo PNG.
Figura 3-43: Dibujo de la textura de las pestañas
Crear un nuevo material y asignarlo a la malla de las
pestañas, tal y como lo han hecho varias veces hasta ahora
en este capítulo. Ajuste el color del material a Red: 0,615,
Verde: 0.289, Azul: 0,0. Esto nos dará el color rojizo de
las pestañas. Establecer intensidad especular a 0. Marque
la casilla de verificación Transparencia, y en el panel
Transparencia establecer el valor alfa a 0. Añadir una
imagen de textura al material y cargar el archivo PNG que
acaba de crear como la imagen de textura. Elige UV para
el tipo de Mapping. Si marca la casilla de verificación
Mostrar Alfa en la vista previa textura, la vista previa
textura resultante aparecerá como se muestra en la Figura
3-44 . Establecer el valor de la influencia de la textura con
Alpha, con el pleno (1,0) influencia.
Figura 3-44: La textura de pestañas
Las pestañas material está terminado, pero hay que hacer
un cambio en el material de la cabeza para que pueda
responder correctamente a las sombras proyectadas por un
material transparente o parcialmente transparente. Elija la
ranura de material de la cabeza, y en el panel de la sombra
para el material de la cabeza active la casilla de
verificación Recibir Transparente. La opción Recibir
transparente es necesaria para que la malla puede tener
sombras de los objetos transparentes correctamente. Por
defecto, todas las sombras son tratados como si fueran
emitidos por objetos opacos, por lo que en este caso, las
mallas de pestañas arrojaría sombras negras sólidas.
Tenga en cuenta que si bien la transparencia es una
característica de las pestañas, la posibilidad de recibir las
sombras transparentes de mallas transparentes es una
propiedad del objeto sobre el que las sombras se funden.
Cuando hayas hecho esto, el resultado debe hacer a un
aspecto similar a la Figura 3-45 .
Figura 3-45: Las pestañas terminados
El control de los materiales con los nodos Figura 3-46: Creación de una copia del material de la
cabeza sin SSS
Al revisar brevemente el método descrito aquí para hacer
las cejas, hay algo que no acaba de sentarse a la derecha.
Las cejas asignadas bump-en sí mismas no son tan malos,
pero el hecho de que el efecto de SSS en el material de la
cabeza también se está aplicando a las cejas es un poco
mal. El resultado de esto tiene las cejas parecen más
cerosa y falso de lo que deberían mirar.

Por desgracia, no se puede controlar con un solo SSS

textura superficial. Sin embargo, el uso de Blender potente
sistema de nodos material, se pueden mezclar dos
materiales totalmente distintos en una malla y usar una
textura para determinar dónde se utiliza cada material.

Para ello, primero se crea una copia del material de la

cabeza mediante la selección de su ranura y haga clic en el
signo más a la derecha del campo material ranuras en la
ventana Propiedades del material. 2 Haga clic en el
siguiente nombre para el nuevo material para que sea un
material de un solo usuario. Cambiar el nombre
HeadMaterialNoSSS. Desmarcar Subsurface Scattering,
como se muestra en la figura 3-46 . De lo contrario, deje
la configuración para el material de la misma.

Añadir otra ranura material haciendo clic en el signo más

a la derecha de las ranuras. Una vez más, separar el
material en esta ranura en su propio material de un solo
usuario hace clic en el 2 al lado de ella. Esta vez, haga clic
en el botón de nodos se muestra resaltado en la figura 3-47
para hacer que el material de un material nodo. Un
material de nodo es un material cuyas características son
la salida final de un gráfico nodo. El gráfico nodo puede
tener varios otros materiales o texturas como entradas.
Figura 3-47: Adición de un nuevo nodo de material a desplegable en este nodo, seleccione el material
base de HeadMaterialNoSSS. Añada un nodo de textura pulsando
Shift + A y seleccionar la textura de entrada ⇒.
Seleccione la textura Bump en el menú desplegable. Por
último, pulse Shift + A y seleccione Color ⇒ agregar un
nodo Mix.

La idea es la de mezclar los dos materiales juntos

utilizando la textura como un factor de mezcla. Recuerde
que la textura se corresponde con las cejas, por lo que
debe describir exactamente donde los dos materiales
deben aplicarse. El nodo de red se debe configurar como
se muestra en la Figura 3-48 .

Este es un uso muy sencillo de nodos importantes, pero

hay que empezar a tener una idea de lo poderoso que
puede ser para la creación de materiales complejos y para
mezclar materiales en una forma sencilla y sin problemas
en una malla. Para eliminar un enlace entre dos nodos,
mantenga Ctrl y el botón izquierdo del ratón y arrastre el
ratón a través del enlace.
Las teclas de acceso rápido para agregar y eliminar nodos
son análogos a agregar y eliminar elementos en el visor
3D. Shift + A para abrir un menú de tipos de nodos
posibles para sumar, y la tecla borra X un nodo. Cuando
se crea el material nodo, dos nodos automáticamente se
creará un nodo de material y un nodo de salida. El nodo
Material es una entrada que puede ser ordinaria no basada
en nodos material, y el nodo de salida determina las
características de este material basado en nodos.

Para este ejemplo, seleccione el material de la cabeza

original en el menú desplegable en el nodo Material.
Añadir un nodo Material segundos pulsando Shift + A y la
selección de material de entrada ⇒. En el menú
Figura 3-48: La mezcla de los dos materiales con los
nodos
Ojos modelado
Hasta ahora, nuestro héroe ha faltado una de las partes
más importantes de un rostro humano convincente: los
ojos. Ahora vamos a reemplazar los orbes grises en blanco
que mantiene actualmente con unos ojos reales. Este
proceso también implica algunos pasos adicionales de
modelado de malla.
Vamos a empezar con los orbes mismos, porque ya son
del tamaño correcto. Para ver los globos oculares por su
cuenta, seleccione en Modo Objeto y pulse la tecla de
barra en el teclado numérico para entrar en el modo Local.
Ahora vamos a ver sólo los ojos, y se puede trabajar con
ellos sin ver nada más hasta la próxima vez que presione
la tecla de barra en el teclado numérico.
Además, podrás hacer un solo ojo y luego copiarlo, para
que pueda quitar el modificador Mirror y centrar el objeto
en el centro del objeto orbe único. Para quitar el
modificador Mirror, simplemente haga clic en la X en la
esquina superior derecha del modificador en la pestaña
Modificadores. Para situar el centro del objeto, consulte
"Orígenes del objeto" en el Capítulo 1.
Así que, ahora que estás trabajando con una esfera UV
solo con 12 segmentos y anillos 12. Ingrese el modo de
edición para comenzar a editar la malla. Utilice la
herramienta de corte Loop (Ctrl + R) para hacer un lazo
alrededor de donde cortar el iris será.
El globo ocular se compone de dos esferas, una dentro de
la otra. La esfera exterior es transparente y modelos de la
lente clara delante del iris y la especularidad sobre la
superficie del globo ocular. La esfera interior contendrá
los colores y texturas que desee para las diversas partes
del ojo. Para que las dos esferas, volver al modo de
objetos, y duplicar el orbe con Shift + D. Escalar la nueva
esfera un 1 por ciento pulsando S e inmediatamente entrar
en .99.
Usted va a trabajar con una esfera a la vez, así que vamos
a poner en capas separadas por el momento. Entre en el
modo objeto, seleccione la esfera exterior, pulse M y
seleccione cualquiera de los botones de capa actualmente
invisibles para poner la esfera en esa capa.
En el ámbito interno seleccionado, vaya al modo de
edición y crear una indentación cóncava donde el iris será.
Asegúrese de tener la edición proporcional encendido con
el menú desplegable que aparece en la cabecera de la Figura 3-49: Modelado de una sangría para el iris
ventana 3D y se puso a Atenuación Esfera. A
continuación, seleccione el vértice en el polo de la esfera y
el uso de G, Y para mover el punto hacia el interior.
Asegúrese de ajustar la influencia de la herramienta de
edición proporcional con la rueda del ratón para que sólo
los más cercanos vértices son afectados. Usted puede ver
la influencia de la herramienta de edición proporcional
como un círculo gris muy claro.

Si intenta mover el vértice y los movimientos del globo

ocular entero, es porque el campo de la herramienta de
edición proporcional de influencia es muy amplia. Puede
ser que sea demasiado grande para que usted pueda ver el
círculo en el visor 3D. Puede que tenga que mover la vista
un poco para ver el círculo. Además, recuerde que usted
puede ajustar el campo de la herramienta de edición
proporcional de influencia sólo mientras se está editando.
Debe pulsar la tecla G primero, y luego se puede ajustar el Esa es toda la modelación que hay que hacer en el interior
tamaño del círculo. Usted debe terminar con una sangría del ojo. El verdadero trabajo aquí está hecho en el
como la que se muestra en la Figura 3-49 . material, y específicamente en texturas. Crear un espacio
nuevo material, y el nombre de EyeBall en los materiales
de edición zona. Gire el RGB valora todo depende de uno,
haciendo que el globo ocular blanco puro. En el panel
especular, ajuste de Intensidad a 0.

El iris y la pupila consistirá en tres texturas de

procedimiento en capas en la parte superior de uno al otro,
que en conjunto crean el color, la textura y la claridad y la
oscuridad de los ojos. Vamos a empezar con el color
básico. Crear una nueva textura en la ranura de la textura
superior, y el nombre de Iris. Ajuste el tipo de textura para
mezclar, como se muestra en la Figura 3-50 .
Vamos a usar la curva de color para controlar la variación Figura 3-51: Ajuste de la rampa de colores de la
de color desde el centro de la pupila hasta el borde del iris. textura del iris
Marque la casilla de rampa en el panel de colores de la
ventana de Propiedades de textura y establecer su curva de
color similar a la mostrada en la Figura 3-51 .

Puede añadir paradas en la rampa de colores haciendo clic

en Añadir y ajustar sus valores de color y alfa con el
selector de color. La parada de más a la derecha debe ser
de color negro sólido, porque será el iris. La parada de
más a la izquierda debe ser blanco y debe tener un valor
alfa de cero. Los colores en el medio son de usted, pero
me dio el capitán ojos verdosos Blender que se funden con
marrón alrededor de los bordes del iris.

Figura 3-50: Adición de la textura del iris

Para los valores de asignación, utilizar la asignación de

creación y proyección Sphere, como se muestra en la
figura 3-52 . También puede seguir a esa cifra en
establecer la proyección de coordenadas Y, X y X. En el
panel de esfumar, establezca el valor progresión como
esférica. La vista previa de la textura resultante se verá
como se muestra en la Figura 3-53 . Asegúrese de hacer
clic en el botón Tanto bajo la ventana de vista previa para
ver una vista previa tanto de la textura y el material del
que está del lado a lado.
Figura 3-52: Asignación de la configuración de la Figura 3-53: Vista previa de la textura del iris y
textura del iris materiales

Lo que tenemos hasta el momento está cerca, pero aún le

falta un poco de carácter como una textura globo ocular.
Incluso desde la distancia, los iris humanos no se parecen a
las gradaciones de color suaves. Puedes solucionar este
problema mediante la adición de un elemento de ruido en
forma de una textura de nube. Colocar esta textura en la
segunda ranura de textura. Ajuste el valor de tamaño de la
textura de la nube para obtener un efecto como el que se
muestra en la Figura 3-54 . Utilice la rampa de color en
esta textura demasiado para controlar el color y la
inclinación de la textura, como se muestra en la figura 3-
55 .
Figura 3-54: La textura de nube Obviamente, el problema aquí es que la textura nube
cubre todo el globo ocular, lo que claramente no es
correcto. Para solucionar este problema, copiar el original
textura Iris mezcla de modo que está en la ranura textura
segundo, por debajo de la textura original mezcla y por
encima de la textura de nube. Ajustar la rampa a ser de
color blanco, con los lados izquierdo y derecho tanto en
Alpha 0. Marque la casilla Plantilla de la ficha Influencia.
Figura 3-56 muestra la textura plantilla, junto con su
efecto. Observe que el patrón de nubes sobre el globo
ocular es visible sólo en la zona correspondiente a la parte
opaca de la textura de estarcido.

Figura 3-56: Una textura de plantilla

Figura 3-55: rampa de color de la textura de nube

Ahora pasaremos a la esfera exterior del globo ocular. En

el modo de edición, con la edición proporcional encendido
(el campo de influencia debe ser aproximadamente la
misma que la última vez que lo utilizó), seleccione el polo
vértice sobre el área iris, y tire de ella hacia afuera a lo
largo del eje y para crear el ligero golpe del cristalino del
ojo, como se muestra en la Figura 3-57 .
Figura 3-57: Hacer la esfera externa del globo ocular
Crear un nuevo material para este objeto, y el nombre de
la OuterEye material. Compruebe Transparencia y defina
el valor alfa a 0. El uso de un sombreado especularidad
Wardiso con intensidad en alrededor de 0,4 y una
pendiente de aproximadamente 0,12.
El producto terminado debe ser parecido a la Figura 3-58
cuando lo hacen. Usted puede unirse a la malla exterior y
malla interior mediante la selección tanto en el modo de
objetos y pulsando Ctrl + J. Nombre de la Eyeball.L
objeto y colocarlo en la cuenca del ojo izquierdo. A
continuación, copie el objeto con Mayúsculas + D y pulse
la tecla X para mover el globo ocular nuevo directamente
a la cuenca del ojo derecho. Colóquelo correctamente y
asegúrese de que tiene el nombre correcto.
Figura 3-58: El globo del ojo iluminado terminado y
hecho
Felicitaciones. Su capitán modelo Blender tiene ahora la
ropa, la piel y los ojos, como se muestra en la Figura 3-59
. Algo que aún falta, sin embargo. En la sección "Trabajar
con las partículas del pelo" de este capítulo, veremos
cómo dar a su personaje convincente pelo con la
funcionalidad de partículas de Blender.
Figura 3-59: Capitán Blender con los ojos
Trabajando con el pelo de partículas
Sistema de partículas de Blender es una potente
herramienta con una amplia variedad de usos. Las
partículas permiten representar y animar grupos de objetos
que son demasiado pequeños para ser práctico para
simular otras formas. El polvo, polvo, enjambre de
insectos, y similares a menudo son adecuadas para la
simulación con partículas.
También puede dar a las partículas de una calidad borrosa
y usarlos con texturas para crear llama convincente y
efectos de humo. Este libro, sin embargo, no se verá en
estos usos de las partículas. En su lugar, se centra en un
método específico de utilización de partículas de generar
efectivamente convincente piel y el cabello.
Como todas las partículas, las partículas de pelo son
emitidos por una malla, que se conoce como el emisor. El
emisor puede ser visible o no, y puede estar hecho de
cualquier material. Las partículas tienen también un
material. Puede controlar muchas cualidades del cabello
mediante la configuración de las partículas en
combinación con las texturas y los grupos de vértices, y
que puede lucir el cabello en cualquier forma que desee
utilizando las herramientas de diseño disponibles.
Configuración de un sistema de partículas
Hay una variedad de maneras de crear cabello para un
personaje. Se podría modelar el peinado directamente con
una malla y el uso de texturas para darle un aspecto
convincente. Una forma común de hacer que el pelo es a
capa con textura muchos planos juntos. Con lo que has
aprendido hasta ahora acerca de texturas y modelado de
malla, usted debería ser capaz de llegar a algunas
aproximaciones interesantes a hacer el pelo de esta
manera. Sin embargo, el método más realista de la
creación de pelo en Blender es mediante el uso de
partículas, que es lo que va a hacer aquí.
Recordemos que cuando originalmente modelado la malla Figura 3-61: Adición de un grupo de vértices
cabeza en el capítulo anterior, se salió de su camino para
modelar la línea del cabello alrededor del borde del cuero
cabelludo. Ahora vamos a tomar ventaja de que al
seleccionar la porción de cuero cabelludo de la malla,
como se muestra en la Figura 3-60 .

Figura 3-60: Selección de la malla de cuero cabelludo

En la ventana Propiedades de malla, desplácese hasta el

panel Grupos Vertex, y haga clic en el signo más para
agregar un grupo de vértices de la malla. Nombre de la
densidad del pelo grupo, como se muestra en la figura 3-
61 . Haga clic en el botón Assign para asignar los vértices
seleccionados para este grupo de vértices. Usted usará este
grupo de vértices de control donde el cabello va a "crecer"
de.
Para configurar el sistema de partículas, entrar en la
ventana de propiedades de partículas, como se muestra en
la Figura 3-62 , y añadir un nuevo sistema de partículas,
haga clic en el signo más, a continuación, cambie el
nombre del sistema de partículas del pelo como se muestra
en dicha figura. Cambiar el número de partículas en el
panel de emisión 1000 a 500. Su malla debe brotar de
pelo, como se muestra en la figura 3-63 . Ahora sólo es
cuestión de ponerla bajo control! Figura 3-63: El pelo nuevo

Figura 3-62: Añadiendo el sistema de partículas pelo

En primer lugar, es necesario limitar en qué parte de la

malla del pelo emite desde. Para ello, utilizará el grupo
HairDensity vértice que acaba de crear. Desplácese hasta
el panel Vertexgroups e introduzca la densidad del cabello
en el campo de densidad, como se muestra en la Figura 3-
64 .
Figura 3-64: Control de la densidad del cabello con el Figura 3-65 . Que va a hacer una recuperación posterior
grupo Vertex del estilo de pelo directamente en el modo de partículas.

Antes de continuar con el estilo, activar las partículas

menores desplazándose hacia abajo en el panel de niños y
haciendo clic en el botón Faces. Esto hará que las
partículas secundarias se emite desde las mismas caras
que las partículas reales se emiten desde, el aumento de la
densidad aparente del sistema de partículas. Aunque 500
es realmente no es suficientes partículas para dar la
apariencia de una cabeza llena de cabello por su cuenta,
con partículas menores, es más que suficiente. Set Display
a 5 y Dad al 80. Esto determina cuántas partículas
infantiles por cada hebra se muestran en el visor 3D en el
modo Objeto y cuántos son prestados.

Figura 3-65: Un punto más de partida razonable para

el peinado del cabello

Tenga en cuenta que usted puede controlar cualquiera de

las siete características de pelo con diferentes grupos de
vértices. La densidad se refiere a la cantidad de partículas
de pelo emiten desde las caras en función de su valor de
grupo vértice. En este caso, todos los valores para el grupo
HairDensity vértice son 1 o 0, así que o bien las caras
completamente emitirá pelo o no se emite ningún pelo en
absoluto.

Después de configurar el grupo de densidad vértice,

debería ver el pelo sólo emiten desde el cuero cabelludo.
Retroceder hasta el panel de velocidad y cambiar el valor
normal 1,0 a 0,2. Esto controla la longitud del pelo que se
extiende desde la cara emisor. Después de realizar estos
ajustes, el pelo capitán de Blender se parecerá más a la
Estilismo Figura 3-66: Estilismo en el modo de Partículas

Puede cabello estilo con una gran cantidad de control en el

modo de partículas de Blender. Sin embargo, una vez que
comience el estilo del pelo, muchas de las configuraciones
de partículas se corregirá, y se pueden cambiar sólo
descartando la. Cambios que has realizado en el modo de
Partículas Puede ajustar el número de partículas del niño,
por ejemplo, pero no se puede cambiar el número de
partículas reales sin perder ninguna peluquería que has
hecho.

Entre en el modo de partículas usando el modo de menú

desplegable en la cabecera 3D Viewport. Pulsar la tecla T
para abrir el estante de herramientas en el lado izquierdo
de la vista 3D.

Peinado en el modo de partículas es simple, pero se

necesita un poco de tiempo para acostumbrarse. Se puede
seleccionar un "cepillo" tipo de la lista en la plataforma de
herramientas. Una buena para empezar es el peine, como
se muestra en la Figura 3-66 . Como se pueden imaginar,
este cepillo da forma al cabello partículas de una manera
análoga a la forma real de un peine pelo formas reales.
Hay que tener en cuenta que las modificaciones están
sucediendo en el plano ortogonal a la perspectiva del
usuario, por lo que rotar su modelo de frecuencia y el
estilo del pelo de múltiples puntos de vista diferentes a
medida que avanza. Si vas a gastar todo su tiempo en la
vista lateral ortogonal y obtener el pelo que parece justo,
usted puede ser sorprendido en cómo se ven las cosas de
frente.
Los otros cepillos son suaves, Agregar, Longitud, Puff,
corte y peso. Todo esto tiene que ver con la forma o la
cantidad de pelo a excepción de peso, lo que le permite
hacer la pintura peso directamente sobre el cabello. Esto
es útil para efectos softbody sobre el cabello. Los campos
de tamaño y fuerza afecta el tamaño y la influencia de la
brocha. La opción del emisor Desviar mantiene el pelo
penetre en la malla que emite (algunos penetración aún
puede pasar, así que asegúrese de hacer renders de prueba
y ajuste la peluquería cuando sea necesario). Mantener la
longitud de la raíz y mantener celebrará la longitud o la
raíz fijados al peinarse. Si no selecciona Root, usted será
capaz de peinar el pelo justo al lado de la cabeza.
En la cabecera 3D de visualización, puede seleccionar
entre tres modos de selección diferentes. El modo por
defecto es el Camino modo de edición, que le permite
peinar, crecer y editar el cabello en su totalidad. Los otros
dos son el modo de Seleccionar punto y modo Sugerencia
Select.
En el modo de selección Point, puntos a lo largo de la
longitud del pelo son visibles como vértices, y se pueden
seleccionar de la misma manera que seleccione los
vértices en modo de edición. Además, puede seleccionar
las partículas individuales del pelo con la tecla L. Cuando
las partículas están seleccionadas, sólo las partículas
seleccionadas se ven afectados por las herramientas de
peinado. Figura 3-67 muestra unas pocas partículas
seleccionadas de esta forma, siendo decoradas para formar
un cierre curlicue de pelo sobre la frente del carácter. Sin
ser capaz de seleccionar las partículas individuales, que
sería muy difícil de lograr tal efecto.
Figura 3-67: Selección de las partículas individuales de
cadena a editar
El tercer modo, Tip Select, es similar al punto
seleccionado, excepto que usted puede seleccionar sólo las
puntas del cabello.
Material y textura del pelo
Partículas cabello le dará la forma y la densidad del
cabello, pero realmente convincente para el pelo, tiene que
ser capaz de utilizar los materiales y las texturas
correctamente.
Crear un espacio nuevo material, hacer que el usuario solo
material, y cambiar el nombre del material de la misma
manera que tienen varias veces antes en este capítulo.
Asigne un nombre al recién creado material HairMaterial.
Agregación de una textura tipo de mezcla a este material
llamado HairTex.
La figura 3-68 muestra la vista previa de la textura
HairTex. Seleccione Mostrar Alpha, y seleccione la vista
previa Strand ver cómo la textura se mostrará en partículas
de pelo.
Figura 3-68: Una textura de mezcla para el material ojos. Activar la curva de color marcando la casilla de
del pelo verificación de rampa.

La rampa se para variar los valores de color y alfa de

izquierda a derecha que representa el alfa y el cambio de
color desde la raíz hasta la punta de cada hebra de cabello.
En Color, tengo el pelo con un comienzo más oscura raíz
marrón y alivio a un color anaranjado rubio de la derecha.

El valor alfa es más importante. El valor alfa debe

disminuir gradualmente hacia la derecha para dar un
sentido de wispiness a las puntas del cabello. A la
izquierda, no debe haber más de un repentino, pero no
demasiado fuerte-gradación desde alpha 0 a 1. Esto tiene
el efecto de suavizar la apariencia de las raíces, donde las
partículas se desprenden del cuero cabelludo. Si esto no
tenía una gradación alfa, las raíces se vería muy abrupta,
dando la apariencia de algo más parecido a los enchufes
de mal pelo. Los ajustes de influencia de la textura debe
ser plena influencia de los valores de color y alfa. Figura
3-69 muestra los paneles de rampa e influencia.

La gradación mezcla en sí se define en el panel de color,

de forma similar a cómo se creó la textura del iris de los
Figura 3-69: la rampa de colores y paneles Influencia
de la textura de la mezcla
Para recibir el rango de alfa completo de la textura, el
material debe tener transparencia habilitada y su propio
valor alfa establecido en 0, como se muestra en la figura
3-70 . Tanto los valores de intensidad especular y difusa
se apareció a 0,9, con Lambert establece como el
sombreado difuso y un conjunto como el sombreado Blinn
especular. Usted puede experimentar con estos valores
hasta encontrar el efecto que más te guste. Observe de
nuevo la vista previa Strand.
Figura 3-70: El material del pelo
El material que acaba de crear es el tercer material en el Eso es todo lo que hay que hacer. Cuando se representa la
objeto cabeza. Para establecer las partículas de pelo para cabeza, debería ver algo similar a lo que se muestra en la
hacer con este material, se debe seleccionar el índice Figura 3-72 .
correspondiente material en el campo Material del panel
Render para las partículas. Este panel es parte de la Figura 3-72: La malla de renderizado con pelo
ventana de propiedades de partículas y se muestra en la
figura 3-71 . Asegúrese de que el emisor esté seleccionado
(de lo contrario el objeto emisor, Capitán Jefe de Blender,
no serán prestados) y elegir render Strand, que será de
gran acelerar y mejorar el aspecto del pelo prestados.

Figura 3-71: Ajustes de procesamiento para el cabello

Ahora usted ha terminado el modelado y texturizado de tu

personaje. El siguiente capítulo le llevará a la siguiente
fase de la preparación de su personaje de animación, ya
que se introducen armaduras y aparejos.
Versión traducida de capitulo 04.xhtml
Capítulo 4
Armaduras y Rigging
Animación de los personajes más 3D, CG y tradicional a
la vez, se basa en armaduras para manipular partes del
cuerpo de los personajes. Las armaduras se comportan
como esqueletos de los personajes, y sus segmentos se
denominan huesos. Por supuesto, la mecánica del
movimiento y que presenta son muy diferentes para una
malla 3D de lo que son para un ser humano de carne y
sangre, por lo que los huesos de un personaje generado
por ordenador no corresponden en general a los huesos
reales en una persona viva. Sin embargo, son muy
similares conceptualmente. La construcción de una
armadura puede ser muy simple o muy complicado,
dependiendo de cuánto control del animador quiere más
de las partes del cuerpo del personaje y cómo muchas
limitaciones y restricciones se desean en el movimiento
del personaje. Una armadura en la que las rodillas se
puede doblar hacia los lados, por ejemplo, es probable que
sea una armadura simple que uno en el que las juntas
tienen limitaciones naturales. El grado de complejidad
necesaria en una armadura depende de los requisitos de la
animación. Una buena armadura debe resultar en un
personaje fácil de manipular con movimientos
convincentes.
El proceso de manipulación de un carácter significa la
creación de una armadura y sus limitaciones asociadas.
Skinning refiere a la conexión de un acoplamiento a una
armadura de modo que la manipulación de los resultados
de inducido en las deformaciones deseadas de la malla. La
malla debe seguir el movimiento de la armadura en la
forma apropiada. En pocas palabras, esto se consigue
haciendo que cada hueso influir en el movimiento de los
vértices determinados. Hay varias maneras de asignar
influencia a los vértices, que se analizan en este capítulo.
 Blender Armature Sistema
 La construcción de una armadura simple
 Rigging Capitán Blender con Rigify
Blender Armature Sistema
Un esqueleto en Blender se compone de huesos y sus
relaciones parentales, las conexiones y las diversas
limitaciones que controlan el movimiento y la interacción.
Se puede utilizar una armadura bien poner juntos para
crear muy realista plantea rápida y fácilmente. Ahora
daremos una mirada a los tipos básicos de los huesos y las
restricciones utilizadas en la creación de armaduras
sofisticadas.
Huesos
El sistema de armadura en Blender incluye opciones para
el comportamiento y la visualización de los huesos.
Dependiendo de la función del hueso jugará en el equipo
de perforación, se puede identificar una serie de clases de
hueso básicos utilizados en el aparejo.
Control de los huesos Huesos de control son los huesos
que el animador usa para controlar el equipo de
perforación. La configuración ósea de control y la pantalla
debe ser tan simple e intuitiva como sea posible.
Normalmente, el animador y el director técnico o
aparejador son personas diferentes. El animador quiere
plantear el modelo y no quieren ser molestados con el
comportamiento subyacente de la plataforma.
Deformación Deformación Bones huesos son los huesos
que influyen en los vértices de una malla. Cuando los
huesos se deforman mover o girar, la malla se asocian con
también se mueve o gira.
Bones funcionar por falta de un término mejor, llamo a los
otros huesos en los huesos del equipo de perforación de
función. Estos son los huesos que no son ni huesos ni
control de los huesos se deforman, pero juegan otro papel
en hacer el trabajo de perforación. Estos huesos son
blancos o solucionadores de restricciones tales como la
cinemática inversa (IK) los objetivos o solucionadores
discutidos en este capítulo.
Todos los huesos en una plataforma pertenecen al menos a
una de estas clases. Un hueso puede pertenecer a más de
una de las clases o incluso a los tres. Equipos
profesionales dividir esta funcionalidad en una forma que
hace que el producto final fácil de usar para los
animadores, mostrando sólo lo que es necesario para la
animación.
Una variedad de opciones existen para la visualización y
edición de hueso. Muchas de estas opciones se discuten en
este capítulo.
Limitaciones de hueso
Limitaciones óseas son esencialmente las restricciones y
controles que realizan movimientos de un objeto o de
hueso depende de otro objeto o algún otro factor.
Configuración de una armadura con limitaciones óseas
bien aplicada puede hacer que presenta la armadura
mucho más fácil que simplemente controlar el
movimiento de cada hueso completamente a mano.
Las limitaciones más importantes en el diseño de
armadura ósea incluyen los siguientes:
Restricción IK Funciona con un solucionador IK para
crear una cadena de huesos cuya posición puede ser
determinada por la ubicación de la punta.
Copiar Ubicación / Rotación / Escala Restringe la
ubicación, rotación o escala de un hueso o un objeto a la
de otro.
Pista a las fuerzas de restricción de un objeto o hueso para
apuntar en la dirección de ("track") a un objeto
especificado. Esto es útil para el seguimiento de los ojos y
también para controlar el movimiento de la cámara
mediante el seguimiento de la cámara a un vacío.
Restricción piso Define un objeto o un hueso debajo de la
cual otro objeto o hueso no iré. Esto se utiliza a menudo
en conjunción con solucionadores IK para prevenir que
los pies de ir por debajo del nivel del suelo.
Estirar-a restricción hace que un hueso o un objeto de
estirar o aplastar a un objeto o hueso que se establece
como objetivo de la restricción. También puede gestionar
el desplazamiento de volumen, que resulta de la
estiramiento o aplastamiento.
Restricción de acción permite el movimiento de un hueso
para controlar una acción que ha sido animado por
adelantado.
La construcción de una armadura simple
Para echar un vistazo a los fundamentos de la creación,
visualización, y planteando una armadura, podrás
construir una armadura simple y rápida para la figura que
se muestra en la Figura 4-1 . Si has seguido los tutoriales
de modelado en el capítulo 2, no deberías tener ningún
problema de caja modelado el mismo figura. Si prefiere
omitir el modelado, se encuentra la malla de esta figura en
el DVD adjunto, en el figure.blend archivo. En el
siguiente ejemplo, la vista frontal es la vista que se
muestra pulsando 1 en el teclado numérico, vista desde
arriba es la vista pulsando 7 en el teclado numérico y
pulsar 3 en el teclado numérico muestra la vista de la
figura de la derecha del usuario, como en los otros
ejemplos en este libro.
Figura 4-1: Una figura simple 3D
Más adelante en este capítulo, verá una forma mucho más
rápida y más fácil de crear equipos sofisticados que
utilizan el sistema Rigify Blender. Sin embargo, en este
ejemplo simple, usted construirá la plataforma desde cero
con el fin de comprender los conceptos básicos de cómo
funcionan las armaduras.
El primer paso es crear la armadura. El cursor 3D debe ser
colocado en el centro del objeto de malla. En el modo de
objetos, presiona Shift + A, y seleccione Agregar ⇒ ⇒
armadura ósea única, como se muestra en la Figura 4-2 .
Si el cursor no estaba en el centro del espacio al agregar el
objeto, basta con pulsar Alt + G para mover el objeto en el
origen del espacio 3D.
Figura 4-2: Adición del objeto armadura
A pesar de la armadura está allí, usted no será capaz de
ver en el modo de vista sólidos, ya que se encuentra en el
interior de la malla. Con el objeto armadura seleccionado,
active la casilla de rayos X en el panel Propiedades de
objeto, como se muestra en la Figura 4-3 . Esto asegurará
que la armadura es visible incluso si otros objetos tales
como la malla de carácter cubrirlo. Cuando hayas hecho
esto, el hueso debe ser visible, como se muestra en la
Figura 4-4 .
Figura 4-3: Configuración de las propiedades de los
objetos a X-Ray pantalla
Edición de esqueletos y huesos es análoga a la edición de
la mayoría de los tipos de objetos en Blender. Las teclas
G, R, y S tienen el mismo efecto de traslación, rotación y
escalado como lo hacen en otras partes. Del mismo modo,
la tecla E se usa para extruir cuando en el modo de
edición, que en el caso de huesos crea un nuevo hueso
conectado desde la punta de la raíz o del hueso original.
Para empezar a editar la armadura, entra en modo ya sea
utilizando el menú en la cabecera 3D viewport o pulsando
la tecla Tab.
Atajo: Al presionar E extruye nuevos huesos en una
armadura en el modo de edición.
En modo Edit, cambie a la vista lateral (Numpad 3),
seleccione todo el hueso haciendo clic en su parte media,
y rotar el hueso 90 grados hacia la izquierda pulsando la
tecla R y entrando -90 directamente, como se muestra en
la Figura 4-5 . Pulse la tecla G para agarrar y mover el
hueso de manera que la punta del hueso es de
aproximadamente donde la base de la columna del
personaje sería, como se muestra en la Figura 4-6 .
En el modo de edición, puede seleccionar los huesos de
tres maneras diferentes. Usted puede seleccionar la base
del hueso (la bolita en el extremo ancho del hueso) o la
punta del hueso (la bolita en el extremo estrecho del
hueso), o puede seleccionar todo el hueso con un clic
derecho el centro del hueso. Para extruir desde la punta
del hueso, seleccione la punta de botón derecho del ratón.
Figura 4-4: La armadura en el modo de pantalla X- Figura 4-6: Colocación del hueso en la base del torso
Ray

Figura 4-5: Al girar el hueso

Extruir el primer hijo del hueso pulsando la tecla E
seguido de la tecla Z para tirar del hueso extruido
directamente hacia arriba a lo largo del eje z, como se
muestra en la Figura 4-7 . Haga esto de nuevo tres veces
más para crear huesos para el pecho, el cuello y la cabeza,
como se muestra en la Figura 4-8 .
Figura 4-7: Extrusión de un hueso nuevo A continuación, la extrusión de los huesos de los hombros.
Sin embargo, para ello, utilizará X-Axis Mirror modo que
usted no tendrá que duplicar sus esfuerzos. Encienda el
espejo del eje X, haga clic en la casilla de verificación en
la plataforma de herramientas a la izquierda de la ventana
gráfica 3D (la plataforma de herramientas se accede
pulsando la tecla T con el puntero del ratón sobre el visor
3D o haciendo clic en el signo más pequeño en el superior
izquierda de la ventana gráfica 3D), como se muestra en la
Figura 4-9 .

Hotkey: Pulse T en el visor 3D accede a la plataforma de

herramientas.

Figura 4-9: Activación X-Axis Mirror

Figura 4-8: huesos de extrusión para el pecho, el cuello

y la cabeza
Cuando haya activado X-Axis Mirror, seleccione la Figura 4-11: Extrusión de los brazos
articulación en la base del cuello, haciendo clic derecho en
el nodo del hueso allí. ¿Es un espejo tenedor extrusión
pulsando Shift + E para extruir los hombros, como se
muestra en la Figura 4-10 . Utiliza la tecla E llano para
extruir dos veces más para formar el resto de los brazos,
como se muestra en la figura 4-11 . Debido a que los
hombros tenedor-extruido con Shift + E y espejo del eje X
está activo, ediciones realizadas en los brazos será
automáticamente reflejado.

Atajo: Al pulsar Shift + E realiza una extrusión en forma

de horquilla armaduras en el modo de edición cuando X-
Axis Mirror está activo.

Figura 4-10: Espejo-extrusión de los hombros con Shift

+E
Usted ha terminado con la mitad superior del cuerpo.
Ahora seleccione la punta de la raíz del hueso (el hueso
que agregó), y el espejo-extruir hacia abajo con Shift + E
para hacer las caderas. A partir de ahí, extruir dos veces
más a la baja para hacer que los huesos de las piernas,
como se muestra en la figura 4-12 .

Ingrese vista lateral pulsando 3 en el teclado numérico.

Seleccione las articulaciones de la rodilla, agarra con la
tecla G, y moverlos hacia delante a lo largo del eje y,
como se muestra en la figura 4-13 , de modo que sean
ligeramente doblada y adaptarse a la forma de la malla.
Haga lo mismo con los codos.

Ayuda a tener los brazos y las piernas ligeramente

flexionadas en posición de reposo para facilitar la flexión
adecuada durante posando IK. Usted debe tener esto en
cuenta cuando se modela la malla y cuando la Figura 4-13: Doblar las piernas ligeramente en las
configuración de su armadura. uniones

Figura 4-12: Extrusión de los huesos de la pierna

Cinemática inversa ( VIDEO 1 ; 2; 3; 4)

Hay dos formas principales para representar personajes,

cinemática directa (FK) y cinemática inversa (IK). Estos
serán discutidos con más detalle en capítulos posteriores,
pero es importante tener una idea de la diferencia. FK es
la forma más sencilla de representar un carácter. Es
análogo a la forma en que generalmente se plantean un
muñeco articulado. Cuando gira la parte superior del brazo
de una muñeca, el antebrazo y la mano de seguir ese
movimiento. IK presentación se realiza moviendo la punta
de una cadena de huesos. El ordenador calcula
automáticamente la rotación de los otros huesos de la Figura 4-14: Extrusión de huesos función de actuar
cadena apropiada. como dianas IK

Como veremos más adelante en este libro, FK planteando

es bueno para la animación de graciosos arcos, y por esta
razón es conveniente que los miembros de oscilación
libre. IK presentación es más adecuado para los casos en
que el punto final de una extremidad (por ejemplo, la
mano o el pie) se fija en su lugar o movido por una fuerza
externa. Un ejemplo clásico es caminar, en el que cada pie
se fija en el suelo mientras que el resto del cuerpo se
mueve. Cuando intenta animar a un personaje a pie con las
piernas sólo giran libremente, te dan la apariencia de
deslizar los pies. Por esta razón, IK presentación se utiliza
a menudo para los pies. A pleno funcionamiento,
plataforma flexible para la animación de personajes de
propósito general requiere que todos los miembros se
poseable en cualquier IK o FK. Ya verás cómo se hace
esto en la siguiente sección de este capítulo, cuando se
trabaja con la armadura capitán Blender.

Para habilitar IK posando para las piernas en esta
plataforma simple ejemplo, es necesario agregar
restricciones IK óseas en los huesos inferiores de la
pierna. Sin embargo, antes de hacer esto, es necesario
añadir huesos función de actuar como blancos las
limitaciones. Crear estos huesos mediante la extrusión de
una vez más hacia abajo desde las puntas de las patas.
Estos huesos se extienden más allá del borde de la malla,
como se muestra en la figura 4-14 .
Estos huesos se utilizan para controlar el movimiento de la
pierna, por lo que debe ser independiente de la pierna.
Seleccione uno de los huesos (asegúrese de que el hueso
se selecciona todo, no sólo la punta o la raíz), presione Alt
+ P, y elegir Padres Borrar para eliminar la relación padre-
hijo entre los huesos, como se muestra en la Figura 4-15 .
Esto también desconecta los huesos de manera que los
huesos de punta se pueden mover libremente de las
piernas.

Hotkey: Pulse Alt + P, aparecerá un menú para borrar las

relaciones entre los objetos de los padres o de los huesos.

Limitaciones de hueso se tratan en el modo Pose. Hasta

ahora, usted ha visto la armadura en el modo de edición,
que es análogo al modo de edición de mallas, y el modo Hotkey: Pulse Ctrl + Tab alterna entre la actitud y el modo
de objetos, que es idéntico al modo de objetos de otros de objetos cuando se selecciona una armadura.
objetos 3D. Las armaduras también tienen otro modo que
se puede utilizar: Actitud modo. Como su nombre lo Figura 4-16: Introducción de modo Pose
indica, la actitud es el modo en el que se plantea la
armadura completa. Puede rotar y mover los huesos de
una manera análoga a la forma en que podría controlar un
muñeco o títere, con sujeción a las limitaciones de
cualquier hueso que tiene en su lugar. No es posible añadir
nuevos huesos o cambiar la forma de los huesos están
conectados el uno al otro como tú pueda modo de edición.

Para crear la restricción IK, introduzca Pose modo usando

el menú desplegable en la cabecera 3D de visualización,
como se muestra en la Figura 4-16 , o presionando Ctrl +
Tab.

Figura 4-15: Extracción de la relación padre-hijo con

Alt + P
En Pose modo, seleccione el hueso blanco primero y
luego mantenga Mayús y seleccione el hueso de la
espinilla de la pierna izquierda. El orden de selección es
importante asegurarse de que la restricción se aplica al
hueso correcta. Pulse Shift + I, y elegir Osea Activa para
agregar la restricción IK, como se muestra en la Figura 4-
17 .

Atajo: Al pulsar Shift + I añade una restricción IK al

activo (último seleccionado) dirigida hueso al hueso
previamente seleccionado en el modo Pose.
Figura 4-17: Agregar una restricción IK Figura 4-18: La restricción IK muestra

Puede ajustar los parámetros de esta restricción

directamente en el panel de restricciones hueso de la
ventana Propiedades, como se muestra en la Figura 4-19 .
El valor de longitud de cadena de 2, como se muestra en
Cuando hayas hecho esto, el hueso de la espinilla se debe
dicha figura. Esto garantiza que los conocimientos
mostrar en amarillo, y una línea de puntos debe extenderse
indígenas posando se calcula sólo para los huesos de la
desde la punta de la cadena IK a la base de la raíz del
pierna hasta la cadera. Usted no tiene que preocuparse
hueso, como se muestra en la Figura 4-18 .
acerca de la cantidad de hueso en el campo de hueso,
siempre y cuando la restricción es en el hueso de la
espinilla. Lo importante de esta cifra es el valor de la
longitud de la cadena.
Figura 4-19: Ajuste de los parámetros de la restricción restricción IK a la pierna derecha. Plantear las piernas,
IK mover los huesos IK destino y observar el efecto, se
ilustra en la Figura 4-20 . Si desea regresar la armadura a
su posición de reposo, seleccione los huesos que se han
movido, y presione Alt + G. Si te has planteado huesos en
la parte superior del cuerpo girándolas, devolverlos al
resto pose pulsando Alt + R.

Figura 4-20: Presentación de las piernas con IK

La longitud de cadena predeterminado se define como 0,

que en realidad significa que toda la cadena de huesos,
hasta la raíz, se incluye en la cadena de IK. Esto a menudo
no es lo que quiere y puede conducir a un comportamiento
extraño de la armadura cuando se plantean el solucionador
IK. Asegúrese de ajustar el valor de longitud de la cadena
para terminar en el punto donde usted quiere que su
cadena IK parar.

Y con esto, la restricción IK está en su lugar en la pierna

izquierda. Siga los mismos pasos para agregar una
Skinning Figura 4-21: La restricción IK muestra

La armadura ahora se puede plantear, pero que no afecta a

la malla. Para que sea más afectan a la malla, es necesario
piel de la plataforma, es decir, asignar influencia hueso a
cada vértice de la malla. Esta influencia está representada
por grupos de vértices de cada hueso. Cada grupo de
vértice contiene pesos que van de 0 a 1 para cada vértice
que es un miembro del grupo. Si un vértice tiene un peso
de 1 para un hueso en particular, entonces el movimiento
del hueso tendrá la máxima influencia sobre la ubicación
del vértice.

Esto puede sonar un poco complicado, pero

afortunadamente hay una gran cantidad de herramientas
para trabajar con estos pesos e incluso establecerlos de
forma automática.

En este ejemplo, vamos a usar la función de ponderación

automática. Para la piel de la plataforma, entrar en el
modo de objeto, seleccione el objeto Mesh, y luego
mantenga Mayús y haga clic para seleccionar el objeto
Armature (como siempre, el orden en que haya
seleccionado estos objetos es importante). Pulse Ctrl + P
para establecer una relación de padre. Elige Deformar
Armadura Con Pesas automáticas, como se muestra en la
Figura 4-21 , y listo; estará hecho! Eso no fue tan
doloroso, ¿verdad? Intenta plantear la armadura ahora en
modo Pose. La malla debe deformarse como se muestra en
la figura 4-22 .
Figura 4-22: La malla amañado adivinar deforma la malla de acuerdo con la armadura
pose. Sin embargo, recordar la discusión sobre el orden
modificador en el capítulo 2. Tendría más sentido que la
deformación calculada armadura antes de que la malla
resultante se alisa con el modificador Subsurf. Para que
esto suceda, basta con mover el modificador Armature una
posición hacia arriba haciendo clic en el icono de la flecha
hacia arriba en la parte superior derecha del widget del
modificador de armadura. Como se puede ver en la Figura
4-24 , se obtiene deformaciones mucho más agradable.

Figura 4-23: La pila de modificadores

En realidad, todavía hay una cosa más fácil de hacer para

que la deformación es tan agradable como sea posible.
Eche un vistazo en el panel de modificadores en la
ventana Propiedades, como se muestra en la Figura 4-23 .
Usted verá algunos modificadores familiares; ahí está el
modificador Mirror utilizado en la modelización de la
malla, el modificador Subsurf utiliza para suavizar la
malla, y ahora, en la parte inferior de la pila de
modificador, el modificador Armature, que como se puede
Figura 4-24: Mejora de deformaciones mediante la Figura 4-25: Presentación de la plataforma de acabado
corrección de orden modificador de la pila

Rigging Capitán Blender con Rigify

Ahora que ha aprendido algunos de los conceptos más

básicos de armaduras y aparejos, es hora de regresar a su
capitán modelo Blender y ponerse a armar una gran
calidad, con todas las funciones plataforma para
controlarlo. Si lo prefiere, puede empezar con el archivo
de modelo de personaje en el archivo descargable de este
capítulo.
Ahora se puede plantear el modelo libremente, como se
Rigging es un trabajo complejo y tedioso, máxime si
muestra en la Figura 4-25 . Experimente con esta
tenemos en cuenta que todos los personajes humanos o
plataforma, y tenga en cuenta la diferencia entre la forma
bípedo requieren en gran medida la misma funcionalidad
en la que presenta los conocimientos indígenas de las
en sus equipos. Por esta razón, a diferencia del ejemplo
piernas y el FK planteamiento del resto de las obras
anterior, usted no va a construir este equipo usted mismo.
extremidades.
¿Vas a dejar que Blender haga el trabajo duro por usted,
utilizando un meta-plataforma y el sistema Rigify de Figura 4-26: El panel de Add-Ons
reciente introducción en Blender 2.5.

El Rigify Add-on

Para utilizar la plataforma de generación automática

Rigify sistema, tendrás que aprender un poco sobre el
sistema de Blender de complementos, que es la forma de
acceder a Rigify. Complementos son extensiones
opcionales a la funcionalidad básica de Blender.
Normalmente, los complementos están escritos en el
lenguaje de programación Python, pero a diferencia de
secuencias de comandos más tradicionales Blender
Python, la funcionalidad de complementos suele
perfectamente integrado en Blender. Activación de un
add-on permite a Blender simplemente de hacer cosas que
no haría si el complemento no estaban activos.
Figura 4-27: Instalación del Rigify add-on
El panel de Add-Ons está disponible en la ventana de
Preferencias de Usuario Blender, como se muestra en la
Figura 4-26 . Te recomiendo que pasar un poco de tiempo
navegando en este panel y ver qué tipo de cosas están
disponibles. Por ejemplo, existen complementos para la
funcionalidad de malla Add que le permiten ampliar la
variedad de primitivas de malla se puede añadir a una
escena y los complementos que le permiten utilizar una
variedad de sistemas de medición.

El add-on que quiero ahora mismo es Rigify Nathan

Vegdahl de add-on, que usted encontrará desplazándose
hacia abajo y buscando el Aparejo: Rigify entrada, como
se muestra en la Figura 4-27 . Haga clic en la casilla
situada a la derecha de ese complemento, y haga clic en
Install Add-On botón. Ahora ya está listo para rigify.
Creación de una plataforma de Meta-
El primer paso en la fabricación de la plataforma Capitán
Blender es añadir una armadura meta-plataforma. La
razón se refiere a la armazón como una meta-plataforma
es que, aunque se trata de un objeto armadura ordinaria,
no lo va a utilizar como su plataforma actual. Más bien, se
utilizará esta armadura para crear una guía o plantilla para
indicar al algoritmo Rigify cómo crear la plataforma real
que se va a utilizar para representar tu personaje. El meta-
aparejo se representan las localizaciones de las
articulaciones y las rotaciones de los huesos apropiadas
para el carácter individual que son aparejo. Una vez
configurado el meta-plataforma, el aparejo en sí será casi
completamente automático.
En el modo de objetos, vamos a añadir una armadura tal
como lo hizo en el ejemplo anterior. Sin embargo, esta
vez, no sólo le permite agregar un solo hueso. En su lugar,
deberá seleccionar Humanos (Meta-Rig) en el menú,
como se muestra en la Figura 4-28 . Pulse Alt + G para
asegurarse de que el objeto esté centrado en el espacio 3D.
Figura 4-28: Adición de una meta-plataforma
Suponiendo que el modelo es el mismo que el descrito
hasta ahora en este libro, la armadura resultante será algo
parecido a lo que se ve en la Figura 4-29 . Claramente, la
escala de la armadura y la escala de los objetos de malla
no coinciden, por lo que tendrá que ser cambiado.
Figura 4-29: La armadura y mallas no coinciden en
escala.
En este caso, podrás cambiar el tamaño de las mallas.
Seleccione la malla de cuerpo en el modo Objeto ya
continuación, presione Shift + G para abrir el menú de
selección agrupada, seleccione Type como se muestra en
la Figura 4-30 para seleccionar todas las mallas en la
escena. Se seleccionará la cabeza, la boca, los ojos y los
objetos además del objeto cuerpo. Escalar hacia abajo de
manera que el tamaño de la malla de caracteres es
aproximadamente el mismo que el tamaño de la armadura,
como se muestra en la figura 4-31 .
Figura 4-30: Selección de todas las mallas en la escena
Seleccione Agrupados
Atajo: Al pulsar Shift + G abre el menú de selección
agrupados para que pueda seleccionar todos los objetos
con características comunes, como todos los objetos que
pertenecen a un grupo oa todos los objetos que comparten
un tipo.
Después de haber escalado las mallas, se debe aplicar la
nueva escala. Esto ajusta el tamaño actual del objeto como
la escala inalterada del objeto. Para el cuerpo, los ojos y la
boca, hacer esto con sólo seleccionar el objeto, pulsar Ctrl
+ A, y la elección de aplicar la escala.
En el caso de la cabeza, no es tan sencillo, porque la
aplicación de la escala de aquí cambia los parámetros de
las partículas de pelo en formas complicadas. Si se aplica
la escala en la cabeza, su cabello partículas pueden
comportarse de maneras inesperadas.
Figura 4-31: La ampliación de las mallas para que
coincida con la armadura
La forma de aplicar una nueva escala a un objeto con
partículas pelo es desconectar el cabello en primer lugar, a
continuación, aplicar la escala, y luego vuelva a conectar Figura 4-33: La aplicación de la escala del objeto
el cabello. Para desconectar el cabello, haga clic en el cabeza
botón de desconexión de pelo en el panel de partículas
para el sistema de partícula de pelo, como se muestra en la
figura 4-32 . A continuación, aplicar la escala a la cabeza
con objeto Ctrl + A, como se muestra en la Figura 4-33 .
Por último, volver al panel de partículas, y haga clic en
Conectar pelo.

Figura 4-32: Desconexión de las partículas de pelo

En algunos casos, es posible que la malla salta a cierta

distancia de donde estaba antes cuando usted hace esto.
Esto es un error trivial en la versión del software que estoy
trabajando ahora mismo. Si esto sucede, sólo tiene que
seleccionar todos los vértices de la malla en el modo de
edición con la tecla A, y pasar toda la malla a su ubicación
original.

Una vez que haya terminado de escalar la malla, puede

volver a la configuración de su meta-plataforma. En el
panel de propiedades del inducido en Mostrar, active la
casilla de X-Ray como se muestra en la Figura 4-34 para Figura 4-34: Configuración de la opción de pantalla X-
que su armadura se mostrará a través de la malla. Esto Ray
hace que sea mucho más fácil ver lo que está haciendo
cuando se edita la armadura. También, encender Mirror
eje X en la plataforma de herramientas, como se muestra
en la Figura 4-35 , por lo que se puede editar un solo lado
de la armadura y la otra automáticamente será un reflejo
de los cambios.

A continuación, en el modo de edición, edite la armadura

para que coincida con la malla. Vas a tener que hacer esto
por tu cuenta mediante la selección de los huesos y las
articulaciones y el movimiento, rotación, escalado y
cuando sea necesario. Trate de hacer todo lo que pueda
por la selección de grupos de huesos, por ejemplo
seleccionando toda la mano con la caja de selección (tecla
B). Se adhieren a la parte frontal, lateral y superior vistas
ortogonales y limitan sus transformaciones en el x-, y-, z-
eje o cuando pueda. Lo importante es lograr que las juntas
en los lugares adecuados para su malla y asegúrese de que
los huesos están donde deben estar y girar correctamente.
Piense en la armadura como esqueleto de tu personaje, y
colocar los huesos adecuadamente a terminar con algo en
la línea de la armadura se muestra en la Figura 4-36 .
Figura 4-35: Conexión de X-Axis Mirror Una vez que haya colocado los huesos y articulaciones en
las ubicaciones correctas, es hora de mirar un poco más de
cerca a algunas rotaciones óseas cruciales. En particular,
el rodillo del hueso-la rotación alrededor del hueso local
de eje (longitudinal)-determina la forma en que el hueso
se dobla en las juntas. Para ajustar el rollo correctamente,
usted tendrá que ajustar la configuración de pantalla para
mostrar los ejes de armadura de hueso, como se muestra
en la Figura 4-37 . Cuando se establece esto, cada hueso
se mostrará una representación de las direcciones de los
tres ejes.

Figura 4-37: Visualización ejes óseos

Figura 4-36: colocación de hueso para el Capitán

Blender meta-plataforma

Rigify generará una plataforma con articulaciones que

giran alrededor del eje x de los huesos en su caso, con la
articulación de "dentro" de rotación está en la dirección
del trazado del eje z en la representación hueso ejes.
Figura 4-38 muestra un ejemplo de cómo Roll The Bones
'debería ser en el caso de los dedos. Tenga en cuenta que
las articulaciones de los dedos, ahora será naturalmente
doblarse alrededor de los ejes X de los huesos y con el
ángulo interior en la dirección del eje z positivo, como se
muestra en la pantalla. Ajustar el valor de rodillo hueso
directamente en el campo Rodillo de la plataforma Figura 4-39: propiedades de transformación
propiedades de transformación, como se muestra en la
figura 4-39 . Para acceder a la plataforma de
transformación Propiedades presionando la tecla N en el
visor 3D (o haciendo clic en el signo más pequeño en la
esquina superior derecha de la ventana gráfica 3D).

Figura 4-38: Huesos rollo ángulos para los dedos

Otros lugares importantes para conseguir sus rollos de

hueso derecha están en los codos y las muñecas, que se
muestra en la Figura 4-40 , y las rodillas, que se muestra
en la Figura 4-41 . Si los huesos están fuera de rollos,
usted encontrará que las juntas de la plataforma definitiva
la voluntad de doblar mal. No se preocupe demasiado de
tener esta perfecto, sin embargo. Siempre se puede
eliminar un equipo de perforación generada, ajustar los
rodillos, y generar de nuevo después de la prueba.
Figura 4-40: rollos de hueso para codos y muñecas Figura 4-41: rollos de hueso para las piernas

NOTA : puede ocurrir que cuando generes la plataforma no te

aparesca completa y eso sera un problema, para corregir eso da clic
en el menu archivo luego user preferences y una vez alli das clic en
archivo y activas la casilla de scripts python tal como se ve en la
imagen aqui abajo
La generación de la plataforma con Rigify

Una vez que tenga la meta-plataforma creada, el siguiente

paso es utilizarlo como base para una plataforma
completa. Para ello, seleccione el objeto de meta-aparejo
armadura, y encontrar los ajustes Botones Rigify en la
ventana de propiedades del inducido, como se muestra en
la Figura 4-42 . Haga clic en Generar. Su aparejo
aparecerá como se muestra en la figura 4-43 . La
plataforma es un nuevo objeto con el aparejo armadura
nombre del objeto. El original meta-aparejo armadura ya
no es necesaria. Usted puede ponerlo en una capa
diferente de la vista. Es mejor no eliminarlo, porque es
posible que desee volver atrás y utilizarlo para regenerar
un nuevo equipo.
Figura 4-42: Botones Rigify
Figura 4-43: El equipo de perforación generada
Este objeto nuevo equipo te ha salvado un montón de
trabajo. Como pronto veremos, es ya totalmente diferentes
poses y listo para la piel, con la funcionalidad de
conmutación IK / FK y un montón de otras características
que lo convierten en una plataforma de carácter
increíblemente flexible y fácil de usar. Sin embargo,
todavía hay algunos ajustes que usted debe hacer para
asegurarse de que la plataforma se adapta mejor a su
modelo.
En primer lugar, echar un vistazo a las opciones de
visualización de la plataforma Propiedades que se muestra
en la Figura 4-44 . Me parece que en realidad no es
necesario ver constantemente las líneas de puntos que
indican las relaciones entre padres, por lo que las líneas de
relación anule la selección de las opciones de
visualización. Esta es una preferencia personal, pero
ayuda a limpiar la ventana un poco.
Figura 4-44: Eliminación de las líneas de relación en la
pantalla
A continuación, debe hacer algunos ajustes en las formas como se muestra en la Figura 4-46 . Seleccione todos ellos
óseas personalizados utilizados por los huesos de control. con la tecla A, y de pronto los verás pop en la posición
Como se vio al principio de este capítulo, hay huesos de que muestra su ubicación actual en la plataforma, como se
control, los huesos se deforman, y los huesos de función muestra en la Figura 4-47 .
en un equipo de perforación. Cuando se genera una
plataforma, sólo los huesos de control son visibles, y se Figura 4-46: formas de malla para huesos
han configurado para mostrar el uso de formas personalizados
especializadas de malla. Los huesos de control de la
pierna, por ejemplo, la visualización como círculos azules
alrededor de (o en este caso penetrante) las piernas, como
se muestra en la figura 4-45 . Es una buena idea para
modificar estas formas de malla de una manera que los
hace más accesibles al posar.

Figura 4-45: Circular formas hueso huesos de control

personalizados para las piernas

Usted encontrará las formas de malla para los huesos

personalizadas de todos los reunidos juntos en la capa 20,
Figura 4-47: Las formas personalizadas óseos Figura 4-48: Los objetos de malla Custom hueso
colocados correctamente

Hacer esta capa y la capa de modelo de su carácter es Figura 4-49: huesos de control para el Capitán Blender
visible en ambos. Ahora puede seleccionar los objetos de
hueso personalizados de malla en la forma ordinaria y la
ficha en el modo de edición para editar, como se muestra
en la Figura 4-48 . Tendrás que escalar algunos de los
anillos y las formas de control y moverlos un poco para
crear un conjunto de controles que visualmente se adapte a
su personalidad. El hueso del brazo superior de control,
por ejemplo, se oculta enteramente por la malla antes de
editar la malla ósea control. La armadura de control
resultante debe aparecer algo como el que se muestra en la
figura 4-49 . Tenga en cuenta que la armadura no se
muestra en estilo X-Ray. Esto ayuda a mejorar la
tridimensionalidad de los huesos de control y hacer más
intuitivo de usar.
Colocación de la malla Recordar la importancia de la orden de los modificadores
en la pila de modificadores. Mueva el modificador de
Su aparejo armadura corporal está terminado. A armadura por encima del modificador Subsurf en la pila,
continuación, debe asociar la armadura con la plataforma. como se muestra en la figura 4-51 , para garantizar las
Esto implica dos tareas: la creación de un modificador de mejores deformaciones. Usted puede ver el efecto de
la armadura y la creación de un conjunto de grupos de cambiar el orden modificador en la deformación de la
vértices que representan la influencia de cada hueso. pierna en la Figura 4-52 .
Como se vio anteriormente en este capítulo, estos dos
pasos se realizan automáticamente por Blender al padre de Figura 4-51: Cómo cambiar el orden de los
la malla a la armadura con pesas automáticos de hueso. modificadores
Que va a hacer eso ahora. En primer lugar entrar en el
modo Objeto. A continuación, seleccione la malla seguida
de la armadura (usando Shift + botón derecho del ratón).
Pulse Ctrl + P para abrir el menú principal se muestra en
la Figura 4-50 , y elegir Deformar Armadura Con Pesas
Bone automáticas.

Figura 4-50: Emparentando la malla del cuerpo a

la armadura
Figura 4-52: Antes y después de la reordenación de los
modificadores
Figura 4-53 . Tenga en cuenta que al hacer esto, el lado
del torso Capitán Blender es empujado hacia adentro con
el movimiento del brazo. El hueso del brazo deforme está
influyendo en los vértices del cuerpo de una manera que
no debe.

Figura 4-53: peso ajustado incorrectamente

Peso Pintura

Automático de Blender funcionalidad ponderación vértice

es una gran mejora sobre la aplicación de aspectos manera
se hacía. Para mallas de caracteres simples, en particular
las flacas donde la malla se queda bastante cerca de los
huesos que se debe controlar, la ponderación automática
puede ser todo lo que sea necesario. Para la mayoría de los
personajes, sin embargo, debe ajustar los pesos a mano
para conseguir efectos óptimos. La solución a esto es establecer manualmente los pesos
(influencia) de los huesos en los vértices. Esto se puede
Pecho ancho Capitán Blender es un ejemplo de un lugar hacer de varias maneras, pero la manera más intuitiva y
donde la ponderación automática es probable que necesite visual de hacerlo es utilizar la pintura de pesos.
un poco de ayuda. Para ver por qué, ingrese el modo Pose,
agarra uno de los huesos del capitán de Blender de control Pintura de peso es una manera de hacer visible la
de bíceps, y gire hacia abajo, como se muestra en la influencia de hueso y editarlos directamente, de forma
similar a la pintura a pistola. Modo de Blender Weight Figura 4-54: Selección de la capa ósea de los huesos se
Paint le permite seleccionar los huesos se deforman para deforman
mostrar sus influencias como los colores en la superficie
de la malla.

Para ello, sin embargo, es necesario que los huesos de la

plataforma se deforman visible. Hasta ahora, sólo hemos
visto los huesos de control de la malla. Los huesos se
deforman se han colocado en una capa de hueso oculta.
Capas óseas son análogas a las capas de vista que he
trabajado en el visor 3D. Sin embargo, en lugar de
controlar la visibilidad de los objetos en la escena 3D,
capas de hueso controlar la visibilidad de los huesos en
una armadura. Cada hueso se puede colocar en una capa
en la ventana de propiedades de hueso, y la pantalla de la
armadura ósea de capa se establece en la ventana de
propiedades del inducido.

En la plataforma que acaba de crear, los huesos se

deforman están situados en la tercera capa de la derecha
en la fila inferior, que se muestra resaltado en la Figura 4-
54 . Las capas de la fila superior contiene los huesos de
control diferentes. Selección de capas para hacer visible
pulsando Mayús y haciendo clic en el botón de la capa.
Para la pintura de peso, usted va a querer deformar la capa
de huesos visibles. Usted también querrá que los huesos
de control visible y fijar a X-Ray modo de dibujo por lo
que fácilmente puede plantear la plataforma durante el
proceso de pintura de pesos.
Los huesos se deforman seleccionado se muestran en la
figura 4-55 . Estos son en realidad los huesos que afectan
directamente a la deformación de la malla. Como se puede
ver, los huesos se deforman constituyen una forma que es
estructuralmente muy similar a un esqueleto humano.
Estos son los únicos huesos que necesita para preocuparse
por la pintura peso.
Figura 4-55: Deformación huesos seleccionados
Para entrar en el modo Weight Paint, comience con la
armadura en el modo Pose, a continuación, haga clic en la
malla para seleccionarlo. Esta parte es importante. Si la
armadura no es en modo Pose antes de la malla se
selecciona, los huesos no serán seleccionables
individualmente en el modo Weight Paint. Cuando se
selecciona la malla, el modo cambiará automáticamente al
modo Objeto. A partir de ahí, se puede entrar en el modo
Weight Paint utilizando el menú en la cabecera 3D de
visualización, como se muestra en la Figura 4-56 . Si hace
esto correctamente, como se describe, la malla se mostrará
con pintura peso, la armadura se mostrará en el modo
Pose, y usted puede seleccionar y plantear sus huesos. La
malla aparecerá en su mayoría azul. Dependiendo del
hueso fue seleccionado por última vez cuando entró en el
modo Weight Paint, puede haber áreas de otro color en la
malla.
Figura 4-56: Entrada al modo Paint Peso
Peso pintura es una representación visual de los pesos de
los grupos de vértices en vértices. De forma
predeterminada, la gama de colores va desde el azul (valor
de peso 0,0) a amarillo (valor de peso 0,5) a rojo (valor de
peso 1,0). Aquí, el peso término se utiliza indistintamente
con el término influencia. Para cada hueso, la
correspondiente distribución de los colores sobre la
superficie de la malla que muestra donde hace que el
hueso y no tiene influencia.
Selección de los huesos de control no mostró ninguna
influencia vértice. Esto es porque los huesos nondeform
no influyen en la malla directamente. Selecciona el hueso
para deformar el bíceps superior, como se muestra en la
figura 4-57 . Se puede ver que la influencia principal de
que el hueso es donde pertenece, en la parte superior del
hueso. Sin embargo, si se mira de cerca, verá un tinte
amarillento o verdoso se extiende mucho más arriba en el
torso y el pecho. También hay demasiado amarilla
alrededor de la axila. Estas son las áreas problemáticas. En
la representación en escala de grises de este libro, el
amarillo aparece como gris claro y el azul aparece como
gris oscuro.
Figura 4-57: Pesos para el hueso superior del brazo
deforme
Los ajustes para la pintura de peso son accesibles a través
de la plataforma de herramientas en la ventana gráfica 3D
(se puede abrir la plataforma de herramientas con la tecla
T), como se muestra en la Figura 4-58 .
Figura 4-58: Peso ajustes de pintura
Usted puede elegir los tipos de pincel haciendo clic en el
icono del tipo de cepillo y la elección de la radio, la fuerza
y jitter de la brocha en el campo correspondiente nombre.
El campo Peso determina el peso (el color de la pintura de
peso) que usted va a ser la pintura. El valor de la fuerza
determina la fuerza con el nuevo color reemplaza al color
actual. Usted puede pensar que es algo así como la
opacidad en entornos tradicionales de pintura digital. Para
reducir el peso en el torso, debe establecer en 0,0 Peso y
Resistencia a algo así como 0,5, como se muestra en la
figura.
Ahora comienza la tarea de pintura de pesos. Mientras
pinta 0 influencia peso sobre la malla, podrás ver el
cambio de la malla de deformación en tiempo real. El
pecho y el torso volverá a su estado no deformado como
los pesos de los vértices se disminuye. Finalmente,
después de pintar el pecho, el torso y las axilas, se llega a
una deformación que se ve algo como la Figura 4-59 .
Figura 4-59: Peso pintar el hombro, el pecho y la axila
Vuelva a plantear el brazo un par de veces para ver cómo
se ve la deformación en diferentes poses. Además, tenga
en cuenta que el bíceps superior no puede ser el único
hueso que causa deformaciones problemáticas. El hueso
bíceps inferior también puede estar influyendo en el torso.
Continúe pintando peso hasta que todos los huesos se
deforman en el modelo de influir sólo las partes de la
malla que deben influir y todas las deformaciones son tan
suaves como usted puede conseguir.
Asegúrese de experimentar con bastante extrema poses.
Por supuesto, hay un límite a la gama de posturas que va a
utilizar en la animación actual, pero el personaje debe
deformar muy bien en todo lo posible poses, así que
asegúrese de ir a través de una gama completa de
movimiento. En la Figura 4-60 , la mano se plantea en un
ángulo agudo para enfatizar los problemas con la
llamarada guante. El guante y el brazo deben estar
pintados de peso para arreglar esto.
En la figura 4-61 , se puede ver el efecto de la pintura de
pesos cero en la llamarada guante con la mano puesta
hacia abajo. En la figura 4-62 , se puede ver que posar la
mano hacia arriba revela otros problemas. Estos también
pueden ser resueltos por la pintura cero pesos en la malla
brazo.
Figura 4-60: Problemas con las pesas guantes
Figura 4-61: Peso pintar la llamarada guante
 Trabajar con grupos de vértices directamente
Figura 4-62: Peso pintar la malla brazo
 Sea consciente de la posibilidad de rebasamiento. Si
También puede configurar las opciones de pintura de peso
para hacer aditivo, sustractivo pintura, o multiplicativo y
también para restringir la pintura para aclarar y oscurecer
(significa luz valores más altos o más rojo, lo que significa
más azul oscuro inferior o valores). Hay circunstancias en
las que estos controles vienen más fino muy bien, pero no
creo que los necesite para este modelo.
Pintura peso eficaz requiere un poco de paciencia y
habilidad, y la experiencia y la práctica que se benefician
más que leer sobre el tema, pero aquí hay algunos
consejos que debes tener en cuenta:
 Pintura para posar. Toda la razón por la pintura
peso es asegurarse de que sus mallas deformar bien
una vez planteadas, por lo que debería plantear el
modelo con frecuencia mientras que la pintura de
peso, como se vio en las cifras anteriores. Las áreas
que se deforman de manera no deseados serán
fáciles de identificar.
cuando pueda. A menudo hay casos en los que
muchos vértices más pertenecen a un grupo de
vértices en particular que son necesarias. Una
ventaja de peso pintura que le permite aplicar
cambios sutiles de peso a verts-es también una
desventaja, ya que sin darse cuenta, pueden dar
verts difíciles de ver, casi cero pesos que pueden
agregarse y volverse problemático. Por esta razón,
es una buena idea ir de vez en cuando en el modo
de edición con un hueso seleccionado y seleccione
el grupo de vértices para que el hueso en la zona de
grupos de vértices de la malla ventana Propiedades.
va a pintar el rojo rosado y usted no es cuidadoso de
la posición de la malla, sin darse cuenta, podría
golpear puntos en otras partes de la malla. Usted
podría terminar haciendo que el talón verde, por
ejemplo, que daría lugar a deformaciones sucio del
pie cada vez que la mano se mueve. Hay algunos
trucos útiles para evitar esto. En el modo Weight
Paint, haga clic en el icono situado a la derecha del
modo de visualización en el menú desplegable en la
cabecera para acceder al modo de selección de cara
y seleccionar las caras que desea pintar. Cuando
regresa al modo Weight Paint, sólo las caras
seleccionadas recibirán la pintura peso. Puede
ocultar las caras con la tecla H en el modo Cara
Selección, y permanecerán ocultas en el modo
 Weight Paint, lo que le permite a la pintura peso de están en el orden correcto. En el caso de la cabeza, hay un
difícil acceso. modificador más de qué preocuparse: el sistema de
 Tenga en cuenta los efectos de la influencia hueso partículas del pelo. Las partículas también se tratan en el
no deseado. Si un área de malla es completamente catálogo de modificaciones. Si el modificador de partícula
rojo, pero no parece estar siguiendo el hueso que se del cabello se produce por encima del modificador del
supone que sigue, es probable que esté también está inducido en la pila, entonces la deformación de la malla
influenciado por otro hueso que no se está con el modificador va a dejar el cabello en su lugar.
moviendo. Plantear la armadura de una manera Claramente, el pelo debe seguir la posición y la forma de
drástica podría ayudar a identificar el sentido de que la cabeza, así que asegúrese de que el orden de los
la deformación no deseada está empujando la malla modificadores del inducido es primero, luego Subsurf y, a
y puede ayudar a reducir la cantidad donde el hueso continuación pelo, como se muestra en la figura 4-63 .
es ofender.
 Asegúrese de que sus huesos son huesos se Figura 4-63: El catálogo de modificaciones para la
deforman. Esto debería ser obvio, pero los huesos cabeza
nondeform pueden tener pesos distintos de cero,
incluso si no se hace nada con esos pesos. Se podría
pensar que está pintando la influencia de un hueso,
pero si el botón de deformación no está
seleccionada para que el hueso en las propiedades
del hueso, que no se mueva la malla en cualquier
lugar. Si la malla no está respondiendo
correctamente a un hueso, incluso si se ponderan
correctamente, este podría ser el problema.

Varios scripts de Python en la distribución estándar de

Blender puede ayudar a limpiar los pesos vértice y reducir
las áreas problemáticas. Puede obtener más información
acerca de cómo utilizar estas secuencias de comandos en
el capítulo 12.

Rematando

El objeto de la cabeza tiene que ser inducido criaron a la

armadura de la misma manera que el cuerpo era. Una vez
más, es necesario asegurarse de que los modificadores
Para los demás objetos de la cabeza, la boca y los ojos, no Figura 4-64: Preparación para objetos primarios de
va a utilizar el modificador Armature en estos momentos. hueso
Estos serán manipuladas utilizando diferentes huesos en el
próximo capítulo. Para una forma rápida y temporal para
que sean simplemente siga el hueso de la cabeza, puede
utilizar la crianza hueso.

Comience con la armadura en el modo de plantear, a

continuación, seleccione los objetos que desea hueso y los
padres (los globos oculares y malla de boca). Shift +
seleccione la armadura, que estará en el modo Pose con
huesos individuales seleccionados. En la armadura,
seleccione el hueso de la cabeza. Debe terminar con los
objetos de malla seleccionado y el hueso de la cabeza
seleccionado en Pose modo, como se muestra en la figura
4-64 . Pulse Ctrl + P para abrir el menú principal, como se
muestra en la Figura 4-65 . Seleccione la opción Bone en
este menú. Si el hueso no está en la lista, vuelva a revisar
este párrafo, y asegúrese de que ha seleccionado todo en el
orden correcto y el modo. Crianza de los hijos ósea es Figura 4-65: crianza Bone
muy útil para la manipulación mecánica y el aparejo en la
que desea para controlar el movimiento de los objetos sin
necesidad de deformar las mallas. En este caso, se le da
una manera rápida y sucia para hacer que los ojos y la
boca sigan el movimiento de la cabeza hasta que pueda
moverse a la manipulación de ellos correctamente.
Posando Figura 4-66: IK / FK controles de conmutación

Vas a entrar en los detalles de plantear más tarde, cuando

se inicia en los capítulos de animación de personajes de
este libro. Por el momento, es suficiente conocer algunos
conceptos básicos para que pueda empezar a jugar con su
equipo.

De forma predeterminada, las restricciones IK esta

plataforma se ponen a cero influencia, por lo que el
planteamiento es FK. Usted ha visto ya cómo se presenta
por huesos FK acaparamiento de las extremidades y la
rotación de ellos. Para ello IK posando, hay que girar a la
influencia IK para los miembros. Esto se realiza en el
panel de Rig Propiedades principal en la plataforma
Propiedades (tecla N) en la vista 3D, como se muestra en
la figura 4-66 . Tenga en cuenta que hay cuatro campos
FK / IK. Los valores de estos campos determinar si FK o
posando IK domina. Si el valor es 0,0, el planteamiento es Figura 4-67: IK plantear el brazo
FK, y si es 1,0, entonces se plantea IK. Los valores
intermedios se traducirá en tanto FK y los controles de los
conocimientos indígenas que tienen una influencia, por lo
que la influencia puede ser fácilmente graduado.

Plantear el brazo izquierdo con IK posando, seleccione el

hueso hand.L.ik de control y asegúrese de que su FK / IK
propiedad se establece en 1,0 en Propiedades de equipo
principal, como se muestra en la Figura 4-67 . Pose el
brazo moviendo el hueso hand.L.ik como se muestra.
Tenga en cuenta también que si cambia el valor FK / IK
ahora, el brazo suavemente volverá a su estado original
FK pose.
Un truco más astuto que presenta en esta plataforma es el
uso de controladores de hueso para los controles de
enrollamiento del dedo. Usted aprenderá más acerca de los
controladores en el siguiente capítulo, pero su uso aquí es
una manipulación bastante avanzado. Afortunadamente,
todo se hace automáticamente por usted, por lo que acaba
de obtener el beneficio de los dedos muy fácil de
controlar. Figura 4-68 muestra los controles de
enrollamiento del dedo. La escala del hueso del dedo rizo
de control hacia abajo (tecla S) se cerrarán con el dedo, y
su reducción hasta que doble el dedo hacia atrás.
En este punto, usted está listo para empezar a jugar con
poses. En la figura 4-69 , se puede ver que nuestro héroe
ha comenzado a cobrar vida! Vas a hacer frente a la
expresión espaciada en su cara en el capítulo siguiente,
cuando se trabaja en rigging facial. También verá cómo
solucionar otro tipo de problemas de la malla que son
difíciles de acertar con la pintura de pesos solamente,
como el cinturón.
Figura 4-69: He estado rigified!

Figura 4-68: Leer el dedo reduciendo el tamaño de los

huesos control de los dedos

Como hemos visto, los diferentes huesos de control

funcionan de manera diferente. Algunos controles se
rotan, algunos son capturados (desplazado), y algunos
están a escala. Cuando desee regresar la armadura a su
estado unposed, usted necesita estar seguro de usar Alt +
R, Alt + G, y Alt + S según proceda, para eliminar la
rotación, traslación, o se descama.
Versión traducida de capitulo 05.xhtml
Capítulo 5
Claves de forma y Rigging Facial
Ahora que ya tiene arreglado y sin piel del cuerpo a
una armadura para que pueda posicionar las
extremidades, la cabeza y el tronco, que a su vez su
atención a algunos detalles importantes de los
personajes de aparejos. En particular, este capítulo se
centra principalmente en la creación de una cara de
modo que pueda ser fácilmente planteada para
expresar emociones y hacer que los movimientos de la
boca que son necesarios para la sincronización de los
labios. (Usted aprenderá cómo animar las expresiones
faciales y sincronización de labios en el Capítulo 8.)
Hay muchas maneras de ir sobre la manipulación de la
cara, y este libro se centra en un enfoque que hace un
uso intensivo de Blender potente sistema de claves
forma y curvas de controlador para asociar formas con
armadura poses. Después de la introducción de las
formas y los controladores y el aprendizaje de su uso
para la manipulación facial, también se les destinen a
otro uso: perfeccionamiento de la plataforma corporal.
 Forma Fundamentos clave
 La construcción de un Juego de llaves Forma
para el Capitán Blender
 Los huesos faciales y controles
 Deformaciones de malla mejoradas Uso de las
teclas accionadas Forma
Forma, Fundamentos clave
Blender permite crear y animar formas diferentes para
una única malla utilizando las teclas de forma. Las
teclas de forma son similares a las formas se mezclan
qué otras aplicaciones a veces llaman u objetivos
morph. Teclas de forma tienen muchos usos, pero en
la animación de los personajes uno de los más
importantes es ayudar a crear las expresiones faciales.
Sistema de Blender forma clave es simple de usar,
pero (como muchas cosas en Blender) que tarda un
poco en acostumbrarse.
Vamos a empezar con un ejemplo muy simple. Iniciar
una instancia de Blender, con el cubo por defecto
seleccionado, busque en el panel de Shape Keys en la
ventana Propiedades, que se muestra en la Figura 5-1
. Haga clic en el botón de signo más situado a la
derecha del campo Forma Claves para crear la clave
de la primera forma. Verás una forma clave Basis
aparecer, como en la Figura 5-2 .
Figura 5-1: El panel Shape Keys
Figura 5-2: Base fundamental forma
La forma de base tiene algunas características únicas,
como veremos en breve. Representa la forma de la
malla en su posición "Neutral", no afectado por
cualquiera de las teclas de forma que creará. En este
caso, se hizo en base a la forma en el cubo por
defecto, lo que significa que ahora las posiciones de
los vértices de la forma de cubo que están
representados por la forma base.
Ahora que tiene la forma base, se puede utilizar para
construir una nueva forma. El proceso es simple:
1. En modo objeto, haga clic en el botón más y Una
forma clave denominada clave 1 aparecerá, como se
muestra en la Figura 5-3 .
Figura 5-3: Llave 1 Llave forma
2. Entre en el modo Editar y editar la forma como
usted lo desea moviendo vértices. En este primer
ejemplo, seleccione los cuatro vértices superiores y
escalar la cara, con una S seguida de Shift + Z
limitando la expansión de los x-e y-ejes. Escala de la
parte superior del cubo hacia abajo, como en la Figura
5-4 .
3. Vuelva al modo Objeto. Ahora añade otra de las Figura 5-5: Edición de la segunda forma
claves de la misma manera, Key 2 y editar que se vea
como la forma en la Figura 5-5 , seleccione el borde
mostrado y traducirla a lo largo del eje z.

Figura 5-4: Edición de la primera forma

Ahora tiene tres formas: la forma Bases y dos teclas

de forma animatable llamado teclas 1 y 2. Seleccione
cada una de las formas en el campo. Usted debe notar
un par de cosas. La forma primera base es especial
porque no tiene control deslizante. Deslizadores en
forma teclas representan una gradación de una forma
relativa (típicamente la forma base) a la forma de la
malla tal como se define por la clave de forma. Dado
que la clave base representa la malla en su posición
por defecto, tiene sentido para él no tener control
deslizante, no hay diferencia entre ella y ella misma.

De forma predeterminada, el control deslizante varía

entre 0,0 (no hay cambio de la malla base) a 1,0
(efecto total de los cambios en la forma clave en la
malla base). Coloque el control deslizante para Key 1
en alguna parte entre 0,0 y 1,0. Verá la malla van
desde la forma de cubo base a la forma cónica
completamente creado en la forma clave clave 1.
Usted puede ver cómo esto afecta a la forma de la
malla en los distintos niveles de influencia. Pero eso
no es todo. Lo que usted está viendo en realidad
cuando se mueve la barra deslizante hacia adelante y
hacia atrás es como todas las formas son al mismo
tiempo influir en la malla. Usted está viendo el efecto
acumulativo de todas las formas, dependiendo de
donde sus deslizadores se encuentra activado.
Para ver cómo funciona esto, ajuste el control
deslizante para Key 1 a 1,0. Haga clic en Clave 2, y la
convierten en la clave de forma activa. Si ahora se
deslice el control deslizante Llave 2 a un valor mayor
que cero, se ve la malla ya que está influenciado tanto
por las teclas 1 y 2 al mismo tiempo, con las dos teclas
de ejercer influencia sobre la forma de la malla. Usted
debe ver algo así como la forma en la Figura 5-6 .
Figura 5-6: La malla con los dos principales 1 y 2
claves que influyen
El hecho de que se puede pasar de una forma a otra
clave y establecer controles deslizantes de cada uno le
permite ver cómo cada tecla se mezcla con todas y
cada una de las otras llaves en su conjunto clave de
forma. También significa que por lo general deben
mantener controles deslizantes sus formas "que
figuran en cero mientras se está creando el juego de
llaves de forma cuando no está específicamente
tratando de verlos mezclados con otras formas de
eliminar cualquier posible confusión acerca de lo que
la forma base es o cuál es la forma clave que usted
está mirando la realidad parece. Si se olvida de que
una de sus formas se fija en algo que no sea cero,
puede que no vea lo que esperamos ver durante la
visualización de otras formas. Puede restablecer todos
los controles deslizantes a cero haciendo clic en el
pequeño icono en forma de X a la derecha de los
iconos de visibilidad sobre el campo del nombre de la
clave.
Blender puede extrapolar el movimiento de los
vértices de las claves de forma más allá del rango de 0
y 1 si lo desea. El cero es siempre la base de que la
clave fue creada el, y 1 es siempre la forma de la
forma que se ve en el modo de edición cuando se
introduce el modo de edición con la tecla activa. Si
usted hace el valor mínimo en el rango de la clave de
forma menor que 0, se puede utilizar el control
deslizante para entrar en la negación de la forma. Para
ver un ejemplo, vaya a la clave Clave forma 1, y
establecer el Min: valor de -1,0. Ahora el cursor se
extiende hasta 0 pasado. Mueva el control deslizante
hacia abajo para ver lo que se parece a la forma con la
negación de la clave 1 activo. Como se puede ver en la
Figura 5-7 , la forma que se ve es el "reverso" de la
forma de la pirámide que hizo para la llave 1. Del
mismo modo, se puede extender el cambio positivo de
la llave de forma creciente por el Max: valor más allá
de 1. Antes de continuar con esta sección, ponga el
valor mínimo para la clave 1 a 0.
Figura 5-7: Llave 1 en forma de un valor del
control deslizante negativo
Aditividad
Las claves de la forma que está utilizando el trabajo
mediante la adición de sus coordenadas relativas. Este
es un concepto importante para tener una idea de si va
a utilizar formas mixtas.
Para ver un ejemplo de esto en acción, asegúrese de
que todas las claves de forma están en cero, a
continuación, seleccione la clave 1. Mueva el control
deslizante a 1,0. Haga clic en el signo más para crear
una clave nueva forma, que se denominará Clave 3.
Forma Key 3 será ahora una copia de cualquier forma
era visible en el visor 3D al añadir la clave de forma.
En este caso, eso significa Clave 3 será una copia de la
llave 1. Si se establece una clave de control deslizante
para establecer Key 0,0 y 3 del regulador a 1,0, podrás
ver esto.
Sin embargo, si las dos teclas de forma se ajustan a los
valores distintos de cero, el efecto es acumulativo.
Esto puede ser lo que quieras, pero puede causar
problemas si no se tiene cuidado. Por ejemplo, si
establece Clave 1 a 1,0 y establecer Clave 3 a 0,7, verá
el efecto no deseado se muestra en la Figura 5-8 .
Figura 5-8: efecto aditivo de las teclas 1 y 3
A pesar de las teclas 1 y 3 tienen la misma forma, su
efecto acumulativo no es lo mismo a causa de
aditividad. Es importante tener cuidado de esto cuando
la creación de formas faciales que tiene la intención de
mezclarse. Si dos figuras tienen un efecto redundante,
puede acabar con algunos efectos aditivos indeseables.
Añadir y eliminar vértices
Formas grabar las posiciones de los vértices en una
malla. El verts y los bordes que los conectan son
propiedades de la propia malla, para que puedan ser
añadidos o suprimidos en el modo de edición. Ellos no
son específicas de una forma particular, sin embargo.
Si agrega verts en una forma, sino que también existen
en todas las formas que usted haya definido. En
principio, su posición debe ser cambiado desde la
posición en la que fueron creados, tendrá que
especificar su ubicación por separado para cada forma
de modo que la clave de la forma de edición. Sin
embargo, la malla ediciones significativo que el
cambio de la topología de la malla confundir Blender
y puede arruinar sus claves de forma completamente.
En la práctica, es mejor no hacer la planificación de
malla ediciones que implica la creación o eliminación
verts después de haber iniciado la creación de formas.
Bases Key
La forma base es especial en algunos aspectos y no en
otros. No es keyable, así que no tiene control
deslizante. Sin embargo, en la mayoría de los otros
aspectos es aproximadamente la misma que cualquier
clave de otra forma. Puede ser suprimido si se elimina
la base, la clave de la forma siguiente en la lista de
formas (probablemente el primero que añade en la
parte superior de la base) se abrirá a la posición base
fundamental la forma y su slider desaparecerá. En este
caso, su forma original malla base también se perderá,
y todo lo que tenía en Key 1 tomará su lugar. Puede
cambiar el nombre de la clave base, pero es probable
que nunca tenga una razón para hacerlo. Si cambia la
forma Bases moviendo vértices más, estos cambios se
reflejan automáticamente en las claves de otra forma.
Por último, en la medida en la llave forma base es
especial en absoluto, es sólo por la gracia especial de
que es la primera forma de crear y por lo tanto, la
clave de la forma por primera vez en su conjunto. De
hecho, el orden de las claves de forma pueden ser
reordenados, y cualquier tecla de forma puede ser el
primero. En este caso, la clave de formas denominado
Bases ya no será la clave de la verdadera base, y se
han adquirido un control deslizante. Sin embargo,
debido teclas representan los cambios relativos, slider
la clave base no va a cambiar la forma de la malla. No
puedo imaginar ninguna circunstancia de la que sería
deseable, sino porque las claves podría llegar a ser
mezcladas accidentalmente, usted debe saber cómo
ponerlas en orden. Para cambiar el orden de las teclas
de forma, sólo tiene que utilizar el arriba y abajo de
los botones de flecha a la derecha de los nombres de
las teclas de forma "en el campo Shape Keys, o
utilizar el teclado hacia arriba y hacia abajo las teclas
de flecha mientras el puntero del ratón está sobre el
área clave de forma.
Forma Drivers clave
Forma conductores claves son fundamentales para la
forma en que se enfrentarán plataforma capitán de
Blender, por lo que es necesario darles a conocer antes
de continuar.
Los conductores están relacionados pero distintos del
sistema de animación F-Curve curva que usted leerá
acerca más en el capítulo 6. Ellos son similares en la
medida en que representan funciones matemáticas y se
puede ver en editor de gráficos de Blender. Los Figura 5-9: Adición de una armadura
conductores son probablemente el aspecto más
técnicamente exigentes para trabajar con Blender que
voy a discutir en este libro, en el que se requiere un
poco de matemáticas. Si usted pasó su secundaria las
clases de matemáticas, que debería estar bien (y si no
es así, a continuación, obtener su cabeza alrededor de
los conductores debe darle una buena ventaja!).

Una curva de función, ya sea una animación F-Curve

o un controlador, es una representación de un valor
que cambia en función de algún otro valor. En el caso
de la animación F-Curves, el valor cambia de acuerdo
con el tiempo, resultando en la animación. En el caso
de los conductores, se puede establecer un valor para
cambiar como una función de cualquier otro valor
cambiante. A medida que se cambia el valor (por
ejemplo, la rotación de un hueso específico), otros
cambios de valor (tales como el valor del control
deslizante de una forma key). En este caso, se podría Figura 5-10: cubo por defecto y una armadura ósea
decir que la clave de la forma es impulsada por la única, vista frontal
rotación del hueso.

Configuración de un controlador

Vas a configurar un controlador de forma muy básica

clave ahora mediante el uso de las formas que
acabamos de crear:

1. En el modo de objetos, agregar un objeto armadura

a un lado del cubo por defecto pulsando Shift + A y
seleccionando ósea ⇒ individual inducido, como se
muestra en la Figura 5-9 . La armadura resultante debe
ser como se muestra en la Figura 5-10 .
2. Seleccione Key 1 en el campo Shape Keys, mueva Figura 5-11: Selección de agregar controladores en
el cursor sobre el valor numérico a la derecha del el menú Valor
nombre de la clave la forma y haga clic derecho para
que aparezca el menú que se muestra en la Figura 5-11
. Seleccione Agregar controlador desde este menú.

3. Para ver el conductor, usted tendrá que abrir una

ventana del editor de gráficos utilizando el Editor Tipo
en el menú desplegable, como se muestra en la Figura
5-12 , y luego elegir los controladores desde el modo
de menú desplegable en el encabezado del gráfico
ventana del editor, como se muestra en la Figura 5-13
. El controlador de la pantalla, como se muestra en la
figura 5-14 . En la parte izquierda de la ventana puede
seleccionar los controladores disponibles. La zona
media es el visor gráfico adecuado, donde se muestra
la curva de función del controlador, y la Plataforma de
Propiedades en la derecha de la ventana (activará con
la tecla N) muestra las propiedades del controlador en
detalle.
Figura 5-12: Apertura de una ventana del editor de
gráficos
Figura 5-13: Entrada en el modo de controlador en
el editor de gráficos
Figura 5-14: El controlador mostrará en el editor
de gráficos
4. El conductor va a crear dependerá de una variable
que representa la rotación del hueso. Cada vez que un
conductor de cualquier tipo depende de un valor, este
valor debe ser codificada como una variable para el
conductor. Establecer la variable como se muestra en
la figura 5-15 . Seleccione Transformar Canal para el
tipo variable, la armadura del objeto en el menú
desplegable y hueso en el campo Ob / hueso que
aparece. Elige Rotación Z en el menú desplegable de
transformar los canales, y seleccione la casilla de
verificación Espacio Local.
Figura 5-15: Configuración de la variable de Canal
Transform
5. Elija promedió valor del tipo en el menú
desplegable, como se muestra en la Figura 5-16 .
Figura 5-16: Selección del valor promedio como el
tipo de controlador
6. Pruebe el conductor mediante la rotación del hueso
en pose modo, como se muestra en la figura 5-17 .
Debe encontrar que la rotación del hueso corresponde
a la activación de la forma como se muestra en la
figura. Ahora usted ha completado un conductor clave
de forma muy básica.
Figura 5-17: La clave de forma básica
Ajustes del controlador
Aunque el controlador que ha creado en la sección
anterior funciona, la relación entre la rotación y la
forma clave de activación puede parecer arbitraria. De
hecho, es una relación de uno a uno, de forma
predeterminada, tal como se define por la ecuación
polinomial en el panel Modificador generador en la
plataforma Propiedades del controlador, se muestra en
la figura 5-18 . Pero, ¿qué son las unidades de esta
relación uno-a-uno? El eje y representa la activación
de la tecla de forma, que van desde 0,0 a 1,0. El eje x
de la gráfica representa la rotación del hueso alrededor
de su propio eje local Z en radianes. Esto puede ser un
poco inesperado, porque en la mayoría de los lugares
en la interfaz de Blender, los ángulos se expresan en
grados.
Figura 5-18: Un modificador Generador de
describir una relación uno-a-uno
Si ha pasado un tiempo desde que hice la
trigonometría y no eres un programador, puede ser
confuso en radianes. Radianes son simplemente una
unidad de medida de ángulos, al igual que los grados
son. Un círculo es 2 * pi radianes. Pi es
aproximadamente 3,14, lo que representa un radián un
ángulo un poco menos de la sexta parte de la
circunferencia del círculo. El ángulo del hueso en la
figura anterior se trata de un radián en la dirección
hacia la izquierda. Radianes tienen propiedades
matemáticas que los hacen muy bueno para el cálculo
de las funciones relativas a los círculos, la mayoría de
los lenguajes de programación así expresar ángulos en
radianes bajo el capó. Sin embargo, son difíciles para
los seres humanos para trabajar con, por varias
razones, una grande es que el número de radianes en
un círculo no es un número entero agradable. Grados
son mucho más fácil para la gente a trabajar porque
círculos completos, semicírculos, círculos cuartos y
octavos de un círculo todos pueden expresarse con
números enteros.
Si usted desea hacer su conductor un poco más
intuitivo y la tengan en utilizar los ángulos rectos,
entonces usted tendrá que hacer un par de cálculos y
pensar un poco en radianes. Puesto que hay pi
radianes en un círculo medio, para un motor clave de
forma amplia ay de 0 a 1 sobre una rotación de medio
círculo, debes contar con la x en un rango de 0 a pi.
Por lo tanto, la pregunta que debemos hacernos es:
¿qué número multiplicado por los rendimientos de PI
1? La respuesta, por supuesto, es 1/pi.
Digamos que usted desea que el hueso para impulsar
la clave de forma a lo largo de una rotación de 90
grados. En este caso, la rotación del hueso necesita
tener dos veces el sentido de que sería en el caso de
una rotación de medio círculo, de modo que el número
de multiplicar por x es 2/Pi. En realidad se puede
introducir esta directamente en el campo coeficiente
de x en el panel polinomio literal como 2/Pi, y
Blender calcular el resultado, que se muestra como
0,637, como se muestra en la figura 5-19 . Al rotar el
hueso 90 grados hacia la izquierda, la forma estará en
su punto máximo, como se muestra en la Figura 5-20 .
Figura 5-19: El polinomio para un conductor de 90 en el menú, como se muestra en la Figura 5-21 . A
grados continuación, haga clic en el valor numérico de la
tecla que desea copiar al conductor y conductor elegir
Pegar.

Figura 5-21: Copia de un conductor

Figura 5-20: La clave de la forma del hueso

conductor gira 90 grados

Haga esto para copiar el controlador de Key 1 a Key

2, y luego editar el nuevo controlador, como se
muestra en la Figura 5-22 , para que el coeficiente de
x es negativo (-0.637) en lugar de positivo. El par
resultante de los conductores controlar las dos teclas
de la forma, como se muestra en la figura 5-23 .

Ahora usted ha creado su primera impulsada en forma

conductor. Para hacer más conductores, puede seguir
los mismos pasos o tomar un atajo al copiar y pegar
los conductores de una forma a otra. Para ello, haga
clic en el valor numérico de la llave de la que desea
copiar el controlador y seleccione Controlador Copiar
Figura 5-22: Edición del coeficiente de x para el
nuevo controlador
Figura 5-23: Los dos pilotos en acción
Los conductores también pueden ser independientes
uno de otro, simplemente asociándolos con valores
independientes. Edite la clave 2 controlador de nuevo
y cambiar el valor de canal Transformación de
rotación Z a X rotación. Al hacer esto, usted será
capaz de controlar la forma de cono con la rotación z
del hueso y de la forma de cuña con la rotación x del
hueso. Al girar el hueso en ambas direcciones a la vez
se activará ambas formas simultáneamente, como se
muestra en la figura 5-24 . Experimente con trackball
doble rotación R tecla pulsando R dos veces para rotar
el hueso.
Figura 5-24: Dos controladores independientes
Después de configurar los controladores para las
formas, las formas basadas ya no pueden ser
controladas de forma independiente con los
deslizadores de forma, pero si se crea una nueva forma
sobre la base de una figura impulsada por la nueva
forma se puede controlar de forma independiente con
su propio regulador.
La construcción de un Juego de llaves Forma para
el Capitán Blender
Ahora que usted entiende cómo las formas y los
controladores de trabajar, te volverás a poner estas
herramientas a trabajar en el personaje. En primer
lugar, se utiliza para los movimientos faciales formas
Capitán Blender. Lo harás armar los ojos y la lengua
con los huesos en la siguiente sección, pero aparte de
esto, usted logrará todas las expresiones faciales y
posturas mediante la mezcla de varias formas entre sí.
Esta es una forma común de crear el movimiento
facial, pero de ninguna manera es el único camino.
Algunas personas prefieren usar los huesos de ciertas
partes de la cara, como el movimiento de la mandíbula
o cejas. Equipos profesionales de carácter a menudo
utilizan una combinación de formas impulsadas,
deformación ósea, y otros tipos de deformación para
obtener los efectos faciales necesario.
Un argumento a favor de una configuración orientada
hueso es que permite una mayor libertad de
movimiento y posando para las expresiones faciales, y
de hecho esto puede hacer que sea más adecuado para
la reducción de estilo toon plataformas, en el que una
gran cantidad de exageración es la norma en
expresiones faciales. Por otra parte, para los
movimientos faciales algo más realistas, los
movimientos musculares individuales suelen ser
bastante simple, y que no siempre se necesita una gran
cantidad de libertad en los elementos individuales, por
lo que el control que permite el teclas forma es más
adecuado. Escogí para modelar los movimientos de la
cara con las teclas de forma, ya que son relativamente
fáciles de crear. También ofrecen buenos ejemplos
para discutir las diversas formaciones distintas faciales
que se combinan para crear expresiones y
movimientos de labios. Independientemente del
método de deformar la malla que use, es necesario
tener en cuenta más o menos el mismo conjunto de
formas básicas faciales. Vale la pena experimentar con
otros métodos, tales como la plataforma de la boca
mencionado anteriormente. Consulte el Capítulo 18
para obtener más sugerencias para ampliar su Figura 5-25 , y presionando H. Los vértices
comprensión de la animación facial. seleccionados deben desaparecer, dejándole con la
parte delantera del la cara, como se muestra en la
Una vez que comience a hacer las llaves de forma en figura 5-26 . (Para mostrar todos los vértices, basta
Blender, sus opciones para la modelización ser con pulsar Alt + H.)
restringido. No hay "puntos de no retorno"
demasiados en Blender, pero la creación de un Figura 5-25: Selección de vértices para ocultar
conjunto de claves forma es uno de ellos. Usted no
será capaz de aplicar algunos modificadores, como el
modificador espejo, una vez que haya creado las
claves de forma (sin borrar todas las claves de forma),
y lo ideal es que no se quiere cambiar la geometría del
modelo una vez que haya comenzado a trabajar con
teclas de forma, aunque es posible. Por lo tanto, tratar
de terminar el modelado de malla de cabecera antes de
pasar a las teclas de forma.

Una primera forma: Ojos cerrados

Si el signo más básico de la conciencia en el rostro

humano es los ojos abiertos, entonces ciertamente el
signo más básico de la capacidad de respuesta es el
parpadeo de los ojos. Convenientemente, cerrando los
ojos es un ejemplo simple para empezar por las
formas, y también le ofrece una buena oportunidad
para examinar la cuestión de la asimetría y la forma de
incorporar en forma teclas Blender. Por lo tanto, usted
comenzará ahora el capitán, haciendo parpadear
Blender.

En primer lugar, usted desea hacer su vida un poco

más fácil de ocultar los vértices que no va a utilizar
para que no inadvertidamente selecciónelos en modo
alámbrico. Para ello, seleccionar los vértices que
desea ocultar (que incluye la mayor parte de la espalda
y los lados de la cabeza), como se muestra en la
Figura 5-26: La cabeza con vértices ocultos
Para crear claves de forma, haga clic en el icono más a
la derecha del campo Shape Keys en la ventana
Propiedades, tal como lo hizo en la sección anterior.
En primer lugar crear una clave base.
Haga clic en el icono más nuevo para crear una clave
nueva forma. Cambiar el nombre de la nueva forma de
clave 1 a EyesClosed. Ahora entrar en el modo de
edición. Ya no existe un modificador Mirror en este
objeto, pero sería bueno tener las ediciones de espejo.
Afortunadamente, usted puede hacer esto con la
opción Mirror X en Opciones de malla en la
plataforma de herramientas en la parte izquierda de la
ventana gráfica 3D (ver Figura 5-27 ). X Mirror
funcionará como se espera si la malla es simétrica,
para empezar. Es decir, sólo funcionará en partes
simétricas de su malla. También no reflejan los
cambios en la topología de la malla. No puede reflejar
extrusiones, cortes o supresiones de esta manera.
Figura 5-27: Mirror X edición
Con X espejo activo, seleccionar y editar el párpado
superior, como se muestra en la figura 5-28 ,
moviendo los vértices necesarios hacia abajo a lo
largo del eje z. Para seleccionar estos vértices, utilice
la herramienta Círculo Seleccione (pulse C). Para
vértices unselect, Círculo uso Seleccionar mientras se
mantiene pulsada la tecla Alt. Los vértices medios de
cada párpado debe moverse hacia abajo más lejos que
las otras. Los párpados cerrados, debe hacerse
extensivo a la vuelta de dos tercios del camino hacia
abajo del ojo. Asegúrese de que ha seleccionado los
vértices de las pestañas, también, para estar seguro de
que las pestañas se mueven junto con los párpados.
También es necesario asegurarse de que los párpados
se mueven hacia adelante a lo largo del eje de modo
que el ojo no asoman por los párpados. Ajuste los
párpados a lo largo del eje y en el modo sólido para
que pueda ver lo que está sucediendo con el globo del
ojo, como en la Figura 5-29 .
Figura 5-28: Selección y edición de vértices en el Figura 5-29: Fijación de los párpados a lo largo del
párpado eje y

El proceso es el mismo para la parte inferior del

párpado. Llevar los vértices correspondientes para
satisfacer la tapa superior, asegurándose de incluir
también los vértices de pestañas.

Cuando esté satisfecho con la forma de los ojos

cerrados, vuelva a Object mode. Usted debe estar
seguro para comprobar la forma en diferentes puntos
entre 0 y 1 para asegurarse de que su rango completo
de movimiento está libre de problemas. En la Figura
5-30 , se ve la forma EyesClosed como aparece con
valores deslizantes fijados en el 0,25, 0,5, 0,75 y 1. No
hay problemas aparecen. (Los caracteres con ojos
saltones podría requerir un conjunto ligeramente
diferente de teclas de forma para tomar su curvatura
extrema en cuenta, por ejemplo, una base con los ojos
parcialmente cerrados, uno completamente cerrada, y
la final totalmente abierta.)
Figura 5-30: La clave de forma EyesClosed en
cuatro valores

Por último, deberá hacer uso de los ajustes de rango

de forma clave para conseguir un poco más de esta
forma. En el modo de objetos, cambie el valor mínimo
de la forma EyesClosed de 0 a - .25. Ahora tiene un
poco de espacio en el deslizador se mueva en una
dirección negativa, lo que le da la forma con los ojos
abiertos se muestra en la Figura 5-31 en forma
gratuita.
Figura 5-31: Ojos bien abiertos
Para crear un grupo nuevo vértice, haga clic en el
icono más a la derecha del campo de grupos de
vértices en la ventana Propiedades. Nombre la
RightSide nuevo grupo, como se muestra en la figura
5-32 . Entrar en el modo Weight Paint, y pintar la
cabeza de modo que el lado derecho de la cabeza es
sólido rojo (1,0), el lado izquierdo es sólido azul (0,0),
y una raya en el medio es de color verde (0,5), como
se muestra en la figura 5-33 .

Figura 5-32: Agregar el grupo de vértices

RightSide

Asimetría

Puede ser conveniente para modelar muchas formas

simétricamente mediante edición de X Mirror. Sin
embargo, los seres humanos no se mueven
simétricamente, ya sea en el cuerpo o en la cara. Para
ser capaz de controlar diferentes mitades del modelo
por separado, debe dividir las formas en llaves
separadas. Afortunadamente, no es difícil convertir
formas simétricas en las formas asimétricas, se puede
usar grupos de vértices. Se crean dos grupos de
vértices, que representan una parte izquierda del
capitán de Blender y uno en representación de su lado
derecho. A continuación, hacer copias de las llaves de
la forma y aplicarlos a cada grupo de vértices por
separado.
Figura 5-33: Peso pintar el grupo RightSide vértice Figura 5-34: Copia de un grupo de vértices

Figura 5-35: El grupo Leftside vértice

Copie el grupo de vértices RightSide haciendo clic en

el icono de triángulo negro a la derecha del campo
Grupos Vertex para abrir el menú que se muestra en la
Figura 5-34 y seleccionando Copiar Grupo Vértice.
Cambie el nombre del nuevo grupo Leftside vértice.
Tab en el modo de edición, y reflejar los valores del
grupo de vértices utilizando el mismo menú que
utilizó para copiar el grupo de vértices (por razones
poco claras, el elemento de menú Mirror Vertex Ahora que tiene la RightSide y Leftside grupos de
Group es activa sólo en el modo de edición). El grupo vértices definidos, se pueden utilizar para crear claves
resultante de espejo vértice aparecerá como se muestra asimétricas forma. Para crear claves asimétricas para
en la figura 5-35 en el modo Weight Paint. la forma EyesClosed, haga lo siguiente:

1. En el modo de objetos, con la malla seleccionada,

vaya al campo Shape Keys y seleccione EyesClosed
como la forma activa. Ajuste el valor del control
deslizante a 1,0. La forma en la vista 3D se muestran
con los ojos completamente cerrados.
2. Haga clic en el icono más a la derecha del campo
Forma Claves para crear una clave nueva forma.
Acaba de crear una copia idéntica de EyesClosed.
Nombre esta EyesClosed.L forma. En el campo
VGroup, introduzca Leftside. La forma se limita ahora
al grupo Leftside vert. Volver a la forma EyesClosed,
y establecer el valor del control deslizante de nuevo a
0,0.
3. Repita los pasos 1 y 2 para crear la clave de forma
EyesClosed.R aplicado al grupo de vértices RightSide.
Adición de una nueva clave siempre creará una clave
la forma de cualquier forma es activa y visible en el
visor 3D. Si se añade una tecla mientras otra tecla está
activa que tiene un grupo vértice asociado, la clave
nueva forma será una copia de la llave original tal
como se aplica al grupo de vértice, pero la clave nueva
en sí mismo no tendrá un grupo vértice asociado con
él . Por ejemplo, si copia EyesClosed.L, la nueva
clave afectará sólo al ojo izquierdo, al igual que el
original pero sin la necesidad de un grupo de vértices
para limitarla. Usted puede utilizar este hecho para
copiar partes de las claves de forma temporal
mediante la creación de grupos de vértices que cubren
el área de la forma clave que desea duplicar, aplicando
el grupo de vértices a la tecla de forma que desea
duplicar parte, y luego copiar la clave de forma con
ese grupo vértice aplicada. La clave nueva forma será
diferente de la clave única base en los lugares
cubiertos por el grupo de vértices. Este método
también es útil para romper una sola expresión facial
en las formas de los componentes. Por ejemplo, puede
crear un único "enojado" la cara y luego utilizar este
método para crear formas diferentes para diferentes
partes de la cara, que luego pueden ser mezclados
juntos como se vio en este capítulo. También es
posible el uso de pintura peso para ver las diferentes
formas mezclar en tiempo real.
Formas para sincronización de labios
Las principales referencias para la sincronización de
labios en la animación son variaciones de juego
fonema original de Preston Blair. En la parada
excelente libro Staring (Sybex, 2003), Jason Osipa
recomienda dividir las formas de fonemas (y todas las
otras expresiones) en sus partes componentes más
básicos, como el estiramiento vertical de los labios,
que están diseñados específicamente para no ser usado
solo, pero a formar posiciones de labio en
combinación con otras formas. Debido a que el punto
principal aquí es ilustrar cómo funciona todo esto en
Blender, me quedo un poco agnóstico con respecto a
los conjuntos óptimos de forma clave y cubrir un
camino intermedio entre las formas de fonemas y
formas de los componentes. Aún así, cubrir las
posiciones del labio principales, que he descrito en la
Tabla 5-1 .
Tabla 5-1: puestos de labios
Fonema Posición
Formado con la boca en una posición
A, I
bastante relajado y abierto.
Los labios se estiran más ancha que A e I,
E
pero las mandíbulas son mucho más
 cerrados. Los dientes son muy visibles.
O La boca es redondeada y algo abierto.
La boca es redondeado y está menos
U abierta que con O, y los labios sobresalen
algo.
Los fonemas son principalmente
C, D, G, articulados dentro de la boca, por lo que
K, N, R, S, los labios no los distinguen mucho. La
T, Th, Y, boca es algo más abierta que con E, los
Z labios son menos ancho, pero los dientes
son aún bien visibles.
El labio inferior se pliega y se conecta con
F, V
los dientes superiores.
La boca es casi tan abierto como A y I,
A, C, T, por lo que la articulación de la lengüeta es
Th visible. Esta es una opción para los
fonemas que se articulan con la lengua.
Los labios se cierran herméticamente.
Para oclusivas como B y P, también
M, B, P
podrían curva un poco antes de la apertura
de repente.
Esto es como la U, sólo que más
W, Q
fuertemente fruncido.
Esta es una posición relajada que sirve
como una pausa entre los fonemas y un
Resto
punto de transición de los fonemas
determinados para otros.
Debido a que se trata de formas de mezcla que se
pueden combinar para crear puestos de fonemas, no
tienen una correspondencia uno-a-uno entre las formas
y los fonemas. Pero debe quedar claro cómo se
construyen las formas que se pueden combinar para
crear los puestos de fonemas en la lista.
La creación de estas formas en sí es sencillo. Puede
seguir las instrucciones de la sección anterior para
crear, nombrar y editar claves nuevas formas. El
modelado de estas formas debe limitarse a mover
vértices existentes alrededor. Algunas sugerencias
para el modelado de la forma facial incluyen los
siguientes:
 Modelo simétricamente. Utilice eje x
duplicación cuando se puede.
 Eje X de modelado sólo funciona en mallas que
ya son simétricos, y puede ser sensible a las
asimetrías sutiles. Puede que funcione con
algunos vértices en una malla, pero no con los
demás, si los vértices aún no perfectamente
reflejan mutuamente. Así que cuando se utiliza
el eje x mirroring, mantener un buen ojo en
ambos lados para asegurarse de que todos los
vértices que desea mover en realidad están en
movimiento.
 Para los vértices que no se puede editar con X
edición Mirror, puede aproximarse refleja
edición seleccionando ambos lados
simultáneamente y restringir todas las
transformaciones a los ejes específicos. Puede
aproximada reflejado traducir en la dirección X
por la escala a lo largo del eje x para mover los
vértices separados o juntos.
 Es frecuente encontrar que seleccionar vértices
en modo wireframe, y esto es mucho más fácil
de hacer si usted tiene vértices ocultos que no
son relevantes a la forma que está editando. Use
 la tecla H para ocultar vértices que no están
trabajando.
Mi conjunto de formas de labio se ilustra y se describe
como sigue. Tenga en cuenta que con las formas de
sincronización de labios que no hay necesidad de
hacer copias asimétricas porque el discurso es una de
las pocas cosas más o menos simétrica que los seres
humanos realmente hacer. Siempre se puede añadir lo
que sea ligera asimetría es posible que desee en la
boca por la mezcla de formas a partir de la siguiente
sección. El conjunto de formas es la siguiente (en base
no se muestra):
Mandíbula de Down Crear esta forma mediante la
selección de la zona de la mandíbula y la barbilla de la
malla principal, seleccione también la lengua y la fila
inferior de los dientes con la llave L. En la vista
lateral, coloque el cursor ligeramente por debajo de la
oreja, donde la mandíbula forma su bisagra con el
cráneo, a continuación, utilizando el cursor como el
punto de pivote, gire la mandíbula hacia abajo a una
posición abierta.
Lower Lip En verts Seleccione en el exterior y en el
interior del labio inferior, levante ligeramente y mueva
ligeramente hacia el interior en el eje y, y también
girar un poco hacia atrás alrededor del eje x. Verts
debajo del labio debe ser movido hacia fuera y
ligeramente hacia arriba para indicar donde los dientes
se empuja contra el interior del labio (abajo a la
izquierda).
Labio superior en forma similar a bajar el labio, pero
con los vértices de los girada labio superior hacia
abajo alrededor del eje x (abajo a la derecha).
Lower Lip Out Seleccione los vértices mismo en el
labio inferior, sino que se mueven hacia adelante y
rizar el labio ligeramente hacia abajo (abajo a la
izquierda).

Upper Lip salida similar a la anterior plantea, pero

sobresale del labio superior hacia arriba y rizos
ligeramente (abajo a la derecha).
Los labios similar al resto pose, pero con los labios
completamente. Mezclado con los labios superior e
inferior en, esto le dará una posición fuertemente
apretados (abajo a la izquierda).

Lips ancho de los dientes juntos y los labios muy

extendido; en su punto máximo, los dientes están
totalmente al descubierto. Basta con seleccionar y
mover los vértices de los labios para formar la forma
(por debajo del centro).

Labios redondos se separaron verticalmente y

horizontalmente reunido para formar una forma de O.
Empujó ligeramente más allá de su máximo y se
mezcla con los labios superior e inferior hacia fuera,
esta forma se forma un pliegue apretado. Una vez
más, la creación de esta figura es básicamente una
cuestión de seleccionar y mover los vértices del labio
hasta que esté satisfecho con la forma (abajo a la
derecha).

Esta colección de formas y de las distintas posiciones
que puede obtener mezclados con ellos, junto con el
aparejo lengua se verá más adelante en el capítulo, le
proporcionan todo lo que necesita para el labio
sincronización básica.
Formas de expresar las emociones
No hay regla dura y rápida sobre lo que las formas son
necesarias para dar un carácter de una amplia gama de
expresividad emocional. Las partes más expresivas de
la cara son las áreas que rodean los ojos, por lo que es
necesario tener una gama de formas para controlar el
movimiento de los párpados, el movimiento de ceja, y
algo de movimiento superior de la mejilla. La boca es,
por supuesto, importante para sonreír y fruncir el
ceño, pero la sinceridad de las sonrisas y los ceños
fruncidos tiene por lo menos tanto que ver con el área
de los ojos como la boca. Además, con el movimiento
de la boca, el pliegue que baja desde la aleta de la
nariz hasta el extremo de la boca es importante
destacar la sonrisa. Una sonrisa que no afecta a la
mejilla y el área alrededor de la nariz no es natural.
Las sugerencias de modelado para mantener los labios
para estas formas, también. Modelé a todos
simétricamente primero; entonces hizo copias
asimétricas en su caso mediante la RightSide y
Leftside grupos de vértices.
Sin duda, es importante tener distintas formas
discretas para diferentes partes de la cara que pueden
combinarse para crear expresiones. Sin embargo,
existe una gran flexibilidad en cómo se crean estas
formas. Un enfoque común es modelar expresiones
completas de antelación y luego aislar formas
pequeñas de componentes utilizando la técnica del
grupo vértice referencia anteriormente. Esto asegura
que las formas de los componentes trabajan bien
juntos para crear expresiones completas y reduce la
posibilidad de que sus propiedades aditivas entrará en
conflicto con otros. Por razones de conveniencia, no
dar el paso adicional de crear expresiones completas
de antelación; modelé componentes movimientos
faciales directamente.
 solo frente, así que no hay necesidad de hacer copias
derecho e izquierdo para esta forma (a la derecha).
Las formas se describen a continuación:
Arruga la nariz (izquierda y derecha) Levante la
solapa de la ventana de la nariz mientras empuja el
pliegue alrededor de la fosa más profunda y llevar la
mejilla ligeramente hacia adelante, haciendo hincapié
además en el pliegue. La arruga en el puente de la
nariz también puede ser incluido en esta forma. Esta
forma ocurre en una variedad de expresiones, sino que
es muy pronunciada en las expresiones de disgusto y
algunas expresiones de enojo, sino que también tendrá
un efecto en una gran sonrisa (abajo).

Las cejas juntos esta forma se forma realmente menos

por las cejas que se unen (aunque sí, un poco) que por
las arrugas que se forman entre las cejas. Se forma las
arrugas llevando los bordes vecinos delante y hacia
atrás a lo largo del eje y haciendo hincapié en la
profundidad de las arrugas moviendo los bordes más
juntos. Esta forma se utiliza generalmente en
conjunción con otras formas de crear una serie de
movimientos de cejas, a menudo indica la
concentración, la ira o el miedo. No es posible tejer un
Smile (izquierda y derecha) Los bordes de la boca se
levantó y se gira ligeramente. El pliegue de la nariz se
profundiza, y la mejilla se adelanta un poco. Esta
forma de la boca es un componente importante de una
expresión sonriente, pero no es el único. Se debe
mezclar con movimientos apropiados de las mejillas,
la nariz, y el área alrededor de los ojos para transmitir
la emoción deseada.
Expresión (izquierda y derecha) Los bordes de la boca
se reducen y se gira ligeramente. Esta forma se utiliza
a menudo con expresiones de disgusto, tristeza o
enojo.

Estrabismo (Izquierda y Derecha) El pliegue en el

borde del ojo se hace énfasis en la mejilla y se levanta.
Además de ser utilizado para indicar la concentración
(o, por supuesto, dificultad física ver algo), un
estrabismo es también un componente en una gran
sonrisa.
 se destacó. Esta forma se utiliza a menudo en las
expresiones de preocupación o miedo.

Hasta Brow Medio (Izquierda y Derecha) La parte de

la frente sobre la nariz se eleva, y arrugas de la frente
Cejas en el exterior con (Izquierda y Derecha) La
parte del frente alejado de la nariz se eleva, y arrugas
de la frente se destacó. Esta forma se utiliza a menudo
en expresiones de alegría, sorpresa o incredulidad.
Brow Down (Izquierda y Derecha) El frente entero es
llevado hacia abajo. Esta forma se utiliza a menudo en
conjunción con las cejas juntos forma y puede indicar
ira, la concentración, y la sospecha (cuando se aplica
asimétricamente).
Mandíbula Izquierda / Derecha Jaw La zona de la
mandíbula mismo que cae en la mandíbula de abajo se
mueve ligeramente de lado a lado. Se trata de una
forma muy emocionalmente neutro que puede ser
aplicado para añadir variación a una gran cantidad de
expresiones diferentes y, a menudo forma parte de una
expresión reflexiva.

Ahora tiene un conjunto bastante completo de facial

plantea la creación de animaciones faciales con. En la
siguiente sección, verá cómo asociar estas diversas
formas con los huesos del conductor de modo que
cuando se llega a la animación, usted puede controlar
todo mediante el uso de un conjunto bien organizado
de los controles de la armadura.

huesos faciales y controles

Como se mencionó anteriormente, hay un montón de

posibilidades de cómo montar un rostro. Casi todos
ellos hacen uso de alguna combinación de formas y
huesos. Óseas orientadas deformación métodos suelen
incorporar algunas formas impulsadas para obtener el
control un poco más sobre ciertas deformaciones
debido a movimientos faciales a menudo pueden ser
complejos de maneras sutiles que son difíciles de
imitar utilizando sólo huesos. Del mismo modo, el
enfoque aquí-que se apoya en gran medida en las
formas: utiliza huesos de varias cosas.
En primer lugar, se utiliza para el control de los
huesos de los ojos, ya que son simplemente la manera
más sencilla de controlar las rotaciones oculares.
También utilizará huesos de amañar la lengua.
Dependiendo de su estilo de sincronización de los
labios y el grado de realismo que está después, la
lengua puede ser importante para ciertos fonemas. Sin
embargo, su movimiento exacto por lo general debe
ser independiente de otras formas de boca, lo que hace
difícil hacer un buen trabajo de animación de la
lengua con formas únicas de mezcla. Por ejemplo, si
desea que la lengua toca los dientes, la codifica con
una forma de mezcla funciona sólo si se asume que
todas las otras formas se mantienen conectados a una
posición particular. La naturaleza aditiva de formas
significa que la posición de la lengua depende del
grado de apertura de la boca, así tocando los dientes
con la boca abierta requiere una configuración
totalmente distinta que golpear los dientes con la boca
ligeramente abierta. Por esta razón, se le ve con los
huesos de la lengua para un mayor control y libertad.
Finalmente, usted va a usar huesos como los
controladores para todas las formas faciales. Esto
simplificará la presentación, lo que le permite tener el
control total del personaje a través de la armadura
única.
Los ojos y los párpados Rigging
Ojos del personaje son girados por el uso de huesos.
Además, se pondrá en marcha huesos para subir y
bajar los párpados inferior y superior para seguir el
movimiento vertical del iris, lo que creará una forma
mucho más realista de movimiento ocular efecto. Para
establecer estos huesos para arriba, tome las siguientes
medidas:
1. En el modo de objeto, seleccione el objeto globo
ocular izquierdo. Presione Shift + S, y seleccionar la
opción Snap cursor de selección.
2. Seleccione la armadura, y entrar en el modo de
edición. Pulse la tecla 3 para entrar en vista lateral y
añadir un hueso con la barra espaciadora. El hueso
debe aparecer con la base en el centro del globo
ocular-donde está el cursor. Con el cursor
seleccionado como el punto de pivote, girar el hueso -
90 grados, de manera que está mirando hacia adelante
con su base todavía en el centro del globo ocular. La
tecla Mayús y seleccione el hueso de la cabeza y
presione Ctrl + P a los padres del hueso nuevo en el
hueso de la cabeza. Escoja Mantener Desplazamiento
desde el menú.
3. Repita estos pasos para el ojo derecho. La
configuración ósea debe ser como en la Figura 5-36 .
Nombre de la Eye.L huesos y Eye.R.
Figura 5-36: huesos del ojo
4. Extruir un hueso del hueso de la cabeza. Seleccione
este hueso nuevo y pulse Alt + P para desconectar el
hueso de su padre. Mueva el hueso nuevo a cierta
distancia por delante de la cara a lo largo del eje,
como en la figura 5-37 . El nombre de esta mirada
hueso.
Figura 5-37: hueso Gaze
5. Con la armadura todavía en el modo Editar, encaje
el cursor a la base del hueso ojo izquierdo. En la vista
lateral, copie el hueso presionando Shift + D, y gire el
hueso nuevo hasta cerca de 30 grados (el cursor
todavía se debe elegir como punto de pivote). Nombre
esta UpperLid.L hueso. Copie el hueso del ojo de
nuevo, y girar hacia abajo unos 30 grados. Nombre
esta LowerLid.L hueso. Ahora copia el hueso del ojo
una vez más, y de bajar a aproximadamente 50 por
ciento del tamaño del hueso ojo sin girar o cambiar la
ubicación en absoluto. Esto se debe llamar
LidMove.L. Padres y UpperLid.L LowerLid.L tanto a
LidMove.L, por lo que tanto los niños inconexos de
ese hueso. Padres LidMove.L a HeadDeform. Ahora
debería tener una configuración como la de la Figura
5-38 . Hacer lo mismo en el lado derecho.
6. En Pose modo, es necesario establecer dos tipos de Figura 5-38: hueso hueso de ojos, los huesos del
restricciones en cada ojo. En primer lugar, establecer párpado y párpado movimiento
una restricción en los huesos IK Eye.L / R, con el
objetivo de que el hueso mirada. (Se puede utilizar
una pista a la fuerza, sino hacerlo podría introducir
algunas rotaciones accidentales no deseadas, así que
para este caso me parece la opción más simple IK. La
intención es la misma.) Asegúrese de ajustar la
longitud de la cadena IK a 1. Los huesos de su ojo
ahora debe seguir el movimiento del hueso mirada.

7. La segunda limitación se estableció una restricción

de rotación de copia en LidMove.L / R con el blanco
como Eye.L / R, respectivamente. Sin embargo, usted
no desea copiar la rotación en todos los ejes. Usted
quiere que los párpados para moverse hacia arriba
cuando el ojo tira hacia arriba, y desea que los
párpados se mueven hacia abajo cuando el ojo tira
hacia abajo, pero no desea que los párpados se
mueven de un lado a otro del globo ocular cuando la
gira hacia un lado. Por lo tanto, debe asegurarse de
que el eje local x botón sólo está seleccionada y
marque los botones de otro eje desactivado en el panel
Copia restricción de rotación. Ahora debería ser capaz
de mover el hueso Gaze alrededor y tienen los huesos
Eye.L / R seguir su movimiento, mientras que las
construcciones párpado subir y bajar en respuesta al
movimiento vertical de los huesos Eye.L / R, como en
la Figura 5 -39 .
Figura 5-39: Configuración Eye armadura en
acción
La armadura ojo está completa, lo que queda es para
arreglar la malla a la misma. Hay varias cosas a tener
en cuenta:
 Hacer LidMove.L / R nondeform.
 Fije los ojos a los huesos del ojo mediante la
selección de un globo ocular, a continuación,
Mayús + seleccione el hueso del ojo
correspondiente en el modo Pose, pulse Ctrl + P
para Padres y seleccione ósea en el menú
emergente. Este proceso hace que el objeto
globo ocular del niño del hueso del ojo y sólo el
hueso del ojo. En términos generales, es el
método preferido para fijar las uniones
mecánicas en Blender, de los cuales de bola en
socket es un ejemplo.
 Peso pintar los párpados superiores a
UpperLid.L / R y los párpados inferiores a
LowerLid.L / R. Al igual que con cualquier
pintura peso, prueba de cómo se ve en varias
poses para asegurarse de que los pesos se
distribuyen, así como que puede ser.
Formas personalizadas de hueso
Para que los huesos que tienen usos especiales
(especialmente los huesos faciales, que a menudo son
agrupados juntos y pueden ser difíciles de distinguir),
es una buena idea para crear formas reconocibles para
que tomaran. Ya has visto formas personalizadas
óseas en acción en el capítulo 4, pero no se han
analizado cómo configurar su cuenta. Para hacer esto
para que el hueso Gaze, crear un objeto de malla
nueva en modo Objeto. Es una buena idea colocar este
objeto en la misma capa que todas las otras formas
óseas son personalizados. Empecé con un círculo de
32 y sección utiliza algunos modelos muy simples
para crear la forma en la Figura 5-40 para representar
el hueso mirada. Dar un nombre al objeto reconocible
como WGT-mirada. La costumbre de hueso objetos de
malla forma creada por Rigify todos comienzan con el
prefijo WGT, y es una buena idea seguir esta
convención para mantener las cosas organizadas.
Figura 5-40: Una forma de hueso personalizado de objeto no afectará a la apariencia del hueso en el
para Gaze esqueleto.

Figura 5-41: Configuración de una forma

personalizada hueso

En Pose modo, seleccione el hueso mirada y encontrar

el campo de forma personalizada en la ventana de
propiedades del hueso. Introduce WGT-Gaze como el
nombre de este objeto, como se muestra en la figura 5-
41 . Ahora verá el hueso Gaze representado por este
objeto de malla, como en la figura 5-42 . Se puede
controlar el tamaño de reposo, la rotación, y la
ubicación de esta representación, ajustando el tamaño,
rotación, y la ubicación del propio hueso en el modo
de edición. Puede mover, rotar o escalar el objeto en el
modo de objetos para hacer que coincida con el
tamaño y la ubicación de la representación ósea. Los
cambios realizados en el objeto de malla en el modo
Figura 5-42: El hueso de la mirada con una forma Figura 5-43: huesos de la lengua
personalizada

Rigging la Lengua

Vas a manipular la lengua como una cadena de tres

huesos IK de duración con las limitaciones de Figura 5-44: huesos de la lengua en el modo Pose
estiramiento muy en el estilo en el que aparejó la
columna vertebral. En primer lugar, extruir y
desconectar un hueso de la punta del hueso de la
cabeza. Coloca este hueso en la raíz de la lengua, y la
extrusión de tres huesos hacia adelante en la dirección
Y, como se muestra en la figura 5-43 . Nombre de los
huesos (de atrás hacia adelante), Tongue1 Tongue2,
Tongue3 y Tongue.IK. Reparent Tongue.IK al hueso
de la cabeza. En el modo Pose, configure una longitud
de 3 de cadena IK dirigido a Tongue.IK, como se
muestra en la Figura 5-44 . Asegúrese de que la
opción de rotación está activada. Dé a cada hueso de
un valor de 0,300 Stretch.
Ahora haga copias de los tres huesos del esqueleto Figura 5-45: Restricciones en el hueso
lengua, dejando en su lugar, por lo que se solapen con TongueStretch1
los huesos existentes en la actualidad, como lo hizo
con la columna vertebral. Nombra estos huesos
TongueStretch1, TongueStretch2 y TongueStretch3.

Reparent cada uno de estos huesos se HeadDeform.

Establecer ubicación de la copia y las restricciones de
copia de rotación en cada uno de estos huesos,
dirigido al hueso lengua correspondiente.
TongueStretch1 debe copiar la ubicación y la rotación
de Tongue1, y así sucesivamente. Por último, añadir
las restricciones de estiramiento-a para cada hueso.
TongueStretch.1 debe estirarse para Tongue2.
TongueStretch2 debe estirarse para Tongue3.
TongueStretch3 debe estirarse para Tongue.IK (ver
Figura 5-45 ).

Tongue1, Tongue2, Tongue3 Tongue.IK y todos

deben ser huesos nondeform. Los huesos que deben
deformar la malla lengua son TongueStretch1,
TongueStretch2 y TongueStretch3. Puede agregar
estos huesos a la lista de grupos de vértices a mano y
asignar los vértices lengua a los huesos
correspondientes a mano en el modo de edición.

Esta configuración le dará una plataforma flexible y

lengua diferentes poses, como se muestra en la Figura
5-46 .
Figura 5-46: armadura lengua en acción
Forma controles clave
Al comienzo de este capítulo, hemos visto que es
posible el uso de huesos de conducir teclas de forma.
Ahora voy a volver a ese tema. Te vas a poner esta
técnica a utilizar para hacer frente a diferentes poses
con el inducido.
Un mando para bajar la mandíbula
Vamos a empezar con el hueso para controlar el
movimiento de la mandíbula. Este hueso impulsará
tanto la mandíbula hacia abajo la forma y la izquierda
la mandíbula y la mandíbula formas correctas, pero
nos centraremos en la mandíbula en primer lugar.
Extrusión y desconectar un hueso nuevo desde el
hueso de la cabeza y colocarlo delante de la cara,
como en la figura 5-47 . Girar 90 grados para hacer
que el hueso local de eje y punto de arriba y abajo.
Este hueso se llamará JawControl.
Figura 5-47: hueso JawControl
Los controles faciales tienen formas personalizadas
asociadas con ellos, y usted puede ser que también a
diseñar sobre la marcha. Para JawControl, he
modelado un objeto de malla para representar la
barbilla capitán de Blender. Poniendo la forma del
hueso costumbre en el lugar como lo hizo con el hueso
le da una mirada JawControl, como en la Figura 5-48 .
Ahora debe configurar el controlador. El conductor va
a configurar primero impulsará la mandíbula hacia
abajo de forma. Debido a la posición original del
hueso corresponderá a cero en la forma, usted ya sabe
que las x y eje y los valores de la curva chofer los
estará esperando en cero. El valor máximo de la forma
será 1. ¿Qué valor hueso debe corresponder a este?
Para evitar un montón de conjeturas, se puede
comprobar que de antemano pulsando N en el visor
3D para que aparezca la ventana de propiedades de
transformación.
Figura 5-48: la forma del hueso personalizado para
JawControl
Mueva el hueso JawControl hacia abajo en la
dirección Y. local en el lugar que desee para
representar a la boca completamente abierta. Acerca -
0,05 parece un buen lugar para tener la boca bien
abierta en mi modelo. Tenga en cuenta, el modelo
puede ser construido a una escala diferente, por lo que
este valor puede ser diferente. Póngalo en una forma
que tenga sentido para usted, y si es necesario,
consulte el modelo completamente amañado Capitán
Blender en el DVD que acompaña a ver cómo los
conductores deben observar en acción. No tiene por
qué ser exacta, pero es bueno para tener una idea
aproximada de la curva donde debe ir. En el caso en
que el hueso se mueve -0,05 unidades, el polinomio
conductor debe ser y = -20 x. Establecer un conductor
como lo hizo en la sección anterior para controlar esta
forma, con los ajustes como se muestra en la Figura 5-
49 .
Figura 5-49: Un conductor de la forma JawDown
Sonrisa y Frown Controls
Para controlar la sonrisa y las formas de expresión,
vamos a usar dos huesos de control personalizadas,
una para cada lado de la boca, como en la Figura 5-50
. Crear estos huesos copiando el hueso JawControl en
el modo Editar dos veces y utilizando el espejo de
edición para colocar los huesos de una manera
simétrica. Crear una forma de malla adecuado para
cada controlador. Ceño y sonreír son mutuamente
excluyentes, por lo que puede controlar la sonrisa
moviendo el controlador hacia arriba del hueso y
puede controlar el ceño, moviendo el hueso hacia
abajo del controlador, con valores de ambas formas
"en cero cuando la ubicación del hueso del controlador
y es cero. Una vez más, usted va a manejar las claves
de forma con el valor Y la ubicación local de los
huesos.
Figura 5-50: huesos sonreír y fruncir el ceño
Para crear los cuatro controladores necesarios para la
sonrisa plena y controles del entrecejo, comience con
el conductor sonrisa-izquierda. Establecer este
controlador en la misma forma que establezca el
conductor JawDown en la sección anterior. En este
caso, desea que la forma de sonrisa plena de estar en
vigor con el hueso eleva a aproximadamente 0,025.
Una vez más, las distancias pueden variar un poco,
dependiendo del tamaño de su objeto en relación con
la plantilla de cuadrícula. En el ejemplo, el coeficiente
de x es 40. Para el valor de fruncir el ceño, copie el
controlador, y negar el coeficiente de x a -40. Para
obtener los controladores adecuados sonrisa y el ceño
fruncido, copie los controladores del lado izquierdo, y
cambiar los huesos de los pilotos de destino. Figura 5-
51 muestra los controladores (los valores se refieren a
FrownRight).
Figura 5-51: Valores de controladores para
FrownRight
Restringir el movimiento de los huesos de control Figura 5-53: Control de la sonrisa y las formas de
mediante el bloqueo de la rotación y ubicación de expresión
todos los canales excepto el canal y en la Plataforma
de propiedades a la derecha de la ventana gráfica 3D,
y luego agregar una restricción Ubicación límite para
restringir aún más el movimiento de los huesos a lo
largo de la ordenada eje, en una gama de -0,025 a
0,025, como se muestra en la figura 5-52 . Usted debe
hacer esto para todos los controles.

Ahora debería ser capaz de controlar la sonrisa y las

formas de expresión moviendo los controles arriba y
hacia abajo. Pruebe esto y asegurarse de que funciona,
como en la figura 5-53 .

Figura 5-52: Restringir el movimiento de los

huesos

En la Figura 5-54 se pueden ver las formas óseas

personalizados que he utilizado para los otros
controles faciales y la ubicación de estos controles en
reposo delante de la cara del personaje.
Figura 5-54: controles faciales en posición
Los controles son como sigue:
Ceja controles de movimiento vertical (eje y) controla
el aumento mediados de frente para el ojo respectivo.
Rotación (eje z) controla el aumento ceja exterior.
Bloqueado loc Y y Z se transforma putrefacción.
Controles entrecerrar los ojos en el borde de los ojos,
los controladores de estrabismo activar el estrabismo
para su ojo respectivo moviendo hacia el ojo a lo largo
del eje x. Estos están bloqueados en todas las
transformaciones, excepto X loc.
Párpado Los controles en forma de ojo directamente
en frente de los ojos se cierran los ojos cuando se baja
a lo largo del eje y locales y ampliar los ojos
ligeramente cuando se levanta. Encerrado en todas las
transformaciones, excepto la locomotora Y.
Control de Brow Knit El único control en el puente de
la nariz teje el ceño cuando se baja un poco.
Encerrado en todas las transformaciones, excepto Y
loc.
Arruga la nariz Controles Cuando se planteó a lo largo
del eje y locales, estos controles subir y arruga su
nariz respectiva solapa y la mejilla. Encerrado en
todas las transformaciones, excepto Y loc.
Control de Upper Lip Al poco elevada, este control se
activa el labio superior hacia afuera. Cuando bajó, se
activa el labio superior pulg bloqueado en todas las
transformaciones, excepto Y loc.
Edge Boca control de sonrisas y controles del
entrecejo. Encerrado en todas las transformaciones,
excepto Y loc.
Control de labio Parte colocados directamente en
frente de los labios, este controlador activa la forma
del labio redondo cuando se eleva y activa la forma
del labio de ancho cuando se baja. Cuando se gira a lo
largo del eje local Z, este control activa la forma que
los labios-juntos, apretando los labios. Encerrado en
todas las transformaciones, excepto loc Y y Z
podredumbre.
Bajo control Lip Cuando se planteó, este control se
activa el labio inferior pulg Cuando bajó, se activa el
labio inferior hacia fuera. Encerrado en todas las Figura 5-55: problemas con el cinturón de
transformaciones, excepto Y loc. deformación

Control de la mandíbula cuando baja a lo largo del eje

y locales, este control activa la mandíbula hacia abajo
forma, la apertura de la boca. Cuando se mueve
ligeramente hacia la derecha a lo largo del eje x, se
activa la mandíbula derecha, que mueve la mandíbula
ligeramente a la derecha. Cuando se mueve a la
izquierda, se activa la mandíbula izquierda, para
mover la mandíbula ligeramente a la izquierda. Este
control está bloqueado en todas las transformaciones,
excepto Y loc loc y X.

Deformaciones de malla mejoradas Uso de las

teclas accionadas Forma

Ya has visto cómo los huesos se puede utilizar como

controles de teclas forma de la cara. Teclas de forma
también puede ser usado para aumentar ordinarias
deformaciones de malla de armadura. Si usted ha
jugado con el equipo de perforación que presenta el
Capitán Blender, usted sabe que hay ciertas posiciones
en las que el equipo de perforación, actualmente peso
pintados, no se deforma muy bien. Con el capitán
Blender como lo tengo pintado de peso, el área de la
correa está causando problemas cuando las piernas se
plantea en cierto modo, como se muestra en la Figura
5-55 .
A veces este tipo de problema puede ser resuelto por
la pintura de pesos inteligente, pero dependiendo de
los ángulos de los huesos y la ubicación de los
vértices, esto no es siempre el caso. En casos como
este cinturón, no existe manera obvia de pintar los
vértices que darán lugar a una deformación bien
parecido aquí.
Sin embargo, como sabemos ahora, la deformación
armadura no es la única manera de conseguir huesos
de influir en la forma de la malla. Driven formas son
una herramienta que se puede utilizar aquí.
Básicamente, usted desea crear una forma que
obligará a los vértices en una configuración de aspecto
más natural cuando la pierna se levanta.
Para ello, primero debe configurar el modificador
Armature a mostrar en el modo de edición pulsando el
botón de activación de relieve en la Figura 5-56 . Si no
se establece, la deformación del inducido no se aplica
en el modo de edición.
Figura 5-56: Configuración del modificador
Armature a mostrar en el modo de edición
En el modo de objetos, crear dos claves configurar
nuevas: la clave de una forma Bases y BeltCorrect.L
clave llamada. Con BeltCorrect.L seleccionado,
presentan el carácter en la postura que requiere
corrección. Ingrese el modo de edición y editar la
malla de manera que la cinta se ve bien en esa
posición planteada, como se muestra en la Figura 5-57
.
Figura 5-57: corrección de la forma de malla se
plantea en el modo de edición
Una buena manera de manejar formas correctivas es
utilizar la diferencia de rotación entre un hueso
deforme y un hueso de destino especialmente añadido.
Diferencia de rotación se calcula un valor de
diferencia absoluta entre dos rotaciones
tridimensionales. La matemática exacta detrás de esto
no es importante para usted saber, lo importante es
que cuando los dos huesos están exactamente
alineadas, el valor es cero. Puede crear un hueso en
ángulo en la postura que debe conducir la forma
correctiva y luego configurar el controlador para que
la forma se activa como la diferencia de rotación entre
los huesos se aproxima a cero. Figura 5-58 muestra
esto en acción. El hueso blanco se ha añadido en el
modo de edición y se extiende hacia adelante desde
las caderas del personaje. Cuando la diferencia de
rotación del hueso del muslo se deforman se aproxima
a cero, la forma correctiva se activa.

Figura 5-58: Conducir la clave con la diferencia de

rotación entre un hueso deforme y un hueso
controlador de destino

Para crear esto, primero debe agregar el hueso. Llamar

al hueso COR-thigh.fL para indicar que se trata de un
controlador de forma de tecla correctiva y que es la
corrección de avance para la pierna izquierda.
Configurar un controlador como se muestra en la
figura 5-59 . Tenga en cuenta que los ángulos del
controlador hacia abajo a la izquierda, así que la llave
forma es impulsado por el valor decreciente y alcanza
su máximo a cero.
Figura 5-59: El controlador de la llave forma
correctiva
En este ejemplo, necesitará claves correctivas de
forma para las piernas y para los casos en los que la
pierna está muy lejos hacia adelante y hacia la parte
posterior. Para ello será necesario la creación de
cuatro conductores, cada uno con sus propios huesos
de destino situados convenientemente. Figura 5-60 se
muestra el conjunto de huesos de destino.
Figura 5-60: Un conjunto de huesos de destino del
controlador para adelante y para atrás
correcciones para deformar las dos piernas
Ahora ya sabes todo lo que necesitas saber para crear
una plataforma completa por su cuenta. Al ajustar los
valores y la adaptación de estas técnicas cuando sea
necesario, que te permita cualquier personaje que
quieras. En la siguiente parte del libro, usted
comenzará a aprender cómo hacer que sus personajes
cobran vida con la animación.
Versión traducida de capitulo 06.xhtml
Capítulo 6
Fundamentos de la Animación
En este capítulo, podrás dejar de lado su equipo
brevemente para echar un vistazo general de cómo ocurre
la animación en Blender. Voy a introducir algunos
términos que cualquiera familiarizado con la animación
por ordenador se conocen y presentarlas en el contexto del
sistema de animación de Blender. Si usted es nuevo en la
animación por ordenador, tendrá que prestar mucha
atención porque, aunque los detalles son específicos de
Blender, las ideas son universales, y la funcionalidad es
esencialmente la misma que se encuentra en cualquier otro
software 3D.
 Fotogramas clave y curvas de función
 Uso del editor de gráficos: rebotar una pelota
 Interpolación y extrapolación
Fotogramas clave y curvas de función
Animación implica la creación de una serie de imágenes
ligeramente alteradas todavía que, cuando se ve en una
secuencia rápida, crean la ilusión de movimiento. En este
sentido, no ha cambiado desde Winsor McCay
esencialmente inventó el arte de dibujar minuciosamente
decenas de miles de fotogramas individuales de sus
primeros cortometrajes animados. En la mayoría de los
demás aspectos, se ha vuelto un heck de mucho más fácil.
En la edad de oro llamado de animación dibujada a mano,
después de Walt Disney llegó con algunas mejoras en el
flujo de trabajo de McCay para acelerar el proceso, un
animador a robar una serie de fotos, marcos de varios
pedazos, que representa los puntos principales en el
personaje de movimiento. Estos puntos generalmente sería
la "extrema" poses, que eran los más importantes para
transmitir la ilusión de la apariencia física y el
movimiento. Aunque estoy un poco simplificar algo de la
jerga, por lo general estos dibujos fueron denominados
fotogramas clave (un término que aún está en uso).
Después de que el animador terminado la tarea de dibujar
los fotogramas clave, un asistente le acercan, cenicero
vacío del animador, y sacar las de intermediarios (otro
término que sobrevive como interpolación). Un asistente
experto haría que las transiciones entre los dibujos del
animador como suave y discreto posible. Una tendencia
hacia más estrictas leyes laborales fumadores ha hecho la
primera parte del trabajo redundante de asistente del
animador. La segunda parte ha sido despedido por curvas
de función, que son el tema de esta sección y jugará un
papel importante a través de gran parte del resto de este
libro.
En Blender, como en software 3D, el concepto de
keyframing sobrevive en una forma diferente. Se establece
claves en fotogramas específicos para los valores que se
desea animar desde un extremo de una gama a otra.
Blender calcula automáticamente una curva entre las
teclas en el tiempo mediante la interpolación entre los
valores por clave. En Blender, esta curva se llama F-
curva, curva o función. Valores Keyable en Blender
incluyen ángulos y coordenadas de ubicación. También
incluyen una amplia variedad de otros valores, como la
escala, el color, los valores de los parámetros para muchos
efectos y propiedades, valores de influencia de
limitaciones, tales como la restricción de los
conocimientos indígenas, las capas de la pantalla, y los Esta configuración de pantalla contiene más de lo que
valores de deslizamiento de las formas. En definitiva, necesita ya establecidos.
cualquier valor que puede cambiar con el tiempo en una
animación puede introducirse y Blender rellena los valores Figura 6-1: La línea de tiempo
de transición entre los valores clave.

Teclas y automáticamente generados F-curvas no son el

final de la historia, sin embargo. Parafraseando un
comentario que escuché una vez por un animador
experimentado, usted es responsable de lo que sucede
entre los fotogramas clave, también. F-Curves son como
un asistente diligente y preciso, pero ni uno terriblemente
brillante. A menos que quieras todo su movimiento para Figura 6-2: Pantalla predeterminada Animación
que parezca una serie de ondas sinusoidales continuas (o
como animación CG de 1985), es necesario trabajar con
los F-Curves directamente, tomar decisiones acerca de sus
modos de interpolación y edición de las formas de las
curvas propias como apropiado. Blender te da muchas
herramientas para hacer esto, y se le busca en estas
herramientas en este capítulo.

La línea de tiempo

Vamos a usar un par de ventanas mucho al hacer la

animación. Una de ellas es la ventana de tiempo (ver
Figura 6-1 ). Esta ventana no requiere mucho espacio en la
pantalla vertical, por lo que en la configuración de
pantalla predeterminada que se ejecuta a lo largo de
debajo de la ventana gráfica 3D. También puede
seleccionar la configuración de la pantalla de animación
de la pantalla en el menú desplegable en la cabecera de la Atajo: Al pulsar Ctrl + Flecha derecha o Ctrl + flecha
hacia la izquierda a través de los ciclos de posibilidades de
ventana Información (O configuración de escritorio.
pulsando Ctrl y pulsando la tecla de flecha izquierda o
derecha para desplazarse por las configuraciones), que
organiza las ventanas como se muestra en la Figura 6-2 .
Funcionalidad básica La línea de tiempo es auto-
explicativo. Al pulsar el botón de reproducción , Se
reproduce la animación desde el fotograma de inicio para
el cuadro final en la repetición continua. El marco actual
se muestra en el campo a la derecha de los campos Inicio
y Final, y puede introducir un número de fotogramas
deseada aquí directamente. También puede utilizar las
teclas de flecha izquierda y derecha del teclado para
avanzar hacia adelante y hacia atrás por cuadros
individuales, y usted puede usar las teclas de flecha para
avanzar hacia adelante y hacia atrás por 10 cuadros a la
vez. Presionando Shift y pulsando la tecla de flecha
izquierda o derecha establecerá el marco actual al inicio y
al final los valores de trama, respectivamente.
Atajo: Al pulsar Shift + Flecha derecha o Mayús + Flecha
izquierda se ajusta el marco actual a la línea de tiempo y
valores Start extremo del bastidor, respectivamente.
Uso del editor de gráficos: rebotar una pelota
Voy a introducir los conceptos básicos con una pieza
clásica de la animación principio: la pelota. Comience
Blender, elimine el cubo por defecto, y dos objetos-una
malla de plano y una esfera UV con ocho segmentos y
anillos de ocho. Ponga un modificador subsurf en la
esfera, coloque el sombreado para suavizar sólo para que
se vea bonito, y establecer objetos para ver Sólidos en la
plataforma de herramientas. A continuación, vaya al panel
Propiedades de objeto, y seleccionar la opción de pantalla
Wire. Además, seleccione la opción de visualización
óptima del modificador subsurf. Figura 6-3 muestra la
esfera y el plano de la vista de la vista superior (7 en el
teclado numérico).
Figura 6-3: Adición de un plano y una pelota

Además del botón de reproducción en la línea de tiempo,

también puede reproducir la animación pulsando Alt + A.
Al pulsar Alt + Shift + A se reproduce la animación hacia
atrás.

Hotkey: Pulse Alt + una tecla reproduce la animación.

Hotkey: Pulse Mayús + Alt + una tecla reproduce la

animación hacia atrás.

Usted también querrá buscar en un editor de gráficos, por

lo que abrir un editor de gráficos en una de las ventanas en
el escritorio. Si ha seleccionado el formato de pantalla de
animación, su editor de gráficos se mostrará a la izquierda
de la ventana 3D, debajo de la ventana dopesheet.
Mover a la vista frontal (1 en el teclado numérico). Figura 6-4: Introducción ubicación de la pelota
Asegúrese de que el objeto plano se alinea con el cero en
el eje z. Mueve la esfera de 10 unidades de Blender (BU)
por encima del cero a lo largo del eje z.

Lo primero que haremos será clave el movimiento vertical

de la pelota. En Blender, se utiliza la tecla I para insertar
una llave. Usted quiere introducir el balón en el fotograma
1 en el punto más alto de su rebote. En la línea de tiempo,
asegúrese de que está en el cuadro 1 (esto también se
muestra en la parte inferior izquierda de la ventana gráfica
3D). Con el puntero del ratón sobre la vista 3D, pulse I
para insertar una clave, y elegir ubicación, como se
muestra en la Figura 6-4 . Verás unas líneas horizontales
aparecen en el editor de gráficos, que representan el x, y, z
las coordenadas de la pelota. Puede que tenga que escalar
la vista del editor de gráficos con la tecla Inicio del
teclado o usando la rueda de desplazamiento del ratón
para ver las cosas con claridad. El coordenadas x e y son
ambos 0, por lo que estas dos líneas se encuentran en la
parte superior de la otra en el punto cero.

Hotkey: Pulse I inserta una animación de fotogramas

clave.

Hotkey: Pulse Inicio escalas a vista para que su contenido

es totalmente visible.

Al igual que en la línea de tiempo, puede avanzar y

retroceder un fotograma a la vez en el editor de gráficos
con las teclas de flecha izquierda y derecha, y se puede
mover 10 cuadros a la vez usando las teclas de flecha.
Pulse la tecla de flecha arriba dos veces para mover 20
fotogramas hacia delante. Los marcos predeterminados
por segundo ajuste es de 24 fps (esta configuración se
puede cambiar en el menú de reproducción de la línea de
tiempo), así que mover 20 cuadros adelante te mueve un
poco menos de un segundo hacia adelante en el tiempo.
Este es el adecuado para la cantidad de tiempo que tomará
para que la pelota golpeó el suelo, por lo que mover el
balón hacia abajo a lo largo del eje z hasta que toque el
suelo que ha creado. Clave en este puesto de la misma
manera que introdujera la anterior. Tenga en cuenta la
curva mostrada en el editor de gráficos en la Figura 6-5 .
La curva Z Ubicación muestran en azul sumerge ahora de
10 a alrededor de 1.
Figura 6-5: Editor de gráficos
Ahora ha agregado F-Curvas de tres canales, que se
enumeran abajo la plataforma del lado izquierdo del
Editor de gráficos. Los canales que están disponibles para
la creación de F-Curve dependen del objeto seleccionado
y los canales seleccionados en esta lista. Puede seleccionar
o anular la selección de objetos y canales y hacer
diferentes canales visibles o invisibles utilizando los
iconos de ojo junto a los nombres de los canales.
Trabajo con Puntos de Control
De forma predeterminada, los F-Curves se crean como
curvas de Bézier, con triples de puntos de control que le
permiten ajustar la forma de las curvas de forma manual.
Puede seleccionar puntos de control, haga clic en el punto
de control o utilizando la tecla B Caja de herramienta
Seleccionar para seleccionar varios puntos de control.
Puede seleccionar todos los puntos de control que
comparten un marco mediante la celebración de Alt y clic
derecho. Los cambia una clave de selección de todos los
puntos y anular la selección de todos los puntos.
Para completar el movimiento hacia arriba y abajo de
rebote de la pelota que rebota animación, seleccione el
primer punto de control en la curva Ubicación Z, que
representa el punto culminante de la ubicación de la
pelota. Duplicar este punto de control pulsando Shift + D,
y mover el punto de control de copiado en bastidor 41,
como se muestra en la Figura 6-6 . Mantenga presionada
la tecla Ctrl mientras mueves el punto de control para
limitar a los marcos. También puede restringir la dirección
en que se mueven las llaves de un eje en la ventana
pulsando la tecla X o Y.
Teclado: Mayús + D fotogramas clave duplicados o
puntos clave de un F-Curve.
Ahora tiene un solo movimiento hacia abajo de la pelota,
que termina en el mismo lugar de su inicio. Usted puede
hacer un ciclo fuera de él mediante el establecimiento de
los marcos de inicio y de finalización de la línea de tiempo
a 1 y 40. Tenga en cuenta que el duplicado de la primera
llave es en realidad en el fotograma 41, por lo que los
fotogramas 1 y 41 son idénticos. Esto significa que la
bicicleta 1 a 40 le da repeticiones ininterrumpidas de
movimiento arriba y abajo.
Figura 6-6: El ciclo completo arriba y abajo
Pulse Play en la línea de tiempo para observar el
movimiento del balón. Usted debe ver la salida del balón y
caer en repeticiones suaves. (Si hay algún movimiento
espasmódico, es necesario comprobar las llaves y
asegurarse de que son los valores de la derecha y se coloca
correctamente.) Sin embargo, el movimiento no es
claramente el movimiento de una pelota botando.
Despidiendo las bolas no se desplazan suavemente hacia
arriba y hacia abajo como esto. Es necesario ajustar el
movimiento entre fotogramas clave. Para ello, es
necesario editar las curvas de sí mismos.
Edit Mode
En el Editor de gráficos, puede editar las curvas que están
en modo de interpolación Bézier como curvas de Bézier,
usando puntos de control con asas se pueden manipular.
Selección del punto central del punto de control le permite
mover el punto de control en su totalidad, se ocupa de
todos. La selección de uno de los controladores permite
controlar la forma de la curva. Con un punto de control
seleccionado, se puede cambiar el tipo de palanca situada
debajo del menú Set Keyframe Tipo de asa, con la tecla V.
Las opciones de tipo de asa son como sigue:
Hotkey: Pulse V en el editor de gráficos abre un menú
para cambiar el punto de control de tipo palanca.
Auto Blender calcula automáticamente la longitud y la
dirección de los mangos para crear la curva más suave.
Auto Clamped Este es el mismo que Auto, excepto que los
puntos de control en los extremos de la curva se sujetan
horizontalmente. Con Auto Clamped, puntos locales
máximos o mínimos de la curva siempre se ejecutan a
través del punto de control de al menos una. Este es el
valor predeterminado.
Alineados Blender mantiene una línea recta entre los dos
mangos, así que si usted se mueve una palanca, el otro
también se mueve.
Extremo libre de cualquiera de las manijas se pueden
mover independientemente una de la otra manija.
Vector Ambos mangos se ajustan para apuntar
directamente a los puntos de control anterior y posterior.
El principal problema con la curva de rebote es que el
punto bajo del rebote se ralentiza gradualmente y luego la
aceleración cuando la pelota vuelve hacia arriba. En una
caída real, el objeto seguirá acelerando debido a la fuerza
de la gravedad, por lo que la curva obtendría más
empinada en el camino hacia abajo, antes de que la bola se
detiene repentinamente al suelo inflexible. La pelota
conserva la mayor parte de su energía cinética después de
la colisión, pero su dirección se invierte de nuevo al alza,
lo que significa que comienza de nuevo hacia arriba con
casi la misma velocidad que tenía cuando golpeó el suelo.
puede ver si se ejecuta la animación ahora. Sin embargo,
las curvas de enderezar antes de tiempo, y la aceleración
de la pelota no se mantiene al mínimo. Para ajustar esto,
usted puede traer estos controles mangos 'más cerca
juntos, para hacer una curva pronunciada. Edición de un
mango de tipo vectorial automáticamente cambia a un tipo
libre, para que pueda seguir adelante y elegir uno de los
puntos de la manija y presione la tecla G, o usted puede
hacer clic y arrastrar el punto de control para moverlo
ligeramente hacia el centro de la curva, como se muestra
en la Figura 6-7 . Reproducir la animación y ver la mejora
en el movimiento de rebote.
Figura 6-7: Afilado de la F-Curve en el rebote

Para este ejemplo, se va a ignorar la pérdida de energía y

asumir que la bola puede rebotar mantener siempre, en
cuyo caso la energía cinética que va hacia arriba fuera del
rebote es el mismo que el que entra en el rebote. Esta
energía, en la lucha contra la resistencia de la gravedad,
disminuye hasta que la parte superior del ciclo, cuando
una vez más la gravedad se hace cargo de la mayor fuerza
que actúa sobre la pelota, y la pelota vuelve a bajar.

En la práctica, todo esto significa que quieren dos curvas

parabólicas inclinación hacia abajo para reunirse en un
punto. Es necesario ajustar el punto más bajo de la curva
Z Ubicación. Seleccione el punto de control haciendo clic
en el punto medio del punto de control triple.
Escala Introducción: A Simple Squash / Stretch Efecto
Una forma rápida de crear un vértice agudo es utilizar la
tecla V y seleccione el tipo manija vector para cambiar el Ahora que movimiento de rebote de la pelota parece más
tipo de mango a los vectores. Prueba de esto, y usted verá o menos bien, vamos a añadir un poco de squash y tramo
que la maneja ahora apuntan en la dirección de la anterior para añadir un poco más dinamismo al movimiento. El
y siguiente punto de control. Esta es una mejora, como se uso de efectos de compresión y extensión de esta manera
se remonta a principios de la animación dibujada, y el Figura 6-8: La escala original
estilo en ese momento era inevitablemente caricaturesco.

Compresión y extensión son verdaderos fenómenos

físicos, pero el grado exagerado a los que se utilizan a
menudo en la animación no es realista. Calabaza real y
estiramiento depende del material del objeto y las fuerzas
a las que está sometido. Una bola de acero y un globo de
agua, obviamente, tienen diferentes grados de calabaza
cuando rebotó contra una superficie y diferentes grados de
estiramiento cuando se deja caer desde una altura. Algo
así como una pelota de béisbol, por ejemplo, tendría una
calabaza imperceptiblemente ligero y estiramiento en la
vida real. Cualquiera que haya visto las fotografías de una
pelota de béisbol en contacto con un murciélago sabe que
aunque el bate hace una impresión instantánea profundo
en la bola, la impresión es muy local y no altera la
redondez de la bola mucho. Sin embargo, en una
animación de dibujos animados de estilo, la compresión y
2. Seleccionar puntos de este primer cuadro de control,
extensión de una pelota de béisbol sería muy exagerado
mantenga Alt y haga clic en un punto de control en el
para enfatizar el dinamismo de la pelota.
primer cuadro. Duplicar estos puntos de control con Shift
Tendrá que tomar una muy simple (y no muy flexible) + D. Mueva las nuevas claves de 40 cuadros a la derecha,
enfoque de la animación de compresión y extensión aquí, manteniendo pulsada la tecla Ctrl.
simplemente valores de claves para la escala. Para ello,
3. Avanzar 20 fotogramas (presione la tecla de flecha
siga estos pasos:
arriba dos veces) al bastidor 21, y la escala de la pelota a
1. Vaya al fotograma 1. Con la bola seleccionada en la una forma de calabaza. Para hacer esto, la escala de la
vista 3D, pulse y seleccione Escala. Usted debe ver las bola hacia abajo a lo largo del eje z a .5. Luego escalar de
teclas aparecen en el Editor de gráficos y sus nuevo, esta vez, utilice S seguido de Mayús + Z para
correspondientes canales aparecen en la lista en el estante escalar en las otras dos direcciones a 1,5. Asegúrese de no
del editor de gráficos, como en la Figura 6-8 . Si los cambiar cuadros sin introducir esta nueva escala, o que va
canales están contraídos, haga clic en el triángulo gris para a perder (que volverá a lo que se teclea en el marco que ir
obtener la vista que se muestra en la figura. a, en este caso, el valor llave primero). Key la nueva
escala, tal como se muestra en la Figura 6-9 .
Atajo: Al pulsar Shift + Z después de una transformación Figura 6-9: Escalado a una forma de calabaza
G, R, S o clave limita la transformación al plano definido
por el eje x e y ejes. Shift + Shift + Y y X se comportan de
manera similar.

4. Debido a que la pelota está ahora reducido

verticalmente, es necesario bajar el punto más bajo de la
curva Z Lugar para que la pelota entre en contacto con el
suelo en vez de rebotar de vuelta justo antes de la misma.
Para ello, seleccione el punto de control central en el
Lugar Z F-Curve y bajar con la tecla G y el botón de
flecha hacia abajo en el teclado. Ajuste hasta que su bola
aplastada está configurado correctamente en el suelo. Esto
se hace mediante la edición de las curvas directamente, si
lo único que se movió el balón en el suelo en la vista 3D y
luego restablecer la clave de I, es posible que pierda su 6. Debido a que la energía cinética de la bola sigue siendo
especial ediciones a las asas de la F-Curve en esa clave. alta en el retroceso, se debe volver a la posición estirada
rápidamente, pero debido a que no está influenciada por
5. El efecto de estiramiento es un resultado de la gravedad golpee contra una superficie sólida, que no tiene que saltar
y debe estar en su punto máximo, al mismo tiempo que la de vuelta dentro del espacio de un solo marco. Duplicar la
aceleración de la gravedad es más alto. Esto es, por llave se extendía desde el fotograma 20 y lo coloca unos
supuesto, el marco inmediatamente antes de la bola hace pocos fotogramas después de la estructura de contacto
contacto con el suelo. Ir a este marco y pulse Alt + S en la real. La escala de squash tampoco debe comenzar
pelota para borrar todas las escalas. Luego aumentar a lo temprano. La pelota debe aplastar el impacto. Figura 6-10
largo del eje z a 1,25, y escalar hacia abajo a lo largo del muestra las posiciones finales de fotogramas clave para la
plano x, y a .75. Las llaves de su escala. ampliación de estiramiento.
Figura 6-10: Colocación de las claves del estiramiento tipos tiene un efecto marcadamente diferente en el
movimiento del objeto al que se aplica, y cada uno ofrece
diferentes posibilidades para la edición. Se puede acceder
a estos a través del submenú Modo de interpolación del
menú Key.

La interpolación Bézier

El tipo de interpolación por defecto es Bézier, lo que crea

una curva suave y redondeada entre los valores con clave.
Los puntos clave son los puntos de control de Bézier con
dos asas, y la forma de la curva se puede editar de forma
manual, como se vio en la sección anterior. Tomando dos
teclas de las localizaciones Z como un ejemplo, esto
resulta de interpolación por defecto en la curva mostrada
en la Figura 6-11 .

Figura 6-11: la interpolación de curva

Interpolación y extrapolación

Blender genera un F-curva que pasa a través de un

conjunto de valores con clave. Se puede determinar el tipo
de curva seleccionado el modo de interpolación de la tecla
de menú y modo de ajuste de extrapolación de la curva.
Interpolación se refiere al algoritmo de Blender utiliza
para calcular la forma de la curva entre los valores por
clave. Exrapolation se refiere a los algoritmos utilizados
para calcular la forma de la curva hacia delante y hacia
atrás en el tiempo más allá de los valores con clave
primero y el último.

Interpolación

Hay tres tipos de interpolación están disponibles en

Blender: Bezier, lineal y constante. Cada uno de estos
Este tipo de curva crea el movimiento más naturalista de Figura 6-12: La interpolación lineal
los tres tipos, aunque esto no significa que no ajustados
curvas de Bézier siempre producirá movimiento
convincente. Es importante tener en cuenta las fuerzas
físicas que se aplican al objeto, como se discutió en la
sección anterior.

Una calidad igualmente importante de la interpolación de

curva es que es el tipo de interpolación único que permite
la edición de la propia forma de la curva.

La interpolación lineal

La interpolación lineal crea una línea recta entre los

valores con clave. Esto puede ser útil para los
movimientos mecánicos, pero también es útil para animar
otras propiedades de movimiento, que pueden cambiar de
una forma lineal. La interpolación lineal no es una forma
convincente para modelar el movimiento orgánico.
Edición de la forma de la curva es también altamente
restringido. En el editor de gráficos, se puede mover
libremente alrededor de los puntos clave, pero no se puede
cambiar nada más acerca de la forma de la curva. Figura
6-12 muestra una interpolación lineal entre puntos.
La interpolación constante
Interpolación constante tiene cada valor llave constante
hasta el siguiente valor está codificado, como en la figura
6-13 . Esto no quiere modelar el movimiento en absoluto,
sino más bien repentinos cambios discretos en la posición
o el valor. Este es el modo de interpolación de usar para
los cambios instantáneos. De hecho, cuando keying capa
de un objeto, este es el modo de interpolación posible
solamente. Para la animación, el modo de interpolación
constante puede parecer inútil para los principiantes, pero
puede ser muy eficaz en el bloqueo de la llave de poses de
una secuencia de animación, lo que hace que la
sincronización es correcta bruto antes de pasar a refinar
aún más la animación.
Figura 6-13: interpolación constante positivas y negativas en la línea de tiempo. Figura 6-14
muestra constantes curvas extendidas en los casos con uno
y dos puntos clave. Constant es el valor predeterminado
ampliar valor.

Figura 6-14: extrapolación constante con dos y tres

puntos clave

La extrapolación lineal
Tipos de extrapolación
Considerando que el tipo de extrapolación mantiene
Hay dos tipos de extrapolación: constantes y lineales.
constante el valor constante, extrapolación lineal mantiene
Puede utilizar estos tipos con cualquiera de los tipos de
el ángulo en el que la curva pasa a través de los
interpolación. En los siguientes ejemplos, que se muestran
fotogramas clave constantes primero y último y calcula la
con una curva utilizando la interpolación de curva. He
continuación de la curva como una extensión de la línea
incluido dos ejemplos de cada uno con los dos valores de
en ese ángulo, como se muestra en la Figura 6 - 15 . Se
clave y una con tres a destacar los casos en los que esto
pueden utilizar dos puntos para crear una escalera F-Curve
hace una diferencia en el comportamiento de la curva. Se
en cualquier ángulo. Puede utilizar extrapoloation lineal,
puede acceder a estos en el submenú Modo Extrapolación
por ejemplo, para continuar indefinidamente ciertas
del menú Key.
transformaciones, tales como la rotación. Una curva lineal
La extrapolación constante extrapolado con dos valores que definen la curva de
rotación es una buena manera de animar una rueda que
Extrapolación Constante mantiene los valores de los gira.
valores con clave y apellidos constantes en las direcciones
En el caso de tres o más puntos, la extrapolación se Figura 6-16: extrapolación lineal con tres puntos clave
extienden como aparece en la figura 6-16 . Este es un uso
mucho menos común de extrapolación lineal.

Figura 6-15: extrapolación lineal con dos puntos clave

F-Curves y modificadores Curva F-

F-Las curvas son la base de toda la animación en Blender.

Cada vez que se modifica un valor, hay un F-Curve
orientar su cambio. En los próximos capítulos, verá una
serie de diferentes maneras y lugares en los que se pueden
crear y manipular llaves, puede introducir algunos valores
en la ventana Propiedades, pulse la tecla I sobre un
campo, puede introducir algunos valores mediante el uso
de deslizadores, y gran parte del trabajo basada en la
armadura que va a hacer va a tener lugar en la ventana
dopesheet y el editor de animación no lineal. Sin embargo,
todos estos contextos son fundamentalmente las interfaces
definidas sobre la base de la F-curvas y valores
fundamentales de puntos. Es importante recordar que
cuando surgen problemas en estas otras áreas, siempre se
puede encontrar el F-Curve que te está dando problemas Figura 6-18: Ruido modificado con F-Curve
en el editor de gráficos y averiguar lo que está pasando
con él directamente.

F-Curves también se pueden modificar mediante los

modificadores de curvas. Puedes acceder a la curva F-
modificadores en la Plataforma de propiedades de la
ventana del editor de gráficos con un F-Curve
seleccionado y editable. Una variedad de tipos de
modificadores le permiten cambiar la forma de la curva de
muchas maneras. Figura 6-17 muestra un ruido de tipo F-
Curve modificador que añade un componente aleatorio en
la curva. Figura 6-18 muestra una simple F- curva antes y
después de la activacion del modificador. Como
modificadores de objetos, la curva F-modificadores
pueden ser eliminados o desactivados.
Puede utilizar modificadores para crear ciclos, etapas o
Figura 6-17: Ruido F-Curve modificador límites en sus F-Curves, aplicar funciones incorporadas a
las curvas, e incluso influir en los valores de la curva F-
utilizando Python, que le da una gran cantidad de poder
sobre la forma de las curvas.

En el próximo capítulo, podrás caminar lejos de este bajo

nivel F-Curve vista de la animación y observe las
herramientas prácticas para la animación de personajes
totalmente amañadas.
Versión traducida de capitulo 07.xhtml Este libro se ocupa principalmente de la animación en el
sentido tradicional, que casi inevitablemente supone un
Capítulo 7 cierto grado de exageración.

Animación del inducido  Plantear y fotogramas clave con el dopesheet y el

Editor de acciones
En este capítulo, usted finalmente consigue abajo al  Caminata y Carrera Ciclos
negocio de la animación de los personajes de pleno  Pose a Pose Animación
derecho en Blender. Usted aparejado el carácter, echó un
vistazo a los mecanismos subyacentes de cómo funciona Plantear y fotogramas clave con el dopesheet y Editor
la animación, y probablemente se han convertido en de acciones
bastante cómodo con la interfaz. Es hora de ver lo que
puede hacer el capitán Blender hacer. El punto de partida para la animación armadura es la dope
sheet, al que puede acceder seleccionando el icono de
Aunque este libro no pretende ser un sustituto de un diamante fotogramas clave en el tipo de ventana en el
estudio en profundidad del arte de la animación, este menú desplegable. El dopesheet tiene tres modos: el
capítulo se toca en algunos principios básicos para crear dopesheet adecuadas, el Editor de acciones, y el Editor de
movimiento convincente que han resistido la prueba del Formas Key. Puede seleccionarlos desde el menú
tiempo desde los primeros días de Disney. La animación desplegable en la cabecera de la ventana dopesheet.
es una forma de arte descendiente de la caricatura, que
utilizaba dibujos sencillos para expresar una amplia gama La Figura 7-1 muestra dos ventanas dopesheet. El de
de emociones e ideas, y como tal exageración es un arriba está en modo dopesheet, y el de abajo está en el
aspecto crucial. Aunque CG puede permitirle trabajar con modo de acción Editor. Parecen similares, pero su
imágenes muy realistas, lo exagerado, dibujos animados, funcionamiento difiere en aspectos importantes.
influido aspecto sigue siendo importante, como el que más
familiarizado con tales "acción real" películas como The Figura 7-1: El Editor dope sheet y Acción
Matrix The Mask o tiene conocimiento. En hiperrealista
CG, el uso de la captura de movimiento y las tecnologías
conexas pueden moverse fuera del ámbito de la animación
correcta y en algo completamente distinto. En películas
como King Kong y El Señor de los Anillos, por ejemplo,
los modelos de los personajes de Kong y Gollum
esencialmente cantidad de trajes digitales aplicadas a un
actor humano.
En este capítulo, usted va a trabajar principalmente en el Figura 7-2: Colocación del carácter en el suelo
Editor de acciones. El Editor de acciones es esencialmente
una interfaz para introducir y organizar colecciones de
fotogramas clave asociadas a un objeto específico. El
dopesheet es un resumen de las acciones de varios objetos.
Teclas de crear o editar en el Editor de acciones o
dopesheet representan puntos claves reales subyacentes en
los F-Curvas y puede ser editado como tal, sino el Editor
de acciones e interfaces dopesheet que sea mucho más
fácil ver la disposición de las teclas para muchos huesos
en un armadura (o en el caso de la dopesheet para muchos
objetos) de una vez, en lugar de tener que tratar con un
gran número de F-curvas y puntos clave. Por ejemplo, la
localización y la rotación de un hueso en un punto
particular en el tiempo en realidad implica siete diferentes
F-Curvas. Usted no quiere tener que ver todas esas curvas
tan sólo saber que el hueso se ha introducido para la
ubicación y la rotación. El Editor de acciones y dopesheet
le mostrará la información pertinente acerca de dónde
están las llaves sin darle demasiada información.
Ahora sí que voy a empezar a animar. Usted querrá una
El Editor de acciones permite crear y editar acciones ventana 3D de visualización y una ventana Editor de
separadas independientemente uno de otro. Como se verá acciones abre aquí, así como una ventana de línea de
en los próximos capítulos, se puede usar y combinar tiempo. Una opción es seleccionar la pantalla de
acciones individuales de varias maneras. Este capítulo se animación en la pantalla de menú desplegable en la parte
centrará en la creación y el trabajo con acciones superior del área de trabajo para crear una pantalla como
individuales. la que se muestra en la Figura 7-3 . Esto le da una
configuración que incluye la mayoría de las ventanas
Bouncing Capitán Blender necesarias. Sólo hay una ventana dopesheet, sin embargo.
Para este capítulo, divida el dopesheet horizontalmente, y
Vamos a empezar por la creación de una acción de salto establecer una de las ventanas dopesheet al modo de
base. Añadir un avión en el punto cero, como se muestra acción Editor. La longitud de la animación por defecto es
en la Figura 7-2 , y la escala a lo largo de x e y ejes. Este 250 tramas, que corresponde a una animación de 10-
será el suelo. segundos.
Figura 7-3: Pantalla de Animación campo Nombre de la acción muestra el número de
usuarios de bloque de datos de la acción se encuentran
actualmente en Blender. Al hacer clic en este botón, se
crea una copia de la acción y lo convierten en un bloque
de datos de usuario único. El botón F a la derecha de esta
alterna un usuario falso para la acción. Con este botón
desactivado, las acciones no utilizados serán descartados
cuando la sesión actual de Blender se cierra. El botón de
signo más a la derecha de esta acción crea un nuevo vacío,
al igual que el botón Nuevo. Por último, el botón de
símbolo X a la derecha de ésta elimina la acción actual del
Editor de acciones y la desconecta de la animación actual.
La acción todavía estará disponible para seleccionar desde
el menú desplegable, y que persista de sesión a sesión si el
usuario falso se deja en su lugar, incluso si no se utiliza en
la escena.

Figura 7-4: El Editor de acciones en el menú

desplegable

Puede crear nuevas acciones de varias maneras. En primer

lugar, puede hacer clic en el botón Nuevo en la cabecera
del Editor de acciones. Todas las acciones actualmente
existentes se pueden encontrar en el menú desplegable que
ocupa el mismo espacio que el botón Nuevo en la
cabecera, como se muestra en la Figura 7-4 . La primera
acción que crea al hacer clic en Nuevo llevará el nombre
de acción. Posteriores nuevas acciones serán llamados
Action.001, Action.002, y así sucesivamente, y puede
cambiarles el nombre, escriba un nombre nuevo en el
campo. Si una acción está actualmente activa en el Editor Figura 7-5: El campo de acción y botones
de acciones, varios botones familiares aparecen a la
derecha del nombre de la acción, como se puede ver en la
Figura 7-5 . El número inmediatamente a la derecha del
Cuando no hay una acción activa, puede crear una nueva dopesheet y Editor de acciones, como se muestra en la
acción simplemente tecleando. La acción recién creado se Figura 7-7 . Como se puede ver en la dopesheet, los
le asigna automáticamente un nombre que incluye el objetos de la escena en la lista, así como un resumen de
nombre del objeto al que corresponde la acción. Por fotogramas clave solo se muestra para el objeto de equipo
ejemplo, si se introduce el objeto Cube, la nueva acción de perforación. En la acción, cada hueso con llave se da su
será nombrado CubeAction por defecto. propio canal horizontal, y los fotogramas clave para ese
canal se muestran como diamantes blancos (amarillo
Asegúrese de que la línea de tiempo dice que está en el cuando está seleccionado). Esta pantalla fotograma clave
cuadro 1, seleccione el objeto plataforma en la vista 3D, y es realmente una abreviatura de varios puntos básicos
entrar en el modo Pose. Antes de empezar, asegúrese de clave Curva F-.
que el IK y FK ajustes que plantean son como deberían
ser. Para el salto de obstáculos, caminar y correr ciclos se Figura 7-6: Los FK / IK ajustes para huesos
le busca en este capítulo, las piernas se planteará el uso
posando IK, y los brazos se planteará el uso FK posando.
Esto hace que sea fácil de formular las piernas para
interactuar con el suelo y de plantear los brazos de una
manera que crea arcos agradables. Usted puede ver el IK y
FK configuración mediante la selección de los huesos en
el modo Pose (adelante y seleccionarlos todos con la tecla
A) y mirar debajo del aparejo propiedades principales en
la plataforma Propiedades a la derecha de la ventana
gráfica 3D (cambiar la visibilidad Shelf Propiedades con
la tecla N), como se muestra en la Figura 7-6 . Establecer
las FK / IK valores para la foot.ik.L y huesos foot.ik.R a 1
deslizando los deslizadores todo el camino a la derecha,
como se muestra en la Figura 7-6 .

Ingrese Vista derecha Ortho pulsando 3 en el teclado

numérico y alternar a la vista ortográfica utilizando 5 en el
teclado numérico. En la vista 3D, seleccione los huesos
siguientes: caderas, las costillas, la cabeza, foot.ik.R y
foot.ik.L. Pulse la tecla I en el visor 3D y elija las
opciones LocRot de codificación en el menú que aparece.
Esto creará ubicación y fotogramas clave de rotación para
cada uno de los cinco huesos. Estos aparecerán en la
Figura 7-7: Fotogramas clave para el primer
fotograma
Los cinco huesos que has introducidos son los huesos
principales que usted está preocupado con el movimiento
de salto. Otros huesos también estarán involucrados para
mejorar el efecto, pero la moción principal dependerá de
estos huesos. Vamos a crear un ciclo que empieza y
termina con el resto de la armadura postura, por lo que
introducir los huesos relevantes ahora.
Vas a incorporar un poco de exageración de buenas a
primeras, en términos de la distribución. Como desea
hacer hincapié en el movimiento y la altura que el Capitán
Blender es saltar a, podrás hacer todo el movimiento un
poco más lento de lo que sería en la vida real. Toda la
acción se llevará a 50 fotogramas o segundos 2. Esto no es
lo suficientemente lento como para aparecer ante el
espectador como a cámara lenta real, sino que pondrá de
relieve el sentido de masa y energía en el movimiento.
Este movimiento tiene tres partes principales, aparte de las
posiciones de reposo al principio y al final. No es la
primera agacharse como el personaje se prepara para
lanzar hacia arriba. El siguiente es el vértice del salto,
donde el personaje está en su punto más ancho, a
continuación, es el punto de retroceso después de pulsar el
suelo en el fondo, lo que obliga al personaje hacia abajo
en una posición no muy diferente al agacharse inicial.
El momento del movimiento arriba y abajo tiene que ser
simétrica, ya que, al igual que el rebote de pelota, el
ascenso y la caída de un objeto con una gravedad crear
una forma parabólica. Por lo tanto, desea movimiento de
la figura dentro y fuera de la posición agachada en el
comienzo y el final del salto a ser considerablemente más
lento que el salto y el aterrizaje, el que desea ser explosiva
y sacudidas, respectivamente.
Para completar el keyframing para el salto, siga estos
pasos:
1. Asegúrese de que las caderas, las costillas, la cabeza y
los huesos foot.ik.L / R están codificados en la posición de
reposo en el cuadro 1, como se describe anteriormente.
2. Vaya al fotograma 16 introduciendo el número del
fotograma en el campo Línea de tiempo. Posición y clave
de las caderas, las costillas, la cabeza y foot.ik.L / R
huesos en el fotograma 16, como se muestra en la Figura
7-8 . Esto le da a la figura un poco más de medio segundo
para bajar a la posición de cuclillas.
Figura 7-8: Crouch pose Mayúsculas + D para duplicar las llaves. A continuación,
mientras mantiene pulsada la tecla Ctrl, mueva las teclas
copiadas en bastidor 36. Si mantiene pulsada la tecla Ctrl
mientras mueve las teclas limita su colocación a imágenes
completas. Haga lo mismo para duplicar las llaves desde
el fotograma 1 al fotograma 51. El resultado debe ser
similar a la Figura 7-10 .

Figura 7-9: Apex del salto

3. Vaya al fotograma 26, seleccione todos los huesos con

la tecla A y, a continuación, presione Alt + R y Alt + G
para borrar todas las ubicaciones y las transformaciones
de rotación en los huesos. Pose el carácter como se
muestra en la Figura 7-9 , que será el vértice del salto.
Observe que el pecho es algo curvado hacia atrás,
mientras que las caderas son empujados un poco hacia
adelante. Clave estas posiciones óseas.

4. En el Editor de acciones, seleccione todas las claves de

bastidor 16 con la herramienta Cuadro de selección (tecla
B). Las teclas seleccionadas será de color amarillo.
Selección de claves con la herramienta Cuadro de
selección no implica automáticamente anular la selección
de otras teclas, por lo vuelva a comprobar que sólo las
llaves en bastidor 16 están seleccionados. Pulse
Figura 7-10: Duplicación de fotogramas clave en el 6. Coloque los brazos y la clave como se muestra en la
Editor de acciones Figura 7-12 , Figura 7-13 y Figura 7-14 para completar el
posando para la animación.

Figura 7-11: Las modificaciones para mejorar el efecto

5. Usted va a hacer algunas modificaciones algunas

pequeñas reparaciones aquí para mejorar el efecto. Se
tratará de introducir la rotación de los huesos toe.L / R.
Deben estar en posición de reposo antes y después del
salto y girar en el ápice del salto, como se muestra en la
figura 7-11 .
Figura 7-12: Posición de reposo del brazo (cuadros 1 y Figura 7-14: Apex posición del brazo (cuadro 26)
51)

Figura 7-13: posición de cuclillas brazo (cuadros 16 y

36)
Previsualización de la animación

Ahora que ha terminado el keyframing básico de su acción

de salto, usted querrá ver cómo se ve. Usted puede hacer
esto pulsando el botón Reproducir en la línea de tiempo
para activar la animación o pulsando Alt + A en la ventana
en la que desea activar la animación.

El problema con la simple observación de la animación de

esta manera es que, dependiendo de la velocidad del
procesador del ordenador y de la complejidad de su malla
de carácter, la demora causada por el cálculo de la
posición de la figura para cada fotograma significa que la
animación se reproduzca sea demasiado rápido o
demasiado despacio para darle un retrato exacto de la
moción. Con una malla bastante alta poli como el Capitán
Blender, incluyendo el cabello de partículas, este cálculo
podría ser inusualmente lento y ciertamente no te da una
idea realista de lo que la animación se ve como en la
velocidad de fotogramas adecuada.
Una solución rápida y sucia es seleccionar sólo la capa
con el objeto de armadura y ver el largo de animación con
sólo la armadura. Esto todavía se ralentizará la velocidad
de fotogramas correcta, pero probablemente será
watchable como movimiento. Para las tareas de resolución
de problemas determinados, este es un método útil. Sin
embargo, aún es importante ver la figura malla entera
deformar a toda velocidad para ver lo que su animación
realmente parece.
El otro extremo es para brindarle una animación, como
aprenderá cómo hacerlo en el capítulo 11. Sin embargo,
este proceso es poco práctico en las primeras etapas de un
proyecto de desarrollo, ya que ocupa una gran cantidad de
tiempo y recursos cálculo de los efectos de luz y la
superficie de cada cuadro que usted no necesita ver
cuando se está sólo tratando de evaluar la animación.
La forma más precisa para reproducir una animación en
tiempo real sin plena representación de las imágenes es el
uso de OpenGL el visor 3D botón de render, que se puede
encontrar en la cabecera de la ventana 3D (es el botón más
a la derecha que muestra una película claqueta icono) . Al
hacer clic en este botón le da una representación animada
de la ventana 3D como se muestra actualmente (el botón a
la derecha de este botón con un icono de cámara, le da un
render todavía OpenGL).
Después de hacer la animación, se puede reproducir a toda
velocidad en el reproductor de su elección. Consulte el
Capítulo 11 para obtener sugerencias sobre los
reproductores de vídeo externas e instrucciones sobre
cómo integrarlos con Blender. Debido a que su visor 3D
se está traducido aquí, puede utilizar 0 en el teclado
numérico para entrar en vista de la cámara para obtener un
render de la animación desde el punto de vista de la
cámara. Entonces, ¿es posible que la animación a partir de
diferentes perspectivas pocos y ver cómo se ve. Si llegas a
tener problemas con esta parte, es posible que desee saltar
al Capítulo 11 para leer más plenamente en la prestación
de animaciones.
Hay otra opción para la reproducción, que es
probablemente el más adecuado para nuestros propósitos.
En el menú de reproducción de la ventana de tiempo hay
botón de activación etiquetada AV-Sync (consulte la
Figura 7-15 ). Habilitación de AV-Sync dice a Blender
que intenta reproducir animaciones desencadenadas por el
botón Play o Alt + A en tiempo real. Si es necesario,
Blender se los salta a mostrar el momento adecuado de la
animación. Antes de ir a la molestia de hacer el render
OpenGL, intente usar la opción AV-Sync. Se da
resultados aceptables, incluso en circunstancias difíciles.
Además, una ventaja de mantener la animación de vista
previa en vivo (nonrendered) es que Blender le permite
transformar la visión, incluso mientras se está
reproduciendo la animación en tiempo real. Trate de usar
la rueda de desplazamiento Mayús + MMB y arrastre, y
MMB arrastrar en una tercera ventana, mientras que los
bucles de la animación en tiempo real.
Figura 7-15: opción de sincronización para la Para ello, es necesario trabajar directamente en la curva
reproducción de la animación responsable de mantener el Capitán Blender en el aire, es
decir, la ubicación de Z F-curva en el hueso de la cadera.

Con su torso hueso seleccionado en la ventana gráfica 3D,

apague el editor de acciones para el editor de gráficos,
abra el canal Hips haciendo clic en el icono del triángulo
situado a la izquierda del nombre del canal y seleccione el
canal Z Ubicación. En la figura 7-16 , se puede ver que la
curva es muy fuerte en estos momentos. El personaje
vuelve a la tierra demasiado pronto, así que es
conveniente para redondear esta curva. Usted puede hacer
eso con sólo seleccionar los dos manijas de Bezier del
punto de control superior y la ampliación con la tecla S. El
resultado es la curva más redonda se muestra en la figura
7-17 .

Figura 7-16: eje Z F-curva como se calcula

Afinando F-Curves

Cuando me hizo saltar la animación, resultó bastante bien,

pero el salto que estaba ocurriendo muy rápidamente.
Rápida puede ser realista para un salto como este, pero
para obtener el efecto de movimiento que buscaba, quería
exagerar la cantidad de tiempo gastado en el ápice
ligeramente. Esto contribuiría a acentuar el esfuerzo físico
del personaje en el ápice y dar un mayor sentido de la
altura, la energía y la masa.
Figura 7-17: Redondeado a exagerar simplemente dejar que los F-Curves hacer todo el trabajo
produce movimientos suaves poco convincente.

Figura 7-18: Ir acción

Compruebe el movimiento nuevo con Alt + A. No importa

si es más realista, es definitivamente mejor aspecto y más
evocador.

Puede ver un resumen de cada fotograma clave y sus

poses y claves para la acción completa en la figura 7-18 .
El vídeo representado completamente de la acción está en
la jump.avi archivo en el DVD que lo acompaña.

F-curvas hacen que la tarea de la animación mucho más

fácil mediante la automatización de gran parte del trabajo
más laborioso. Sin embargo, recuerde que usted debe
lograr un equilibrio entre hacer las cosas a mano y el uso
de herramientas automatizadas. Tener sentido de lo mucho
jugar con F-Curves requiere experiencia y habilidad.
Curvas Overkeying y overediting puede provocar un
movimiento entrecortado e irregular, mientras que

Línea de acción
"En la animación, la línea de acción es la base para el
ritmo, la sencillez y la franqueza"-Preston Blair
Un aspecto importante de la animación, como con
cartooning, está hirviendo información visual complejo a
más simple, los elementos más básicos. Esto está
relacionado con la exageración discutido anteriormente.
Usted sabe que tiene que exagerar ciertos aspectos de la
forma y la actitud para conseguir los efectos de
movimiento que desee. La pregunta es, ¿qué exagerar?
Una nariz grande, por ejemplo, es una forma de
exageración, pero la nariz ampliada Capitán de Blender en
el ápice de su salto obviamente no contribuye a la eficacia
de la animación. La respuesta a cómo utilizar eficazmente
exageración se puede encontrar en un conocimiento de las
líneas de acción.
La línea de acción de una pose es una sola línea suave que
se puede llamar a través de la postura, que se ajusta a la
postura en términos de energía y dirección. Es más básica
a la pose de cualquier parte específica de la figura o
posición armadura. Animación eficaz es una interacción
entre las líneas de acción, y un rasgo importante de un
buen animador es un sentimiento intuitivo para estas
líneas. Líneas de acción no tienen ninguna manifestación
explícita en su software, pero usted debe tratar de cultivar
una conciencia de ellos en su mente.
Dibujé líneas de acción a través de la extrema plantea en
la animación salto en la Figura 7-19 y Figura 7-20 . Como
puede ver, estas líneas capturar el rizado, la calidad de la
posición encorvada agacharse y posar la calidad estirada,
formando un arco del vértice. También te dan una idea de
lo que hay que exagerar para hacer la pose más efectiva.
Efectos de compresión y extensión deben estar de acuerdo
con la línea de acción del movimiento.
Figura 7-19: Línea de acción para el crouch pose Figura 7-20: Línea de acción de la cumbre suponen
No todas las poses tienen tales líneas inmediatamente Figura 7-21: preferencia del usuario para introducir
evidentes de la acción, pero es una buena idea pensar en auto
estos términos al crear sus poses. Si usted puede imaginar
una sola línea que expresa la energía y el movimiento de
cada postura y trabajar para que sus exageraciones y los
movimientos secundarios complementan y apoyan esta
línea, la animación será mucho más eficaz.

Manual vs keyframing automático

Keying un valor tal como un hueso posición fija que el

valor para los fotogramas siguientes en la animación.
Puede suponer un hueso en un marco en particular, y que
llevará a cabo esa pose (pulsando Alt + G y Alt + R para
borrar la posición y la rotación es la misma que presenta a
la posición de reposo), siempre y cuando usted está en ese
marco. Sin embargo, si usted no lo hace las posiciones
clave, van a saltar de nuevo a sus posiciones previamente
introducidos tan pronto como usted se muda a otro marco.
Puede configurar Blender utilizar fotogramas clave
automático en las preferencias del usuario, seleccionando
el botón keyframing automático se muestra en la Figura 7-
21 . También puede activar keyframing automático
utilizando el botón similar en la línea de tiempo. Al
seleccionar esta opción inserta un fotograma clave cada
vez que cambie la postura de su armadura o transformar
un objeto, lo que elimina la necesidad de utilizar la tecla i.
Usando Keyframing Auto es una cuestión de preferencia
personal. Algunas personas encuentran que acelera su
flujo de trabajo, mientras que otras personas prefieren
crear su pose y luego las posiciones clave cuando las
tienen, ya que les gusta. En ambos casos, es importante
asegurarse de que usted está en el marco correcto antes de
empezar a teclear para que no elimine ninguna tecla sin
querer. El peligro de hacer esto es ligeramente mayor
cuando se utiliza codificación automática.
Un uso interesante de keyframing automático es para
encenderlo y mover un objeto en tiempo real mientras se
reproduce la animación en el visor 3D. De esta manera,
usted puede grabar los movimientos de un objeto medida
que los hacen en tiempo real.
Caminata y Carrera Ciclos
Caminar y correr son dos de las acciones más básicas de la
mayoría de los personajes. Debido a que estos
movimientos son de carácter repetitivo, que quiere crear
cada acción para que pueda ser fácilmente repetido. En
esta sección, podrás crear caminata bípeda simple y
ejecutar ciclos para tu personaje.
atrás la pierna derecha, y el hueso caderas rebajado
ligeramente de modo que los pies de mantener el contacto
con el suelo. Key los cuatro de ellos en el bastidor 1,
como se muestra en la figura 7-22 .
Figura 7-22: Modulación por el primer extremo posar
para un ciclo de andar

Configuración de un Ciclo Básico Walk

Con las acciones que se han diseñado para repetir

cíclicamente, es necesario considerar la mejor pose para
usar como puntos de inicio y fin. En el ejemplo anterior,
cada salto era completamente autónomo, comenzando y
terminando con el resto pose. En el caso de caminar, sin
embargo, la acción es cíclico y no se rompe y volver a
plantear el resto en cualquier punto. Un buen lugar para
empezar en estos casos se encuentra en un extremo pose.
El término suena un poco más emocionante de lo que
realmente es. Un extremo plantean simplemente significa
el punto en el que la acción ha alcanzado su límite en
algún aspecto. El resto del movimiento típicamente
consiste en pasar de un extremo a otro pose.

En el caso de caminar, el extremo plantea son aquellos en
los que se prorroga cada pie más lejos, uno con el pie
derecho y el pie izquierdo, y el otro con los pies invertida.
Vamos a empezar con el pie izquierdo hacia adelante del
extremo. Los movimientos de los pies y el movimiento
hacia arriba y abajo de las caderas son las partes más
básicas de un ciclo de andar. Vamos a empezar con los
huesos correspondientes a estos movimientos, es decir, los
huesos foot.ik.L / R, los huesos foot.roll.L / R, y el hueso
caderas. Pose la pierna izquierda hacia delante, la parte de
Un solo paso en un agradable paseo se puede esperar a
tomar alrededor de un segundo, así que va a poner el pie
derecho adelante extremas 25 fotogramas más tarde, en el
fotograma 26. Para realizar este segundo extremo
fotograma clave, siga estos pasos:
. 1 Con el cuadro actual en 1, seleccione estos huesos
afinados cinco: foot.ik.L, foot.ik.R, foot.roll.L, foot.roll.R
y las caderas. Asegúrese de que estos huesos han tenido
sus posiciones correctamente introducidos como se
describe anteriormente.
2. Copie la postura de los huesos en el Portapapeles Figura 7-23: Introducción al extremo espejo pose
mediante el botón en la cabecera 3D Viewport.

3. Vaya al bastidor 26, ya sea moviendo el marcador de

línea marco verde con las teclas de flecha o escribiendo 26
en el campo fotograma actual en la línea de tiempo.

4. Pegar la imagen espejo de la pose copiada en inversa

usando el botón. Esta función requiere que todos los
huesos ser el nombre correcto, se combina con los huesos
en el lado izquierdo y derecho que tiene el mismo nombre
de base seguido de. R y L.. Si tiene problemas con este
trabajo, volver atrás y compruebe que sus huesos estén
debidamente nombrado.

5. En este caso, los cuatro huesos que estés interesados ya

debe estar seleccionado. Sin embargo, en los casos en los
que el espejo pose utiliza diferentes huesos de la pose Figura 7-24: Duplicación de la pose de un marco
original, los huesos pertinentes no se selecciona
automáticamente. La selección del hueso original
permanece sin cambios. Así que antes de introducir la
nueva pose, asegúrese de que todos los huesos que deseas
clave son seleccionados. A continuación, introduzca la
pose como se muestra en la Figura 7-23 .

Para completar el ciclo de andar, en la ventana Editor de

acciones, seleccione las cuatro teclas en el cuadro 1.
Asegúrese de que sólo estas teclas se seleccionan. Pulse
Mayúsculas + D para duplicar las llaves y moverlos al
cuadro 51, como se muestra en la Figura 7-24 . Establece
el cuadro final en la línea de tiempo a 50. Vista previa de
la animación. Usted debe tener una superficie lisa (aunque
muy slidey) inicio a un ciclo de andar.
Cuando la gente camina, sus pies salen del suelo durante Figura 7-26: Keying la segunda en-entre plantean
el movimiento hacia adelante, y hay que animar eso.
Siguiendo los mismos pasos que el extremo poses, las
posiciones claves de pie para la pose en la Figura 7-25 en
la estructura 9, y la clave de su imagen en el espejo
(usando Copiar y Pegar espejo) en el fotograma 34. A
continuación, introduzca la pose se muestra en la Figura
7-26 en el fotograma 18, y la imagen de su espejo clave en
el fotograma 42. No introducir las caderas este momento.
Una vez más, previsualizar la animación. Debe tener un
aspecto más parecido a un paseo real.

Figura 7-25: Modulación por el primero en el medio

posar para los pies

La última cosa que necesitamos hacer con la parte inferior

del cuerpo es la clave, el movimiento vertical del hueso de
la cadera. Ya has tecleado el hueso de la cadera para ser
más bajos en los extremos. En cuadros 14 y 38, donde la
altura del paseo llega a su punto culminante, la clave del
torso a su posición de reposo (seleccione el hueso y pulsa
Alt + G para asegurarse de que está en su posición de
reposo). Vista previa de la animación de nuevo para
asegurarse de que se vea natural.
¿Por qué iniciar con los extremos?
Tradicionalmente, se crea la extrema plantea en primer
lugar porque tienen la mayor parte de la información
interesante sobre la forma y el estado de ánimo del
movimiento. El en-entre plantea, aunque muy importantes,
puede ser pensado como funciona en gran parte para llenar
el espacio entre poses extremas.
En CG, que quiere pensar en cómo colocar los extremos,
sobre todo si se desea crear una acción de ciclismo. En
este caso, las curvas que conduce fuera de la acción debe
coincidir perfectamente con las curvas que llevan a la
acción, tanto en valor como en ángulo, de lo contrario, la
repetición estará nervioso. El lugar más fácil para hacer
las curvas de acuerdo está en el punto en que ambos están
a ángulos de cero. El vértice de una curva cuyo valor se
está invirtiendo es un lugar muy bueno para esto. Como se
mencionó anteriormente, los extremos plantean suelen ser
los lugares en los que los valores se de marcha atrás, lo
que los hace buenos candidatos para los puntos del ciclo.
los puntos de la creación de acciones, usted debe
considerar lo que dice acerca de la postura del estado de
ánimo del personaje y su personalidad.
Paseo Capitán Blender es un paseo seguro y deliberado
que corresponde a un superhéroe de su estatura. Vas a
darle un giro pronunciado hacia los hombros para
enfatizar esto. Este es un movimiento sencillo, liso que
tiene que ser introducido sólo en los extremos. Los
movimientos del cuerpo superior en oposición a las
piernas de un pie normal, por lo que en el cuadro 1, gire el
hueso costillas alrededor del eje z para llevar el hombro
derecho hacia adelante, como se muestra en la figura 7-27
. Utilice la copia Portapapeles plantean mirroring para
poner la marcha atrás pose en el marco 26, como se
muestra en la figura 7-28 . Por supuesto, la clave de
bastidor 1 también debería ser copiado al bastidor 51.
Figura 7-27: Modulación por la posición del hombro
espejo

Movimiento del cuerpo superior en el ciclo Walk

Ahora tiene la parte inferior del cuerpo en movimiento de

la forma que desee. Pero el paseo humano implica algo
más que las piernas y los pies. Todo el cuerpo está
involucrado en pie, y esta sección se analizan los
movimientos de la cabeza, los hombros y los brazos.

Un principio básico de la animación de los personajes es

que los movimientos de los personajes dicen tanto o más
sobre el carácter de los aspectos visuales del personaje. La
mayoría de los animadores de practicar sus habilidades en
modelos muy simples para concentrar sus energías en la
expresión de emociones a través del movimiento. En todos
Figura 7-28: La inversión de la actitud
Ahora está girando mucho, pero esto no es suficiente para
darle el aspecto confiado y determinado que está buscando
porque su cabeza se mueve hacia atrás y adelante también.
Para solucionar este problema, debe introducir la cabeza
para estar en una posición avanzada en el cuadro 1 y el
cuadro 26, como se muestra en la Figura 7-29 . Yo
recomiendo hacer las poses para ambos marcos a mano,
sin utilizar la función de copia o ser demasiado preciso,
para permitir una ligera variación en el movimiento. Hasta
ahora, usted ha estado utilizando una gran cantidad de
herramientas de copiado y duplicación, que puede
conducir a movimientos robóticos. Por supuesto, el marco
51 tiene que ser idéntico al bastidor 1 para mantener el
ciclo suave, por lo que debe ser copiada directamente.
Figura 7-29: Mantener la cabeza apuntando hacia
delante
Brazos y manos
Los brazos están actualmente configurado para utilizar FK
posando, por lo que puede plantear el bíceps, el antebrazo
y la mano para hacer pivotar naturalmente a lo largo de la
caminata. Es suficiente como para poner los brazos para
que coincidan con los bastidores extremos.
En primer lugar, plantean el brazo izquierdo por los
fotogramas 1 y 26, como se muestra en la Figura 7-30 , a
continuación, utilizar el Portapapeles y plantean espejo
para duplicar el movimiento en el lado derecho, como en Figura 7-31: Creación de reflejos del brazo plantea
la figura 7-31 . Haciendo algunas modificaciones muy
leves en el brazo derecho e izquierdo y movimientos de
las manos puede ayudar a aflojar las cosas, pero no les
haga demasiado desigual, o la caminata será un aspecto
extraño.

Figura 7-30: movimiento hacia atrás y hacia adelante

del brazo izquierdo

Figura 7-32 da una visión completa de las llaves y posa

para el ciclo de andar. Usted puede encontrar el archivo de
vídeo, que se llama walk.avi, entre los archivos
descargables de este libro.
Figura 7-32: claves Paseo de ciclo y plantea
 la figura 7-33 , el movimiento del hueso hand.ik se
interpola, resultando en la mano viajando de una postura a
otra en una línea recta. En la figura 7-34 , la rotación de la
parte superior del brazo se interpola, lo que resulta en un
movimiento de formación de arcos.

Por lo general, los brazos de la gente moverse libremente

en los movimientos de arco. Es muy natural para la mano
de una persona para moverse en una línea recta a través
del espacio, a menos que de alguna manera está
inmovilizado. Esta es la clave para decidir cuándo utilizar
IK o FK posando. Cuando el extremo de una extremidad
está en manos de algo o restringido a moverse con algún
otro objeto, que presenta IK es una buena opción. Cuando
un miembro, ya sea el brazo, la pierna, la cabeza o la cola,
se balancea libremente, obtendrá los mejores resultados
con FK posando.
IK vs FK Posando Figura 7-33: IK posando (IK influencia en 1)
Ahora se han utilizado tanto posando IK y FK posando y
entiendes la diferencia. Pero vale la pena dar algún
pensamiento a cuándo exactamente se debe utilizar cada
tipo de presentación. ¿Sabes por qué utilizar IK posando
para los pies: IK posando para los pies durante una
caminata o en bicicleta de salto le permite simular la
forma metros reales se fija en el suelo durante estos ciclos.
Pero, ¿por FK posando para las armas?

Se puede ver que la respuesta a esto comparando la Figura

7-33 a la Figura 7-34 . Ambas cifras se utilizan dos claves
con idéntico inicio y plantea final. Sin embargo, la figura
7-33 utiliza IK posando, mientras que la figura 7-34
utiliza FK posando. La pose de la figura 7-33 se crea
moviendo el hueso hand.ik, y la pose de la figura 7-34 se
crea mediante la rotación del hueso superior del brazo. En
Figura 7-34: FK posando (influencia IK establece en 0) averiguar los detalles de su ubicación a ti mismo. Preste
especial atención a la presentación de la parte superior del
cuerpo, anuncio que las cepas figura a plazo en los
extremos. Además, debido a que hay una cantidad
considerable de movimiento arriba y abajo, asegúrese de
que la tecla de la cabeza a punto aproximadamente en la
misma dirección a lo largo de la acción. Utilice la posición
del hueso mirada para medir esto como usted plantea el
hueso de la cabeza. ¿Es esto a mano, y no muy precisa, ya
que no será realista si la dirección de la cabeza con un
robot fijo, mientras que el personaje está corriendo a toda
velocidad.

Figura 7-35: con llave posa para un ciclo de ejecución

Un ciclo de ejecución

Este libro no caminar a través del ciclo de ejecución

porque el proceso de creación del ciclo de ejecución es
más o menos idéntica a la del ciclo de andar. La principal
diferencia entre correr y andar es que en un paseo, al
menos un pie está siempre en contacto con el suelo,
mientras que en una carrera, el cuerpo gasta una cantidad
razonable de tiempo completo en alto. El extremo plantea,
en particular, disponen de ambos pies completamente
fuera de la tierra. La otra diferencia, por supuesto, es que
el funcionamiento tiende a ser más rápido en una base
zancadas por segundo. En lugar de un ciclo de 50-marco,
el ciclo de ejecución actual es de 30 cuadros de largo.

Figura 7-35 es un resumen del ciclo de ejecución supone

una amenaza "keyframes. Usted debe ser capaz de
Usted puede ver el ciclo de ejecución de animación en la Figura 7-36: Las costillas y la cabeza ligeramente
run.avi archivo en el DVD. ( VER VIDEO ) crujiente justo después del impacto.

Para acelerar o desacelerar el ciclo, puede seleccionar

todas las llaves y la escala con la tecla S. Este proceso les
balanza hacia o lejos de la línea verde vertical, así que es
una buena idea poner esto en el cuadro 1 para guardar
todos los valores positivos. También asegúrese de ajustar
el marco de la animación final en consecuencia. Si opta
por ampliar su acción para ajustar el tiempo, usted puede,
después de que haya terminado, separe las teclas con
números enteros en los marcos pulsando Shift + S y
responder bien a la pregunta.

Expresando Peso

Algunos puntos en un ciclo de ejecución puede presentar

evidencia de la masa que no es visible a las velocidades
más lentas del ciclo de andar. En concreto, con un carácter
bastante masivo como el Capitán Blender, usted debe
hacer hincapié en la fuerza de su impacto. Usted puede ver
esto se ilustra en la Figura 7-36 , en el que la cabeza y
huesos de las costillas están codificados justo antes del
impacto y el marco introducido en una posición más crujió
justo después del impacto. Esta postura relaja de nuevo en
el transcurso de las tramas siguientes.
Recuerde que con la animación de personajes, la quietud
perfecta es el beso de la muerte. Los seres vivos no son
nunca completamente inmóvil. Una sola extremidad
perfectamente inmóvil sobre un personaje puede ser
suficiente para recordar a los espectadores que no están
realmente viendo a un ser vivo y el tirón hacia fuera de la
experiencia de animación. La clave es combinar una
variedad de movimientos suaves con direcciones
complementarias y tiempos para crear una sensación
general de movimiento que es irregular pero no agitado o
inconsistente. Cuando se trabaja con armaduras, mantener
todas estas cosas en mente para que pueda trabajar para
convencer, de aspecto natural movimiento de tus
personajes.
Pose a Pose Animación
En la animación tradicional, dos métodos de animación
suelen distinguirse: straight-ahead animación y la
animación pose a pose. Recta animación, en su sentido
más puro, consiste en comenzar por el principio de una
animación y progresando hacia adelante, creando cada
cuadro nuevo como el movimiento se desarrolla. Pose a
pose animación, por otra parte, consiste en la colocación
específica deseada plantea en los lugares considerados
cuidadosamente a lo largo de la línea de tiempo y luego
rellenar los espacios entre plantea con intermedio.
El enfoque de línea recta es generalmente considerado
como más libre y potencialmente dando animación más
fluida y espontánea. Pose a pose animación, por otro lado,
permite un mayor control sobre el momento preciso y
posicionamiento. De hecho, incluso en animación
tradicional, se reconoce generalmente que la mejor
manera de trabajar es con alguna combinación de los dos
de estos enfoques. Esto bloquea el enfoque híbrido fuera
movimiento complejo con la pose a pose enfoque, pero
llena las posiciones intermedias con el método de línea
recta.
En CG, el medio es mucho más tolerante que la animación
tradicional, por lo que la distinción es borrosa aún más. Es
perfectamente posible a los principales ciertas partes del
cuerpo, por ejemplo, en una pose a pose manera, mientras
que usted puede plantear otras partes del cuerpo
totalmente recto en la misma animación, teniendo en
cuenta lo mejor de ambos mundos. Además, con la
cantidad de control sobre los puestos clave y curvas F-CG
que permite, puede refinar el momento de la recta
animación y aflojan la sensación de pose a pose
animación, por lo que la distinción más una cuestión de
cómo el animador escoge a pensar en una tarea que una
opción práctica real. Sin embargo, puede ser útil tener en
cuenta la diferencia y pensar en términos de tomar ventaja
de ambos recta y pose a pose enfoques.
Cambio de ubicación
Ciclos de caminar y correr son buenas para la práctica y la
demostración, pero la verdadera razón de por qué los
personajes caminar y correr es llegar a algún lugar. Las
versiones anteriores de Blender tenía varios métodos para
hacer personajes siguen caminos mientras se repite un
ciclo de andar. Estos métodos eran más complejas que
simplemente hacer un objeto siga una trayectoria (como se
podría hacer en el caso de un vuelo de pájaro) debido a la
necesidad de cálculos para permitir que los pies para
permanecer fijado al suelo. Sin embargo, estas
herramientas han sido (al menos temporalmente)
abandonó por falta de demanda. Automatic siguientes
enfoques camino puede ser útil si usted necesita hacer un nombre a WalkForward para crear la acción se muestra en
personaje caminar una larga distancia en una sola toma la Figura 7-37 .
con muy poca variación en el movimiento, pero esta
situación no se presenta a menudo. Figura 7-37: La acción WalkForward para empezar

En general, el control que dejan de usar métodos

automáticos bicicleta no vale la pena los beneficios. La
mejor manera para animar un personaje caminar hacia
adelante de posicionar los pies manualmente. El enfoque
que tome aquí es un ejemplo del método pose-to-
pose/straight-ahead híbrido. El ciclo paseo básica es la
misma pose a pose ciclo paseo te vimos anteriormente,
mientras que el movimiento hacia adelante se realiza de
una manera recta.

Para cambiar el ciclo de andar en el lugar para dar un

paseo hacia adelante, asegúrese de que los pies derecho e
izquierdo permanecer en el lugar en que deberían
permanecer en el lugar (cuando el resto del cuerpo se está
moviendo hacia adelante) y que los pies y las caderas
avanzar adecuadamente la distancias correctas. En otras
palabras, es necesario sustituir el movimiento hacia atrás
del pie de la caja en el lugar con el movimiento hacia
delante del otro pie y el hueso caderas (el hueso de cadera 2. Selecciona el hueso foot.ik.L como se muestra en la
llevará el resto del cuerpo hacia delante). figura 7-38 . Este pie se extiende hacia delante y no debe
moverse hasta que sea tiempo para que pueda avanzar de
1. Primero, cree una nueva acción mediante la duplicación nuevo en el paso siguiente. En el Editor de acciones,
de la acción Walk. En el modo Pose, seleccione la acción elimine todas las claves para el pie derecho de la primera
Walk en el menú desplegable en la cabecera del Editor de clave, como se muestra en la Figura 7-39 .
acciones. Haga clic en el botón marcado con el número 2
(que puede mostrar un número diferente si ha utilizado la
acción de caminar en cualquier forma distinta a la descrita
hasta ahora en este libro). Una vez que haya hecho clic en
este botón, un nuevo single-user copia de la acción se
creará automáticamente el nombre Walk.001. Cambie el
Figura 7-38: Selección del hueso foot.ik.L 3. Avance al bastidor 26, al otro extremo. Capitán Blender
asumirá una posición incómoda como la que se muestra en
la figura 7-40 . Para solucionar este problema, seleccione
tanto el hueso de las caderas y el hueso foot.ik.R
simultáneamente y moverlos hacia delante pulsando la
tecla G seguido de la tecla y. Mueva hacia adelante hasta
que se ve bien, como se muestra en la Figura 7-41 . No se
preocupe acerca de ser preciso. Pequeñas variaciones en la
longitud de zancada añadir a la naturalidad.

Figura 7-40: Avanzar a la estructura 26

Figura 7-39: Eliminación de las teclas

 Figura 7-42: Llevar las caderas hacia adelante en
medio de un paso
Figura 7-41: Traer el pie derecho y las caderas hacia
adelante

5. Marcos 9 y 18 son clave en el que el entre posa para el

pie derecho. En cada uno de estos marcos, sólo hay que
4. Vuelva al cuadro 14, donde las caderas se afinan. Las poner el hueso foot.ik.R hacia adelante a lo largo del eje y.
caderas deben ser llevados adelante como se muestra en la Figura 7-43 muestra la postura de marco 9. Haga lo
Figura 7-42 . mismo para el marco 18.
Figura 7-43: La primera en el medio posar el pie Figura 7-44: Eliminación de fotogramas clave para el
derecho pie derecho

7. Avance para enmarcar 51. Usted tendrá que traer el

hueso cadera y el pie izquierdo completamente hacia
adelante a partir de sus originales marcos posiciones 1,
como se muestra en la Figura 7-45 . Tecléelos huesos en
las nuevas posiciones.

6. Desde bastidor 26 en adelante, el pie derecho debe estar

plantados en el suelo. Seleccione los fotogramas clave de
este hueso posterior al bastidor 26, como se muestra en la
Figura 7-44 , y eliminarlos.
Figura 7-45: Llevar la cadera y el pie izquierdo hacia
adelante a partir de la posición del primer fotograma
de la posición del cuadro 51a
8. Llevar las caderas hacia delante para bastidor 38 y su
posición clave. Para cuadros 34 y 38, se utilizará la copia
portapapeles pose y refleja pegar para revertir el pie
contrario las poses de los marcos de 8 y 18 años,
respectivamente. Pegue estas posturas hacia atrás sobre el
pie izquierdo y, a continuación, mover el pie hacia
adelante adecuadamente antes de introducir la nueva
posición. Figura 7-46 muestra el resultado poses.
Figura 7-46: Mover tanto Torso y FootRoot.L
9. Crear nuevos avances por primera pegar el extremo
pose y moviendo las caderas y los pies hacia adelante sin
contacto y sin contacto al pie de codificación y las
caderas. En-entre plantea también debe ser creado de la
misma manera, pegando la pose y moviendo los huesos
necesarias adelante. Por supuesto, si sigue este camino
más allá de 51 fotogramas, también tendrá que copiar las
poses de los otros huesos. Sólo se necesita siempre para
ajustar la ubicación de las caderas y los dos huesos IK pie.
Sonido y el editor de secuencias
Blender maneja sonido a través del Editor de vídeo
integrado en secuencia (VSE). El VSE es en realidad un
vídeo no lineal en toda regla y editor de audio, y en el
capítulo 11 aprenderá más acerca de estos aspectos de su
funcionalidad. En este capítulo, usted va a utilizar sólo
para cargar y colocar el archivo de sonido para que se
sincronice con la animación.

Importantes palabras del capitán Blender Abra una ventana del editor de secuencias de vídeo
seleccionando el icono que se muestra en la Figura 7-47
Movimientos de sincronización para que coincidan con los desde el tipo de ventana en el menú desplegable.
sonidos es un buen ejemplo de una situación que podría
requerir un enfoque más pose a pose-orientado. En este Figura 7-47: Apertura de una secuencia de vídeo de la
ejemplo, que se verá en la animación de los movimientos ventana Editor
básicos Capitán Blender mientras pronunciaba un
pronunciamiento muy simple. En el próximo capítulo,
podrás combinar estos movimientos con sincronización de
labios y los movimientos faciales, en el capítulo 9, podrás
ver la combinación de la acción que ha creado con el ciclo
de andar usando el editor de animación no lineal.

Para empezar, primero debe cargar y colocar el archivo de

sonido que va a utilizar para la sincronización. Busque el
archivo de sonido de acompañamiento entre archivos
descargables de este libro, se llama cada época--tiene-
its.wav. Coloque este archivo en una ubicación
conveniente en su disco duro. Usted puede escuchar el
archivo. Wav en la edición de sonido de su elección.
Audacity es una excelente opción de código abierto. La
frase es "Se ha dicho que cada época tiene su visión de
futuro."
Importación de archivos en el editor de secuencias de
vídeo es simple. Sólo tiene que pulsar Shift + A en la
ventana para agregar una tira de secuencia. Seleccione
Sonido en el menú que se abre. En el Explorador de
archivos, busque el archivo cada-era-tiene-its.wav. Usted
debe ver una tira aparece en el área principal de Video
Editor de Secuencia. Coloque esta tira para que se inicie
en el cuadro 1. Abra la Plataforma de propiedades del
editor de secuencias de vídeo pulsando la tecla N.
Seleccione el cuadro de almacenamiento en caché, como
se muestra en la figura 7-48 .
Figura 7-48: El archivo de sonido importados en el
editor de secuencias de vídeo
Posando con la voz
Para activar la reproducción de audio cuando se cambia
manualmente fotogramas, debe habilitar barrido de audio
en el menú de reproducción de la línea de tiempo, como se
muestra en la Figura 7-49 .
Figura 7-49: Activación de barrido de audio
Ahora, al pasar de un cuadro a otro, se oye el fragmento
de sonido que se corresponde con el archivo. Wav en ese
marco específico. Del mismo modo, arrastrando el
indicador de trama dentro del editor de secuencias de
video reproduce el audio como el indicador pasa sobre él.
Esta técnica se conoce como arrastrar.
Para gesticulaciones capitán de Blender, usted puede
hacer una muy simple pose a pose animación. Como se
pronuncia "Se ha dicho que cada época tiene su visión de
futuro," hay que criarlo sola mano grandiosamente,
coincidiendo con el "dicho" y luego ampliamente gesto
con ambas manos, como él dice "todas las épocas." Y
entonces, como dice "visionario", tiene traerle sus manos
hacia adentro con un movimiento leve agarrando mientras
levanta la cabeza con esperanza.
El fotograma de inicio es 1, y el bastidor de extremo que
se utiliza es 85. Usted debe determinar la ubicación de las
poses en base a escuchar los sonidos en cada fotograma.
Puede introducir las tres plantea descrito y también una
más naturalista "descanso" plantean que el resto pose real
(que, por supuesto, tiene los brazos del personaje fuera en
un ángulo extraño y no muy tranquilo).

Usted puede ver las poses y sus claves asociadas en la

Figura 7-50 .

Figura 7-50: Poses para acompañar la frase "Se ha

dicho que cada época tiene su visión de futuro"
Esto es todo lo que necesita por el momento. Nombre el
discurso de la acción. Usted puede ver una rendido
todavía de la acción en la Figura 7-51 . Ahora puede pasar
a la adición de animación facial para que se sincronice con
el sonido. En el capítulo siguiente, se utiliza la plataforma
facial que ha creado en el Capítulo 5 para agregar
sincronización de labios y expresiones que van con el
movimiento que ha creado aquí.

Figura 7-51: Un rendido todavía de la animación

Versión traducida de capitulo 08.xhtml
Capítulo 8
Animación Facial y Lip Sync
Este capítulo se basa en la pose a pose ejemplo del
capítulo anterior, añadiendo movimientos faciales y
sincronización labial para ir con los gestos ya ha puesto en
su lugar.
Sincronización de los labios y animación facial son artes
sofisticadas que pueden tardar años en dominar pulg El
objetivo aquí es sólo para empezar con este tipo de trabajo
en Blender, así que prepárate para pasar el tiempo
practicando antes de que sus resultados son exactamente
como uno quiere . Además, como con casi todo en
Blender, hay una variedad de maneras de ir sobre hacer
sincronización labial y la animación facial. Como
mencioné en el capítulo 5, he optado por utilizar las teclas
de forma impulsadas por los huesos. Me parece que esto
es una manera fácil de trabajar, y es un buen ajuste con la
animación no lineal, como se verá con más detalle en el
próximo capítulo.
En el capítulo 18, le sugiero varios tutoriales para ver
diferentes enfoques, incluyendo un enfoque basado
enteramente en las teclas de la forma, los conductores sin
hueso y otro enfoque basado casi exclusivamente en el uso
de una armadura facial sofisticado para hacer
deformaciones de malla. Su propio trabajo sin duda se
beneficiarán de tratar una variedad de enfoques para ver
cuál se adapta a su estilo de animación personal mejor.
 Posando Facial
 Lip Sync
 Reproducción
Posando Facial
El enfoque que voy a llevar a posar facial utilizarán los
huesos de controlador para plantear la cara. Aparte de la
lengua, ninguna de las deformaciones es directamente
debido a la influencia de hueso; los huesos, actúan como
controladores de teclas de forma. Esta configuración del
controlador que permite tratar facial posando como si se
tratara de armadura posando (más o menos la misma que
la armadura que presenta lo hizo en el capítulo 7). Los
huesos están marcados en la misma forma en que se haya
tecleado previamente, y usted tiene que tener muchos de
los mismos problemas con los F-Curvas y colocación de
llave en cuenta para evitar movimientos faciales
convertirse en robótica.
Una diferencia es que usted no va a utilizar mucho reflejo
aquí. Por un lado, no es necesario. A diferencia de algo así
como un ciclo de andar, posando facial no implica una
gran cantidad de movimientos repetitivos que deben ser
casi idéntica a la derecha ya la izquierda. De hecho,
incluso en los casos en los que tiene expresiones faciales
bastante simétricas, como una sonrisa, posando su facial
se beneficiarán de alguna asimetría. Considerando que la
asimetría en un paseo puede terminar pareciéndose a una
cojera, correctamente utilizado asimetría en la animación
facial crea más convincente expresiones humanas.
El truco en la animación facial es entender la forma en las
formas se combinan para formar expresiones. En la Figura
8-1 , se ve varias expresiones faciales completos para
Captain Blender. Compare estas expresiones con la
secuencia de las formas de la cara se describen en el
capítulo 5. Algunas formas bastante simples pueden
producir una amplia paleta de expresión emocional
cuando se combinan adecuadamente. En la figura, se
puede ver cómo los controladores de los huesos están en
condiciones de producir cada expresión facial. Tenga en
cuenta que el hueso mirada no se muestra, y otras
posiciones de hueso inducido distintos de los
controladores de forma (por ejemplo, el hueso de la
cabeza) no se muestran.
asimétricamente. Tal vez lo más importante a destacar en
esta expresión es el ángulo de la cabeza. Posicionamiento
de la cabeza, el cuello, los hombros y hasta es fácil pasar
por alto, pero son un aspecto crucial de plantear facial.
Figura 8-1: Expresiones faciales compuestos por
múltiples formas

La primera expresión (a) es una expresión alegre,

optimista, con un ligero (y ligeramente asimétrica)
curvatura de la nariz para acentuar la sonrisa. La misma
sonrisa no es más que la forma de sonrisa, tampoco, pero
también implica la ampliación de los labios y bajar la
mandíbula ligeramente. Los ojos están ligeramente
entrecerró los ojos, y las cejas arqueadas son, en
particular, el frente externo izquierdo está levantado.

La segunda expresión (b) es una expresión de miedo. La

boca recibe su forma a partir de una combinación de
redondeo y fruncir el ceño para llevar los bordes hacia
abajo ligeramente. Las cejas se tejen y se crió en el medio.

La tercera expresión (c) muestra la anticipación nerviosa.

Las cejas se levantan muy ligeramente. La boca está
cerrada, con el labio inferior y acurrucada en un extremo
de la boca se crió en una media sonrisa vacilante.
La cuarta expresión (d) es una expresión enojado y
amenazante. Las cejas son hacia abajo con la parte
exterior ligeramente elevada, pesca con caña hacia abajo
ellos aún más drásticamente. La boca se cierra con un
toque de ceño fruncido y los labios están fruncidos
ligeramente hacia adentro. La nariz se arrugó
Para empezar a plantear la cara, entrar en el Editor de
acciones como lo hizo anteriormente para plantear el
cuerpo. Seleccione todos los huesos de la cara en la
posición de reposo, y la clave de su ubicación y la
rotación en el cuadro 1 con la tecla I en el visor 3D, como
lo hizo con otros huesos. Una vez introducido, los canales
se creará para los huesos en el Editor de acciones, como se
muestra en la Figura 8-2 .
Figura 8-2: Keying cara posiciones de reposo de huesos
Pose a Pose vs Revisited Straight-Ahead
Animación facial se presenta un caso especial en el que
debe elegir entre un enfoque pose a pose y un enfoque en
línea recta, introducida en el Capítulo 7. La importancia
de la sincronización podría sugerir que un enfoque de pose
a pose sería apropiado, pero el flujo es igualmente
importante. Basta con pasar de la forma de la cara a otro
no produce convincentes animaciones faciales. Otro reto
aquí es que el momento es particularmente exigente en el
caso de sincronización de labios. Si el tiempo es un poco
apagado, puede ser bastante notable, consiguiendo la
sincronización con precisión desde el primer momento es
difícil sin ver una reproducción en tiempo real de la
animación.
Cuando usted no tiene que preocuparse por la
sincronización de labios, posando para la expresividad
facial es mucho menos exigente. Usted puede hacer algo
como la animación pose a pose que hizo al final del
capítulo anterior para eso aquí. No toque la boca o la cara
inferior en este momento, simplemente posar los ojos en
una forma que tenga sentido con el enunciado. Siempre se
puede volver atrás y ajustar si hay problemas con la
sincronización o la interacción con la sincronización de
labios.
Para el tiempo de la animación en un archivo de sonido
específico, es necesario cargar el archivo de sonido y la
posición que desee en la línea de tiempo. Para ello,
utilizará el archivo de todos-era-tiene-its.wav, que se
puede encontrar en los archivos descargables que
acompañan a este libro.
Para colocar la muestra en la que se desee en la línea de
tiempo, usted tendrá que usar el Editor de secuencias de
Blender. Abra una ventana del editor de secuencias ahora.
En el Editor de Secuencia, presione Shift + A para cargar
el material, y seleccione Sonido de las opciones
disponibles. Busque el archivo de sonido en su disco duro,
y selecciónelo. El archivo aparece ahora como un bloque
en el editor de secuencias de vídeo. Coloca este bloque de
manera que quede al ras contra el primer fotograma de la
secuencia de visualización.
Mira ahora en la plataforma Propiedades a la derecha de la
pantalla de secuencia en el editor de secuencias de vídeo.
Si usted no puede verlo, pulse la tecla N para alternar su
visibilidad. El archivo de sonido que ha cargado en el Figura 8-3: El archivo de sonido que aparece en el
editor de secuencias se muestra como un bloque de datos editor de secuencias de vídeo
de sonido. Seleccione Almacenamiento en caché en las
propiedades de sonido, como se muestra en la Figura 8-3 .
Por último, seleccione barrido de audio en el menú de
reproducción en la línea de tiempo, tal como lo hizo en el
Capítulo 7 para asegurarse de que el audio se reproduce en
el tiempo con la animación cuando se frota hacia adelante
y hacia atrás a lo largo manualmente la línea de tiempo.

En la Figura 8-4 , se puede ver una selección de los

principales puntos clave de la animación. Note los
paréntesis de número de cuadro en la parte inferior de
cada captura de pantalla. El primer fotograma es la Figura 8-4: La animación de las expresiones de los ojos
posición de reposo. Cuadro 25 se produce justo antes de la
final de "Se ha dicho," que marca el inicio de su
pronunciamiento. La expresión es desapasionado aquí. En
los marcos 46 y 70, mientras que la parte principal de la
emisión que se está hablando, el carácter emotes más
fuertemente. Las dos últimas imágenes muestran la
expresión que se remonta a aproximadamente el resto
pose. Tenga en cuenta que no va a hacer esta acción
cíclica, así que no hay necesidad de que termine como
empezó. No es ningún problema que las cejas Capitán
Blender permanecer ligeramente de punto.
La captura de pantalla del segundo al último coge el
personaje a mediados de parpadeo. Asegúrese de que no
se olvide de hacer su parpadeo caracteres. La gente
normalmente parpadeará una vez cada 10 segundos o
menos, y se convertirá en notable si tu personaje no
parpadee ocasionalmente. Un total de seis cuadros y tres
marcos de cerrar y tres marcos de abrir-es una buena
longitud para un parpadeo. Si usted puede colocar un abrir Figura 8-5: Clave para la colocación movimientos de la
y cerrar para el efecto dramático, es una ventaja, pero cabeza y la cara
usted debe tener parpadea en ningún caso. Se convierte en
un efecto realista bueno tener un abrir y cerrar de
caracteres cuando se cambia la dirección de su mirada,
pero no lo hacen todo el tiempo.

Una dura y rápida regla sobre la colocación de parpadeos,

lo que es válido para cualquier medio de película, es que
las vacunas no se deben cortar en parpadea. No tiro debe
comenzar ni terminar con los ojos del personaje cerrado,
aunque sea brevemente. Por esta razón, no coloque
parpadea demasiado cerca del principio o el final de una
animación, ya que podría limitar sus opciones para editar
el tiro posterior.

He mencionado la importancia de no tener movimientos

faciales coinciden demasiado con los demás. Como se
puede ver mirando las llaves en la Figura 8-5 , incluso en
esta simple serie de movimientos alrededor de los ojos,
traté de mezclar las cosas. Las cejas no se mueven en
sincronía con los movimientos de estrabismo, y el punto
de la ceja tampoco está en sintonía con ninguno de ellos.
El movimiento de la cabeza y el movimiento de la mirada
de los huesos también se teclea un poco fuera de
sincronización, con el hueso mirada ligeramente por
delante de los movimientos de la cabeza. Varios
movimientos iniciales y finales de una manera solapante
ayudar a ocultar el carácter esencialmente lineal de teclas
de forma.
Lip Sync
Mi acercamiento a la sincronización de los labios es
realmente ni pose a pose ni hacia adelante, a pesar de que
probablemente tiene más en común con la línea recta. Voy
de un segmento del discurso a otro, y en cada segmento
local tecla I en forma recta hacia adelante mientras se
cepillan a través del marco sonido por cuadro. Puede
parecer laborioso, pero en realidad no hay manera fácil de
hacer la sincronización de labios, y esto no es realmente
tan malo. Hago un duro repaso y luego modificar la
ubicación de las llaves y los controladores basados en
cómo se ven las cosas. Es mejor hacer un aproximado de
ejecución a través de toda la animación, o al menos una
buena parte de tiempo razonablemente largo de ella,
porque reproducción en tiempo real requiere unos pocos Figura 8-6: La animación de la primera parte del
pasos y no es algo que quiero hacer cada vez que enunciado "Se ha dicho que cada época tiene su visión
introduce un marco. de futuro."

La mejor manera de tener una idea de la sincronización de

labios formas con y conductores es hacerlo, y la mejor
referencia para el tipo de boca plantear es el más adecuado
para un sonido específico es su propio rostro. Tener un
espejo en la mano mientras usted sincronización de labios,
y comprobar que a medida que avanza.

La Figura 8-6 muestra las poses y las claves para varios

marcos de todo el enunciado. Movimiento de la mandíbula
es, como era de esperar, importante. El movimiento de la
mandíbula hace una diferencia en la redondez de la boca,
lo que le permite expresar la diferencia entre los sonidos
como "ee", ubicado en lo alto en la boca y habla con una
boca ancha, y "ah", situado más bajo en la boca y habla
con una boca menos ancha.

Las cuatro primeras imágenes cubren la parte de la

expresión "Ha sido." El objetivo aquí no es más que la
forma de la boca abierta hasta que se pulsa el "b", que
requiere un sistema cerrado, ligeramente fruncidos boca
que se abrirá en una rápida ráfaga, después de lo cual la
mandíbula se mantiene alta y los labios redondear
ligeramente.
En la imagen anterior, la parte del enunciado en marco 25

entre las palabras "dice que" parecía exigir cierta

movimiento de la lengua. No todos los sonidos que
utilizan la lengua demanda necesariamente que la lengua
se animará. Si usted no puede verlo, no lo anima. Pero
entre la "d" y la "th", parecía evidente cuando omití
movimiento de la lengua en mi primer paso por esta
animación.

En la Figura 8-7 , la atención se centra en "visionario".

Las tramas se muestran representan cada otro marco para
la sincronización de los labios de esa palabra. La "v" se
crea poniendo los labios, principalmente mediante el
aumento de la mandíbula y el balance del labio inferior,
mejorando su imagen ósea de control. Esto libera de
forma y se mueve en un ensanchamiento de la boca como
el hueso LipRound se baja. La mandíbula se mantiene
bastante alto. El resto de los movimientos son bastante
sutil. El "zh" sonido de "visionario" es enunciada por
completo dentro de la boca, fuera de la vista, por lo que no
se ocupan de esto. Además, aunque "visionario" termina
con un sonido "i", la pronunciación real de la grabación es
lo suficientemente restó importancia que un
exageradamente anchos "ee" posición no encajaría bien el
sonido.
Otro método que funciona más rápidamente es el de crear
formas para cada uno de los fonemas establece mencionó
en el Capítulo 5. En lugar de manipular una serie de
controles individuales para formar la larga "e" de sonido,
sólo tiene que activar el sencillo "e" controlador de forma.
Dependiendo del sistema que elija, usted puede hacer en
cualquier lugar de 10 formas diferentes que cubren
prácticamente toda palabra humana, a sólo unos pocos.
Por supuesto, las formas menos se crea y utiliza, menos
convencer a su sincronización de labios será.
Figura 8-7: Una mirada más cercana en el
"visionario"
La ventaja de crear formas es que se puede nombrar cada
forma por su sonido asociado (por ejemplo, "ee"), por lo
que es fácil identificar el controlador adecuado y llaves de
ajuste mientras se cepillan a través del audio. Se pueden
combinar y refinar este método más rápido mediante el
uso de los controladores individuales se mencionó
anteriormente, realmente ajustar las formas faciales ya que
cada caso requiere. Si usted no necesita una cámara de
cerca animación héroe, un acceso directo de este tipo
puede ahorrar un montón de tiempo. Obviamente, el nivel
de detalle y el matiz que necesita en su conjunto forma
también depende mucho del grado de realismo que vamos
a ir en la animación.
Formas de incrustación directa
También puede utilizar el dopesheet a los valores
fundamentales de forma directa mediante el uso de sus
controles deslizantes de forma en el Editor de teclas de
forma. Usted entra en el modo de Shape Editor de teclas
usando el mismo menú desplegable que utilizó para entrar
en el Editor de acciones. Figura 8-8 muestra un ejemplo
sencillo de esto. Cuando se selecciona una malla en el
modo de objetos, los canales que aparecen en el Editor de
teclas Shape corresponden a las teclas de forma
disponibles.
Figura 8-8: Una clave de forma ensamblado
directamente en el Editor de acciones
En este sencillo ejemplo, hay una clave solo, forma
cónica, definida para el cubo, sin controladores asociados.
El único canal en el Editor de teclas forma corresponde a
esta forma. A la derecha de los canales es un área para los
deslizadores de forma.
Keyframes nuevos pueden ser colocadas al presionar el
deslizador. Si hace clic en el control deslizante sólo una
clave con el valor actual del control deslizante se crea, y si
lleva el control deslizante, una llave con el nuevo valor se
crea, como en la imagen inferior. Esta manipulación es
automática y no requiere la tecla I.
Manipulación directa de los deslizadores de la forma se
vuelve más complicado (y menos recomendable) cuando
las formas son también impulsados por los huesos. Los
puntos clave de los propios conductores se muestran como
claves en el Editor de acciones, como se puede ver en la
Figura 8-9 , que muestra la pantalla Shape Editor de teclas
de las formas que han estado trabajando en este capítulo
(tenga en cuenta que la malla, no la armadura, está
seleccionada). Este modo de visualización de las teclas
puede ser un poco confuso, pero puede ser útil si usted
quiere ver el valor exacto de una tecla determinada forma
en cualquier punto de la animación. Puede editar las teclas
accionadas de forma directa en el Editor de teclas de
forma, pero los valores serán anulados por los valores de
controlador con llave, así que por lo general no tiene
mucho sentido hacer esto.
A veces, es más fácil trabajar con las claves directa. Sin
embargo, con un equipo complejo que utiliza varias claves
forma en conjunto, una plataforma intuitiva utilizando
controladores es el mejor camino a seguir.
El enfoque de los huesos que presenta es intuitivo y
directo en términos de trabajar con representaciones
visuales de las formas. Además, los huesos que presentan
permite incorporar los movimientos faciales en la misma
acción que los movimientos óseas, como lo han hecho en
el ejemplo de este capítulo.
Figura 8-9: La pantalla Editor de acciones de las teclas
orientadas
Independientemente de cómo decida introducir sus
formas, la tarea de crear la animación de labios
sincronizado sigue siendo esencialmente el mismo. Se
trata de trabajar con unas formas básicas, con frecuencia
hace referencia a un espejo, y el uso de una buena dosis de
ensayo y error. Para saber cómo sus claves está buscando,
usted necesita saber cómo reproducir la animación a toda
velocidad con el sonido sincronizado.
Reproducción
Dependiendo de su hardware, Blender puede muy bien ser
capaz de mostrar la animación con sonido para un
aceptable previsualización en tiempo real sin
renderización. Asegúrese de que AV-Sync está activada
en los botones de audio y que el archivo de audio se
coloca correctamente en la línea de tiempo del editor de
secuencias. Esto evitará que el video sincronizado con el
audio, pérdida de fotogramas cuando sea necesario si
Blender no puede sacar la velocidad necesaria para
mantenerse al día con el audio. Con esta Alt seleccionado,
presionando + A en la ventana 3D reproduce la animación
con sonido.
Con los equipos más lentos, puede haber un retraso
considerable con este modo de reproducción. Como vimos
en el capítulo 7, simplemente reproducir la animación en
la vista 3D puede no ser suficiente para obtener una buena
idea de la distribución. Esto es doblemente cierto si se
trata de sincronización de sonido. Como la necesidad de
precisión es mayor, por lo que es el retraso en la
reproducción. Por lo tanto, usted tiene que hacer un
aproximado de la animación para ver lo reproduce a toda
velocidad. Hay una complicación añadida aquí, sin
embargo: la reproducción de render de Blender
simplemente juega animaciones atrás prestados. No hay
instalaciones para que pueda reproducir sonido
simultáneamente al tratar directamente con imágenes
renderizadas.
Para obtener la reproducción de sonido sincronizado que
quieres, tienes que girar de nuevo al Editor de Secuencia.
Usted también necesita mirar un poco más de cerca lo que
sucede realmente cuando se procesa la animación.
Secuenciación fotogramas procesados
Capítulo 11 ofertas de profundidad mucho más con la
animación de representación, por lo que no voy a enviar
mucho tiempo en esto aquí. Si surge algún problema Figura 8-10: Configuración de la ruta de salida de las
siguiendo los pasos de aquí, es posible que desee saltar imágenes renderizadas
adelante y leer ese capítulo para obtener una comprensión
más clara de lo que está pasando. Por el momento, me
limitaré a los puntos necesarios y asumir que todo está
preparado a los valores predeterminados. Para preparar la
salida de render, leer los renders en el editor de
secuencias, y ver la reproducción en tiempo real, siga
estos pasos:

1. Los fotogramas de salida cuando se procesa una

animación son, por defecto, almacena en el directorio /
tmp /. Si se procesa una variedad de diferentes
animaciones, sus marcos, todos se almacenarán en el
mismo directorio, que puede llevar a confusión en el
manejo y la reproducción de los archivos. Por esta razón,
vamos a añadir un subdirectorio en el que almacenar esta
animación en particular.

Puede editar el nuevo subdirectorio en el campo superior
en la ficha Salida del área Render Buttons. Puede escribir
un nombre en el campo directamente, como se muestra en
la Figura 8-10 . Tenga en cuenta que en estos campos,
Blender considera tanto una barra y una barra invertida
para indicar un directorio. Así, la barra al final de la
palabra tiene el mismo significado que la barra invertida al
final de renders y significa que lipsync es un subdirectorio
de renders. La doble barra al comienzo de la ruta de
acceso indica que el directorio de salida es un
subdirectorio del directorio de trabajo actual, es decir, el
directorio que el archivo. Mezcla es pulg
2. Ahora, cuando se hacen, sus cuadros aparece, por
defecto, como una colección de archivos PNG numerados
en este directorio. Representar el contenido de la ventana
gráfica 3D ahora haciendo clic en el botón Render en la
cabecera de la ventana 3D mientras se mantiene pulsada la
tecla Ctrl. Recuerde que debe entrar en vista de la cámara
para obtener la mejor idea de cómo la animación está
mirando. Puedes acercar o alejar la vista en 3D todo hacia
adelante y hacia atrás para enmarcar mejor en su viewport
3D mediante el uso de la teclas + y - o haciendo rodar la
rueda del ratón, si usted tiene uno. Esto no afecta el
resultado renderizado, sólo la forma en que aparece en el
visor.
 está sincronizado con el video, primero trate de ajustar la
posición relativa de la banda de audio en el editor de
secuencias para obtener el mejor partido posible.

3. Después de la animación ha representado Figura 8-11: Reproducción de la animación en el

completamente, abra una ventana del editor de secuencias. editor de secuencias
Usted realmente quiere dos editores de secuencia abierta,
por lo divide esta ventana. En una de las dos ventanas del
editor de secuencias, seleccione Vista previa de imágenes
haciendo clic en el medio de los tres botones de
encabezado que se muestran aquí.

4. En la ventana Vista de Secuencia, usted ya debe ver la

tira de audio que importó anteriormente. Usted quiere
traer en las imágenes ahora, para presionar Shift + A para
agregar una tira de secuencia y seleccionar imágenes de
entre las opciones disponibles. En el Explorador de
archivos, vaya al directorio / hace / sincronización de voz /
directorio en el que los marcos son. Selecciona todo el
contenido de este directorio con la tecla A, y haga clic en
Agregar tira de imágenes. Volverá al editor de secuencias.

5. Puede mover las tiras del editor de secuencias alrededor

con la tecla G en la misma forma en que te mueves otras
cosas en Blender. Coloque la tira de nuevo de modo que el
primer fotograma de la tira está en marco 1.
6. Reproduzca la secuencia utilizando Alt + A o pulsando
el botón de reproducción en la línea de tiempo. Este
proceso asegura que la animación se reproduce en todas
las ventanas, como se muestra en la figura 8-11 . Después
tal vez uno o dos lento run-through, la animación se
reproduzca a toda velocidad con el sonido. Si el sonido no
Tome nota de los lugares donde los movimientos faciales
y la boca son poco convincentes o parecen estar fuera de
sincronía. Luego regresa al Editor de acciones y fijar las
posiciones y tiempos. Cuando usted tiene esta trabajando
para su satisfacción, es hora de seguir adelante para ver
qué más se puede hacer con las acciones que hemos
creado hasta ahora.
En este capítulo y en los capítulos anteriores, se ha
trabajado una buena cantidad de acciones. Ustedes han
visto cómo el Editor de acciones funciona como una
interfaz conveniente para el más complicado e implicado
F-Curvas y cómo usted puede crear varias acciones
separadas para servir a varios propósitos: mantener los
movimientos agrupados en forma significativa, como para
armar combinaciones de los movimientos que pueden ser
controlados por movimientos óseos simples limitaciones
de acción. Pero esto no es todo lo que puedes hacer con
las acciones. En el siguiente capítulo se analiza la
animación no lineal (NLA) Editor, y verá el resto de la
historia de las acciones.
Versión traducida de capitulo 09.xhtml
Capítulo 9
Animación de Producción
Hasta ahora, has aprendido la mayor parte de los
elementos básicos para hacer su personaje moverse y
expresarse. La producción de una película de animación
requiere que los elementos simples de la animación se
puedan combinar entre sí y ser integrados en una escena.
Además, incluso una producción de animación simple
puede beneficiarse de los procesos de mantenimiento tales
como el modelado y texturizado separado de animación y
la creación de una línea de producción bien integrada.
Blender tiene una serie de herramientas que permiten
crear animación para un entorno de producción. El sistema
de puja armadura y el editor de animación no lineal
(NLA) son dos de los más significativos. El sistema de
puja armadura le permite vincular amañadas personajes
desde archivos externos en una forma no destructiva, para
que el modelo pueda seguir actualizándose incluso
mientras que la animación está progresando. El editor
NLA proporciona una capa de abstracción para trabajar
con las acciones que ha creado en los capítulos anteriores,
de modo que usted puede controlar bucle y velocidad de
las acciones y combinar múltiples acciones.
 Trabajar con servidores proxy
 Uso del editor NLA
 NLA en acción
Trabajar con servidores proxy
En un entorno de producción con múltiples artistas que
trabajan en diferentes partes de una película de animación
al mismo tiempo, es importante que, como gran parte de la
tubería como sea posible es modular y no lineales. Ser
capaz de trabajar en diferentes partes de una animación en
paralelo ahorra tiempo en general y permite hacer
correcciones o modificaciones en una parte del proyecto
sin desechar el trabajo realizado en otra parte. Incluso
cuando el trabajo en paralelo se hace muy poco, como en
el caso de una producción de una sola persona, es
importante ser capaz de volver atrás y hacer los ajustes,
por ejemplo, para una textura o un modelo de malla, sin
tener que rehacer completamente la animación.
Además, usted quiere ser capaz de volver a utilizar
rápidamente y fácilmente los activos en varias escenas y
aplicar automáticamente las actualizaciones a los activos
en todos los lugares donde los activos se utilizan. En una
breve película típica, fácilmente puede haber docenas de
diferentes tomas que todos utilizan el mismo carácter. Si
cambia la textura de la chaqueta de un personaje cuando la
mitad de las escenas se han animado, que desea que se
refleje en todas las escenas animadas de forma automática.
Vinculación y anexar
En general, realizar este tipo de reutilización de activos en
Blender utilizando la funcionalidad de enlace. Puede
vincular un objeto o un bloque de datos a partir de un otro.
Blend a otra seleccionando vínculo en el menú Archivo,
como se muestra en la Figura 9-1 . Al hacer esto, una
ventana del explorador de archivos se abre, y se puede
navegar en otro archivo. Mezcla para seleccionar el
bloque de datos que desea vincular (explorador de
archivos de Blender trata blend otros. Idénticamente a
directorios).
Figura 9-1: Vinculación
Al vincular un bloque de datos de esta manera, la instancia
en el archivo de recepción. Mezcla no se pueden editar.
Sólo puede editar el objeto en el archivo original, que
ahora se conoce como una biblioteca. Cuando se realizan
cambios en el objeto en el archivo de la biblioteca, los
cambios también se aplicarán a la instancia vinculada. Al
vincular bloques de datos, la relación en el disco entre la
biblioteca. Mezcla y la vinculación. Blend se convierte en
importante. Si los archivos. Mezcla se mueven uno con
respecto al otro o si la mezcla de la biblioteca. Cambia el
nombre, entonces el enlace. Blend se romperá.
Un primo útil para vincular está añadiendo. Append
también se encuentra en el menú Archivo y llevado a cabo
de forma idéntica a la vinculación. Sin embargo, cuando
se añade un bloque de datos, el bloque de datos adjunto es
una copia completa e independiente. El objeto adjunto o
bloque de datos ya no depende en modo alguno en el
archivo original y puede ser editado. Los cambios en el
archivo original no tendrá efecto sobre los objetos o
bloques de datos anexados de ese archivo.
Vinculación amañadas personajes con apoderados
En el caso de accesorios u otras cosas que no necesitan ser
animados o puede ser animada a nivel de objeto,
vinculando ordinaria es suficiente. Sin embargo,
amañadas personajes son más complicadas. En particular,
la armadura tiene que ser poseable, que no es posible
utilizando la vinculación común. Por esta razón, los
equipos de proxy son used.To enlace y proxy para un
equipo de animación, es necesario preparar primero la
biblioteca, asegurando que el carácter entero Rig-mallas,
armaduras, y todo se agrupan en un solo grupo. Si no lo
hemos hecho ya, hazlo ahora.
Con el archivo del capítulo anterior, seleccione todos los
objetos de la plataforma Capitán Blender: el cuerpo, los
ojos, el objeto vacío que controla la asignación logo, y el
aparejo, como se muestra en la Figura 9-2 . Presione Ctrl
+ G para agrupar los objetos. Los objetos agrupados se
muestran con un alambre verde, y en la ventana
Propiedades en Grupos, un grupo denominado Grupo se
mostrará para los objetos de ese grupo, como se muestra
en la Figura 9-3 . Cambiar el nombre de ese grupo para Figura 9-3: La agrupación de los objetos
CB-Rig, como se muestra en la Figura 9-4 . Ahora que
estos objetos están agrupados, puede anexar o vincular a
otro archivo. Mezcla en un solo paso. Guarde el archivo
con un nombre que la identifica como una biblioteca o un
recurso para el personaje.

Figura 9-2: Selección de todos los objetos de la

plataforma de agrupación de carácter

Figura 9-4: Cómo cambiar el nombre del grupo

Para crear una plataforma de proxy del carácter
amañado en su biblioteca, siga estos pasos:
1. Abra una nueva sesión de Blender. Guardar la sesión
inmediatamente, como se muestra en la Figura 9-5 ,
dándole un nombre significativo. El ahorro es necesario
para la vinculación, ya que el proceso de vinculación
depende de la creación de una relación entre dos
ubicaciones relativas en el disco duro. Una vez que haya
guardado el archivo, elimine el cubo por defecto.
Figura 9-5: Guardar la nueva sesión
2. Elija vínculo en el archivo en el menú desplegable. En
el explorador de archivos, busque el archivo de la
biblioteca. Mezcla en su disco duro. Haga clic en el
nombre de archivo. Mezcla de navegar en el archivo.
Blend, y luego haga clic en Grupos de navegar en el
directorio de Grupos virtual. Usted debe encontrar un
bloque de datos que se llama CB-Rig (o cualquiera que
sea el nombre del grupo era que se crea cuando se preparó
la biblioteca), como se muestra en la Figura 9-6 .
Seleccione este bloque de datos y haga clic en el enlace /
botón Append De Biblioteca en la parte superior derecha
del explorador de archivos. La plataforma agrupa
aparecerá en su visor 3D, como se muestra en la Figura 9-
7 . Si es necesario, presione Alt + G para volver al centro
del espacio. Tenga en cuenta que esta instancia de grupo
sólo se puede seleccionar como una unidad. No se pueden
seleccionar objetos individuales dentro del grupo.
Figura 9-6: Vinculación de la CB-Rig grupo de bloque
de datos
Figura 9-7: El grupo vinculado Figura 9-8: El menú de Proxy Hacer

3. Presione Ctrl + Alt + P para crear un objeto proxy. Al

hacer esto, se abrirá un menú, como se muestra en la
Figura 9-8 , para que pueda elegir el objeto que desea
hacer una aproximación. Elija el objeto plataforma. Esto
hará una aproximación a la armadura. Este nuevo objeto
será nombrado CB-Rig_proxy. Si lo selecciona y entrar en
el modo Pose, usted será capaz de representar el carácter,
como se muestra en la Figura 9-9 .
Figura 9-9: Presentación de la armadura del proxy
4. Este paso no es estrictamente necesario, pero es una
buena idea para ayudar a evitar que accidentalmente
seleccionar la instancia de grupo cuando desee seleccionar
el objeto proxy. Abra una ventana Outliner y elija escena
actual en la pantalla el menú desplegable en la cabecera. A
la derecha de la entrada CB-Rig, haga clic en el icono de
la flecha pequeña para alternar posibilidad de selección de
la instancia de grupo CB-Rig (ver Figura 9-10 ). Cuando
está desactivada, la instancia de grupo no se podrá
seleccionar en el visor 3D. Esto hará que sea más fácil
seleccionar el equipo de perforación proxy cada vez.
Usted nunca tendrá que seleccionar la instancia de grupo
cuando se animan.
Figura 9-10: Alternar la instancia de grupo CB-Rig ser
seleccionable
Ahora usted ha creado una plataforma de proxy para hacer
su animación. Los objetos de malla están tradicionalmente
ligados a las fuentes de la biblioteca, por lo que si las
mallas cambiar en la biblioteca, que va a cambiar en esta
escena sin afectar a la animación. Se puede animar
exactamente como lo haría normalmente animar.
A partir de aquí, usted debe hacer alguna presentación o la
colocación del personaje en el modo Pose. Esto incluye el
posicionamiento simple de su personaje en el espacio. No
mueva el objeto proxy plataforma o la instancia de grupo
en el modo Objeto. Si desea trasladar su personaje en el
espacio 3D, ingrese el modo Pose y lo hacen moviendo el
hueso raíz, como se muestra en la Figura 9-11 . Observe
que el centro del objeto permanece en el origen del
espacio.
Figura 9-11: Mover el hueso raíz en el modo Pose
Uso del editor NLA
A primera vista, el editor NLA parece muy similar a la
dopesheet, como se puede ver en la Figura 9-12 . Muestra
una representación de la línea de tiempo, y el área de la
izquierda muestra sus canales. Ambos puntos de vista del
editor de servir a las funciones similares de la
organización o la modificación de un conjunto subyacente
de F-Curves para la salida de una animación. Aunque la
dopesheet muestra una simplificación de muchos curva F-
vistas, con cada tecla que representa una o más teclas de la
curva de F-, el Editor NLA permite la combinación de
acciones.
Figura 9-12: Editor NLA
El principal tipo de elemento en el Editor NLA se llama
una tira, y cada franja representa una de sus acciones ya
creados. De este modo, puede utilizar el Editor NLA
colocar muchas acciones diferentes en la línea de tiempo
como tiras, capas, repitiendo ellos, y aplicar otros
parámetros para generar una animación final.
Acciones que enlazan con el NLA
Para entender la relación entre las acciones individuales y
la animación creada por el editor NLA, podrás echar un
vistazo a un ejemplo muy simple. Iniciar una nueva
mezcla, elimine el cubo por defecto y añadir un objeto
armadura con un solo hueso. Asegúrese de tener su
espacio de trabajo creado para que pueda ver una ventana
gráfica 3D, un editor de acciones, y un editor NLA al
mismo tiempo, como se muestra en la Figura 9-13 . (Es
probable que también quieren una línea de tiempo visible.)
Figura 9-13: 3D viewport, Editor de acciones, y el
editor NLA
Figura 9-16 . Copie la clave del fotograma 1, y mover el
duplicado al bastidor 21. Cambie el nombre del
SideToSide acción, como se muestra en la Figura 9-17 y
observe que el nombre del canal de acción ha cambiado
para reflejar esto en el editor NLA. Además, establezca el
cuadro final en la línea de tiempo de 20 a hacer esta
animación repetir sin problemas.

Figura 9-14: Modulación por un hueso primera pose

Vamos a crear dos acciones. La primera acción tendrá el

columpio hueso suavemente de lado a lado. Girar el hueso Figura 9-15: La llave pose
ligeramente a la derecha, y la tecla de rotación en el
fotograma 1, como se muestra en la figura 9-14 . La clave
aparecerá en el Editor de acciones según lo previsto. En el
editor NLA, un canal se crea automáticamente para el
objeto de la armadura. En este canal, ligeramente dentado,
es un canal que representa la acción actual, como se puede
ver en la Figura 9-15 .

Pulse la tecla de flecha arriba del teclado para avanzar 10

fotogramas al bastidor 11. Gire el hueso a la extrema
izquierda, y la clave de la postura, como se muestra en la
Figura 9-16: Segunda hueso plantean
Figura 9-17: acción SideToSide
Ahora que ha terminado de crear la acción SideToSide,
podrás crear una nueva acción llamada FrontToBack. Para
hacer esto, usted puede simplemente seleccionar Crear
Nuevo a partir de las acciones en el menú desplegable,
que constituyan una repetición de la acción SideToSide y
le dará una nueva acción llamada SideToSide.001. En este
caso, sin embargo, empezar de nuevo con una nueva
acción, en blanco. Para ello, haga clic en la X a la derecha
de las acciones en el menú desplegable, que desvincula la
acción SideToSide de la armadura. Tenga en cuenta que
esto no elimina la acción de su archivo. Blend.
Al crear acciones, Blender les da un falso usuario de
forma predeterminada. Por esta razón, las acciones siguen
siendo parte de su archivo de mezcla., Incluso cuando no
están en uso por cualquier objeto. (Recuérdese la
discusión de usuarios falsos en el Capítulo 1.) Para
eliminar completamente una acción creada a partir de su
blend., Desactive el icono F en el Editor de acciones.
Después de hacer esto, en el supuesto de que no haya
objetos mediante la acción, la acción no se conservará la
próxima vez que se cierra el archivo.
Por ahora, puede estar seguro de que no es probable que
se elimine accidentalmente acciones. Todo esto no es
eliminar la asociación de la acción con el inducido y por
lo tanto eliminar de la Editor NLA. Seleccione el hueso, y
pulse Alt + R para borrar cualquier rotación en el hueso
para que usted realmente pueda comenzar de nuevo con la
nueva acción, como se muestra en la Figura 9-18 . Aunque
usted tiene desvinculados de la acción de la armadura y la
sacaron de la NLA Editor, observe que el hueso se
mantiene en cualquier posición en que se encontraba
cuando usted no vinculado a la acción. Si quieres empezar
desde cero completamente limpia, asegúrese de
seleccionar el hueso y pulse Alt + G y Alt + R para borrar
cualquier traducción o rotaciones.
Figura 9-18: empezar de nuevo con un Editor de Finalizar la creación de un movimiento hacia adelante y
acciones claras hacia atrás girando alrededor del eje x introduciendo un
marco trasero y duplicar el fotograma 1 al bastidor 21.

Ahora tiene dos acciones creadas. Usted puede seleccionar

la acción activa mediante el menú desplegable en la
cabecera dopesheet, como se muestra en la Figura 9-20 .
En la actualidad, la acción activa es FrontToBack porque
esa es la última acción que ha trabajado. La acción activo
es también el representado en el editor NLA.

Figura 9-20: Selección de la acción activo

Para crear la segunda acción, basta con girar el hueso

hacia adelante un poco alrededor del eje x, y la clave de la
pose en el frame 1. De nuevo, esto creará
automáticamente una acción llamada ArmatureAction,
que cambiará el nombre a FrontToBack. Como se puede
ver en la Figura 9-19 , FrontToBack es ahora la acción
activo y, como tal, se representa en el editor NLA bajo el
canal inducido.

Figura 9-19: Creación de FrontToBack

Trabajar con tiras NLA

El editor NLA no sería de mucha utilidad si lo único que

hizo fue mostrar la acción activa en ese momento, como
se puede adivinar, lo hace mucho más que esto. Para
insertar una acción en el editor NLA para que pueda
incorporarla en la animación final, es necesario crear una
tira NLA de la acción. La tira NLA para una acción es
independiente de la acción en sí misma, es una
representación de una acción que el editor NLA puede
procesar de varias maneras.
Para crear una tira NLA para una acción, haga clic en el
icono de copo de nieve a la derecha del nombre de la
acción en el canal de la acción. Al hacer esto, la acción se
convierte en un canal NLA y aplicar el modo inactivo
como una acción, como se muestra en la Figura 9-21 . El
nombre de la tira creado es el mismo que el nombre de su
acción correspondiente.
Figura 9-21: Creación de una tira NLA
Ahora, en el Editor de acciones, seleccione la acción
SideToSide en el menú desplegable y lo convierten en la
acción activa. Tenga en cuenta lo que sucede (ver Figura
9-22 ): el canal de acción activa en el Editor NLA ahora
contiene SideToSide, pero la franja FrontToBack NLA
permanece en su lugar. Después de un tira NLA ha sido
creado para una acción, la banda permanece en el editor
NLA, independientemente de lo que sucede en el Editor
de acciones. Tiras NLA se puede eliminar como cualquier
otra cosa en Blender con la tecla X, pero no lo hagas
ahora. En su lugar, haga clic en el icono del copo de nieve
para crear una tira para SideToSide, que aparecerá como
se muestra en la Figura 9-23 . Puede seleccionar las tiras
de la misma manera como se selecciona otros objetos en
Blender, haga clic con el botón o seleccionando todas las
tiras y las teclas con la tecla A.
Figura 9-22: SideToSide como acción activo
Figura 9-23: NLA tira para SideToSide Una vez que las acciones han sido convertidas en tiras, se
pueden combinar de varias maneras, determinado por el
valor de mezcla de la banda superior. El valor de mezcla
predeterminada es sustituir, por lo que la tira superior
anularán las tiras debajo de ella. Así, por ejemplo, si usted
juega la animación que acaba de crear, sólo verá el
movimiento SideToSide. Sin embargo, si cambia el valor
de mezcla para agregar en la plataforma Properties
(activará visible con clave N), entonces los valores para la
curva F-de las dos tiras de acción añadir el uno al otro, lo
que resulta en un movimiento oscilante diagonal que es la
suma de SideToSide y FrontToBack, como se muestra en
la figura 9-24 .

Mezcla y mezcla sustractiva multiplicativa también están

disponibles. Sin embargo, estas opciones de fusión son de
uso menos frecuente, y sus resultados son menos
intuitivos que mezcla aditiva. Para la animación más
Acción Salida y Salida NLA
armadura, que va a utilizar en la sustitución o mezcla de
Animación generada desde el Editor NLA se basa en la aditivos.
interacción de los canales de NLA. Los canales NLA son
Figura 9-24: Las dos tiras jugando con mezclado
organizados por prioridad, de arriba a abajo, de forma
aditivo
predeterminada, verá la animación para el canal superior
en el visor 3D.

Cuando se selecciona una acción en el Editor de acciones,

la acción aparece como un canal rojo en la parte superior
del Editor NLA, como has visto. En este estado, la acción
activa es la animación que se reproduce en el visor 3D,
anulando cualquier otra animación creada en el editor
NLA. Mientras que esta acción está en este estado la
acción cruda, no hay mucho que puedes hacer con él en el
Editor NLA. Si desea integrar de alguna manera con otros
canales en el editor NLA, debe convertirlo a una banda
como se ha descrito anteriormente.
Más diversión con tiras NLA Figura 9-25: Cambio del valor de repetición de la tira

Tiras NLA son más que simples casos de acciones.

También tienen un número de propiedades de su propio
que determinan su comportamiento y cómo la acción que
contienen interactúa con toda la animación. Se puede ver
las propiedades de la banda seleccionada en el estante
Propiedades en el lado derecho de la ventana. Como
siempre, la plataforma de Propiedades está oculta y se
muestra con la tecla N.

Entre otras cosas, las propiedades de la tira de

transformación determinar los puntos de inicio y final de
la avenida principal y el número de repeticiones de la
acción de la tira representa. Cuando crea por primera vez,
el número de repeticiones es 1, y la longitud de la tira es
idéntica a la longitud de la propia acción. Seleccione la
banda superior, SideToSide, y establecer el valor de
repetición para ser de 3, manteniendo el valor de End
Frame a los 21, como se muestra en la Figura 9-25 .

Ahora puede ver la diferencia entre los modos de

reproducción muy claramente. Los cambios óseos de ida y
vuelta a una velocidad triple, por la banda de repetir, tres
veces por cada uno hacia adelante-atrás swing.
Puede aislar tiras individuales haciendo clic en el pequeño
punto o estrellita a la izquierda del nombre de la tira.
Desde aquí
puedes ver la animación sólo resultado de la tira
seleccionada en el visor 3D.
NLA en acción
En esta sección se da un vistazo a algunos usos básicos de
la animación no lineal. En el primer ejemplo, verá cómo
utilizar una tira NLA para sincronizar dos movimientos
cíclicos no relacionados con el ciclo bien juntos. En el
segundo ejemplo, verá cómo utilizar el Editor NLA para
que una figura caminando a seguir una ruta con un hueso
de paso para evitar el deslizamiento del pie.
Sincronización mociones cíclicas: un ciclo de andar con
rotación de la cámara
Si se miraba en el video ciclo de andar en el archivo
walk.avi en el DVD, te habrás dado cuenta de que no era
exactamente lo que estaba haciendo al final del capítulo 7.
Dar a conocer la animación de una forma más atractiva,
me dio un poco de iluminación agradable, un color de
fondo, y un material para el suelo que pisa. Además, he
añadido una lenta rotación de la cámara para mostrar el
ciclo paseo desde todos los ángulos. Si reproduce el
archivo de vídeo con repetición automática activada en el
reproductor multimedia, podrás ver que el ciclo paseo y la
rotación de la cámara está programada para repetir en el
mismo punto, creando un ciclo de fluido tanto de
movimientos como las repeticiones de video.
Esto es fácil de hacer con tiras NLA. En esta sección,
primero configure el movimiento de la cámara en el
archivo de escena que ha creado en la primera sección de
este capítulo, y luego se le añada la acción a pie desde el
archivo de biblioteca que ha creado. Vas a aplicar la
acción a la plataforma de proxy y luego configurar el
bucle con el NLA.
Configuración de la cámara Motion
Antes de abordar el ciclo paseo en sí, vamos a crear un
movimiento de cámara suavemente girando. La aplicación
de una restricción TrackTo a una cámara dirigida a un
objeto vacío es un método muy útil y de propósito general
de dirigir la cámara. Configure la rotación de la cámara,
siga estos pasos:
1. En la vista superior, añadir un vacío en la misma capa
que la cámara esté encendida. Es una buena idea tener a
estos dos objetos en su propia capa para que puedas
acceder a ellos de forma independiente de los otros
objetos en la escena.
2. Coloque el vacío en el centro del objeto de la inyección
(en este caso, la figura Capitán Blender). En este caso, ya
que no se ha mudado la figura del capitán Blender desde
el punto de origen, usted debería ser capaz de colocar el
vacío directamente en el punto de origen para la x-e y-
ejes, como se muestra en la Figura 9-26 .
3. Elevar el Objeto vacío a lo largo del eje z de modo que
es de alrededor de la mitad del cuerpo Capitán de Blender,
como se muestra en la figura 9-27 . Este es el punto en el
que la cámara objetivo.
Figura 9-26: cámara inicial y las posiciones vacías 4. Coloque la cámara directamente en frente del objeto de
vacío, a cierta distancia, como se muestra en la figura 9-28

Figura 9-28: posición de la cámara inicial

Figura 9-27: Ajuste de la posición del objeto Vacío

5. Seleccione la cámara y, a continuación, elija el segundo Figura 9-29: Vista desde la cámara
objeto vacío (asegurarse de que no haya otros objetos
seleccionados). Tenerlos en su propia capa debe ser útil
para esto. Presione Ctrl + T y seleccione la restricción
TrackTo, lo que hace que la cámara apunte directamente
al objeto vacío en todo momento.

6. A continuación, con los mismos objetos seleccionados

de la misma manera, pulse Ctrl + P para crear una relación
de padre. Esto padres de la cámara al objeto vacío de
modo que cuando se mueve el vacío, la cámara también se
mueve.

7. Pulse 0 en el teclado numérico para entrar en vista de la

cámara. En este modo, usted puede seleccionar el objeto
cámara haciendo clic en la línea rectangular alrededor de
su punto de vista. Mueva la cámara y el objeto vacío para
crear una vista bien enmarcado de su tema. Recuerda que
para mover el objeto vacío o la cámara hacia arriba o
hacia abajo, se puede seleccionar el objeto y trasladarse a
lo largo del eje z mundial. Para acercar o alejar la cámara
de entrada y salida, seleccione la cámara y trasladarse a lo
largo del eje z local. Pulse G y luego presione Z dos
veces. Su tiro debe terminar buscando algo como el
ejemplo de la Figura 9-29 .
8. Pulse 7 en el teclado numérico para volver a la vista
superior y seleccione el objeto vacío. Introducir su
rotación. Se desplaza hacia adelante 10 fotogramas, gire el
vacío ligeramente hacia la izquierda, lo que limita la
rotación del eje z, y la clave de su rotación de nuevo.
9. Con el vacío seleccionado, abra una ventana del editor
F-Curve. Seleccione el primer punto, y lo coloca
manualmente en la posición x 1 y 0 y la posición
introduciendo los valores directamente en los campos X
clave y tecla y. Quieres que el objeto vacío para completar
un giro de 360 grados en 101 marcos. Por lo tanto,
establecer el segundo punto clave para el valor X 101.
Para el valor de la tecla Y del segundo punto, recuerde
que usted debe expresar ángulos en radianes. Hay 2 π
radianes en un círculo completo, pero no es necesario para
calcular usted mismo. Basta con introducir 2 * pi en el
campo, y Blender calcula automáticamente el valor de
6,283, como se muestra en la Figura 9-30 . Asegúrese de
que los tipos de mango se ponen a Vector para ambos
puntos y que el tipo de extrapolación es lineal.
Ahora debería tener una rotación de la cámara suave que
los ciclos después de 100 marcos. Fije el extremo
Timeline a 100, entra en vista de la cámara al presionar 0
en el teclado numérico y haga clic en Reproducir para ver
la rotación desde el punto de vista de la cámara.
Figura 9-30: Ajuste de los valores de los puntos de
curva F-
El uso de tiras NLA a Sync Repeticiones Walk Cycle
Para hacer su caminata carácter, primero tiene acceso a la
acción Walk que ha creado anteriormente. Puede añadir el
bloque de datos Walk acción desde el archivo de
biblioteca de la misma manera que anexar cualquier otro
bloque de datos. Seleccione Anexar en el menú Archivo, y
utilizar el explorador de archivos para navegar en el
directorio virtual CB-CharacterResource.blend. Allí, usted
podrá navegar en la Acción subdirectorio virtual, como se
muestra en la Figura 9-31 y seleccione A pie. Haga clic en
el enlace / botón Append De Biblioteca.
Figura 9-31: Anexar la acción Walk
Ahora Walk aparecerá en el Editor de acciones en el menú
desplegable. Seleccione el objeto CB-Rig_proxy,
introduzca Pose modo y seleccione Caminar en el menú,
como se muestra en la Figura 9-32 .
Convertir la acción a pie de una tira NLA como aprendió a Figura 9-33: Ajustes de la tira Walk NLA
hacerlo en el apartado anterior. Establecer las repeticiones
a 2, y ajuste el valor End Frame a 101, como se muestra
en la Figura 9-33 . Cuando hayas hecho esto, estás
acabado. Ciclo de tu personaje a pie jugará dos veces por
cada rotación completa de la cámara, y ambos
movimientos se repiten sin problemas después de 100
marcos.

Para un avance rápido, reproducir la animación con sólo la

capa de armadura y la capa de la cámara visible, que
reproduce mucho más rápido que incluye la malla en la
vista y muestra cómo suavemente el punto ciclo resultó.

Figura 9-32: Selección de la acción Walk

Acciones de mezcla: caminar y hablar

El poder real del Editor NLA está en su capacidad de

combinar múltiples acciones en una sola animación.
Cuando se superponen varias animaciones, Blender decide
si hay algún F-curvas que se superponen entre sí (es decir,
curvas que influyen en los mismos valores), y si es así, le
asigna una prioridad para las curvas (o, si usted eligió la
aditividad, es agrega). En los casos en que las curvas no
están en conflicto, como cuando diferentes curvas F-
canales están involucrados o cuando los F-Curves
pertenecen a diferentes huesos u objetos, el movimiento
de todos los F-Curves se juega simultáneamente.

Para este ejemplo, usted puede continuar trabajando en la

misma escena con la que trabajó para el ejemplo anterior,
pero usted tendrá que añadir la acción del habla, del
mismo modo que adjunta la acción Walk en el apartado
anterior.
Para configurar una animación no lineal utilizando el
Paseo de dos acciones y voz, siga estos pasos:
1. Seleccione CB-Rig_proxy e ingrese el modo Pose. En
el dopesheet, en el modo de acción Editor, seleccione la
acción Speech (es necesario haber añadido esta acción
desde la biblioteca ya, o no se mostrará en el menú
desplegable). Cuando hayas hecho esto, la acción debe
mostrar en el Editor de acciones y el Editor NLA, como se
muestra en la Figura 9-34 . Tenga en cuenta que la tira
Walk ya está presente.
Figura 9-34: La acción del habla
2. Crear una tira NLA de la acción Discurso haciendo clic
en el icono de copo de nieve. Usted debe decidir si fusión
de esta debe ser aditivos o sustitución. Ambos son
posibilidades a considerar aquí. Con la mezcla de aditivos,
el balanceo de los brazos serán incorporados a
gesticulaciones capitán de Blender, lo que hace que se vea
como si estuviera hablando mientras corriendo o haciendo
algún tipo de ejercicio cardiovascular. Tenga cuidado, sin
embargo, en este caso, el efecto aditivo sobre los dedos
hace que se aplasten hasta poco natural. Para este ejemplo,
utilice Reemplazar mezcla. Las tiras NLA se verá como se
muestra en la Figura 9-35 .
Figura 9-35: Las dos tiras de acción en el Editor NLA
3. Coloque la tira de acción a lo largo de la línea de
tiempo del habla donde desee seleccionándolo y
moviéndolo con la tecla G. Ajuste la mezcla y se mezclan
en el valor a 20 para crear una transición muy suave entre
el Paseo de poses y actitudes del Discurso. Esto afecta
especialmente a los brazos. Una mezcla más corta en valor
hará que la transición de la franja inferior que representan
para la tira acción superior representan más repentina. La
Mezcla de salida valor corresponde al final de la tira de
acción superior. Los resultados parecen Figura 9-36 .
Vista previa de la animación, y ver el Capitán Blender
caminar y hablar al mismo tiempo, mientras la cámara
gira.
Figura 9-36: Las tiras de la acción combinada de la
moción
Acciones para animaciones Nonarmature
Las acciones se desarrollaron originalmente como una
forma de organizar los movimientos del inducido. Sin
embargo, en Blender 2.5, que se han ampliado para
trabajar en todo tipo de animación. En la figura 9-37 , se
puede ver la ubicación, rotación y escala claves en el
objeto cubo por defecto aparece en el editor F-Curve, el
Editor de acciones, y el Editor NLA. Esta acción se puede
convertir en una tira NLA en la misma manera que
cualquier otra acción.
Figura 9-37: Una acción sobre el objeto cubo por
defecto
Usted ha cubierto un poco de tierra en este momento, y
por ahora usted debe tener una comprensión básica
bastante sólida de cómo hacer la animación de personajes
en Blender. Usted sabe cómo construir y animar un
personaje con armadura deformaciones y las claves de
forma, y usted sabe cómo combinar animaciones básicas
para crear otros más sofisticados en la forma de acciones
en el Editor NLA. Todavía hay algunos temas dejados de
cubrir, sin embargo, antes de que usted estará listo para
producir sus propios cortos de animación a la terminación.
En el próximo capítulo, voy a repasar algunos consejos
más y técnicas relacionadas con la animación de
personajes que no he tenido la oportunidad de discutir
hasta ahora.
Versión traducida de capitulo 10.xhtml
Capítulo 10
Cuestiones en Animación de Personajes
Antes de pasar a las cuestiones de iluminación,
renderización y edición, hay algunos temas más voy a
cubrir aquí. En la primera parte de este capítulo, voy a
darte una idea de cómo se pueden utilizar restricciones
para incorporar accesorios sin problemas en las
animaciones de sus personajes. El resto del capítulo se
ocupa de diversas maneras de representar determinados
efectos físicos. Por ejemplo, con celosías y deformadores
de malla, se puede deformar las mallas de una manera que
no sería fácil o incluso posible utilizando sólo huesos. El
sistema softbody simula el comportamiento realista objeto
suave, y con metaballs, puede crear efectos interesantes
que no son posibles con mallas.
 Interactuar con los apoyos
 Verjas y deformadores de malla
 Softbodies y METABALLS
Interactuar con los apoyos
Casi toda la animación de personajes incluye apoyos en
algún momento. El reto con los apoyos es que influyen o
son influenciadas por el movimiento del personaje pero no
son parte de la propia carácter.
En algunos casos, la interacción entre el carácter y el
puntal es demasiado complejo para permitir soluciones
automáticas, y el mejor enfoque consiste en introducir la
acción con la mano. En otros casos, existen herramientas
para hacer el trabajo mucho más fácil de lo que sería si
todo lo necesario para clave directamente.
Muebles
Con accesorios como sillas y mesas, la interacción suele
implicar todo el cuerpo del personaje, e incluso podría
involucrar otros objetos. No es más simple con más
frecuencia que a hacer más animación a mano en este
caso. Si la armadura es suficientemente versátil, a
continuación, las interacciones con los muebles no debe
ser difícil de introducir manualmente. Por ejemplo, se
puede asentar el personaje en una silla con sólo introducir
la ubicación del hueso del torso.
En un caso como el que se muestra en la Figura 10-1 , que
desea manos de la figura para permanecer fijo a la mesa, a
pesar del movimiento de otra parte del resto del cuerpo. El
carácter debe ser capaz de pie y sentarse o inclinarse hacia
adelante o hacia un lado, sin que las manos moverse de su
posición sobre la superficie de la mesa. Usted puede hacer
esto mediante el establecimiento de las manos 'FK / IK
valor a 1 en los equipos de perforación propiedades
principales en la plataforma Propiedades, como se muestra
en la Figura 10-2 . Si desea animar este valor, sólo tiene
que pulsar la tecla I sobre el valor. Una vez que tengas los
brazos fijados a IK posando, que representan los huesos
hand.IK primero, y entonces usted puede animar el
cuerpo, manteniendo las manos fijo, como se muestra en
la Figura 10-3 .
Figura 10-1: "¿Qué significa que mi cuenta está vacía" Figura 10-3: Mover el cuerpo con las manos apoyadas

Figura 10-2: Configuración IK posando

 comportarse como una entidad independiente cuando no
se celebra.

Con una espada o un palo, por ejemplo, desea que el prop

ser diferentes poses de la misma manera que el personaje
es poseable si el personaje está utilizando el arma para
luchar. Sería demasiado complicado y poco flexible para
codificar el objeto de forma totalmente independiente. Sin
embargo, si el personaje cae o arroja el apoyo, ya no
debería depender de los movimientos de los personajes.

Usted puede hacer esto mediante el uso de restricciones de

copia de localización (y, en algunos casos, copie las
limitaciones de rotación), como se puede ver en el
ejemplo sencillo del Capitán Blender recoger y lanzar una
pelota.

Levantar y lanzar una pelota

Este ejemplo se centra en el uso de restricciones para

permitir la interacción prop bueno. No voy a entrar en el
hueso varias actitudes que componen la acción. Figura 10-
4 presenta un panorama de la animación completa.

Agarrar y sujetar objetos

Props Sin embargo, muchos son más que obstáculos, por

lo que requieren un enfoque diferente. En muchos casos,
el personaje necesita para sostener y manipular la hélice.
Esto no es tan simple como el caso de los muebles, porque
en este caso, desea que el apoyo a comportarse como una
extensión del propio personaje cuando se celebra, sino a
Figura 10-4: Vista general de la pick-up-and-tirar lanzamiento en absoluto, que es muy probable que con un
acción movimiento como este, tienes que ajustar o incluso teclas
de las localizaciones rekey muchos por el balón. Es
evidente que lo que quieres hacer es hacer que la bola siga
el movimiento de la mano de forma automática.

Para hacer esto posible, se creará un nuevo hueso por

extrusión y desmontaje de un nuevo hueso de hand.L / R,
llamado Hold.L / R, como se muestra en la Figura 10-5 .
Extrusión con la tecla E (las ediciones todos deben tener
su reflejo todavía, así que usted puede hacer esto en cada
mano) y luego extraiga el hueso pulsando Alt + P y
seleccionar Desconectar Bone. Este hueso está situado en
el centro del espacio justo debajo de la palma de la mano,
aproximadamente en el punto donde desea que un objeto
que sostiene que, como se puede ver en la Figura 10-6 .
No está conectada a cualquier otro hueso, pero, como se
ha mencionado, se criaron a la parte ósea.

La animación muestra el Capitán Blender agachado hacia Figura 10-5: extrusión de la bodega hueso
adelante, agarrando la pelota, tirando hacia atrás de un
lanzamiento, y lanzar la bola. La preocupación principal
de esta sección es el movimiento de la pelota cuando el
Capitán Blender la está sosteniendo en su mano. Por
supuesto, con un objeto F-Curve, se puede controlar el
movimiento de la bola para cada fotograma de la
animación, si quieres. Usted puede simplemente teclear la
posición de la pelota para seguir la mano del capitán de
Blender.

Pero un objeto F-Curve no es una buena solución. Si lo

hace, puede que tenga un gran número de claves para
hacer que la bola siga el movimiento de la mano, incluso
si el propio movimiento se determina por sólo unos pocos
movimientos óseos. Además, si modifica la acción de
Figura 10-6: Colocación del hueso bodega mitad de camino entre su propio original (o clave)
ubicación y la ubicación del hueso hold.R.

Figura 10-7: La restricción de ubicación de la copia

Después de crear y colocar la bola (a icoesfera

subdividida), estableció una restricción de la copia en la
bola, como se muestra en la Figura 10-7 . En el campo
OB, escriba el nombre de la armadura, en este caso
simplemente aparejo. Al introducir el nombre de una
armadura en este campo, un segundo campo aparece el
nombre del hueso. Nombre que hueso Hold.R aquí. Utilice
el control deslizante para establecer la influencia a 0.

El deslizador de influencia determina hasta qué punto la
ubicación de la pelota es determinado por la restricción. Si
el regulador está ajustado en 1, la pelota se fija a la
ubicación del hueso de hold.R. Si el regulador está
ajustado a 0, el balón volverá a su posición original o de la
posición que está enchavetado a como un objeto y ser
completamente independiente del movimiento del hueso o
armadura. Intuitivamente, un valor de .5 coloca la pelota a
Lo más importante, usted puede introducir la influencia de
la restricción a un F-Curve presionando la tecla I sobre el
deslizador influencia. De esta manera, puede animar una
transición suave en la influencia de la restricción. Se
empieza por introducir la influencia restricción a 0 y
manipulación ubicación de la pelota al lugar que
queremos que sea al inicio de la animación.
Usted puede ver la influencia de la restricción de F-Curves
mirando en el Editor de gráficos. Figura 10-8 siguiente
curva de la restricción de la copia de la influencia de 0 a 1
como capitán Blender toma la pelota. Figura 10-9 sigue a
la liberación más brusca de la bola cuando lo tira. Tenga
en cuenta que el Editor de gráficos se escalan de forma
diferente en la Figura 10-9 , por lo que es importante
prestar atención a los valores mismos.

Figura 10-8: El cambio en la influencia restricción

como el personaje toma la pelota

Figura 10-9: Al soltar el balón


Ubicación de la bola necesita ser codificado de manera
que cuando la influencia restricción está apagado, se
saltará a la ubicación apropiada. Es necesario tomar la
ubicación real F-Curves de la bola en cuenta, incluso
cuando la restricción es activa.
Por ejemplo, si se teclea ubicación de la pelota en el suelo
en el cuadro 1 y no hizo más teclas de las localizaciones
hasta el momento después de que la pelota sea, verás la
pelota comienza a flotar hacia ese destino incluso antes de
que el personaje lo recogió. Por esta razón, usted
necesitará por lo menos un duplicado de la llave de la
posición de tierra, que se encuentra después de que el
balón haya sido recogido, hasta mantener el F-Curva plana
hasta ese punto.
Verjas y deformadores de malla
Rejas para crear ciertos tipos de deformaciones en las
mallas uniformes que serían mucho más difíciles de hacer
mediante la edición de la malla directamente o mediante el
uso de huesos.
Lattice Modificador
Un enrejado es una de tres dimensiones, en ángulo recto
rejilla de vértices. Como una armadura, se pretende
únicamente como un modificador de otros tipos de
objetos. Y al igual que una armadura, nunca se presenta en
tiempo de render.
La forma predeterminada de una red es un simple ocho
vértices del cubo, sino que se puede subdividir en más
compartimientos mediante el cambio de su anchura (en
vértices) a lo largo de cada dimensión. Cuando un
enrejado modifica una malla, moviendo los vértices de los
resultados de celosía en una distorsión proporcional de la
forma de la malla. Por ejemplo, si modifica una figura con
un enrejado rectangular y luego editar la red para engordar
el centro, la cifra se ceba en la cintura.
A modo de ejemplo, se creará una red para animar una
deformación del globo ocular capitán de Blender. El ojo
de dibujos animados espionaje clásico es un buen ejemplo
de una deformación que es relativamente fácil de hacer
con celosías, aunque también se puede utilizar las teclas
de forma. (Por desgracia, en la actualidad no se puede
utilizar deformaciones de celosía para crear claves de
forma, por lo que un enfoque combinado no es una
opción.)
Para deformar el ojo izquierdo con un enrejado, siga
los siguientes pasos:
1. Seleccione el objeto globo ocular izquierdo. Coloque el
cursor sobre el objeto usando Shift + S. En la vista frontal,
pulse Shift + A para agregar un objeto de red, como se Figura 10-11: Cambiar el tamaño de la red para
muestra en la Figura 10-10 . Cambiar el tamaño del objeto adaptarse al globo ocular
para ajustarse alrededor del globo ocular, como se muestra
en la figura 10-11 . Asegúrese de que usted no hace este
cambio de tamaño en el modo de edición, de lo contrario,
el globo ocular se reducirá tan pronto como se aplique la
red.

2. En el panel de red de propiedades (ver Figura 10-12 ),

establezca la resolución de celosía a lo largo de la U 3
dimensiones, V, y W, lo que resulta en la red se muestra
en la figura 10-13 .

Figura 10-10: Adición de una red

Figura 10-12: parámetros de red 3. Seleccione el objeto ojo izquierdo, y añadir un
modificador Lattice en la pestaña Modificadores. En el
campo Objeto, especifique el nombre de la red, Lattice,
como se muestra en la Figura 10-14 . Tenga cuidado de
seleccionar el globo ocular correcta, lo que podría requerir
la reorientación de la visión ligeramente a verificar.

Figura 10-14: Agregar el modificador Lattice

Figura 10-13: A 3 × 3 celosía en el globo ocular

4. Con la red seleccionada, encontramos el panel Shape

Keys en la ventana Propiedades de celosía, como se
muestra en la Figura 10-15 , y añadir una clave de forma
Bases haciendo clic en el icono más, tal como hizo con
mallas en el Capítulo 5.

5. Siempre en Modo Objeto, agregue otra forma clave

haciendo clic en el icono del signo más. Con esta clave de
forma (Clave 1) activa, entrar en modo Edición, y editar la
forma de la red, como se muestra en la Figura 10-16 .
Tenga en cuenta que al mover los vértices de celosía, la
malla también se deforma de manera correspondiente.
Editar la red para que el ojo molesta de su zócalo.
Figura 10-15: Modulación por la red, elemento
esencial forma
Figura 10-16: Creación de una clave de forma
reticular
Eso es todo lo que hay que hacer. Puede utilizar las teclas
de celosía de forma en todos de la misma manera que se
utilizan las teclas de malla de forma, incluyendo el
establecimiento de los conductores. Asegúrese de que el
padre del objeto Lattice al globo ocular con crianza objeto
ordinario para que la red se mueve con el globo ocular si
anima al personaje. Una vez que haya terminado esto,
usted está listo para incorporar este efecto en una
animación facial completa, como se muestra en la figura
10-17 . Recuerda lo que dije antes acerca de exageración?
Figura 10-17: Ejemplo del tipo de actuación sutil y
matizada que puedes obtener con deformaciones
celosía
Deformación de malla Modificador
Un modificador de malla Deform comporta de manera
similar a una celosía, pero es más flexible que en su forma
inicial se basa en una malla que usted mismo modelar.
Como una red, se puede deformar una malla utilizando las
teclas de forma o en tiempo real en modo de edición. Sin
embargo, a diferencia de celosías, el deformador malla
también puede ser manipulado directamente con una
armadura pintada y el peso, al igual que cualquier otra
malla. (Es posible controlar una red con una armadura,
pero hay que hacerlo de una manera un tanto indirecta,
utilizando ganchos. Esto se tocó brevemente en el capítulo
15.)
haber caras que faltan o no conectado, y la malla debe
tener un interior bien definido y exterior. En la figura 10-
19 , se puede ver que la malla deformador pierna utilizado
en este ejemplo cumple con este requisito.
Figura 10-18: Una malla de deformación para las
piernas del capitán de Blender

En esta sección, podrás ver un ejemplo de una forma

alternativa de piernas aparejo capitán de Blender usando
un modificador Mesh Deform en lugar de usar una
armadura directamente. En este ejemplo, el modificador
de armadura ha sido borrado de la malla de cuerpo capitán
Blender, por lo que el equipo de perforación no tiene
ninguna influencia directa sobre la malla de carácter.

Para deformar las piernas mediante un modificador de

malla Deformar, primero debe modelar la malla deforma,
como se muestra en la figura 10-18 . Este es un objeto de
malla ordinaria, siguiendo el modelo del cubo por defecto.
Se debe cubrir completamente el área que tiene la
intención de ser deformado por el mismo. Partes de la
malla de caracteres que no están totalmente contenidos en
esta malla no se deforme por ella.

Tenga cuidado si tu personaje es subsurfaced malla, como

en este ejemplo, ya que esto puede causar la malla parecen
más pequeños de lo que realmente es. El unsubsurfaced
"verdadera" caja de edición del modelo de personaje debe
estar completamente encerrado por la malla de
deformación. Además, la malla debe ser deformar una
malla completamente cerrada colector simple. No puede
Figura 10-19: La malla de deformación es una malla Figura 10-20: Presentación de la malla se deforman
colector completamente cerrada. con el inducido

Ahora usted puede agregar un modificador Mesh

Obviamente, la malla de deformación no es diferente de
Deformar al objeto Capitán Blender Mesh cuerpo, como
cualquier otra malla, de modo que te permita a la
se muestra en la Figura 10-21 . Al igual que con el
armadura del mismo modo que lo haría con cualquier
modificador de la armadura, el modificador Mesh Deform
plataforma de malla otro, usando Ctrl + P y seleccionando
debe estar por encima del modificador subsurf de modo
una deformación del inducido con pesas automáticos. Una
que la malla deformada está subdividida. Debe introducir
vez hecho esto, se puede plantear la malla de deformación
el nombre del objeto de malla deforme, en este caso
de la armadura como en la Figura 10-20 . Tenga en cuenta
MeshModObject, en el campo de objetos.
que la malla de Capitán Blender personaje no se apareja a
la armadura.
Figura 10-21: El modificador Mesh Deform cuenta que la unión de la malla puede llevar tiempo. Si
usted tiene una compleja malla de deformación, la unión
puede ralentizar las cosas considerablemente durante un
tiempo. No se preocupe, sin embargo, el equipo
(probablemente) no se ha estrellado.

Para los propósitos de visualización, he puesto el

modificador deformar para mostrar el tipo de pantalla del
cable, como se muestra en la Figura 10-22 . Por supuesto,
en situaciones prácticas aparejos, probablemente haría que
la malla se deforman invisible a los animadores, pero la
vista wireframe es una buena manera de ver lo que está
pasando con la deforman y mallas de caracteres.

Figura 10-22: Visualización de la malla se deforman

con el tipo de pantalla del cable

Antes de que el modificador Mesh Deformar va a

funcionar, tiene que hacer clic en el botón de enlace para
unir la malla carácter a la malla de deformación. Al hacer
esto, cualquier cambio en la malla se deformará deformar
la malla carácter. Si desea editar la malla de deformación
después de este punto, sin cambiar el carácter de malla,
debe desenlazar el modificador y luego volver a enlazar de
nuevo cuando esté listo para volver a usar. Tenga en
Ahora, cuando se plantea la armadura, se obtienen los
resultados que se muestran en la Figura 10-23 . Tenga en
cuenta lo que está pasando aquí. La armadura está
influyendo en la malla deformar, y deformar la malla está
deformando la pierna del personaje. Esto resulta en un
patrón considerablemente diferente de la influencia en la
superficie de la malla de carácter y puede producir
deformaciones más suaves que la influencia directa del
inducido.
Figura 10-23: El deformador malla en acción
Ciertas formas de caracteres pueden beneficiarse mucho
de este tipo de deformación. Por ejemplo, un carácter
redondo con rollos de grasa o algún otro aspecto complejo
a su forma podría no ser bien manejados por el algoritmo
de hueso ponderación automática y podría ser mucho más
fácil de aparejo usando un deformador de malla simple.
Como se puede ver en la figura 10-24 , una cota de malla
se deforma deformar la malla de carácter cuando se edita
en modo de edición. Se puede utilizar esta forma de tecla
para la animación de una manera similar al ejemplo de
celosía que lo vio anteriormente.
Figura 10-24: Deformación en el modo de edición
Softbodies y METABALLS
Si celosías permiten deformar sus mallas como plastilina,
softbodies y metaballs permiten crear Jell-O y limo,
respectivamente. Así, moviéndose a lo largo con el fin de
licuefacción, podrás ver esas dos herramientas en esta Figura 10-25: neumático de repuesto capitán de
sección. Blender

De hecho, las dos herramientas desempeñan papeles muy

diferentes en animación de personajes. Como verás, he
incluido metaballs más como una nota al margen divertida
que como cualquier otra herramienta de animación de
personajes cruciales. Softbodies, por otro lado, puede ser
muy útil para añadir realismo a una variedad de tipos de
caracteres.

Usando Softbodies

El sistema de simulación softbody es uno de los varios

sistemas de simulación de física impresionantes
incorporados en Blender, pero es el único que se busca en
este libro. Como su nombre lo indica, es una manera de
simular la suavidad, rebote y elasticidad en los objetos.
Hay un número de maneras de utilizar el simulador
softbody, pero por lo general lo utilizan para crear un
hinchable, efecto gelatinoso para las partes más blandas de
objetos sólidos.

Capitán Blender pone unos kilos

Para un escaparate ideal de softbodies, volverá a la acción

de salto que ha creado en el capítulo 7, pero con una ligera
modificación. Al parecer, durante unas vacaciones
recientes de hacer el bien, Capitán Blender ganado un
poco de peso, y típico de los chicos de su edad, todo se fue
directo a la barriga. De hecho, ganó tanto peso que ni
siquiera podía encajar en su cinturón de confianza, como
se puede ver en la figura 10-25 .
Yo no voy a ir a cualquier profundidad en el modelado
físico de nuevo Capitán de Blender, ya que era
simplemente una cuestión de empujar un poco verts vuelta
y añadir unas pocas lazos del borde, como se puede ver en
la figura 10-26 . (Al hacer esta modificación en el modelo,
asegúrese de usar Guardar como para no arruinar a su
archivo original.) Lo que están preocupados es cómo
aplicar un simulador softbody al vientre nuevo capitán de
Blender para darle algo de verdad jiggle como él se Seleccione todos los vértices de la malla, y asignar a todos
esfuerza por ponerse en forma con un régimen agotador de al grupo de vértices, asegurándose de que el peso se pone
saltar en su lugar. a 1.

Figura 10-26: ganancia de peso capitán de Blender en Figura 10-27: Softbody vértice grupo
el modo de edición

Para aplicar a la conducta softbody vientre capitán de

Blender, siga estos pasos:

1. Porque quieres que parte de la malla de ser suave y

parte de la malla para retener su forma completa, es
necesario utilizar un grupo de vértices. Con el Capitán
Blender malla seleccionada, pestaña en el modo de
edición, y en los vínculos y ficha Materiales, en Grupos de
vértice, haga clic en Nuevo. Nombre la Softbody nuevo
grupo de vértices, como se muestra en la figura 10-27 .
Usted realmente no desea que todos los pesos a 1. De
hecho, para la parte de la malla que desea suave, a saber,
el vientre, desea que los pesos establecidos a alrededor de
0,25.
2. Entre en el modo Weight Paint y seleccione el grupo de Figura 10-28: Peso pintar el vientre blando
vértices Softbody de los grupos de vértices en el menú
desplegable. Con la herramienta Paint Peso con Juego de
pesas a 0,25 y Opacidad al 0,5, pintar el vientre, como se
muestra en la Figura 10-28 . Esto funciona mejor para usar
X-Axis Mirror. Alrededor de los bordes del área de 0,25,
0,5 pintar en peso. La malla debería ser todo rojo en el
modo Weight Paint, excepto para el vientre, que debería
ser de color verde. El área justo debajo del esternón debe
ser de color amarillo. Cuando termine de pintura de pesos,
vuelva al modo Objeto.

3. En el área de Física Propiedades, haga clic en Agregar

en el panel de cuerpo blando, como se muestra en la
Figura 10-29 . Establezca la configuración de cuerpo
blando y el Objetivo cuerpo blando, como se muestra en la
Figura 10-30 .

Estos son los parámetros generales para el simulador de

cuerpo blando y los parámetros que controlan la cantidad
de simulación se adhiere a la "meta". En este caso, el
objetivo será su grupo Softbody vértice, por lo que entrar
en el campo Grupo Vértice como se muestra.
Figura 10-29: El panel de cuerpo blando 4. Establecer los valores por los bordes de cuerpo suave y
Soft Collision Auto Body como se muestra en la Figura
10-31 . Estos determinan cómo flexible o hinchable los
bordes de la malla son durante la simulación y si y con
qué precisión los colisiona malla con sí mismo.

5. Figura 10-32 muestra la configuración de caché de

cuerpo blando. Estos son los parámetros que controlan el
almacenamiento en caché y la cocción de las simulaciones
blandas del cuerpo.

Figura 10-31: Ajustes para bordes de objetos blandos y

colisión Soft Body Auto

Figura 10-30: Ajustes para el cuerpo suave y Meta

cuerpo blando
Figura 10-32: Ajustes para el caché de cuerpo blando al movimiento del cuerpo del personaje. Para tener esa
información, debe tener acceso a los movimientos creados
por el modificador del inducido. Si piensas en el Capítulo
2, recordar que el orden de los modificadores de malla
está estrechamente ligada a qué tipo de información está
disponible para cada uno. En este caso, la Softbody no
reacciona al movimiento del inducido como es. Es
necesario golpear el modificador Softbody abajo de una
muesca con el botón de flecha hacia abajo en el mismo
modificador de modo que el modificador Softbody sigue
el modificador Armature (ver Figura 10-33 ).

Después de hacer esto, ya está bueno para ir. Vista previa

de la animación para ver el efecto del simulador Softbody.
Figura 10-34 muestra una vista lateral representación
wireframe de varios fotogramas a partir de esta
simulación.

Para obtener información sobre cuáles son los diversos

campos individuales en realidad lo hace, pasa el ratón
sobre el campo y leer la información sobre herramientas
que aparece. Sin embargo, incluso con esta información,
encontrar los ajustes correctos para un uso específico
implica a menudo un poco de ensayo y error, y usted debe
esperar para hacer un montón de experimentación antes de
tener un sentido innato de cómo estos parámetros afectan
el resultado. Desafortunadamente, está más allá del
alcance de este libro para entrar en todos estos parámetros
con más detalle.

6. Ahora tienes el simulador softbody configurar.

Compruebe en su catálogo de modificaciones. Verás que
ha aparecido un modificador llamado Softbody. Sin
embargo, desea que el modificador Softbody a ser sensible
Figura 10-33: El catálogo de modificaciones Figura 10-34: Fotogramas de la animación softbody

Metaballs

Metaballs son esféricas construcciones matemáticas que

se fusionan o adhieran entre sí cuando se colocan dentro
de un conjunto próximo de uno al otro, como se muestra
en la figura 10-35 . Ellos son una herramienta muy
limitado para el modelado, pero sus propiedades de tipo
líquido son muy difíciles de imitar de otra forma.
Figura 10-35: Comportamiento de metaballs de Flubber. Metaballs son la base para el tipo de objeto en
Blender Meta, y los diversos meta-objetos son
esencialmente construido a partir de la metaball básica.

Aunque metaballs no puede tomar un modificador del

inducido, se puede usar hueso de crianza para controlar
los movimientos de metaballs con una armadura si el
modelo metaball está construido de objetos metaball
separados que pueden ser criaron de forma independiente,
como se muestra en la figura 10-36 .

Figura 10-36: La aplicación de una armadura a una

figura parental metaball utilizando hueso

Quizás los ejemplos más conocidos de Hollywood de lo

que metaballs puede ser utilizado para son el carácter
metal líquido en Terminator 2 y el pegote verde animado
Para un padre metaball a un hueso, asegúrese de que la
armadura está en el modo Pose, seleccione el objeto
metaball (Blender vuelve al modo Objeto de forma
automática), seleccione la armadura de nuevo (Blender
vuelve al modo Pose) y, con el hueso deseado
seleccionado , pulse Ctrl + P. Seleccione la opción de los
padres a un hueso.
De esta manera, se puede crear un personaje con
diferentes poses metaballs que también conserva las
cualidades líquidos especiales para metaballs, como se
puede ver en la figura 10-37 .
Figura 10-37: Animated hombre jalea de uva
En este capítulo, he intentado darle un toque de algunas de
las posibilidades para la animación en Blender. Por
desgracia, hay muchas herramientas útiles e interesantes y
trucos que no tengo espacio a cubrir. Usando DupliVerts,
duplipaths y dupligroups, utilizando la curva de
deformación, y utilizar modificadores como matriz,
construir, y estas ondas son temas que merecen un extenso
debate pero que están fuera del alcance de este libro. En el
capítulo 18, que señalan dónde encontrar más información
sobre estas y otras funciones útiles.
De hecho, realmente no hay fin a las posibilidades tanto
para el modelado y la animación mediante el uso de
diversas herramientas Blender. Espero que lo que has
leído hasta ahora ha empezado a abrir el apetito. Es lejos
del final de la historia. En el capítulo 11, veremos los
conceptos básicos de cómo a la luz y hacer que sus
escenas para crear guapos, imágenes completamente
realizados. También verá cómo utilizar el editor de
secuencias de Blender para combinar secuencias de
imágenes renderizadas para crear animaciones realizadas.
Versión traducida de capitulo 11.xhtml
Capítulo 11
Iluminación, renderización y edición de la animación
En este punto, usted ha aprendido los conceptos básicos
de creación y animación de personajes en Blender. Sin
embargo, antes de poder ver las animaciones de la forma
que ha ocurrido, tengo que repasar algunos de los
fundamentos de la presentación y la salida de su trabajo.
En este capítulo, te voy a dar una breve reseña de las
lámparas de Blender y el sistema de iluminación y luego
explicar cómo iluminar tus escenas y personajes. También
voy a describir el proceso de renderizado y hablar acerca
de sus opciones allí. Por último, te voy a dar un poco más
de información sobre el editor de secuencias y le dirá
cómo va a salir terminadas secuencias animadas en el
formato que desee.
Iluminación, renderización y edición son temas que
merecen una atención mucho más de lo que te voy a dar
aquí. En este capítulo se rayará la superficie de lo que hay
que saber sobre estos aspectos de la animación CG y de
las capacidades de Blender en particular. Consulte el
Capítulo 18 para obtener referencias y más información
sobre estos temas.
 Conceptos básicos de iluminación
 Representación de la animación
 Edición en el editor de secuencias
Conceptos básicos de iluminación
Tal vez el área en la que la animación CG es más similar a
la cinematografía tradicional es en la iluminación. Los
métodos utilizados en la iluminación CG reflejar los
métodos utilizados en el cine tradicional muy de cerca. La
iluminación es una cuestión de seleccionar y colocar las
luces y el ajuste de sus valores.
Se puede previsualizar configuraciones de iluminación en
un número de maneras, corto de un renderizado completo.
Usted puede seleccionar los modos de visualización con el
menú desplegable a la derecha de la selección de modo en
el menú desplegable en la cabecera 3D viewport, con el
icono de cubo. En vista sólido, como se muestra en la
Figura 11-1 , aunque el objeto aparece "sombra", esta
sombra es específico de la ventana gráfica 3D Blender y
no refleja la configuración de la iluminación que se
utilizará para representar (usted puede ajustar la
configuración de la ventana en sombra las preferencias de
los usuarios, específicamente, en el área Solid OpenGL
luces en el panel del sistema). Este es el modo de
visualización por defecto, y en la mayoría de los
ordenadores normales es mucho más rápido que trabajar
con cualquier otro punto de vista (salvo, por supuesto,
wireframe).
Para tener una mejor idea de la sombra según la luz real
de la escena, se puede activar el renderizado GLSL GLSL
ventana gráfica, seleccione en el menú desplegable bajo
sombreado en el panel de visualización de la plataforma
3D viewport Propiedades. GLSL viewport renderizado
permite alta calidad de renderizado en tiempo real de
objetos con textura si elige textura Viewport Shading en el
menú desplegable en la cabecera 3D de visualización,
como se muestra en la Figura 11-2 .
Figura 11-1: Vista de Sólido Figura 11-2: modo GLSL vista con textura

Este punto de vista se actualizará en tiempo real a medida

que mueve la lámpara, pero es computacionalmente
costosa, los procesadores de tantos experimentará un
retraso significativo. Algunas tarjetas de vídeo antiguas no
son compatibles con GLSL, por lo que esta opción no esté
disponible.

Estas diversas herramientas pueden ser útiles en la

colocación de las luces, pero me parece que para la
evaluación de la iluminación, no hay nada como una
representación adecuada.
Trucos cuando un objeto de la lámpara está seleccionada. La
figura muestra un ejemplo típico de los botones y los
Una trampa en términos de iluminación de cine es un uso valores de los parámetros para un centro de atención.
anormal o inverosímil de luz para dar el efecto deseado.
Debido a que una película audiencia ve una escena con Figura 11-3: Lámpara propiedades
fronteras fijas y desde ángulos limitados, es posible tomar
muchas libertades, incluso con luces reales (añadiendo las
fuentes de luz que no existirían en la naturaleza, las
fuentes de luz en movimiento de sus "verdaderos"
posiciones, y así sucesivamente ).

Trucos son la norma en la iluminación tradicional, y más

aún en CG iluminación, en la que las luces se mueven
cuesta nada y las luces de agregar costos tiempo de render
adicional única. Sin embargo, es una buena idea tener una
idea de cuándo se está usando cheats y considerar el
efecto final de la iluminación en el espectador. Siempre
tenga una idea de cuál es la situación actual de
iluminación en la escena 3D debe ser y donde el
espectador debe percibir la luz como viene. Debido a que
son, por definición, no natural, los tramposos nunca
debería ser obvio para el espectador.

Lámparas

Luces están representados por la lámpara de tipo de

objeto, que tiene los siguientes subtipos:

 Punto
 Lugar
 Hemi
 Área
 Sol

Las propiedades de la lámpara, que se muestra en la

Figura 11-3 , son accesibles en la ventana Propiedades
Seleccione el tipo de lámpara de los botones en la parte Figura 11-4: Ninguna sombra, la sombra de buffer, y
superior del panel de la lámpara. Debajo de eso, puede las opciones de rayos sombra de las luces
acceder a parámetros tales como la distancia de la
lámpara, la energía, y los valores de color RGB. En el
panel Shadow, se accede a los parámetros que rigen la
forma en que la lámpara proyecta sombras. En el caso de
los proyectores, puede ajustar el tamaño y la forma del
cono del foco en el panel de forma puntual.

El control de propiedades de sombra es una de las áreas en

las que la iluminación CG difiere drásticamente de más
iluminación cinematográfica tradicional. A diferencia de
la realidad, puede cambiar las sombras de una lámpara de
encendido y apagado de forma totalmente independiente
de la lámpara. Además, usted tiene que elegir entre varios
métodos diferentes de cálculo de las sombras. Puede
utilizar cualquiera de las sombras de amortiguamiento,
que son relativamente rápidos y aproximados para el
cálculo de las sombras, o rayos, que reflejen con más Punto de lámpara
precisión las formas y propiedades de los objetos que
emitan las sombras. La lámpara es una lámpara defecto Point (también
conocida como luz omnidireccional) que pueden proyectar
La representación gráfica de la luz en la ventana gráfica sombras ray o tienen sombras completamente desactivado,
3D te dice qué opciones de sombra están activos en la luz. pero no tiene una opción para las sombras búfer. La
En la figura 11-4 , se puede ver las tres opciones activas lámpara Point ofrece ningún control sobre la dirección y la
para un centro de atención, por orden de aparición: distancia del haz de luz. Figura 11-5 muestra un ejemplo
sombra sin sombra, la sombra de buffer, y el rayo. de la luz proporcionada por la lámpara de forma
predeterminada. (Este render utilizado la opción de
Cada uno de los diferentes tipos de lámparas tiene
sombra ray para sombras.)
propiedades específicas y opciones que pueden ser
asociados con él, y cada uno tiene sus propios usos en la
práctica. En esta sección, una breve mirada a las diferentes
lámparas y sus efectos.
Figura 11-5: Iluminación por una sola lámpara
Aunque aproximadamente algo como luces
omnidireccionales es común para lámparas de uso
doméstico y alumbrado público, no hay un montón de
luces omnidireccionales en escenarios de películas y
escenarios teatrales. Pero hay una gran cantidad de focos.
La razón es simple: la iluminación requiere control sobre
dónde se va la luz. Focos dar este control, lámparas
omnidireccionales no.
En el presente ejemplo, con una única lámpara que
ilumina un solo tema, la diferencia es insignificante. Sin
embargo, cuando se tiene más de un tema y se refieren a
encender varias partes de una escena convincente con las
sombras, iluminación y luces de relleno, se ejecuta muy
rápidamente en situaciones en las que no se puede hacer
sin el control que se obtiene con focos. Por otra parte,
debido a que la lámpara ilumina por defecto de un solo
punto, no es apropiado para su uso en su propia luz
ambiente y no es especialmente adecuada para luz de
relleno suave. Así, a pesar de su aparente generalidad, la
lámpara predeterminado es bastante limitada en su
aplicabilidad práctica. Es útil como una luz de apoyo, por
ejemplo cuando se tiene una lámpara en su lugar que
necesita para proyectar sombras omnidireccionales. Pero
para la iluminación real, rara vez uso la lámpara por
defecto.
Lámpara Spot
El centro de atención es el tipo más frecuente de la luz en
la mayoría de situaciones de iluminación. La luz tiene la
misma calidad que la de la lámpara de forma
predeterminada, pero se puede controlar el haz de luz. La
dirección, la distancia, la anchura y la nitidez de la viga
son todos los parámetros que se pueden establecer en el
área de la lámpara botones.
La figura 11-6 muestra la configuración del centro de
atención para los renders que usted verá en las figuras
siguientes. Tenga en cuenta que el lanzamiento de la
atención está claramente representado en el visor 3D.
A diferencia de la lámpara de forma predeterminada,
lámparas spot tiene tres opciones para las sombras. Estas
opciones tienen aplicaciones diferentes, y hay algunas
peculiaridades potenciales a tener en cuenta.
Figura 11-6: Configuración de Spotlight en el visor 3D
Sin sombra
El uso de lámparas con la sombra apagado es un clásico
truco CG. En la Figura 11-7 , se ve un render con sombra
apagado. Tenga en cuenta que el render todavía tiene
lugares que están en la sombra. Simplemente son los
lugares donde la luz no llega. En CG (aunque no en el
mundo físico), el sombreado de los objetos es un
fenómeno totalmente independiente de sombras. Las
sombras arrojadas desde un objeto a otro se calculan por
separado del aumento de la energía en las superficies que
se enfrentan a la fuente de luz.
Figura 11-7: Spotlight sin sombras
Ser capaz de apagar sombras puede ser muy conveniente;
sombras no deseadas son la pesadilla de configuraciones
complejas de iluminación en la iluminación tradicional.
Sin embargo, hay cuestiones a tener en cuenta. Al igual
que cualquier truco, es notable si se utiliza de una manera
obvia.
Si tu personaje está caminando por el desierto bajo un sol
ardiente, la desactivación de sombras no es natural y de
distracción. En general, la fuente de luz que el público
percibe como la principal fuente de luz (que puede o no
realmente podría ser la fuente principal de luz) debe
aparecer para proyectar sombras. Nonshadow luces son Figura 11-8: Primer plano de las sombras de
muy buenas para luces de relleno, sin embargo, ya que amortiguamiento
eliminan el problema del mundo real de las sombras
dobles que se produce cuando se utilizan luces de relleno
que proyectan sombras.

Cuando sombras se apagan, la luz directa afecta a las

superficies de forma natural, pero las sombras que las
formas proyectadas sobre otras superficies no están
calculados. En efecto, los objetos y las partes de los
objetos se vuelven transparentes en relación unos con
otros. En algunos casos, el resultado puede ser
problemática, causando la aparición de las fosas nasales
incandescentes o pelo que parece estar iluminado desde
dentro.

Buffer Shadow

Sombras de búfer trabajo haciendo una escala de grises

hacen de los objetos oclusión desde el punto de vista de la
luz y luego asignar esa imagen en las superficies detrás
del objeto. La sombra proyectada por la cabeza del
personaje en su hombro izquierdo en la Figura 11-8 es una
sombra de amortiguación. Esto contrasta con la selección
natural en la figura anterior, en el que no se echan
sombras.
Sombras tampón puede ser relativamente rápida para
calcular y son a menudo muy eficiente de utilizar. Sin
embargo, en ciertos casos, las limitaciones de las sombras
de amortiguación se hacen evidentes. Buffer sombras sean
emitidos en una resolución fija, la cual debe ser
establecido de antemano. Si la resolución es insuficiente,
la sombra puede llegar a ser pixelada. Sólo la opción
Profundo para las sombras de amortiguamiento apoya la
transparencia, a costa de un mayor tiempo de cálculo.
Ray Shadow Figura 11-9: Primer plano de sombras ray

Ray sombras se calculan mediante el trazado de los haces

de luz emitidos desde la lámpara, de una manera más
estrecha aproximación de la forma en que las sombras
reales se encuentran en la naturaleza. Esto produce las
sombras más precisos, las cualidades de las sombras son
totalmente dependientes de las condiciones de
iluminación.

Las sombras en la figura 11-9 se generaron utilizando

sombras ray. Debido a que sólo hay una fuente de luz, que
son oscuros y claramente definidas, como sería el caso en
la naturaleza. Ellos transmiten definición algo más de la
forma del carácter y manejar la transparencia de los ojos
mejor que las sombras de amortiguamiento profundas en
el ejemplo anterior. Sin embargo, el costo es
considerablemente más largo el tiempo de render con
escenas más complejas, por lo que las sombras de
amortiguamiento son a menudo la mejor alternativa.

Hemi Lights

Luces Hemi proporcionar una fuente de luz muy difusa, lo

que significa que los rayos de luz se dispersan y se mueve
en muchas direcciones diferentes. Esto es típico de la luz
en muchas condiciones del mundo real, en el que gran
parte de la luz que se ve se refleja. A este respecto, las
luces hemi son tanto más "naturalista" de manchas y
mucho menos naturalista porque no existe en la naturaleza
de la lámpara que es capaz de producir el tipo de
iluminación que ilumina hemi producir.
En la Figura 11-10 , se puede ver la figura iluminada por Figura 11-10: lámpara Hemi
una sola bombilla hemi, colocado en el mismo lugar que
el lugar de la anterior renders. Tenga en cuenta que,
aunque hay una tendencia a que los aspectos más
destacados a estar en el lado derecho de la figura y las
sombras para estar en el lado izquierdo, en realidad no hay
zonas completamente iluminadas en cualquier parte de la
figura.

Hemis a veces son útiles para fines no descritos,

iluminación utilitarios. Poner un Hemi en un archivo con
los resultados del modelo en un inofensivo y
completamente visible hace de su modelo, y es una buena
opción para un ligero defecto para un modelo cuando el
modelo en sí mismo es el énfasis de la representación. No
es una muy buena opción para la iluminación grave, sin
embargo, porque va a resultar en una apariencia plana y
sin vida, como en el render en la Figura 11-10 .

La luz hemi generalmente no es muy bueno para la

exhibición de objetos o para la iluminación de escenas
complejas. Cuando se trabaja con animación, sin embargo,
en el que se intenta reducir los tiempos de render por
imagen tanto como sea posible, una luz hemi puede ser
útil como una forma rápida, aunque no muy precisa, luz
de relleno al aire libre. Cuando se mantienen a baja
intensidad y se combina con una buena luz clave para el
sol, que puede ayudarle a producir transitable hace más
rápido que con otros métodos. Una hemi coloca en el
espacio 3D ilumina toda la zona mostrada. No importa
donde la luz hemi realmente es. El hemi es sensible
solamente al ángulo en el que se coloca. Todos los sujetos
de la escena se ilumina exactamente desde el mismo Figura 11-11: dom lámpara
ángulo, independientemente de su posición con respecto a
la hemi.

Dom lámpara

La lámpara solar tiene las mismas propiedades uniformes

direccionales como la lámpara hemi. Al igual que el hemi,
que se traducirá en un ángulo de iluminación uniforme
para todos los sujetos en una escena, independientemente
de la posición de la lámpara en el espacio 3D. Todo lo que
importa es el ángulo de la lámpara. Esto se asemeja al sol
en que la luz solar, debido a la distancia de su origen, se
comporta como una fuente de luz dirigida de manera
uniforme. Las diferencias entre el sol y las lámparas hemi
es que la luz del sol sólo de una sola dirección, y que
puede habilitar sombras ray con una lámpara solar. Como
se puede ver en la Figura 11-11 , la iluminación es mucho
más marcado que el del hemisferio.

A pesar de su nombre, la lámpara solar en realidad no

producen lo que normalmente consideramos como el sol.
Usted necesitará algo más que una lámpara solar solo para
iluminar una escena al aire libre soleado convincente. Lo
principal de la lámpara solar proporciona es una manera
de iluminar varios objetos a partir de una dirección
uniforme, por ejemplo la proyección de sombras paralelas
con fuente de luz única.
Área de lámpara Figura 11-12: Área luz

Lámparas de área representan la luz que emana de una

gran superficie y se puede utilizar en determinadas
circunstancias, para representar el tipo de luz que viene
del sol, la luna, o una explosión. Estas luces son también
de uso frecuente en la representación arquitectónica para
mostrar la luz de las ventanas o de los bancos de luces
fluorescentes y en fotos de la cámara o en cualquier
situación en la que un fotógrafo de la vida real o cineasta
usaría difusores.

Como se puede ver en la Figura 11-12 , un área de luz

produce un baño amplio de la luz y puede ser útil para
iluminar a alguien mirando en un refrigerador o de haber
sido secuestrado por extraterrestres, pero es poco probable
para convertirse en su primera elección para los
personajes de la lámpara de iluminación en la mayoría de
las situaciones.

Configuraciones de iluminación

En la mayoría de los casos, debe utilizar más de una

lámpara de iluminación para los sujetos. Con escenas más
complejas, es casi una necesidad. Para la iluminación más
simple posible, una lámpara Hemi es difícil de superar,
pero no dará lugar a la representación más atractivo. Otra
opción es usar la oclusión ambiental, como se verá más
adelante en esta sección.
Iluminación de tres puntos
Tres puntos de iluminación implica el uso de tres
lámparas, por lo general Spots, con la iluminación
principal proporcionada por la luz principal, sombras
suavizadas por una luz de relleno de baja energía, y
destaca siempre alrededor de las partes sombreadas de la
forma de luz de fondo, como se muestra en la Figura 11 -
13 .
Figura 11-13: tres puntos de instalación de alumbrado
Cualquier libro de texto de introducción a la iluminación
para cine, la fotografía, o CG inevitablemente abarcará
tres puntos de iluminación. Se trata de un enfoque tan
ubicuo y reconocido ampliamente a la iluminación que se
ha convertido casi en un cliché. Esto, combinado con el
hecho de que casi nunca ocurre en la naturaleza y que ha
caído en desgracia con los cineastas que trabajan en estilos
naturalistas, ha llevado a una especie de reacción en su
contra entre algunos profesionales de la CG.
Tres puntos de iluminación no es naturalista. Pero
entonces, tampoco lo son los ojos micrófonos ocultos,
balas a cámara lenta, o elásticos cabezas humanas. Son
todos los casos de licencia artística tomada con realismo
para conseguir un efecto visual. Como tal, la iluminación
de tres puntos pueden tener utilidades muy eficaces.
Tres puntos de iluminación se desarrolló como una forma
de utilizar la luz para resaltar y definir la forma, que es un
objetivo básico en el cine temprano y sigue siendo un
objetivo básico en la mayoría de la animación 3D. Debe
ser considerado como una herramienta importante, pero
también hay que tener en cuenta que el uso rígido de tres
puntos de iluminación puede dar un "retrato de estudio"
mirada a su trabajo, por lo que debe utilizarse con
prudencia.
El render se muestra en la Figura 11-14 se utiliza la
configuración de iluminación de tres puntos de la figura
anterior. En la Figura 11-15 , se puede ver el efecto de
cada luz. En el primer render, sólo la luz de la tecla está
encendida. Esta principalmente ilumina el objeto, pero
deja al otro lado del sujeto completamente en la oscuridad
y sin definir.
Figura 11-14: Un renderizado con tres puntos de
iluminación
La segunda imagen muestra el efecto de sólo la luz de
relleno de baja energía a la izquierda del personaje. Esta
luz sirve para reducir la intensidad de las sombras y se
lleva el resto de la cara a la vista. Tenga en cuenta que
incluso con dos puntos, el contraste es mucho más
marcado que con una sola lámpara hemi, como se vio
anteriormente. También tenga en cuenta que la luz de
relleno no está configurado para proyectar sombras. Usted
no quiere sombras dobles.
Figura 11-15: Romper la instalación de tres puntos:
luz principal, luz de relleno y luz de fondo
El render tercero muestra la luz de fondo único, que ayuda
a llevar a cabo la definición de las áreas que están en
sombra relativa y añade un aspecto dramático a la escena
que falta sólo con la luz principal y de relleno.
Dicho sea de paso, mostrándole cada luz individual es una
cosa importante para ser capaz de hacer e implica una
característica muy útil, pero no demasiado obvio. Con
configuraciones de iluminación complejas, a menudo se
quiere ver el efecto exacto de cada luz en forma aislada o
de algún subconjunto de luces en forma aislada. Para ello,
se utiliza el menú de iluminación especiales que se accede
con la tecla W en el visor 3D en el modo Objeto.
Cuando aparezca el menú Specials, se le presentará con al
menos dos opciones (más, si le sucede que tiene una luz
seleccionada): Restringir el Render no seleccionados y
Borrar todo Restringir Render. Elegir Restringir Render
no usado como se muestra en la figura 11-16 se suprimen
el efecto de todas las luces que no están seleccionados en
ese momento. En este caso, la escena renderizada será
iluminado sólo por la luz principal. La elección de la
opción Clear All Restringir Render será el escenario para
ser iluminada normalmente por todas las luces activas.
Figura 11-16: La opción Restringir Render Unselected
Uso de capas y grupos de luz
Luces de engaño es una parte muy importante de la
creación de buenas escenas CG, y por esta razón hay una
variedad de maneras de hacerlo. Dos de las más
importantes son las capas y los grupos de luz. En el panel
de propiedades de la lámpara para cada luz hay una capa
Esta casilla de verificación sólo. Si se selecciona esta
opción, la única luz que ilumina los objetos que comparte
con una capa.
Para un mayor control, puede asignar un grupo de luz a
los materiales individuales. En la ventana Propiedades del
material, en el panel Opciones, hay un campo llamado
Grupo de la Luz. En primer lugar, el grupo de las luces en
la vía ordinaria que desea afectar ese material. Cuando se
introduce el nombre del grupo en el campo Grupo de la
Luz para ese material, sólo las luces de ese grupo tendrá
un efecto sobre ese material.
Oclusión Ambiental
A pesar de que no involucran directamente a las luces,
oclusión ambiental (AO) vale la pena mencionar en una
discusión de la iluminación. AO es un enfoque de la
iluminación o el sombreado de una escena en la que la
iluminación se calcula totalmente basado en la geometría
de la escena. Se hace la suposición de que la escena está
iluminada con luz perfectamente difusa (dispersado
aleatoriamente) y que la cantidad de oclusión (oscuridad)
de una superficie puede ser estimada en base a la
proximidad de la superficie para otras superficies.
Si usted mira alrededor de la habitación en la que estamos
ahora, probablemente se dará cuenta de que las áreas muy
abiertos, como paredes están más iluminadas de las
esquinas de la habitación y que los recovecos entre los
objetos, como los espacios entre los libros de una
estantería, son más oscuros que otros lugares. Es probable
que esto sea cierto para casi cualquier configuración de
iluminación ordinaria, y por esta razón, es posible simular Figura 11-17: Tres puntos de iluminación sin oclusión
sin tener en cuenta las luces en una escena. ambiental, iluminación de tres puntos con oclusión
ambiental (multiplicativo) y oclusión de ambiente
AO se puede activar en la ventana de Propiedades del único (aditivo)
Mundo, mediante la selección de la casilla en la ficha
Oclusión Ambiental. Figura 11-17 muestra tres casos que
ilustran el efecto del AO. La primera imagen muestra la
configuración de la luz de tres puntos de la sección
anterior sólo, sin ningún efecto AO. A causa de la luz de
fondo, la sombra de la luz de modelaje es muy débil. En la
segunda imagen, AO se utiliza con la opción Multiplicar
para oscurecer algunas superficies en base a su
proximidad a otra geometría. Observe que los bordes de
los pies están ligeramente sombreados donde se
encuentran con el suelo, resultando en una apariencia más
anclado. Este es un beneficio principal de AO. En la
tercera imagen, AO aditivo se utiliza por sí solo para
iluminar la escena, con las tres luces discapacitados. Esto
produce una iluminación perfectamente difusa sin reflejos Representación de la animación
y con sombreado basa totalmente en la geometría de la
escena. Rendering implica el cálculo de todas las diversas
informaciones Blender sabe acerca de la iluminación y los
AO por sí solo puede proporcionar una fuente de materiales de una escena y producir una plena realización,
iluminación muy atractivo, sobre todo para la la representación visual detallada, es decir, una imagen, de
visualización de modelos, con énfasis en su forma. La la escena. El procesamiento es análogo a tomar una
desventaja principal de AO es que se puede añadir el fotografía de la escena.
tiempo de render considerable.
Cuando se trabaja en la vista 3D, la escena es
necesariamente muy simplificado. Rendering te da el
verdadero negocio, con reflejos, transparencias, efectos de
difracción, tira, y todas las otras cosas que normalmente
no ver mientras usted está trabajando en su escena.

Dependiendo de la complejidad de la escena, el número de

vértices, y los efectos de luz que desea emular, el proceso
de renderizado puede tomar un tiempo y ocupar una gran Figura 11-18: Render ventana de propiedades
cantidad de recursos informáticos. Con escenas de
complejidad moderada, pronto descubrirá que una
consideración importante en cómo usted va sobre la
creación de la escena es para asegurarse de que se puede
representar en un período razonable de tiempo en el
hardware disponible para usted. Esto es especialmente
cierto para la animación, que requiere muchos marcos
para ser representada.

Render Propiedades

La ventana de Render propiedades le permite configurar

los diferentes parámetros y opciones para renderizar tu
escena. Esta ventana se muestra en la figura 11-18 .

El panel Render simplemente contiene los botones para

representar una imagen fija y una animación completa y le
permite seleccionar el modo en el render resultante se
mostrará. El valor predeterminado es para que se muestre
en una ventana del Editor de Imagen.
La pestaña Dimensiones ofrece opciones para el tamaño y
la relación de aspecto de la representación. En el panel
Salida, se identifica la ubicación en el disco duro en el que
la animación termine hace que se enviará y el formato de
archivo en que se guardará. El defecto es el directorio /
tmp /, que se crea automáticamente si no existe ya. Esto
está bien para muy casual hace, pero si usted está
haciendo el trabajo que usted quiere hacer más, por
ejemplo, haciendo una secuencia de imágenes fijas con la
intención de luego las secuencias en el editor de
secuencias, es una buena idea establecer un directorio
específico para el proyecto (también, Mac OS X toma en
serio el aspecto temporal y borra el contenido de / tmp /
startup).
Puede configurar un directorio específico con sólo poner
el nombre del directorio de salida deseado en el campo
superior de la ficha Salida. Tenga en cuenta que el nombre
del directorio debe finalizar con una barra inclinada o
barra invertida (Blender considera tanto el mismo aquí)
para especificar que es un directorio, como se puede ver
en la Figura 11-18 . Sin esto, el nombre se trata como un
prefijo de nombre de archivo simple, y los archivos se
colocan en el directorio anterior. La doble barra que se ve
en la figura 11-18 es la abreviatura del mismo directorio
que el archivo. mezcla se guarda.
Formatos de salida
La pestaña Output también ofrece opciones para el tipo de
archivo en el que la salida de la animación renderizada. El
tipo puede hacer una gran diferencia, así que asegúrese de
seleccionar el formato de salida apropiado para lo que
estamos tratando de hacer.
Películas y fotografías
La primera decisión que deberá tomar es si se debe
imprimir el archivo en una película o en un formato
todavía. La mayoría de las personas quieren que su
animación eventualmente estar en algún tipo de formato
de película, pero esto no significa necesariamente que
usted debe seleccionar un formato de película de aquí al
renderizar la animación.
Representación en una secuencia de imágenes
independientes todavía tiene la ventaja de que es fácil de
detener y comenzar la representación en el medio por
cualquier razón (que simplemente recoger una copia de
seguridad haciendo que el siguiente fotograma de la
última fotografía prestados), que no se puede hacer con
más formatos de película. Si, por cualquier razón, usted
debe matar a medio camino render, es probable que pierda
la salida todo si se trataba de un archivo de película.
Recuerde también que la animación de representación es
probable que tomar horas, incluso días (en realidad, el
cielo es el límite), en un equipo normal. Si usted tiene un
corte de luz tres días después de un render de una semana,
es posible que desee tener esos tres días el valor de
fotogramas. Trabajar con secuencias fijas es muy fácil en
el editor de secuencias de Blender. Usted puede hacer su
inicial vuelve a imágenes fijas y luego hacer la secuencia
a un archivo de película en el editor de secuencias. Para la
reproducción rápida de secuencias de imágenes fijas, el
reproductor de video de código abierto DJV Imaging no
puede ser mejor.
Cuando finalmente rendir a un formato de película,
seleccione un formato con el grado adecuado de
compresión. Formatos sin comprimir archivos como AVI
Raw creará archivos extremadamente grandes. A menos
que sepa con seguridad que desea un archivo AVI Raw,
no recomendamos seleccionar esta opción. Si usted está
haciendo una película para su presentación en la Internet,
una buena opción es AVI Codec, con un codec apropiado
seleccionado. MPEG4 es un códec compacto y comunes
para este tipo de archivo.
Canal Alfa
Una de las ventajas que ciertos formatos tienen sobre otros
es la presencia de información del canal alfa. Además de
los valores RGB, formatos determinados, tales como PNG
y Targa (pero no JPEG o TIFF), permiten un valor para
determinar la transparencia de las partes de la imagen. Por
defecto, el fondo, que aparece en azul hace, tiene un valor
alfa de cero cuando se representa a estos formatos
utilizando la opción RGBA en la ficha Formato de los
botones de renderizado. Como se verá en la siguiente
sección, esto es a menudo necesario para las tareas de
composición.
Off-Site Rendering
Como se mencionó anteriormente, el proceso de
conversión es muy exigente con los recursos informáticos.
Aunque se puede hacer mucho en un ordenador personal
normal, ciertas cosas aumentan en gran medida la
memoria y el tiempo necesario para hacer sus escenas.
Altas contador de vértices, un gran número de partículas,
efectos de iluminación, como la oclusión de ambiente o
iluminación indirecta, antialiasing, algunos efectos de
desenfoque de movimiento, y otros factores pueden crear
un escenario que lleva años para hacer y trae la mayoría
de ordenadores personales a sus rodillas. Incluso las
escenas bastante simples pueden convertirse fácilmente en
computacionalmente costosa si este tipo de efectos están
presentes.
Representación sigue siendo una de las zonas de
prohibición de la animación, sin embargo, las opciones
disponibles están aumentando. ResPower ofrece la
prestación de servicios para los usuarios de Blender, en la
actualidad con opciones tan bajas como $ 25 por mes, con
la posibilidad de retirarse en cualquier momento. Este
precio es exclusivo para los usuarios de Blender, y el
paquete de $ 20 por mes para los usuarios de Blender
límites rinde a un máximo de 15 minutos por cuadro, pero
sus nodos de computación son lo suficientemente
poderosos que el servicio es muy útil incluso teniendo en
cuenta esta restricción. Otras opciones de bajo costo
también están disponibles para los usuarios de Blender
que requieren más tiempo de render por cuadro, hasta 90
minutos por frame por $ 125 al mes. Visite el sitio Web en
www.respower.com para el precio hasta al día y ofertas.
Otra posibilidad prometedora para la representación fuera
de la planta es un proyecto recién está comenzando a crear
redes distribuidas de representación, que hacen uso del
tiempo muchos usuarios distintos de inactividad del
procesador. El Proyecto de Prestación grande y feo
(BURP) está basada en la Infraestructura Abierta de
Berkeley para Computación en Red (BOINC), que es un
software que permite a las tareas de cálculo intensivo para
ser compartidos a través de una gran red de computadoras,
usando el tiempo libre del procesador de muchos
diferentes máquinas para completar las tareas de manera
más eficiente que si un solo equipo estaban trabajando en
ello. Los miembros del proyecto BURP permitir
procesamiento en red por hacer en sus equipos con una
prioridad baja cuando los equipos no están siendo
utilizados y acumular puntos hacia la prestación de su
trabajo con una prioridad más alta en la red. Composición
y uso de BURP son gratuitos. En la actualidad, se
encuentra en desarrollo BURP Beta, por lo que hay
algunas limitaciones para su uso. Aún así, vale la pena
mantener un ojo en. Usted puede ver el proyecto en
http://burp.boinc.dk/.
Edición en el editor de secuencias
A menudo es deseable para hacer que los cuadros de
animación a archivos de imagen individuales y para
concatenar en secuencias en una etapa separada mediante
el editor de secuencias. Es posible que desee romper las
cosas aún más que cuadros individuales, haciendo que
ciertas partes de una sola imagen por separado de otras
partes y unirlas más tarde, antes de hacer un render
secuencia final. Esto se llama la composición, y Blender
tiene una muy potente basada en nodos sistema de
composición que puede utilizarse para trabajos de
composición avanzadas. El sistema de nodos está más allá
del alcance de este libro, pero se puede llevar a cabo
tareas simples de composición sin usar nodos, y yo te
mostraré un ejemplo simple, para dar un ejemplo de cómo
funciona el editor de secuencias.
Antes de iniciar el editor de secuencias, me hizo el ciclo
de ejecución del capítulo 7 y envió sus archivos de salida
en el directorio / / hace / run /, como se describe en la
sección anterior. También me hizo una segunda animación
fondo simple en el directorio / / hace / fondo /. Me hizo
tanto para archivos PNG, y para la animación a pie Usé la
opción RGBA para asegurarse de que la imagen en primer
plano tenía información alfa codificado. Usted puede
encontrar los alambiques prestados en los archivos
descargados que acompañan al libro, lo que le ahorrará el
tener que hacer esto usted mismo hace.
Adición de contenido multimedia
Para utilizar el editor de secuencias, tendrá dos instancias
de la ventana del editor de secuencias abrirá en su área de
trabajo. Una de las ventanas debe establecerse en vista de
secuencias, y el otro se debe establecer en la ventana de
vista previa de imagen. Seleccione Secuencia de vista con
el extremo izquierdo de los tres botones de vista de la
cabecera. Preliminar de la imagen se selecciona con el
botón central.
En la vista de secuencia, pulse Shift + A para agregar una
tira de secuencia. Como se puede ver en las opciones aquí,
hay una serie de posibilidades para el tipo de medio que
puede agregar. Seleccione Imágenes en el menú Sequence
Franja Agregar y vaya a la / / hace / run / directorio en la
ventana del explorador de archivos (o donde los
fotogramas renderizados de su primer plano se encuentra).
Seleccione todos los archivos en el directorio con la tecla
A, y pulse Enter. Esto le llevará de nuevo a la vista de
secuencias, con una tira nueva secuencia en el remolque
que representa los archivos que acaba de seleccionar, en
orden. Arrastre de modo que las líneas del marco por
primera vez con el fotograma 1 en la línea de tiempo. Con
las teclas de dirección, ahora se puede mover a través de
la línea de tiempo y ver la animación en la ventana de
vista previa de imagen, como se muestra en la Figura 11-
19 .
lo que sus valores RGB. El compuesto resultante se parece
a la imagen previsualizada en la figura 11-20 .
Ahora puede hacer que la secuencia tal y como aparece en
la ventana de vista previa de imagen.
Figura 11-20: Un compuesto simple con Alfa Bajo
Sonar
Como se vio en el capítulo 8, se puede añadir archivos de
sonido en el editor de secuencias para la sincronización.
Puede crear una remezcla de los archivos de sonido en el
editor de secuencias y la salida como un archivo de
sonido.
En el próximo capítulo, usted tendrá una breve mirada
poderosa capacidad de Blender Python scripting y
aprender a utilizar los scripts de Python existentes en la
actualidad para hacer su trabajo como animador más fácil.
Los nodos Composite
Además de lo que le permite crear nodos basados en
materiales, sistema de nodos de Blender le permite aplicar
avanzadas técnicas de composición de la imagen que están
estrechamente integradas con el gasoducto de render. Una
de las fuentes básicas de entrada para los nodos
Composite es Render Layers. En la ficha Capas en el área
de botones de render, puede separar elementos de la
imagen para que se prestan a diferentes capas de render y
de esa manera se puede utilizar como entradas separadas
en los nodos compuestos. Al seleccionar Composite en los
botones de renderizado y comenzar un render, la salida
será el resultado final de la red de nodos compuestos.
Para utilizar nodos de composición, abra una ventana del
Editor de Nodos, mueva el botón nodos Composite icono
(el botón con el icono de Materiales está activada de
forma predeterminada) y seleccione los nodos utilizan. Al
hacer esto, una capa de render nodo de entrada para la
capa de render 1 y un nodo compuesto aparecerá. Usted
puede agregar nuevos nodos pulsando Shift + A y
seleccionar el nodo que desee en el menú. Aquí es una
configuración muy simple nodos con dos capas de render.
Render capa 1 incluye el primer plano con el mono, y
hacer que la capa 2 incluye un plano sobre el que se apoya
el mono. Éstos se representan por separado. La salida de
la capa 2 se utiliza como entrada para un nodo de filtro de
desenfoque, y la salida borrosa de este nodo se utiliza
como telón de fondo en un Alpha Over nodo, que
establece el mono rinda sobre el fondo. La salida de este
nodo se envía al nodo de compuesto, que se convierte en
la salida final. El nodo visualizador puede estar unido a
cualquier punto de permitir una mejor visión de la
compuesta en ese punto. Tanto la salida del espectador y
la imagen compuesta también se puede ver en la ventana
de editor UV / Image.

Más detalles sobre el uso de nodos compuestos está más

allá del alcance de este libro. Ver el Capítulo 18 para
consejos sobre dónde ir para obtener más información.
Versión traducida de capitulo 12.xhtml
Capítulo 12
Python scripts y add-ons
Python es un de alto nivel orientado a objetos lenguaje de
scripting. Potente y relativamente fácil de aprender, es una
elección obvia como un lenguaje de programación
estándar para una aplicación de código abierto 3D como
Blender. Con scripts de Python, puede automatizar una
gran cantidad de interacción con los objetos y escenas 3D
y añadir funcionalidad sin necesidad de tocar el código
real de Blender. También es una buena manera de probar
la nueva funcionalidad que luego pueden ser incorporados
en Blender C / C + + fuente.
Con los cambios en Blender 2.5, el API para los
desarrolladores de Python ha sido completamente revisado
y una nueva interfaz para extender la funcionalidad de una
forma totalmente transparente a través de add-ons se ha
añadido. En este capítulo, echaremos un vistazo al sistema
de add-ons y ver algunos de los complementos
disponibles. El resto de este capítulo se ofrece una breve
descripción de cómo funciona en Python Blender y
señalarle a recursos para aprender más. Las personas con
alguna experiencia en programación encontrarán Python
para Blender relativamente fácil de aprender.
 Con Add-Ons
 El Blender Python API
 Aprender más acerca de Blender Python Scripting
Con Add-Ons
La licuadora complementos sistema permite a cualquier
persona para extender la funcionalidad de Blender de una
manera totalmente transparente. Antes de la versión 2.5, la
integración de scripts de Python en la interfaz era más
difícil, con limitaciones en la forma en que podría
integrarse. Con complementos, sólo tiene que activar el
complemento que desee en las preferencias del usuario y
la funcionalidad esté disponible en una forma sencilla e
intuitiva en la interfaz. Usted no tiene que pensar acerca
de la carga o la ejecución de scripts, y usted nunca tiene
que ver incluso cualquier código si no quieres. Bajo el
capó, esto fue posible gracias a importantes cambios tanto
en la interfaz de Blender y la API de Python que se han
traducido en casi todos los valores de Blender está
disponible para su uso en scripts de Python. Esto ha
creado un sistema muy potente para extender la
funcionalidad y prototipos.
Vale la pena señalar que Blender 2.5 y el renovado API de
Python es relativamente nuevo. Todas las funcionalidades
de Blender guión anterior ha sido reescrito desde cero.
Algunos de los viejos guiones (como la escultura) ya han
sido despedidos por los avances en la funcionalidad
principal de Blender, y la mayoría de las secuencias de
comandos importantes han sido portados ya. Sin embargo,
los scripts y add-ons están todavía en fase de desarrollo
muy activo, y puede haber áreas de funcionalidad de las
escrituras anteriores que aún no han sido actualizados.
Esto es particularmente cierto de terceros scripts.
Activación de Add-Ons
Puedes activar complementos a través del panel de
complementos en la ventana de Preferencias de Usuario
(Ctrl + Alt + U), como se muestra en la Figura 12-1 . A lo
largo de la izquierda de este panel hay una lista de add-on
categorías. Al hacer clic en uno de estos botones, se limita
el listado a esa categoría. En la figura, selecciona Todo,
dando una lista desplegable de todos los complementos
disponibles.
Figura 12-1: El panel de Add-Ons en ventana
Preferencias
Puede expandir cada entrada de la lista haciendo clic en el
icono de flecha a la izquierda de la entrada para ver una
descripción del complemento de funcionalidad. Se activa
el complemento, haga clic en la casilla de verificación a la
derecha de la entrada. Al hacer esto, la funcionalidad de
complemento se agrega inmediatamente a Blender.
Si eso es todo lo que hacen, la funcionalidad del
complemento desaparecerá la próxima vez que reinicie
Blender. Si desea que la funcionalidad que persista
durante futuros períodos de sesiones, haga clic en el botón
Guardar como predeterminado en la parte inferior de la
ventana User Preferences.
La instalación de Add-On botón le permite utilizar
terceros add-ons que descarga desde otros sitios o crear
usted mismo.
Algunos útiles Add-Ons
El mejor resumen de la funcionalidad disponible add-on
es el panel de Add-Ons. Los complementos están
claramente organizados en categorías significativas y se
nombran de una manera que da pistas fuertes para su
funcionalidad. Ampliación de la descripción debe darle
toda la información que necesita para saber lo que el
complemento hace. Te sugiero explorar esta lista por su
cuenta para ver las muchas características interesantes y
útiles disponibles.
La categoría Vista 3D incluye la funcionalidad de diversas
conectado a la visualización del espacio 3D y organizar
objetos en el espacio. Herramientas de alineación, la
navegación y la visualización se puede acceder aquí, así
como algunos menús antiguos utilizados en las versiones
anteriores de Blender que se han suspendido o
reorganizadas en la interfaz 2.5. Figura 12-2 muestra la
funcionalidad del Panel de Medida add-on, que permite la
visualización de la distancia exacta entre los objetos para
la colocación de precisión.
Figura 12-2: La Medida add-on Figura 12-3: El Galore Con curvas add-on

Figura 12-4: El Paisaje ANT add-on

La curva en Agregar y agregue categorías de malla
proporcionan primitivas de objetos adicionales para la
curva y los objetos de malla. El Galore Con curvas add-on
se muestra en la Figura 12-3 , por ejemplo, le permite
agregar prefabricadas primitivas paramétricas de curvas
de estrellas, ruedas dentadas, flores, patrones de
salpicaduras, y otras formas. El paisaje ANT add-on para
mallas permite agregar automáticamente generadas
modelos de paisaje, como se muestra en la Figura 12-4 .
La categoría de animación incluye un método alternativo
para crear claves de corrección de forma y RotoBézier el
add-on, que permite la animación fácil de formas curvas
(esto es particularmente útil cuando rotoscopia para la
composición, pero tiene muchos otros usos posibles
también).
La categoría Import / Export extiende importación
estándar de Blender y funcionalidad de exportación, lo
que permite una mayor variedad de tipos de archivos que
puede leer y escribir en.
La categoría de malla se extiende malla bloque de datos
relacionados con el modelado de malla y funcionalidad
relacionada.
La categoría incluye la funcionalidad de varios objetos
que se ocupa de alguna manera con objetos 3D a nivel de
objeto. Esta categoría incluye el generador de nube add-on
para la creación de nubes, como la que se muestra en la
Figura 12-5 .
Figura 12-5: Una nube creada con el generador de
nube add-on
Las otras categorías son Render, Rigging, Sistema y texto,
todos los cuales contienen en la actualidad sólo uno o dos
complementos cada uno. El Rigify add-on en la categoría
Rigging debe ser familiar para usted. Usted aprendió
acerca de ello en el capítulo 4.
El Blender Python API
La mejor introducción a la API de secuencias de
comandos con Blender se encuentra en el sitio web oficial
de Blender También hay un excelente hilo en el foro
Blender Artists en
http://blenderartists.org/forum/showthread.php?t=164765 .
En el momento de escribir estas líneas, la API sigue
siendo algo sujeto a cambios, y está más allá del alcance
de este libro para dar una introducción en profundidad a
Python scripting. La documentación oficial web es un
excelente punto de partida si desea intentar su mano en
secuencias de comandos.
Una referencia más cerca a la casa de la API de Python es
Blender Blender. Es posible que ya se han dado cuenta de
que la información sobre herramientas mouseover mostrar
una línea de código de Blender para la mayoría de los
elementos de la interfaz de Blender, como se muestra en la
Figura 12-6 . Además, si se tira por la ventana barra de
información en la parte superior de la configuración de
pantalla predeterminada para mostrar su contenido, verá
que se imprima la llamada Python para cada operación
que haces en la pantalla, como se muestra en la Figura 12-
7 . Si quieres saber la llamada Python para girar un objeto,
basta con girar el objeto y ver qué consigue la salida a esa
ventana.
Figura 12-6: Python llamada que aparece en el texto de
ayuda para material Añadir
Figura 12-7: llamadas de Python muestra en la
ventana de información
Aprender más acerca de Blender Python Scripting
Para utilizar estas referencias útiles Blender Python, usted
tendrá que saber por lo menos lo básico de programación
Python. Usted puede encontrar un montón de tutoriales en
línea sobre la sintaxis de Python. Capítulo 6, "Python para
impacientes", de mi libro Mastering Blender ofrece una
introducción rápida y fácil de los conceptos básicos de
Python. Aunque el Blender Python API descrito en otros
capítulos de este libro ya está obsoleto, la introducción
general a Python que figura en el capítulo 6 sigue siendo
una opción para mojarse los pies con Python. Usted puede
encontrar una alternativa mucho más a fondo en la
documentación oficial en la página web de Python en
http://docs.python.org/py3k/tutorial/index.html .
Sin embargo usted decide empezar, no se necesita nada
más que Blender 2.5 de hacerlo. Un gran desarrollo nuevo
en Blender 2.5 es la adición de un completo y funcional
incorporado en Python interactiva interfaz de línea de
comandos, se muestra en la Figura 12-8 . Muchos
tutoriales introductorios Python supone que está
trabajando en un entorno de línea de comandos. En el
pasado, se habría necesitado un entorno de desarrollo
independiente fuera de Blender para trabajar de esta
manera. Ahora todo lo que necesitas está allí.
Figura 12-8: built-in de Blender línea de comandos
Python
Una vez que tenga una manija en Python, usted será capaz
de crear su propia funcionalidad ampliada para Blender.
Las posibilidades son realmente infinitas, así que espero
que esta breve visión general ha despertado su interés.

Parte III de este libro echa un vistazo a cómo Blender ha

sido utilizada en proyectos de gran envergadura, que
requiere la reutilización y el intercambio de datos 3D. En
cuanto a cómo el Sintel y equipos Plumíferos maneja estas
tareas dará una visión aún más en cómo utilizar las
herramientas de Blender para crear proyectos de primer
nivel de animación.
Versión traducida de capitulo 13.xhtml
Capítulo 13
Los frutos de la libertad: Películas abiertas y
Contenido Abierto
Software como Blender no se pueden desarrollar en un
vacío. Es imperativo que los desarrolladores trabajar de la
mano con artistas altamente calificados, dedicados a
mejorar el software de la manera que realmente importan
a los creadores. Los desarrolladores de Blender, Ton
Roosendaal dirigido por, han tomado este hecho en serio.
Fue por esta razón que el Instituto Blender fue establecida
como una entidad para poner Blender para su uso en
producciones reales, totalmente realizados. En los últimos
cinco años, el proyecto Blender Open Movie ha producido
tres películas impresionantes cortos, un juego, y una serie
creciente de DVDs de entrenamiento por parte de los
usuarios de Blender mejores profesionales en el mundo,
todos lanzados como contenido abierto bajo licencias que
permiten copiar libremente y volver a utilizar el material
que desee. Este capítulo presentará estos proyectos y sus
orígenes.
También echaremos un breve vistazo a algunas de las
preguntas relacionadas con el uso de software libre en la
producción profesional. A veces hay malentendidos acerca
de las implicaciones del uso de software de código abierto
en proyectos con fines de lucro, y las discusiones sobre la
liberación de contenido bajo una licencia de Creative
Commons a veces puede oscurecer el problema aún más.
Este capítulo finaliza aclarando que estas licencias son
diferentes y lo que podría significar para usted y su
proyecto.
 El Instituto Blender
 La licuadora Abierto Movie Project
 Licencias libres y de código abierto para el software
y contenido
El Instituto Blender
Uno de los peligros de los proyectos impulsados por
desarrolladores de programación es que se puede perder
de vista las necesidades de los usuarios normales. Esto
puede ser más o menos de un problema en función de la
naturaleza del software. Si el software es utilizado
principalmente por los desarrolladores altamente
cualificados en sí, entonces no es probable que sea un
problema. Si el software es una aplicación ampliamente
utilizada como un navegador, el equipo de desarrollo debe
tener necesidades de los usuarios ordinaria en
consideración. En el caso del software 3D, la base de
usuarios de destino es más estrecho y más calificados que
los usuarios del navegador, pero su conjunto de
habilidades primaria no es la programación, es la creación
de contenido 3D. Esto presenta un reto especial. Software
3D creado sin el aporte constante de usuarios calificados y
altamente activas tienen pocas probabilidades de seguir
siendo relevante para la comunidad de usuarios.
Por esta razón, asegurar que Blender se utiliza en
producciones reales ha sido parte del modelo de desarrollo
de Blender por año. Con la creación de Elephants Dream
en 2006, Blender Blender desarrollo y la producción
basada en la película animada de haber tenido una relación
simbiótica, con artistas altamente calificados y
desarrolladores de software altamente cualificados (y en
algunos casos, los individuos que están altamente
cualificados ya que ambos trabajan) lado a lado para espíritu. Ambos reconocen la importancia de compartir
mejorar el software. ideas y basándose en el trabajo previo como aspectos
esenciales del proceso creativo, al tiempo que protege el
En 2007, el Instituto Blender fue establecida como una derecho de los creadores para recibir crédito por su trabajo
entidad relacionada pero independiente de la organización y para mantener un cierto control sobre los usos
no lucrativa Fundación Blender. La Fundación Blender es potenciales.
ahora sólo se ocupan de la parte de desarrollo de software
de la ecuación, mientras que el Instituto Blender ocupa de Elephants Dream
las preocupaciones más comerciales y potencialmente
riesgosas, como la producción de contenido abierto, El primer proyecto para crear una película abierta fue
capacitación y comercialización. El trabajo más excitante nombrado Orange, y la película resultante fue Elephants
que el Instituto Blender Blender hace es abrir la película Dream (ver Figura 13-1 ). Esta película fue producida
de las producciones cinematográficas del proyecto y el directamente por la Fundación Blender, y su éxito fue el
correspondiente Blender Taller Abierto de la serie de factor de motivación para la creación del Instituto
películas DVD de entrenamiento. Blender. Elephants Dream fue producido por Ton
Roosendaal, fundador de la Fundación Blender y
La licuadora Abierto Movie Project desarrollador principal de Blender. La película fue
dirigida por Bassam Kurdali.
El proyecto Blender Open Movie tiene varios objetivos. El
primero es dar a talentosos artistas de Blender una Figura 13-1: Proog en Elephants Dream
oportunidad para crear su mejor trabajo con la mayor
libertad posible en un entorno profesional bien apoyado.
La segunda es la mejora de Blender, proporcionando
intensivo, de alta calidad retroalimentación de los
usuarios, informes de errores, y el apoyo financiero para
los desarrolladores. La tercera es la producción de
contenido de alta calidad abierto para mostrar las
capacidades técnicas de Blender y de servir como material
didáctico para la comunidad de usuarios de Blender. Para
cumplir con estos objetivos, tenía sentido para liberar la
obra de arte creada con el proyecto de contenido abierto
bajo la licencia Creative Commons.

Aunque la licencia Creative Commons y la GPL no están

La película fue pensada como un vehículo para demostrar
relacionados legalmente, están estrechamente alineadas en
el potencial de Blender en una producción a gran escala y
también para estimular el desarrollo de Blender en áreas
en las que se puso de manifiesto debilidades. La
producción de la película se vio obligado además a la
utilización exclusiva de software de fuente abierta para
todos los aspectos visuales de la película (la música no
estaba sujeto a esta limitación), lo que significa que la
funcionalidad que no pudo ser adecuadamente encuentran
en otros programas de código abierto, como profesional
calidad de composición de vídeo, tuvo que ser integrado
en Blender.
La película en sí es una pieza oscura y enigmática del arte
surrealista. La historia sigue el viaje de dos hombres
extraños a través de las entrañas de un mundo mecánico
extraño y peligroso, explorando los drástica (y
eventualmente fatal) formas en que los dos hombres
perciben su entorno. Sin duda, la historia no es de todos
taza de té. Los creadores de Elephants Dream tomó la
libertad que ofrece el software y el lanzamiento de
Creative Commons muy a pecho, dejando de lado
cualquier pretensión de tratar de hacer la película
comercial o accesible en términos generales. En su lugar,
se dio completa libertad creativa y ha creado un
cortometraje que es visualmente impactante y
provocadora temáticamente. A pesar del hermetismo de su
objeto, la película obtuvo una cantidad considerable
atención de la prensa por la forma en que fue creado y
puesto en libertad, incluyendo un artículo en el Wall
Street Journal.
Como una demostración de las capacidades de Blender,
Elephants Dream mantiene muy bien. Utilizando un
modelo de carácter avanzado y herramientas de animación
y funcionalidad especialmente desarrollado composición,
Elephants Dream más que demuestra que Blender está
listo para el prime time, visualmente hablando. Dadas las
restricciones de tiempo y presupuestarias relativas a la
producción y teniendo en cuenta que muchos miembros
del equipo eran relativamente poca experiencia en trabajar
en un entorno de producción, los resultados son
impresionantes. También es evidente a partir de la libre
disposición "making of" entrevistas que el equipo produjo
el trabajo cada vez mejor calidad de miembros se
acostumbraron a trabajar juntos.
La película está libremente disponible en varios formatos,
tanto ordinarias como descargas y archivos como
BitTorrent en el sitio web oficial de la película (
www.elephantsdream.org ). También puede encontrar el
"making of" de las entrevistas y todo el código fuente.
Blend en ese sitio web. También puede comprar el DVD,
que tiene todas estas características, así como los sistemas
NTSC y PAL versiones de la película. El DVD que
acompaña a este libro incluye un vídeo de alta resolución
de la película, así como todas la fuente. Blend.
El proyecto Orange también produjo un video de
capacitación, Mancandy Bassam Kurdali de preguntas
frecuentes, lo que da una descripción detallada de las
técnicas de rigging y animación en el corazón de
Elephants Dream.
Big Buck Bunny
El segundo proyecto fue planeado desde el principio para
ser un poco más dulce y un peletero montón de Elephants
Dream y por lo que recibió el nombre de proyecto Peach.
El equipo de Peach, encabezado por el director Sacha
Goedegebure, quería añadir un nivel de Disney-esque
recurso no está presente en Elephants Dream y adoptar un
enfoque más convencional para contar historias. Estos
objetivos encajaron perfectamente con la meta relacionada
con el desarrollo de poner la funcionalidad de pelo nueva
partícula con el uso riguroso para que sea más estable y
utilizable. El proyecto dio lugar a Peach a la intemperie
película Big Buck Bunny (ver Figura 13-2 ), una
irreverente parodia de todo lo que es lindo y peludo.
Además de los avances en la partícula pelo, Big Buck
Bunny tomó ventaja de las mejoras en muchas otras áreas
de Blender, en particular en las armaduras y el sistema de
aparejo.
Al igual que en el caso de Elephants Dream, la película
fue financiada mediante una combinación de donaciones
externas y las ventas anticipadas del DVD. También,
como en la película anterior, todos los activos digitales,
texturas y archivos. Mezcla de Big Buck Bunny fueron
lanzados como contenido abierto junto con la película.
Los extras del DVD incluyen tutoriales y over-the-hombro
sesiones de artistas.
Figura 13-2: El héroe epónimo de Big Buck Bunny
Stills y clips de Big Buck Bunny hecho un hueco en una
variedad de lugares inesperados. Como el contenido
abierto, que era ideal para su uso como muestra de vídeo
en salas de exposición o en línea. El sitio web de Big
Buck Bunny se encuentra en www.bigbuckbunny.org .
El proyecto Peach también contribuyó a la serie de
películas Taller Abierto de videos de entrenamiento con
DVD dos veces abierta-movie veterano Andy Goralczyk
de entrenamiento Creature fábrica en la creación de
escenas y animación Animación William Reynish de
Carácter Aprendiendo con Blender DVD de
entrenamiento.
Yo Frankie!
El entusiasmo de los usuarios de Blender Game Engine
había construido hasta el punto de que tenía sentido que el
proyecto abierto al lado de ser un juego, en lugar de ver
una película. Los activos y diseños de Big Buck Bunny se
utilizaron para conseguir que el proyecto comenzó con el
pie derecho. El personaje ardilla voladora de Big Buck
Bunny fue promovido a la función de liderazgo para el
Proyecto de albaricoque, que finalmente resultó en el
juego Yo Frankie! (Ver Figura 13-3 ). Como de
costumbre, el contenido fue lanzado como contenido
abierto. Usted puede encontrar más información acerca de
Yo Frankie! en www.yofrankie.org .
Contribución del proyecto Apricot al Open Movie
Workshop llegó en forma de vídeo excepcional Venom
Pablo Vásquez Lab de formación, que se ocupa de una
amplia variedad de técnicas de modelado, texturizado,
iluminación, y otras áreas.
Figura 13-3: Frankie la ardilla voladora patea una este artículo. Echa un vistazo a su página web en
rata en Yo Frankie! www.sintel.org .

Sintel fue lanzado como una caja de cuatro DVD set lleno
de extras, incluyendo horas de valor de videos tutoriales
en profundidad de los miembros del equipo creativo.
Además, el concepto de artista David Revoy lanzó el caos
y DVD Evoluciones formación en la creación de obras de
arte en 2D con el software de código abierto como la
instalación más reciente de la serie de películas Taller
Abierto.

Figura 13-4: Sintel y su amigo dragón bebé

Sintel

La película abre más reciente fue el resultado del proyecto

largamente esperado Durian, llevado a cabo junto con el
desarrollo de la recodificado Blender 2.5. El enfoque de
Durian estaba en acción, simulación física, y la narración
atractiva. Por primera vez, el equipo planteó en un
guionista exterior para asegurar que la historia era tan
sólida como podría ser. El equipo adoptó un estilo más
realista para este proyecto que en las películas anteriores,
inspirado en películas como Final Fantasy: Advent
Children es. El proyecto Durian fue mayor en todos los Mirando hacia el mango y la grosella espinosa
aspectos de los proyectos anteriores, más personas
trabajaron en el proyecto y durante un tiempo más Al leer esto, el Instituto Blender es tan activo como
prolongado. El resultado, la Sintel épico, dirigida por siempre preparando para el Mango próximo proyecto, que
Colin Levy, no me decepcionó. Es una película llena de se centrará en la integración de Blender contenidos
acción corta sobre una fantasía aventurera joven y el creados por CG con acción en vivo metraje.
dragón bebé que ella adopta ( Figura 13-4 ). Está haciendo
las rondas en festivales de cine en el momento de escribir Más allá de Mango se encuentra Gooseberry proyecto, que
actualmente está planeado para ser el primero de la
historia del Instituto Blender largometraje. En el momento
de escribir estas líneas, no más decisiones acerca de ese
proyecto se han hecho públicas, pero sin duda será un
paso emocionante en la historia de Blender Blender y el
Proyecto de abrir la película.
Licencias libres y de código abierto para el software y
contenido
Así como es digno de la comprensión de las similitudes en
espíritu entre las licencias de código abierto de software y
licencias de contenido abierto, también es importante
tener una idea de cómo se diferencian. El contenido
abierto es fundamental para la forma en que el Blender
Institute considera que su misión creativa, pero esto no es
necesariamente el caso de los proyectos de Blender-
hechos. El hecho de que Blender es de código abierto no
tiene incidencia en la concesión de licencias de contenido
realizado con Blender en general (estoy excluyendo el
caso de autónomos juegos creados con el Blender Game
Engine, porque, a decir verdad, la parte de atrás y adelante
sobre este tema hace girar mi cabeza, y en el momento de
escribir estas líneas no estoy del todo claro sobre cuáles
son las opciones para los juegos). En esta sección, espero
dar una breve reseña de lo que algunos se aplican a las
licencias pertinentes y cuáles son sus implicaciones.
Cualquier discusión intento de licencias o temas
relacionados con el derecho de autor debe ser precedida
por la norma descargo de responsabilidad: yo no soy
abogado, y si usted tiene alguna pregunta acerca de cómo
se debe proceder con la concesión de licencias o la
manipulación de los derechos de autor, usted debe buscar
asesoramiento legal cualificado . Cualquier cosa que diga
sobre el tema es exacta al mejor de mi conocimiento, pero
yo podría estar suficientemente informados, fuera de
fecha, o simplemente errónea acerca de los detalles. Voy a
incluir enlaces para referirse a los documentos de origen
en lo pertinente, pero sin embargo, si usted tiene preguntas
legales, usted no debe confiar en este libro sólo por sus
respuestas.
La licencia bajo la que se separa el trabajo codifica los
permisos que se otorgan al público con respecto a tu
trabajo. Independientemente de la licencia que usted elija
para difundir la Obra bajo, usted es el propietario de los
derechos de autor por lo que cree. Los individuos, las
empresas y organizaciones pueden sentirse totalmente a
gusto con el software de código abierto en sus tuberías
creativas, sabiendo que sus propios derechos con respecto
a su trabajo no se verá afectada.
Con esto dicho, vamos a echar un vistazo a estas licencias.
GNU Public License
La Licencia Pública General de GNU (GPL) es una de las
licencias más conocidas y más ampliamente utilizado para
lo que se conoce como software libre o software de código
abierto. Código de Blender es liberado bajo la licencia
GPL. Usted puede leer el texto completo de la licencia
GPL en www.gnu.org / copyleft / gpl.html. La licencia fue
creada por Richard Stallman, quien es conocido por su
defensa de la libre distribución, código libremente
modificable. La GPL dice, en esencia, que el código de
licencia puede ser copiado, modificado y redistribuido por
cualquiera sin restricción, siempre que las modificaciones
estén claramente identificados como tales y que el código
subsiguiente deriva también es liberado bajo la GPL y de
acuerdo con las directrices establecidas en la GPL.
La GPL es bastante estricto en su insistencia de que el
código libre interactuar principalmente con código libre
otro, aunque hay excepciones explícitas se hacen para los
sistemas operativos. Los problemas pueden surgir con el
uso de las bibliotecas nonopen o APIs propietarias, por lo
que los plug-ins de software GPL GPL o derivadas de
plug-ins de software propietario por escrito
potencialmente puede violar la GPL. Otras licencias
existen, como la GPL Limited y la Berkeley Software
Distribution (BSD), que permiten una mayor libertad de
interacción entre el código libre y propietario. Puede
obtener más información acerca de la licencia BSD en
http://en.wikipedia.org/wiki/BSD_license.
El escritor del código siempre conserva los derechos de
autor del código, y aunque esa persona puede liberar no-
GPL copias de su código en cualquier momento y en
cualquier código ya liberado bajo la GPL seguirá siendo.
Por otra parte, con una base de código tan amplio como
Blender, existen numerosos programadores que
contribuyen y los titulares de derechos de autor por lo
tanto, muchos, todos ellos tendrían que estar de acuerdo
para cambiar el estado GPL de futuras versiones de su
código si tal cosa fuera a ser considerados (se no lo es).
La GPL trata de software. En concreto, se trata de
software distribuido al público. Puedes hacer lo que
quieras con código GPL dentro de los confines de su
propio proyecto, y las licencias de código derivado nunca
hace falta ser un problema hasta que usted decide liberar
su código para el mundo. En la casa de plug-ins o
alteraciones no son un problema y no es necesario seguir
todos los criterios especiales. Por otra parte, la GPL no
guarda relación alguna con el contenido creado con el
software. El contenido que usted crea con Blender o
cualquier otro software GPL tiene derechos de autor a
usted en la misma forma que el contenido creado en
cualquier otro tipo de software.
Licencia Creative Commons
La licencia Creative Commons cubre el contenido y es
una opción para licenciar sus creaciones artísticas. La
decisión de licenciar su obra bajo la licencia Creative
Commons es del todo ajeno a las herramientas que se
utilizan para crear la obra. El uso de software de código
abierto no le obliga a revelar su obra está bajo una licencia
de Creative Commons.
Existen varias alternativas para las licencias Creative
Commons. Usted puede licenciar su trabajo sea copiado
libremente, pero requieren que el trabajo se atribuye a
usted y que las copias de su trabajo se limita a usos no
comerciales. Puede permitir usos comerciales, sino que
requieren la atribución o se puede relajar el requisito de
atribución.
Si quieres que la gente pueda copiar libremente, mostrar y
distribuir su trabajo en la Web, sin temor a las
repercusiones de derecho de autor, la liberación de su obra
está bajo una licencia de Creative Commons no comercial
podría ser una buena opción. Usted es el propietario del
copyright, y usted puede revocar la licencia en cualquier
momento. El uso propio de la obra (por ejemplo, si la
venta o la licencia es para su difusión) podría tener un
impacto sobre si puede seguir para liberarlo bajo la
licencia Creative Commons si los objetos comprador o
emisora.
Blender Artistic License
La licencia de Blender artística es una variante de la
licencia Creative Commons y se aplica a las imágenes, los
archivos. Mezcla y animaciones. Permite la copia y
modificación de archivos con algunas restricciones para
asegurar la atribución. Material alojado en la página web
www.blender.org se requiere para ser liberado bajo esta
licencia o la licencia de contenido abierto más permisiva.
Al igual que en el caso de la licencia Creative Commons,
la liberación de trabajo bajo esta licencia es voluntaria por
parte del creador y no implica el uso de Blender para
hacer el trabajo.
Versión traducida de capitulo 14.xhtml Descargas de torrent desde la página web oficial del
proyecto en www.elephantsdream.org .
Capítulo 14
Figura 14-1: Proog y emotivo en Elephants Dream
Una mirada dentro de las películas de Blender abiertas

Es difícil exagerar los beneficios para la comunidad y

Blender que han surgido de proyectos Open Movie la
Fundación Blender y sus películas resultantes, Elephants
Dream, Big Buck Bunny, y Sintel. No es la menor de estas
ventajas son las oportunidades para aprender sobre el cine
de animación en Blender que ofrece la versión libre de la
original "fuente" de archivos: los archivos. Mezcla
utilizada para producir la película para el público. Blogs
en línea para los proyectos también son una maravillosa
manera de mantenerse al día con los desarrollos a medida
que avancen los proyectos. En este capítulo, echaremos un
vistazo al proceso y ver algunas de las técnicas detrás de
las escenas. Como se puede ver en las representaciones wireframe de
los dos caracteres que se muestran en la Figura 14-2 , la
 Aprender de Elephants Dream estructura de la malla del cuerpo de cada personaje es
 Rigs no humanos en Big Buck Bunny y Sintel deliberadamente irregular y frágil aspecto. La estructura
 La línea de producción de malla de la ropa del personaje, en particular, los tramos
y racimos y remolcadores de una manera que sugiere que
Aprender de Elephants Dream el material está a punto de romperse. Pantalones Proog
son cansado y flojo, apilado hasta ligeramente alrededor
Los dos protagonistas de Elephants Dream (ver Figura 14- de los tobillos y las pantorrillas, mientras que la chaqueta
1 ) son otra cosa que el típico peluche estrellas de cine de Emo parece estar tan mal ajustada y con mucha presión
animación. Los personajes son inquietante y desagradable; como para llamar a la mente una camisa de fuerza.
Proog es un irritable, dominante, y muy probablemente
anciano demente, mientras Emo es un llorón, un poco de Los círculos que ver en todo esto. Blend indican fuerzas.
aspecto enfermo hijo varón. Los dos son difíciles, la gente En particular, se ve muchas guías de curvas utilizadas para
nervioso, incongruentes, y estas características se guiar el cabello del personaje. Con la plataforma Capitán
expresan en la forma en que los personajes están Blender, sólo arañado la superficie de lo que se puede
modelados. Los archivos de producción están disponibles. hacer con el pelo de las partículas y las guías de la curva,
con algunas guías para crear un peinado muy simple.
Guías curvas son una herramienta de gran alcance pero
laborioso. Cuando necesite un poco de cabello efectos más
complicados o realista, como en estas mezclas,
rápidamente se descubre que necesita una gran cantidad
de guías de la curva. Para más información sobre cómo los
efectos Elephants Dream pelo se llevan a cabo, le sugiero
que pasar algún tiempo con estos archivos, editar y ajustar
las guías curvas diferentes.
Figura 14-2: Emo y mallas Proog
La figura 14-3 muestra algunos ejemplos de las claves en
forma emotivo. (También se ofrece una visión muy clara
de las guías de la curva que influyen en el peinado Emo en
los viejos tiempos antes de que el sistema de partículas
cabello se ha actualizado para Big Buck Bunny. Como se
puede ver, a la vez, los efectos de cabello incluso bastante
rudimentarios eran extremadamente difíciles de obtener.)
El enfoque de la animación facial tomada por los
modeladores de personajes Elephants Dream es similar al
enfoque que he descrito en el capítulo 8, usando las teclas
orientadas de forma para obtener la mayoría de las
expresiones.
Figura 14-3: Algunas teclas de forma de la cara de
Emo
A pesar de que la armadura y el sistema de rigging en
Blender se ha mejorado mucho y las técnicas utilizadas
aparejo se han refinado en posteriores películas abiertas,
es instructivo examinar las técnicas de aparejos utilizados
en Elephants Dream para conocer a fondo la forma de
resolver los problemas de aparejo más avanzadas.
La figura 14-4 muestra armadura Emo. La primera imagen
muestra sólo los huesos necesarios para hacer de base de
todo el cuerpo que presenta, la segunda imagen muestra la
armadura completa con todas las capas óseas muestran.
Un animador nunca debe tocar ni ver a muchos de estos
huesos. Se utilizan para una variedad de funciones.
Algunos de ellos son utilizados como "huesos del
ventilador", que se mueven sobre la base de los
movimientos de los otros huesos para darle mayor control
sobre las deformaciones articulares; otros huesos se
utilizan para otros fines funcionales dentro de la armadura.
Figura 14-4: armadura de Emo
Observe el uso de formas óseas personalizados aquí. El
hueso para controlar el giro de las caderas de Emo, por
ejemplo, tiene la forma de una caja aplanada alrededor de
sus caderas. El hueso de la raíz de la armadura aparece
como una base de compás de tipo circular para el carácter,
y los controles de pie tienen la forma de las partes de los
pies que ellos controlan.
Otro enfoque de la mano y del pie Rigging
Para la plataforma Capitán Blender, que ha creado la
plataforma automáticamente utilizando el Rigify add-on.
Esa funcionalidad no estaba disponible para los creadores
de Elephants Dream, y se acercaron al reto de la mano y la
manipulación de pie de una manera diferente a la forma en
que se llevan a cabo en Rigify. Los equipos de manos y
pies en Elephants Dream son muy sencillos y permitir un
alto grado de control y facilidad de posar. Para la jarcia
ordinaria carácter bípedo, todavía recomiendo Rigify, pero
la comprensión de las plataformas descritas aquí será muy
útil para usted cuando usted necesita para resolver un
problema de manipulación que no se aborda
automáticamente por Rigify.
Manos
En la Figura 14-5 , se pueden ver los huesos se deforman
básicas de los dedos. Los tres huesos de cada dedo forman
una cinemática inversa (IK) de la cadena, con la punta del
dedo del hueso como el solucionador IK (indicado por la
línea punteada que se extiende desde el hueso resaltado a
la base del dedo índice en la Figura 14-5 , la objetivos IK
no se muestran). Tenga en cuenta que los huesos más
pequeños que ven se ramifican en los nudillos son huesos
ventiladores utilizados para corregir deformaciones de
malla. Voy a hablar de los huesos del ventilador en breve,
pero por ahora se puede hacer caso omiso de ellos.
Figura 14-5: Finger huesos se deforman formar una Figura 14-6: huesos IK diana están conectados a la
cadena IK. base de los dedos.

Uso de cadenas IK para los dedos no es una mala idea,

pero puede hacer que sea difícil conseguir que los dedos
se doblen constantemente de la manera correcta. Lo que
hace la mano Elephants Dream plataforma interesante es
cómo el objetivo IK se utiliza. En la Figura 14-6 , se ve el
objetivo IK. El solucionador de la yema del dedo IK IK es
limitada al hueso del dedo de longitud resaltada, que a su
vez está conectado / criaron a la misma hueso de la mano
a la que se criaron a la raíz de la cadena IK dedo. Con esta
configuración en su lugar, es posible girar simplemente
este controlador de dedos de tener todo el dedo seguir la
rotación. Lo que es más, la ampliación de este hueso en
pose modo con los resultados clave en flexión o extensión
del dedo, como se puede ver en la figura 14-7 . Figura 14-
8 muestra una actitud de la mano con los huesos deforman Figura 14-8: Posando es sencillo con esta configuración
oculto de sólo los huesos que se encuentran necesario IK.
plantear la mano se muestran. Esta es una muy buena
solución a dedo posando.

Figura 14-7: La ampliación de las curvas de destino IK

del dedo.

Pies

Al igual que con la plataforma de la mano, el pie

plataforma para los personajes Elephants Dream logra
mucho con una configuración relativamente simple, sin
usar las limitaciones de acción. Figura 14-9 muestra la
estructura ósea completa de los pies de B-bones vista. El
aspecto más notable inmediatamente de los pies es el uso
de formas de huesos personalizados para identificar el
hueso dedos de los pies, los huesos del pie representados
por la parte del talón, y los huesos del tobillo
representados por los huesos pequeños, redondeados
personalizados a la parte posterior de la articulación del
tobillo. (Estoy dejando caer el L_ anterior y R_ de los
nombres de los huesos aquí.) Estos huesos personalizados
son los únicos huesos que el animador tiene que tocar.
Figura 14-9: las plataformas de pie para Proog
En la Figura 14-10 , se puede ver una vista de la torre de
pie de un lado y en vista octaedro. En la figura, la figura
14-10a muestra la plataforma de pie como lo que
realmente es, y la figura 14-10b muestra que explotaron y
etiquetados para aclarar la ubicación y las relaciones de
los huesos. Las líneas de puntos indican crianza
nonconnected. Huesos conectados se muestran en sus
posiciones correctas, unido por las coyunturas de los
huesos de sus padres. Las relaciones padre principales
aquí son entre el hueso del pie y sus hijos nonconnected.
Estos incluyen el hueso dedos del pie y del tobillo. Tenga
en cuenta la colocación y la posición del hueso del tobillo.
Su ubicación real es algo diferente de la forma del hueso
donde personalizada. Parenting el hueso dedos de los pies
para el hueso del pie permite que la punta del pie para
seguir el movimiento global del pie y también permite que
la punta del pie para ser subido y bajado mediante la
rotación del hueso del pie. El hueso del tobillo controla el
ángulo del hueso foottop través de una restricción de
rotación en Copiar en el hueso foottop, dirigido al tobillo.
El hueso foottop también está limitado para que apunte al
tobillo por una restricción IK. El hueso del tobillo es
también la matriz del hueso conectado legIK, de esta
manera, levantar y bajar el hueso del pie controla la
posición del objetivo IK para la pierna, permitiendo que el
pie se mueva alrededor.
El hueso del tobillo, siendo un niño de pie, también se
pueden girar de forma independiente, como se puede ver
en la figura 14-11 . En la figura 14-11a y b se puede ver el
resto pose y la postura del talón en marcha de este hueso;
Figura 14-11c muestra la posición real del hueso (ya que
los huesos pueden ser personalizados de formas
arbitrarias, no siempre es posible ver donde el pivote y la
influencia de un hueso son sin mirar el hueso en su forma
original). Tenga en cuenta que en la ventana de
propiedades de transformación de todas las
transformaciones están bloqueados en este hueso excepto
por la rotación X. Girando este hueso tiene dos efectos
principales: plantea el extremo superior del hueso,
aumentando así legIK y doblando la pierna para acomodar
el pie elevado, y gira la parte superior del pie, que está
obligado a seguir la rotación del tobillo. En la figura 14-11
, también se puede ver el comportamiento de los huesos
del ventilador de pie, que voy a discutir en breve.
Figura 14-10: Los huesos del pie Figura 14-11: rotación del tobillo: a) no hay rotación,
b) en un talón-up pose, c) que se muestra sin forma de
hueso personalizado
Figura 14-12 muestra una pierna simple pocos plantea que
hay que mover el pie con el hueso del pie, levantando el
talón con el hueso del tobillo, y la elevación del dedo del
pie mediante la rotación del hueso del pie. Recordemos
que estos dos últimos son los mismos movimientos para
los que utilizan las limitaciones de acción en la plataforma
Capitán Blender creado en el Capítulo 4.
Figura 14-12: Pierna plantea que implica el hueso del
pie
Bones Fan
Fan huesos son huesos utilizados para mejorar
deformaciones por mitigar el efecto localizado de una
articulación en un ángulo agudo inducido. En algunos
casos, pueden ser utilizados en lugar de o además de la
forma del hueso enfoque orientado clave con el fin de
mejorar las deformaciones articulares, como se discute en
el capítulo 5.
En la pierna plantea se muestra en la Figura 14-13 ,
huesos visibles ventilador se indican con flechas. El hueso
del ventilador en la derecha (más posterior en la figura)
del tobillo no es visible debido a que el hueso se ve
limitada a no gira. Los huesos del ventilador más
evidentes en esta imagen son los que se extienden por
debajo de las rodillas, los huesos del ventilador son
también visibles a la izquierda (en relieve) y tobillo
ligeramente visible en la punta de los pies, donde las
curvas del dedo del pie. Los dos huesos del ventilador del
pie se denominan footmid y anklerot. Aunque estos
huesos están limitados a copiar la rotación de footbot y
foottop, respectivamente, la influencia de la restricción de
rotación de copia se fijó en 0,5 en lugar de 1,0. Lo mismo
es cierto del hueso del ventilador que se extiende desde la
rodilla, que está alineado con el hueso de la pierna inferior
en reposo pose y configurado para copiar la rotación de la
pierna inferior con una influencia 0,5. Esto proporciona un
nivel intermedio de rotación, como se puede ver en la
figura. Estos huesos deben ser huesos se deforman, por
supuesto, porque su propósito es suavizar el efecto de la
articulación en la malla.
Figura 14-13: huesos del ventilador Figura 14-14: chaqueta Proog en acción

Chaqueta de Proog

Personajes que viven no son las únicas cosas que a

Una de las cosas más interesantes de esta configuración es
menudo necesitan armaduras. En Elephants Dream,
como la chaqueta incorpora un modificador softbody para
chaqueta Proog tiene una especie de vida propia. Además
ayudar en su simulación de tela. En Blender, simulación
de ser modificada por la armadura Proog para seguir los
de tela no se ha aplicado plenamente (aunque el trabajo
movimientos del cuerpo Proog, la chaqueta tiene su propia
está en marcha). Ordinaria softbodies Blender actualmente
armadura para regir la manera en que la tela se cuelga y
carecen de la capacidad para calcular la auto-colisión y
responde al movimiento, como se puede ver en la figura
además se desacelerará a calcular con gran número de
14-14 .
vértices.
Aparejo chaqueta Proog de las obras en torno a estos
problemas al hacer los cálculos softbody en un invisible,
de bajo poli "revestimiento" para la camisa, que se
muestra seleccionada en la figura 14-15 . Tiene muy
pocos vértices para computar, por lo que se pueden hacer
cálculos softbody muy rápidamente con ella, sino que se
coloca en relación con la capa de manera que imita la
forma de la camisa real debe colgar si fuera suave.
efecto softbody se puede aproximar por la chaqueta, sin
atender a los diversos problemas que vendrían con poner
un modificador softbody directamente sobre la chaqueta.
Figura 14-16: Un vacío es vértice-emparentada a la
cola de la guarnición.

Figura 14-15: Low-poly softbody "forro" para la

chaqueta

Para permitir que la cortina de este revestimiento de bajo

poli para controlar el paño de la chaqueta real, se vacía
son vértice-criaron a verts en el revestimiento, como se
muestra en la figura 14-16 . El vacío destacar es vértice-
vértice vinculado con el faldón. Por último, este vacío se
asigna como un objetivo para el hueso IK solver destacó
IK se muestra en la Figura 14-17 . Esta armadura controla
el movimiento de la malla chaqueta real. Mediante el uso
de este método de crianza de los hijos-vert vacía objetivo
IK al forro chaqueta softbody en varios lugares clave, un
Figura 14-17: El vacío se hace entonces el objetivo IK Texturizado Proog
para el coxis de la chaqueta.
Sin lugar a dudas, uno de los rasgos más llamativos y
distintivos de Elephants Dream es la atención casi
obsesiva a las texturas. Bien hecho texturizado añade una
nueva dimensión de realismo a cualquier escena en 3D, y
está claro que los creadores de Elephants Dream eran muy
conscientes del aumento de valor de la producción que se
puede alcanzar por texturado.

En cuanto a los personajes, texturas Emo es

probablemente el más obvio de inmediato debido a su
coloración extraña y arrugas incongruente, lo cual es
sorprendente en tal forma de la cara de aspecto juvenil,
pero es el más sutil y natural textura del carácter Proog
que parece especialmente interesante.

En la Figura 14-18 , se ven los tres principales imágenes

de textura para la cabeza Proog: la textura de color (por
desgracia reproducido aquí en blanco y negro), la textura
bump mapa y la textura especular. En la textura del color,
rosas diferentes, rojos y azules mentir sobre una capa de
En futuras versiones de Blender, es probable que el tono de piel rosado. Las venas se dibujan ligeramente en
enfoque de la rotonda de los padres a resolver los azul, y las áreas claras y oscuras representan las
conocimientos indígenas se vacía a vértices ya no será variaciones de tensión piel.
necesario para lograr un efecto similar debido a que los
programadores están trabajando en un sistema que
permitirá una malla, como la baja poli-liner, para
deformar directamente otra malla, tal como la capa de alto
poli en este ejemplo. Esto sería una mejora práctica y
hacer que este enfoque aún más atractivo.
Figura 14-18: imágenes de textura para la cabeza
Proog de: color, bump mapping, especularidad
La textura de mapa de relieve muestra las áreas de
depresión y elevación de la cara, creando arrugas,
protuberancias y hendiduras. Las venas de luz en la frente
coinciden con las venas azuladas en el mapa de color para
elevarlas ligeramente de la superficie. Gris neutro no tiene
ningún efecto sobre el valor normal de la malla base.
Rigs no humanos en Big Buck Bunny y Sintel
Aunque los personajes de Elephants Dream eran seres
humanos normales (por lo menos en forma), posteriores
películas abiertas tienen una mayor variedad de formas de
caracteres. Big Buck Bunny en particular tenía animales
dibujos animados como los que se muestran en la Figura
14-19 . Las proporciones de estos personajes eran no-
humano, y fraude involucrado consideraciones especiales
tales como tratar con el movimiento de las orejas y la
grasa. Además, los personajes alados empezaron a hacer
acto de presencia, como el ave se muestra en la figura 14-
20 . Sintel llevó las cosas un paso más allá, con personajes
de fantasía dragón (el dragón adulto se muestra en la
figura 14-21 y el dragón bebé se muestra en la Figura 14-
22 ), que fueron sin precedentes en la naturaleza en los
papeles principales, muy activos.
Figura 14-19: Big Buck Bunny y la chinchilla

Las áreas claras en el mapa especularidad aparecen en el

render final como más brillante que las áreas oscuras. Al
crear esta textura, el artista tuvo en cuenta factores como
el exceso de grasa de la piel, tirantez de la piel, y la
cercanía de la piel a los huesos. Esta textura sigue a los
otros dos, pero no está tan altamente contrastado que el
mapa de relieve. Asimismo, se presta atención a áreas
como los bordes de las orejas, las cuales tendrán una
especularidad ligeramente mayor que en otras zonas, pero
no son de particular interés para la cartografía chichón.
Figura 14-20: El pájaro de Big Buck Bunny
Figura 14-21: Sintel y el dragón
Figura 14-22: Sintel bebé del dragón
La plataforma de ave para Big Buck Bunny en realidad
tenía un predecesor Blender basada en los Plumíferos
película argentina de características, que usted lee en el
capítulo 16. La plataforma pájaro aquí fue inspirado en
gran parte por la plataforma podrás leer en ese capítulo.
Como se puede ver, el animador controla muestra en la
figura 14-23 son simples, pero la deformación del ala es
más complejo, como se muestra en la figura 14-24 .
Consulte el Capítulo 16 para una más profunda mirada a
las aves aparejos.
Algunos equipos de otros vale la pena mirar de Big Buck
Bunny es la plataforma de mariposa se muestra en la
figura 14-25 y el Frankie la plataforma Ardilla Voladora.
Puede descargar estas dos plataformas (como todas las
grandes plataformas de Buck Bunny) individualmente en
www.bigbuckbunny.org en la sección de descargas. La
plataforma mariposa destaca por su amplio uso de B-
huesos, un tipo de hueso que lamentablemente no se
analiza en este libro. B-activas huesos a los huesos de Figura 14-24: huesos de las alas para el ave
segmentos individuales de una manera que los hace
flexible. Esto puede crear más flexibles y plataformas
hinchables.

Figura 14-23: controles animador para el pájaro

Figura 14-25: Butterfly plataforma modo de control. Figura 14-27 muestra las posiciones
diferentes para el control de modo, desde completamente
bípedo completamente de vuelo.

Figura 14-26: controles animador de la ardilla

voladora

La plataforma ardilla voladora es notable, ya que permite

cambiar fácilmente entre las formas de caracteres
diferentes para cuando la ardilla se está comportando
como un bípedo caminando sobre la tierra y para cuando
él se comporta como un animal volador, la plataforma
también permite modificar el punto de giro de la columna
vertebral con el fin de animar una gama completa de
movimiento, ya que hace cosas como oscilación de los
árboles, dar la vuelta alrededor, volar y caminar. Figura
14-26 muestra la plataforma con los controles de CI para
las cuatro extremidades, la columna pivote de control, y la
Figura 14-27: modos de conmutación para la ardilla
voladora
La línea de producción
El equipo básico de Orange constaba de ocho personas,
entre ellas el compositor de bandas sonoras / diseñador de
sonido. Los otros siete en el equipo de todos trabajaban
con Blender como productor, director, director de arte,
director técnico, y tres artistas de plomo. Además de estos
miembros del equipo de producción, varias otras personas
se les atribuye contribuyendo cantidades más pequeñas de
obras de arte, animación y asistencia en la creación de
texturas. Las siguientes empresas abiertas proyecto de la
película han sido, sucesivamente, más ambicioso, con un
número creciente de participantes y que abarcan períodos
progresivamente un mayor tiempo para la producción.
Todos los equipos de producción también se basó en gran
medida en la comunidad de desarrolladores de Blender en
general.
Figura 14-28: carácter precoz y el concepto de obra de
arte para Sintel por David Revoy
En cualquier producción, el proceso comienza con un
concepto. Los diversos proyectos tienen adoptado
diferentes enfoques al respecto. En el caso del Proyecto de
Orange, el equipo creativo llegó al concepto de Elephants
Dream de una manera muy colaborativa vez que el
proyecto ya comenzó. Con Big Buck Bunny, la historia es
un concepto global originada principalmente con el
director Sacha Goedegebure y luego se perfeccionó con la
participación del equipo. En el caso de Sintel, un concepto
de la historia original fue propuesto por el famoso
dibujante holandés Martin Lodewijk, que sirvió como
punto de partida para la guionista Esther Wouda crear un
script con el aporte del director Colin Levy y otros Figura 14-29: arte Sintel personaje de David Revoy
miembros del equipo. Sintel era también la primera
película abierta a la utilización un artista dedicado
concepto 2D, David Revoy (David es también un artista
Blender Blender cuyo trabajo aparece en la galería de este
libro, pero por Sintel se centró exclusivamente en las
ilustraciones 2D). En este sentido, cada película abierto ha
representado un avance no sólo en la tecnología 3D
utilizada pero en el proceso de conceptualización de la
película desde el principio.

En todos los casos, la fase de pre-producción es un

periodo importante, en el que artistas y técnicos deben
reunirse y decidir sobre muchos aspectos de la forma en
que la película se hizo y lo que se verá así. Artistas 2D son
importantes en este momento para la elaboración de
concepciones iniciales de los personajes, objetos y
lugares. Figuras 14,28 y Figura 14-29
MUESTRATUARTE concepto de Sintel por David
Revoy.

El software de código abierto 2D Gimp jugado un papel

importante en esta etapa en todas las producciones. Para
Sintel, David también se utiliza MyPaint y Alquimia, dos
aplicaciones de código abierto más 2D arte. Clay se utilizó
en Elephants Dream para crear modelos 3D de los
personajes principales antes de modelar en el ordenador
(ver Figura 14-30 ). Figura 14-31 muestra un concepto en
2D para el dragón en Sintel.
Figura 14-30: Proog en arcilla Figura 14-31: arte del dragón concepto de David
Revoy

La mayoría de las producciones de mediana y gran escala,

trazar la secuencia de disparos gráficamente con un guión,
que es la mejor manera para que el director pueda
comunicar visualmente ideas e intenciones a los
animadores. Artistas lograr este proceso mediante el uso
de software de dibujo 2D como Gimp o simplemente
dibujando storyboards en papel, que a menudo lo hacen
para publicar los guiones gráficos en una pared para que
muchos se pueden ver de forma secuencial a la vez.
Después de storyboard, el equipo crea un animatic 2D,
que es una versión animada muy aproximada de un
storyboard, para ayudar a visualizar cómo los elementos
que aparecen en pantalla se moverá en relación unos con
otros. Elephants Dream no ha utilizado un animatic 2D, en
parte debido a limitaciones de tiempo en la fase de pre-
producción, pero las otras dos películas hizo.
Después de que el equipo se resume el movimiento de la
película en un animatic 2D, comienzan el proceso de crear
el mundo 3D. Por este tiempo, modeladores están
trabajando en la creación de los modelos amañadas y
conjuntos que se utilizarán en la película final. Mediante
el uso de Blender capacidad para añadir y enlazar bloques
de datos entre archivos, un equipo puede trabajar en
diferentes aspectos de la película en paralelo y unirlos más
tarde en el proceso. En esta etapa, deciden sobre las
posiciones y movimientos de cámara, el trabajo de
bloqueo en detalle, y crear un animatic 3D.
Los archivos de vídeo de código abierto en los DVD
tienen varios ejemplos de 3D animatics entre ellos. 3D
animatics incorporar equipos simplificados y producciones medianas o grandes no pueden llevarse a
movimientos, sino dar una visión mucho más detallada de
las relaciones entre los objetos y de la cámara que es
posible en el animatic 2D. 3D animatics, por supuesto,
creado en Blender, como lo son todos los conjuntos,
accesorios y modelos de los personajes. Blender utilidad
en la creación de animatics 3D ha sido reconocido incluso
en Hollywood. 3D animatics artista Anthony Zierhut ha
escrito acerca de cómo se usa Blender para ayudar con la
visualización en la producción de Spider-Man 2. (Puede
encontrar su artículo en el sitio web de Blender en
www.blender.org/cms/Animatics_for_Motion_P.393.0.ht
ml .)
Finalmente, el equipo comienza el trabajo final de la
animación mediante el uso de caracteres completamente
armado, aunque el trabajo de modelado aún podría estar
progresando con los equipos finales. Texturizado, en
particular, debe hacerse en conjunción con la iluminación,
porque la apariencia de texturas depende estrechamente de
la iluminación de una escena. Es muy importante para
planificar el flujo de trabajo de modo que múltiples hilos
de producción puede llevarse a cabo simultáneamente.
Las etapas finales de la producción implican composición,
añadir diversos efectos visuales y renderizado finalmente.
Sistema de Blender composición se usa para hacer la
composición y puede ser utilizado en conjunción con otro
software para crear efectos. En Elephants Dream, el
equipo hizo con procesador interno de Blender, que está
optimizado para la velocidad, especialmente para su uso
en animaciones.
Producciones de animación de escalas incluso bastante
pequeños son propensos a necesitar apoyo render granja y
cabo sin los recursos informáticos significativos. Por lo
general, esto significa un cluster Linux con un gran
número de nodos de computación en paralelo. Elephants
Dream utilizado el DrQueue render de fuente abierta
encargado de la granja de distribuir tareas de
representación a través de las máquinas en el clúster.
Cuando las tomas han sido prestados, es el momento de
hacer post-procesamiento y edición. Blender ha
desarrollado a lo largo de los años para convertirse en una
completa solución para estas necesidades, y la
postproducción para cine abierto todo ha sido hecho con
Blender.
Uso de las bibliotecas
En cualquier producción lo suficientemente grande como
para requerir una amplia reutilización de modelos, curvas
de animación, o bloques de datos otros, usando las
bibliotecas es una necesidad. Un personaje, por ejemplo,
podrían figurar en numerosos disparos. Es importante que
los cambios realizados en el modelo de personaje en
cualquier etapa de la producción ser reproducido para
todas las instancias del modelo en toda la película. Hacer
esto a mano en una producción a gran es fuera de la
cuestión, por lo que la solución típica es utilizar
bibliotecas de modelos y otros bloques de datos que luego
pueden ser adjuntas o vinculadas a cualquier lugar que sea
necesario pulg
Añadiendo, enlazar y proxies son cruciales para proyectos
de animación de tamaño medio o grande. Ya has visto
cómo hacer todas estas cosas en este libro. Esto le ayudará
a entender lo que está pasando, si usted decide explorar
los archivos de escena disponibles para las películas
abiertas.
Colaboración con Subversion
Aunque la creación de una película de animación no es lo
mismo que el desarrollo de una pieza de software, muchos
aspectos de la cadena de producción digital de tener
similitudes con un entorno de desarrollo de software. Por
esta razón, las herramientas diseñadas originalmente para
ayudar al desarrollo colaborativo de software puede ser
útil e incluso necesario para producciones digitales, donde
un número de personas que deben tener acceso y
modificar los archivos comunes.
Subversion es una versión de código abierto del sistema
de gestión para la colaboración entre los programadores.
Mantiene una copia central de todos los archivos y
permite a los usuarios mantener su propia copia local de
los archivos que necesitan para trabajar y para hacer
cambios de forma independiente de otros usuarios.
Cuando los usuarios realizar cambios que desea aplicar a
la copia central del fichero, que confirma los cambios que
se registran por Subversion y se aplica al archivo central.
Copias de otros usuarios se actualizan para reflejar el
cambio. Si dos usuarios confirmar los cambios al mismo
tiempo, Subversion puede identificar dónde se realizan los
cambios e integrarlos en el nuevo archivo mismo. Si los
dos cambios afectan a la misma parte del fichero,
Subversion requiere una aclaración sobre la forma de
proceder, y los usuarios tienen que hacer sus cambios de
acuerdo unos con otros. Además, Subversion mantiene un
historial completo de todas las confirmaciones,
permitiendo el acceso a cualquier versión anterior.
El equipo de Elephants Dream utilizado Subversion para
gestionar sus activos digitales para la producción. El
equipo optó por esto por varias razones. En primer lugar,
Subversion es libre / software de código abierto por lo que
encaja con la misión del Proyecto Orange. En segundo
lugar, varios de los creadores son los programadores, por
lo que se sentían cómodos con esta forma de trabajar. Para
los no programadores, usando una versión del software del
sistema de control para gestionar los activos digitales
puede ser confuso. Hay, por supuesto, una gran variedad
de herramientas comerciales de gestión de activos
digitales disponibles.
Volver a la licuadora
Desde el punto de vista de un usuario de Blender, la mejor
de las películas Abrir proyecto de película es que todas las
funciones que se desarrollan y refinado durante el proceso
de elaboración de las películas son finalmente liberados en
futuras versiones de Blender. En la actualidad, la próxima
versión 2.5 contará con características desarrolladas
durante todos los proyectos de cine, entre ellos el
completo basado en nodos compositor desarrollado para
Elephants Dream, la partícula pelo y funcionalidad hebra
representación que se utiliza para Big Buck Bunny, el
fuego y el humo de las características de simulación
utilizados para Sintel, y los cientos de otros avances en la
jarcia, texturizado, iluminación, animación, renderizado
composición, y la edición. En este punto, el número de
mejoras y correcciones que Blender ha disfrutado como
un resultado directo del Proyecto Abrir película es casi
imposible de cuantificar.

Por esta razón, yo personalmente animo a considerar la

compra de DVDs de las películas ya han sido despachados
abiertas y mantener un ojo en los proyectos futuros. El
proyecto Open Movie, como Blender, sobrevive con
apoyo de la comunidad. Es una gran cosa ser parte de!
Versión traducida de capitulo 15.xhtml
Capítulo 15
Detrás de las escenas con Sintel
La tercera entrega de la película del proyecto Blender
Open, el cortometraje Sintel, se estrenó en septiembre de
2010 después de un año de producción y más de un año de
planificación. Sintel es de lejos el proyecto más ambicioso
y se dio cuenta plenamente de la Fundación Blender ha
llevado a cabo para fecha. En este capítulo, usted
aprenderá acerca de lo que el proyecto implica y escuchar
directamente de algunos de los creadores de la película.
 De Durian a Sintel
 El Sintel Open Content
 Sintel artistas en sus propias palabras
De Durian a Sintel
Incluso el nombre código del proyecto Durian sugirió que
este proyecto estaba destinado a ser un gran problema. El
Banco Asiático de durian es una fruta gigante, de punta
conocida por su abrumador (algunos dirían repulsivo)
olor. Si hay un rey de las frutas, pocos pondrían en duda
que el durian es un candidato probable. Siguiendo la
tradición de la Fundación Blender de los proyectos de
códigos de nomenclatura para las frutas, no podría haber
sido una mejor elección para representar a las ambiciones
de este proyecto. La película resultante corto sobre una
aventurera rudimentario y su relación con un dragón bebé
(vea la Figura 15-1 ) es sin duda un hito importante en la
evolución de Blender y la comunidad de Blender.
Figura 15-1: Escalas del dragón de Sintel
Desde el principio, la intención era tener una película que
era pesada en la acción, que contó con el fuego y el humo,
y que tenía un gran atractivo. El humo recientemente
codificados volumétrica y efectos de llama figurado en la
temprana decisión de avanzar en esta dirección. Al mismo
tiempo, el anterior Blender Foundation proyectos
Elephants Dream y Big Buck Bunny había demostrado la
importancia de una planificación y una historia
sólidamente escrita por un guionista experimentado.
El proyecto comenzó en mayo de 2009, cuando productor
Ton Roosendaal reunió al equipo creativo central del
director Colin Levy, David Revoy artista conceptual,
escritor / dibujante Martin Lodewijk y el compositor y
abierta película veterano Jan Morgenstern. Poco después,
el guionista Esther Wouda se hizo cargo de la elaboración
del guión. Trabajó desde el concepto original de Lodewijk
de crear la historia final de la película. El resto del equipo
creativo se estableció en su mayoría a finales del verano
de 2009, con algunos artistas más próximos en en puntos
posteriores de la producción.
Los otros miembros del equipo central incluido Nathan
Vegdahl, aparejador carácter, Angela Guenette,
modelador; Dansie Ben, artista 3D; Maeter Soenke, artista
3D, Salvemini Lee, animador de personajes; Brecht van
Lommel, desarrollador de software, Barton Campbell,
director técnico; Pablo Vázquez, artista 3D, Beorn
Leonard, animador de personaje, William Reynish,
animador de personaje, Jeremy Davidson, animador de
personajes, y Dolf Veenliet, artista 3D. Las contribuciones
y la asistencia también llegaron de fuentes externas,
incluyendo el equipo argentino en Licuadora Studio en
Buenos Aires y en los estudios de la mano de Turquía en
Estados Unidos, entre otros.
En definitiva, el proyecto central presupuestó involucrado
diez artistas que trabajan desde hace diez meses, dos
desarrolladores a tiempo completo que trabajan para
aproximadamente doce meses, y un productor de tiempo
completo trabajando durante doce meses. Por el contrario,
la anterior Fundación Blender Open Movie, Big Buck
Bunny, tardó siete meses con cinco artistas y
desarrolladores de dos, con doce meses de un productor
que trabaja medio tiempo y siete meses de ayudante de
producción.
En términos de recursos computacionales, Sintel también
fue más intenso que el Big Buck Bunny. Tiempo de
generación de Sintel promedio de 20 minutos por cada
marco sobre 888 segundos de tiempo en pantalla, mientras
que Big Buck Bunny promedio de 10 minutos de
renderizado por cuadro durante 600 segundos.
Otros aspectos de la producción, tales como la
composición de escritura musical, estudio de alquiler, el
mantenimiento del sistema informático, y la producción
de DVD también son más exigentes en Sintel de proyectos
anteriores.
El Sintel Open Content
Al igual que con anteriores proyectos de la Fundación
Blender abiertos, la película resultante y activos digitales
de Sintel fueron liberados bajo una licencia de Creative
Commons abierto. Pueden ser reutilizados libremente,
mostrar, o distribuidos con la debida atribución. Todo el
contenido está disponible para su compra como un
conjunto de cuatro DVD de la Blender Foundation de e-
shop. Comprar este paquete de ayuda a apoyar el
desarrollo futuro Blender y proyectos, y también es la
forma más fácil de obtener en sus manos esa cantidad
enorme de contenido!
En este momento, si usted no ha visto Sintel ya, usted
debe comprobar que funciona en Vimeo o YouTube.
Cuando fue lanzado en línea, generó una gran cantidad de
rumores y recibió críticas muy positivas sobre todo como
una película corta. Pero como usuario de Blender y
animador, lo más probable es que la película en sí será el
menor de los tesoros que encontrarás en el DVD.
Archivos de Producción
El tercer DVD contiene todos los activos que se necesita,
en principio, vuelva a procesar la película entera a ti
mismo. Usted probablemente no va a querer hacer esto,
pero el buceo en esos activos es una gran manera de
aprender. Figura 15-2 muestra el archivo. blend para la
plataforma Sintel, el personaje principal de la película.
Usted puede estudiar los archivos. Mezcla directamente
para aprender a crear entornos complejos, como la
impresionante ciudad de Ishtar con su zigurat central que Figura 15-3: El conjunto principal de la ciudad
se muestra en la Figura 15-3 o el dormitorio íntimamente
modelado e iluminado se muestra en la Figura 15-4 .

Figura 15-2: La plataforma de Sintel

Figura 15-4: dormitorio de Sintel

Antecedentes pinturas mate como el que se muestra en la Figura 15-6: Una escena alternativa para un cartel de
Figura 15-5 son una parte importante de la creación de la película
entornos 3D, y el estudio de estas imágenes y los archivos.
mezcla que aparecen en es una excelente manera de
aprender acerca de la forma en que se incorporan a la
escena. Texturas y pinturas mate también son excelentes
recursos para reutilizar en el propio trabajo.

Varias escenas cartel alternate también se incluyen en el

DVD, tal como la que se muestra en la Figura 15-6 . Uso
de la rama render de Blender incluido en el paquete de
Sintel, usted puede experimentar con la prestación de sus
propios carteles de Sintel.

Figura 15-5: Una pintura mate para la ciudad de

Ishtar

Activos en 3D y las texturas no son las únicas cosas

interesantes incluidos. El guión y el esquema tiro por tiro
también se incluye. Estudio de la hoja de cálculo desglose
disparo se muestra en la Figura 15-7 para aprender a
planificar sus propios proyectos a segundos de tiempo en
pantalla antes de sumergirse en la producción. Usted
puede incluso descubrir exactamente cómo el equipo
utilizó su tiempo mirando a los programas de producción
incluidos ( Figura 15-8 ). Si usted está planeando un
proyecto un poco más grande escala o varias personas,
estas son muy buenas referencias para saber exactamente
lo que estás consiguiendo.
Figura 15-7: Shot-por-shot esquema Tutoriales

Además de los archivos de producción, el conjunto de

DVD incluye docenas de tutoriales en vídeo y un tutorial
específicamente creado. Blend, creado por miembros del
equipo de Durian como las series Angela Guenette de
videos de modelos sobre cómo topología facial de la
plataforma Sintel creó una expresiva y animada personaje
( Figura 15-9 ). Todos los aspectos de la producción de
Sintel e información crucial acerca de las nuevas
características de Blender 2.5 se presentan aquí por los
artistas que los conocen mejor. Usted aprenderá acerca de
la creación de medio ambiente, la textura, la escultura,
rigging, animación de personajes, la composición, las
inyecciones de planificación, y más.

Figura 15-9: topología facial para la plataforma de

Sintel
Figura 15-8: Un programa de producción
Sintel artistas en sus propias palabras
Nadie sabe más acerca de los pros y contras del uso de
Blender para crear una película en un entorno de
producción profesional de las personas que trabajan en
películas oficiales abiertas de la Fundación Blender. En
esta sección, usted escuchará directamente de los
creadores.
Beorn Leonard (animador de personaje)
Cuéntame un poco acerca de su trabajo previo antes de
Sintel. ¿Fue entrenado en animación tradicional?
¿Comenzó con otras herramientas de software, o dio a
desarrollar sus habilidades de animación y en el costado
Blender conocimiento del otro?
He estado trabajando como artista gráfico durante unos 15
años. Empecé en una compañía de video corporativo
pequeña en Melbourne, Australia, el uso de 3D Studio 4
(esa es la versión DOS, para quienes tienen edad
suficiente para recordar) para producir gráficos para sus
producciones diversas. Diez años de trabajo independiente
siguió hasta que me dieron trabajo a tiempo completo en
la estación de televisión comercial superior en Australia,
Channel Nine. Fue durante mis cinco años en Nine que me
interesé en Blender y empezó a usarlo para mi trabajo allí,
además de trabajar en proyectos de Blender en mi tiempo
libre. Uno de estos proyectos, una canción Sad Sad, fue
nominado para un premio Suzanne en 2008. Mientras
estaba en gran parte feliz con los resultados, sentí que el
personaje de animación fue bastante deficiente y
decidieron estudio fue requerido.
Entonces me ahorró un poco de dinero, y en 2009
matriculó en un curso en Animation Mentor. Después de
terminar la clase 1 en Animation Mentor, dejé mi trabajo
en Nine de Australia y se mudó a los Países Bajos.
Yo había solicitado originalmente para estar en el equipo
Durian pero fue uno de los muchos que no pasaron el
corte. Sin embargo, mientras estaba en Amsterdam, tuve
la oportunidad de visitar a la selección Durian para ver
cómo la producción fue progresando. Cuando me enteré
de que necesitaban más animadores, inmediatamente
presentó una demo reel revisada y tuve la suerte de
hacerlo en el equipo.
Mucho de su trabajo en Sintel tratado con la animación de
escenas de acción con los dragones y Sintel. (Nota: véase
la torre del dragón en la figura 15-10 ). Es este tipo de
animación muy diferente de otra animación que has hecho
en el pasado? ¿Es muy diferente a animar una criatura de
la fantasía como un dragón que ha de animar seres
humanos o animales reales?
Los dragones eran sobre todo un reto ya que la mayoría de
mi entrenamiento en Animation Mentor había basado en
la animación bípedo. Tuve amañado y un lagarto animado
por un trabajo anterior en un anuncio de televisión, pero lo
que pasa con los dragones es que no hay nada en la
naturaleza bastante como ellos. De hecho, después de
hacer investigación, me enteré de que ningún animal
grande que jamás haya volado.
La referencia que terminamos usando para el vuelo del
dragón bebé era murciélagos frutales y de lento
movimiento filmadas de pinzones y gorriones. Cuando en
el suelo, el dragón bebé se comportó más como un
cachorro. Para el vuelo del dragón adulto, miré a las aves
de rapiña, como águilas y ralentizado la acción para darle
una sensación de peso. Es interesante observar que a pesar
de que algo como esto no ha existido nunca, la gente
parece "saber" cómo un dragón debe moverse.
Figura 15-10: El aparejo dragón
Desde el punto de vista de un animador de personaje,
¿cuáles son las mayores fortalezas y debilidades de
Blender? ¿Hay desarrollos que están particularmente
esperando para?
Al igual que sus herramientas de modelado, la mayor
fuerza de Blender es su velocidad. Este es especialmente
el caso de la serie 2,5 x se utilizó para Durian. He hecho la
animación de personajes extensa en 3D Max y Maya, pero
ni venga cerrar la facilidad de uso de Blender.
Además, muchas de las herramientas que son estándar en
Blender, por ejemplo, la herramienta de movimiento
senderos para arcos de refinación, empuje las
herramientas y Relax Pose, y el espejo Pose herramienta
están disponibles en otros programas sólo a través de
plug-ins y scripts personalizados . Todas estas
herramientas me parecen esenciales para un flujo de
trabajo de animación de personajes rápido, y hay en
Blender como estándar.
Es difícil hablar de las debilidades de Blender en el
contexto de Sintel, ya que constantemente se están
desarrollando todo el tiempo que estaban trabajando en la
película. Diré, sin embargo, que nunca he sido un gran fan
de la NLA y su uso en la animación de personajes bien.
Lo utilicé con moderación, sobre todo para bloquear las
animaciones de vuelo de los pájaros y dragones, pero creo
que el NLA a ser una de las partes más débiles del
conjunto de herramientas de animación. NLA animaciones
son muy difíciles de precisar, son difíciles de añadir en
otras escenas, y en general debe evitarse a menos que
usted realmente tiene que usarlos.
Además, el hecho de que usted no puede utilizar más de
una instancia de un personaje vinculado es muy frustrante
y derrota a mitad de la finalidad de contar con un sistema
de puja en mi opinión. Al animar la bandada de pájaros en
Sintel, que en realidad hizo muchos duplicados del
modelo pájaro que serán enlazados en las escenas. Esto
era ineficiente y era básicamente una solución para un
problema mayor en el sistema de proxy. Realmente espero
que se pueda fijar en futuras versiones.
¿Hay alguna característica particular de Blender o técnicas
que usted piensa que son subutilizadas o no se tiene
suficiente conocimiento?
El empuje y Relax Pose herramientas (Ctrl + E y Alt + E)
son muy útiles y se desconocía incluso a algunos de los
animadores Durian en el inicio del proyecto. Pueden ser
muy útil cuando se está bloqueando un tiro para conseguir
las averías y los extremos. Pero recuerde, siempre hay que
retocar, nunca dejar que el ordenador haga el arte para
usted!
¿Cuáles son tus consejos para mejorar como animador
de personaje?
1. Comience simple: Si usted está comenzando en la
animación de personajes, inicie simple. Hay una razón por
la mayoría de los cursos de animación que empezar con
una pelota botando. Cuando se trata de una plataforma
completa con controles faciales, es fácil perderse en los
muchos detalles. Lo mejor que puedes hacer es comenzar
con una tarea muy básico y principal que antes de pasar a
una configuración más compleja.
. 2 Ábrete a la crítica: La animación es un proceso
intrínsecamente colaborativa. Siempre es beneficioso
tener a alguien que echa un vistazo a su trabajo en cada
etapa de su desarrollo. No espere hasta que haya
terminado la animación para obtener los comentarios de
los demás, y no se ofenda cuando la gente le señala los
problemas que ven. Utilice su crítica para mejorar sus
habilidades. No puedo enfatizar esto lo suficiente. Incluso
los mejores animadores de Pixar, Dreamworks, etc,
pregunte a sus colegas por las críticas sobre una base
diaria.
. 3 Observe la vida, no sólo otra animación: Si dibuja la
inspiración sólo de otra animación, su trabajo comienza a
mirar derivado. Animación de personajes en esencia, la
actuación, y los mejores actores extraen su inspiración de
la vida real y no sólo copiar otros actores.
4 Enfoque de la técnica, no la tecnología:. Por mucho que
me encanta usar Blender, es esencialmente una
herramienta más. Es posible hacer animación brillante con
un lápiz y una pila de papel, así que no se centra
demasiado en el software. Cambios en el software a través
del tiempo, pero buena animación es atemporal. La
esencia de la buena animación es buena observación, no
un buen software.
Si pudieras inventar alguna característica nueva verosímil
para una versión de Blender 10 años en el futuro, ¿qué
sería?
Bueno, 10 años en el desarrollo de software más o menos
nos pone en el terreno de la ciencia ficción, pero la parte
superior de mi cabeza ... He estado soñando con una
plataforma extremadamente flexible bípedo multiuso. Se
trataría de un espacio en blanco que se puede moldear en
casi cualquier forma humana y el cambio de ropa y el
cabello en cualquier momento a través de una capa de
controladores especiales dentro de la plataforma. Esta es
una idea similar a Animation Mentor ha lanzado
recientemente el obispo plataforma 2.0, pero sería aún
más flexible. Básicamente, preveo que tiene todo el
aspecto del personaje pudiendo ser guardado como un
conjunto de fotogramas clave en una acción. En la
producción que podría ser muy útil en escenas de
multitudes. También sería una gran herramienta para los
estudiantes de animación que no desee que se hagan sus
propios equipos o utilizar los mismos viejos ya existentes.
Supongo que esto no es realmente una función de Blender,
de hecho, que en gran medida se puede hacer con las
herramientas existentes. Sería genial, aunque.
Aparte de eso, la mayoría de las nuevas características que
estoy buscando con interés están en el área de la
composición, que entiendo que es el objetivo principal de
Mango Proyecto.
Campbell Barton (Director Técnico)
Usted es un veterano desarrollador de Blender y fue
director técnico tanto para Big Bunny Buck y Sintel. ¿Qué
hace exactamente un director técnico en hacer un proyecto
de animación? En concreto, en un entorno abierto Blender
Foundation película, ¿puede describir la relación entre
usted y los artistas que utilizan el software?
Estos proyectos abiertos aparecen un montón de desafíos
para el equipo a nivel técnico. Esto significa que alguien
tiene que investigar cómo abordar un problema, ¿qué
podemos esperar de Blender, lo que tenemos que trabajar
más, y cuánto tiempo podría tomar alguna característica a
añadir en Blender.
El hecho de que tenemos los desarrolladores de software
en el proyecto no significa que los artistas reciben todas
las prestaciones que les gustan. A veces, después de
conversaciones con los artistas que habíamos encontrado
lo que quería no era razonable, otras veces yo podría
escribir un script para automatizar para ellos.
También tuve que gestionar el día a día los problemas de
estudio para que los artistas pudieran mantener su
productividad, hacer algo de trabajo de administración del
servidor, y establecer granjas de render.
Blender equipo de desarrollo se extiende a lo largo del
mundo. Sin embargo, para las películas abiertas siempre
hay un equipo básico de artistas y desarrolladores que
trabajan juntos en Amsterdam. ¿Qué tan importante es la
proximidad física en proyectos como Sintel o Big Buck
Bunny?
Trabajar juntos es realmente importante, como
desarrollador, puede quedar atrapado en problemas
hipotéticos, pasar tiempo en áreas que no son tan útiles.
Tener artistas en torno a utilizar el software significa que
usted realmente sabe acerca de ella cuando las cosas no
funcionan bien! Es muy motivador y ayuda a priorizar lo
importante.
Parte de ello es muy práctico también, sin embargo. Los
artistas logran tener problemas con conjuntos de archivos
de gran tamaño que requieren tiempo para empaquetar y
cargar. A veces el problema sólo ocurre en su sistema.
Por lo tanto, estar en el mismo estudio es muy
conveniente, no es necesario descargar gigas de archivos
para algo que puede ser un error del usuario. Podemos
empezar a trabajar en él de forma rápida y mirar por
encima del hombro del artista cuando era difícil volver a
crear.
¿Cuál es su experiencia propia como desarrollador? ¿Qué
consejo le darías a las personas que empiezan a quien le
gustaría desarrollar sus propias características en Blender
o llegar a ser graves desarrolladores de Blender?
Como artista he usado Blender para automatizar las tareas
para las simulaciones militares, pero se convirtió en cada
vez más interesados en el aspecto técnico y, finalmente, se
metió en el desarrollo de Blender Blender después de usar
durante algunos años. Blender tiene un historial de los
usuarios cada vez los desarrolladores, así que comenzar
sin antecedentes en el desarrollo de software no es tan
inusual como podría esperarse.
En cuanto a convertirse en desarrollador de Blender, en
primer lugar, Blender es una aplicación grande con
muchas zonas diferentes, por lo que las habilidades que
necesita dependerá mucho de qué área desea trabajar, no
asuma las competencias específicas son necesarias antes
de realizar cualquier desarrollo de Blender. Elija un área
general que desea investigar y tratar de hacer pequeños
cambios, la lectura de la fuente, y en general, aprender
cómo funciona, de esta manera, no estancarse por el hecho
de Blender tiene miles de archivos o todo el código esta
no lo entiendo!
Recomiendo comenzar con las tareas más fáciles para que
al menos se aprende el proceso de hacer un cambio y
enviando un parche y no se siente como usted gastado un
montón de tiempo si el parche es rechazado por alguna
razón. En la mayoría de los casos, sugiero empezar con
Python. Incluso si terminan usando C / C + + en última
instancia, Python es ideal para prototipos y aprender
Blender funciona.
Blender 2,5 es el resultado de una revisión masiva del
software. La interfaz de usuario completamente reescrito
es bien conocido y hacer un montón de olas entre los
usuarios de otras aplicaciones que han sido renuentes a
hacer el cambio en Blender. Otro cambio importante que
no es tan alto perfil es la nueva versión de la API de
Python. ¿Qué motivó esta reescritura, y ¿cómo cree que la
experiencia de usuario se puede mejorar mediante la
nueva API de Python?
La razón principal para la reescritura Python API era de
acceso a datos. En 2,4 x que básicamente tenía que
escribir tres formas de acceder a los mismos datos:
botones, animaciones y Python. Nuestra Python API
terminó siendo más de 100.000 líneas en su mayoría para
el acceso a la configuración, era difícil de mantener, y los
errores inevitablemente deslizarse a través. También
tenemos unificadas operadores del sistema de
herramientas, que da acceso Python a las mismas
herramientas que los usuarios tienen. Esto permite a los
usuarios crear sus propias macros.
Desde nuestro reescritura API, también decidimos tener
nuestra interfaz de usuario escrito en Python para el
usuario, esto significa que es mucho más fácil de extender
la interfaz de su propio flujo de trabajo e integrar
herramientas en Blender.
¿Hay alguna característica en particular que usted cree son
especialmente subutilizados? ¿Cuáles son algunas de sus
características favoritas que crea que los usuarios
intermedios no podría saber?
Ver Puerto: punto de vista local, cerradura vista, modo de
vuelo, y preferencias como autodepth con zoom mouse
posición.
Mesh Edición: AutoMerge edición, que gira alrededor del
vert activa / borde / la cara con la orientación normal.
Transformar: entrada numérica Mayús + clic en el
manipulador para la restricción de dos ejes.
Como desarrollador de Blender, ¿qué encuentras son los
más frustrantes y las partes más gratificantes de su
trabajo?
Mejora de Blender sin trastornar los usuarios existentes es
un acto de equilibrio, y no podemos mantener a todos
felices. Cada desarrollador mantiene sus propias áreas, por
lo que en su mayoría se ejecuta sin problemas, pero de vez
en cuando temas polémicos llegar hasta donde la decisión
conservadora se suele ganar. Aunque no puedo decir que
esto es siempre una mala cosa, me preocupa que perdamos
oportunidades de innovar debido a esta tendencia.
Pero lo hago porque es divertido, ¿verdad? Mejora de
Blender para diferentes flujos de trabajo que encuentro
muy satisfactorio, especialmente cuando una solución
inteligente puede satisfacer las necesidades de los
diferentes usuarios.
A veces los usuarios enviar informes de error, y es
agradable ser capaz de solucionar el mismo día, a veces
añadiendo importantes funciones petición de los usuarios.
Por supuesto, no siempre se puede trabajar así, pero esta
es una de las cosas que me atrajo inicialmente con el
código abierto.
Pensando en el futuro, ¿existen técnicas o tecnologías de
gráficos interesantes por ahí que le gustaría ver
incorporadas en Blender algún día (aunque no hay planes
de hacerlo en el momento)? ¿De qué manera cree usted
que el Blender de 10 años a partir de ahora puede tener un
aspecto diferente?
Por supuesto, hay tecnologías muy interesantes por ahí
que sería genial tener-GPU basada en la representación /
composición es probablemente la principal, y la cámara
que sigue es otro, sin embargo, estas no son las áreas que
estoy involucrado.
Personalmente me gustaría ver las herramientas de
modelado de Blender mejorar, con ngons y una estructura
nueva malla, así como reescritos modificadores Decimator
y Boolean.
Desde que trabajo en la integración de Python, estoy
interesado en la posibilidad de compilar RPython
(restringida Python) para conseguir cerca de la velocidad
C, lo que podría permitir a Python que se utilizará para
plug-ins tales como modificadores, las texturas, los
ganglios compositor, y posiblemente shaders.
Creo que el desarrollo de Blender se alejará de proyectos
abiertos a haber desarrollo financiado por empresas y
universidades, con la Fundación Blender emplear sólo a
unos pocos desarrolladores de administrar las
contribuciones y mantener estable Blender.
Esther Wouda (Guionista)
Como guionista, que tenía un papel especial que
desempeñar en la elaboración de Sintel. Aunque es sólo
tangencialmente relacionado con el tipo de software 3D
utilizado, un guión de calidad es crucial para la calidad de
la película resultante. Sintel fue la primera película de la
Fundación Blender abierta a la utilización de un guionista
fuera del equipo básico de usuarios de Blender, y
claramente se benefició mucho de esa decisión. En su
opinión, ¿cuál cree usted que es la contribución más
importante de un escritor experimentado en guiones?
Bueno, mi opinión personal a un lado, me gustaría pensar
que el valor se demuestra en la respuesta de la audiencia,
el número de vistas y descargas en poco tiempo y las
numerosas reacciones positivas y las peticiones de "más
de Sintel." Supongo que la gente sentido, la calidad se
vierte en el trabajo, en tanto los visuales y la historia.
Como escritor y consultor de guión, por supuesto, tienes
que creer que la historia es la columna vertebral de una
película. Se trata de historias que finalmente tocar los
corazones de la gente. Así, el guión es la base sobre la
cual todos los otros elementos de la película se construyó.
Si esta base no es sólida, toda la estructura puede empezar
a tambalearse. Sin embargo hábilmente actores juegan una
escena, si no te interesa, vaya usted, o tiene sentido para
usted, usted perderá interés rápidamente. Pero todo el
mundo, independientemente de su edad o cultura, le gusta
que le contó una historia. Realmente creemos y valoramos
esto, y me encanta el proceso narrativo entero y la magia
que puede hacer. Para Sintel Sólo traté de contar la
historia mejor posible dentro de los límites y los objetivos
Blender tenía al principio, para ese público específico,
dentro de ese tiempo limitado. Fue un reto, pero creo que
mucho de eso funcionó debido a, como usted dice,
dedicación y experiencia en esta área. Más allá de la
"magia" de ese proceso creativo, guionista es un oficio,
como carpintería (o aparejo o animador!). Por lo tanto,
usted podría construir una silla con tres patas o con cuatro
patas. La silla de tres patas, seguirá siendo una silla, pero
el de cuatro patas probablemente "se sientan mejor." Así
que, supongo que trató de construir un sofá muy
compacto.
En Sintel, que trabajó dentro de ciertas limitaciones
rígidas bonitas. Algunas ideas de la historia fueron
ofrecidos por Martin Lodewijk, el famoso dibujante, y su
tarea consistía en evaluar estos y crear una historia y
plasmen plenamente guión. Por otro lado, las restricciones
presupuestarias que limitan la duración de la película
podría ser y cómo muchos personajes, efectos y escenas
que contenga. ¿Cómo todas estas limitaciones influyen en
tu obra?
Sería ir un poco más lejos para llamarlo una bendición y
una maldición, pero sí pintar el cuadro: con el objetivo de
que Blender había fijado para este "escaparate", dentro de
ese tiempo limitado (no sólo los minutos en la pantalla,
sino también su la planificación de horarios), parecía casi
imposible. Hay mucho que lograr en tan poco tiempo!
Pero, sobre todo, a mí me gustó. Me gusta bastante las
limitaciones de producción y el tiempo, ya que siento que
hay más espacio para la creatividad si los límites son
claros. Acabo de hablar y trabajó con Ton y Colin,
escuchó lo que parecía posible y lo que sería demasiado
caro o mucho tiempo (cosas como luciérnagas en la cueva
del dragón, la variedad de paisajes en las escenas de viaje,
el número de man- a-hombre combates), y se mantiene
esto en mente. A continuación, me gustaría volver a la
mesa de dibujo y pensar en otra manera de mostrar lo
mismo pero manteniendo la esencia y la emoción de la
escena.
También, cuando se le preguntó a bordo, fue bastante
cristal cuáles son los límites fueron: la longitud era de
ocho minutos, los objetivos eran claros Blender, y el guión
tenía que estar terminado ayer. Esto se debió a una gran
cantidad de tiempo que ya había pasado tratando de hacer
un guión fuerte y redondeada de esa variedad de ideas
divertidas todavía suelto que había en la mesa. Fue mi
primera tarea para aclarar esto, evaluar las posibilidades y
encontrar el hilo rojo. Así que, con Ton y Colin, pasé por
todos los retazos de ideas y sugerencias diferentes para los
personajes y la arena y "simplemente" eligieron esa idea
muy básica de "niña se hace amigo del dragón del bebé".
Cuando me puse a escribir el guión de nuevo, con sólo
que el punto de partida, todavía era nuestra intención de
utilizar la mayor cantidad de ideas originales también
otros e incorporarlos en el guión de alguna manera, pero
en la práctica esto resultó difícil de hacer. Más importante
aún, no servir a la historia. Tuve que tomar decisiones
claras y defender ellos también. Pero yo estaba seguro de
que es mejor tener un núcleo muy fuerte y rápido y hacer
crecer la historia a partir de ahí, "fuera hacia dentro", en
lugar de forzar a hacer una historia coherente a partir de
todo tipo de diferentes fragmentos de la historia (no
necesariamente compatible). Realmente no se puede hacer
que sea coherente, puesto en un "corazón", en
retrospectiva. Teníamos que evitar que la situación de
caballo detrás de la carreta. Así que si usted pregunta
acerca de las restricciones, yo diría que para mí era un
asunto difícil: no había metas altas y las voces de tantos, y
el equipo fue utilizado para un proceso (a veces
demasiado) democrático de toma de decisiones. Pero sí
necesitan una secuencia compacto y coherente, una
historia redondeada, y así sucesivamente. Y necesitaba ser
bien contada. Así que, sin embargo otras variaciones
interesantes y percepciones fueron, tuvimos que contar
una historia, no 12, y tuve que hacer que eso suceda en la
página. Por suerte, Colin y yo estábamos muy en sintonía
y ha trabajado bien juntos para elegir un tema central y
tomar desde allí. Eso hizo que fuera posible evaluar la
retroalimentación y viejo y nuevas ideas para que yo
pudiera hacer decisiones bien informadas sobre lo que
haría y lo que no lo haría en el guión. Pero, en definitiva,
se trataba de un proceso de pegado (a veces bastante
ferozmente) a la historia principal, que en un principio
tomó un poco de tiempo y energía.
Después de crear la estructura básica de la historia y
construir hacia fuera en un guión del primer borrador, lo
único que hice fue condensan, se condensan y se
condensan, sin perder de vista nuestro objetivo para contar
una historia épica, en tres actos, cuento héroe estructurado
está lleno de acción y emoción. Por supuesto, esto resultó
imposible en ocho minutos, y hubo varios momentos de
ansiedad en el que se consideran de corte (ya veces se
cortan), por ejemplo, la amistad / unión escenas entre
Sintel y Scales, escenas de lucha, la escena shaman todo
en el medio , e incluso un acto historia completa!
Afortunadamente, con Ton trayendo más gente en el
equipo, esta última parte de la crueldad no era necesario, y
ganamos unos cuantos minutos más para contar la historia
completa.
¿Qué tipo de relación de trabajo tuviste que, en su caso,
con los animadores y otros artistas de Blender durante la
producción de la película? ¿Fue simplemente una cuestión
de interpretación de lo que les había escrito, o hubo algún
tipo de retroalimentación donde las partes de la secuencia
de comandos se puede reescribir para reflejar su trabajo?
Mientras escribía el guión, he trabajado en estrecha
colaboración con Colin, sobre todo en la primera fase de
desarrollo. Al principio tuvimos varias sesiones de
intercambio de ideas, y más tarde cuando me estructurar y
escribir todo lo que fuera, lo primero que le enviaría un
proyecto y discutir, muy pronto también con Ton, y
esencialmente hablar largo y tendido sobre la esencia de la
historia y por lo tanto también de el más pequeño de los
detalles y si se ajustan a esa esencia. Tanto Colin y yo
resultó bastante perfeccionista en ese sentido. (Tuve la
misma experiencia con Jan, el compositor, para quien
escribió la letra de la canción. Él es muy particular acerca
de su trabajo, ya que soy). Así que tuvimos discusiones
muy largas, enviado cada otras revisiones, y tenía muchas
charlas nocturnas de Skype, por ejemplo, cuando uno de
nosotros sería "atascado" o ha tenido un accidente
cerebrovascular súbito de inspiración. Todos se introduce
en la historia, y creo que lo mejora mucho. Al principio yo
también tendría tiempo para venir a la oficina de Blender
por unas horas, presentar mis ideas, ver el progreso de la
animación, y escuchar las ideas del equipo. Entonces me
gustaría volver y tratar de incorporarlos, si mejorada y
encajar la historia.
Yo creo que cada escena y cada elemento de la historia
debe ser significativo y en este caso aún más porque
teníamos que contar todo en tan sólo unos minutos. Si
optamos por mostrar una cierta parte de Sintel carácter o
de su vida, tuvo que ser esencial para la comprensión y la
experiencia de la historia. Se consideraron todas estas
opciones con mucho cuidado.
Después de que el guión era definitiva, había un guión
poco más tarde pule hecho, pero creo que muchos de los
que fueron finalmente "condensa" otra vez porque
teníamos que mantener el pacto historia. Se trataba más
bien de corte aún más. Y yo conscientemente escribió en
muy poco diálogo, porque quería mantener la película lo
más accesible y más internacional posible y contar la
historia en imágenes en lugar de palabras. Diálogo
adicional fue escrito durante la grabación de las voces de
los actores, pero mucho de eso fue bastante natural
cortado de nuevo en la edición final. Simplemente no
necesitaba ni quería nada superfluo, después de haber
golpeado a cabo ese núcleo de la historia con tanta
claridad.
Más adelante en el proceso Vi un par de ediciones y habló
con Colin en la forma de transmitir ciertas emociones (por
ejemplo, en el rostro de Sintel o en los movimientos)
mejores y cómo ahorrar tiempo al mismo tiempo
mantenerse fiel a la historia. Esas discusiones fueron muy
útiles también, creo yo, y ambos nos hubiera gustado
hacer esos exámenes incluso más regularidad. En
cualquier caso, no me parece demasiado duro para "matar
niños mimados", porque los dos muy de acuerdo en que el
tema central. Se mantuvo un horizonte, tanto buenas
durante la escritura y más tarde en el proceso.
¿Cree usted que hay diferencias entre la escritura de
animación CG y de acción en vivo? ¿Le han acercado a
escribir una historia de fantasía semejante manera
diferente si se va a ser filmado en acción en vivo?
Para la animación, creo que lo mejor es que usted (no sólo
el director, sino también el escritor) saben muy clara y
específicamente lo que quieres mostrar, en detalle. Si se
escribe una historia de acción en vivo, en un determinado
momento los actores vendrán e interpretar esa historia
para ti, lo que significa que se excluyen e incluyen cosas,
a veces te da "regalos" inesperados-extras. En la
animación, este supuesto no es posible. Usted tiene que
haber decidido de antemano qué historia quieres contar y
cómo exactamente se transporta mejor. Estas son las
opciones sin fin: la expresión facial, los gestos, el
movimiento de los personajes, el movimiento de la
cámara, tiro del primer o largo plazo, y cruzar fade o
cortados en su mayor parte-como director (o funciones)
opciones, pero también la dirección de arte, edición y
opciones de iluminación. La conclusión es que, al escribir
para la animación, es útil tener en cuenta que todas estas
opciones son o tienen que hacer antes de siquiera
comenzar a visualizar las cosas. Sobre todo cuando el
proceso de animación es caro, prefiere decidir sobre un
plano determinado o escena un largo camino por delante,
antes de perder dinero innecesariamente crearla y luego
tener que escardar hacia fuera más adelante en la edición.
Preferiblemente, el escritor animación se da cuenta de
esto. Y puede ser útil si el escritor escribe el guión lo más
detallada posible, porque cada tiro se considera de
antemano-no decidido o tropezó en el set. Dependiendo
del tipo de animación y formato, esto se espera del
escritor.
Creo que esta es la diferencia más importante. Por
supuesto, mucho depende de la preferencia del director, si
él o ella quiere interpretar para él / ella misma las escenas
que el escritor ha escrito o si él o ella quiere ver a cada
disparo preparado tanto como sea posible ya en el guión.
En ese caso, el escritor está bien fuera con el
conocimiento de la cámara y técnicas de edición. En el
caso de Sintel, yo no había escrito el guión mucho más
detallada de lo que normalmente lo haría, sólo los
primeros borradores con el fin de extraer la arena de, por
ejemplo, la ciudad de Ishtar. Y Colin hizo una excelente
opción para transmitir la emoción de las escenas de los
personajes, incluso el dragón (s), en la forma en que
utiliza el movimiento de la cámara en las escenas de
acción, sino también los pequeños momentos de relativa
"paz y tranquilidad" en la película. Los que realmente
llevan la emoción y crea la atmósfera.
Otra diferencia para mí (de la escritura para la acción en
vivo) era que tenía mucha libertad en mi escritura, tal vez
más por el género que específicamente porque de ser para
la animación. El género de la fantasía épica significaba
que podía llegar a todas las clases de menos realistas y
detalles más simbólicos, y fantástico para el campo, así
como para los personajes. Me tuve que acostumbrar a que
en un principio, pero una vez que se abrió, era bastante
interesante. Y la dirección de arte impresionante hizo el
resto, por supuesto.
Lo que determina si un cortometraje va a funcionar bien?
Para los lectores que estén interesados en hacer sus
propias películas cortas, ¿qué consejos le darías a la
manera de hacer la historia efectiva? ¿Cuáles son algunos
errores comunes?
Sobre todo después de Sintel, donde el tiempo es de la
esencia y yo tenía mucho que decir, le aconsejo esto: sabe
lo que su historia es realmente. En una palabra, no más. Y
luego trabajar desde allí hacia el exterior, pero se adhieren
a ese núcleo, ya que lo necesitará para mantener la
atención durante la escritura (y post-producción). Para un
cortometraje, es especialmente importante saber que todo
lo que tiene que mostrar tenga un significado. De lo
contrario, ¿por qué lo demuestra? Y para el público, ¿por
qué verlo? Esto funciona a la inversa también: todo lo que
usted decide mostrar cobra sentido simplemente porque
usted ha elegido para mostrar a los espectadores. Por lo
tanto, lo van a tomar como algo significativo. Así que si
eso entonces no vale la pena, si esa escena, el diálogo, o la
secuencia en realidad no tiene sentido o tiene una conexión
o significado a la luz de su núcleo temático debe
deshacerse de él. Usted no tiene tiempo que perder. En
esencia, esto va para las películas también, pero más aún
por un corto. Por lo tanto, utilizar su tiempo en pantalla y,
a cada momento, para transmitir ese significado.
Todo es valioso.
Nathan Vegdahl (aparejo Personaje)
Si hay alguien que conoce el sistema de colgado Blender
dentro y por fuera, que eres tú. ¿Cómo surgió su interés
por la manipulación, en concreto, desarrollar?
La frustración, sobre todo. Y lo digo muy en serio. Para
mí, el aparejo es en su mayoría motivados por la
frustración como animador. La mayor parte del aparejo
que hago proviene del deseo de animar y frustrado con las
plataformas (a menudo el mío) que se interponen en mi
camino en lugar de salir de mi camino.
El aparejo primero que hice fue en realidad en XSI en la
universidad, y más tarde un poco en maya, también en la
universidad. En nuestras clases de animación nos dieron
las plataformas a menudo bastante terribles, así que yo y
un amigo mío comenzó secretamente creación y
distribución de equipos alternativos para las asignaciones,
orientados específicamente al ejercicio. Estas no eran las
plataformas de caracteres sino más bien como plataformas
de rebote de bola o girando las plataformas superiores, y
así sucesivamente. Y fue genial ver que casi sin excepción
las personas que utilizan nuestros equipos producidos
mejor animación. Y no había nada mágico acerca de las
plataformas. Se acaba de salir del camino y permitió a la
gente a centrarse en la animación en lugar de las torres.
Hice un poco de Blender aparejo en la universidad, entre
los que destaca una torre que hice para mi animación de
buceo en uno de los retos de animación
BlenderArtists.org. Ese equipo fue un antecesor muy
primitiva a mi equipo bípedo simple. Pero la mayor parte
de mi tiempo estaba ocupado por la escuela, y que usamos
XSI y Maya allí.
Para los principiantes leyendo esto, ¿podría describir
cómo se pasó de nivel de ser un completo novato a ser un
usuario profesional superior Blender? ¿Cómo se entrena?
Estoy bastante orgulloso de haber estado usando Blender
desde 1998, casi inmediatamente después de que fue
lanzado por primera vez en línea. Así, una gran parte de
ella es sólo tiempo dedicado a hacer en 3D y tiempo
dedicado al uso de Blender. Creo que fue realmente útil
que me metí en ella a una edad tan joven, porque entonces
yo no estaba tan preocupado por hacer las cosas "bien", y
no me siento mal si no terminar los proyectos. Y eso fue
muy propicio para simplemente explorar y aprender.
Mi formación en la universidad era también muy valioso.
En realidad no importa que yo no estaba usando Blender
en la universidad. Todos los conceptos importantes y las
técnicas de transferencia entre paquetes de software. De
hecho, la clase de animación más importante que tomé fue
un 2D dibujados a mano clase de animación impartido por
Tony White. Software ni siquiera era pertinente en ese
caso. Si usted realmente desea aprender animación,
recomiendo el estudio de animación 2D. Usted ni siquiera
tiene que ser bueno en ello. Soy muy malo en eso. Pero lo
que realmente me abrió los ojos a un montón de cosas que
yo no esperaba, sobre todo en términos de proceso de
pensamiento y la técnica.
Big Buck Bunny también fue muy importante para mí.
Pienso en él como mi "golpe de suerte." Honestamente, no
sé dónde estaría ahora sin ese proyecto. Prácticamente la
única razón por la comunidad Blender incluso sabe sobre
mí es por eso. Tuve la suerte de conseguir en él, y estoy
eternamente agradecido a Ton y Sacha por haberme
seleccionado como parte del equipo de Peach. Aprendí
mucho en ese proyecto, sobre todo aparejo. Big Buck
Bunny era más o menos la primera vez que hice cualquier
aparejo grave en absoluto. Fue muy atemorizante, pero de
alguna manera me tira a través sin dejar a todo el mundo,
y me salió el otro extremo mucho mejor para él. Y gracias
al material carrete fantástico, es también realmente lanzó
mi carrera.
¿Qué cree usted que los puntos fuertes y débiles de
Blender son en términos de rigging y animación, en la
actualidad? ¿Hay algún área a la izquierda que usted
piensa que necesita una reforma completa, o es ahora sólo
una cuestión de depuración, poner en orden las funciones
y de realizar mejoras incrementales en la usabilidad?
Creo que mi mayor frustración con Blender es el sistema
de armadura. Es una especie de un concepto fresco, pero
creo que en la práctica huesos sería mucho mejor como
objetos que como los datos dentro de un objeto armadura.
El razonamiento para esto es sutil y controvertido. Pero,
como un pequeño ejemplo, no puedes controles clave de
dos caracteres a la vez. Por lo tanto, me siento muy
afortunado de que no he tenido que animar una escena de
danza del oscilación en Blender. Hay otras cosas que el
sistema de armadura hace demasiado incómodo.
En relación con esto es la limitación de que las acciones
de animación puede contener un solo objeto / ID bloque.
Creo que eso es una gran debilidad en el sistema de
animación de Blender en estos momentos. Pero no es
también fácil de solucionar hasta que el sistema gráfico de
dependencias obtiene una gran actualización. Por lo tanto,
vamos a ver si sale bien en algún momento. Pero permitir
colecciones arbitrarias de datos de la animación dentro de
una sola acción sería hacer que el sistema de Blender
NLA mucho más poderoso y fácil de trabajar, y creo que
tal vez incluso permiten la simplificación de las interfaces
de animación (podríamos abandonar la distinción entre el
dopesheet y Editor de acciones , por ejemplo, que en estos
momentos es sutil y confusa incluso para usuarios
experimentados de Blender).
Pero creo que una de las mayores fortalezas de Blender
(por lo menos, después de la 2.5) es su sistema de
animación en realidad. He trabajado bastante
extensamente en Maya y XSI, y en mi experiencia
Blender es generalmente mejor. En su mayor parte, no es
debido a una sola cosa importante, sino más bien se debe a
una gran cantidad de pequeñas cosas. Blender siempre ha
tratado con rotaciones quaternion mucho mejor que
cualquier otro paquete que he usado, por ejemplo. Los
cuaterniones son bastante inútiles en Maya y XSI, pero en
Blender que sólo el trabajo, lo cual es fantástico para
cosas como las articulaciones de bola y cavidad, donde
bloqueo de ejes es un gran problema en otros paquetes. Y
editor de Blender gráfico hace un montón de cosas que
muchos paquetes de equivocarse.
¿Hay alguna característica en particular que usted cree son
especialmente subutilizados? ¿Cuáles son algunas de sus
características favoritas que crea que los usuarios
intermedios no podría saber?
Sinceramente, no estoy muy seguro. No sé lo que los
demás hacen o dejan de utilizar.
Creo que una de mis características favoritas para
animación está golpeando R dos veces para obtener la
rotación rueda de desplazamiento. A menudo uso que
plantear un control de plataforma sin tener que cambiar la
orientación de mi vista. También me mantenga pulsada la
tecla Mayús mucho al mover los controles del equipo de
perforación, lo que ralentiza la transformación que
permite un posicionamiento más preciso.
Blender 2.5 's dopesheet / Acción Editor le permite marcar
claves como claves principales, averías, o en betweens-. Y
que realmente puede ayudar a mantener su animación
organizado, especialmente para alguien como yo, que en
primer anime en el editor dopesheet (que más o menos
utilizar el editor de gráficos sólo para el pulido).
¿Cómo pueden los usuarios obtener más información
sobre la teoría de manipulación avanzada, métodos y
herramientas de Blender?
Al igual que con la mayoría de los aspectos del 3D, creo
que los mejores recursos tienden a ser bastante paquete
neutral. Los conceptos básicos de aparejos entre los
paquetes son bastante similares. Sólo tienen nombres
diferentes.
Por lo tanto, probablemente un montón de libros sobre
aparejo en XSI o Maya o Houdini o lo que sería aplicable
a Blender. Sin embargo, usted tendría que saber lo
suficiente como para ser capaz de traducir los conceptos y
técnicas, que no siempre puede ser trivial. Y algunas
funciones no transferir, por supuesto (aunque todavía
puede dar ideas).
En cuanto a los recursos específicos de Blender ir, no sé si
realmente hay mucho por ahí para el aparejo avanzado.
Hay libros que cubren lo básico, pero nada que conozco
que cubre temas avanzados.
Estoy jugando con la idea de comenzar una serie de
videos. No es seguro. Pero es algo que me gustaría hacer.
Si pudieras inventar alguna característica nueva verosímil
para una versión de Blender 10 años en el futuro, ¿qué
sería?
Basado en nodos modificadores y limitaciones basada en
nodos.
Tengo ideas muy particulares sobre cómo me gustaría que
estos funcionen, sin embargo. Sistema de Maya nodo tiene
algunas limitaciones desagradables inherentes a su diseño
que me gustaría evitar, por ejemplo.
Modificadores de Python sería grande, demasiado lento,
tal vez, pero sería una gran flexibilidad.
También me encantaría ver a Blender representar
rotaciones con cuaterniones internamente en lugar de
transformar con matrices. Esta cifra puede parecer menor,
pero que permitiría Blender para hacer un seguimiento de
la rotación de 720 grados en espacios arbitrarios en lugar
de sólo 360, lo que podría ser útil para ambas restricciones
y modificadores.
¿Qué consejo le darías a la gente que quiere perseguir
seriamente aparejo?
Animar. Si desea aparejo, que realmente debería aprender
a animar. Un aparejador que no anima es como un
diseñador de silla que no tiene un tope. Se puede hacer,
pero sabiendo lo que hace una buena plataforma va a ser
mucho más difícil si usted no utiliza las plataformas de ti
mismo.
Y cada vez que desea animar con un aparejo
(especialmente la suya!), Tome nota de lo que te molesta o
te frustra cuando usted lo usa, porque esas son las áreas
que necesitan ser mejoradas. No se limite a aceptarlo.
Cómo cabreado, y usar eso como motivación para pensar
en algo mejor.
Además, no demasiado atrapados en ser inteligente. He
tenido momentos antes de que se me ocurrió una solución
muy inteligente a un problema, sólo para descubrir que
cuando se utiliza la plataforma que una simple cadena FK
es mucho más fácil de animar con. Es increíble para
explorar soluciones ingeniosas y nuevas ideas, pero tienes
que ser honesto contigo mismo acerca de si son realmente
mejoras o no.
William Reynish (animador de personaje)
Cuéntame un poco acerca de la animación y el fondo
Blender. ¿Fue entrenado en animación tradicional?
No, ya se ha iniciado con 3D. He usado Blender de forma
intermitente desde 2000. La verdadera razón por la que
empecé a usar fue a causa de su (para la época) motor de
juego único, que le permiten reconstruir la lógica bastante
avanzada y gráficos sin tener que contratar a un
programador.
A medida que pasaba el tiempo, me interesa más en el
cine y la animación, así que se tomó un descanso y lo hizo
un poco de animación 2D en la Escuela de Cine de
Dinamarca. Esto resultó ser muy valiosa, puedo
recomendar cualquier persona interesada en la animación
3D para tratar de hacer un proyecto en 2D. Realmente me
ayudó a conseguir una comprensión más profunda de
cómo el tiempo, el espacio, el encuadre, y actuando obras
para crear una animación final.
Todavía me encanta hacerlo en 2D, pero es muy duro! En
primer lugar, es necesario, como, dibujar y rellenar. Me
gusta hacer las cosas realmente difíciles para conseguir la
sensación de movimiento a la derecha, pero la limpieza y
en betweening-No es muy divertido en 2D.
Por otra parte, hay momentos en los que estoy haciendo en
3D donde Ojalá yo pudiera sacar la maldita cosa, en vez
de ir a través de modelos de larga duración, texturizado,
rigging y procesos. En la animación de personajes 3D,
deformaciones puede volverte loco, pero nunca se tiene
que considerar que cuando se hace 2D-sólo tiene que
dibujar. Me encantaría ser capaz de hacer ciertas
deformaciones de una manera más fluida en Blender,
como parte del proceso de animación en lugar del proceso
aparejo.
¿Comenzó con otras herramientas de software, o dio a
desarrollar sus habilidades de animación y en el costado
Blender conocimiento del otro?
Sí a las dos! En la década de 1990 he usado un montón de
aplicaciones, tales como Macromedia Director, que era
una herramienta multimedia impresionante. He utilizado
varias aplicaciones de Mac 3D como Infini-D (utilizado
para crear RustBoy), Strata 3D (Myst), 3D Píxeles y,
finalmente, Cinema 4D. Como animador, también he
tenido siempre una debilidad por Softimage, que he usado
en varias ocasiones. Normalmente me digo a mí mismo
que si yo no estaba usando Blender probablemente yo
haría uso de Softimage XSI con su NLA impresionante.
Nunca me he preocupado mucho por Max y Maya, ambos
siempre han parecido innecesariamente torpe, complicado
y lento de usar. Soy consciente de que son herramientas
muy poderosas, pero requieren de instalación y
mantenimiento demasiado para mi gusto.
Has sido un animador principal en dos películas Blender
Foundation abiertos, y ambos han tenido un fuerte énfasis
en la animación de personajes, incluso aunque representan
estilos de animación muy diferentes. ¿Qué tanto las
diferencias estilísticas entre Big Buck Bunny y Sintel
influir en el aspecto práctico de la animación de los
personajes?
Eso hace toda la diferencia. El estilo de la animación está
interconectado con el estilo visual de la película. Big Buck
Bunny, es colorido y tonto buscando, pide un poco de
animación loco. Sintel es más realista, más sutil. Muchos
conflictos son internos. No hay sincronización de labios.
Creo que hacer algo como Sintel es una buena experiencia
a tener porque es más difícil ocultar la animación con
personajes tan malo realistas. Te obliga a ser muy
cuidadosos acerca de cómo animar las cosas como los
ojos, dedos, cuello, etc. Todo tenía que hacerse con más
cuidado.
En la honestidad, yo tendría que decir que me gusta hacer
animación de dibujos animados más. El estilo de Sintel es
casi demasiado cerca de la captura de movimiento para la
pena. Y cuando usted hace las cosas menos realistas, usted
puede tomar más ventaja de las cosas únicas que la
animación puede ofrecer.
¿De qué otras maneras se sus experiencias sobre los dos
proyectos diferentes?
Big Buck Bunny era una oportunidad de aprendizaje muy
importante para mí. Admito que fue muy difícil al
principio cuando llegué a Amsterdam. Yo estaba (más o
menos) el animador sólo allí. Nathan hizo una gran
animación, pero la mayor parte de su tiempo lo dedica a
los aparejos. Sacha hicieron algunos, pero estaba
constantemente la dirección, storyboard, y así
sucesivamente.
Por lo tanto, me fui con él y estaba decidido a encontrar la
manera de animar esta película. Es increíble lo rápido que
puede aprender cosas cuando te sientes como si tu vida
dependiera de ello. Y cuando usted es el único
responsable de la misma, no hay nadie más a quien
recurrir. Por lo tanto, me enteré de una cantidad increíble
de cosas.
Sintel era diferente. En primer lugar, fue invitado a unirse
al equipo de seis meses de producción. Ellos ya habían
trabajado durante muchos meses en la película, y Lee
Salvemini había hecho una animación increíble. Era más
relajado para mí, porque yo no tenía que llevar todo el
peso sobre mis hombros. Y luego Beorn y Jeremy llegó, y
Nathan tenía algo de tiempo para hacer la animación
también. Se sentía como estar en un equipo grande en
comparación con Big Buck Bunny.
¿Cuáles fueron los desafíos más grandes de la animación
en Sintel? ¿Cómo resolver los problemas que se
presentaron?
Supongo complicada dinámica del cuerpo y la animación
facial eran las cosas más grandes. Por alguna razón, que
terminó con la mayor parte de la animación facial en la
película, por lo que se convirtió en mi "cosa" en Sintel.
Hice todo lo que en la azotea, donde se encuentra con el
dragón Sintel, todo en la cabaña chamán, y el Sintel
"realización" escena al final. Todas estas cosas eran
mucho más acerca de la actuación de la acción.
En mi experiencia, algunas de las cosas más difíciles de
hacer en la animación es que los personajes no se mueven
mucho, porque entonces, ¿qué hacer? Usted no puede
esconderse en fast-motion blur, y los espectadores pueden
ver todos los detalles. Para las escenas de actuación, que
terminé usando de referencia de vídeo mucho, a veces
incluso la importación en el secuenciador de Blender para
que coincida con el momento de mi video. También hice
un poco de referencia de vídeo de interactuar con el
director Colin Levy para tener una idea de la escena.
Algunos de estos videos son bastante vergonzoso, pero
ayudó mucho.
¿Hay alguna característica particular de Blender o técnicas
que usted piensa que son subutilizadas?
Oh, sí! Para la animación creo que el secuenciador de
vídeo, rutas de movimiento, y dopesheet Extend (e-key)
están infrautilizadas. También me encanta usar autokeying
porque me ahorra golpear la tecla I cada vez que desee
insertar la llave. Muy pocas personas utilizan las rutas de
movimiento para rastrear los huesos en el espacio 3D. Se
usa para ver si sus arcos están muy bien y si el tiempo está
apagado o bruscos.
Creo proxies están infrautilizadas también. Esto es algo
bastante único para Blender, donde se puede definir un
carácter en un archivo. Blend y luego hacer referencia a
ella en cada escena para que usted lo necesita. Si realiza
un cambio en el carácter, se actualiza automáticamente en
todas las escenas.
¿Cuáles son algunas de tus funciones favoritas o las
técnicas que le gustaría más usuarios intermedios a
conocer?
Para mí, una de las características más importantes y útiles
que se han añadido en mucho tiempo es Rigify. Rigify es
un sistema autorigging fantástico que crea plataformas
increíblemente poderosas para usted, construido en
Blender 2.5. Se puede coincidir con cualquier proporción
que tiene y cualquier número de miembros y funciones.
Curiosamente, pocas personas parecen saber acerca de la
existencia Rigify, pero lo que realmente es genial. Para
mí, es increíblemente valioso. Me gusta la animación,
pero siempre estoy cansado por el fraude, lo que puede
tener para siempre y es muy técnico y no tan gratificante.
Rigify hace aparejo súper rápido y divertido.
Algunos de los que conocen la función existe, no sé cómo
utilizarlo correctamente. Permítaseme explicar. Lo que se
hace es que sólo tienes que presionar Shift + A y añadir un
meta-plataforma. Entra en el modo de edición, y que
coincida con el equipo de perforación con proporciones de
tu personaje. Luego, vaya a las propiedades de armadura y
encontrar el panel de Meta-Rig plantillas. Pulse Generar y
Rigify genera una nueva armadura completa con las
restricciones y controles avanzados. A continuación, sólo
el padre de su carácter de malla para esta armadura y
autoskinning uso. ¡Ya está! Ahora que ha conectado un
equipo profesional a su carácter, listo para la animación.
¿Cómo pueden los usuarios obtener más información herramientas de animación son bastante maldito bien.
sobre la animación de personajes y las herramientas de Algunas de sus características, tales como proxies, rutas
animación en Blender? de movimiento, modificadores de la curva de F-, que los
usuarios de otras aplicaciones envidia.
Bueno, descaradamente me conecto mi DVD de
entrenamiento que hice hace unos años llamado Aprende
animación de personajes con Blender. Parece que hay
tantas herramientas de animación y flujos de trabajo que
muy pocos conocen, así que creo que hay una gran
necesidad de más información sobre esto. La verdad no se
encuentra una gran cantidad de material de formación
aquí.

Cada animador que conozco tiene una copia del Kit de

Richard Williams 'Survival animadores. Si usted es un
animador y no lo ha hecho, entonces la culpa es tuya! En
serio, está lleno de buenos consejos y la información.

Si pudieras inventar alguna característica nueva verosímil

para una versión de Blender 10 años en el futuro, ¿qué
sería?

Yo comenzaría con un buen NLA. La corriente en la base

2.5 tiene que ser muy bonito, pero es demasiado limitado
para ser útil. No funciona correctamente con las
rotaciones, que es un requisito bastante básico. También
me encantaría tener un buen sistema de movimiento de
transformación para transformar el movimiento de un
personaje a otro, incluso si los nombres no coinciden con
los huesos y las proporciones son diferentes. Softimage
XSI MOTOR tiene para esto, y es realmente bastante
bueno.

En general, sin embargo, siento que las herramientas de

animación de Blender están infravaloradas. Blender tiene
puntos débiles en el modelado y renderizado, pero las
Versión traducida de capitulo 16.xhtml
Capítulo 16
Feifi el canario Plumíferos Takes Wing
En este capítulo, usted tiene una oportunidad muy especial
para echar un vistazo en el interior de Plumíferos, película
del mundo primer largometraje de usar Blender como su
principal software de animación 3D. Los creadores han
tenido la amabilidad me permitió el acceso a la plataforma
de Feifi el canario, uno de los personajes principales de la
película, y estoy muy contento de presentar una visión
general de este excelente ejemplo de manipulación de
dibujos animados de estilo.
La producción para Plumíferos se superponen con la
producción de Elephants Dream, y es difícil imaginar un
mejor contrapunto a las plataformas y Proog Emo
discutidos en el capítulo 13 que el personaje de Feifi el
canario (ver Figura 16-1 ), el interés amoroso de
Plumíferos. Considerando que los dos protagonistas de
Elephants Dream son eminentemente digno de ser amado,
Feifi es tan lindo y encantador como Proog y Emo son
inquietantes. Tanto por el carácter y el estilo, el modelado
y el aparejo de Feifi se hacen de manera muy diferente de
la de Elephants Dream.
Figura 16-1: Los diseños de uno de los protagonistas de
aves de Plumíferos

 Al presentar Feifi
 Las deformaciones faciales con Rejas
 Rigging una historieta del pájaro

Al presentar Feifi

Plumíferos se estrenó en Argentina el 18 de febrero de

2010. La película fue la primera de la historia de la
Argentina, todo-CG película de animación en 3D y
también el primer Blender hecha película. Los creadores
de Plumíferos de Manos Digitales estudio utilizó una rama
especial de Blender a los que hicieron sus propias
modificaciones, que fueron reintegrados posteriormente
en el tronco de código abierto de Blender para aparecer
como las características de Blender Blender 2.49 y 2.5.
Funcionalidad desarrollada durante el proyecto Plumiferos
se utilizó en la producción de Big Buck Bunny y Estilísticamente, Elephants Dream es realista y artificial
posteriores proyectos de fundación Blender. en casi una forma diametralmente opuesta a la forma en
que Plumíferos es caricaturesco y naturalista. Los
creadores de Plumíferos han creado un aspecto natural y
convincente del mundo para contar su historia in Lighting Figura 16-2: La malla Feifi, frontal y lateral
en Plumíferos es minuciosamente naturalista, mientras
Elephants Dream está lleno de resplandores surrealistas y
emanaciones. El trabajo en la dirección de la cámara en
estilo y Plumíferos es discreto, mientras Elephants Dream
utiliza a menudo encuadre dramático y ángulos de cámara
para mejorar la sensación de peligro e inquietud en la
película. En otros aspectos importantes, sin embargo,
especialmente en lo que se refiere este capítulo,
Plumíferos es mucho menos realista, y mucho más
caricaturesco, de Elephants Dream. Esta caricatura de
calidad completamente informa a la forma en que se
establezca la plataforma de arriba, como se verá en este
capítulo.

La malla Feifi

En cuanto a los contornos del wireframe de la malla en la

Figura 16-2 , las diferencias de estilo y carácter entre los
protagonistas y Feifi Elephants Dream está claro. Feifi es
redondeada y suave, con ninguno de los dientes de sierra y
la incongruencia de los personajes Elephants Dream. Feifi
es un personaje de dibujos animados lindo clásico,
completo con cabeza grande y ojos muy grandes, mejillas
hinchadas, la barbilla y la boca pequeña (en este caso
pico), y un cuerpo pequeño y redondeado. La malla del
cuerpo es liso, está limpio, y a primera vista parece
relativamente simple.
 convincente, sin embargo, de acuerdo con el estilo de
dibujos animados de la película, estas alas son mucho más
versátiles y expresivas que las alas de aves naturales.

Figura 16-3: alas de Feifi

De hecho, aunque la cabeza Feifi es claramente

caricaturesco en sus proporciones, el propio cuerpo en
realidad no es muy exagerado en absoluto. El torso, las
piernas y los pies son muy naturalista. Las concesiones
más importantes y complejas al naturalismo en la malla Feifi no es una malla ininterrumpida solo. Las alas y la
probablemente se encuentran en las alas, que se muestra cola se componen de piezas de malla que representan
en su posición de reposo en la Figura 16-3 . Es evidente muchas características que han sido modelados por
que se basan en un estudio considerable de alas de pájaro separado y se colocan juntos, como en la imagen de
reales, y las plumas de los componentes son despiece de la malla Feifi en la Figura 16-4 .
cuidadosamente organizado para dar una estructura
naturalista que se pueden animar de una manera
Estos segmentos se modela por separado por varias
razones. Es más modular que hacerlo de esta manera de
tener todas las piezas de malla conectados y, a estructuras
similares alas se utilizan para muchos de los personajes de
aves en Plumíferos, y es más fácil de reutilizar partes del
ala si están separados. Además, el uso de múltiples partes
de malla permite más materiales a ser aplicados a un
objeto. Cada malla intacta fue limitado a 16 materiales
diferentes en las versiones de Blender 2,4 x utilizados en
Plumíferos. A partir de Blender 2.5, esta restricción ha
sido levantada. Esto no era en general una restricción
particularmente limitante, porque es fácil de usar
segmentos separados de malla dentro de un objeto, como
se hace aquí. Por último, por separado modelar cada una
de las grandes características que conforman el ala da muy
buenos resultados y facilita algunas posibilidades
interesantes para el ala, lo cual plantea que se verá en un
poco más adelante en este capítulo.
Figura 16-4: Separe las plumas que forman las alas
Las deformaciones faciales con Rejas
En el capítulo 10 le miró brevemente en el uso de celosías
y su aplicabilidad a los efectos de estilo de dibujos
animados. Un inconveniente de enrejados en versiones
anteriores de Blender era cierta dificultad en la animación
de ellos, ya que se basó en el obsoleto sistema familiar
clave vértice en lugar de las teclas de la forma, que se
utilizan normalmente con las mallas.
Blender 2.5 le permite crear claves de forma para celosías,
por lo que esta situación ha mejorado mucho. La
plataforma Feifi toma la idea de utilizar celosías de la
distorsión de dibujos animados hasta sus últimas
consecuencias. Una gran cantidad de malla posando se
hace con celosías, y muy poco se hace con las teclas de
forma. Incluso deformación armadura tradicional es
mínima, en particular en el área de la cara. Además, Feifi
utiliza ganchos y crianza hueso para permitir
deformaciones complejas de celosía para ser controlado
por la armadura, de la misma manera mallas han hecho
otros pero sin teclas forma o controladores.
La Figura 16-5 muestra una vista de la cabeza de Feifi con
un andamiaje complejo de múltiples entramados. Cada
celosía cubre una porción específica de la malla e influye
en la parte de la malla definida por el grupo de vértices
citada en el campo VGroup en el modificador Lattice,
como se muestra en la Figura 16-6 . Se conectan un
gancho a las partes de la red que se va a deformarse por el
modo de edición, la selección de los vértices de celosía
que el gancho influirá, y luego presionando Ctrl + H para
crear un gancho. Por defecto, un nuevo vacío, se creará el
objeto gancho, en 2,5 un menú pop-up se van a preguntar
cómo desea crear el gancho. Este vacío es entonces
vinculado con el hueso hueso controlador apropiado.
Figura 16-5: Rejas modificación cabeza de Feifi
Figura 16-6: El modificador Lattice aplicado a un
grupo de vértices
Este enfoque se traduce en una plataforma de cara muy
expresiva. En la figura 16-7 se puede ver una pequeña
muestra de los tipos de deformaciones y expresiones
faciales posibles con este enfoque. La única parte de la
plataforma de cara que implica peso-pintado, hueso
deformado de malla es la porción de pico inferior, que se
abre por medio de un hueso. Las teclas de forma sólo son
utilizados para abrir y cerrar los párpados. En estos
ejemplos, una vez más, se puede ver el potencial de
enrejados para crear una exageración y, por ende estilo de
dibujos animados.
Figura 16-7: deformaciones faciales con una
combinación de celosía / armadura
Rigging una historieta del pájaro
El resto de la plataforma Feifi es igualmente interesante.
Usted puede ver la estructura ósea armadura entera en la
figura 16-8 . Aunque no está claro a partir de la imagen en
negro y blanco, la versión de Blender utilizado por el
equipo Plumiferos permite que los colores personalizados
de hueso, así como formas. Esta característica, que es
ahora estándar en Blender, fue desarrollado
específicamente para este proyecto por el equipo de pueden plantear con mucha flexibilidad mediante la
Plumíferos. manipulación de los puntos de control en la cadera y el
cuello, como en la Figura 16-9 . Esta zona, así como los
En la plataforma Feifi, el ala izquierda y las principales huesos posando para la cabeza y las piernas,
configuraciones de los huesos del pie son de color rojo, y está amañado y sin piel de una manera sencilla usando
el ala derecha y el pie son de color azul. Desde pintura de pesos, como se muestra en la Figura 16-10 .
animadores pueden trabajar en modo alámbrico o sin la
malla visible, puede ser difícil decir desde la izquierda a la Figura 16-9: Presentación del torso Feifi
derecha durante la visualización de la armadura desde el
lado. Es útil disponer de huesos de colores para distinguir
los lados. Bone colores están disponibles en versiones de
Blender actuales mediante la función ósea grupos.

Figura 16-8: La armadura Feifi

El aparejo de torso Feifi los que más se acerca a utilizar el

estilo de aparejo Has mirado en otra parte de este libro.
Columna Feifi es básicamente una cadena IK que se
Figura 16-10: pintura Feifi el torso de peso
Bastidores
Un lugar donde la plataforma Feifi es especialmente
interesante está en las alas. Alas de modelado y rigging y
plumas presentan una serie de retos que no son fáciles de
abordar mediante la función de armadura de malla de
deformación.
El equipo de perforación Feifi básicamente rompe
movimiento de las alas en componentes correspondientes
a algo como colgajo, rizo, y el ventilador, con cada uno de
estos componentes controlados en su mayoría de forma
independiente de los otros, como se muestra en la figura
16-11 .
Figura 16-11: Los componentes principales del
movimiento de las alas de Feifi: curl de aletas, y el
ventilador
El ángulo del ala Feifi a su cuerpo está determinada por la
rotación de una línea circular similar a hueso de ratón
situado por encima del hombro. El enrollamiento dentro
del ala es controlado por una cadena de huesos FK se
extiende horizontalmente desde la zona del hombro; esta
configuración permite mucho más flexible que presenta un
ala de pájaro natural, que es apropiado para un personaje
de dibujos animados de aves que probablemente tenga que
usar su ala como una mano de vez en cuando. Por último,
el abanico de las plumas de las alas, un elemento clave de
ala expresivo posando, está controlada por la ampliación
de los huesos personalizados con forma de acordeón en
posición horizontal debajo de cada ala.
Este tipo de flexibilidad sería difícil de lograr utilizando
pintura peso sólo y deformación del inducido. De hecho,
la mayoría de ala Feifi de presentación no se logra con la Figura 16-12: La malla planteada, celosías, y lleno
pintura peso. Más bien, como en el caso de las armadura: flap, curl, y el ventilador
deformaciones faciales, el aparejo de alas Feifi se
soluciona con celosías.

Feifi alas están modificados por cada dos redes, una que
controla solapa y que controla la curvatura de las alas. Las
celosías a su vez son controlados mediante el uso de
ganchos criaron a los huesos inducido apropiadas, como la
deformación facial. Enrejado enrollamiento Una sola ala
se ve influida por 25 modificadores de gancho separados.
Figura 16-12 muestra un ala postura, las deformaciones de
celosía que se acompañan, y una vista completa de todas
las capas de la armadura.

La única parte de la pose del ala que no está controlada

por retículos es el mecanismo Fanning. Para avivar las
plumas, deformación armadura tradicional se utiliza, en
que cada pluma está totalmente separado modelado
asignada a su propio hueso, como se muestra en la figura
16-13 . Cada pluma sigue el movimiento de su hueso de
gobierno mientras que permanecer rígido.
Figura 16-13: Un segmento de malla de pluma colocan en las puntas. El padre de los huesos de control es
totalmente asignado a un hueso deforme el hueso str_proha.L.

En Pose modo, cada uno de la pluma deformar huesos está

limitado utilizando una restricción de la canción Lock
para apuntar hacia la ubicación de su hueso de control
respectivo. Escalado de la matriz de este conjunto de
huesos tiene el efecto de ampliar los huesos de control de
sí mismos y sus distancias unos de otros, mientras que
también cambiar la ubicación del punto a que se criaron.
Mientras esto sucede, el seguimiento de los huesos de
plumas se deforman hacia los huesos de control de
resultados en los huesos se deforman separando uno de
otro, como se muestra en la figura 16-15 .

Figura 16-14: El mecanismo de ala Fanning en el modo

de edición

La propia Fanning es controlado por un ejemplo muy

inteligente de un tipo de aparejo mecánico que no suelen
encontrar su camino en armaduras de caracteres. Para
entender cómo funciona, es útil primero para mirar la
configuración en su posición de reposo en el modo de
edición, como en la Figura 16-14 . Situado en el extremo
de cada hueso deforme es un hueso pequeño control (los
huesos con nombre con el prefijo tar_roja). Estos huesos
no tienen una relación directa a través de la crianza de los
huesos se deforman plumas, sino que simplemente se
Figura 16-15: El mecanismo abanico de plumas en la
acción
Como se puede ver, a pesar de la aparente sencillez del
carácter Feifi, la plataforma es una construcción bastante
compleja. El resultado es una muy expresiva, de carácter
poses que puede permitir a un animador para crear una
amplia gama de acciones y emociones de forma rápida y
sencilla. Aunque algunas de las técnicas utilizadas en este
equipo sin duda merecen ser descritos con mayor detalle,
espero que los planteamientos que hemos revisado en este
capítulo le dará una idea de las posibilidades disponibles
para los personajes en Blender aparejos y tal punto que
hacia algún soluciones por su cuenta para sus necesidades
específicas. rigging
Muchos de los miembros del equipo central creativos del
equipo Plumíferos han pasado a crear Licuadora Studio y
participó en Sintel como el "equipo de Argentina" fuera
del sitio contribuyentes. Usted puede encontrar más
información sobre el trabajo de animación de Blender
Licuadora en mi libro con Claudio Andaur, Licuadora
Studio Projects: Digital-Moviemaking (Sybex, 2010).
Versión traducida de capitulo 17.xhtml
Capítulo 17
Otro software y formatos
Tan potente y versátil como Blender es decir, no hay un
programa que se puede hacer todo lo que los gráficos por
ordenador animador tiene que hacer. Algunas tareas, como
la creación de texturas 2D o edición de sonido, requieren
un tipo completamente diferente de software. Incluso para
las tareas que puede realizar Blender, algunas personas
prefieren (o requieren) para utilizar varias aplicaciones 3D
para diferentes tareas.
En este capítulo se ofrece una breve descripción de
Blender interacción con otros programas. Lo primero que
se verá en una variedad de formatos de archivo que se
pueden importar y exportar hacia y desde Blender. A
continuación, usted aprenderá acerca recomendadas
paquetes de código abierto de software para diversas
tareas en la creación de animaciones CG completamente
desarrolladas.
El capítulo concluye con algunos cambios en la actualidad
en las obras de Blender. Desarrollo de Blender no espera a
nadie, pero al momento se publique este libro, una nueva
versión puede haber sido puestos en libertad o puede ser
programado para salir muy pronto. Aquí, usted aprenderá
acerca de las actualizaciones y las mejoras programadas
para que tenga una idea de qué esperar y cómo se
relaciona con la versión incluida en los archivos del libro
de compañía descargables
 Importación y exportación de otros formatos de
archivo
 Software de código abierto útil para Blender Artists
 Mezclando hacia el futuro (cercano)
Importación y exportación de otros formatos de
archivo
Blender ha tenido tradicionalmente basada en comandos
de importación y de apoyo a la exportación para una
amplia variedad de formatos y software. El recode 2.5 ha
acompañado a una revisión completa de la API de Python,
así scripts viejos se encuentran actualmente en proceso de
ser re-escrita y algunos formatos pueden no ser
compatibles inmediatamente. Usted debe, por supuesto,
probar exhaustivamente cualquier script que va a utilizar
antes de planear para colocarlos en una línea de
producción.
En el momento de escribir esto, la versión beta oficial
segundo del software, Blender 2.54 acaba de ser puesto en
libertad. Soporte para importar a esta versión está
disponible para los siguientes formatos:
 COLLADA (. Dae)
 Motion Capture (. Bvh)
 3D Studio (.3 ds)
 Wavefront (. Obj)
 Lightwave Punto de caché (. Mdd)
El apoyo a la exportación de Blender está disponible
para los siguientes formatos:
 COLLADA (. Dae)
 Stanford (. Ply)
 3D Studio (.3 ds)
 Autodesk FBX (. Fbx)
 Wavefront (. Obj)
Software de código abierto útil para Blender Artists
Una gran cantidad de software puede ser útil en algún
momento de una creación de contenidos en 3D ahora
gasoducto aplicaciones más de lo que puede cubrir aquí.
En parte por razones de espacio, me limito esta lista para
las aplicaciones de código abierto más importantes.
También supongo que los lectores están familiarizados
con al menos las opciones más conocidas de propiedad en
áreas tales como la creación de contenido 3D,
manipulación de imágenes y la edición de vídeo no lineal,
así que no es necesario enumerar explícitamente.
La mayor parte de lo que un animador 3D que tiene que
hacer se puede hacer usando una combinación de software
que se enumera aquí. Este es un breve resumen de las
alternativas de software libre en diferentes ámbitos, no
necesariamente una recomendación para cualquier
herramienta en particular.
Modelado
Estas aplicaciones de modelado tienen funciones o
capacidades que se pueden utilizar para aumentar las
capacidades propias de Blender modelado. Aunque otras
aplicaciones útiles están disponibles, los siguientes son los
que parecen ofrecer más a los usuarios de Blender:
Wings3D Wings3D es un 3D de código abierto paquete de
modelado con una gran cantidad de solapamiento en la
funcionalidad con capacidades de modelado de Blender.
La interfaz es diferente, y algunas personas les resulta más
fácil de usar. Wings3D permite polígonos con más de
cuatro lados, mientras que Blender se limita a quads y tris
para sus polígonos. Esto le da más flexibilidad en el
modelado, pero hay que convertir la geometría de utilizar
las mallas en Blender.
MakeHuman MakeHuman no es un paquete de modelado
tradicional, sino que es una aplicación que permite crear
un modelo de un ser humano mediante la selección de un
gran número de atributos disponibles y los valores de la
figura, que luego se crea automáticamente por el
programa. Las mallas Genera son de buena calidad mallas
quad, y es una buena solución si necesita un modelo de
figura convincente a ciertas especificaciones, pero no
quieren hacer el modelado de ti mismo. El software se
encuentra todavía en fase beta, por lo que su
comportamiento puede ser errática.
Texturizado y 2D
Texturas es un área crucial de modelado 3D que no se
puede hacer satisfactoriamente dentro de Blender (o con
cualquier otra aplicación de modelado 3D en general).
Aunque Blender puede crear una variedad de efectos de
textura de procedimiento, para las texturas realistas es
necesario utilizar un programa de manipulación. Además,
en algunos casos, debe crear imágenes en 2D. Estas
situaciones pueden requerir una aplicación de gráficos
vectoriales.
Gimp, Gimp GimpShop es la principal imagen de código
abierto de software de manipulación. Es una potente
aplicación con toda la funcionalidad que necesita para
utilizar fotografías o imágenes para crear texturas. Gimp
es a menudo comparado con Photoshop, el estándar propio
para la manipulación de imágenes, cuya funcionalidad
Gimp en gran medida emula. No es mi intención tratar de
hacer una comparación punto por punto entre las dos
aplicaciones aquí, si usted está en condiciones de decidir
cuál de estos paquetes para su uso en un entorno
profesional, le recomiendo que investigar el asunto a
fondo. Sin embargo, si usted está interesado en probar
Gimp pero se han aplazado por su no-Photoshop-como el
interfaz, GimpShop podría ser una solución. GimpShop es
una modificación de Gimp que deliberadamente imita la
apariencia de Photoshop en respuesta a las quejas de que
la interfaz propia Gimp fue deliberadamente intuitivo (es
decir: no es lo mismo como Photoshop). De hecho, para
los usuarios acostumbrados a Photoshop, GimpShop
representa una gran mejora en la usabilidad de Gimp.
Inkscape Si Gimp / GimpShop es la solución de código
abierto para Photoshop, Inkscape representa apuñalar a la
comunidad de código abierto en Illustrator. Inkscape es un
vector 2D paquete ilustración gráfica. Aunque no es tan
establecido como Gimp, Inkscape está creciendo en
popularidad y hace un buen trabajo de cubrir la
funcionalidad básica necesaria en una aplicación de
ilustración vectorial.
Sonido y Lip Sync
Si usted quiere hacer animaciones completamente
realizados, debe integrar el sonido. A continuación se
muestran algunas aplicaciones que le ayudarán a lidiar con
el sonido:
Audacity Audacity es un editor de sonido excelente
integral. Su escueta interfaz es muy fácil de usar, y te
permite editar y convertir archivos de audio de forma
rápida y sencilla. Junto con Blender y Gimp, que
representa uno de los puntos altos del software de código
abierto multimedia. Si va a trabajar con el sonido
utilizando software de código abierto, es necesario
Audacity.
JLipSync y JLipSync Papagayo es una aplicación basada
en Java para crear y exportar una línea de tiempo de los
fonemas basado en un archivo de sonido. Es muy similar
al paquete de software propietario llamado Magpie, y es
también similar a la libre (pero no de código abierto)
Papagayo sincronización de labios software, que
proporciona una función para tratar de adivinar
automáticamente fonemas basados en ondas de sonido. En
el momento de escribir estas líneas, un add-on está en
desarrollo para Blender que permitirá la importación de
Papagayo sincronización de labios de datos. Scripts de
importación de otros tipos de datos de sincronización de
labios es probable que esté disponible para Blender 2.5 y
versiones posteriores pronto.
Edición de vídeo no lineal y composición
Si desea crear cortos de animación totalmente
desarrollados o características, un sistema de edición no
lineal es un requisito. Los estándares propietarios son
Adobe Premiere y After Effects, Final Cut Pro y Avid. Por
gama alta de trabajo profesional, sobre todo si tiene que
trabajar con codecs propietarios profesionales o de soporte
de hardware específico, puede que tenga razón para
preferir una aplicación propietaria específica.
Blender propio editor de secuencias de vídeo es la
alternativa de código abierto, y ofrece un conjunto muy
respetable de herramientas para trabajar con vídeo. Es
lógico que el Editor de secuencia de vídeo sería
especialmente adecuado para trabajar con propia salida
CG animación de Blender, pero en realidad es una muy
poderosa herramienta de uso general de vídeo con soporte
de codec amplia y robusta. Puede obtener más
información acerca del uso de Blender para edición de
vídeo y composición en mi libro Mastering Blender
(Sybex, 2009) y en la Fundación Blender Composición
por Roger D. Wickes (amigos de ED, 2009).
Reproducción de video
Para reproducir la gran variedad de archivos de vídeo
disponibles, se necesita un paquete de codecs y,
probablemente, también de QuickTime instalado, aunque
no necesariamente tienen que utilizar el reproductor
QuickTime. Hay varias alternativas mejores para los
jugadores, pero el VLC Media Player es mi favorito. VLC
es un reproductor multi-plataforma capaz de soportar una
amplia variedad de codecs, y rara vez he encontrado con
un archivo de vídeo que no puede reproducir bien.
Colaboración
Los siguientes paquetes de software son para su uso en
proyectos de colaboración, en las que participa más de una
persona en el trabajo y, potencialmente, más de una
aplicación se está utilizando.
Collada Collada es un formato basado en XML diseñado
para utilizarse como un esquema estándar abierto, la
representación generales de información 3D para permitir
el libre intercambio de esta información entre varias
aplicaciones. Usando Collada (y el correspondiente
Blender Existen Plug-ins), debería ser posible compartir
datos entre Blender y Maya, 3D Studio Max, Softimage
XSI, y un número de otras aplicaciones compatibles.
Verso Verso es una herramienta para la creación de un
protocolo que permite la interacción en tiempo real entre
varios entornos 3D, como las de los paquetes de software
que acabamos de mencionar. Collada y verso son
complementarios en sus objetivos y enfoques. Un entorno
de contenido basado en el versículo creación puede
utilizar Collada como su formato, permitiendo a los
usuarios de aplicaciones múltiples, de creación de
contenido 3D para trabajar en los mismos datos
simultáneamente a través de una red. La Fundación
Blender es participar activamente en la promoción del
desarrollo en el verso, pero el desarrollo del Verso en la
actualidad va a la zaga de la última versión de Blender,
por lo que los usuarios de Blender 2.5 y versiones más
recientes que tenga que esperar.
Mezclando hacia el futuro (cercano)
Las nuevas características ya están disponibles en el
desarrollo SVN construye disponibles en
www.graphicall.org y algunos de ellos pueden estar en un
comunicado oficial en el momento en este libro está fuera.
(No es ningún problema para ejecutar varias versiones de
Blender lado a lado en el mismo equipo, así que si quieres
experimentar con un build SVN, puede hacerlo sin
abandonar la versión que tiene instalada.)
Algunos proyectos interesantes actualmente activos
incluyen una revisión de las herramientas de modelado de
malla de Blender, una plena integración de los poderosos
Freestyle render no fotorrealista línea, los avances en
modelado de Blender y la funcionalidad física. Puedes
estar al día con lo que los desarrolladores de Blender son
reales hasta marcando el blog Blender desarrolladores en
code.blender.org .
En el próximo capítulo, usted leerá acerca de algunos
recursos adicionales para aprender acerca de la
funcionalidad de Blender y mantenerse al día con lo que
está pasando en el mundo de Blender.
Versión traducida de capitulo 18.xhtml
Capítulo 18
Recursos para el aprendizaje posterior
En este punto, usted debe saber todo lo que necesita para
empezar con la animación de personajes en Blender. Hay
mucho más que aprender, sin embargo, tanto sobre
Blender y sobre la animación de personajes. En este
capítulo se dirige a los recursos para continuar su estudio
de estos temas.
En primer lugar obtendrá un resumen de tutoriales en línea
libremente disponibles en Blender y ofrendas pagados de
la licuadora e-Shop. Algunos de los tutoriales de
introducción se superponen en la cobertura de este libro y
podría ofrecer otro punto de vista que aprender. La
mayoría de los tutoriales de nivel medio y los recursos
estaré señalando, sin embargo, cubren aspectos del uso de
Blender que no he sido capaz de hacer frente a todos en
este libro. Familiarizarse con estos recursos también
pueden ayudarle a mantenerse al tanto de las nuevas
características y funcionalidades de las futuras versiones
de Blender.
A continuación, usted aprenderá acerca de algunos de lo
que creo que son verdaderamente indispensables libros
sobre infografía y animación. Si usted es un animador 3D
experimentado ya, es probable que tenga todos estos libros
en su biblioteca, y si no, debería hacerlo. Si usted apenas
está comenzando en el campo, estos libros resultan ser
valiosas referencias.
 Seleccionado Blender Recursos
 Recomendado para no específicos de Blender
Books
 On Becoming a Master Blender
Seleccionado Blender Recursos
En los últimos años, ha habido una explosión de recursos
de aprendizaje para Blender, desde tutoriales en línea de
libre acceso a los libros publicados comercialmente en
DVD y cursos de formación. Esta sección le orientará en
la dirección de lo mejor de estos recursos.
La licuadora e-Shop
La mayoría de los productos de la mejor formación
comercial para Blender están convenientemente
disponibles en un solo lugar: la propia Fundación Blender
e-Shop, ubicada en www.blender3d.org/e-shop/ . Mejor
aún, las compras en la licuadora e-Shop se destinan a
apoyar el desarrollo del software, por lo que el e-Shop el
recurso ideal de las compras de una sola parada para las
mercancías de formación Blender.
En el e-Shop, podrás encontrar todos los DVDs
disponibles Blender abrir la película, así como los DVDs
de entrenamiento spin-off del Taller Open Movie. Se trata
de DVDs de entrenamiento creadas por los artistas más
importantes del mundo de Blender que cubren una amplia
variedad de temas. Animación William Reynish a
aprender personaje usando Blender, FAQ Bassam Kurdali
de Mancandy, la Creature Factory de Andy Goralczyk, y
el Caos David Revoy y Evoluciones están disponibles a
partir de este escrito, y más títulos pueden haber sido
añadido por el momento de leer esto.
Por supuesto, las películas en DVD se abren, incluyendo
la épica Sintel de cuatro DVD set se muestra en la Figura
18-1 , están llenos de características adicionales incluyen
tutoriales y Creative Commons con licencia de bienes que
se pueden volver a utilizar en cualquier forma que desee.
La verdad es que no hay recursos mejores para intermedio
y avanzado Blender aprendizaje que aquellos directamente
de la Fundación Blender.
Figura 18-1: El paquete de DVD Sintel
Usted también encontrará libros seleccionados publicados
comercialmente (incluido éste) de varias editoriales que
cubren una amplia variedad de temas de animación de
Blender a la arquitectura para la edición de vídeo y
composición.
Al abastecerse en el e-Shop, no te olvides de echar unas
pegatinas y camisetas en su fin de apoyar el desarrollo y
decirle al mundo acerca de su software 3D favorito!
Documentación Oficial
Incluso con el material de aprendizaje de alta calidad
disponible en el e-Shop, habrá ocasiones en las que desea
trabajar con las nuevas funciones o características que no
son ampliamente tratados en los libros disponibles y
DVDs. Para más información acerca de estas cosas, será
necesario recurrir a la documentación oficial en la página
web de Blender.
El mejor hasta al día la información sobre las nuevas
características y funcionalidades para cada versión de
Blender son los registros de la versión para esa versión.
Puedes encontrar toda la liberación registra aquí:
www.blender.org/development/release-logs/
Para obtener la documentación general, mirar el Wikibook
Blender:
http://mediawiki.blender.org/index.php/Main_Page
Estos recursos deben hacerse cargo de la mayor parte de
sus necesidades de aprendizaje de Blender. Sin embargo,
dada la naturaleza de código abierto de Blender y la
comunidad activa alrededor de ella, a menudo hay cosas
interesantes que suceden en el mundo de Blender que no
vas a aprender acerca de cualquier wiki uno. Por esta
razón, vale la pena mantener el contacto con la comunidad
más amplia de Blender para estar al tanto de nuevos
recursos.
BlenderArtists Foro y BlenderNation
Blender tiene una comunidad muy activa, entusiasta y
servicial de los usuarios en http://blenderartists.org/forum/
. Aquí es donde hay que ir primero para preguntas técnicas
sobre el uso de Blender o cualquier otro tipo de ayuda
relacionada con Blender. Utilice la función de búsqueda
en primer lugar, y probablemente encontrará la respuesta a
su pregunta de inmediato. De lo contrario, publique su
pregunta en el foro adecuado, y una respuesta sin duda
vendrá rápidamente, a menudo en cuestión de minutos.
BlenderNation en http://blendernation.com es una fuente
actualizada de noticias Blender. Este es un buen lugar para
mantenerse al día con lo que está pasando en el mundo de
Blender. También cuenta con una de las mejores
colecciones de tutoriales y tutoriales en vídeo disponibles
en cualquier lugar de Blender.
Otros recursos en línea recomendados
Un gran número de tutoriales y recursos de aprendizaje
están disponibles para Blender en la Web, y más están
apareciendo todos los días. Es inevitable que voy a dejar
de mencionar a muchos que son excelentes, pero
seguramente se encontrará con ellos si leen y buscar temas
específicos en el foro BlenderArtists y BlenderNation. Sin
embargo, hay unas pocas fuentes excepcionales de
tutoriales gratuitos y de pago que se actualizan con
frecuencia con las técnicas útiles, novedosos y presentado
con un alto grado de profesionalismo.
Galletas Blender, ubicado en www.blendercookie.com , es
un sitio muy profesional donde se puede encontrar una
colección cada vez mayor de tutoriales en vídeo de
primera categoría por un equipo de reconocidos artistas de
Blender y profesores. Hay buen material para los
principiantes y los usuarios más avanzados, y Cookie
Blender ha sido uno de los líderes en la extinción de los
tutoriales de Blender 2.5.
Blender Andrew Price sitio web Guru (
www.blenderguru.com ) es un recurso ambicioso y de
gran alcance para los entusiastas de Blender. Tutoriales de
Andrew son muy bien presentado y comprensible y
siempre dan resultados convincentes. Mejor aún, Andrew
está abierto a solicitudes de la comunidad. Si hay un área
que le gustaría aprender más, le hizo saber, y él sólo puede
ahondar en él para su próximo tutorial.
Blog Kernon Dillon Blendernewbies (
http://blendernewbies.blogspot.com ) se ha convertido en
una de las fuentes más larga duración regularmente
actualizados para alta calidad tutoriales gratuitos. Kernon
abarca una gran cantidad de temas aquí, ya pesar del
nombre del sitio, el material suele ser de interés para los
usuarios intermedios.
cmiVFX ( www.cmivfx.com ) es un excelente recurso
basado en suscripción para contenido de alta calidad de
streaming video tutorial, incluyendo tutoriales sobre
modelado, texturizado, shading y de la piel, composición,
etc. CartoonSmart ( www.cartoonsmart.com ) también
ofrece tutoriales en vídeo de introducción de Blender, con
muestras disponibles libremente visibles.
Recomendado para no específicos de Blender Books
Animación CG es una de las formas de arte más
multidisciplinares que hay. Para ser un buen animador
CG, debe ser técnicamente inclinado y también dotado
artísticamente. Tienes que dominar el modelado,
texturizado, el tiempo posando, iluminación, renderizado,
y muchas otras habilidades. Y además de talento y las
aptitudes prácticas, también debe tener una gran cantidad
de conocimientos. Estos libros son una pequeña selección
de lo que considero ser de lectura obligatoria para
cualquiera que desee crear animaciones con Blender.
Animación de Personajes
La animación ha sido de alrededor de casi tan largo como
el cine, pero el arte de la animación de los personajes fue
perfeccionada por los estudios Disney en la década de
1930 y no ha cambiado mucho desde entonces. Las
técnicas utilizadas para expresar el movimiento y la
emoción en Los Increíbles no son sensiblemente
diferentes de los utilizados en Blanca Nieves y los Siete
Enanos. Estos libros cubren los principios de la animación
de los personajes, independientemente de las herramientas
técnicas que se utilizan para ponerla en práctica.
Animación por Preston Blair (Walter T. Foster, actual ed.
1987) Publicado por primera vez en 1948, este libro es
más o menos el texto clásico sobre la animación de
personajes. Casi todo en este libro ha aparecido desde
entonces en otros lugares docenas de veces, y cualquiera
que creció en los dibujos animados sábado por la mañana
probablemente ha adquirido la mayor parte del contenido
de este libro inconscientemente por ósmosis pura. Se ha
mantenido durante medio siglo como una guía
indispensable para los fundamentos de la moción carácter
y es un importante documento de la época en que entró en
animación por sí misma como una forma de arte
completamente desarrollado.
La ilusión de la vida de Frank Thomas y Ollie Johnston
(Ediciones de Disney, ed. Revisada, 1995) Este es un
bellamente ilustrado, tapa dura libro de mesa de café, que
también pasa a ser muy informativo para los animadores.
Se presentan los orígenes y métodos de animación creado
y utilizado por Walt Disney y los estudios Disney. Es
interesante no sólo como un documento histórico del arte
de la animación, sino también como una guía de los
principios y las ideas detrás de ellas. Hay mucho aquí que
no es en absoluto pertinente al trabajo de CG, pero si
usted tiene algún interés en absoluto en cómo la
animación se hacía antes del amanecer de la curva Ipo,
esto es de lectura obligatoria.
Kit de supervivencia del animador Richard Williams
(Faber & Faber, 2002) Este libro cubre muchos de los
mismos principios tratados por los otros dos libros que
figuran en esta lista, pero se destaca por la riqueza de
ejemplos visuales incluidos. Casi no hay texto impreso en
el libro enorme conjunto. Cada página está llena de
secuencias de animación dibujadas con texto escrito a
mano en las ilustraciones. Richard Williams es un
verdadero maestro del arte de la animación, y esto es lo
más probable es el más cercano de nosotros alguna vez se
llega a mirar por encima del hombro de la gente como él.
CG-Relacionado
Estoy dejando deliberadamente las referencias a una serie
de generales libros digitales de animación de personajes,
porque aunque hay muchos de ellos, creo que el estudio de
la vieja escuela de animación de personajes, junto con el
paquete propio software elegido un dominio, tiende a
hacer que estos libros un tanto redundante. Hay un
montón de determinadas técnicas digitales que necesitan
ampliar el embargo, asi que aquí enumero algunos libros
CG que en su mayoría se ocupan de cuestiones no
previstas en este libro o los tutoriales a los que me he
referido:
Detener la mirada de Jason Osipa (Sybex / Wiley, 2 ª ed.,
2007) Este es el libro por excelencia en el modelado y la
animación facial en 3D. Sincronización de labios y
expresiones faciales emocionales, se tratan en profundidad
y de una manera que es muy práctico para el artista
digital.
La construcción de un Humano Digital por Ken Brillante
(Laxmi Publications, 2005) Este libro cubre el modelado
de polígonos de una figura humana de principio a fin con
gran detalle. Realista modelado orgánico con polígonos
está lejos de ser trivial, y este libro hace un buen trabajo
de explicar la práctica y la teoría detrás de él.
Iluminación y Renderizado Digital por Jeremy Birn (New
Riders, 2 ª edición, 2006) Este libro hace un gran trabajo
de cubrir el tema de la iluminación y renderizado. Casi
todo lo que necesita saber acerca de la iluminación y las
luces que hay aquí, y la mayoría de ella es plenamente
aplicable al sistema de iluminación de Blender. En cuanto
a la representación, este libro le dejará con una idea
mucho más clara de las fortalezas y debilidades del render
interno de Blender y una comprensión de las diferencias
entre los diferentes motores de renderizado y trazadores
de rayos. El libro también hace un trabajo excelente de
poner de relieve las similitudes y diferencias entre la
iluminación digital y la iluminación tradicional de la
película y es genial buscando para arrancar. El libro de la
hermana de volumen digital texturizado y pintura por
Owen Demers es también un libro hermoso e inspirador,
pero en mi opinión le falta el enfoque práctico de la
iluminación y renderizado digital.
Inspirado Producción de Cortometraje 3D por Jeremy
Cantor y Valencia Pepe (Course Technology, 2004) Este
libro da una buena visión general de todo el proceso de
producción de una película de animación en 3D. A pesar
de que no entra en los pasos individuales en gran detalle,
que le dará una idea de cuál es el proceso y tiene una serie
de consejos prácticos para las personas que tratan de
empezar con un corto en 3D. Incluso si usted no tiene
intención de hacer todo el trabajo usted mismo, este libro
le ayudará a tener una idea de donde el animador encaja
en el esquema más grande de este tipo de proyecto. Es
también un libro de aspecto agradable con un DVD que
acompaña llena de entretenimiento e inspiración
animaciones cortas.
On Becoming a Master Blender
Si ha seguido los pasos de este libro, buscó ayuda en el
foro BlenderArtists, e investigó algunos de los recursos
mencionados en este capítulo, son, sin duda, bien a lo
largo del camino para convertirse en un maestro de
Blender. Como mejorar sus propias habilidades, ten en
cuenta que, como una aplicación de software libre con el
apoyo de la industria sigue siendo limitada, Blender
depende en gran medida de la energía y el entusiasmo de
sus usuarios. Sus propias contribuciones a Blender y la
comunidad tienen un peso especial. Estas aportaciones
pueden venir en una variedad de formas. Si usted es un
programador de primera clase en C o Python, usted podría
considerar la posibilidad de involucrarse en la
codificación de Blender o la creación de secuencias de
comandos útiles. La creación de buenos tutoriales y claras
es también una excelente manera de contribuir a la
comunidad (y aprender a!). Del mismo modo, ofrecerse en
el foro BlenderArtists a responder a las preguntas de la
gente con menos experiencia de lo que es también una
contribución importante. Y como artista, basta con la
creación de trabajo en Blender y dejar que se sepa tiene un
gran valor para la comunidad de Blender en general.

Espero que usted haya conseguido algo de lo que he

tratado de contribuir con este libro. Estoy deseando ver tu
trabajo.