c


El Arte Pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el
empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales
como anuncios publicitarios, comic books y objetos culturales «mundanos». El arte pop,
como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura
existente en el Bellas artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas
con otras,además de resaltar el aspecto banal o O
 de algún elemento cultural, a
menudo a través del uso de la ironía.

El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte
moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a
considerar como los ejemplos más tempranos de éste.

El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes
ideales del Expresionismo abstracto.3 De cualquier forma, el arte pop también es la
continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia en las
posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones.3 Del mismo
modo, el arte pop era tanto una extensión como un repudio del Dadaísmo.3 Mientras que
el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los
impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del   

 . Entre los artistas
considerados como precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp,
KurtSchwitters y ManRay.

El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales
de los años 1950 en los Estados Unidos.con diferentes motivaciones. En Estados Unidos
marcó el regreso del dibujo del tipo Hardedge (traducido como «dibujo de contornos
nítidos» ) y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la
realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo
personal del expresionismo abstracto. En contraste, el origen en la Bretaña de la post-
guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba
en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular norteamericana, la cual
estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban
afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad. El
arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas
alimentadas por la cultura popular norteamericana vista desde lejos, mientras que los
artistas norteamericanos estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha
cultura.

La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las
prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil
comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las
actitudes que lo conducen.
?   
? 




El ‰

 
, fundado en Londres en 1952, es reconocido como el precursor del
movimiento artístico pop. Eran un grupo de jóvenes pintores, escultores, arquitectos,
escritores y críticos que desafiaban la visión modernista de la cultura así como la
perspectiva tradicional de ver las Bellas artes. Las discusiones del grupo se centraban en la
cultura popular y la implicación de la aparición de dichos elementos de comerciales,
películas , tiras cómicas, ciencia ficción y la tecnología. Durante la primera reunión del
Grupo independiente en 1952, el co-fundador, artista y escultor Eduardo Paolozzi
presentó una lectura utilizando una serie de  titulado 
O, el cual había
ensamblado durante su estancia en París entre 1947 y 1949.

?


 
 

üuvo su origen a finales de los años 1950 pero tuvo su mayor ímpetu en la década de
1960. Durante este tiempo, los anuncios norteamericanos habían adoptado varios
elementos e inflexiones del arte moderno y funcionaban a un nivel muy sofisticado.
Consecuentemente, los artistas norteamericanos buscaron estilos dramáticos que
distanciaran el arte de los bien designados e inteligentes materiales comerciales. A
diferencia del estilo más romántico, sentimental y humorístico de Inglaterra, los artistas
norteamericanos produjeron obras de mayor fuerza y agresividad.

?


Son multitud las obras de arte pop basadas en historietas. RománGuberndestaca con
A (1963), Richard Pettibone con  O
 (1959), Jess Collins con  O
  (1960),
Andy Warhol con ‰
 
   (1964) y Roy Lichtenstein con 

 
A 
(1964). Con los años, algunos historietistas serían influidos a su vez por el Pop-Art. Es el
caso del belga GuyPeellaert, autor de obras como   (1966) y   


 

(1968).


La palabra O
 se origina del término alemányidis
 O
 . Define al arte que es
considerado como una copia inferior de un estilo existente. üambién se utiliza el término
O
 en un sentido más libre para referirse a cualquier arte que es pretencioso, pasado
de moda o de muy mal gusto.

è
 

Aunque su etimología es incierta, está ampliamente difundido que la palabra se originó en

el arte de Múnich entre los años 1860 y 1870. El término era usado para describir los
dibujos y bocetos baratos o fácilmente comercializables.

Otra palabra alemanaO
 está asociada al verbo O
 , que significaba ͚barrer mugre
de la calle͛. El O
 apelaba a un gusto vulgar de la nueva y adinerada burguesía de
Múnich que pensaba, como muchos nuevos ricos, que podían alcanzar el status que
envidiaban a la clase tradicional de las élites culturales copiando las características más
evidentes de sus hábitos culturales.

Lo O
 empezó a ser definido como un objeto estético empobrecido con mala
manufactura, significando más la identificación del consumidor con un nuevo status social
y menos con una respuesta estética genuina. Lo O
 era considerado estéticamente
empobrecido y moralmente dudoso. El sacrificio de una vida estética convertida en
pantomima, usualmente, aunque no siempre, con el interés de señalar un status social.

üal vez un ejemplo clásico de ello es la arquitectura y el arte decorativo desarrollado en el

área de Los Ángeles en California durante las décadas 10 al 30 del siglo XX, cuando la zona
vivió un gran desarrollo económico debido a la agricultura y el éxito de la industria
cinematográfica de Hollywood, lo que creó una generación de gente emigrada de Europa
recién adinerada que intentaron recrear el estilo de los nobles europeos. Esto dio pie a la
creación de mansiones en las que se mezclaban caóticamente estilos como el barroco,
florentino, gótico y el rústico usado en las misiones de la misma California.

?



  



Existe un debate sobre el uso del término y la forma de definir las obras que responde a la
intención estética de su creador. De ordinario la definición de una pieza como "Kitsch"
involucra un secreto desprecio y el deseo de diferenciarlo del "arte culto", por lo que las
piezas realizadas en materiales económicos que imiten otros más caros, normalmente
ostentosas, son consideradas Kitsch sin importar si el autor deseaba aparentar o no una
pieza más costosa para que quien la poseyera se destacara como superior.
Sin embargo, otra corriente coincide en definir lo kitsch precisamente por el "deseo de
aparentar ser" (como la definición de clase propuesta por Marx). En este sentido, todas las
imitaciones y copias serían consideradas como kitsch, así como el uso de materiales que
pretenden ser otra cosa (plástico que imite oro, cristal o madera, por ejemplo), siempre y
cuando esté pensada para que su poseedor aparente ser de una clase social, económica o
cultural "superior" a la suya.

? 

  

[
O





 




 



 
 
 
 
 



 

 


 
 









  

 


 



!


 
 "

La palabra se popularizó en los años 1930 por los teóricos ClementGreenberg,

HermannBroch, y üheodor Adorno, que intentaban definir lo avant-garde y el O
 como
opuestos. En aquella época, el mundo del arte percibía la popularidad del O
 como un
peligro para la cultura. Los argumentos de los tres teóricos confiaban en una definición
implícita del O
 como una falsa consciencia, un término marxista que significa una
actitud mental presente dentro de las estructuras del capitalismo, que está equivocada en
cuanto a sus propios deseos y necesidades. Los marxistas suponen que entonces existe
una separación entre la situación verdadera y su fenomenología.

c



El arte académico del siglo XIX todavía se ve a menudo como O
, aunque esta visión
está siendo atacada por los críticos modernos. Quizás es mejor recurrir a la teoría de
Broch, quien discutía que la génesis del O
 estaba dentro del Romanticismo, que no es
O
 por sí mismo pero que abrió la puerta para el gusto del O
, acentuando la
necesidad del trabajo de arte expresivo y evocador. El arte académico, que continuó esta
tradición Romántica, tiene una razón doble de su asociación con el O
.

No es que fuera accesible; de hecho, es durante este periodo que surge la distinción entre
arte alto y arte bajo definido por los intelectuales. El arte académico se esforzó en
permanecer en una tradición arraigada en la experiencia estética e intelectual. Las
calidades intelectuales y estéticas del trabajo estaban ciertamente allí. Los buenos
ejemplos del arte académico incluso fueron admirados por los artistas "AvantGarde" que
se podrían rebelar contra él. Había una cierta crítica, sin embargo, que declaraba que el
arte se volvía ͞demasiado hermoso͟ y democrático, y esto lo hacía ver demasiado fácil y
superficial.

m

 

Con el surgimiento del postmodernismo en los años ochenta, la línea entre lo O
 y el
arte se volvió otra vez borrosa. üambién surgió el concepto de , que es una
apreciación irónica que de otra manera se consideraría tonta y pedante, o de otro modo
O
. Como ejemplos de  está Carmen Miranda con sus sombreros tutti-frutti, o
eventos culturales populares que tienen una fecha en particular o son inapropiadamente
serios, como las películas de ciencia-ficción con bajo presupuesto de los años cincuenta y
sesenta.  se deriva del término francés  , que significa ͚presentarse de una
manera exagerada͛.

Algunos artistas de esta época retoman los elementos del O
 en su obra, como los
artistas Pierre et Gilles, fotógrafo y pintor franceses célebres por sus representaciones
ridículas que se alimentan con la imaginaría religiosa, el arte pop, el homoerotismo,
creando una fuerte identidad propia; o Alan Glas con sus cajas de arte objeto.

SusanSontag planteaba que el  era una atracción a las cualidades humanas que se
expresaban por sí mismas en ͞tentativas falsas de seriedad͟, teniendo estas cualidades un
particular y único estilo que reflejaba la sensibilidad de la época. Esto implica una estética
del artificio más que de la naturaleza. De hecho los seguidores de línea dura del término
 insisten en que ͞ es una mentira que se atreve a decir la verdad͟.

Mucho del Pop Art intentó incorporar imágenes de la cultura popular y el O
; los
artistas pudieron mantener su legitimidad diciendo que ellos ͞citaban͟ las imágenes para
elaborar conceptos. Usualmente la apropiación de estas imágenes era de manera irónica.

En Italia, un movimiento llamado NuoviNuovi (͚Nuevos Nuevos͛) tomó una ruta diferente:
en lugar de citar lo O
 de manera irónica, se encontraron en un primitivismo que
abrazaba lo feo y barato, tomando esto como una especie de antiestética.

El Arte Conceptual y el Deconstructivismo plantearon un cambio interesante, porque

como el O
, los dos movimientos subestimaban la estructura formal del trabajo de
arte, dando más importancia a otros elementos que tienen más relación con otras esferas
de la vida.

ë

En México la palabra tiene un uso limitado al mundo del arte. Su uso generalmente
implica definir una obra de arte o un suceso que tiene características vulgares, de mal
gusto o popular. La palabra probablemente pueda ser comparada con la palabra ,
pero a diferencia de ésta, lo que se define como O
, aunque de mal gusto, adquiere
una valoración artística o por lo menos positiva. Aunque lo Kitsch es popularmente
explotado en programas como Cándido Pérez o en los de Eugenio Derbez y llevado al
extremo.
Electrográfica.
Es una modalidad artística que consiste en emplear instrumentos eléctricos y mecánicos
para la producción de obras artísticas. En su mayor parte se refiere al uso de la
fotocopiadora como instrumento base para el trabajo creativo, aunque también se puede
referir al trabajo con otros instrumentos, como faxes y thermofaxes.

La electrografía se produce a base de la manipulación tanto de los objetos fotocopiados

como de las propias fotocopiadoras. Algunas técnicas incluyen:
- El movimiento del objeto mientras se realiza la copia (Bougé), que produce
deformaciones del objeto fotocopiado
- La pintura a la luz, que consiste en crear juegos de luces y sombras sobre la placa de la
fotocopiadora
- La pintura al dedo, que se produce interrumpiendo el proceso de copiado y manipulando
el papel antes de la fase de fijado
- La degeneración, producida mediante copias sucesivas, hasta que la imagen se rompe en
líneas o puntos
- La descomposición, desplazando el original antes de cada una de las tres tomas de la
imagen del ciclo de electrocopia en color, para separar los colores primarios.

La electrografía no solamente utiliza el papel como soporte, mediante procesos de

transferencia, es posible imprimir en otros materiales: lienzo, cuero, parafina, e incluso
metal.

Aunque en un principio pueda parecer que la electrografía está limitada a solamente unos
pocos tamaños estándar, esto no es así. Se han realizado obras de muy gran tamaño
realizadas en una sola pieza, como es el caso de la expuesta en el museo del Louvre en el
año 1983: una electrografía de 144 metros realizada en una sola pieza que representaba
el metro de una modista.

†   

El proceso electrográfico, también llamado xerografía (del griego = -seco y  -

escritura) fue descubierto en 1938 por Chester Carlson, y culminó con la invención de la
fotocopiadora.

En los años 60 diversos artistas como Sonia Landy Sheridan y Bruno Munari empezaron a
experimentar con las posibilidades de la fotocopiadora, no solo como instrumento de
reproducción rápido y económico que permite a los artistas distribuir sus obras sin
depender de las industrias de artes gráficas, sino como recurso expresivo para la creación
y transformación de obras de arte.
Durante los años 70 y 80 diversos artistas experimentaron con la electrografía: Andy
Warhol, David Hockney, Paul Bury, Bruno Munari, Monica Mayer...

En España los pioneros en este arte fueron artistas como Pere Noguera, Marisa González,
el colectivo Alcalá Canales y Eugenia Balcells, que en los años 70 y 80 comenzaron a
experimentar con este arte en medio de grandes dificultades, debido a la escasez de los
medios adecuados para llevarlo a cabo en aquella época.

Existe en Cuenca uno de los principales museos dedicados a este arte, el Museo
Internacional de Electrografía (MIDE)

Desde 1989, la existencia de scanners y copiadoras láser en color, y la posibilidad de

conectarlas a un ordenador o a una cámara de video abre una nueva era de posibilidades
para la electrografía.