PERIODICO DI INFORMAZIONE, ATTUALITÀ E CULTURA MUSICALE

FESTIVALI IL DRAMMA SOL7 SOL SOLE di Romina Ciuffa

NUMERO 16 > Inverno 2011
di Rossella Gaudenzi
DEL TONNO
di Flavio Fabbri

Periodico di informazione, attualità e cultura musicale a cura del Saint Louis College of Music
al nome s’intuisce

D che la natura degli

jazz ce l’ha nelle corde da sempre. Susanna
Atome Primitif è sin-
cretica all’origine. Si ispi-
rano ad un monaco fran-
cese, in inglese cantano i
testi, a Roma hanno ini-
ziato a muovere i primi passi in musica ma
vogliono l’Europa. Azzurra Giorgi (voce), ro sul mio aereo ieri, sorvolavo la montagna.

Il Stivali, cantante, songwriter, compositrice,

ha deciso di perfezionarsi presso il Berklee
College of Music di Boston per respirare l’aria
di puro jazz ed entrare in contatto con le perso-
nalità complesse, articolate che per questa musi-
ca e con questa musica hanno deciso di vivere.
Tanto. Oltre a prender parte ai maggiori festival
del settore, nazionali e non, e ad imprimere la
propria personalità ai progetti che portano il suo
nome, A secret Place e Piani diversi, imprezio-
siti dalla collaborazione di artisti quali Lee
Konitz e Ramberto Ciammarughi. (...)
Giacomo Ferrera (basso), Claudio Cicchetti
(batteria) e Clelia Patrono (chitarra) hanno pub-
blicato il loro primo album ufficiale per l’eti-
chetta indipendente Urban49, Three years, three
days. Il titolo è un duplice riferimento alla fase
della gestazione e ai tempi record di registrazio-
ne in studio: tre anni trovano sintesi in tre gior-
ni. Il dramma di un tonno è il primo estratto, con
un video che merita l’oceano. Mentre una grata
arrugginita lo divide dal mare. Gli Atome
Primitif hanno pinne per un’acqua europea, e
non per una zuppa di tonno nostrana. (...)
E La nevicata del 17 dicembre, volevo vedere
se è vero che i fiocchi hanno ali d’aliante e
che ci sono delle città, dopo la neve, che si
costruiscono sulle nuvole. C’è turbolenza, cor-
renti ascensionali che mi sbattono su, giù, una
danza con questa montagna di stucco che mi
cuce addosso una samba. E mi prende, mi affer-
ra con garbo, ha nelle mani i miei fianchi, nei
rami le ali. Mi avvolge questo Monte Formaggio
che ora sorvolo, e mi fa ballare. Un dono, la
samba, farmi credere che c’è amore mentre è solo
turbolenza, e più c’è samba più menzogna. (...)

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photocredit
Ignazio Raso
BED
TIME
SPECIALE
FEED
back DANILO REA CLASSICA
MENTE ELEONORA PATERNITI

Direttore
ROMINA CIUFFA

Direttore Responsabile
SALVATORE MASTRUZZI

Caporedattore
Rossella GAUDENZI
Redazione
Flavio FABBRI classica@musicin.eu
Rossella GAUDENZI jazzblues@musicin.eu
Valentina GIOSA alt@musicin.eu
Roberta MASTRUZZI soundtrack@musicin.eu
Contributi
Adriano Mazzoletti, Rita Barbaresi, Lorenzo Bertini
Nicola Cirillo, Lorenzo Fiorillo, Alessia Panunzi
Eugenio Vicedomini, Livia Zanichelli

ROCKOFF ALTNATIVE
Music In Video
Videointerviste
Reportages REM ER ZOLA JESUS
Romina CIUFFA
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SPUTANDO IL ROSPO
www.myspace.com/musicinmagazine

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Via Urbana, 49/a
00184 Roma
Tel. 06.4544.3086 bbiamo con un risultato tra il goffo e il grottesco che, il popolo, digerita la lezione sul fascino della
Fax 06.4544.3184
redazione@musicin.eu
A assistito
impotenti
all’applauso
quindi, in Parlamento merita l’applauso. Ma,
in un contesto culturale come appunto quello
parlamentare, è d’obbligo spellarsi le mani, un
mediocrità purché di chiara fama, elegge ex
veline, ex calciatori, ex pornostar. Chissà che
la maledizione non venga da lontano, dagli
dirompente e po’ perché lo fanno tutti, un po’ perché è poli- insegnamenti di nonni e genitori. Ci hanno
Progetto grafico certamente ticamente corretto, molto perché «tanto non ci sempre raccontato favole, dove la giovane fan-
e fotografia inconsapevole che capisco nulla». ciulla di umili possibilità contingenti sognava
Romina CIUFFA deputati e senatori Con tutti gli artisti che il mondo ci invidia, il principe azzurro. Perché no, sognare va
hanno riservato all’esibi- Camera e Senato dovevano invitare, in una sala bene. Ma perché un principe danaroso e non un
zione di Andrea Bocelli, che ci dovrebbe rappresentare tutti, proprio quei operaio nero di pece o un metalmeccanico con
gesto che, purtroppo, a pieno titolo personaggi che al resto del mondo cederemmo le unghie sporche di grasso? Perché non
rappresenta la capacità discernitiva volentieri? L’anno scorso la scelta di un piani- sognare un minatore che tossisce respirando
Stampa musicale dell’italiano. Una voce, quella sta con i capelli dritti e la faccia disadattata ci polvere o un operatore ecologico che si spacca
Ferpenta Editore srl di Bocelli, che in un contesto operistico costò diverse sedute di analisi; per le prossime per ripulire le strade?
Roma possiede lo spessore e la possenza di un otta- edizioni sono in corso trattative riservate con i E poi un principe che non sa cantare. Si sogni
vino, senza microfoni facilmente sovrastato Righeira. Senza facilmente citare musicisti di il rospo, piuttosto. Ma la maledizione è un
Anno IV n. 16 da un tutti di flauti e clarinetti. grido sulla bocca di tutti, perché non pensare ai boomerang. Il principe è destinato a svegliar-
Inverno 2011 Nel magico mondo della musica popolare, pianisti Pietro De Maria, Roberto Carnevale, si rospo il giorno in cui la musica sarà cam-
dove conta il contenitore più del contenuto Gianluca Cascioli, Roberto Prasseda? biata. Sarà armonica. Sarà rispettata. E non si
Reg. Tribunale di Roma
(allitterazione ricercata), la voce bocelliana è Perché quello stesso deputato che si commuo- potrà più bluffare con hit-parade, show televi-
n. 349 del 20/7/2007
un capolavoro del fuori contesto, ricordando ve per il fraseggio di un pianista di terzo anno sivi o fenomeni da circo, un giorno tutti
un dilettante che mostra gratuitamente i non li conosce affatto. Nessuno in aula ne sapranno nuovamente distinguere il concime
muscoli in una competizione canora della peri- apprezzerebbe le qualità e non sarebbero nomi naturale dalla cioccolata. Perché ci vuole
STEFANO feria di Monopoli. Gratuitamente, perché non spendibili nel telegiornale delle 20. Sputare il orecchio.
MASTRUZZI c’è alcun motivo sano per cantare con un rospo, ecco cosa serve. Da trent’anni, caval-
EDITORE approccio pseudo-lirico Tu scendi dalle stelle, cando l'esempio (dis)onorevole di chi governa, Stefano Mastruzzi
 JAZZ
& blues SUSANNA STIVALI Da donne a donna Emily Dickinson, Alda Merini, Patrizia Cavalli, Joni Mitchell, Billie
Music In ¢ NUMERO 16 > Inverno 2011

GOSPEL È la lieta
Holiday, Gabriella Ferri, Frida Kahlo e molte altre, in giro per Zagarolo, Palestrina, Frascati, Monterotondo, novella, quella che
a cura di ROSSELLA GAUDENZI
Castelnuovo di Porto, Ariccia, Genazzano, fino a Roma. Le porta tutte con sé il canto di Susanna Stivali. rassicura su tutto.

¢ CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA > FESTIVALI a cura di ROSSELLA GAUDENZI

NOVELL A
FESTIVALI oco tempo fa, forse solo qualche giorno fa, ero una ragazza che camminava in un mondo
G
GOSPEL
rande classico: l’appuntamento
di Alessia Panunzi

prio viaggio, appassionato e

«P
di colori, di forme chiare e tangibili. Tutto era misterioso e qualcosa si nascondeva; imma- con l’Auditorium Parco della festoso, ma pur sempre profon-
ginare la sua natura era per me un gioco. Se tu sapessi com'è terribile raggiungere tutta la Musica, che accoglie le calde e damente legato alla spiritualità
avvolgenti note del gospel con il della loro terra e tradizione. Più
conoscenza all'improvviso – come se un lampo illuminasse la terra!» (Frida Kahlo) festival più atteso dagli appas- contaminate e innestate da
sionati di questa particolare arrangiamenti contemporanei le
forma di blues, il Roma Festival altre formazioni proposte que-
Emily Dickinson, la scelta di quattordici artiste non è Gospel. Giunta alla XV edizione, st’anno dal festival, come il South
stata semplice. Alcune figure erano ben delineate, due la rassegna propone undici Carolina Gospel Choir, Brent
intellettuali scomparse da poco ad esempio: Fernanda appuntamenti, dal 19 al 30 Jones & T.P. Mobb e Bridgette
Pivano, una figura che ha fatto da «filtro» nel contatto dicembre 2010, con i migliori Campbell Gospel Singers, i quali,
con altre culture, apportatrice di pace e di speranz, e interpreti mondiali di Gospel & seppure con repertorio più vicino
Alda Merini. Sul versante musicale, la scelta è caduta su Spiritual provenienti dagli Stati alle nuove generazioni, si propon-
Videoreportage rappresentanti di mondi distanti tra loro, personaggi che Uniti e dal continente africano. gono di portare avanti la tradizio-
hanno influenzato il modo di fare musica: Billie Holiday Si apre quest’anno con la travol- ne afro-americana delle antiche
www.youtube.com/musicinchannel e Joni Mitchell in primis, inoltre due figure da rivaluta- gente energia sprigionata dalla folk churches, sette religiose che
re, legate alla tradizione della musica popolare italiana, musica e dai colori dell’ensem- fecero proprie le note forme
Gabriella Ferri e Giovanna Marini. ble più acclamata dal momento: musicali del call-and-response,
usanna Stivali, cantante jazz, compositri- Di estrema importanza è per noi il filone ecologista- il Soweto Gospel Choir. del clapping e del ring shout,

(...) S ce e socia dell’associazione culturale

«Muovileidee», così racconta la genesi e
la realizzazione di un ambizioso progetto. Un nome non
pacifista, quindi omaggi dovuti a donne come Vandana
Shiva e Wangari Maathai. Citerei anche Patrizia
Cavalli, poetessa molto amata, ironica, che alleggerisce
Dall’inglese arcaico, gospel
significa «buona novella» e le
performance di questa forma-
arricchite ora dalle pregevolissi-
me voci a cappella che ben si fon-
dono con le cadenze blues, il
casuale né superficiale, muovere le idee: contiene il con- un po’ il tono degli incontri. Infine, esemplari della cul- zione non potrebbero tradurre ritmo del ragtime e le improvvisa-
cetto dello spostamento, della fatica e non ancora il risulta- tura internazionale e rivoluzionarie nel sociale, come musicalmente in modo più zioni jazz attualmente parte inte-
to, quindi l’incompiutezza. La Stivali e un festival, meglio, Anna Politkovskaja e Frida Kahlo. Tutto ciò per rende- appropriato gli inni di gioia e di granti della musica gospel.
una rassegna: Da donne a donna, alla sua prima edizione, re omaggio alle donne non viste unicamente con uno fede che scaturiscono dai canti Il gospel, un tempo relegato ai
ha spostato i monti: da Roma a Frascati, da Zagarolo a sguardo al femminile; volevamo raccontare qualcosa popolari e meticci di un coro la margini della musica ecclesiasti-
Castelnuovo di Porto, a Palestrina, a Monterotondo, ad delle donne dal valore artistico universale. La musica ha cui storia s’interseca inevitabil- ca, oggi è divenuto forza profon-
Ariccia per terminare a Genazzano: otto location, altrettan- un ruolo preponderante. mente con quella travagliata e da della cultura popolare ameri-
ti pregevoli palazzi storici, per quattordici incontri «in bili- Quali musiciste hai deciso di portare con te? sofferta del Sud Africa. Esso cana. Secondo la rivista statuni-
co» tra musica, poesia, letteratura, giornalismo, fotografia. In alcuni casi si può parlare di concerti veri e proprio e infatti, sin dal 2002, anno della tense Gospel Today, negli ultimi
Mia è la formula iniziale, sono da sempre un’appassio- la musica è l’indiscussa protagonista: talvolta si valorizza fondazione sotto la direzione di dieci anni sette major hanno
nata di poesia e letteratura; la mia socia, Maria Luisa l’improvvisazione, talvolta l’interazione tra parola, poesia David Mulovhedzi (recentemen- creato al loro interno delle divi-
Celani, si dedica a cinema e audiovisivo. Avevamo in e note. Ho voluto innanzitutto la presenza di artiste che te scomparso) e Beverly Bryer, sioni di gospel music; le etichet-
cantiere un progetto che fosse un mix di passioni e toc- volessero mettersi in gioco: musica sì protagonista ma che ha preso costantemente parte te indipendenti sono aumentate
casse più campi dell’arte. Il soggetto è venuto quasi da deve mettersi in relazione con altre forme artistiche. In a molteplici iniziative a sfondo del 50 per cento e il reddito
sé. Viviamo un momento socialmente opaco per l’inqua- secondo luogo era necessario trovare voci adatte alle pro- benefico e sociale, il cui eco non totale della gospel music, relati-
dramento della donna. Cercavamo di dar voce a chi non tagoniste da omaggiare. La domanda può risultare singo- ha fatto altro che incrementare vo allo scorso decennio, è quasi
si rispecchia in ciò che accade e ciò che vede. Inoltre, ho lare: perché hai scelto Billie Holiday? Perché non raccon- il successo ottenuto presso il triplicato. Per alcuni la gospel
la fortuna di conoscere artiste che hanno molto da dire e ta soltanto uno stile, ma come molti musicisti della sua grande pubblico. music è la musica nera. Per altri
la voglia di omaggiare l’arte, in senso ampio. epoca ha vissuto nel jazz un’esperienza di vita, legato alla L’ensemble vanta infatti nume- è semplicemente un termine
Chi sono queste donne? razza e al sociale, e ancor più, ciò che hanno dovuto paga- rosi riconoscimenti a livello inter- che comprende vari tipi di musi-
Inizialmente io e Maria Luisa. A seguire Angelica re la le donne della sua razza. Eccelso il messaggio artisti- nazionale, quali due Grammy e ca religiosa-traditional, contem-
Caronia ed altre che hanno, per l’appunto contribuito con co e fortissimo il messaggio di esperienza di vita. illustri collaborazioni con musici- porary christian, urban contem-
le proprie idee. In un paio di anni, il progetto ha preso A chi va il tuo personale omaggio? sti compositori come Peter porary southern, hip-hop, soul,
forma. Da donne a donna è un progetto svolto con la col- Quale amante della poesia, ad Emily Dickinson e Gabriel e Thomas Neumann in R&B o rap; tuttavia, al di là delle
laborazione della Provincia di Roma; l’idea iniziale coin- Patrizia Cavalli. La poesia fa lavorare sull’improvvisa- occasione della colonna sonora facili categorizzazioni, è un gene-
volgeva le Biblioteche di Roma, per aprire all’arte spazi zione, quindi su un modo moderno di intendere il jazz. della pellicola animata Wall-E re che va ascoltato, vissuto e
tradizionalmente votati ad altro. Abbiamo poi vinto un Ritieni che ci sia un legame tra l’arte e il dolore? (Pixar, 2008). Il Soweto Gospel sentito, corporalmente e spiri-
bando della Provincia, che ha finanziato per intero il Più che tra arte e dolore, scorgo un forte legame tra Choir si esibisce in 8 lingue suda- tualmente perché, citando un
nostro progetto e ciò è estremamente importante, perché arte e coraggio. Coraggio e apertura che molte volte, fricane, portando in scena i pensiero della stella del gospel,
significa poter offrire eventi a ingresso gratuito. poi, possono mettere in contatto con il dolore. migliori talenti vocali formatisi Inez Andrew: «Se non hai mai
Così l’arte e la cultura nella loro interezza, in maniera Come ha risposto il pubblico, sino ad oggi, alla nelle molte chiese di Soweto, sentito la necessità di leggere la
tale da coinvolgere musica, letteratura, poesia e fotogra- prima edizione della rassegna? grande sobborgo sudafricano di Bibbia, forse una canzone ti aiu-
fia, si sono spostate di luogo e sono state inserite in luoghi Risposta ottima, così come la critica. Molto buona la Johannesburg, in un vero e pro- terà a farlo». ■
d’arte della provincia di Roma da riscoprire, una serie di considerazione da parte del presidente della Provincia
palazzi storici, per il Progetto ABC Arte Bellezza Cultura. Nicola Zingaretti e sorprendente la risposta del pubblico:
Tra queste strutture spiccano Palazzo Rospigliosi a abbiamo avuto il timore che il messaggio fosse troppo
Zagarolo, il Teatro Comunale Gian Lorenzo Bernini di alto. Così non è. La gente è curiosa, ha sete, vuole sape-
Ariccia, le Scuderie Aldobrandini di Frascati, il Castello re e fa domande su artisti a cui si avvicina per la prima
Colonna di Genazzano, Palazzo Valentini a Roma ed altri.
Si può parlare di una riscoperta di luoghi meno fre-
quentemente battuti dal turismo?
Indubbiamente. Il contatto con il territorio ha messo
volta. Noi abbiamo portato le donne tra le donne.

MUSE. Emily Dickinson, Billie Holiday,

sotto i nostri occhi una quantità di risorse maggiori
rispetto a quanto comunemente si creda. Quindi, fatta
eccezione per gli spazi specifici, il progetto è interamente
nostro, rimanendo in linea con l’idea di accogliere l’arte
in luoghi che di solito l’arte non l’accolgono. Stesso for-
mat ma spazi continuamente differenti, suggestioni del
tutto diverse di volta in volta. È molto peculiare assistere
alla reazione che suscita la lettura di un’attrice nella sala
di un palazzo storico anziché in un teatro.
A quali donne vi rivolgete?
Rendiamo omaggio a quattordici artiste dalla persona-
lità spiccata. Si tratta di un festival incentrato sulla
comunicazione, innanzitutto, quindi commistione di
generi. Muse ispiratrici del presente, eccezion fatta per
■
DA DICEMBRE 2010
www.musicajazz.it
Giovanna Marini, Gabriella Ferri, Fernanda
Pivano, Goliarda Sapienza, Oriana Fallaci, Alice
Walker, Fatema Mernissi, Nawal Al Sa’Dawi,
Simone De Beauvoir, Alda Merini, Anna
Politkovskaja, Patrizia Cavalli, Vandana Shiva,
Wangari Maathai, Joni Mitchell, Tina Modotti e
il portale del jazz in Italia
Frida Kahlo.
IN SCENA. Sandra Ceccarelli, Monica Cervini,
Susanna Stivali, Elisabetta Antonini, Orsetta De
Rossi, Angelica Ponti, Raffaella Misiti, Stefania
Tallini, Gabriella Aiello, Sabrina Ramacci.
Interviste, articoli, recensioni,
MOSTRA FOTOGRAFICA. Maria Luisa Celani e
Loredana Vanini. video, live e contenuti esclusivi.
Music In ¢ NUMERO 16 > Inverno 2011

MY FAVORITE THINGS È stato il sax soprano di John Coltrane a inchiodare questo UMBRIA JAZZ WINTER Avete presente
JAZZ
& blues
pezzo del 1961 all’immortalità: ripreso, stravolto e impreziosito per divenire pietra milia- quell’odore di caminetto e griglia, vino rosso e ODIO L’ESTATE Qualcuno
re del jazz, abbandonando le vie dell’hard bop e imbollando la strada del free jazz. jazz? finalmente ci spiega perché

LE MIE ARMATA JAZZ

COSE
FAVORITE di Rossella Gaudenzi

minuti di jazz puro, la prima registrazione di John Coltrane con la Atlantic Records,

14 reinterpretazione modale di un pezzo di Richard Rodgers e lunghi assoli sulla ripe-

tizione di due accordi, mi maggiore e mi minore. E un grande classico, il film Tutti
insieme appassionatamente, per ricordare cosa vuol dire famiglia e storia del jazz. di Rossella Gaudenzi

C
oncentriamoci per un attimo cercando di ricor-
dare la rassicurante voce spiegata di Julie
Andrews nella commedia musicale The sound of
music, diretta da Robert Wise, in Italia nota come Tutti
per prendere la strada del free jazz. Formazione d’eccel-
lenza che diverrà poi uno storico quartetto: John
Coltrane al sax soprano e tenore, McCoy Tyner al piano,
O rvieto, una rupe di tufo assediata dal jazz, i Podestà, i Capitani
del Popolo, i Signori Sette, l’opulenza dell’improvvisazione.
Steve Davis al contrabbasso ed Elvin Jones alla batteria

insieme appassionatamente. Film datato - correva l’an-
no 1965 - che evoca famiglia, calore, buoni sentimenti,
ma anche etichetta e bon ton. Film datato che resta a
conti fatti uno dei film più visti di tutti i tempi. Merito
della colonna sonora, musica di Richard Rodgers e testi
di Oscar Hammerstein II: i motivetti cantati dalla fami-
gliola dai tanti fratelli, orfani di madre, sono rimasti
impressi ad almeno tre generazioni di pubblico, e pro-
prio tra questi ci ritroviamo a fischiettare My favorite
things - con buona probabilità ricordiamo la versione in
italiano cantata da Tina Centi, Le cose che piacciono a
me, ancor meglio di quella della brava Julie Andrews -
forse ancora inconsapevoli del fatto che stiamo fischiet-
tando uno dei brani più famosi della storia del jazz.
Dal movie al Natale, poiché questo è stato il passag-
gio successivo, rendere il brano una popolare canzone
natalizia; e poi, ancora, dal Natale al jazz. È stato il sax
soprano di John Coltrane a inchiodare My favorite
things all’immortalità. Coltrane ha ripreso, stravolto e
impreziosito, in un album omonimo del 1961, il brano
in una versione in 6/8 della durata di quasi quattordici
minuti, innegabilmente una pietra miliare del jazz, disco
peraltro che sembra abbandonare le vie dell’hard bop
a dar vita a ipnotici e memorabili lunghi assoli di pia-
noforte e sax, in linea con quella visione «policentrista»
di Coltrane che offre ampia libertà espressiva ai suoi
«compagni di viaggio».
My favorite things continua ad incantare nei decenni
e continua ad essere interpretata: dalla celeberrima ver-
sione cantata di Al Jarreau a John Zorne a Sarah
Vaughan; da Barbra Streisand a Dave Brubeck, Wes
Montgomery, Diana Ross, fino al piano solo di Brad
Mehldau, in ordine sparso, per citarne solo alcuni.
Anche il mondo della cultura più sofisticato non si è
lasciato sfuggire questo unicum musicale: la redazione
di Fahrenheit, trasmissione di Radio Rai3 ormai più che
decennale ideata da Marino Sinibaldi, ne ha fatto il pro-
prio biglietto da visita. My favorite things ne è la sigla e
l’anima, proposta in centinaia di differenti versioni e
arrangiamenti.
Il palinsesto natalizio non ci priva del film Tutti insie-
me appassionatamente neppure quest’anno, in guardia
perché alle prime note di My favorite things si vada
istintivamente a cercare il disco di John Coltrane.
Poiché, alle nostre orecchie, My favorite things fa ormai
rima con jazz. ■ Seconda tappa, nell’opulento e linea-
XVIII
edizione, dal 29
dicembre 2010 al
2 gennaio 2011. A
partire dal 1993 Umbria Jazz raddop-
pia, fa spazio alla versione invernale e
nasce Umbria Jazz Winter. La città
della verde Umbria eletta ad accogliere
cinque giorni di concerti - quelli più
sacri ma anche quelli più festaioli - è
l’elegante e fascinosa Orvieto, con la
sua ricchezza storica e artistica.
A far da cornice ai concerti le struttu-
re più belle e preziose della città. Prima
tappa, il Teatro Mancinelli. Edificio
neoclassico, tra i migliori esempi archi-
tettonici di teatri ottocenteschi italiani,
riaperto al pubblico nel ‘93, ospiterà il
concerto di apertura nonché uno dei
pezzi forti del festival, Chick Corea &
Stefano Bollani duet; Roberto Gatto
Quintet, Ray Anderson’s Pocket
Brass Band, Brass Bang!.
re Palazzo del Capitano del Popolo,
che si erge nell’omonima piazza, risa-
lente alla seconda metà del XIII sec.
de alla torre civica, nota come torre del
Moro. Sarà il meeting-point ufficiale e
sede dei concerti di Renato Sellani e
Nick the Nightfly.
Quarta tappa: la Sala del Carmine, ex
chiesa del 1300 comprendente un con-
vento, accoglie il concerto multimedia-
le One hand Jack, una musica da Dio.
La tappa numero cinque si fa a Palazzo
Soliano, costituito da due grandi saloni
sovrapposti; la sala inferiore è sede del
Museo Emilio Greco, che ospita una
collezione di sculture e creazioni grafi-
che e riceve la cantante americana Dee
Alexander.
La Messa della Pace del pomeriggio
di Capodanno riempirà l’edificio più
famoso e rappresentativo della località
umbra, il Duomo, ideato da Arnolfo di
Cambio in stile romanico, ma innovato
e reso dal Maitani un esemplare di arte
gotica, realizzato fra ‘300 e ‘500.
Numerosi gli appuntamenti distribui-
ti tra il Palazzo del Gusto (orario aperi-
tivo) e il ristorante Al San Francesco
(per il cenone del 31 dicembre e gli

Q
uando Paola De Simone si è messa a scrivere un libro dedicato a «Odio l’e- Qui risiedettero i vari Capitani del eventi del Jazz Lunch & Dinner).
state», il celebre brano italiano degli anni 60, non esisteva neanche un testo Popolo, i Podestà e la magistratura dei Ecco tornati al punto di partenza:
su Bruno Martino, che ne fu autore e interprete. Eppure il crooner italiano Signori Sette, da qui, in tempo di guer- Umbria Jazz Winter 2010 chiude con il
nella sua carriera ha collezionato tanti successi: non è un caso che proprio questo ra, uscivano gli armati in difesa della Top Jazz 2010 nel Teatro Mancinelli.
sia diventato il più famoso standard jazz italiano. Non c’è jazzista al mondo che non città. Oggi escono, dalla Sala dei 400 e Che non si dimentichi l’atmosfera di
l’abbia suonato: da Joao Gilberto a Chet Baker, da Michel Petrucciani a Mina. Paola dalla Sala Expo, Danilo Rea, Joe festa invernale: l’andremo a cercare nei
De Simone ha ricostruito la storia del brano attraverso un racconto corale. La vita Locke con Dado Moroni e Rosario vicoli orvietani più nascosti e magari
e la carriera di Bruno Martino rivivono tra le parole della moglie Fiorelisa, di Jimmi Giuliani, Quintorigo con Maria Pia innevati. Per incappare, forse, in una
Fontana, Renato Sellani, Sergio Cammariere e Fabrizio Bosso, ma soprattutto di
Bruno Brighetti, autore del testo (rintracciato nel cuore dell’Africa nel pieno dei suoi ODIO De Vito. Armati.
Tappa numero tre, Palazzo dei Sette,
delle parate che rallegreranno le vie. In
Umbria senza musica non c’è vera
85 anni) e Vinicio Capossela, autore della prefazione. È l’Italia di quegli anni, i night
alla moda e le strade polverose di tournée di provincia, un tassello di storia. È l’en- L’ESTATE sede di un centro culturale, eretto alla
fine del Duecento e sede dei Sette, i
festa. > nella foto, i Guappecarto in un
ristorante umbro nel corso di
tusiasmo di una amante del bello e lo stile sobrio di una cronista d’altri tempi. ■ rappresentanti delle Arti, da cui si acce- UmbriaJazz Estate 2010. ■
di Nicola Cirillo

Stefano Mastruzzi

CHITARRA,
INFORMAZIONE
E FORUM SU
www.axemagazine.it

WAYWARDBREED L’intervista Sdoppiamento
della personalità, racconti di metamorfosi, dispera-
a cura di FLAVIO FABBRI
ti afflati dell’anima, ossessioni per gli animali.
LA PECORA NERA
ei miti antichi gli dei erano soliti trasformare gli uomini in cani, cavalli o anche
N alberi e costellazioni. Probabilmente Waywardbreed è la mia parte animale,
quella che non ha paura. A differenza di Justin, che invece ne ha spesso.
U
n chiaro esempio di sdoppiamento
della personalità in un artista, ma in
questo caso piacevolmente conturban-
te, arricchita da racconti di metamorfo-
si, disperati afflati dell’anima, passioni
non corrisposte e singolari ossessioni per gli
animali. Originario di Melbourne, Australia,
Justin Avery aka Waywardbreed ha da poco
pubblicato il disco Rising Vicious, album di
debutto del suo primo progetto solista dopo
anni di esperienze come bassista nelle band
australiane The Dumb Earth, The Mime Set e
The Spoils. La sua musica potrebbe essere
definita uno sweet-gothic-folk proveniente da
una stanza oscura e simile ad un irresistibile
richiamo di un volatile nero dalle sinistre inten-
zioni. I suoi testi sono perle letterarie e tra gli
autori a cui si ispira ci mette anche Italo
Calvino e Primo Levi. Nel tour europeo, che lo
ha portato ad esibirsi in Germania, Francia,
Norvegia, Repubblica Ceca, Spagna e
Svizzera, Waywardbreed non poteva saltare
l’Italia di cui ama il caffè e il vino rosso.
Quando è nato «Waywardbreed»?
È nato un paio di anni fa, conseguenza di un
periodo molto difficile. Mi sentivo incompleto,
ciò che facevo con le altre band non riusciva a
soddisfarmi, sia a livello musicale che persona-
le. Perciò, un bel giorno, ho deciso di dare vita
a Waywardbreed. Una voce interiore inascolta-
ta per anni, ‘un altro me’ che non aveva alcun
timore di esprimere finalmente desideri, paure,
rabbia, odio e tutti i sentimenti più nascosti.
Perché hai scelto questo nome?
È un’espressione che mi capitò di leggere in
un racconto di cowboys circa 10 anni fa. Mi
colpì immediatamente. Quando la gente mi
chiede cosa significa Waywardbreed non so mai
che rispondere. È solo un nome di fantasia.
Scrivere canzoni autobiografiche è poco inte-
ressante. Va a finire che tutti i personaggi
hanno sempre a che fare con Justin e non si rie-
sce mai a mantenere la giusta distanza.
Waywardbreed invece sta ad indicare molte
cose. Potrebbe significare, ad esempio, la peco-
ra nera della famiglia. D’altronde a me piac-
ciono molto le associazioni con gli animali. Nei
miti antichi gli dei erano soliti trasformare gli
uomini in cani, cavalli o anche alberi e costel-
lazioni. Probabilmente Waywardbreed è la mia
parte animale, quella che non ha paura. A dif-
ferenza di Justin, che invece ha ne ha spesso.
Quali sono state le tue esperienze musicali
prima di Waywardbreed?
DI VALENTINA GIOSA
Ho cominciato a suonare abbastanza tardi.
Sono stato per oltre 7 anni un artista diviso tra
fotografia e installazioni. Ho anche scritto dei
racconti. Poi un giorno, alcuni amici che ave-
vano una band, i The Dumb Earth, mi hanno
proposto di suonare il basso. Loro erano sulla
scena già da 10 anni e sono stati fondamentali
per la mia formazione di musicista. Il leader
della band, David Creese, credo sia uno dei
migliori cantautori australiani in circolazione.
Ho poi suonato con The Mime Set e infine The
Spoils, con i quali ancora lavoro e che saranno
di nuovo in tour in Europa nel 2011.
Definirei la tua musica uno sweet-gothic-
folk, cosa ne pensi?
Direi che suona bene. In Europa si usa spes-
so nei miei confronti l’espressione singer-
songwriter, ma non mi piace molto devo dire. È
un termine generico, un vestito troppo largo.
Sweet-gothic-folk mi piace invece, almeno è
fantasioso. Penso comunque che la mia musica
sia in continua evoluzione e le etichette lascia-
no sempre il tempo che trovano.
I testi qui giocano un ruolo molto impor-
tante. Come riesci a combinare liriche e
musica, come nascono le tue canzoni?
Sì, i testi sono sicuramente la cosa più impor-
tante. Sono uno che scrive molto, anche se non
c’è una regola fissa. Diciamo che parole e
musica escono fuori in momenti e in luoghi dif-
ferenti. Raramente mi è successo di comporre
tutto insieme. Musicalmente mi ispiro Leonard
Cohen, David Bowie, Will Oldham, Tom Waits,
Townes van Zandt, Patti Smith. Ma ci sono
anche film e romanzi. C’è un libro in particola-
re, «Fugitive Pieces» dell’autrice canadese
Anne Michaels, a cui penso sempre quando ho
bisogno di trovare le parole giuste. Mi piaccio-
no molto anche Raymond Carver, Primo Levi,
Italo Calvino e W.G. Sebald. In quanto ai film,
la lista sarebbe troppo lunga.
Col tuo tour hai attraversato mezza
Europa, che cosa pensi dell’Italia? Apprezzi
qualche musicista italiano in particolare?
Ci sono stato per pochi giorni soltanto e ogni
volta non so proprio che aspettarmi. È un Paese
che spiazza. Di sicuro si incontra gente diversa,
si beve dell’ottimo caffè e del buon vino rosso.
Un amico mi ha presentato Tiziano Sgarbi,
conosciuto come Bob Corn, non più di un anno
fa. Adoro le sue canzoni, degli autentici gioielli.
Ho avuto modo di suonare con lui in un concer-
to a Berlino. È un uomo straordinario, con un
grande cuore e un sorriso ineguagliabile. ■ Waits e Bon Jovi, ma la rosa è ampia e ci sono
DAVID BOWIE «Il mio cantante
preferito è di gran lunga Lucio
Battisti». Però.
DI ROSSELLA GAUDENZI
S
ono veramente sorpreso che le persone ballino sui miei dischi. Ma
siamo onesti: il mio rhythm’n’blues è totalmente di plastica. Young
Americans, l’album che comprende Fame, è un disco di soul di plasti-
ca. Sono i resti schiacciati della musica etnica come sopravvive nel-
l’età del rock da sottofondo, scritta e cantata da un inglese bianco
I
ngannevoli suggestioni. Accade esatta-
mente questo: basta una ristampa in dop-
pia versione, speciale e deluxe, di un
influente album di 34 anni fa e il carisma di un
artista che risponde al nome di David Bowie, a
riaccendere la speranza -speranza cieca, speran-
za disperata, speranza ultima a morire- di sentir
parlare di un nuovo tour mondiale.
21 settembre 2010: per la EMI esce la ristam-
pa del successo del 1976 del Duca Bianco
Station to Station. Sei le tracce che compongo-
no l’inconfutabile capolavoro del cantante bri-
tannico (Station to Station, Golden Years, Word
of a Wing, TVC15, Stay, Wild is the Wind), regi-
strate negli studi Cherokee di Los Angeles gra-
zie all’apporto dei chitarristi Carlos Alomar ed
Earl Slick, del tastierista Roy Bittan, del batte-
rista Dennis Davis, del bassista George Murray
e del vocalist Warren Peace. Nonostante l’al-
bum sia stato composto in un momento di crisi
esistenziale per l’artista, il risultato è un’opera
di successo in cui è forte l’influenza dalle band
elettroniche tedesche dell’epoca e dall’R&B.
Successo indiscutibile sia negli States che nel
Regno Unito, nonché lavoro che ha fatto da
anticamera allo storico «periodo berlinese».
ROCK’N HALL OF FAME
N
on c’è più il vero rock nella
Hall of Fame, ma a noi piace-
rebbe trovarci metallo, batte-
ria, ritmi inascoltabili la matti-
na per poter dire che sì, è lei,
la piramide della ribellione.
DI ROBERTA MASTRUZZI
G
li ultimi ad entrare nella Rock’n’roll
Hall of Fame sono stati i Genesis, gli The
Stooges, Jimmy Cliff e The Hollies.
Quest’anno potrebbe essere la volta di Tom
altri 15 artisti in lizza, tra cui Dr John, i Beastie
Boys, Donovan e Neil Diamond. Stiamo parlan-
do della Sala della Gloria e Museo del Rock
and Roll di Cleveland, tempio americano della
musica rock. Un luogo sacro troppo spesso pro-
fanato, verrebbe da pensare, visto alcune nomi-
nation che con la musica ribelle poco c’entrano.
Ad un esame più attento notiamo, infatti, che
tra i nomi di quanti hanno apposto la propria
firma sul muro della hall, figurano personaggi
più inclini al pop e alla musica commerciale,
che non al rock duro e puro. Inserire, com’è
successo lo scorso anno con gli ABBA, gruppi
o cantanti universalmente riconosciuti come
popular è da molti considerata una mossa orien-
tata a favorire un maggiore afflusso di visitato-
ri nella Hall of Fame. Tutti vorrebbero vedere il
proprio artista preferito entrare di diritto nell’e-
dificio di culto per rockettari, ma è il mercato
ad avere sempre l’ultima parola.
Viene infatti da chiedersi cosa c’entri
Madonna con il rock e che fine abbiano fatto
Music In ¢ NUMERO 16 > Inverno 2011
ROCK’N ROLL OF FAME Unica condi-
zione: devono aver effettuato la loro prima
incisione 25 anni prima della candidatura
MA
GIA
NE
RA
Station to Station come disco magico. Così
definito dalla critica e dallo stesso Bowie: più di
ogni altra sua opera contiene rimandi alla magia
nera, cabala e cabala ebraica (citate le due sephi-
rot Kether e Malkuth). Station to Station come
disco cult. Alcuni brani del disco, oltre a
Helden, versione tedesca del celebre Heroes,
sono nella colonna sonora del film culto Noi, i
ragazzi dello zoo di Berlino (1981), nel quale
Bowie appare nell’interpretazione di se stesso.
Veniamo infine alle due versioni di questa
ristampa. L’operazione è astuta e non poco, da
perdercisi. La Collector’s Edition comprende
triplo cd: album originale dal master analogico e
concerto del ‘76 dal Coliseum di Nassau
(Bahamas), più booklet con note a cura di
Cameron Crowe e 3 cartoline dell’artista.
La Deluxe Edition si compone di ben 5 cd e
dvd, tre LP in vinile, più poster, spillette, ripro-
duzioni di biglietti, stampe fotografiche, foto e
molto altro, troppo altro forse, proprio da per-
dercisi. Ogni volta che esce un disco del Duca
Bianco è davvero un evento e ora i suoi fan non
devono fare altro che sperare in un suo ritorno
anche dal vivo. «Il mio cantante preferito è di
gran lunga Lucio Battisti»: però. ■
gruppi storici come i Deep purple e i Kiss, gran-
di assenti ingiustificati. Forse si tratta solo di
aspettare altro tempo, ma è più probabilmente
un difetto del sistema di selezione. Anno per
anno viene presentata dai direttori del museo,
tra cui Jann Wenner, fondatore della rivista
Rolling Stones, una rosa di stelle del rock,
viventi e non, che hanno lasciato un segno evi-
dente nella storia della musica. Unica condizio-
ne: devono aver effettuato la loro prima incisio-
ne almeno 25 anni prima della candidatura. Per
il resto, la scelta dei nomi viene a dipendere da
una giuria di 1.000 critici ed esperti del settore
che sceglie ogni volta i 5 prescelti.
I nuovi ammessi alla Rock And Roll Hall Of
Fame per il 2011 saranno annunciati durante la
cerimonia ufficiale in programma al Waldorf
Astoria di New York, il prossimo 14 marzo. Tra
le nomination di quest’anno ci sono, oltre i
nomi sopra elencati: Alice Cooper, LL Cool J,
Donna Summer, Laura Nyro, Chuck Willis e
molti altri.
Noi abbiamo già scelto per chi votare. Ci pare
che Bon Jovi e Tom Waits siano due voci che
mancano nella hall. Si può non essere d’accor-
do e possono non piacere, ma certo nessuno può
dire che non siano abbastanza rock. ■
Music In ¢ NUMERO 16 > Inverno 2011
THE WHO Tornai da mia madre, dissi: «Mamma R.E.M. Il bagno di mezzanotte, ricordo quella notte mentre arrivava settembre | mi sto struggendo per
sono pazzo aiutami!». Lei disse: «So come ci si sente la luna | e cosa succedeva se ce n’erano due | fianco a fianco in orbita | attorno al più onesto sole | quel-
figliolo, è nella nostra famiglia.» (The Real Me)
THEWHOCHI?
Quelli del 1965, quelli dei 100 milioni di dischi venduti, quelli di un nuovo album
arlare di un gruppo
P come The Who significa
fare un tuffo nella storia
della musica rock britan-
nica e mondiale. Il loro
primo album è infatti del 1965
e porta il nome immortale di
My Generation. Un’ode alla
gioventù londinese, al movi-
mento Mod, al rock&roll, che
la rivista americana Rolling
Stone decise nel 2004 si inseri-
re all’11esimo posto delle 500
canzoni più importanti della
storia della musica. Un ricono-
scimento tra i tanti ricevuti da Pete Townshend
(chitarrista e autore della maggior parte delle
canzoni), Roger Daltrey (voce), John Entwistle
(basso elettrico) e Keith Moon (batteria), duran-
te una lunga carriera da vere stelle del rock
internazionale.
Ora, superati i 100 milioni di dischi venduti
ed entrati di diritto nella Rock&Roll Hall of
Fame, The Who sono tornati in studio sembra
per un nuovo eccitante album, il secondo negli
ultimi 23 anni. Nel 2006 era infatti uscito
Endless Wire (disco d’oro in Gran Bretagna e
negli Usa), con le new entry di Zak Starkey e
Pino Palladino a dar manforte agli unici super-
stiti della line up originaria: Townshend e
Daltrey. Un nuovo viaggio, quindi, di cui anco-
ra si sa poco e che nasce da un post pubblicato
sul sito ufficiale del gruppo a firma di Daltrey.
Nella nota si leggeva: «Non posso dire niente di
più specifico, ma sappiate che ci sarà un tour in
cui abbiamo programmato molto materiale del
passato». Poi ha aggiunto: «Pete (Townshend)
la luminosità, che si diffonde nella notte | non può descrivere il bagno di mezzanotte. (Nightswimming)
DI FLAVIO FABBRI
in questo momento sta scrivendo nuovi pezzi.
Nessuno può dire quando avrà finito, ma sono
sicuro che prima del tour avremo un nuovo
album da pubblicare».
Un 2011 che si preannuncia quindi davvero
ricco di sorprese, per gli amanti del rock&roll
d’autore, con i Rolling Stones che hanno già
annunciato un poderoso tour mondiale per
festeggiare i loro primi 50 anni di attività. The
Who, inoltre, hanno ufficializzato per il prossi-
mo anno anche la ristampa del celebre Live at
Leeds del 1970, considerato da certa stampa
come l’esibizione dal vivo più entusiasmante
della storia del rock, che per l’occasione si chia-
merà Live at Leeds: 40th anniversary super-
deluxe collector’s edition.
Al suo interno, oltre al cd dei brani della leg-
gendaria serata inglese e alcune bonus track, tra
cui il singolo inedito Summertime blues’/Heaven
& Hell, anche un secondo cd che porta il nome
di Live at Hull, ovvero l’esibizione della serata
successiva a Leeds. ■ la multimediale del tuor mondiale di Accellerate
a c c e l e ra t e e y e m o v e m e n t
C ollassa nell’Adesso. C’è qualcosa che dal sogno, la fase R.E.M., ti riporterà al
più profondo te stesso, ora, accelerato, dolorante, e senza più punteggiatura.
D opo trent’anni di attività i REM non
hanno minimamente voglia di appen-
dere gli strumenti al chiodo e il nuovo
album Collapse into Now è previsto in uscita ad
aprile del 2011. Si tratta del loro 15esimo disco
in studio, senza contare i live e le raccolte, regi-
strato negli studi di New Orleans, Nashville e
Berlino. Proprio la città tedesca, una delle più
cool d’Europa, sembra aver dato nuova verve
alla banda di Athens (Georgia).
Altra importante novità, pubblicata diretta-
mente nel sito ufficiale di Michael Stipe, Peter
Buck e Mike Mills, è il cambio del nome, dal
tradizionale R.E.M, al più fluido e colloquiale
REM. Praticamente sono stati eliminati i punti-
ni, che da sempre stavano a ricordare il celebre
acronimo che li contraddistingue fin dall’inizio
delle loro carriera: Rapid Eye Movement.
Una carriera di alti e bassi, coronata però da
costanti successi di vendite e di pubblico ai loro
tanti concerti che li hanno portati in giro per il
mondo. Uno di questi, ad Austin nel 2008, è da
poco diventato un dvd, Live From Austin, costo-
(2008). Un momento intenso per il trio america-
no che, oltre al nuovo lavoro in studio, sono atti-
DI FLAVIO FABBRI
vissimi anche con altri progetti. Michael Stipe,
ad esempio, da sempre sensibile alle tematiche
sociali e civili, in casa e fuori, ha supportato in
prima persona l’organizzazione «Free The
Slaves», per combattere la condizione di schia-
vitù in cui decine di milioni di persone versano
in tutto il pianeta.
Dopo aver occupato i primi posti nelle classi-
fiche Usa e del Regno Unito con Accellerate, i
REM tentano ora di bissare il successo con que-
sto nuovo disco che, da indiscrezioni del produt-
tore Jacknife Lee (The Hives, U2, Snow Patrol,
Weezer, Kasabian), sembra essere orientato su
sonorità decisamente rock e su atmosfere tipiche
della mitteleuropa. Quel crogiolo multiculturale
e multietnico che, dopo il crollo del muro di
Berlino, ha ritrovato forza e capacità di attrarre
artisti da tutto il mondo.
Un set di tracce molto meno sperimentali
quindi e caratterizzate da un ritorno agli anni 90
del secolo scorso, quelli di Out of Time,
Automatic for the People e Monster, tempi in
cui c’era ancora Bill Berry (che poi ha lasciato
l’attività nel 1995) e in cui i REM, in pochi
anni, vendettero oltre 40 milioni di dischi in
tutto il mondo. ■
 ALNATIVE
TER Music In ¢ NUMERO 16 > Inverno 2011

PORCELAIN RAFT Mario Remiddi Una tazza ZOLA JESUS Potenti melodie romantic-dark, DIVINE COMEDY Il
di porcellana perché non galleggia nell’acqua, ma colonne portanti di un paesaggio sonoro algido e terzo cerchio dantesco, l’a-
a cura di VALENTINA GIOSA
in qualsiasi altro luogo si pensi gotico ornato di synths glaciali e batterie riverberate vidità della finanza inglese

PORCELAIN

O
RAFT & a cura di Valentina Giosa

riginario di Roma, Mauro Remiddi si trasferisce a Londra 10 anni

fa. Dopo l’esperienza con la indie band Sunny Day Sets Fire,
decide di dedicarsi a tempo pieno al suo progetto solista che
aveva tenuto nascosto nel cassetto sin da bambino. Nasce così Porcelain
Raft, una giostra colorata dove musica, parole ed immagini sembrano par-
lare la stessa lingua della purezza e del sogno. Music In ha incontrto
Mauro durante il recente tour con i Blonde Red Head.
Come sta andando il tour con i Blonde Red Head?
Devo dire che mi sembra un pò un viaggio sulla luna. È tutto così inten-
so che è impossibile fotografarlo. Tantissime emozioni, colori, momenti
bellissimi, ma anche assurdi, inaspettati, come alcune chiacchierate fatte
con persone sconosciute sul treno. Sto inoltre imparando molto dai BRH,
che sono delle persone stupende con una grande purezza di fondo. E ho
visto come loro vivono davvero quello che stanno facendo. È come entra-
re in un vortice dove tu diventi quello che fai e questa cosa ti stanca molto
ma più sei stanco e più sei te stesso, perché non hai neanche la forza di
pensare o creare delle barriere. Credo ci vorranno un paio di mesi prima
di digerire tutte le cose che sto vedendo e imparando in queste settimane.
In fondo, mi sembrano un anno.
Come è nata l’idea del tour?
È stata una coincidenza perché alcuni dell’etichetta 4AD erano venuti
a sentirmi suonare in un concerto a Londra (il mio sesto concerto; in
realtà ho cominciato a suonare live con questo progetto da neanche tre
mesi) e io non lo ignoravo. Quindi ho ricevuto una loro chiamata nella
quale mi comunicavano che i BRH avevano scelto me fra una rosa di arti-
sti proposti dalla 4AD come opening act per il nuovo tour.
Quando è iniziato il progetto Porcelain Raft?
Quando avevo 10 anni. I miei un giorno portarono un pianoforte a casa
e così cominciai a suonarlo. Avevo un piccolo registratore a cassette dove
incdevo dei piccoli show. Per esempio vedevo un cartone animato e ten-
tavo di rifarne la musica recitandoci su. Con il tempo non ho più smesso.
A1 6 anni ho cominciato a suonare nelle prime band, ma quando torna-
vo a casa continuavo a fare le mie cose come fossero due universi sepa-
rati, da una parte la mia stanza e dall’altra il mondo reale, quello nel
quale dovevo confrontarti con le persone. Fino a quando un giorno non
mi sono arreso e mi sono detto: «E se facessi ascoltare quello che faccio
invece di creare un alter ego? Perché non uscire nel mondo?». Con il mio
Porcelain Raft faccio esattamente quello che facevo a 10 anni, ma con più
strumenti, più esperienza. Ho solo deciso di farlo ascoltare. È la prima
volta che espongo quello che faccio nella mia stanza.
Perché hai scelto il nome «Porcelain Raft»?
È semplicemente un’associazione di parole. Mi piaceva «porcelain»
(porcellana) e «raft» (zattera). Ho cominciato ad unirle come facevano i
Surrealisti che componevano frasi a caso. E questa combinazione era l’u-
nica che mi suonava bene. Mi hanno fatto notare che una zattera di por-
cellana non potrebbe galleggiare sull’acqua ed ho pensato: «È il nome
perfetto». Perché significa che non sta galleggiando sull’acqua, ma altro-
ve.
Oltre PR quali, sono state le altre esperienze musicali?
Ho inziato a Roma a scrivere dei brani strumentali per cortometraggi.
Poi ho cominciato ad avere delle band dove cantavo. Quando mi sono
trasferito a Londra ho voluto espolorare la mia parte più divertente, iro-
nica, cosa che non stavo facendo in Italia, dove era tutto un pò più
«dark». Quindi ho creato con la mia amica Onyee i Sunny Day Sets Fire,
dove suonavo anche la chitarra. Mi sono reso conto dopo allora che quel-
lo che stavo facendo in quella stanza stava diventando sempre più impor-
tante. Ho deciso così di abbandonare la band e seguire a tempo pieno
questo progetto.
Trovo ci sia una componente molto visiva nella tua musica, come se
il suono disegnasse paesaggi sognanti animati di giostre e carrilion...
Sì, decisamente sono una persona visuale. Anche quello che facevo da
bambino con i cartoni era già strettamente legato alle immagini. Devo
dire comunque che questo riferimento che fai alla giostra è pazzesco: mi
BANG GOES
DIVINECOMEDY
C apaci di riprodurre un raffinato
pop degno di artisti del calibro di
Elvis Costello e costruirci un caro-
sello di ritratti in stile vittoriano dalle
atmosfere demodé con rimandi al gene-
re musical, i Divine Comedy tornano sulla
scena con Bang Goes the Knighthood. Il
progetto nasceva nel 1989 per volontà
di un introverso sognatore innamorato
dell’Italia e del film Camera con vista, Neil
Hannon, che aveva scelto il nome della
band quasi per caso, pizzicando nella
libreria dei genitori il titolo dell’epico
poema di Dante La Divina Commedia.
hai fatto venire in mente una foto di quando ero ragazzino, l’unica cosa
che ho portato via dall’Italia. L’immagine ritrae me proprio su una gio-
stra tutta colorata e attorno un paesaggio desolato di una zona periferi-
ca con palazzi grigi in costruzione. Ricordo che quando ho ritrovato la
foto ho pensato che mi rappresentasse perfettamente. Per cui è assurdo
che ora tu dica questo.
È per questo, quindi, che anche i video svolgono un ruolo molto
importante nella tua musica. È come se ci fosse un filo conduttore,
come se video e musica fossero un linguaggio unico dove l’uno non
esiste senza l’altro.
Certo, alcune canzoni non potrei immaginarle senza video, è come se
creassero una sorta di mappa e la canzone diventasse un luogo ben pre-
ciso; il video ti dà la foto dell’intero labirinto e ti fa capire il percorso,
come si è arrivati fin a quel punto e da dove si è partiti. NEIL HANNON
Sei tu stesso che li realizzi?
Sì, tranne quelli per Dragon Fly e Talk to Me. Non ho una grande tec- Con Bang Goes the Knighthood l’irlan-
ninca, quindi prendo delle immagini che mi piacciono, per esempio su dese ha voluto osservare con acuto cini-
YouTube, e non sapendo come importarle le riprendo con la telecamera smo lo scandalo finanziario e la decaden-
sullo schermo e le edito successivamente. za sociale che ha travolto l’Inghilterra in
Nascono prima le canzoni o i video? questi ultimi anni; i ricchi borghesi e i falsi
Le canzoni. Anche se ultimamente sto cercando di realizzare video e potenti descritti nel brano The Complete
canzone nello stesso giorno come fosse un corpo unico. Banker ne sono un esempio lampante. Il
Che tipo di strumentazione usi? disco non è forse il miglior lavoro se pen-
Drum machines, keyboards, chitarra, effetti. Uso il computer solo come siamo ai precedenti Absent Friends e
macchina per registrare e non a livello compositivo. Tutto il resto sono Casanova, ma la bravura e l’unicità del-
cose esterne. È tutto suonato. Vorrei portare dal vivo esattamente quello l’artista non sono in discussione.
che faccio in quella stanza e non il computer perché non è uno strumen-
to musicale. Quando porti il laptop sul palco è tutto troppo perfetto,
suona come un cd, sei sicuro che tutto andrà bene ma questo è proprio DI EUGENIO VICEDOMINI
quello che non voglio. Ciò che cerco è invece una sorta di pericolo nel
suono. Qualcosa che suoni troppo alto o troppo basso per esempio.
Ci sono degli artisti a cui ti senti vicino?
Sicuramente, come attitudine, artisti come Atlas Sound o Beach House.
È come se avvertissi un’emotività comune, la stessa energia silenziosa
che non ti viene sbattuta in faccia.
Cosa influenza la tua musica?
Principalmente i film. Prima del tour ho riguardato molte cose di
Tarkowski fra cui Lo Specchio e Stalker, non tanto per la poetica delle
immagini ma per il modo in cui il regista racconta la storia, ciò che è esat-
tamente quello che vorrei realizzare nei miei live. Nei suoi film c’è una
netta diversità tra la realtàà e le memorie. E questo accade tutti i giorni.
Noi stiamo facendo questa intervista ad esempio, ma tu vedi passare una
persona con una giacca verde che ti ricorda magari una persona. Perciò
tu mi ascolti ma la tua testa può allo stesso tempo viaggiare in una frazio-
ne di secondo nelle tue memorie. La storyline non è mai dettata dalla
realtà, è come fosse un labirinto di cose che avvengono nello stesso tempo.
Nei film di Tarkowski c’è una connessione fortissima fra il sogno e quello
che accade veramente, e le due cose spesso non sono connesse. Vorrei
arrivare ad avere questo nel mio set live. È ancora un work in progress.
Sto tentando di capire come fare. ■

SIRENA JESUS di Valentina Giosa

R
egina gotica, solitaria sirena dal look chic-
dark, conturbante incantatrice notturna e
invocatrice di affascinanti e pericolose melo-
die apocalittiche, Zola Jesus non può certo lasciare
indifferenti. La giovanissima cantautrice americana,
cresciuta nel selvaggio Wisconsin, è certamente un’ar-
tista sui generis in bilico fra musica avantgarde, indu-
strial, new wave, musica classica. A colpire al primo
ascolto è innanzitutto la sua voce, intensa, glaciale e
sensuale, antidoto perfetto per sedare tutte le anime
inquiete allo scoccare della mezzanotte. Nika Roza
Danilova (il suo nome all’anagrafe) ha ultimato da
poco il tour europeo facendo tappa in Italia per una
sola data a Milano in occasione dell’uscita del suo
ultimo EP Stridulum pubblicato per la newyorkese
Sacred Bones, disco sicuramente più «pulito» rispetto
ai precedenti The Spoils e New Amsterdam.
Qualificata come cantante di opera e ispirata dalla
scena musicale sperimentale e underground (Diamanda
Galas, Siouxsie Sioux, Cocteau Twins) e i filosofi esi-
stenzialisti (è laureata in Francese e in Filosofia) si è
fatta avanti velocemente arrivando a conquistare i riflet-
tori grazie a potenti melodie romantic-dark, colonne
portanti di un paesaggio sonoro algido e gotico ornato
di synths glaciali e batterie riverberate.
Le liriche cupe di I can’t stand (uno dei migliori
brani di Stridulum, vera e propria «gemma nera» del-
l’intero lavoro di Zola Jesus), che recita sulle note
cavernose del synth «It’s not easy to fall in love / But
if you’re lucky / you just might find someone / So don’t
let it get you down / Cause in the end, you’re only one»
o di Lightsick («Do you wonder / what will we become
/ when our eyes close / on the starry ends / when we
finish our rows / and the folds are dead /when the
lights go out on us») rappresentano perfettamente
l’approccio provocatorio e anticonformista di un arti-
sta che non ha nessuna paura di gridare al mondo la
verità. «Per me è importante fare musica che in qual-
che modo inquieti», dice in un’intervista. «Molti deci-
dono di mettere su un band solo perché adorano i
party, la vita mondana e diventare famosi. Io non sono
per niente interessata a questo. Non prendo droghe,
non bevo. Tutto ciò che voglio è portare qualcosa di
nuovo ed emozionante al mondo». ■
Music In ¢ NUMERO 16 > Inverno 2011

CORRI AMORE CORRI (chiave di DIALOGHI INCIVILI Perché UNA GOCCIA PURA...
FEED
BOOK
basso) e il dolore, lì, vicino al cuore, si dis- la società si interroghi: chi è L’immersione di Jeff Buckley
a cura di ROMINA CIUFFA
solve come (chiave di violino, 6/8, sol alto) Cristicchi?, e non: Cristicchi chi? nel Mississipi. La nostra in lui ILLUSTRAZIONE:
QUINT BUCHOLZ

UNA GOCCIA PURA IN UN OCEANO DI RUMORE

CORRI AMORE CORRI - RACCONTI CON MUSICA
ROCKO F F Nella notte del 29 mag-
gio 1997, Jeff Buckley si
FEED
BOOK
Sono racconti (di Maria Inversi) musicati su partitura (di Massimo De
Lorenzi). «Non è ampio il fazzoletto di cielo... non può più di tanto e impie-
immerge nel Mississippi.
Non è mai stato chiaro se
«La vita di Jeff Buckely (...)»
di Jeff Apter
trita (ah! sospiro)» è tra le pause. Poi riprende Vivaldi. Chiave di violino. il suo intento fosse quello Arcana Edizioni
Voce. «Corre e non sente il vento (pausa) corre il cuore batte forte (sono crome) Elena di bagnarsi per l’ultima euro 18,50
è il suo cuore (pausa) corre deve salvarla (terzine) il grido di Elena risuona ancora ah! volta o se quanto gli
ancora (terzina)». Ah! Ancora ah! (ossia croma, terzina, croma, tutti accadde fu solo uno sfor-
sol). In alto vola un elicottero. I filari di iris tremano, ondeggiano, si pla- tunato evento. Era vesti-
cano. Troppa rugiada fa male ai fiori. to, non era drogato, ne commerciale. Nella biografia, il giornalista
Chiave di basso, è Brahms a musicare Non voglio più ricordare. Primo ubriaco. Un’onda anoma- chiama al banco dei testimoni i collaboratori
ritornello solo violoncello pizzicato: «Mammina cara, è passato tanto la lo fece affogare e il suo di Buckley, i musicisti che condivisero con l’ar-
tempo lo so... Non voglio più ricordare mamma, non voglio più». Poi corpo venne ritrovato in tista quegli anni energici e creativi, fatti di
Ravel, moderato, violoncello con arco: semibrevi di la, do, si, sol, la, do, un canale 5 giorni dopo. Quella notte morì un studi di registrazione e concerti live. E lo fa
si, introducono questo: «...scandiva il tempo, in ore precise del giorno giovane artista appena trentenne e vide la allo scopo di evidenziare il Buckley musicista.
(chiude la musica sfumando)... una piccola chiave lei l’aveva vista in un luce l’inizio di un mito. Confrontando il lato umano dell’arte, con tutti
cassetto del comò», e pizzicato, crome di mi-la (quatta) ripete (il cuore Gli venne cucita addosso la scomoda figura di i suoi conflitti, ed il lato tecnico della medesi-
furioso) ripete. Domani forse, violoncello, 4/4, chiave di basso. Lì «bello e dannato», come fu fatto con il padre, ma, fatto di note, spartiti e rime. Di tempi da
accartocciato, le membra inarticolate... cosa gli è accaduto? (la musi- Tim, che il cupo Jeff quasi non conobbe, ma al rispettare e brani da comporre.
ca rimane sotto il monologo, pianissimo sul ponticello). E le nostre can- quale assomigliava terribilmente. Ma forse Jeff Poi indaga. Non mancano interviste a chi lo
zoni... dimmi una parola, regalami un suono. (crome sol-re, semiminima era comunque destinato ad essere icona. Lo ha conosciuto negli anni dell’esordio. Quando
si). Ti bacio qui e qui... Ti racconto la favola della fiammella. Sì, ti piace- era fin da vivo. E lo si poteva intuire già assapo- lavorava come lavapiatti nel Sin-é club di New
va. Ecco. (semicrome sol-re, semiminima si). Un uomo è un lento da rando il suo album Grace: alla pubblicazione, fan York e si esibiva, nello stesso locale, subito
Monument de Saint-Jean. «Ma nessuno si accorse di nulla» (stop musica). ed esperti del settore gridarono al miracolo. dopo aver finito il turno. Nel libro non si eclis-
La violinista. Veronica, adottata. «Voglio un violino». «No». Per anni. Voglio un violino, un Era nata una stella, un’artista vero, completo. sa neanche sui vizi dell’artista, che era incline
violino, un violino! «La madre abbandonò le cipolle e il coltello che, con rumore sordo, s’a- Con questo libro il giornalista musicale Jeff a rifugiarsi nell’alcol. O sulle fobie e sui tor-
dagiò nella zuppiera. Le bambine piccole non suonano il violino». «Io sì». Corpo e volto Apter, redattore di Rolling Stone, dipinge un menti che una vita fatta di concerti ebbe su
contro il vetro e lo sguardo dentro il giardino, oltre il giardino. Lontano, lontano da quel- ritratto del mito, che non si limita ad essere Jeff Buckley. Si descrive un uomo, un ragaz-
la casa. «Ma ecco che tra un ramo e l’altro del pioppo intravide e poi vide il violino che, esaltazione e glorificazione, ma che descrive zo. Uno zingaro. Una persona normale dalla
per liberarsi dai rami, scivolava danzando al ritmo di lunghe note affinché nessuna corda l’uomo in modo genuino e rispettoso e non personalità eccezionale. Un talento tormen-
si rompesse né graffio si ferisse. Volteggiò alto e lesto nell’aria e poi giù piano piano a solo il figlio d’arte. Non si limita a dissertazio- tato e quieto nello stesso tempo.
posarsi contro il vetro, contro il suo corpo. Allargò le braccia balzò sulla sedia aprì la ni sull’animo inquieto del giovane e sul suo
finestra. Fu sulla spalla, l’archetto tra le dita si dischiuse, l’orecchio sulla mentoniera. charme cupo, più il frutto di un’operazione Lorenzo Fiorillo
Suonò. Non abitava più lì».
Chiave di basso, una sola pagina di par-
titura. Tutte minime, semiminime, «Corri amore corri»
semibrevi: non c’è fretta per delle di Maria Inversi DIALOGHI INCIVILI
crome. «Sempre a quella finestra, non Iacobelli Editore
sognare, fa’ qualcosa». Violoncello con 12,00 euro poco comprensibile e la difficoltà di entrare
arco. Chiude sfumando. «Dialoghi incivili» nella lettura tra corsivi e nessuna indicizzazio-
di Simone Cristicchi ne (ma lo si dice dal principio: persino l’indice
Elèuthera Edizioni è provvisorio).
È troppo presto per questo ex tombarolo (non
ROMINA CIUFFA 16,00 euro scrittore): far scrivere di sé viene dopo, scrive-
re di sé ancora più tardi. Prima eventualmen-
te scrivere degli altri, una classica strategia -
LUCIO BATTISTI: LA VERA STORIA... PO PCK
pop&rock
È progresso se un cannibale
usa la forchetta? Se lo chiede-
attraverso gli altri parlare di se stessi -. Ma un
cantautore canta, si impegna nel sociale,
va il poeta polacco Stanislaw sogna. Troppo pochi per lui i successi e molta
Latina, appunto. «Lui capì subito che io non ero Jerzy Lec. Quale valore e senso ha esprimere la capacità mediatica che lo rende dimentico.
«Lucio Battisti: La vera un fan né un aspirante cortigiano. (...) Lucio pensieri non omologati, critici, a volte scomodi, Dalla sua ha la facilità della
storia dell’intervista esclusiva» sembrava quasi fare a gara, anche se incon- non funzionali alle logiche della società (in)civi- polemica, che lo conduce
di Renato Marengo sapevolmente, a scavalcarmi... a sinistra», le? Questa la premessa. alla fama. Non basta.
Coniglo Editore - 14,50 euro scrive. L’intervista uscì su Ciao 2001; quel Simone Cristicchi e l’amico Massimo Bocchia Non ha ancora incuriosito
numero vendette più di 400.000 copie. («psicopompo», ossia accompagnatore di quella società incivile che
«Nessuno poteva avvicinari a Lucio», specifica anime morte nell’oltretomba) partono da qui critica perché lei spontanea-
Alberto Radius. E andò così: a Battisti, con la in questo volume che, oltre al cd Monologhi mente si interroghi: «ma
PO PCK
pop&rock
«Un musicista, se la propria
musica comunica ed emozio-
forchettata di bucatini a mezz’aria tra il piatto e
la bocca, Mogol chiese: «Ti farebbe piacere se
incivili (racconti di matti e minatori, soldati e
migranti), contiene la storia del poliedrico can-
Cristicchi, chi è Cristicchi?».
E non «Cristicchi chi?», che
na realmente, non ha nulla da Renato scrivesse un articolo su di te, sul nuovo tautore. Alla fine, un libro di Cristicchi su è tutt’altra cosa.
spiegare e null’altro da aggiungere a quello lp?». «E di che cosa scriveresti?», si rivolse a Cristicchi, cui si aggiunge - come non bastas-
che si ascolta nei suoi lp», diceva Lucio Battisti, Marengo. «Di musica, naturalmente!». «Se se - l’alter ego Rufus; a dire il vero uno stile Romina Ciuffa
motivando la propria ritrosia nei confronti scrivi veramente solo di musica... perché no?
delle interviste e dei giornalisti. Non aveva Sento di potermi fidare di te». Mogol non si
alcun torto. Sebbene, va ammesso, lui non
fosse un paroliere: e così, raccontava le storie
trattenne e urlò: «Bene! Bravo Lucio! Renato è
riuscito a farti uscire dal-
BRIGANTE SE MORE
degli altri. Con fare (e malessere) universale. l’isolamento. Bisogna
Resta ragionevole, tuttavia, la sua idea. Il musi-
cista fa musica, e non è tenuto a spiegare
subito brindare».
E questa è la storia vera
PO PCK
pop&rock
«Erano gli anni in cui ci toccava
dare una mano per sottrarre «Brigante se more»
nulla, né della propria vita né, tantomeno, di di quell’intervista, non solo all’anonimato quei perdenti che di Eugenio Bennato
cosa i suoi pezzi vogliano dire oltre ciò che non la storia di Lucio Battisti, avevano perso due volte, una prima volta per la Coniglio Editore
arrivi a ciascuno, secondo interpretazioni ma anche quella di un ragione delle armi e una seconda per le ragioni 14 euro
assolutamente soggettive. grande peone della musi- della politica, anzi, ancor di più, della Storia; e
Ciononostante uno ruppe l’embargo forzato ca, come si è sempre defi- questa seconda sconfitta era l’antefatto dell’u-
con la stampa ed entrò nella sua anima latina, nito Renato Marengo. miliante Questione meridionale e riguardava
è il caso di dire, trascorrendo 5 giorni al direttamente tutti noi ragazzi del Sud.» La ballata Brigante se more nasce nel marzo
Mulino, dove Battisti stava registrando Anima Romina Ciuffa Il brigante parla un linguaggio incomprensibile del 1979: è uno dei canti più popolari degli ulti-
e suscita rifiuto e diffidenza; è relegato al silen- mi decenni della musica italiana. Il libro Brigante
zio, mancano le voci dei combattenti meridio- se more esce nell’autunno 2010 e ci racconta
DELITTI ROCK nali sulla guerra del Risorgimento, la sua è la l’intera vicenda di un canto talmente efficace da
voce del perdente: «Dall’altra parte della barri- scatenare nella memoria collettiva la convinzio-
cata i briganti tacciono: dal fronte dei perden- ne di essere stato composto più di un secolo
ROCKO F F «I hope I die before I get old»,
cantavano gli Who nel 1965, «Delitti Rock»
ti non ci giungono voci».
Il brigante sta all’uomo come la strega sta alla
prima da un autore anonimo. Narra di come
nella realtà la ballata sia stata commissionata
a nome della loro generazio- di Ezio Guaitamacchi donna, aleggia intorno ad ambedue luce di leg- nel 1978 da Anton Giulio Majano per lo sce-
ne. Il rock ha sempre bruciato le stelle più lumi- Arcana Editore genda e di maledizione. La ribellione della popo- neggiato L’eredità della Priora e di come gli
nose del proprio firmamento, coltivando una lazione meridionale all’invasione pie- autori siano riusciti a restituire un
insana predilezione per il numero 27 (l’età) e la 16,65 euro montese del 1860 è vicenda storica «canto di guerra»; narra di due versi
lettera J. Il famigerato club j27 (la trinità Jimi rimasta pressoché sconosciuta fino maldestramente contraffatti con
Hendrix, Janis Joplin e Jim Morrison) è una al sopraggiungere della ballata grave danno all’essenza del brano e
delle tante mitologie, forse la più duratura, a serie: disfacimenti da popstar (Elvis, Jackson), Brigante se more di Eugenio della profonda ricerca svolta sulla
ispirare Delitti Rock, una lunga carrellata suddi- sciagure aeree (Buddy Holly, Lynryd Skynyrd), Bennato e Carlo D’Angiò. Il sodalizio canzone popolare e sul brigantaggio
visa in sequenza cronologica sulle morti più o annegamenti (Brian Jones), una lunga lista di artistico tra i due ha origini lontane. meridionale; narra di come la scelta
meno celebri e più o meno overdose, colpi d’arma da fuoco (John Lennon, Lontani sono i primi anni Settanta, della canzone popolare contenga in
controverse del rock. Curt Cobain), oscure trame paragovernative tempo dei successi dell’anticonven- sé anche connotazioni ideologiche di
Membro fondatore del per eliminare le menti migliori di una generazio- zionale e felice Nuova Compagnia di costume e cultura.
club fu Robert Johnson: ne incendiaria. Il tutto raccontato col piglio Canto Popolare e lontano il giorno in Rilevante, nell’opera di Bennato,
se il rock è la musica del asciutto di un’autopsia a freddo. cui, scioltosi il gruppo, nasceva l’attenzione rivolta alle foto e alle
diavolo, è giusto partire da Con un avviso ai naviganti: se il diavolo dà in Musicanova, nel 1976. vite di briganti quali Ninco Nanco e
quel suo patto inaugurale cambio fama e denaro, «la miglior mossa di Si ritrovano insieme in entrambe le formazioni Michelina De Cesare: uomini contro, come
con Satana siglato al cro- marketing per una rockstar», come recita il ed esperienze, Eugenio e Carlo, e restano forti egli stesso li definisce, fatti fuori dal potere, al
cicchio tra le Highway 61 paradosso in quarta, «è morire giovani». sostenitori della tradizione folk, alla ricerca pari di Pancho Villa, Emiliano Zapata, Ernesto
e 49. La sua oscura vicen- delle forme e dei suoni significativi della musi- Che Guevara.
da fu la prima di una lunga Lorenzo Bertini ca del Sud Italia. Rossella Gaudenzi
 BEYOND
&further
Music In ¢ NUMERO 16 > Inverno 2011

ATOME PRIMITIF Three years, three days Galileo Galilei aveva puntato il cannoc- EX CENTRALE TERMOE-
a cura di ROMINA CIUFFA chiale verso i cieli immensi e aveva spiegato limportanza di guardare ciò che è piccolo, LETTRICA MONTEMAR-
costruendo l’occhialino. Questo gruppo, al microscopio, è più grande di quanto sembri. TINI Delirio onirico?

¢ CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA > IL DRAMMA DEL TONNO a cura di FLAVIO FABBRI

IL DRAMMA
Per un monaco francese, Georges Lemaître, l’universo
DEL TONNO
Il dramma di un tonno: una grata arrugginita lo divide
ha avuto inizio da un atomo primitivo: lo spazio-tempo dal mare. Così gli Atome Primitif, che meritano l’acqua
inizierebbe ad esistere solo dopo la sua disintegrazione. europea, non di essere mischiati tra gli spaghetti italiani.

siamo consapevoli del fatto che il genere che proponiamo non

trova un gran terreno fertile in Italia. Contiamo di riuscire ad
organizzare un tour all’estero nel più breve tempo possibile.
Clelia. Certo, i riscontri della critica e del pubblico ci sono
necessari. Personalmente però, credo che la conferma più bella
è sempre nel renderci conto che stiamo crescendo professional-
Videoreportage mente. I compromessi non ci piacciono e la produzione Urban49
ci ha lascito molto spazio sin dall’inizio. Di solito è il contrario,
la prima cosa che ti chiedono è di sacrificare spinta emotiva e
w w w. y o u t u b e . c o m / m u s i c i n c h a n n e l spontaneità, per far posto al prodotto. Con il Saint Louise e
Urban49, invece, è stato diverso. Abbiamo la possibilità di espri-

(...) H
anno certamente sofferto la gavetta dei live club
della Capitale, dove nessuno paga e poco è anche
il rispetto per chi suona, e conosciuto l’anticame-
ra dei grandi circuiti internazionali, partecipando a Operazione
Soundwave, il talent-show di MTV dedicato agli artisti e alle
band emergenti. Il direttore del Saint Louis, Stefano Mastruzzi,
e il produttore artistico Josè Fiorilli (tastierista per Ligabue,
Irene Grandi e Velvet) ne hanno voluto premiare la dedizione,
dando alle stampe il cd del debutto. La presentazione ufficiale,
quindi l’invito del MEI 2010 ad esibirsi.
I pezzi sono ora più rock (e la voce si sporca più volentieri con
gli strumenti, come nell’iniziale Indu e in Machine) ora più
impalpabili (Jan 7th, Concert in my head), poi una consapevo-
lezza musicale più alta (Silver House). Ma il primo chiaro indi-
zio di quanto può essere luminosa una stella generata dall’ato-
mo primitivo è Tuna drama, singolo dell’album, tragicomica
storia di un tonno che finisce condimento per spaghetti. Piccoli
atomi crescono, eppure l’album d’esordio è già grande oggi,
contiene sonorità mature che riportano ad autori (uno fra tutti, i
Portishead) senza nulla copiare, e non si tratta di autodecanta-
zione dell’editore per il suo stesso prodotto: la forza sta nel
poter decantare senza «auto», per la sicurezza di aver, con que-
sto gruppo, oggettivamente superato lo standard. Gli Atome
Primitif sono una realtà a parte, che merita l’Europa. Il vero e
proprio dramma di un tonno che non riesce a raggiungere il
mare, causa una grata arrugginita. E il video di Tuna Drama è,
indiscutibilmente, poesia di impatto emotivo praticamente intol-
lerabile, come una forchetta a tre denti.
Come nascono gli Atome Primitif?
Clelia. L’intesa sui generi e il modo di suonare ha convinto me
e Claudio a scrivere e fare musica assieme. La prima cosa che ci
è venuta in mente è stata di creare un gruppo, e questo è stato
possibile con l’arrivo di Azzurra e Giacomo. Abbiamo iniziato
con le cover, orientandoci tra Massive Attack e Portishead, poi
si è deciso di fare musica per conto nostro. Io iniziavo a realiz-
zare programmazioni, Giacomo passava a casa mia e ci metteva
sopra delle linee di basso, la voce di Azzurra si plasmava benis-
simo sul tutto e il resto è venuto da solo.
Quando avete cominciato a scrivere musica?
Clelia. All’inizio siamo stati obbligati a suonare come cover
band. A Roma, più in generale in Italia, è difficile fare altro se
vuoi tentare la strada del musicista. La nostra musica, quella
scritta da noi, c’è sempre stata fin dall’inizio, ma per sopravvi-
vere e guadagnare qualcosa abbiamo dovuto riproporre i classi-
ci per un po’ di tempo. Almeno fino a quando la qualità delle
cose che componevamo in studio non ha cominciato ad emerge-
re con forza e allora si è deciso, assieme, di passare ad altro e di
investire il tempo esclusivamente nel suonare pezzi nostri.
Quanto paga l’originalità nel mondo della musica?
Giacomo. Speriamo che la qualità della nostra musica porti
dei risultati anche economic e ci auguriamo che il disco vada
bene, ma puntiamo molto all’estero perché cantiamo in inglese e
merci liberamente e questo è straordinario.
Qual’è la natura degli Atome Primitif?
Giacomo. Musicalmente parlando, molte persone ci associano
ad una scena nordeuropea, per sonorità tipicamente islandesi o
tedesche. Il disco in realtà suona molto più rock, con chitarroni e
bassi distorti. C’è anche l’elettronica però e la psichedelica. In
noi passa la musica degli ultimi venti anni, ma non è semplice tro-
vare una collocazione precisa. Diciamo che sono più le contami-
nazioni a cifrare i nostri lavori che una categoria in particolare.
Da dove nasce il nome della band?
Giacomo. Con Clelia cercavamo un nome per il gruppo.
Eravamo indecisi e alla fine, dopo aver letto un articolo su una
rivista scientifica, sono stato attratto dalle teorie di un monaco
francese relative alla nascita dell’universo, Georges Lemaître. Il
fisico sosteneva che l’evoluzione dell’universo avesse avuto ini-
zio da un atomo primitivo, Atome Primitif, da cui poi, attraverso
quello che successivamente venne definito big bang, è iniziato un
processo di espansione tutt’ora in atto dello spazio.
Cosa pensate del vostro primo disco?
Clelia. Una grande emozione. Una parte rilevante della mia
vita è racchiusa in questo album. Spero solo che gli ascoltato-
ri ne percepiscano energia e forza emotiva. A loro spetta l’ulti-
ma parola. Penso che dobbiamo molto a Josè, sia musicalmen-
te, sia umanamente. Ma molto di più a Stefano Mastruzzi, che
è stato il mio maestro di chitarra per sei anni. È stato lui che ci
ha dato questa incredibile possibilità e che ha fatto in modo
che Fiorilli ci aiutasse a crescere come persone e come musici-
sti. Senza di loro, in definitiva, non avremmo mai raggiunto
Three years, three days. ■

POTHOS
E LA
CALDAIA
di Livia Zanichelli

A
chille sostiene Pentesilea morente davanti ad un motore diesel; il dio Pothos si erge in tutta la sua grazia di fronte alla
parete di una caldaia; un alternatore fa da sfondo agli sguardi fieri di Eracle e Diomede. Delirio onirico? Assolutamente
no. È Sala Macchine della Centrale Montemartini, perfetta fusione tra archeologia classica e archeologia industriale.

L’
ex Centrale Termoelettrica Giovanni Montemartini di Roma
riapre le porte alla musica: le due rassegne Musica e Cinema e
Unplugged ne animeranno, fino all’8 gennaio 2011, la Sala
Macchine, recentemente allestita per ospitare spettacoli dal vivo. Il piace-
re della buona musica si unisce così alle suggestioni dell’insolito intrec-
cio tra antico e moderno. Achille sostiene Pentesilea morente davanti ad
un motore diesel; il dio Pothos si erge in tutta la sua grazia di fronte alla
parete di una caldaia; un alternatore fa da sfondo agli sguardi fieri di
Eracle e Diomede.
Delirio onirico? Assolutamente no. Si tratta dello scenario offerto dalla
Sala Macchine della Centrale Montemartini, perfetta fusione tra archeo-
logia classica e archeologia industriale, che fa da sfondo agli eventi musi-
cali in programma fino all’8 gennaio 2011 nella suggestiva location,
situata in zona Ostiense. Prima tappa di questo pittoresco percorso trime-
strale l’evento Musica e Cinema, un viaggio tra le indimenticabili melo-
die del cinema italiano. Dopo le note del Tema d’amore composto da
Morricone per il film Nuovo cinema Paradiso, eseguite da Paolo Zampini
e Primo Oliva, dopo l’omaggio a Nino Rota, dopo il cinema del premio
Oscar Nicola Piovani interpretato dal Quintetto Cirano, l’horror di
Claudio Simonetti, autore delle oscure e conturbanti colonne sonore dei
film di Dario Argento.
A dicembre al via la seconda parte del suggestivo itinerario musicale
della Centrale Montemartini: la rassegna Unplugged ha come protagoni-
sti importanti artisti indipendenti in acustico. Prima la voce graffiante e il
pianoforte di Paul Millns, cantautore inglese che ha preso parte alle più
importanti band blues statunitensi; al suo fianco il canadese Butch
Coulter, straordinario specialista dell’armonica blues. Ci sono l’america-
na Elisabeth Cutler, di formazione rock, che si cimenta anche nella
musica fusion e nel blues «bianco» accompagnata dal polistrumentista
Filippo De Laura; Little Princess, voce solista in numerose colonne
sonore prodotte da Mike Moran. Il gruppo italiano Silenzio Assenzio ha
proposto ricercate sonorità in cui si intrecciano chill out, acid jazz, new
soul, black-music, con impronte jazz-funk.
Il gran finale è tutto di Tony Esposito e La banda del Sole, cantau-
tore e percussionista partenopeo alle prese con polistrumentisti interna-
zionali e su strumenti inconsueti come tamburi d’acqua, hang, osi drum
e kalimba, per una selezione dei brani che lo hanno reso famoso in tutto
il mondo, e le sue composizioni più recenti, caratterizzate da una minu-
ziosa e fine ricerca in ambito percussionistico. Sui ritmi e sulle note di
Tony Esposito si chiude questa breve stagione musicale: un percorso dai
toni e dai tratti magici e onirici, che accoglie e avvolge il pubblico in
una candida nuvola di irrealtà, allietandone i sensi attraverso il poetico
contrasto tra antico e moderno, l’alternanza tra melodie a noi care e
sonorità sconosciute. ■
Music In ¢ NUMERO 16 > Inverno 2011
KIDDYCAR Can I have your desert, please? Ma certo, pren-
dilo tutto, e portamelo via di qui. Distruggi le strutture che ho,
rendimi del tutto libera di guidare una macchinina da ragazzina
KIDDYCAR
la malinconia di Nick Drake, la sensualità di Serge Gainsbourg
a cura di
Eugenio e le ipnosi elettroniche figlie della migliore tradizione teuto-
Vicedomini nica degli anni Settanta. E un deserto altrui da desiderare.
K
iddycar, Arezzo. Ossia una band
indie-rock con una proposta musicale
colta e sognante ricca di atmosfere
sospese tra la malinconia di Nick Drake, la sen-
sualità di Serge Gainsbourg e le ipnosi elettro-
niche figlie della migliore tradizione teutonica
degli anni Settanta. Due dischi all’attivo
(Forget About del 2007 e Sunlit Silente del
2009). Tantissimi riconoscimenti di stima, in
Italia come all’estero, tanto che i KiddyCar
sono stati presentati dalla BBC inglese come
una delle band più interessanti di quest’ultimo
periodo. Music In ha avuto il piacere di incon-
trare Valentina Cidda, voce del gruppo.
Come e quando sono nati i Kiddycar?
Dichiariamo il 2005, anche se il seme del
progetto risale agli anni 90 da un trio compo-
sto da Stefano Santoni, Paolo Ferri e Roberto
Bianchi, all’epoca Kriminal Bit. Il progetto fu
poi abbandonato fino a quando, durante una
tranquilla serata tra amici, mi fecero ascoltare
alcuni brani, come Human Logic e The Dawn
and the Fly. Me ne innamorai immediatamente.
Scrissi testi e melodie e dissi: proviamo.
Qual è il tuo background musicale?
Vengo dal mondo della musica classica, ho
studiato pianoforte al conservatorio fino all’ot-
tavo anno e canto lirico. Che dire? Tutte le
strutture che gli anni di studio avevano radica-
to in me mi sono state utilissime per imparare a
lottare contro le strutture stesse. Ci ho messo
molto a distruggerle ed essere libera. Il rischio
di ogni percorso accademico è che esso inchio-
di in qualche misura il cuore, lo spirito, il cer-
vello, in direzioni obbligate incompatibili con
l’arte. La creatività non si insegna ed ogni tec-
nica è utile solamente se sei tu a dominarla
non, invece, se è lei a dominare te.
Sono passati tre anni dal vostro primo
disco Forget About. Cos’è cambiato?
Siamo cresciuti, professionalmente ed uma-
namente. Di cose ne sono accadute tante:
siamo più seri, organizzati ed uniti, e questo è
anche dovuto al fatto che siamo seguiti e guida-
ti da un grande manager, Alessandro Favilli.
Siamo soddisfatti del nostro lavoro ma mai
abbastanza: la regola d’oro è non assuefarsi
mai a se stessi.
La vostra musica ha un fortissima legame
con l’indie-rock d’oltremanica unito a sugge-
stioni retrò della Parigi Anni 60. Non a caso
i testi sono principalmente in inglese. È una
scelta dura da fare in Italia?
Il problema è che spesso i musicisti italiani si
3CHEVEDONOILRE Essere qui / nella baracca di latta / c’è
un aereo in pista per me / e decollando il tempo che passa / se
mi vuoi insegnare a atterrare voglio scappare da te
muovono in base a due schemi: importano un
certo modello internazionale, confezionandolo
in italiano, e si ostinano nel tentativo di espor-
tare un discorso cantautorale prettamente ita-
liano, senza la minima preoccupazione di utiliz-
zare un linguaggio universalmente comprensibi-
le. Entrambe queste vie non portano lontano e si
risolvono, nel primo caso, in una copia sbiadita
dell’originale, nel secondo, in un prodotto di
nicchia. Dovremmo smettere di lamentarci delle
difficoltà ed incentivarci. Ed ogni volta che si
scrive un brano occorre giudicarlo in modo
distaccato ed autocritico per capire se può reg-
gere un confronto a livello internazionale.
Quante opportunità per gli artisti e gruppi
alternativi vedi derivare dalla rete?
La Xtal, etichetta che ha prodotto e stampato
il nostro primo album in Giappone, ci ha sco-
perto e contattato proprio grazie a MySpace.
Realtà come questa possono essere veicoli di
straordinaria crescita e diffusione di progetti e
di idee all’interno della rete. Ma alla fine è
sempre la qualità che paga, che fa «accadere»,
e non sono i «50.000 friends». Per noi Internet
è stato, ed è, un mezzo miracoloso.
Quali voci femminili ti emozionano?
In primis, la sacerdotessa delle tenebre,
profonda e inquietante, con le sue atmosfere
sepolcrali sospese nel tempo: parlo di Nico. Poi
Janis Joplin, Siouxsie, alcune voci del post-
punk come le Raincoats. Anche Beth Gibbons.
Quale artista contemporaneo ascolti?
Sufjan Stevens è stato per me una vera e pro-
pria folgorazione Ha creato il sound del 2000.
Ho adorato DM Stith, il primo disco di Joanna
Newsom e mi è piaciuto molto Heartland di
Owen Pallett, disco assolutamente folle.
Il consiglio per quelli come te?
Nervi saldi, cuore aperto, consapevolezza,
grande autocritica, umiltà, umiltà, umiltà e
allenamento a sopportare la fame per periodi
anche piuttosto lunghi.
Hai già delle idee per il nuovo disco?
Ovviamente, essendo il prossimo il terzo
disco ufficiale (se escludiamo lo split con
Christian Rainer) sentiamo un forte desiderio
di innovazione e di rottura con quanto abbiamo
fatto fino ad oggi. Ascoltiamo, fagocitiamo
decine di dischi a settimana, vecchi e nuovissi-
mi, e le contaminazioni sono molte. Il difficile,
è riuscire a trovare un orientamento forte, il più
possibile personale e nello stesso tempo coe-
rente con ciò che i Kiddycar sono stati fino ad
ora. Ce la faremo? ■ me il gesto estemporaneo primitivo della crea-
BEYOND
&further
I3CHEVEDONOILRE
CHI HA PAURA DEL GATTO NERO?
«s
e fino ad ora ho perso tempo / e avre
fatto meglio a fare presto / se ho visto
gente crescermi addosso / c’è solo un
modo per saperlo: essere qui adesso». Oggi ci
sono. Il loro unico obiettivo è quello di scrivere
500 canzoni. Zappis, Carlo Fadini Hyper,
MrFalda e Andrea Martellasno, «nati dalle cene-
ri di un radioso passato metamorfico alla fine del
2003», sono 3chevedonoilrE, romani vintage
rock-punk che trasformano la musica popolare di
protesta e i Beatles in un concetto fermo, l’estro
comunicativo. Non c’è nulla da dire: i loro testi
parlano da sé.
Potrebbero, ciascuno di essi, costituire un rac-
conto, qualcuno che in una tavolata attira l’atten-
zione su di sé facendo con la forchetta vibrare il
bicchiere, e inizia: «Preso contatti con Heidi e
Ramon, mi ospiteranno a Bonn, già un po’ mi
sento uno di lì, piazza museo e brasserie». O a casa
rompe il silenzio così: «Quel film è stato bello, sì
ma troppo lento. E tu che mi evitavi e ci morivo
dentro. I boxer che mi hai regalato hanno l’elasti-
co lento. Potremo rifondare ogni tuo atteggiamen-
to, potremo dare vita a un protomovimento». Le
parole parlano da sole, dovrebbe essere normale
ma non lo è. E qui di questi 3chevedonoilrE (che
poi son quattro), il Re sono loro.
I musicisti hanno un modo di pensarsi artisti
simile a quello dei fotografi dell’era digitale. Ci
piace quando ci chiamano «artisti»: fa venire
voglia di metterti a fare il minatore. Solo che poi
i piedi nudi te li sporchi di fuliggine e sembrano
scarpe di gomma. 3chevedonoilrE nasce anche
da questo distacco: si tenta di dissociare a favo-
re della sorpresa, piuttosto che associarsi ai sor-
risi (vuoti) dei musicisti professionisti.
Comunicare in musica ci piaceva di più: can-
tare ti fa credere di passare delle informazioni.
Non «pezzi» di informazione, ma l’integrità di
notizie: emotive, ideali, giornalistiche o sussidia-
rie. Quando componi in questo modo, lo fai con
un calcolo che è una cifra poetica, ma in fondo è
solo leggera devozione alla parola e al suono.
3chevedonoilrE nasce da quattro storie e
non da quelle di un leader, di un dittatore, di
un deus ex machina, di un Re.
Quattro storie separate e differenti, eroi musi-
cali e letterari separati e differenti, modi di inten-
dere la vita e la socialità separati e differenti.
Rimaniamo legati l’un l’altro da un filo robusto,
che ci permette di sorridere di tutto ciò che è
serio e guardare oltre il profilo delle convenzio-
ni, sghignazzare sulle classiche sonorità rock a
favore della sorpresa e proporre una non consue-
ta struttura di un brano apparentemente leggero.
Musicalmente il progetto avrebbe dovuto
essere differente. Nasceva un gruppo alla fine
del 2003 che si prefissava di combinare insie-
www.lifegateradio.it
a cura di
Romina
Ciuffa
zione emotiva (di ispirazione informale) e la
razionalità che ne costruiva i contorni.
Le canzoni si costruivano sulla base di un’esi-
genza immediata, poi si lavoravano fino a ren-
derle soddisfacenti. La musica era in parte elet-
tronica e non era mai soddisfacentemente finita.
Abbiamo passato mesi su svariati divani a parla-
re di cosa stessimo facendo, a stilare un nostro
statuto. Abbiamo scritto moltissimi libretti ognu-
no per l’altro per far conoscere il nostro pensie-
ro personale e farlo passare più velocemente che
con il passaggio orale. Ci regalavamo libri e
dischi da ascoltare per poter arrivare ad una
consapevolezza maggiore reciproca.
Poi abbiamo capito che, se concettualmente la
musica partiva da un gesto primitivo prima di
arrivare a forme contemporanee, di cui non ave-
vamo ancora pienamente controllo (come la
musica elettronica), era necessario tornare a fare
ciò che veniva fatto negli anni 60 e 70, cioè scri-
vere canzoni (già lo facevamo) e suonarle con ciò
che di più «primitivo» avevamo in mano e sape-
vamo domare: batteria, basso, chitarra e voce.
Ma c’era ancora qualcosa che mancava.
Qualcosa che all’inizio avevamo individuato
nella ballabilità. I Beatles, i Beach Boys, le eccel-
lenze di quel periodo ci hanno dimostrato che
l’unico modo per arrivare alle persone che
avrebbero ascoltato i nostri pezzi era il coinvol-
gimento, concetto semplice e vincente. Bisognava
solo dire cose maledettamente serie, profonda-
mente tatuate nelle nostre menti, e farle passare
come canzonette divertenti. Prima o poi qualcu-
no si sarebbe soffermato su cosa dicevamo.
Qualcosa come ciò che Calvino vedeva in
Queneau, quel concetto di POP che Andy Warhol
aveva sviluppato in un altro mondo. L’intento è
questo: ridare al POP il suo vero valore aggiun-
to, non arroccandolo su quelle montagne di
incomprensibili concetti arginati da idee vetuste
e consumismo. L’amore per la forma canzone ha
sempre caratterizzato tutto il nostro bisogno di
trasmissibilità: i concetti più difficili possono
passare in menti che ne sembrano immuni.
L’album d’esordio, Nella Baracca Di Latta,
è il frutto di tutti questi anni di lavoro e
meditazione. Terminato nel 2010, si compone
di 12 canzoni più una cover di Giorgio
Gaber, L’Illogica Allegria.
Abbiamo scelto di attingere indistintamente
dalla scena vintage rock-punk, dalla musica
popolare di protesta, dalle atmosfere beatlesia-
ne. Ci siamo interessati più alla dissacrazione
di certi cliché sonori della scena underground e
pop, rinunciando ad apparire falsi eroi musica-
li. Scoprire e meravigliarci è quello che voglia-
mo fare di tutto ciò che gira attorno a noi,
cogliere la realtà da un punto di vista diverso
da quello che ci raccontano. ■
CLASSICA
MENTE
Music In ¢ NUMERO 16 > Inverno 2011

MENTE ELEONORA PATERNITI Skeggia Davanti a sé due percorsi apparentemente ossimorici: le

percussioni e la lirica. I libretti operistici sono state le sue favole, la batteria il ritmo. Oggi è una
AMUSIA Per Che Guevara
un tango e una samba erano
aa cura
cura di
di ROMINA CIUFFA
FLAVIO FABBRI
delle più giovani registe operistiche in Europa, è autrice di «Mettiamoci all’Opera» e non la fermi. esattamente la stessa cosa.
di ADRI

ELEONORA PATERNITI AKA SKEGGIA

ata il giorno della nascita di Mozart, il 27 gennaio,
DI ROMINA CIUFFA

N Eleonora Paterniti soffre di un grave sdoppiamento

di personalità. Davanti a sé due percorsi apparente-
mente ossimorici: le percussioni e la lirica. I libretti
operistici sono state le sue favole, la batteria il ritmo.
Nasco a Palermo al pianoforte, mi immaginavano avvocato.
Sin dall’inizio con un grandissimo sdoppiamento della persona-
lità artistica, metà legata alle percussioni e alla fusion, l’altra
metà all’Opera lirica. Eravamo a Milano; i miei genitori aveva-
no la preoccupazione che io non socializzassi e scelsero il pia-
noforte, ma crescevo percussionista. La prima ravvisaglia la ebbi
verso i 4 anni, a casa di una zia, lirica al Massimo di Palermo:
mise un disco al grammofono, nella sua villa al mare a Mondello,
e si allontanò. Mi trovò riversa su me stessa, ed ebbi difficoltà a
quell’età a spiegare che non riuscivo a contenere l’emozione di
sentire la compagine strumentale, soprattutto i timpani.
Quando sua madre la porta a vedere la Butterfly, lei indica
il palco e dice: «Vedi mamma, la mia vita sarà quella». Per
me i libretti operistici erano favole e ricordo la visione che di
essi avevo da bambina, non del tutto smaliziata ma con la giusta
dose di cattiveria e di bontà: oggi, come regista, le ripropongo
esattamente con quella visione, che ho perfettamente presente.
Dopo 8 anni dice no alla lezione di piano ed esclama: io
sono una percussionista. Volevo gli strumenti a casa, mi ero
documentata su tutto e iniziai un’opera di persuasione da terro-
rista. Non nego che i miei studi pianistici mi hanno aiutato: oggi
gli allievi pianisti sono meri esecutori, e se ne demolisce l’istin-
tività, la passione, in favore della dipendenza alla lettura e
all’insegnante. Nessuno sa suonare se non ha uno spartito.
Il metal. Avevo 10 anni quando, a Caserta, mi recai di testa
mia da un metallaro, l’unico che conoscevo che in quel momen-
to poteva mettermi a disposizione una batteria. Cominciammo
con Led Zeppelin e Green Day, e quando mi mise davanti la gra-
fia per la batteria, io che arrivavo da una lettura pianistica
cominciai immediatamente a suonare da esperta. Più avanti mi
accorsi di molti limiti in quel percorso, anche gli ascolti più ele-
vati che facevo, le electric band, John Patitucci, Dave Weckl,
Vinnie Colaiuta: non ero una metallara.
Il Conservatorio. Facevo il liceo scientifico intanto, e decisi
per il Conservatorio. Era l’anno del diploma ed ero al limite del-
l’età per accedere; entrai alla svelta, un solo posto disponibile
ed unica donna percussionista, al San Pietro a Majella di Napoli
durante la direzione di Alberto di Simone, quindi quella di
Vincenzo De Gregorio. Ho condotto un percorso meraviglioso
con i miei compagni: eravamo i Percussion Time, gruppo stori-
co nato prima da grandi percussionisti della tradizione italiana,
che poi è passato a noi giovani.
L’immobilità. Ebbi un grave problema al ginocchio e dovetti
interrompere per anni il mio lavoro da percussionista, così perfe-
zionando solo ciò che mi era permesso di fare: lavorando con le
mani, avvicinandomi alle percussioni afro-cubane e allo studio
dell’Opera e della Lirica, salendo sul palcoscenico di prosa. Ho
chiesto di poter entrare nei teatri e guardare, imparando i mestie-
ri del tecnico, del macchinista, della figurante e qualunque cosa
che mi avrebbe avvicinato al teatro lirico un domani. All’interno
del Conservatorio studiavo Drammaturgia lirica. L’immobilità
w w w. y o u t u b e . c o m / m u s i c i n c h a n n e l
photocredit
Ignazio Raso
mi ha portato a legarmi di più alla scrittura e alla lettura.
Il ritorno. Ero terrorizzata dal rientrare in Conservatorio o in
un teatro; mi sono ritrovata un giorno a suonare di nuovo la bat-
teria senza rendermene conto, davanti a Gennaro Barba e a suo
figlio Mariano, presso i quali ho vissuto per più di un anno.
Intanto, in una tournée di Jovanotti, «L’albero», ne conobbi i per-
cussionisti e strinsi amicizia con Pier Foschi ed il genio poliedri-
co Daniele Di Gregorio, che mi diede la forza di proseguire nella
musica. Il mio maestro di Conservatorio, Vittorio Buonomo, mi
chiese di assisterlo in alcune lezioni in Accademia per bambini
dai 3 ai 7 anni, poi mi lasciò la gestione del corso. Li ho seguiti
per moltissimi anni, oggi son tutti percussionisti della prima
Orchestra giovanile del Teatro dell’Opera di Roma e stanno ulti-
mando il Conservatorio. Con loro ho imparato il mestiere.
L’Opera. La mia tesi fu, non a caso, sul Don Giovanni nella
storia. Poi varie coincidenze. Intanto andai a vedere una
Butterfly e capii di non poterne fare a meno. Poi vidi un manife-
sto a Caserta, dove ero andata a trovare i miei, su un congresso
di Lanza Tommasi, allora sovraintendente del Teatro San Carlo.
Quando lo vidi gli misi in mano una busta con poche notizie su
di me, avevo solo 20 anni. Lui mi disse subito: «Non posso farla
entrare nel coro». Lo tranquillizzai, non era mio interesse. Ma
Alexis Bulgari, allora suo braccio destro, mi chiamò a un’audi-
zione per figurante per l’Opera e passai come riserva, utilissimo
per me perché avrei potuto guardare tutti gli spettacoli dalla pla-
tea senza esser protagonista sulla scena. Così rifeci amicizia con
Videoreportage
il teatro. Mi portai a casa un tesoro: superai la barriera, impa-
rai moltissimo, strinsi ottimi rapporti con Lina Polito, che mi
fece chiamare per lavorare a una commedia insieme in qualità di
attrice. Di fatto non ebbe mai una messa in scena, ma ebbi la
possibilità di lavorare con una regista operistica, quindi mi spin-
si a fare la stagista pur di lavorare a Roma con il maestro
Gianluigi Gelmetti per il suo Barbiere di Siviglia e con lui è nata
una fortissima collaborazione artistica: ho lavorato, tra l’altro,
al suo Tristano e Isotta messo in atto al Teatro Carlo Felice di
Genova; abbiamo riaperto, dopo l’incendio, il Teatro dei
Rinnovati di Siena con la Traviata; mi occupo del coordinamen-
to artistico dei corsi di Direzione d’Orchestra da lui diretti nel-
l’ambito dell’Accademia Chigiana di Siena.
Progetti e TV. Intanto scrivo per il teatro musicale.
Ultimamente ho firmato la regia per Anna Bolena al National
Theatre di Tirana, quella del Barbiere di Siviglia a Coliseu du
Porto, in Portogallo. Sono autrice del programma in prima sera-
ta Rai1 «Mettiamoci all’Opera», il primo talent show per giova-
ni promesse della lirica della televisione italiana. Sono consu-
lente della direzione del Tg2 e ho realizzato, nell’ambito dell’e-
dizione Tg2punto.it, lo spazio settimanale dedicato al mondo
della lirica, curando la scelta dei brani e la selezione dei musi-
cisti e dei cantanti che si esibiscono in diretta. Così ho conosciu-
to il paroliere Pasquale Panella e la lirica Daniela Dessì, la
stessa che mi fece innamorare dell’Opera da bambina. Per il
teatro produrrò verso marzo lo spettacolo «Tommy» al Belli di
Roma e al Libero di Milano. Sto lavorando e collaborando con
Ivana Noto dell’I.P.C., Iniziative promozioni cinematografiche
di Roma, alla diffusione di un paio di progetti che riguardano
Anna Bolena e il Barbiere di Siviglia, che si presentano assolu-
tamente innovativi e rivoluzionari; prossimamente sarò anche
impegnata in Francia nell’ambito del Festival «Liricamente
vôtre» con la Traviata.
Perché la Paterniti. Odio la sciatteria, ma so che le opportu-
nità non vengono date facilmente, so di non essere unica. Credo
invece di esser stata fortunata, ma anche di aver ragionato e com-
piuto i miei passi sempre sentendoli dentro, avvicinandomi a per-
sone da cui ho imparato tutto. Ora che faccio regia operistica uso
tutto il bagaglio che ho: non riesco a fare una regia se non in par-
titura, e non amo dare segni innovativi. Riverso nei miei prodotti
la visione di quella stessa bambina che per la prima volta legge-
va i libretti come favole. E continuo a riversarmi su me stessa
quando sono «all’opera», e a vivere la musica con quello stesso
sdoppiamento della personalità che mi ha fatto divenire una
«Skeggia». Che è il soprannome che mi hanno dato. ■

R
e Afonso XIII di Spagna era incapa-
ce di riconoscere una canzone da
un’altra: per lui una marcia funebre
equivaleva a qualunque altro pezzo.
A dire il vero accade anche a me, che
non riesco a distinguere uno degli ultimi
motivi pop da un pianto. Ma non sono affet-
ta, come lui, da amusia. Non so se conside-
rarlo un fortunato: probabilmente oggi lo
sarebbe più di ieri. Uno dei primi casi
descritti, nel 1878, fu quello di un uomo che
parlava del suono di un pianoforte come di
«una nota musicale, più un tonfo sordo e
rumore di fili metallici». Descriverei in que-
sto modo molti dei pezzi che ascolto.
L’amusia è l’incapacità biologica, in
assenza di alterazioni della percezione udi-
tiva elementare o di turbe intellettive e lin-
guistiche, di comprendere, eseguire ed
apprezzare la musica, patologia neurobiolo-
gica acquisibile (per danni cerebrali ad
di un ictus che gli tolse quasi del tutto la
capacità di parlare e di capire il linguaggio.
Nonostante ciò, continuò a comporre alme-
no 11 opere maggiori tra sonate, quartetti e
arie, e a insegnare ai propri allievi, ascol-
tandoli e correggendone le composizioni; e
Maurice Ravel, via via che la sua malattia
al cervello avanzava, si diceva in grado di
comporre la musica nella testa ma incapace
di fissarla sulla carta.
Per il neuroscienziato Steven Pinker la
musica, per il cervello, è «poca cosa», è un
«auditory cheesecake», solo una ghiottone-
ria: i soggetti perfettamente stonati vivono
una vita normale. Mentre le scimmie non
hanno avversione per gli accordi dissonan-
ti o per suoni sgradevoli - le unghie su una
lavagna o il metallo sopra un vetro - e pre-
feriscono i ritmi lenti, di più il silenzio.
Ghiottoneria, fronzolo, dolcetto per l’o-
recchio, ma da Darwin a John Blacking
centro di Wernicke, specializzato nella
parola, decodifica il segnale musicale in
entrambi gli emisferi e lo trasmette senza
mediazione al corpo (danza) e al sistema
neurovegetativo (ritmo cardiaco, condut-
tanza cutanea, pressione arteriosa, richiamo
sessuale) ed endocrino (ACTH, ossitocina,
vasopressina).
Per verificare il livello di amusia, si può
fare il test elaborato da Isabelle Peretz,
dell’Università di Montreal, qui:
www.delosis.com/listening. Esso presenta
30 coppie di motivi musicali, esattamente
uguali, diverse o leggermente diverse. Otto
minuti per capire se le lezioni di canto sono
soldi buttati. A meno di non voler emulare
Lorence Foster Jenkins, la soprano di
Philadelphia che, amusica, divenne celebre
in un modo anticonvenzionale: nonostante
la sua palese mancanza di abilità, era fer-
mamente convinta della propria grandezza

CHEESECAKE
esempio, tanto che i primi studi furono con-
dotti sui cerebrolesi nel 1962) ovvero con-
genita per l’irregolarità nel funzionamento
dell’emisfero destro del cervello, prima
invece imputata solo al nervo acustico e
di Romina Ciuffa alla corteccia uditiva sita nei lobi temporali
sopra le orecchie. Le cause non sono psico-
Re Alfonso XIII di Spagna, Che Guevara, Maurice logiche, ma anatomiche.
Ravel: tutti affetti da amusia. E troppo spesso li invidio. Un amusico non è uno stonato né riesce
ad avvertire le stonature proprie o altrui.
Nei casi più gravi è del tutto incapace di
sentire la musica, o la avverte come un orri-
bile frastuono. Ne è affetto circa il 4 per
cento della popolazione. Tra i quali Che
Guevara, che non sapeva distinguere alcun
genere musicale tanto che, in un’occasione
RIONE MONTI - Via Madonna dei Monti, 28 speciale, ballò un tango appassionato men-
06 6990968 - info@fafiuche.it tre tutti danzavano a ritmo di samba. Il
compositore Vissarion Shebalin fu vittima
(1973, Com’è musicale l’uomo?, per cui la
musica è «qualcosa che risiede nel corpo e
attende di essere espresso e sviluppato»)
c’è questo: sono rare (o nessuna) le cose del
nostro cervello che appaiono superflue o di
mero divertimento, incluso il divertimento
stesso. Il cervello risponde alla musica sin
dal feto (riposa al ritmo materno), i bambi-
ni nascono in qualche modo musicisti
(sanno riconoscere note, accordi, scale
diverse suonate a distanza di giorni), ed è
indiscutibile che un tamburo, la tromba di
guerra, il corno o danze tribali abbiano un
ruolo comunicativo antico, pre-verbale.
Lo stesso messaggio di richiamo, sfida o
corteggiamento di molte specie animali
(quello luminoso delle lucciole o sonoro del
cervo e del lupo) è costruito sul ritmo, sul
timbro e sulle note. Negli essere umani il
e distribuiva personalmente gli ambiti
biglietti; accontentò il folto pubblico (che
deridendola l’ammirava) solo quando
accettò di esibirsi alla Carnegie Hall il 25
ottobre 1944 (sold out con settimane di
anticipo) per morire un mese dopo. Era a
malapena in grado di sostenere una nota, e
i suoi accompagnatori facevano continui
aggiustamenti per compensare le sue varia-
zioni di tempo e i suoi errori ritmici; lei non
lo ammise mai e trascorse la vita ad accusa-
re la critica e le colleghe di invidia.
«La gente può anche dire che non so
cantare, ma nessuno potrà mai dire che
non ho cantato». Questa la metterei in
bocca al 70 per cento dei cantanti. E il test
della Peretz dovrebbero fare: gradiremmo
ricevere da ciascuno di essi, in redazione,
il punteggio ottenuto, oltre ai loro cd. ■
Music In ¢ NUMERO 16 > Inverno 2011
CREATTIVA Intervista a Chiara UN AMERICANO A PARIGI «Ho sempre avuto una specie di sensibilità istintiva per le combi-
Sergio Il tarantismo ai tempi della nazioni di suoni, e diversi accordi che suonano così moderni furono buttati giù senza che rivolges-
spersonalizzazione delle tradizioni si un’attenzione particolare alle giustificazioni teoriche della loro struttura», George Gershwin
PIZZICA A MEMORIA D’UOMO
LA pizzica e la taranta sono cosa seria. Il
tarantismo è un fenomeno che coinvolge
discipline di differenti ambiti: dall’antro-
pologia all’etnomusicologia, dalla psi-
chiatria alla religione e alle tradizioni
popolari fortemente pagane. È il caso di dire, però, che
pizzica e taranta vadano di moda, da un po’ di tempo a
questa parte, ben inserendosi in quella trasmissione di
conoscenza mordi e fuggi che tanto rispecchia il nostro
Paese. Se ne fa un gran parlare, un eccessivo parlare.
In ogniddove sorgono scuolette, insegnanti, corsi,
prontuari e ci si può sentire ballerini di pizzica dopo
due giorni, per l’aver memorizzato due passi. Finché
dura. Poi la collettività si volgerà altrove, qualcuno ci
avrà guadagnato sopra ben bene e per le strade rimar-
ranno cartacce e spazzatura sollevate dal vento.
C’è in giro davvero tanta spazzatura, situazione
avvilente per gli esperti di questa danza. Si è scritto e
detto tanto, c’è un pullulare di siti e blog, ma è attra-
verso la storicità che occorre passare per poter parla-
re con coscienza di pizzica e taranta, attraverso antro-
pologi ed etnomusicologi. La conoscenza deve esser tale.
Chiara Sergio, ideatrice e direttrice artistica della brindisina
Creattiva-Officina di danza, vive di danza. O meglio, di danze.
Parte da una formazione classica ma una buona base tecnica non
basta a soddisfarla, è quindi ben presto solleticata dalle danze
etniche. Durante gli anni degli studi liceali la sete di conoscenza
si alimenta ogni qualvolta legga di danza o assista a una coreo-
grafia. Le suggestioni si alimentano. Il giro di boa avviene duran-
te gli anni universitari, lo studio del flamenco, di danze afro,
danza del ventre, teatro-danza classico indiano, che rafforza la
consapevolezza, la arricchisce, e rimane nel background.
L’incontro fortunato risale al 1998. Ho avuto la fortuna di
conoscere Giorgio Di Lecce, fondatore dell’associazione Arakne
Mediterranea, incontrato per caso.
La compagnia ha sede a Martignano, in provincia di Lecce, ed
opera da oltre 15 anni sul territorio del Salento, in collaborazio-
ne con l’Università leccese. Si compone di artisti, studiosi e
ricercatori che si propongono di diffondere, far conoscere e
sopravvivere le tradizioni, le danze, gli usi e i costumi delle
espressioni popolari salentine e della Puglia. Propone nei suoi
spettacoli dal vivo, conferenze e stage, i canti, le danze e i ritmi
direttamente attinti alla tradizione orale, da nonne tamburelliste,
cantanti, danzatrici e danzatori popolari che ci hanno trasmesso
la loro passione per la pizzica e il canto popolare, autentica
espressione di una cultura altra.
Mi ero recata presso la sede della compagnia per un incontro
sul Tarantismo e mi ha vista danzare, ha colto la mia predispo-
sizione e mi ha voluta con sé. O meglio, avrebbe voluto portar-
mi con sé. All’ epoca dovevo ancora discutere la tesi e la prospet-
tiva di una tournée che arrivasse a toccare il Giappone era al di
fuori della mia portata. La mia tournée con gli Arakne
Mediterranea è così consistita in una sola tappa, a Genova, per
L’arte paga, la musica paga,
la danza paga. Prendi gli
anni Venti, Parigi, un ameri-
cano e sfumature impressio-
Paga
niste con echi esistenzialisti.
Poi prendi George Gershwin
e Raffaele Paganini. E balla.
di Valentina Giosa
a magia musicale di George Gershwin
L e il tocco cinematografico di Vincente
Minnelli si fondono nella prima ver-
sione per balletto in Italia di quella che può
esser certamente definita una delle opere
musicali più famose al mondo. Dal 25 gen-
naio al 6 febbraio al Teatro Italia di Roma,
Raffaele Paganini sarà in scena con Un
Americano a Parigi, rielaborazione dell’ope-
ra scritta da Gershwin nel 1928 (divenuta poi
uno standard nonostante lo scarso successo
iniziale della Carnegie Hall) e ripresa nel
1951 sul grande schermo dal regista Vincente
Minnelli, aggiudicandosi ben 6 premi Oscar
fra cui quello per il miglior film al Festival di
Cannes dello stesso anno.
L’elaborazione drammaturgica per balletto,
curata da Riccardo Reim, con la coreografia
di Luigi Martelletta e l’interpretazione di
Raffaele Paganini, non solo attinge in parte
all’opera originale, in parte alla sua più cele-
bre rielaborazione cinematografica, ma
BALLET
a cura di ROSSELLA GAUDENZI
A CURA DI ROSSELLA GAUDENZI
poi darci appuntamento dopo la fine dei miei studi. Il
seguito è una triste storia, poiché il fondatore ci ha
lasciati in giovane età; la direzione artistica dell’asso-
ciazione è oggi in mano alla compagna di vita e d’arte
Imma Giannuzzi.
Dopo la tesi di laurea in Beni Culturali dal titolo
«Rapporti fra arte e danza nel 900», Chiara Sergio sog-
giorna a Bologna dove inizia il vero percorso di cono-
scenza della danza e di consapevolezza che la danza
possa curare. Si avvicina alla danzaterapia, sperimenta,
va a ballare con gli anziani, approfondisce grazie
all’apporto di un’amica antropologa, scrive e legge
molto. Fino a che non trova una raccolta di articoli sulla
danzaterapia della danzaterapeuta, coreografa e coun-
selling Nicoletta S., che le accende il desiderio di cono-
scerla. Nicoletta insegna a Bologna, ironia della sorte
dietro casa di Chiara, ed ironia della sorte si scopre
essere lei stessa una cara amica di Giorgio di Lecce.
«Giorgio ti ha mandata qui». Due anni di studio e cre-
scita, dopodiché il ritorno in Puglia.
ingono questi esser stati morsi da alcuni ani- Non mi è piaciuto né mi piace quel che vedo qui,
«F mali che nascono nel territorio di Taranto (da
cui son nominati) ed esser caduti in quell
infirmit‡, che li rende come pazzi. Vibrano e sbatto-
nella mia terra. Assistiamo ad un fenomeno folk inteso come
commercializzazione della cultura, che riassumo nel concetto di
«pizzica da supermercato». Ciò a cui aspiro sarebbe, invece, il
riscatto della danza nella sua essenza. La pizzica è una danza
no la testa,tremano con le ginocchia, spesso al dalla storia lunga e articolata, ha schemi aperti in cui è possibi-
suono cantano e ballano, agitano le labbra, stridono le indirizzare la persona che vuole apprendere, ma è altrettanto
co denti e fanno azioni da matti. Niente chiedono, importante trovare in essa una forte propensione, che è intrinse-
ma il compagno guidone notificando per tutto ch ca nel nostro sangue pugliese. Se si elimina questo, si attua un
meccanismo inutile, non si arriva alla conoscenza né all essenza
egli Ë attarantato, chiede e raccoglie elemosina per di quest’arte, la pizzica, che è gioia, dolore, catarsi.
loro: oh ingegno, oh arte inaudita per li passati seco- Quale attenzione è stata rivolta alle danze popolari da
li!» R. Frianoro, Il Vagabondo, Viterbo, 1621 parte di altri Paesi?
È stupefacente in parte e in parte avvilente rendersi conto del
rispetto e dell’attenzione che altre nazioni dimostrano per pizzica
In Italia e sulle coste del e colori. Intorno al 600, que- e taranta. L’esperienza illuminante in tal senso è stata per me la
Mediterraneo già intorno al X ste danze e musiche, origina- partecipazione al progetto «La vita è Belga - Associazione di
secolo era conosciuta la rie della regione di Taranto, pugliesi in Belgio-Bruxelles», seminario teorico-pratico intensivo
tarantola, ragno in grado di presero il nome di «tarantel- sui temi del tarantismo e della danza popolare pugliese. Ebbene,
creare disturbi all’uomo. le» e si manifestarono sotto vengo puntualmente richiamata e mi reco a Bruxelles per questi
Dopo alcuni episodi di cura forma di feste popolari, in cui seminari accolti con grande interesse e considerazione.
del morso velenoso con la musicisti e partecipanti pro- Come si articola il tuo lavoro?
musica e la danza, la pratica venivano da differenti villaggi Su un doppio binario. Innanzitutto la didattica: le attività
si diffuse in tutto il Meridione e di cui erano principali prota- laboratoriali tra cui i laboratori didattici di Danza popolare,
d’Italia, come attesta il docu- goniste le donne. La Chiesa Creativo-espressivi («Arte in Gioco» e «Il cerchio delle
mento del 1362 «Sertum nei secoli condannò e proibì le Donne»), di Espressione corporea e Teatrabilità della danza;
Papale de venenis». Dal 300 manifestazioni con danze seminari a tema, seminari intensivi, workshop. L’altro aspetto è
in poi questa danza fu consi- sfrenate, ma questi riti, rappresentato dagli spettacoli, dalle performance ideate da me:
derata curativa, capace di profondamente radicati nella «Tamburo Tao» pone il tamburo al centro di un lavoro che lo
curare dal veleno, ipotetico o popolazione, continuarono ad intende come cuore pulsante di tutti gli uomini, è dunque uno
reale, della tarantola: i taran- essere praticati fino a diveni- spettacolo di contaminazione tra danza, musica popolare e musi-
tati erano sollecitati da parti- re delle danze popolari duran- che etniche, provenienti da Africa, Balcani, India. «Di Me» è un
colari ritmi di tamburo, suoni te le feste locali. progetto sulla donna. ■
nini ripete
aggiunge una sorta di chiave di lettura, il
dato biografico rappresentato da elementi
della vita stessa di Gershwin.
Proprio nel 1928 l’autore, appena trenten-
ne, si era infatti stabilito a Parigi attratto
dalla cultura europea, dalla tradizione clas-
sica e della musica di Maurice Ravel. Nella
capitale francese, Gershwin si era dedicato
principalmente agli studi di composizione
nonostante numerosi maestri, tra i quali lo
stesso Ravel, si fossero rifiutati di offrir lui
delle lezioni, temendo che il rigore della
classicità potesse reprimere le sue sfumatu-
re jazz.
Un americano a Parigi diventa così una
vera e propria indagine, sul lungo e affasci-
nante processo creativo del compositore sta-
tunitense dove convivono armoniosamente
musiche di estrazione popolare e quelle di
tradizione più nobile. In questa superba ver-
sione per balletto, Gershwin sarà pertanto sia
autore che protagonista, e da qui la scelta di
utilizzare brani non strettamente connessi
all’opera stessa: Want’ Em You Can’t
Get’Em, Rialto Ripples, Rhapsody in Blue,
The Man I Love e Summertime sono alcuni
dei titoli a fare da colonna sonora all’inter-
pretazione di Paganini.
Notevole anche il lavoro scenografico,
denso di citazioni pittoriche che perfettamen-
te ricreano l’atmosfera unica della Parigi di
fine anni Venti, una città romantica e vibran-
te in bilico fra sfumature impressioniste ed
echi esistenzialisti. ■
 SOUND
tracking
a cura di ROBERTA MASTRUZZI
NOWHERE
di Roberta Mastruzzi
«I
magine all the people living life in
peace». Non ci vuole Freud per capire
che chi aspira alla pace universale è
molto probabilmente qualcuno che è passato
attraverso una guerra. E non necessariamente
militare: esistono guerre altrettanto terribili, che
si introducono nel nostro spirito e rimangono lì
incastrate per anni, a volte una vita intera. Chi
ha cantato queste parole immaginando un
mondo senza guerre, religioni, divisioni, pro-
prietà era qualcuno che per tutta la vita ha dovu-
to combattere contro una grande lacerazione
interna. Capire l’opera di un artista è anche
comprendere il suo lato più vulnerabile e le
motivazioni profonde che l’hanno spinto al suc-
cesso. Dietro l’urgenza di dare voce al proprio
inconscio e di metterlo sotto i riflettori del
mondo c’è spesso la necessità di recuperare
qualcosa che si è rotto.
Nowhere boy è il film di Sam Taylor-Wood,
artista contemporanea alla sua prima opera cine-
matografica, che racconta John Lennon prima
che diventasse un’icona della musica. Un biopic
sui generis, nel quale non troverete il racconto
cronologico dell’ascesa e del successo mondiale
del quartetto di Liverpool - a dire la verità i
Beatles non vengono nominati neanche una
volta - ma conoscerete la storia di un ragazzo
ribelle, che cresce ascoltando il blues e il rock
LIFEINADAY
D
ove eravate sabato 24 luglio
2010? Perché al Sundance Film
Festival, la manifestazione cine-
matografica che premia le pellicole d’autore
e le produzioni indipendenti, sta per essere
mostrato Life in a day, documentario pro-
dotto da Ridley Scott in cui ogni fotogram-
ma è catturato dal materiale che su Youtube
anonimi utenti di tutto il mondo hanno
inviato, risponendo all’appello lanciato dal
regista de Il gladiatore e caricando sul sito
il filmato della loro giornata.
Negli spezzoni, rigorosamente girati nelle
24 ore indicate, i partecipanti hanno dovuto
rispondere alle domande «che cosa ami?»,
«di cosa hai paura», «che cosa ti fa ridere?»
e «che cosa hai in tasca?». A Kevin
Macdonald, il regista scozzese di State of
play e L’ultimo Re di Scozia, il compito di
prendere le 5.000 ore di girato e trasformar-
TRON: LEGACY
di Flavio Fabbri
A
quasi trent’anni dall’uscita di Tron
(1982), la Walt Disney ha deciso di pro-
durre un ambizioso sequel, Tron:
Legacy. Del primo episodio rimangono nel
cast Jeff Bridges e Bruce Boxleitner, che la
magia del digitale rende quasi senza tempo. Lo
stesso regista si ripropone, in questa nuova
avventura, ma in veste di co-produttore,
lasciando la macchina da presa nelle mani del
debuttante Joseph Kosinski.
Tron: Legacy, la cui prima breve première di
23 minuti si è avuta alla quinta edizione del
Festival Internazionale del Film di Roma, è un
film in cui a dominare è l’animazione in digita-
le e soprattutto in 3D, con un ottimo montaggio
e uno script che non lascia, come al solito,
campo libero ai soli effetti speciali, che pure
NOWHERE BOY John Lennon prima di John Lennon Non
ci vuole Freud per capire che chi aspira alla pace universale è
probabilmente qualcuno che è passato attraverso una guerra
degli anni 50 e che sfoga la rabbia giovanile cer-
cando conforto nella musica, fino al giorno in
cui insieme a due amici, un tale Paul McCartney
e un certo George Harrison, parte per Amburgo
in cerca di fortuna.
La sceneggiatura scritta da Matt Greenhalg
(l’autore di Control, film dedicato al leader dei
Joy Division, Ian Curtis), basata sulla biografia
della sorella di Lennon (Immagine this. Io e mio
fratello John), preferisce infatti scavare nel par-
ticolare rapporto tra il futuro artista e le donne
che hanno segnato la sua adolescenza: la zia
Mimi (Kristin Scott Thomas), austera donna che
lo ha cresciuto dall’età di 5 anni e la vera madre
Julia (Anne-Marie Duff), che vive a pochi metri
di distanza e che John conoscerà solo a quindici
anni. Una sorta di triangolo amoroso in cui il
giovane John, interpretato da un intenso Aaron
Johnson, è in un certo senso vittima, stretto tra
lo in un film dal filo logico e coerente della
durata di circa 2 ore.
La colonna sonora invece: affidata a un
grande sperimentatore, Matthew Herbert,
abituato a campionare suoni reali (nel suo
The Pig ha registrato i rumori dell’intera vita
di un maiale, ricomponendoli in musica; la
sua prima vera performance nel 1995 lo
vedeva alle prese con un pacchetto di patati-
ne; una denuncia della globalizzazione ha
preso vita a partire dai suoni registrati con
prodotti MacDonald e GAP).
Per questa soundtrack Herbert ha chiesto
di inviare ogni tipo di suono, seguendo le
indicazioni contenute in un demo reperibile
su Youtube. In esso si trova anche spiegato
l’applauso. Fatto divieto di inviare file con-
tenenti musica. Diverranno musica sola-
mente i comunissimi suoni della vita di tutti
i giorni. Sic. ■
DI
sono notevoli. Tanta azione quindi, ma anche
tanta buona musica. A curare le 24 tracce di cui
è composta la colonna sonora del film (tranne
un brano dei Journey e la celebre Sweet
Dreams degli Eurythmics) sono stati i Daft
Punk (al secolo Guy-Manuel de Homem-
Christo e Thomas Bangalter), i folletti francesi
dell’elettronica. Con la loro estetica cyborg,
l’utilizzo di laser e di atmosfere tipiche del
ciber-spazio, sono sicuramente i più adatti ad
un film come questo, in cui peraltro sembra
facciano una piccolissima apparizione.
Nel 1982, a curare le musiche del primo Tron
fu chiamata Wendy Carlos, artista ricordata
oggi sia per le leggendarie colonne sonore di
Arancia Meccanica e Shining del maestro
Stanley Kubrick, sia per la prima utilizzazione
Music In ¢ NUMERO 16 > Inverno 2011
MUSICINVIDEO(CLIP) > Fonderia feat. Barbara Eramo
E basta ch’io sorrida, quale vigorosa luce Sulla Valle avvampa -
È come se un volto di Vulcano - Avesse liberato la sua gioia
BOY Videoclip
D
ietro John
Lennon la
severa zia, LOADED GUN
una madre gio-
viale, un paio di
amici e la sorella
che ne scrive l’in-
tima biografia.
Immaginatelo
così, senza pace.
la severa disciplina della zia e la giovialità della
madre dalla quale scappa di nascosto tutti i
pomeriggi per ascoltare rock’n roll e imparare a DI ROMINA CIUFFA
suonare il banjo.
Come spesso accade, sarà la musica l’unica a mia vita era stata un fucile cari-
via d’uscita. Il ritmo di Elvis Presley, Jerry Lee
Lewis e Eddie Cochran, la voce di Wanda
Jackson (Hard Headed woman), le spettacolari
L co negli angoli, finché un giorno il
proprietario passò, mi identificò e
mi portò via. E ora vaghiamo in boschi
esibizioni di Screamin’ Jay Hawkins (I put a regali, e ora cacciamo la cerva. È tutto.
spell on you), la carica esplosiva di Big Mama C’è «scappare» in questo video, c’è
Thornton in Hound Dog, sono il tappeto musica- «possedere» nel testo, i versi di Emily
le su cui Lennon muove i primi passi. L’incontro Dickinson rubati dalla voce cervina di
con un ragazzino che suona la chitarra al contra- Barbara Eramo per parafrasare l’elet-
rio (il mancino Paul) e la formazione del primo tronico romanzo post-rock della
gruppo musicale, The Quarrymen, con il quale Fonderia. La registrazione del cd d’ori-
comincia ad esibirsi nelle feste locali, saranno gine (My Grandmother’s Space Suite)
poi la decisiva spinta verso quella che si rivelerà nei Real World Studios inglesi di Peter
un’inarrestabile corsa al successo. Il seguito Gabriel; il video di Loaded Gun girato in
della storia la conosciamo bene. ■ Valtellina (So). Con cui meritatamente il
regista Antonello Schioppa vince vari
premi, fotografia compresa.
Legata a un filo rosso la salvezza di un
animale già morto. Si vedono bambini e
cappucci, ma le fate predominano: fate
non dette, fate non riprese, fate l’amo-
re. L’evocazione è più forte della presen-
za. C’è un Occhio giallo, c’è un Pollice.
L’ambientazione mi riporta a giardini
segreti con personaggi chiave di storie
che non leggo più, e a un prodromo, il
Wuthering Heights di Kate Bush, che
non regalava questo viaggio nel tempo
né il profondo dolersi di possesso.
La rottura di un filo, alla fine, è pur sem-
pre l’uscita di scena. Essere posseduti
garantisce l’unica immortalità. «Niente
si muove per la seconda volta - su cui io
abbia posato un Occhio giallo - o un
energico Pollice, sebbene di Lui - possa
vivere più a lungo - Egli più a lungo deve
- di me perché io ho solo il potere di ucci-
dere, Senza - il potere di morire».
R OMINA C IUFFA +R OBERTA M ASTRUZZI
WWW.YOUTUBE.COM/MUSICINCHANNEL
del sintetizzatore Moog nella composizione di
musica elettronica, ma anche per il suo cambio
di sesso avvenuto nel 1972 (nome all’anagrafe
Walter Carlos).
Mentre per Tron la Disney chiese una scrit-
tura per orchestra, coro e organo, nel sequel i
Daft Punk hanno praticamente immerso il film
in un dance floor senza soluzione di conti-
nuità, per tutta la durata del lungometraggio.
Alcuni temi musicali hanno comunque avuto il
supporto di un’orchestra di oltre 100 elementi
e sono stati registrati agli AIR Lyndhurst
Studios di Londra. Il primo estratto della
soundtrack è stato Derezzed, composto e suo-
nato come gli altri dai Daft Punk, mentre il cd
della colonna sonora è in vendita dal 7 dicem-
bre 2010. ■
Music In ¢ NUMERO 16 > Inverno 2011
ROMANZO CRIMINALE Credevo fosse finita, ho creduto ad un’altra vita ma il destino
sbatte forte le porte. Dover tornare indietro, un ultimo inchino, non c’è più tempo né più desti-
no. Il passo ad un tratto si fece leggero. Quanto è lontana da Roma la felicità?
DI ROBERTA MASTRUZZI
a ora è una lunga storia di rabbia che sanguina potere senza limiti, il mondo tra
M le tue mani e poi non resta più niente, fuori muore la speranza che tu tornerai
iciamoci la verità: per qualche miste-
D riosa ragione la Strega di Biancaneve
ci è stata sempre più simpatica di
quella sdolcinata principessa destinata a diven-
tare la più bella del reame. Il fascino dei cattivi
è duro a morire, anche quando questi sono veri
e propri criminali che hanno compiuto efferati
omicidi e seminato terrore, decidendo del desti-
no del nostro Paese per almeno un decennio.
Non si spiega altrimenti il successo di
Romanzo criminale, la storia della sanguinaria
Banda della Magliana che continua ad affasci-
narci con una storia di violenza, sangue, lotta
per il potere e tradimenti, che si tratti del libro
di Giancarlo De Cataldo, del film di Michele
Placido del 2005 o della recente serie Tv diret-
ta da Stefano Sollima, uno dei migliori prodot-
ti televisivi italiani degli ultimi anni. Forte del
successo della prima serie trasmessa da Sky lo
scorso inverno, il Freddo, Dandi e compagni
tornano a raccontare la loro storia nei 12 episo-
di della seconda serie. L’ambientazione passa
dagli anni Settanta agli anni Ottanta, il gruppo
di ragazzi di periferia si è trasformato in una
banda criminale perfettamente organizzata:
conquistato il controllo della Capitale, ora sem-
bra iniziare una parabola discendente.
Trascinata dalle musiche di Pasquale
Catalano, che in questa seconda parte acquista-
sangue
Freddo
no una venatura ancora più dark, la storia di
Romanzo Criminale e dei suoi anti-eroi è ora
raccontata in un cd. Costruito come un concept
album - non si tratta di una semplice compila-
tion di brani, ma di ritratti musicali che comple-
tano e aiutano a capire la psicologia dei perso-
naggi - la colonna sonora della seconda serie
ospita diversi artisti italiani, da The Niro (Nero
il sole) ai Rezophonic (Vita da Dandi) a Marta
sui Tubi (Il commissario).
Ognuno di loro ha dedicato un brano ad uno
dei personaggi. È Francesco Sarcina (nella
foto), leader de Le Vibrazioni, a rompere il
silenzio con Libanese, il Re, brano che scava
nell’intimo dell’indiscusso capo della banda,
spietato e maniacale nel perseguire il proprio
sogno di conquistare tutta Roma con il suo folle
piano criminale. Il testimone poi passa a
Pierluigi Ferrantini dei Velvet (Il sangue è
Freddo), Aimeé Portioli (Call me Patrizia) e
Roberto Angelini (Spara, Bufalo!).
Sono i Calibro 35 a chiudere con un brano
strumentale, Come un romanzo..., un’elettriz-
zante colonna sonora che riesce a riunire in un
unico sound gli anni 80 con i più interessanti
musicisti emergenti degli ultimi anni, la violen-
za con l’introspezione psicologica, dando voce e
musica ai pensieri e alla rabbia dei protagonisti
della serie più criminale vista in Tv.
SOUND
tracking
DAVID LINCH Minimalista, elettro-
nico. Ma lui lo sa che è solo un regista.
G
C
OODDAY L I N C H
hi è David Lynch lo sappiamo
bene, che cosa sia è più difficile da
CORSO PROFESSIONALE
DI
stabilire. Regista (per cinema, tv,
MONTAGGIO VIDEO
pubblicità e videoclip musicali), pittore,
compositore, performer, produttore, sce-
neggiatore, musicista, il 64enne america-
DIGITALE
no del Montana ama cimentarsi con tutto
ciò che abbia a che fare con l’espressione
e la comunicazione di idee, attraverso
parole, note e immagini. E il 30 novembre
2010 è uscito per la Sunday Best primo turno
Recordings un inedito brano di musica
elettronica suonato e composto da Lynch,
Good Day Today, il cui b-side è I Know.
da novembre a febbraio
DAVID LINCH
secondo turno
da marzo a giugno
due incontri settimanali
di 3/4 ore ciascuno
per un totale di 80 ore
www.slmc.it
Un pezzo dallo start minimalista, inge-
nuo se confrontato con le evoluzioni più
recenti della galassia electronica, non per
questo meno interessante. Piace il ritmo
brillante, il beat dell’elettro-pop e la voce
filtrata che canta «Send me an Angel/
Save me/I’m so tired». Eppure il regista si
guarda bene dal definirsi musicista.
Per lui, nelle colonne sonore dei suoi
film, due sono i compositori necessari:
Alan R. Splet per il visionario e sublime
Eraserhead, e Angelo Badalamenti per
tutta o quasi la filmografia lynchiana. Ed
entro i primi mesi del 2011, assicura la
label inglese Sunday Best, sarà dato alle
stampe un album di remix tutto dedicato
alla musica elettronica firmata Lynch.
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 BED
TIME
SPECIALE
Music In ¢ NUMERO 16 > Inverno 2011

SOL7 SOL DIM SOLE Once I’ll get you up there I’ll be hol- LO SPECCHIO ANIMATO PANNOLINO VIOLINO La
a cura di ROMINA CIUFFA
ding you so near, mi sussurra in un jazz perfetto come un tonneau Penso al soffio rivelatore di un studentessa di violino. Possibile
che non si chiude, l’improvvisazione più sacra. Più mortale. sassofonista. E mi piace il sax. che io non ricordi altro?

¢ CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA > SOL7 SOL SOLE di ROMINA CIUFFA

SOL SETTIMA, SOL DIMINUITO, SOLE

photocredit
5.000 giri il motore, assetto di salita ripida e una ROMINA CIUFFA Col sole, un sol diminuito, sfondo le nuvole. La velocità è in arco

(...) velocità di 70 nodi per raggiungere la mia città,

dove albergo sola. Il Gran Sasso che mi fissa,
non ci sono città, e sottointende: per quelle come
te, se continui a guardare in basso. L’ho fatto nel-
l’ultimo anno, guardare sotto anziché mirare alto. Ed ora che c’è
neve me ne accorgo: i miei pensieri hanno lasciato le impronte.
Posso vedere sino al fondo delle mie ossessioni, che hanno sca-
vato abili e lasciato un solco visibile da quassù. Mentre continuo
a guardare verso il basso. La schiena è attirata dalla gravità in
questo assetto a 70 gradi ed io ancora ho a terra l’occhio per
adocchiare i pozzi delle mie paure.
E poi la vedo. La mia ombra. È a terra anche lei. È da questa pro-
spettiva che me ne accorgo: il mio aereo è a forma di sax. Un
aerofono, appunto. Sarà la miopia, o lo scherzo del sole. Sarà che
un volo è come jazz, si improvvisa: una piantata motore o un
luogo da inseguire, un arcobaleno da attraversare, una virata
sfuocata, il cielo che si chiude. Puro, standard jazz. In questo
assetto riesco anche a vedere i piattelli del mio sassofono, e un
bocchino - lo stabilatore - dentro cui soffia vento da est, dal mare.
Ascolto. Le note di Come fly with me, un Do9 che spinge il mio
aereo con maggiore trazione soffiando nell’imboccatura. (Non
troverai mai la tua città se continui a guardare in basso).
Let’s take off in the blue. La neve qui è più densa e segna il pas-
saggio da un’ossessione a un dolore profondo perché, per l’esser
soffice, non mantiene un’impronta ma la sprofonda. Allora si
vede solo un’interruzione nel bianco, sacrilega.
Let’s float down to Peru, in Llama land there’s a one man band,
Do dim, Re min, mentre anche in cuffia, ora, non arrivano più le
voci dei paracadutisti. L’altezza, forse - già 8.000 piedi - non
consente alla radio di ricevere, ed io mi sto isolando. Ma più
salgo (4.600 i giri, 50 nodi, mi segnala un livello troppo freddo
dell’acqua e non posso intervenire, eppure il mio distacco deve
avere luogo) più lo sento, up there where the air is rarified we’ll
just glide, starry-eyed.
da questa prospettiva che me ne accorgo: il mio
È aereo è a forma di sax. Un aerofono, appunto.
Sarà la miopia, o lo scherzo del sole. Sarà che un
volo è come jazz, si improvvisa: una piantata motore
o un luogo da inseguire, un arcobaleno da attraversa-
re, una virata sfuocata, il cielo che si chiude. Puro,
standard jazz. In questo assetto riesco anche a vedere
i piattelli del mio sassofono, e un bocchino - lo stabi-
latore - dentro cui soffia vento da est, dal mare.
bianco, un prestallo a 70 km/h (it’s perfect for a flying honey-
moon, they say) per trovarmi quassù. Fra un momento solo, altri
500 piedi più su, non sarò più in grado di vedere terra, le nubi
sono un prato di ovatta e, dopo averle bucate, si chiuderanno sotto
di me lasciando le ossessioni 10.000 piedi sotto i piedi.
L’ultimo sguardo giù, c’è la punta del Gran Sasso (la chiave, la
chiave della tua città. Lascia le nevi ai gatti, tu hai ali) e sbuca tra
due strati fitti di nubi. Poi cielo sotto, oceano sopra, inversione
della percezione. 50 km/h, uno stallo per livellare l’aereo, l’ac-
qua troppo fredda, siamo io e il mio sax.
I’ll get you up there, I’ll be holding you so near mi diceva.
Salivamo fino a che il mondo non fosse a tal punto lontano da
doverlo ricordare; da lì ne parlavamo per capire dove avevamo
sbagliato. Dappertutto. Come adesso che l’aria calda è tutta inse-
rita ma la temperatura segna meno 10 gradi. Livello l’aereo. Ho
vento in coda, nel bocchino del mio sax vibrante, e faccio in cielo
200 km orari, a terra almeno 270.
Mi diceva: Just say the words and we’ll beat the birds, poi inse-
guivamo le curve degli arcobaleni. Era una scusa per darsi un
obiettivo improbabile e non sentirci frustrati nel non conseguir-
lo, ma folli nel perseguirlo e belli nel colorarci. Chiudo uno dei
due rubinetti carburante, è quasi vuoto mentre sono in condizio-
ni rischiose di volo.
Ma Si bemolle 9 e sono nella bambagia. You may hear angels
cheer, e c’è un pianoforte quassù. Accompagna questo sax che
ho in bocca, cloche che ho nelle mani. Once I’ll get you up there
I’ll be holding you so near, mi sussurra in un jazz perfetto come
un tonneau che non si chiude, l’improvvisazione più sacra. Più
mortale. Let’s fly, let’s fly away. Il secondo serbatoio carburante
è a metà: o rientro subito, o jazz.
C’era qualcuno che mi aspettava laggiù, non ricordo neanche che
faccia avesse. Ma no, non c’era più, era solo samba con un gran
sasso e la ballavo sola. Sorride ‘cause we’re together, weather-
wise, it’s such a lovely day. Sol7, sol, sola. Sole. ■

di Flavio Fabbri LO SPECCHIO ANIMATO PANNOLINO VIOLINO

Forse l’amore è una grande assenza. Qui però si tratta solo di un uomo di fronte alla
di Rita Barbaresi

Forse suonavo il pianoforte o forse pulivo le scale. Devo chiamarmi Roberto della
propria emozione disturbata. Una rapsodia d’autunno che provoca brividi illeciti. 251, fare la pipì nel letto, non va bene e sono ricco. Certezze. Pannolino. Violino.

E R
ccoci qui. Davanti ad uno specchio. Da
soli. Dovrei parlare, dirti quello che ho
pensato in questi anni. Ti avevo promesso
che avrei raccontato qualcosa di me che
non sapevi. Però non è semplice. Come si
fa? Le parole non sono come le note. Do, re, mi,
fa, sol, la, si. Il difficile sta solo nel metterle in
fila nel modo giusto.
Penso al soffio rivelatore di un sassofonista.
Il suono del sax mi piace. È caldo, gentile, sen-
suale e ed elegante. Se ti sbagli al massimo pro-
vochi rumore. A qualcuno piace anche quello.
Ma parlare è diverso. Le parole, come le metti
le metti, generano sempre emozioni dubbie,
sollevano sentimenti che bruciano presto e,
soprattutto, non bastano mai. Non bastano ad
evitare che nascano equivoci e delusioni. Sono
sempre poche le certezze che regalano.
Quando posi le tue labbra sul bocchino di un
sax e ci soffi dentro l’intera tua anima, invece,
è tutto più semplice. Sarà la musica a lavorare
per te. Chi ti ascolta è vittima di una felice
intuizione o di una più serena menzogna. Si rac-
contano le verità dell’anima, dentro il discorso
di uno strumento santificato da salive mistiche.
Quelle che lo specchio mi ferma sempre come
un dispetto. Quelle che Gato Barbieri sputa in
una meravigliosa pioggia di luce che poi si spe-
gne negli occhi di lei. Quelle che Charlie Parker
sollevava in aria e invitava a volteggiare per
eccitare la poesia di Jack Kerouac e Allen
Ginsberg.
Noi siamo sensibili alla musica come lo è la
fotografia alla luce. Ne siamo pervasi, svuotati,
plasmati, deformati, ammalati, curati, eccitati,
sedati, riempiti, svuotati, affamati, saziati.
Neanche fosse amore. Si dice che per innamo-
rarsi bastino pochi minuti, pochi secondi.
Anche la musica si misura nell’istante in cui
arriva alle nostre orecchie. Quando poi rimania-
mo soli, possiamo risentire le note di un brano
anche senza strumenti.
Succede la stessa cosa con l’immagine di una
donna, che ci torna agli occhi anche in sua
assenza. Forse l’amore è una grande assenza.
Qui però si tratta solo di un uomo di fronte alla
propria emozione disturbata. Una rapsodia d’au-
tunno che provoca brividi illeciti. Un po’ come
la sensazione che sto provando davanti a questo
specchio che lentamente si appanna del mio
respiro. Una superficie insicura che non sa trat-
tenere l’immagine di me che rido mentre è chia-
ro che ho paura. I piedi nudi sul pavimento non
fanno altro che gelare un insano istinto di ordi-
ne e di fame.
Non c’è razionalità che tenga al desiderio. Il
momento in cui Rollins gonfiava le sue guance,
quell’atto drammatico che è la creazione di
musica, non è altro che un ironico e umiliante
gesto di disordine gioioso. È il sistematico sre-
golamento dei sensi che ci anima, di tanto in
tanto. È il tentativo di comunicare una sensazio-
ne che ora, qui, non riesco a provarti.
Servirebbe un assolo. Servirebbe il coraggio
di salire su un palco e far incazzare o godere
qualche decina o centinaia di persone.
Servirebbe questo per tenerti inchiodata a me.
Oh amore, quale animato suono di donna sei?
Pensandoci bene, non ho mai imparato a suo-
nare nessuno strumento. Io non sono pronto.
Non è colpa mia se abbiamo scelto uno spec-
chio per dirci ti amo. ■ davanti e scompariva dentro la macchina, dove
oberto della 251. Deve essere questo il
mio nome. Tutte le mattine entrano nella
mia stanza due signore vestite di bianco;
toccano le coperte del mio letto, si guar-
dano e mi gridano in viso: «Anche sta-
notte ti sei tolto il PAN-NO-LI-NO. Non si fa,
capito? Franca, chiama l’inserviente e digli le
solite lenzuola per Roberto della 251».
Ho delle certezze.
Ci sono parole che vanno gridate e sillabate,
sono vecchio e sono Roberto della 251. Sono
ricco. Lo dicono sempre le due signore vestite
di bianco. Pensavo di essere molto povero per-
ché quando non hai altro che il tuo nome vicino
a un numero devi per forza essere nullatenente.
Stavolta penso di aver ragionato bene, anche
se sto dicendo una bugia. Qual’è la bugia?
Non è vero che non ho più nulla che mi
appartenga. In questa stanza non ci sono cose
della mia vita; la bella famigliola che una volta
alla settimana mi viene a trovare, mi porta una
scatola di gelatine alla frutta e mi bacia sulle
guance non la ricordo. Dentro di me, però, c’è
l’immagine della vita ed è sempre viva.
Per cinque anni, tutti i martedì, andavo alla
scuola di musica del mio quartiere e aspettavo.
Forse suonavo il pianoforte o forse pulivo le
scale. Ma fu là che la conobbi. Capelli biondi,
due occhi marroni e un volto d’incanto appog-
giati alla curva del suo violino. Non so se fosse
brava. Cinque anni. Alle 19 finiva la lezione.
Alle 19 ero in strada, davanti al portone della
scuola. Lei si fermava sull’ultimo gradino,
allungava il collo per cercare la macchina della
mamma, salutava i suoi amici, mi passava
le rubavo l’ultimo sguardo mentre posava il suo
violino sul sedile posteriore. Tutti i martedì pro-
vavo la medesima gioia nel vederla e nasceva in
me la voglia di parlarle, di chiederle perché
suonasse il violino, cosa provasse nel momento
in cui l’archetto iniziava a pizzicare le corde, e
di domandarle: «Posso accompagnarti io a casa,
martedì prossimo?»
Non l’ho mai fatto. Ho avuto il terrore di un
«no». Quanto sono felice ora di non averla mai
fatta quella domanda. Se Veronica avesse rispo-
sto «no», ora sarei davvero un nullatenente.
Quanto è stata lunga questa mia vita non lo so
più, ma certamente più breve del mio amore per
Veronica, la studentessa di violino.
Come trascorrono gli anni? Possibile che io
non ricordi altro? Mi impegno a mettere a fuoco
la mia vita quando le signore vestite di bianco
mi portano nel parco di questa villa a fare una
passeggiata.
Forse suonavo il pianoforte o forse pulivo le
scale. Devo chiamarmi Roberto della 251, fare
la pipì nel letto, non va bene e sono ricco.
Certezze.
Il volto d’incanto di Veronica, il suo sorriso,
la sua musica.
La mia vita.
Domani mattina, tutto sporco di pipì, dirò
alle due signore cos’è l’amore: userò le parole
più belle per spiegare loro cosa possono signi-
ficare, per me, due occhi marroni, un sorriso e
un violino.
Sono sicuro che non capiranno e come ogni
mattino si guarderanno e chiameranno l’inser-
viente che porterà le lenzuola pulite per
Roberto della 251. ■
Music In ¢ NUMERO 16 > Inverno 2011 FEED
AA.VV. Burlesque
Temptations. Music
ELISA Evy È pur sempre bellissima
un’emozione con le cadute e tutto il
male, come una musica, come un dolore
MARLENE KUNTZ Ricoveri virtuali e sexy solitudini
Chi tutto crede di sapere di quel grande nulla poi s’intristisce,
back a cura di ROMINA CIUFFA
for Streaptease Nude. pieno di dubbi poi si incupisce vedendosi di spalle e partire

AA.VV. - BURLESQUE TEMPTATIONS DANILO REA - A TRIBUTE TO FABRIZIO DE ANDRÉ

PO PCK Ci sono versi di
BEYOND Sei qui a guardarle ballare perché, in tutta la tua vita, la soddisfazione
&further che hai cercato nell’amare non è mai stata pari al dolore che ti ha dato
pop&rock Fabrizio
André pubblica-
De
il capire. Capire che conoscere fino in fondo una persona non fa che ti in manuali di letteratura;
peggiorare lo stato in cui ti trovi (quella bionda si struscia su un palo di metallo) e ti diventano citazioni colte, titoli di
accompagna sempre più in fondo, un pozzo privo di femmine in cui si sta meglio, ma dav- libri, nomi di band; imperversa-
vero meglio. Miss Dirty Martini guarda Trixie che si agita. (Slaccia il reggiseno, prima no su facebook. E le melodie?
spallina, seconda spallina). Un burlesque, quello che serviva stanotte per disconoscere Be’, anche quelle sono patrimo-
la femminilità mentre la tocchi. (Ti guarda negli occhi come fossero i nio universale. Eppure finora
suoi). Non ti devi illudere che lo spettacolo sia fatto per te, queste non avevamo mai scisso la
signorine non sono tue, sono solo di un palco, per giunta femminista. musica dalle parole.
Allontanarle fischiando al loro ancheggiare te le avvicina. Tutte. (Mi Il lavoro di Danilo Rea, A tribute
hai rubato gli occhi, ti dice con gli occhi). Tu ti fissi sul seno destro, to Fabrizio De André, dunque, presenta un
che è più grosso del sinistro. La tua mano arranca, vorrebbe essere primo elemento di novità: le storie di De
lì ma non si può. Puoi fischiare, urlare, questo sì, e volteggiano i fian- André perdono voce e parole, ma non signifi-
chi, le rotondità a volte esagerate delle donne in questa sala. Trixie cato. Il misto di emozioni che vive Maria,
Malicious si sdraia. L’orchestra raccolta dal direttore artistico del nell’Ave Maria, ad esempio, è un inseguimen-
Micca Club, Alessandro Casella, suona per le «follie dei poveri», que- to tra ottave contrapposte che si avvicinano e
sto il burlesque, tutta una parodia vittoriana di te che non ami, la con- si riallontanano, perché «gioia e dolore hanno
fusione eccentrica tra sesso, amore e avanspettacolo. Trixie.
La danza del ventre la viene a fare addosso a te, improvvisamente sei nell’occhio di bue,
sei l’occhio di un bue, sei il bue. (Occhiolino). Trixie è seminuda e sceglie le tue mani per MARLENE KUNTZ - RICOVERI VIRTUALI E SEXY SOLITUDINI
aiutarla a slacciare gli slips. Chi l’avrebbe detto, un burlesque a Roma. Fischi, schia-
mazzi, la tua mano in panne, in panni: cerchi di sbottonare la giarrettiera, come lei ti
chiede di fare, su, non fare la solita figuraccia con le tue dita di pastafrolla, sei al cen-
ALTER
NATIVE
Oltre vent’anni di carriera, sette
album pubblicati e un livello di
tro dello show, Trixie deve essere spogliata ora, stanno aspettando. sperimentazione che pochi
È il punk che arriva ad aiutarti, la rivoluzione che nasce dal basso, improvvisamente gruppi del panorama musicale italiano posso-
accomodi questo New Burlesque tra le gambe e te lo ricordi, ricordi il motivo per cui sei no vantare di avere. Questi sono i Marlene
qui: non volevi sapere nulla di lei, non vuoi più saper nulla di femmine, e queste qui ci rido- Kuntz, il gruppo, che ha fatto dell’alternatività
no sopra, un cabaret non ipocrita in cui tutti vogliono solo una cosa. Esser leggeri. e della ricerca sonora il manifesto del proprio
Così gli slips vanno via, e in mano non ti resta che lei. Che prende, si volta, e danzando successo. Da sempre catalogati come forma-
si allontana. Più leggera di così. Osservi. C’è la parete della tua stanza davanti a te. La zione experimental rock, i Marlene Kuntz fon-
solitudine. Questo cd. I vinili originali dell’epoca tutti in play. La ferita di lei. Il cabaret che dano le radici della loro arte nella ricerca della
ha fatto mentre se ne andava. La burla più grande. deframmentazione dell’armonia. Utilizzando il
rumore delle distorsioni come un’attitudine
stilistica, come un canale di interpretazione
ROMINA CIUFFA fra pensiero e musica.
La band capitanata da Cristiano Godano ha
pubblicato il nuovo album Ricoveri virtuali e
sexy solitudini. Un’opera che dimostra l’attitu-
dine della band alla scrittura di testi che deb-
bano, in maniera necessaria, raccontare la
realtà, la quotidianità. Una poetica, quella di
Godano, che esige di parlare del mondo che
circonda tutti noi. L’ottavo album dei Marlene
Kuntz è un lavoro di concetto, che ha la pecu-
il confine incerto, nella stagione
che illumina il viso».
Così Bocca di Rosa, grande
esercizio di fraseggio e respiro
per ogni cantante, rivive nei tasti
di Rea come un vociare distinto
e corale: la maldicenza che insi-
ste, batte al lingua sulle corde
del pianoforte (anziché sul tam-
buro, come in Un giudice), ma
l’effetto è quello.
Le interpretazioni di Rea trasfor-
mano semplici ballate in piccoli moderni lie-
der, vivacizzati da improvvisazioni jazz (come
in Girotondo). Le canzoni provengono princi-
palmente dai primi lavori di De André. Forse
presentimento di un sequel.
Nicola Cirillo
fatta per creare un collegamento temporale
con i primi lavori della band. Si abbandonano
quindi gli stili cantautorali del precedente
album Uno, uscito nel 2007. Il nuovo CD è
composto da 11 brani, tra i quali è compreso
il singolo Paolo
Anima Salva,
precedentemen-
te uscito e che
ha fatto da apri-
pista all’opera
completa fin dai
primi giorni di
novembre.
L’album si pone
e si impone in
un ambito quali-
tativo superiore
alla produzione rock nazionale più diffusa oggi.
Anche se la scelta di tornare alle sonorità di
un tempo getta su questa nuova opera un
velo di nostalgia ed uno scomodo, ma inevita-
bile, paragone con le prime e migliori opere

atome
atom
me primitif liarità di essere raro nel mondo della musica
italiana. Le sonorità sono rock, del genere più
grezzo e crudo, scelta questa che è stata
della band.

Lorenzo Fiorillo

ELISA - IVY
POPCK Elisa Toffoli, in
pop&rock arte solo Elisa,
la si riconosce
subito. Minuta, dal volto aggra-
ziato, con un timbro vocale
unico nel panorama musicale
italiano. Una delle migliori can-
tanti che il Bel Paese, e non
solo, abbia ascoltato. Un’artista
completa. Non solo una inter-
prete, ma soprattutto un’autri-
ce dal talento innato. Originale negli arrangia-
menti ed innovativa nelle scelte stilistiche,
unica nel suo genere per la particolarità di
voler comporre la maggior parte dei suoi testi
in lingua inglese.
Maturata negli anni e cresciuta insieme alle
sue opere, Elisa giunge quest’anno al concepi-
mento del suo settimo lavoro, dopo il succes-
so di Heart, pubblicato lo scorso anno e arriva-
to insieme ad una figlia e ad un amore, Andrea
Rigonat, con il quale condivide la carriera arti-
stica. Il nuovo album, uscito il 30 novembre, è
battezzato Ivy e non è un inedito, bensì di un
concept album in cui sono racchiusi 17 pezzi
tra vecchi successi, nuove canzoni e diverse
cover dal timbro rock, che l’artista dichiara di
«aver scelto con il cuore».
threeyearsthreedays
h re e y ea rsth re e days
DA
D A NOVEMBRE
N VEMBR E
NO
NEII MIGLIORI
MIGLIIORI NEGOZ
NEGOZII D
DII D
DISCHI
ISCHI
W W W. U R BA N 4 9 . C O M
w w w . mys
my s p
pac
ac e . c o m / a
ato
to m e p r i m I t i f
L’opera è interamente riarran-
giata su un tappeto musicale
completamente nuovo, che ha
la particolarità di sintonizzare
anche i pezzi cover, sulla lun-
ghezza d’onda della cantante
di Monfalcone. Dandole la pos-
sibilità, non solo di reinterpre-
tarli, ma anche di renderli un
po’ suoi.
Gli inediti del cd sono Fresh Air
e Sometimes Ago, mentre tra i suoi vecchi
successi rivisitati troviamo brani come
Rainbow, It is what it is, Lullaby, ed i più recen-
ti Forgiveness e Ti vorrei sollevare. Nell’album
non mancano le collaborazioni con altri artisti.
È presente un duetto d’eccezione: Anche tu,
anche se (non trovi le parole), con il rapper
Fabri Fibra. E insieme a Giorgia si può ascolta-
re Pour Que L’Amour Me Quitte di Camille.
Ivy è decisamente un progetto commerciale,
ma ben realizzato, dove sono perfettamente
amalgamate ballate e canzoni dall’anima
rock, con orchestrazioni non banali e mai
scontate su cui la voce di Elisa si stende ed
estende alla perfezione.
Lorenzo Fiorillo
SWANS - MY FATHER WILL GUIDE ME UP A ROPE TO THE SKY
ALT ER Uscito il 23 settem-
NATIVE bre 2010, My Father
Will Guide Me Up a
Rope to the Sky è l’ultimo lavoro in
studio degli Swans a seguito di
una pausa durata ben 14 anni.
Dopo anni di militanza nel proget-
to «Angel of Light» e l’esperienza
come produttore per la propria
etichetta Young God Label, Mr
Gira aveva annunciato ai media di volersi dedi-
care nuovamente al progetto Swans.
Non tanto per pura nostalgia. «Questa non è
una reunion», aveva detto il leader della post
punk-no wave band newyorkese, «stavo solo
cercando un modo per andare avanti e muo-
vermi in una nuova direzione, perciò rivisitare
il concetto degli Swans mi è sembrata l’unica
maniera possibile per riuscirci».
Anche se diverso e innovativo rispetto a tutti gli
NERI PER CASO - DONNE
PO PCK
pop&rock
Le ragazze che «decidono il
destino dei loro amori» e «vol-
teggiano sulle ali degli aquiloni»
sono diventate Donne. I Neri per caso pubblica-
no il loro dodicesimo lavoro disco-
grafico e lo dedicano all’altra
metà del cielo. Dieci brani famo-
sissimi completamente riarran-
giati e portati nell’inconfondibile
stile a cappella che i «neri» hanno
avuto il merito di far conoscere al
grande pubblico.
Come al solito, bando agli stru-
menti: solo voci e mani per
accompagnare una voce femmi-
nile diversa a canzone. Donne
riunisce infatti in un unico CD le voci di Ornella
Vanoni (Io che amo solo te), Loredana Berté (E
la luna bussò), Wendy Lewis (Ain’t no Mountain
high enough) e Mietta (Baciami adesso) accan-
to a quelle emergenti di Alessandra Amoroso
(Maniac), Noemi (Come si cambia), Karima
(Street Life) e Giusy Ferreri (Aria di vita), fino
all’indimenticabile voce di Mia Martini.
Sì, avete capito bene. I Neri per caso non si
fanno mancare proprio niente e si cimentano
altri album, My Father Will Guide
Me Up a Rope to the Sky, che
vanta inoltre la collaborazione di
Devandra Banhart (voce su You
Fucking People Make Me Sick),
Grasshopper (Mercury Rev), Bill
Rieflin ( Ministry, Lard, The
Revolting Cocks, Pigface, Nine
Inch Nails, Chris Connelly), non
manca certo di quel turbine di
emozioni tipicamente oscure che ha fatto
degli Swans una band ormai di culto.
Cupo, elettrico, nichilista, epico, il nuovo album
si apre con il suono di campane e il turbine di
chitarre di No Words/No Thoughts, incipit
perfetto per un disco che porta dritto negli
angoli più nascosti, lasciando dimenticare il
resto, che è ciò che poi ci circonda.
Valentina Giosa
nel Minuetto di Califano: la voce di Mia Martini
si sovrappone alle loro armonizzazioni, mentre
i cori sanno farsi da parte al momento giusto
per dare spazio alla voce della cantante scom-
parsa, inimitabile nella sua capa-
cità di strappare un brivido quan-
do canta la sua disperazione
(«avrei dovuto perderti e invece
ti ho cercato»).
I fratelli Ciro e Diego Caravano
che hanno curato gli arrangia-
menti si divertono a stravolgere i
brani, prendendo la canzone di
Flashdance e facendola diventare
uno swing o creando un’atmosfe-
ra reggae per E La luna bussò.
Ma le vere protagoniste sono le donne che
hanno ispirato il disco. Il loro canto è dolce-
mente accolto dalle voci dei «neri» che prepa-
rano per loro un tappeto rosso di suoni e
armonie e cori per valorizzarle al meglio. Una
dichiarazione d’amore universale per tutte le
donne. Anche se, come ribadisce il duetto con
Dolcenera, il cuore è uno zingaro e va.
Roberta Mastruzzi