ENSAYO

Reflexión en torno al proceso de Creación

La creatividad y el artista Contemporáneo en la Cultura masiva.
Alondra Velázquez

Para comenzar a hacer una reflexión en torno al proceso creativo que tiene un
artista visual actual y su convivencia con la cultura de masas, debemos comenzar por
definir el concepto de creatividad, para que posteriormente nos sea más sencillo
comprender hacia donde queremos dirigir la investigación y nos sitúe dentro de una
situación espacial específica.

Entendemos la creatividad como el proceso de presentar un problema a la

mente con claridad (ya sea imaginándolo, visualizándolo, suponiéndolo, meditando,
contemplando, etc.) y luego originar o inventar una idea, concepto, noción o esquema
según líneas nuevas o no convencionales. (Alfonso Paredes Aguirre, Desarrollo de la
Creatividad).

Dada la definición anterior, comprenderemos que la creatividad se entiende

como la capacidad de realizar algo nuevo, útil y valioso. Cuando una persona va más
allá del análisis de un problema e intenta poner en práctica una solución se produce un
cambio. Esto se llama creatividad: ver un problema, tener una idea, hacer algo sobre
ella, tener resultados positivos.

Ser creativo significa tener a la capacidad para dar respuesta a situaciones

inesperadas por medio de diversos escenarios posibles; generar e integrar elementos
innovadores; utilizar inteligentemente una serie de recursos como son la memoria, la
experiencia, y sobre todo la imaginación; la capacidad de integrar un conocimiento en
otro campo del saber (lo transdisciplinario), es por esto que para la sociedad común ser
creativo es sinónimo de genio, loco o artista.

Giorgio Vasari, en sus célebres biografías, describe a los artistas de su tiempo: son
extraños, fantasiosos, caprichosos, sucios, depresivos, melancólicos. (Giorgio Vasari,
Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos).

Por lo común existen dos aspectos en el proceso creador artístico: aquello que
produce en el artista un despertar creador mediante el impacto que producen sobre su
conciencia las ideas, visiones y conceptos que capta él mismo y a las que da forma; y
las formas que crea, que pueden estar revestidas de belleza, utilidad práctica, color,
palabras, sonidos musicales, etc; de manera que detrás de la forma se halla la idea
percibida a la cual el artista creador trata de dar expresión.

Freud creyó que había encontrado la clave en su método de relacionar la obra de

arte con las experiencias personales del artista. Lo que hizo Freud fue establecer en su
escrito “El interés del psicoanálisis para la Estética” que la neurosis tiene origen causal
en la zona psíquica y que surge de estados emocionales y experiencias de la infancia,
reales o imaginarias. Es innegable que la disposición psíquica del artista compenetra la
raíz y los derivados de su obra. Aunque no es nada nuevo asegurar que los factores
personales influyen en gran parte en la elección del tema artístico u objeto de estudio
para la creación artística, así como en el empleo de los materiales. Sin embargo, debe
reconocérsele a la escuela freudiana el mérito de demostrar el gran alcance de esta
influencia y la forma curiosa en la que se expresa.

El artista antes de ser creador es un ser humano, que vive y se desenvuelve

siendo parte de una sociedad determinada, y esto puede influir directa o indirectamente
en su obra artística.

El secreto de la creación artística y de la efectividad del arte reside en el nivel

de experiencia que vive el hombre y no el individuo, y donde la felicidad y el dolor de
un solo ser humano no cuenta, sino la existencia humana. He aquí por qué toda gran
obra de arte es objetiva e impersonal y, sin embargo, nos conmueve profundamente, y
también por qué la vida personal del artista no puede considerarse esencial para su
arte, sino a lo sumo una ayuda o un obstáculo a su tarea creadora. Podrá seguir el
camino de un filisteo, de un buen ciudadano, un neurótico, un ingenuo o un criminal.
Su vida personal puede ser inevitable o interesante, pero no explica al artista. (Dr. C.
G. Jung. “El Hombre Moderno en busca de su Alma”)

Como leímos anteriormente, según Jung, la vida personal del artista no influye
directamente en la elección del objeto de creación, pero si juega un papel importante en
su dinámica, y este a su vez forma parte de un engrane más grande, la sociedad en la
que convive y se desenvuelve.

Entre varias definiciones del concepto de sociedad cultural y de la cultura de

masas, encontramos a Juan Gonzalez-Anleo, quién en su libro “Para comprender la
Sociología” plantea que “la cultura de masas surge en el mundo occidental como un
magnífico producto de la sociedad de consumo”. Nos dice también “Cuando culminó
la primera colonización industrial de las sociedades occidentales, se inició una
segunda colonización industrial, en profundidad: la del alma humana, con todas sus
producciones, imágenes y sueños.”

Ortega y Gasset, por su parte en “La rebelión de las masas”, diferencia minoría y
masa: “masa es el hombre medio”, es quien “no se valora a sí mismo…sino que se
siente como todo el mundo…y, sin embargo, no se angustia”.

Debido a esto la cultura, o lo que habitualmente entendemos por cultura, la vida

privada, los estilos personales, las ideas, los sueños e ilusiones empezaron a ser
fabricados a escala masiva. Y vendidos en el mercado. Este fenómeno es el llamado
cultura de masas.

Teniendo esta información en cuenta es importante mencionar las consecuencias

artísticas que implicó el surgimiento de la cultura de las masas. Una de ellas es el
origen del llamado Arte Pop: Un movimiento artístico que nace en 1954 cuando
Lawrence Alloway utiliza por primera vez este término. Con esta abreviatura Alloway
se refería al arte popular que estaba creando la publicidad de masas, y que tenía como
objeto principal los intereses colectivos del pueblo, aunque éste no fuera su
destinatario. Se trataba de un arte ciudadano, originario de las grandes ciudades y
totalmente alienado de la naturaleza, un arte que usaba imágenes conocidas con un
sentido diferente para obtener una nueva estética o para conseguir una visión crítica de
la sociedad de consumo. Londres y Nueva York son las cunas del arte pop. Fue en
Gran Bretaña donde surgió la primera obra verdadera que se conoce, un collage de
Richard Hamilton titulado “Sencillamente, ¿qué hace que los hogares de hoy sean tan
diferentes, tan llamativos?”

Pensar el arte hoy al margen de las transformaciones comunicativas y culturales

que atraviesan las mayorías en su vida cotidiana puede impedir la comprensión de los
cambios culturales y las consecuencias artísticas que tienen debido a la aparición de
estos nuevos fenómenos de las masas.

Con los nuevos medios y soportes digitales conocidos como mass media (audio,
video, programas multimedia, redes sociales, etc) el acceso a la creación resulta más
fácil que nunca.

Tal vez esto sea la razón por la cual mucho de lo que se produce hoy, en los
diversos campos del esfuerzo creador, no encierra una idea verdadera; la forma no
encarna algo real, excepto la vaga ambición de hacer algo que llame la atención para
satisfacer un anhelo innato de ser reconocido o una necesidad interna de expresar algo,
un algo tan nebuloso e indefinido que el impulso no es adecuado para construir la
forma.

Pese a todo esto, se sigue creando, se sigue componiendo o pintando, aunque

resulte ya muy difícil explicar el arte actual con los criterios estéticos tradicionales, y
más aún conviviendo en una sociedad donde constantemente es invadido por conceptos
como “si todo objeto puede ser una obra todo individuo puede ser artista”, puesto que
como dijimos anteriormente si la sociedad de masas es la consecuencia inevitable de los
procesos modernos de democratización y tecnificación, hay que aceptar como lógico
también que la masa quiera sentirse protagonista cultural en una época en la que existen
los medios técnicos para que esto suceda.

¿De que manera la cultura de las masas aporta ingredientes a la creación de la

obra artística en México? ¿En qué condiciones y bajo qué formas hay arte y cultura en
la era de los medios?
 Aunque , en definitiva, no existen los destinos fatales ante la técnica o la
masificación, al contrario, más bien un campo infinito de posibilidades que abren
nuevos caminos estéticos y culturales si las sabemos utilizar y aprovechar de manera
adecuada, concibiendo la realidad no con nostalgia sino como reto.

Lo que pretendemos hacer con esta investigación es una crítica constructiva

donde se sitúe en un orden espacial las circunstancias de vida con las que convive un
artista contemporáneo en México, para así poder comprender de mejor manera su
proceso creativo y su producto final, que es su obra visual; así como su opinión sobre la
actual cultura de masas, la influencia que esta posee en su trabajo, y la apertura a un
mundo de posibilidades en el arte contemporáneo que serán dadas por los mismos
artistas, que siguen creando de la mano, para bien o para mal, de esta nuestra cultura
masiva.