Arte: Una aproximación a su definición

En relación con la estética, la psicología y la

mercantilización.

INTRODUCCION

¿Que es el arte? La discusión sobre el arte, sobre la definición y naturaleza del

arte es una discusión que no esta saldada, que ha tenido diversas definiciones a lo
largo de la historia y que para ser un poco mas polémico es parte esencial del arte
mismo su diversidad de definiciones, es decir, no se llega a una definición que lo
abarque del todo. Se complica cuando relacionamos el arte con la estética.

Tradicionalmente ha existido la tendencia a limitar el arte a su función estética,

que es sin duda la que caracteriza cualitativamente al sistema. Además, el arte cumple
una función comunicativa, hedonista, ideológica, cognoscitiva, transformadora, como
veremos más adelante.

Es difícil pensar en el arte como una mercancía al nivel de camisas y zapatos. Se

tiende a pensar en el arte como algo superior al asignado a las fabricas y a la
producción masiva. El arte se concibe como algo único. Sin embargo hoy en día se
maneja el concepto de “industria cultural” para dar cuenta del ingreso de las obras de
arte al mundo capitalista, es un intento por la creación de contenido y consumo cultural,
en el que se aplican técnicas industriales y de reproducción mecánica para la
estandarización de contenidos simbólicos y masificarlos. Una cuestión crucial es
quiénes producen qué, dónde y para quién. Mas adelante veremos algunos teóricos

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que se oponen a esta forma de tratar al arte, y que en sus palabras, la globalización ha
matado al arte.

Por otro lado, ¿que hay de la psicología? ¿que es la psicología? Definirla es mas
difícil en la actualidad, por lo que apuntar hacia la diversidad de la palabra es lo que
mejor reflejaría el panorama de sus aproximaciones. Existe la aproximación vulgar de
la psicología, la visión académica y la aproximación sistemática, que visualiza a la
psicología como ciencia, pero una ciencia humanística, que incluiría eventos subjetivos,
holísticos, comportamentales, de personalidad, biológicos y sociales.

Podríamos también mencionar la síntesis histórica global en la que se consideran

3 etapas con tres objetos de estudio diferentes: el alma (desde el siglo IV a.C. hasta el
XVII); la mente o conciencia (desde Descartes hasta la llegada del conductismo); y la
conducta a partir de entonces. Pero se trata de análisis parciales, excesivamente
simplificadores de la auténtica realidad.. A lo largo de la evolución de la psicología
como disciplina independiente han sido varios los objetos de estudio considerados, de
ahí que en las múltiples definiciones sobre la psicología se haya considerado como
ciencia de la conciencia, de la conducta, de las funciones mentales, etcétera.

Desde el punto de vista del enfoque teórico y de la aproximación metodológica, si

uno repasa las aportaciones de Wundt, James, Wertheimer, Husserl, Dilthey, Pavlov,
Watson, Freud, etc., cuesta pensar en algunos casos que trabajen sobre lo mismo. Por
tanto, quizás sea más acertado hablar de psicologías y no tanto de psicología.

DESARROLLO

La experiencia estética es una de las formas de vincularnos con la realidad que

genera en nosotros una afectación de tipo emocional, que en principio no posee un fin
útil, pero que su valor primordial radica en mostrarnos la belleza, ¿pero para que sirve
la belleza? Estética proviene de una palabra griega que significa sensibilidad ante una
primera impresión, por lo tanto, en la estética resaltan mas las formas de las cosas que

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sus contenidos. Por ello hay una tendencia a considerarla frívolo y superficial, sin
embargo hoy vivimos en una época donde hay mayor estetización de la existencia,
nuestras sociedades posmodernas se caracterizan por haber hecho de la estética un
valor primordial determinante, lo estético se ha vuelto el lugar de acceso a cualquier
experiencia. Nuestra existencia se estética como parte de un proceso de
transformación de la imagen, vivimos tiempos donde no hay distinción entre la imagen
y su contenido, se difuminan. La imagen dejo de ser un referente para convertirse en lo
real mismo. Si todo es imagen los rasgos propios de la estética se vuelven los rasgos
de cualquier cosa, pero eso significa ¿que todo es una obra de arte? ¿Es lo mismo un
diseño de marca que una obra de Rembrandt? Lo cierto seria que si todo fuera arte,
nada seria arte.

¿Que es el arte? ¿Que entra en la definición de arte? ¿Cualquier persona puede

ser un artista? Una manera de definir el arte es como mimesis, palabra griega que
significa imitación; el arte seria una representación de la realidad, hay una belleza
natural que deseamos natural y entonces el arte la imita. La clave de la mimesis es la
idea de la representación, volvemos a hacer presente lo natural para nuestra
contemplación, un buen cuadro es el que mejor copia la realidad, la música no seria
mas que la reproducción de los sonidos naturales y la literatura el conjunto de relatos
que mejor reflejan las historias reales que pretendemos narrar, sin embargo esta
definición genera una serie de problemas: ¿que es lo imitable? ¿lo real tal como es, o
lo real en su expresión ideal? Por ejemplo ¿como se dibuja una figura humana?

Tal como es o tal como idealmente nos la imaginamos, en general el arte

mimético suele copiar no las cosas como son sino como deberían ser y así contradice
su propia definición. Si el arte mimético imita la realidad, ¿hay un consenso de qué es
lo real? No estamos duplicando el problema, ¿desde cual teoría definiríamos lo real?
Desde el psicoanálisis, o desde el materialismo dialéctico o desde la mera percepción
de los sentidos? Y la gran mayoría de las obras volcadas hacia la abstracción quedaría
absolutamente afuera de la definición de arte como mimesis. De hecho a la técnica
mimética se le considera hoy mas una destreza que una expresión artística. El arte

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nos proporcionaría cierta imagen del mundo, una revelación de el, que no es
conocimiento suficiente de una realidad.

Tal vez, hoy la forma mas difundida de pensar al arte es aquella que lo define
como Expresión o Expresar. Esta definición desplaza la cuestión de la definición de la
obra, al artista, ya que lo que vemos en la obra son las motivaciones de parte del
artista, es una definición que invierte la idea de arte como mimesis. Si la mimesis es
una duplicación de lo real y del objeto, la expresión entonces es una duplicación del
sujeto. Se busca transportar el estado de animo, la emoción, del sujeto a la obra.

El arte es expresión de una de las capacidades más asombrosas del ser humano;
la capacidad de trascender todo el conjunto de condiciones objetivas que le rodean,
favoreciendo alternativas de acción que conducen a nuevas opciones para el desarrollo
humano. El desarrollo humano no se produce por las alternativas objetivas que
aparentemente lo definen, sino por opciones de producción subjetiva imposibles de ser
reguladas desde fuera de la propia dinámica en que se engendran, de lo cual el arte es
una excelente expresión. En este sentido, el arte pasa a ser una excelente vía para el
estudio de la subjetividad y del funcionamiento social de un determinado momento
histórico.

El estudio del arte implica reconocer el carácter generador, productivo de la psique

humana, lo cual es un atributo esencial de su definición como subjetividad. La gran
diferencia entre la psique humana y la animal, es la capacidad del hombre de producir
nuevas realidades, de anticipar construcciones que no existen en la realidad y que son
la base de su acción.

Hablar de una Psicología del arte, nos lleva a pensar las cuestiones de la
creatividad, característica única en el ser humano, y los sentimientos, las fantasías, los
deseos, la cognición, los afectos y la imaginación, no solo del artista sino de toda una
sociedad entera en la que se gesta dicho arte. Por ello, la subjetividad merece una

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perspectiva histórico-cultural, porque cambia dependiendo de la su ubicación tempero-
espacial.

El arte es, sin duda, una producción de sentidos subjetivos, donde la singularidad
del artista representa el valor supremo de su creación. Claro que en esta creación es
inseparable de la sociedad y la historia, tan es así, que toda obra de arte es un medio
importante para el estudio de la época histórica en que fue producida.

El arte es una vía de reivindicación y legitimidad de la subjetividad humana que

está más allá de los modelos dominantes en la subjetividad social general, a través de
los cuales se organizan las diferentes prácticas institucionalizadas en la sociedad y de
la ciencia, por ello para visualizar al arte en relación a la ciencia se deben abandonar
dos grandes pilares: la objetividad y la racionalidad. No es posible comprender el arte
como manifestación humana sin reconocer una instancia de producción subjetiva que
no está mediada ni por el lenguaje, ni por ninguna forma de racionalidad.

A continuación, se enunciaran algunos postulados en relación al arte con la

ciencia. El certifico trabaja con conceptos racionales, y el artista con imágenes. La
ciencia produce conceptos y leyes que cumplen funciones cognoscitivas y
experimentales mientras que el arte provoca vivencias estéticas, el artista produce
obras individuales y subjetivas mientras que la ciencia busca objetividad y regularidad.
En ambos, en el científico y en el artista juegan un papel importante los procesos
motivacionales, afectivos e ideológicos. Y también en ambos tiene efecto las
regularidades que suponga la época y llegar en el que se encuentren y en la que
muestren sus respectivas obras.

Sin embargo el psicoanálisis, sin abandonar su carácter científico, profundiza en la

subjetividad y en la psique humana como un ente único, propio de cada individuo,
inherente a todo ser humano y productor de conductas, y productor de arte. El arte esta
llamado a ser un nuevo escenario de investigación psicológica partiendo desde las

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transformaciones teóricas y epistemologías que implica el reconocimiento de la
subjetividad.

Los vínculos entre arte y psicología son variados. La expresión artística ha sido
utilizada como instrumento diagnostico, terapéutico y modificador de la conducta por
parte de los psicólogos. Pero, la principal relación que existe entre ambos se basa en
el objeto de estudio de la psicología, Aunque, como hemos mencionado anteriormente,
este objeto ha cambiado de forma constante a lo largo del tiempo, pero siempre
teniendo como centro al sujeto, es decir, al hombre.

Los psicoanalistas, desde Freud se sintieron atraídos por el contenido de una obra
de arte que por sus formas, también se interesaron por la evocación de conflictos y
fantasías inconscientes en torno a la producción de la obra de arte. Encontrando
expresiones del complejo de medico, la violación, la castración, el incesto, etc.
Y el arte, por su carácter multifuncional involucra la movilización de todos los
procesos y fenómenos psicológicos y por tanto la personalidad entera. ¿que otra
actividad moviliza al ser humano tan integralmente, basándose precisamente en las
cualidades que lo convierten en un ser racional que lo distingue del mundo animal?

¿Qué hace a un gran artista?, crear, crear-se, crear-nos un mundo, cuando

escuchamos su música, vemos su obra plástica, o leemos su novela apasionante,
somos arrastrados a un mundo completamente nuevo, autónomo de todo lo conocido.
¿De que fuentes extrae su material el Creativo, como logra provocarnos tal impresión y
además despertar tremendas y a veces inimaginables emociones? Desde su mundo
Inconsciente nos lleva a vivir esas experiencias.

También podemos definir al arte como producción de belleza. Pero esta definición
no duplica el problema? ¿como definimos ahora que es la belleza? A a partir del siglo
XIX el concepto clásico de la belleza explota y la belleza se vuelve cada vez mas
relativa y mas subjetiva. Con los diferentes movimientos artísticos de principios del
siglo XX se va pasando de una idea de la belleza objetiva, racional y medible a una

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idea de la belleza mas cercana a la del exceso, lo irracional. Antes el arte De ese modo
tampoco hay consenso de que es en si la belleza. El concepto de belleza a cambiado
con las epocas, las etnias, la geografia, y las ideologias. Por lo tanto el juicio estético es
un juicio de valor. Puedo decir de una obra que es bella como El David o un concierto
de Bach pero lo puedo decir de todas las obras? La categoría de lo bello resulta
inadecuada a la hora de enfrentarnos a unas obras de arte de vanguardia o con al arte
pop, o surrealista. Por lo tanto la ocio de belleza debiera ser independiente.

Una definición que toma en cuenta la postura política del arte es aquella que
postulan las vanguardias: el arte como choque. El vanguardismo es un fenómeno de
principios del siglo XX que propone rebelarse contra las instituciones que separan el
arte de la vida. El arte se fue volviendo una actividad muy elitista y las vanguardias
proponen por un lado una arte que denuncia esta situación y un arte que llegue a
todos los estratos de la sociedad, lo que introduce el vanguardismo es el rol del artista
revolucionario así el arte se va volviendo mas provocativo, la pintura se escapa e los
cuadros, la música tiene olor la poesía sabor y el teatro actos, se trata de que el arte
choque en las instituciones artísticas tradicionales denunciando que en nombre del arte
se imponen intereses concretos, así se comienza a utilizar al arte como un recurso para
generar conciencia social. Reconciliar el arte con la vida es al mismo tiempo dotar a la
vida de un sentido creativo como también hacer del arte un arma para revolucionar la
existencia, pero el problema es que al desdibujar los limites entre lo artístico y lo
cotidiano, como hace Marcel Duchamp con el inodoro, tomar los objetos mas cotidianos
puestos en otro lugar, puede ser una obra otra porque por sobre todas las cosas nos
pone en evidencia en como todo inodoro puede transformarse en un hecho creativo.
Por lo tanto reconciliar al arte con la vida, se corre el riesgo de volverlo lejano.

El arte se reconcilia con lo cotidiano pero en su aspecto mercantil, se sale de una

institución para ingresar en otra mas grande, el capitalismo. Y ya no es posible ver al
arte desde fuera de esta globalización, si bien, solo al margen; pero siempre en
relación a un sistema. Cuando el arte se captura en ciertos parámetros al servicio del
sistema capitalista, se vuelve otra cosa, se vuelve mercancía y pierde su rasgo de

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rebelión al sistema para unirse a el como un objeto mas. Así la forma de acceso a las
obras dejo de ser la contemplación para pasar a ser una relación de posesión.

CONCLUSION

Hoy los limites para definir al arte son borrosos. El arte se ha expendido en una
infinidad de estilos, artistas, técnicas, y medios. Las concepciones y categorías
tradicionales ya no nos sirven para explicar los fenómenos estéticos contemporáneos.
Arthur Danto, se da cuenta de esta crisis y entiende que estamos viviendo el fin de la
historia del arte .

¿Qué diferencia hay entre los objetos que nos encontramos por la calle o en el
supermercado y lo que presentan los artistas como obras propias? Si hoy todo se ha
estetizado se vuelven difusas las fronteras que separan al arte de la realidad, en este
sentido para Danto, “El arte ha muerto”.

A la muerte del arte por obra de la globalización los artistas a menudo responden
con comportamientos que los sitúan a ellos mismos en la categoría de muerte:
protestan contra la cultura, protestan contra estetizacion, protesta y reniego contra todo
elemento de delito inmediato en una obra, Entonces en un mundo manipulado el arte
autentico solo habla callando.

Para Theodor Adorno la definición que le queda al arte es en su carácter de

denuncia, no rigiéndose por un proceso de consumo o por su valor de cambio. El arte
debe ser una resistencia contra el orden establecido, y sobre todo en un mundo
consumista debe alertar contra la alienación que las industrias culturales ejercen sobre
la ciudadania. Una obra de arte autentica no estaría allí para ser comprendida sino
para provocar una disonancia, una incomodidad, un disgusto. Dice Adorno, el valor de
una obra de arte reside en su resistencia a la mercantilizacion. Cuando el arte pierde su
autonomía e ingresa al circulo mercantil, deja de ser arte.

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 ¿Pero que significa que el arte ha muerto? ¿No es lo propio del arte el estar
trasgrediéndose, reinventándose, aparentemente? ¿No esta muriendo el arte todo el
tiempo, para no estancarse en ningún lugar estable, desbordando cualquier posibilidad
de demarcación?. Hoy vivimos la tensión entre una realidad estilizada en donde todo
parece mercantilizarse y el espíritu de la vanguardia que aun convive al arte como un
lugar de autenticidad y de protesta. No sabemos si un poema puede cambiar al mundo,
pero por lo menos lo puede poner entre paréntesis. Una experiencia estética, una
sensibilidad, puede generar una zozobra. Que interrumpa la paradójica cotidiana y nos
permita conectar a otra dimensión.

Entonces, ¿para qué sirve el arte? ¿cómo es planteable el problema de la utilidad

del arte? Al pensar al arte desde afuera de la utilidad nos podemos encontrar con una
fisura desde la cual podemos desmantelar tanto utilitarismo en la vida cotidiana, de que
todo lo que hacemos tiene que servir para algo. Es probable que como sostenía Oscar
Wilde el arte no sirva para nada en especial porque nos permite dejar de pensar que
todo tenga que servir para algo o para alguien.

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