cine
aceprensa 26 enero 2011 - n.º 8/11
Más allá de la vida
Hereafter
Director: Clint Eastwood. Guión: Peter Morgan. Intérpretes:
Matt Damon, Cécile De France, Bryce Dallas Howard, Frankie
McLaren, Marthe Keller. 129 min. Jóvenes.
Coherente con la evolución hacia la esperanza de sus pe-
lículas más recientes —El intercambio, Gran Torino e Invic-
tus—, el octogenario Clint Eastwood afronta en su nuevo
trabajo otros dos grandes temas existenciales: la muerte y
el más allá. Y lo hace a partir de un guión de Peter Morgan
(TheQueen, El desafío: Frost contra Nixon, The Damned
United), inspirado en las experiencias reales de personas
que han estado al borde de la muerte y han atisbado lo que
hay al otro lado del túnel que dicen ver.
Es el caso de Marie, una prestigiosa periodista y escrito-
ra francesa que, tras sufrir una traumática experiencia du-
rante el tsunami de 2004 en el océano Índico, dedica su si-
guiente libro a la vida más allá de la muerte. En él aparece
citado George, que tiene el don –o la maldición– de poder
contactar con los seres queridos muertos de los que acu-
den a él, después de palparles las manos. Durante años, él
Valor de ley
True Grit
Directores y guionistas: Joel y Ethan Coen. Intérpretes: Jeff
Bridges, Matt Damon, Hallie Steinfled, Josh Brolin, Barry
Pepper. 110 min. Jóvenes (V)
Da gusto reencontrarse con un buen western. Ya sé que no
escribo nada original pero es que, como han puesto de re-
lieve muchos expertos en historia del cine, en el western de
calidad se compendian las esencias del cine como relato
audiovisual. “Nada más cinematográfico que un caballo al
y su hermano le han sacado rendimiento económico a esa
cualidad. Pero ahora, George se niega a ejercitarla, y traba-
ja como obrero en el puerto de San Francisco. Por Internet,
también conoce su existencia Marcus, un niño londinense
con una madre alcohólica, que ansía contactar con su her-
mano gemelo Jason, fallecido en trágicas circunstancias.
Las atormentadas vidas de los tres se irán acercando poco
a poco.
Lo primero que sorprende de Más allá de la vida es el
nuevo cambio de tono y estilo que adopta el camaleónico
Clint Eastwood. Arranca el filme con una larga e impactan-
te recreación del tsunami del sudeste asiático, magnífica-
mente planificada y con una enorme fuerza dramática, aun-
que con unos efectos digitales mejorables. Y a continua-
ción, el actor y director californiano adopta un sereno natu-
ralismo trascendente –por llamarlo de alguna manera–,
similar al de otras películas existenciales contemporáneas,
como Grand Canyon, Vidas contadas o Crash; y muy aleja-
do de las densas tensiones hiperrealistas de Mystic River o
Million Dollar Baby. Por él deambulan cómodamente los
personajes, encarnados con gran veracidad por todos los
actores.
De este modo despliega Eastwood sus reflexiones sobre
la vida, el sufrimiento, la muerte y el más allá, hilando siem-
pre muy fino, salvo en el último tema, que afronta en clave
más New Age y ecléctica que estrictamente cristiana, y
complaciente incluso con cierto espiritismo. Tal vez este
enfoque difuso refleje la perplejidad de Peter Morgan y Clint
Eastwood. En todo caso, se agradecen la honestidad y ele-
gancia de la mirada de ambos –siempre sin énfasis ideoló-
gicos–, sus certeras críticas al materialismo hedonista y a
los fraudes esotéricos, y su apertura a la trascendencia a
través del destino o la providencia –verdadero motor de la
trama–, del valor de la redención personal y de la convicción
de que hay algo más después de nuestra existencia terre-
na. Jerónimo José Martín.
galope”, dijo Ford, quizás el mejor cineasta de la historia.
Ves La diligencia y compruebas que es verdad.
Los Coen, después de varias películas poco logradas,
ruedan una buena historia, que contiene una visión del Oes-
te entre la añoranza y el desencanto, pero exenta de cinis-
mo. La factura es primorosa, con una música excelente de
Carter Burwell y un reparto de campanillas. Es verdad que
Hathaway ya llevó al cine en 1969 la novela de Charles Por-
tis y lo hizo muy bien, con una música inolvidable de Elmer
Berstein y con un magistral John Wayne, que ganó un Oscar
postrero, merecido ya por seis o siete películas anteriores. Pe-
ro no está prohibido hacer versiones, y nadie diría que el rema-
ke de El tren de las 3:10 que estrenó James Mangold en 2007
es una mala película.
Los Coen han leído esta historia, con una voluntad de fide-
lidad al espíritu del original literario, precursor de la obra de
Cormac McCarthy. Adoptan el punto de vista de Mattie Ross,
una endurecida y tenaz chica de 13 años, que se niega a que
el asesinato de su padre quede impune, “porque lo único que
Cisne negro
Black swan
Director: Darren Aronofsky. Guión: Mark Heyman, Andres Heinz y
John McLaughlin. Intérpretes: Natalie Portman, Vincent Cassel,
Mila Kunis, Barbara Hershey, Winona Ryder. 110 min. Adultos. (XV)
Nina es una joven bailarina, luchadora, perfeccionista y frágil,
muy frágil. Su técnica es perfecta, pero le falta carisma y pa-
sión y le sobra rigidez. Lo contrario que a la sensual y explosi-
va Lily. Nina es el cisne blanco, Lily el negro. El director de la
Winter’s Bone
Directora: Debra Granik. Guión: Debra Granik, Anne Rosellini.
Intérpretes: Jennifer Lawrence, John Hawkes, Kevin Breznahan,
Dale Dickey, Garret Dillahunt. 100 min. Adultos. (VD)
En las montañas de Ozark, fría región de Misuri, encontra-
mos a Ree Dolly, de 17 años. Su padre, fabricante de anfeta-
minas, ha desaparecido. Su madre, demente, vive postrada
en un sillón. Ree tiene además dos hermanos pequeños para
quienes ella es la madre: los viste, los alimenta, los cuida y los
lleva al colegio. Un día llega el sheriff y le comunica que su pa-
sale gratis en esta vida es la gracia de Dios”. El retrato que se
hace del mundo áspero y brutal, sencillo y honesto, al que
llega Mattie es inteligente porque las virtudes y los vicios
retratados son veraces. Los Coen se sitúan más cerca del
amargo Eastwood de Sin perdón que del Ford trágico y lírico
de El hombre que mató a Liberty Valance y Centauros del des-
ierto. La debutante Hallie Steinfeld está soberbia y a sus 14
años, en su primer largometraje, da la talla junto a unos
espléndidos Bridges y Damon.
Una película notable con varios momentos sobresalientes.
Ya es la más taquillera de los Coen. Alberto Fijo.
compañía se empeñará en cambiar el plumaje de Nina, ani-
mándole con insistencia, entre otras cosas, a que explore su
sexualidad.
Como es habitual en la filmografía de Aronosfky, en esta
película conviven una estética subyugadora con un tono opre-
sivo y morboso, casi malsano y enfermizo, que es el que res-
pira la protagonista. El brillante y sugestivo envoltorio de la
danza sirve al realizador americano para hacer más evidente
el desmembramiento de un juguete ya roto hacia la total au-
todestrucción.
La película, de todas formas, promete mucho más de lo
que da y, en ese sentido, el final revela que, después de tanto
aparente punto de giro, tanto cambio de registro, tanto paseo
por lo onírico, y tanto tono inquietante, la historia es la misma
que la de una decena de TV movies que pasan sin pena ni glo-
ria.
A pesar de los premios y la cobertura mediática del film,
uno tiene la impresión de que no es esta una gran película y
que, sin la interpretación de Natalie Portman (esforzada como
pocas: horas de ballet y un severísimo régimen), la buscada
polémica por una violenta escena de sexo entre mujeres y la
fama de enfant terrible de Aronofsky, probablemente no esta-
ríamos hablando de ella. Ana Sánchez de la Nieta.
dre, en libertad bajo fianza, no se ha presentado, y que la fian-
za era su casa: si no aparece en una semana, ella y su familia
se verán en la calle. Ree dice “lo encontraré”, y se pone en
marcha, lo que resulta ser una pequeña odisea: la gente de su
padre son todos delincuentes y no quieren que la chica vaya
haciendo preguntas.
Basada en una novela de Daniel Woodrell, Winter’s Bone
cuenta una historia dura, de heroísmo cotidiano llevado con
naturalidad por una adolescente, muy bien interpretada por
Jennifer Lawrence. Granik (que repite el premio del Jurado en
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Sundance que ya ganó con su primer largo, Down to the

Bone, estrenado en 2004) retrata una sociedad desvencijada
y embrutecida que parece surgir de otra época, con un realis-
mo próximo al documental. Las montañas, los bosques de
Ozark y sus habitantes recuerdan las fotografías de la Gran
Depresión.
En ese sentido, esta película responde al canon del cine
independiente norteamericano, de bajo presupuesto, rodada
en escenarios reales, con un reparto de una naturalidad pas-
mosa, conmovedora por su sencillez y exenta de dramatismo
artificioso.
En ocasiones puede ser oscura y macabra, pero no se
recrea. Un fiel exponente del estilo que gusta en el certamen
dirigido por Robert Redford. Fernando Gil-Delgado.

Sin retorno
Director y guionista: Miguel Cohan. Intérpretes: Leonardo
Sbaraglia, Martín Slipak, Bárbara Goenaga, Arturo Gotees,
Federico Luppi. 110 min. Jóvenes-adultos.
Un joven ciclista muere atropellado por un coche conducido
por un par de amigos que se dan a la fuga. Mientras el con-
ductor culpable se enzarza en una red de mentiras, el padre
del joven inicia una búsqueda desesperada para dar con
quien mató a su hijo.
Es sorprendente que una historia aparentemente tan trilla-
da de lugar a un sólido thriller de factura negra y final sorpren-
dente. El debutante argentino Miguel Cohan ha querido refle-
jar en la pantalla los dilemas éticos que acompañan a la men-
tira: desde la angustia de tapar un homicidio, hasta la aneste-
sia de vivir como si nada hubiera ocurrido, pasando por el
espejismo de quienes buscan chapuceramente un falso cul-
pable para liquidar el expediente o el que descansa, feliz de
su coraje ignorando la injusticia que acaba de cometer.
De todo esto habla Sin retorno, una película seca, adusta,
con pocas concesiones al público y a pesar de todo positiva
por su decidida apuesta por la integridad ética de los indivi-
duos y por el valor de la verdad por encima de conveniencias,
apariencias, guiños a la galería y razones sentimentales. La
cinta cuenta además con un reparto de primeros espadas
argentinos y una convincente Bárbara Goenaga que demues-
tra un estupendo acento porteño.
Detrás de esta película están los productores de El secre-
to de sus ojos y se nota: algo tiene el cine argentino actual
que le ha tomado la medida al tradicional –y tan difícil de
levantar hoy– film noir. La cinta ganó en la Seminci la Espiga
de Oro ex aequo con Copia certificada. Ana Sánchez de la
Nieta.

Enredados (Rapunzel)
Tangled
Directores: Nathan Greno, Byron Howard. Guión: Dan Fogelman.
Animación. 92 min. Todos.

Al poco de nacer, una princesa es raptada por la bruja

Gothel, quien la cría como hija suya, pero la mantiene reclui-
da en una alta torre, sin puertas, para aprovecharse de las
propiedades mágicas de su cabello. Cuando va a cumplir die-
ciséis años, la chica pide a su “madre” permiso para ver el
mundo. No se lo concede: afuera es peligroso. Pero casual-
mente llega a la torre Flynn, un apuesto ladrón, que huye de
la justicia.
Como en sus mejores momentos, Disney adapta –muy li-
bremente– un cuento clásico, y hace una pequeña maravilla,
en la mejor tradición de Blancanieves, La bella durmiente o La
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Bella y la Bestia. La historia de Rapunzel, de los hermanos
Grimm, ha sido enriquecida con conflictos nuevos y con
personajes que tienen profundidad. Gothel tiene un motivo
para su maldad: quiere mantenerse joven; Rapunzel cree
que es hija de Gothel y no quiere desobedecerla, aunque
sea curiosa e inquieta –tiene 17 años–; Flynn tiene mucho
de Aladino, un bandido que debe convertirse en héroe y
sacrificarse por un ideal; y hay un montón de divertidos
secundarios, un par de animales con una extraordinaria per-
sonalidad y unas canciones –no muchas– del veterano
Menken.
El guión está lleno de cuidados detalles, de aventuras, de
guiños a los clásicos, de Disney –sobre todo a Aladdin y La
bella durmiente– y de fuera, sobre todo Shakespeare: Ro-
meo y Julieta –descubrimiento del amor–, La tempestad
–descubrimiento del mundo–. El ritmo es extraordinario y la
intensidad dramática va a más todo el tiempo. Fernando
Gil-Delgado.

Thérèse
Director: Alain Cavalier. Guión: Alain Cavalier, Camille de
Casablanca. Intérpretes: Catherine Mouchet, Aurore Prieto,
ClémenceMassart. 90 min. Adultos.

Con 25 años de retraso se estrena en España la ganadora

del gran premio del Jurado en Cannes y de seis premios
César, incluidos los de película y director. Se cuenta la vida
de santa Teresa de Lisieux, y en el guión del propio director
y de Camille de Casablanca hay grandes aciertos pero tam-
bién deficiencias llamativas.
La película es bellísima, por las interpretaciones de un re-
parto brillante, por la colosal fotografía de Philippe
Rousselot, por la puesta en escena austera y minimalista pe-
ro tremendamente esencial y por eso poderosa, por el audaz
montaje que va sumando cuadros en una apertura me-
morable. Catherine Mouchet compone una Teresa que res-
ponde a lo que leemos en su Historia de un alma. Será bue- sencilla, en ningún momento subsumible en el estereotipo
no recordar que esta obra no es una autobiografía al uso si- de mujer infantil o poco profunda. Teresa es una mujer de
no un escrito impresionista que Teresa redacta por obedien- extraordinaria fortaleza, que ha enseñado a millones de per-
cia a su superiora, su hermana Paulina, que la anima a es- sonas a seguir el camino de la infancia espiritual en el trato
cribir con libertad recuerdos y experiencias de su vida antes con Jesucristo, y eso en la película no termina de estar
de ingresar en el Carmelo y durante los pocos años que claro: los que no conozcan a Teresa pueden formarse una
estuvo allí, antes de morir con 24 años por una tuberculosis. imagen suya un tanto distorsionada.
El problema de Thérèse radica en algunos brotes de ra- Con todo, si se salvan algunas simplificaciones toscas
cionalismo –en algún momento ciertamente condescen- (ese retrato chocante y morboso de una amistad particular),
diente– que pueden resultar irritantes, porque suponen los que conozcan la vida y los escritos de Teresa –siempre
acercarse con brocha en vez de pincel a un alma delicadísi- con un pie en Nazaret y otro en el Calvario– disfrutarán y se
ma y llena de ingenuidad, pero metida en la forja del dolor y quedarán con el grano de una cinta muy notable que tiene
la renuncia durante toda su vida. Una mujer, muy alegre y algo de paja. Alberto Fijo. Ë

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✵ En las fichas de las películas, al final y entre
1 127 horas
paréntesis, se hace referencia a la presencia de
2 I’m Still Here escenas de: violencia (V), sexo (X), sensualidad (S),
3 The Fighter diálogos soeces (D)

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