Algunos párrafos sobre el arte conceptual

Por Sol Lewitt

El editor me ha escrito que él está a favor de evitar "la idea de que el artista es
una especie de mono que tiene que ser explicado por la crítica civilizada". Esto
debería ser una buena noticia tanto para los artistas como para los monos.
Espero justificar su confidencia. Para utilizar una metáfora de béisbol (un artista
quiso pegarle a la pelota y sacarla fuera del campo, otro quiere permanecer en
la posición y golpear la pelota para ser ponchada), estoy agradecido por la
oportunidad de salir de mí mismo.

Me voy a referir a la clase de arte en el que estoy implicado, como el arte

conceptual. En el arte conceptual la idea o concepto es el aspecto más
importante de la obra. Cuando un artista utiliza una forma conceptual de arte,
significa que toda la planificación y las decisiones se toman de antemano y la
ejecución es un asunto superficial. La idea se convierte en una máquina que
hace el arte. Este tipo de arte no es teórico o ilustrativo de las teorías, sino que
es intuitivo, está involucrado en todos los tipos de procesos mentales y es sin
finalidad. Por lo general, libre de la dependencia su habilidad de artista, como
el artesano. Para hacer su trabajo mental interesante al espectador, el artista
que tiene que ver con el arte conceptual por lo general quisiera convertir su arte
en algo seco emocionalmente. No hay razón para suponer, sin embargo, que el
artista conceptual deba necesariamente aburrir al espectador. Es sólo la
expectativa de un golpe emocional, al que el arte expresionista nos tiene
acostumbrados, que condicionaría a los espectadores a no poder percibir este
arte.

El arte conceptual no es necesariamente lógico. La lógica de una pieza o una

serie de piezas es un dispositivo que se utiliza a veces, sólo para ser
estropeado. La lógica se puede utilizar para camuflar la verdadera intención del
artista, para adormecer al espectador en la creencia de que él entiende la obra,
o para inferir una situación paradójica (como lo lógica vs lo ilógico). Algunas
ideas son lógicas en la concepción e ilógicas perceptualmente. Las ideas no
tiene por qué ser complejas. La mayoría de las ideas que tienen éxito son
ridículamente simples. Las ideas exitosas generalmente tiene la apariencia de
simplicidad porque parecen inevitables. En términos de ideas el artista es libre,
incluso de sorprenderse a sí mismo. Las ideas son descubiertas por la
intuición. Lo que la obra de arte parece no es demasiado importante. Va
parecer algo si tiene forma física. No importa la forma que finalmente pueda
tener pero debe comenzar con una idea. Es el proceso de la concepción y
realización a que se refiere el artista. Una vez dada la realidad física por el
artista el trabajo está abierto a la percepción de otros, incluyendo al artista. (Yo
uso la percepción de la palabra en el sentido de la aprehensión de los datos de
los sentidos, la comprensión objetiva de la idea, y al mismo tiempo una
interpretación subjetiva de los dos). La obra de arte puede ser percibida sólo
después de que se haya completado.

El arte que es para la sensación del ojo principalmente se llama percepción

más que conceptual. Esto incluiría la mayor parte óptica, cinética, la luz y del
color del arte.

Dado que la función de la concepción y la percepción son contradictorios (uno

antes, el hecho de otro post) el artista mitiga su idea mediante la aplicación de
criterios subjetivos a la misma. Si el artista desea explorar su idea de fondo,
entonces las decisiones arbitrarias o el azar se mantendría al mínimo, mientras
que el capricho, gustos y otros serían eliminados de la realización de la técnica.
El trabajo no tiene por qué ser rechazado si no se ve bien. A veces lo que
inicialmente se piensa como difícil, con el tiempo será agradable a la vista.

Trabajar con un plan que está configurado es una manera de evitar la

subjetividad. También evita la necesidad de diseñar cada obra, a su vez. El
plan podría diseñar la obra. Algunos planes que requieren millones de
variaciones, y algunos un número limitado, pero ambos son finitos. Otros
planes implican el infinito. En cada caso, sin embargo, el artista selecciona la
forma y las normas básicas que rigen la solución del problema. Después
cuantas menos decisiones se tomen en el curso de completar el trabajo, mejor.
Esto elimina lo arbitrario, caprichoso, y lo subjetivo tanto como sea posible.
Esta es la razón para usar este método.

Cuando un artista utiliza un método de múltiples modulares por lo general opta

por una forma simple y fácilmente disponible. La propia forma es de una
importancia muy limitada; se convierte en la gramática para el trabajo total. De
hecho, lo mejor es que la unidad básica sea deliberadamente sin interés, para
que pueda más fácilmente ser convertida en una parte intrínseca de toda la
obra. Utilizando complejas formas básicas sólo se perturba la unidad del
conjunto. El uso de un módulo sencillo estrecha el campo de la obra y
concentra la intensidad en la disposición de la forma. Esta composición se
convierte en la finalidad, mientras que la forma se convierte en el medio.

El arte conceptual en realidad no tiene mucho que ver con las matemáticas, la
filosofía, o con cualquier otra disciplina mental. La matemática utilizada por la
mayoría de los artistas es aritmética simple o sistemas simples númericos. La
filosofía de la obra está implícita en el trabajo y no es una ilustración de
cualquier sistema de la filosofía.

Realmente no importa si el espectador entiende los conceptos de la artista al

ver el arte. Una vez que está fuera de la mano del artista, este no tiene control
sobre la forma en que un espectador percibe la obra. Diferentes personas
entienden lo mismo de una manera diferente.

Recientemente se ha escrito mucho sobre el arte minimalista, pero no he

descubierto a ninguno que admita hacer este tipo de cosas. Hay otras formas
de arte en torno a las llamadas estructuras primarias, reductivas, eyectivas,
fresco, y el arte mini. Ningún artista que yo sepa se pone bajo alguna de esas
etiquetas. Por lo tanto llego a la conclusión de que es parte de un lenguaje
secreto que los críticos de arte utilizan cuando se comunican entre sí por medio
de revistas de arte. Mini-arte es el mejor porque le recuerda a uno de
minifaldas y chicas de piernas largas. Seguro que hace referencia a las obras
de arte muy pequeño. Esta es una muy buena idea. Tal vez el "arte mini"
muestra podría ser enviado en todo el país en cajas de fósforos. O tal vez la
mini-artista es una persona muy pequeña; decir, menos de 1,20m de altura. Si
es así, las mejores obras debieran encontrarse en las escuelas primarias
(estructuras primarias de la escuela primaria).

Si el artista lleva su idea y lo hace a través de una forma visible, entonces

todos los pasos en el proceso son de importancia. La idea en sí misma, incluso
si no se hace visual, es tan obra de arte como el producto terminado. Todos los
pasos intermedios, garabatos, bocetos, dibujos, obras fallidas, modelos,
estudios, pensamientos, conversaciones, son de interés. Aquellos que
muestran el proceso de pensamiento del artista son a veces más interesante
que el producto final.

La determinación de qué tamaño debe ser una pieza es difícil. Si una idea
requiere de tres dimensiones pareciera que cualquier tamaño iría bien. La
pregunta sería qué tamaño es el mejor. Si la cosa se hizo gigante entonces el
tamaño por sí solo sería impresionante y la idea puede perderse por completo.
Una vez más, si es demasiado pequeño, puede llegar a ser intrascendente. La
altura del punto de vista del espectador puede tener alguna relación con el
trabajo y también el tamaño del espacio en el que será colocado. El artista
podría colocar los objeto más altos que el nivel de los ojos del espectador, o
menos. Creo que la pieza debe ser lo suficientemente grande como para dar al
espectador toda la información que necesita para entender la obra y debe
colocarse de tal forma que facilite su comprensión. (A menos que la idea es de
impedimento y requiere de la visión o dificultad de acceso).

El espacio puede ser pensado como el área cúbica ocupada por un volumen
tridimensional. Cualquier volumen podría ocupar el espacio. Se compone de
aire y no puede ser visto. Es el intervalo entre las cosas que se pueden medir.
Los intervalos y las mediciones pueden ser importantes para una obra de arte.
Si ciertas distancias son importantes, será evidente en la pieza. Si el espacio
es relativamente poco importante puede ser regularizado, y uniformado (por
ejemplo con cosas puestas a la misma distancia) para mitigar cualquier interés
en el intervalo. El espacio regular también podría convertirse en un elemento
de métrica temporal, una especie de latido regular o el pulso. Cuando el
intervalo se mantiene regular todo lo que es irregular gana importancia.

Arquitectura y artes plásticas son de naturaleza completamente opuesta. La

primera se refiere a la toma de un área con una función específica. La
arquitectura, ya se trate de una obra de arte o no, debe ser utilitaria o no ser. El
arte no es utilitario. Cuando el arte tridimensional comienza a asumir algunas
de las características de la arquitectura, tales como la formación de áreas
utilitarias, debilita su función como arte. Cuando el espectador se ve abrumado
por el tamaño de una pieza, esta dominación hace hincapié en el poder físico y
emotivo de la forma a expensas de perder la idea de la pieza.

Los nuevos materiales son una de las grandes aflicciones de arte

contemporáneo. Algunos artistas confunden nuevos materiales con nuevas
ideas. No hay nada peor que ver el arte revolcándose en adornos llamativos.
En general la mayoría de los artistas que se sienten atraídos por estos
materiales son los que carecen de la rigurosidad de la mente que les permita
utilizar bien los materiales. Se necesita un buen artista para utilizar nuevos
materiales y convertirlos en una obra de arte. El peligro es, creo, que la toma
de partido por la naturaleza física de los materiales se vuelva tan importante
que se convierta en la idea de la obra (otra especie de expresionismo).

El arte tridimensional de cualquier tipo es un hecho físico. Lo físico es su

contenido más evidente y expresivo. El arte conceptual se hace para captar la
mente del espectador en lugar de su ojo o las emociones. Lo físico de un objeto
tridimensional se convierte en una contradicción con un uso no emotivo. Color,
superficie, textura, forma y sólo destacan los aspectos físicos de la obra.
Cualquier cosa que llama la atención y el interés del espectador en este mundo
físico es un obstáculo para nuestra comprensión de la idea y es utilizada como
instrumento expresivo. El artista conceptual podría querer hacer énfasis en la
materialidad tanto como sea posible o utilizarla de un modo paradójico (para
convertirla en una idea). Este tipo de arte, entonces, debe ser declarado con la
mayor economía de medios. Cualquier idea de que pueda ser mejor dicha en
dos dimensiones no deben decirse en tres dimensiones. Las ideas también
puede decirse con los números, las fotografías, o palabras o cualquier otra
forma en que el artista elige, la forma carece de importancia.

Estos párrafos no pretenden ser imperativos categóricos, pero las ideas

expuestas son lo más cercano posible a mi pensamiento en este momento.
Estas ideas son el resultado de mi trabajo como artista y están sujetos a
cambios como cambien en mi experiencia. He tratado de establecerlas con la
mayor claridad posible. Si los argumentos que hice no son claros, puede
significar que el pensamiento no es claro. Incluso al escribir estas ideas no
parecía haber inconsistencias obvias (algunas he tratado de corregir, pero otras
probablemente se me escapen). No soy partidario del arte conceptual para
todos los artistas. He encontrado que ha funcionado bien para mí, mientras que
otras formas no. Es una manera de hacer arte, otros artistas trabajan de otras
maneras. Tampoco creo que todo el arte conceptual amerite la atención del
espectador. El arte conceptual es bueno sólo cuando la idea es buena.

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